El pasado 22 septiembre salió ‘Tension’, el decimosexto álbum de Kylie Minogue y el primero desde 2020, cuando lanzara ‘Disco’. En esta ocasión, la artista vuelve a publicar un trabajo pop compuesto por once canciones.
El disco, en la línea de álbumes anteriores de Kylie Minogue, ha ido directo al número 1 de Reino Unido. La artista ha logrado vender más de 53.000 unidades en su primera semana, superando así al resto del top 5 combinado, donde se encuentran álbumes como ‘GUTS’ de Olivia Rodrigo.
Por otro lado, en cuanto al éxito individual de las canciones, Kylie Minogue ha conseguido posicionar su single ‘Padam Padam’ dentro del top 10, uno de los mejores temas de ‘Tension’. De hecho, gracias al lanzamiento ha regresado a las 200 canciones más reproducidas a diario en Spotify UK.
La cantante ha tenido un buen recibimiento en los distintos formatos de música, liderando también en la lista de vinilos. En cuanto al streaming, recibió más de 3 millones de reproducciones en Spotify durante sus primeras 24 horas, convirtiéndose en uno de sus mejores días en la plataforma.
Los 35 años de carrera musical de la artista la han consagrado como una de las más exitosas de nuestro tiempo. Al igual que hiciera con su debut ‘Kylie’ en 1988, Minogue todavía es capaz de reinar en la lista de álbumes con sus nuevos lanzamientos. ‘Tension’ la ha llevado a empatar con Bob Dylan y Coldplay en cantidad de números 1, con 9 cada uno, tan solo por detrás de Taylor Swift (10) y Madonna (12).
Rodrigo Cuevas está viviendo una de sus semanas más importantes del año. El pasado viernes publicó su tercer trabajo discográfico, ‘Manual de Romería’, que se ha convertido en nuestro Disco de la Semana. Ahora está sumergido en la promoción del disco y, para ello, ha visitado el plató de ‘Cafè d’idees’, donde ha hablado públicamente sobre si se ha presentado al Benidorm Fest.
Desde su primera edición en 2022, Rodrigo Cuevas ha sido uno de los nombres más reclamados por los eurofans para participar en la preselección española de Eurovisión. Sin embargo, el artista no había aclarado sus intenciones sobre una posible candidatura. Hoy, cuando se le ha preguntado al respecto, ha confesado que no se ha presentado y que tampoco planea hacerlo.
Los motivos los tiene claros: «Los eurofans son muy crueles y hunden a la gente, y yo no estoy para eso». El artista ha comentado que no quiere que nadie lo juzgue, tan solo su público, y que no desea ir a un programa «así de masivo»: «Quiero llegar al público a través del boca a boca, a través de una entrevista, a través de que me escuchen en la radio, en Spotify o donde sea». Rodrigo Cuevas ha confesado que no quiere ser tan famoso de un día para otro.
Además, ha expresado que le parece horrible que la «competitividad insana» que genera el fútbol haya saltado a la música, explicando que «los eurofans quieren mucho, pero quieren mal». No obstante, abre una pequeña puerta a la esperanza: «Cuando la gente aprenda a ver las competiciones con un poco más de deportividad iré, pero hasta entonces no».
El único de los participantes del Benidorm Fest que se ha manifestado por estas declaraciones ha sido Rayden, que ha aprovechado para felicitarle por su nuevo álbum. «Espero convencerte de que el Benidorm Fest no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde compartir relatos tan necesarios como el tuyo. Gracias por tu arte», ha escrito en Twitter.
La respuesta de Rodrigo Cuevas no se hizo esperar, y ha continuado en la línea de su discurso inicial: «Muchas gracias!! Me temo que no es lugar para mí, demasiada exposición, pero gracias por todo».
Discazo de @RodrigoCuevasG. Espero convencerte de que el BF no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde competir relatos tan necesario para el tuyo. Gracias por tu arte.https://t.co/OHOBrRhLv2
Imaginar a un dictador que ha provocado el sufrimiento de millones de personas como una suerte de vampiro decrépito puede tener su gracia. Desgraciadamente, Larraín nunca consigue dársela en las casi 2 horas que dura ‘El Conde’, su nueva sátira política que ha ido a parar directamente al catálogo de Netflix sin pasar por las salas españolas.
El chileno sigue desmarcándose de su propio estilo en cada película, aunque su cine siempre parece estar ligado, de una forma u otra, a una causa política. Tras dos películas biográficas centradas en la reivindicación de dos célebres mujeres en cargos públicos de alta responsabilidad (‘Jackie’, sobre Jacqueline Kennedy; y ‘Spencer’, sobre Lady Di), el cineasta regresa a su país para reinterpretar en clave de comedia negra la vida de Augusto Pinochet. No es la primera vez que el dictador aparece en su filmografía, ya lo hizo en ‘No’, pero frente a la tensión dramática y realismo de aquella, ‘El Conde’ pretende ser una sátira gamberra y mordaz.
El principal problema aparece ya en los primeros minutos. La película comienza evidenciando su interés por lograr una estética intrigante y, sin duda, consigue crear imágenes potentes y sorprendentes, pero es su extrañísimo tono -primero marcado por una desconcertante voz en off en inglés, después por todo lo demás- lo que impide que visualmente generen el impacto que deberían. Larraín está convencido de lo brillante de su idea -que, sobre el papel, puede serlo- y se olvida de desarrollarla o simplemente de generar algún discurso interesante.
Resulta frustrante ver cómo los actores se esfuerzan en dar vida a estos personajes tan planos, en aportar una intención cómica en sus intervenciones, y cómo dichos esfuerzos no pueden traducirse en la más mínima de las sonrisas por culpa de un guion ensimismado y superficial.
Intermitentemente, ‘El Conde’ ofrece tímidos momentos de interés -ciertas conversaciones entre la monja y Pinochet o alguna idea visual estimulante- pero se diluyen rápido en una narrativa que nunca encuentra el tono y a la que le falta garra por todas partes. Toda esa mala leche con la que claramente está escrita no traspasa la pantalla, se queda en tierra de nadie. Tiene mérito, eso sí, que Larraín se embarque en propuestas tan extrañas y personales como estas, pero la valentía en este caso no consigue levantar un proyecto que siempre se siente inerte, falto de vida. Su supuesta irreverencia -tan obvia- tampoco la hace particularmente transgresora. Todo se queda en una anécdota extraña y decepcionante dentro una filmografía en la que ya suman muchos más los fallos que los aciertos.
Cuando esta noche Ana Mena ha sacado su nueva canción, había quienes ya se sabían el ritmo y la letra de memoria. Y es que ‘Madrid City’, sin haber sido publicada, era la canción estrella de los últimos conciertos de la artista. Hoy, por fin, los fans pueden escucharla oficialmente en todas las plataformas musicales.
Se conoce la existencia del tema desde que, en su paso por el Arenal Sound este verano, Ana Mena sorprendiera con un pequeño adelanto del mismo. Los vídeos empezaron a correr como la pólvora en redes sociales y, desde entonces, los seguidores de la cantante llevan reclamándole su fecha de lanzamiento. Después de tanta espera, Ana Mena ha publicado este viernes la canción acompañada de su propio videoclip.
En la línea de ‘Children’ de Robert Miles y la reciente ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding, en ‘Madrid City’ vuelve a apostar por ese pop-electrónico que ya caracterizó a ‘Las 12’. De hecho, el nacimiento de la canción ha sido muy similar, desde su proceso de composición junto a Mauricio Rengifo y Andrés Torres, hasta su campaña de promoción viralizándose previamente en Internet.
En cuanto al videoclip, Ana Mena hace gala de coreografía para enseñar una noche de fiesta con amigas. Hay referencias a su canción ‘Las 12’ y un cameo de la influencer Marta Díaz. «Esta canción está hecha para todas esas personas que busquen una canción que les emocione, que les alegre el día y con la que disfrutar; es la canción perfecta para la fiesta de Madrid”, ha comentado la artista.
Pese a que todavía no sabemos mucho sobre el proyecto en el que está trabajando actualmente, Ana Mena ha revelado a Revista GQ que guarda relación con una segunda parte de su segundo álbum ‘Bellodrama’. Dado que el disco fue publicado hace tan solo unos meses, induce a pensar que podría lanzar una edición deluxe. De momento, la cantante seguirá recorriendo España con su Bellodrama Tour.
El título del primer disco en solitario de J de Los Planetas viene de una de las citas más célebres de ‘Arrebato’, la gran película de culto del cine español del siglo XX. La «plena pausa» es una manera de expresar ese momento en el que una obra de arte (y/o las drogas) te absorben por completo, y es el resumen más gráfico de todo el contenido de la película: «Dime, ¿cuánto tiempo te podías llegar a pasar mirando este cromo…? ¿Te acuerdas?… ¿Y este?… ¿Y esta orla?… ¿Y esta página?… ¡Años, siglos…! ¡Toda una mañana! Imposible saberlo, estabas en plena fuga… éxtasis… colgado en plena pausa… ¡Arrebatado! ¡Mira!».
Recientemente la Filmoteca Española adquirió una serie de pequeñas películas perdidas del director Iván Zulueta, y le pidió a J que las musicara para una presentación en directo. El proyecto se redondea con la edición de un vinilo + DVD en el que puedes encontrar 10 canciones y 15 cortos (algunas pistas no cabían en la edición vinilo y J no quería que fuera doble), que aúnan las imágenes inéditas de Zulueta con las composiciones de J ideadas para ellas.
El líder de Los Planetas se ha inspirado en la música y el cine que «arrebataba» a Zulueta, poniendo también una parte de sí mismo y de folclore andaluz por el camino. Pero la referencia principal es la Velvet Underground y la Factory de Andy Warhol, de manera colateral el trabajo en solitario de Lou Reed, y finalmente el glam de los 70, lo que explica por ejemplo esos efectos de guitarra tan Bowie que aparecen en ‘Y la nave va’.
En España, la principal referencia sería Family. Los bajos de ‘Un soplo en el corazón‘ se asoman por canciones como ‘Mi ego está en Babia’, al tiempo que atendemos a algunas de las letras más naíf de J: «este avión me va a llevar al país donde vive Peter Pan». Redondeando todo el proyecto, dada la amistad entre Zulueta y Javier Aramburu, y su origen donostiarra, es este quien se ha encargado del diseño del LP.
‘Plena pausa’ es, por todo esto, una obra que se regocija en lo «meta», al mismo tiempo que un disco en solitario de J que puede degustarse sin mayor trasfondo intelectual. Hay que subrayar que el álbum no se inspira principalmente en ‘Arrebato’ -aunque hay muchísimos guiños- sino en las películas inéditas de Zulueta. En general, son cortos de 3 o 4 minutos más asequibles, lo que ha condicionado que el autor de ‘Ya no me asomo a la reja’, ‘La Copa de Europa’ y ‘El manantial‘ no haya podido entretenerse en grandes desarrollos, sino que haya tenido que terminar las canciones casi de manera abrupta.
En su consecuencia, la mencionada ‘Mi ego está en Babia’, ‘Natalia dice’ o ‘Arrebato (Un buen día para Iván)’ están entre las canciones más inmediatas que ha grabado J recientemente. Además, sin la carga sociopolítica de su último disco hasta ahora ‘Las canciones del agua‘. En la saltarina ‘Natalia dice’ realiza un paralelismo entre una miembro de su nueva banda -Natalia de 107 Faunos-, que es argentina, y Cecilia Roth, y también entre las películas que han visto durante el confinamiento tanto J y Natalia como los personajes de Cecilia Roth y Eusebio Poncela en las cintas.
Y ni que decir tiene que la transformación de ‘Un buen día’, el gran clásico de Los Planetas, en esta adaptación para Iván Zulueta, es el gran triunfo de este disco. Las imágenes de la película, pura cultura queer en sintonía con Warhol y el cine posterior de Almodóvar, con quien Zulueta trabajó en varias ocasiones, son pura poesía. Uno desearía que esa pieza durara mucho más.
Más psicodélica pero casi igual de pop es ‘Tormenta eléctrica’, con una inspiración más Jesus & Mary Chain, y un estribillo precioso:
«lo estuvimos intentando de verdad
en el mundo no había nadie que molara más
vivíamos en medio de una tempestad
por eso soy feliz cuando empieza a diluviar».
Uno más de los muchos paralelismos que podemos encontrar entre todos los artistas mencionados. «A mí me llaman el loco porque vivo arrebatado, estoy loco de cuidado» (‘Soleares del loco’) sería otra de esas frases que podrían aplicar a Zulueta, J, Aramburu y Reed. Hablando de lo cual, otra de las piezas imprescindibles aunque no disponible en vinilo, tan sólo en la versión DVD, es la película «Hotel», que se corresponde con dos temas llamados ‘Fandangos del rascacielos’ y ‘Los Desalmados’.
Forma parte de la mitología de la ciudad la relación de Zulueta con la Torre de Madrid y las palabras de J mientras Iván observa la ciudad en 1975, embelesan. Una persona parece que va a caer desde una enorme altura, desde arriba «todos nos parecen pequeños», atormenta «la angustia de saber que no hay ninguna esperanza y ha empezado a llover». Una estrofa rinde homenaje a Family (“Desde aquí domino el gran país, este rascacielos es gigante”). Otra fusila ‘Perfect Day’ de Lou Reed. Quizá por eso esta maravilla no podrá encontrarse en las plataformas de streaming.
Las películas familiares de los Zulueta incluso antes del nacimiento de Iván (‘Y la nave va’), ese momento de las ‘Romerías de Betty Boop’ en que vemos a Cecilia Roth maquillarse para una escena de ‘Arrebato’ y J canta «cuidadito con ella, que es peligrosa y está soltera», ese plano de ‘Película de Plata’ en que no sabes si un guapísimo Will More llora o bosteza mientras J dice que «no fuiste especial» o la importancia de ver a Ugarte (Santi) pasear por ‘Jaleo en la calle’, cuando fue él quien acuñó el término «Donosti Sound», son solo algunos de los infinitos detalles de esta obra que aglutina el mejor underground del siglo XX. Y solo se fabricarán 2.992 copias.
Delaporte, uno de los mejores grupos de pop español de la actualidad, por sus discos ‘Como anoche‘ (2019) y ‘Las montañas‘ (2020), vuelve con nuevo single y nueva gira. ‘Me la pegué’ es el primer adelanto de su próximo disco, que verá la luz en 2024. También es la producción más tecno que jamás hayan firmado Sandra Delaporte y Sergio Salvi. Y tiene su razón de ser: el directo será más importante que nunca en esta nueva era.
«En esta canción y en las que se publicarán próximamente», explica la nota de prensa, «la gente es el foco de atención a lo largo de todo el proceso creativo, haciendo protagonistas a las personas que acuden a los conciertos; también en las portadas y en los videoclips».
‘Me la pegué’ surge de una ruptura que lleva a Sandra a querer sudar sus preocupaciones en la pista de baile. “No quiero seguir hablando de amor romántico, es mentira, y la mejor forma de salir de ello es viviendo una fiesta con tu gente; es un proceso sanador», relata. «El invierno pasado me fui de Madrid, donde parece que tiene que pasar todo. Fue en Asia central y después en Cantabria donde empecé a componer el nuevo álbum y me di cuenta de que bailar me cura, de que el techno me cura y me llena el corazón y que es tan verdad como que respiro. En mis pedradas interiores que me impiden pasármelo bien, utilizo mis letras como mantras”.
Así, ‘Me la pegué’ habla de escapar lo que duele, de sacar un clavo con otro y de «borrar ese Disney de mi cabeza», y las duras percusiones de la base cumplen ese cometido de borrar de un plumazo cualquier sentimiento de angustia o desconsuelo. A su vez, la música se mira en el espejo de aquel electroclash que tanto bailamos allá por 2007, en la era «bloghouse», a la que recuerda.
Además, Delaporte han anunciado la gira ‘Aquí y ahora’ y un concierto el 9 de febrero en la sala La Riviera de Madrid, que incluye la posibilidad de adquirir una entrada doble para los compradores que quieran disfrutar, además, de una sesión especial en directo en la sala El Sol el 7 noviembre (hasta completar aforo). Los tickets estarán a la venta.
También están anunciados los conciertos del 13 de octubre en la fiesta de la Hispanidad de Madrid, el 14 en Love To Rock de Valencia, el 28 en la sala Camelot de Salamanca (Directos Vibra Mahou), el 3 de noviembre en la sala Universonoro de Palencia (Directos Vibra Mahou) y el 25 en el Valladolid Intro Music Festival (sold out). Próximamente se comunicarán más fechas.
PinkPantheress, la cantante británica curtida en TikTok que ha vuelto a poner de moda los ritmos garage y las canciones de 2 minutos o menos, ganadora del BBC Sound of 2022, vuelve con nuevo single. ‘Mosquito’ es presumiblemente el primer adelanto de su debut largo oficial.
Aún co-producida por Greg Kurstin, aliado de un sinfín de estrellas internacionales, de Harry Styles a Kelly Clarkson, ‘Mosquito’ conserva la gracia de las mejores canciones de PinkPantheress. De hecho, ella dice que es su favorita de todas las que ha escrito. Es la Canción Del Día de hoy.
Con una duración de 2 minutos y 26 segundos, ‘Mosquito’ es una de las canciones más largas firmadas por PinkPantheress (la de mayor duración es ‘Take Me Home’, que dura 3 minutos y 20 segundos). En ‘Mosquito’, a PinkPantheress ese tiempo le basta y sobra para entregar una simpática producción que alterna el sonido de una guitarra acústica con fantasías de producción varias, incluidos unos silbidos.
Ese es el envoltorio de ‘Mosquito’. En el interior de la composición encontramos una de esas melodías melancólicas que tanto gustan a la autora de ‘Boy’s a liar’ o ‘Just for Me’. Aunque la canción a la que más se parece, por sonido, es ‘Passion’.
Curiosamente, ‘Mosquito’ no habla de ningún desamor, sino de la relación de PinkPantheress con el dinero. Canta que despilfarra de tal manera que no entiende «qué ha pasado conmigo». Es lo que tiene hacerte de oro gracias a tu trabajo. Pero ella lleva su relación con la moneda a un punto de obsesión: «He soñado que estaba muerta y solo me importaba porque me separaba de ti». Same!
Jung Kook, integrante de BTS, sigue sumando éxitos en solitario antes de su retirada de la industria musical para iniciar su servicio militar en Corea del Sur. Después de colaborar con Charlie Puth en ‘Left and Right‘, un tema que está a punto de alcanzar los 800 millones de reproducciones en Spotify, el cantante surcoreano se ha apuntado un éxito mayor con ‘Seven’.
Top 2 en el global de Spotify, pues solo ‘Paint the Town Red‘ de Doja le impide volver al número 1, ‘Seven’ ha dado el mayor éxito en las carreras de Jung Kook (a solas) y Latto. Se trata de una agradable producción de inspiración UK garage que, en la letra, se vale del típico recurso de enumerar los días de la semana (de ahí el título de la canción) para ilustrar la intensidad de un amor. Y de algo más: la versión explícita directamente dice «te follaría todos los días de la semana».
Publicado a mediados del pasado mes de julio, ‘Seven’ -una producción de Andrew Watt y Cirkut- ha conseguido en apenas unos meses los mismos streamings que ‘Left and Right’ en todo un año. Antes de que acabe 2023 es más que probable que ‘Seven’ rebase la cifra diamante: los mil millones de streamings.
Mientras, Jung Kook no se queda de brazos cruzados y publica nueva música. ‘3D’, su nuevo single, está disponible desde hoy. Es una colaboración con otro de los raperos más populares de Estados Unidos, Jack Harlow, y una producción de Bloodpop y Davis Stewart que prueba un sonido diferente al de los singles anteriores. El funk de ‘3D’ recupera el sonido que concibieron Justin Timberlake y Pharrell Williams a principios de siglo, con resultados muy dignos.
‘3D’ habla de una relación virtual, vivida «a través del teléfono». Jung Kook canta: «si estás lista, te quiero ver en movimiento, en 3D». El pegajoso groove es irresistible, y el single de Spotify tiene a bien de incluir la versión instrumental como pista 2, por si te apetece seguir regodeándote en el seductor sonido que la producción ofrece.
Britney Spears ha convertido en una costumbre personal subir a su cuenta de Instagram vídeos de ella bailando en el salón de su casa. El último ha dado mucho de qué hablar en redes, pues Spears ha decidido grabarse realizando una intensa coreografía con dos cuchillos de cocina agarrados en cada mano. Detrás de ella, sus perritos no saben si acercarse o huir de la escena.
El vídeo ha provocado comentarios de asombro pero también de preocupación por el riesgo para la salud que supone bailar con un objeto afilado aparentemente sin un entrenamiento previo. Britney ha asegurado que los cuchillos son «de mentira».
El vídeo viral ha dado lugar a parodias inenarrables como la del actor y cómico Max Clayton, que ha reproducido la coreografía paso por paso disfrazado de Michael Myers de ‘Halloween’, aprovechando que de hecho Halloween está a la vuelta de la esquina. De hecho, Spears mencionaba esta festividad en la leyenda de su vídeo original.
A su bola, Britney ha levantado a sus seguidores esta mañana con un segundo vídeo de ella bailando con cuchillos. La cantante de ‘Oops! I Did It Again’ ha vuelto a asegurar que las navajas no son reales: «Sé que he asustado a la gente con el último post, pero los cuchillos son falsos, mi equipo los alquiló en una tienda Hand Prop de Los Ángeles. No son cuchillos reales. Nadie tiene por qué preocuparse o llamar a la policía». En las últimas horas, Spears ha recibido una nueva visita de la policía, informa TMZ, a raíz del vídeo.
Además, Spears ha dicho que el vídeo es un homenaje a Shakira. «Estoy intentando imitar a una de mis artistas favoritas, Shakira, en concreto una actuación que me inspiró mucho. Brindo por nosotras chicas malas porque no nos da miedo romper barreras ni correr riesgos». Spears se refiere a la reciente actuación de Shakira en la gala de los MTV Video Music Awards, donde la colombiana bailó con dos dagas. Como recordaréis, Spears y Shakira coincidieron en 2001 en una portada de Rolling Stone.
«Algo cambiará cuando empiece septiembre», cantaba Luna Ki. Y lo que cambia es que las novedades musicales se apilan, se amontonan. Hoy 29 de septiembre salen nuevos discos de Wilco, J de Los Planetas, Blonde Redhead, Animal Collective, Oneohtrix Point Never, Kinder Malo, Jorja Smith, Melenas, Del Water Gap, Mae Muller, LP, Ed Sheeran, Molly Burch, Marcelo Criminal o Slow Pulp o Natalia Lacunza (EP). El disco de Celia Becks está disponible desde hace días.
Hemos avanzado la playlist «Ready for the Weekend» con algunas de las novedades que han llegado en los últimos días, como el dueto de Empress Of y Rina Sawayama, el single guitarrero de Dani Dicostas (antes dani), el regreso de Debby Friday después de ganar el Polaris, el nuevo tema de Lacunza, el enésimo adelanto de Blonde Redhead o el dueto de Sexy Zebras y Rufus T. Firefly.
Hay plancha con las novedades de U2, Delaporte, Madness, Ana Mena, Villano Antillano, The New Raemon, Two Door Cinema Club, Hemlocke Springs, Mujeres, L’Rain, Apartamentos Acapulco, The Streets, Bejo, El Buen Hijo, FEID, Ty Segall, The Mountain Goats, Sexxy Red, Florentino con Shygirl, Daneshevskaya, Sweet Pill, Helena Deland y más.
Hace una semana se cumplía un año desde el lanzamiento de ‘Hold the Girl’, el segundo álbum de estudio de la británico-japonesa Rina Sawayama. Y ha sido después de todo este tiempo cuando la artista, en una entrevista para la BBC, ha desvelado el verdadero trasfondo del disco: un abuso.
Rina Sawayama se ha sincerado en el programa ‘In Conversation’, donde ha contado por primera vez que un profesor la acosó cuando tenía 17 años, tratando de ganarse la confianza de una menor para luego abusar de ella. El proceso de escritura del álbum fue condicionado a raíz de ese suceso, pues la cantante ha estado yendo a sesiones de terapia sexual, en las que se dio cuenta de lo que sucedió realmente con ese hombre.
«Me manipularon», comenta la artista. «Fue un profesor del colegio. Para mí, tener diecisiete años es ser una niña. Estás en la escuela. Si un profesor del colegio se te insinúa, es un abuso de poder. Pero no me di cuenta hasta que tuve su edad». Rina Sawayama cumplió 33 años en agosto. «Fue a través de esta forma tan intensa de terapia, a la que me siento tan afortunada de poder acceder, que pude llegar a aceptarlo. Y rompió por completo todo mi mundo».
La cantante, además, señala concretamente al tema ‘Your Age’, séptima pista del disco y donde aborda el tema más directamente. «Recuerdo lo incómoda que me sentí, pero no até cabos. Desarrollé tanta vergüenza en torno a mi sexualidad que perdí completamente el sentido de mí misma».
Rina Sawayana ha confesado que, aunque necesitaba tocar este trauma en ‘Hold the Girl’, quiere cerrar esta etapa de cara a su tercer disco, dejando estos sentimientos a un lado. «Aún no sé sobre qué voy a escribir, pero me encantaría que llegara un día en el que pudiera escribir una canción que solo hablara de amor o sexo. Ya lo estoy consiguiendo», ha afirmado.
De momento, su último movimiento musical ha sido su colaboración con Empress Of en ‘Kiss Me’, una balada de amor protagonizada por el piano.
Una de las artistas que han dominado el verano es, sin duda, Billie Eilish. Su canción ‘What Was I Made For?’, que forma parte de la banda sonora de ‘Barbie’, es uno de los temas más exitosos de los últimos meses y hasta se empieza a considerar uno de los mejores de la artista. En sus dos más recientes entrevistas, una para Allure y otra para The Cookout, ha hablado de la creación de la canción, su relación actual con la fama y sus proyectos musicales.
«Fue como si esta canción hubiera sido una pequeña criatura dentro de mí durante años, arañándome por dentro», comenta Eilish a Allure, confesando que ella y su hermano Finneas escribieron el tema en una o dos horas. Esta última declaración sorprende porque la artista ha reconocido que estaban pasando por un periodo de tiempo en el que no podían estar «menos inspirados y menos creativos».
La autora de ‘Happier Than Ever’ siempre ha hablado sin tapujos respecto a las consecuencias de la fama y lo abrumador que puede llegar a ser el mundo del entretenimiento. En esta ocasión lo ha vuelto a hacer, dejando sensaciones más pesimistas. «Empiezo a sentirme mejor, pero últimamente no me ha ido muy bien. Tengo sentimientos de angustia la mayor parte del día. Cuando pienso demasiado en que nunca volveré a tener intimidad, es suficiente para querer hacer todo tipo de locuras. Pero tienes que dejarlo pasar».
Pese a ello, en The Cookout ha revelado que no ha dejado de trabajar. «Hay mucha música en camino. Hay todo un álbum en camino y estamos en las fases finales de su creación, así que eso no significa que esté a punto de salir, pero se está acercando y es muy emocionante». Aunque se fuera de vacío en los Grammys con su segundo disco, Billie Eilish acumula ya un total de siete gramófonos.
Orbital, Death Grips, Opus III, Beastie Boys… estos eran algunos de los nombres que le rondaban en la cabeza a Doja Cat hace meses durante la creación de su nuevo disco. Incluso llegó a afirmar -por si alguien lo ha olvidado– que el sonido estaría inspirado en el de las “raves alemanas de los 90”. Después troleó al personal diciendo que estaba haciendo un disco de “jazz experimental” y después uno de “rock”.
‘Scarlet’ puede ser el troleo definitivo de Doja Cat, pues, comparado con esos proyectos inventados, es el menos interesante. Centrado en un sonido de hip-hop y R&B clásicos que efectivamente saben al año ’97’, ‘Scarlet’ es un trabajo coherente con su discurso, pero que termina aburrido de sí mismo. También es peor que sus discos más pop aunque ella reniegue de ellos.
La campaña de ‘Scarlet’ ha sido un pequeño incordio. Empeñada en ponerse a sus seguidores en su contra, Doja se las ha dado de punk y ha pedido a sus fans tóxicos que se “busquen un trabajo” y le dejen en paz. El problema es que el punk funciona de abajo a arriba, y no de arriba a abajo, así que la “polémica” ha sido fastidiosa, pero de relevancia ha ido algo corta.
La fama y la toxicidad de las redes sociales, y de esa cosa llamada relación parasocial, son temas que atraviesan ‘Scarlet’. También la relación de Doja con las críticas, que la artista convierte en letras desafiantes como la de ‘Demons’. Aquí, Doja responde a quienes creían no sabía rapear y lanza sus opiniones “a la basura”. ‘Scarlet’ es el examen definitivo de Doja en el rap, un disco que Amala Dlamini ha hecho exclusivamente para demostrar que sabe escribir barras y rapear como “los mejores”. A veces literalmente: en ‘Ouchies’ es evidente que está imitando a Nicki Minaj, con la que ha colaborado. No hay beef.
‘Demons’ es uno de los mejores singles de la carrera de Doja Cat, y su loco sonido de cuerdas psicópatas no tiene nada que ver con el de ‘Paint the Town Red’. El gran éxito de Doja en 2023, número 1 global, otro primer single que devorará al disco que presenta, samplea ‘Walk on By’ de Dionne Warwick y es una canción de rap que sabe ser tan asequible como la más popular de Eminem (solo que con mejor gusto) gracias a un estribillo que va al grano, que es pop aunque Doja no quiera. «Mi felicidad es vuestra miseria», rapea en los versos, orgullosa.
En ‘Paint the Town Red’, Doja viene a contarte que ella prefiere ser famosa por mala a ser buena o políticamente correcta. El problema es que ni ella es tan mala (se necesita algo más que pelearte con tus propios fans en Twitter para serlo) ni ‘Scarlet’ es un disco que pase de lo políticamente correcto. Es tan clásico en sus mejores momentos, como ‘Ouchie’, que sí recuerda a los Beastie Boys, el durillo ‘Wet Vagina’ o el envolvente -y fantástico- single ‘Agora Hills’, como lo es en los más anodinos, los cuales pueblan una segunda mitad que es demasiado redundante, durante demasiado tiempo.
Y también poco divertida. En ‘Scarlet’, Doja encuentra maneras graciosas de atacar a sus “stans”, como en el rap agresivo de ‘F.T.G. (Fuck the Girls)’, donde, en la primera mitad del largo, rapea: “¿Desde cuándo sois mis hijos bastardos? Criaros a vosotros mismos”. Después, las llamadas telefónicas de ‘Agora Hills’ son un puntazo. Sin embargo, la sensación que deja ‘Scarlet’ es que Doja ha confundido el ser tomada en serio con el dejar de ser divertida. ‘Attention’ es una canción demasiado seria y, cuando, en la letra, Doja desafía a sus fans porque “me seguís pero no os interesa la música”, cabe preguntarse si realmente esta la música más interesante que Doja puede ofrecer. Sabemos que no. Sabemos que Doja es capaz de más que de sonar a unos noventa desactualizados, o de calcar nota por nota el sonido de Erykah Badu (‘Often’), o de perderse rellenando hueco en una segunda mitad que se hace bola entre producciones de R&B y neo-soul (‘Love Life’) que difícilmente alguien más allá de sus seguidores recuperará.
Entre los momentos que logran ofrecer algo más en la segunda mitad de ‘Scarlet’ se encuentra el sample de ‘I’m Not in Love’ de 10cc en ‘Shutcho’ y su suculenta melodía vocal (para eso Doja tiene un gusto exquisito) y, sobre todo, la pista final. ‘Balut’ está lejos de ser la mejor canción de ‘Scarlet’, pues su recuperación del trip-hop primigenio es un mero homenaje, no una revisión demasiado personal o contemporánea. Pero atentos a la letra: “copiar a los grandes es mi estrategia número uno / pero ojo que las estadísticas no se pueden copiar”. Ahí ya nadie puede decirle nada.
Vivimos en un mundo en el que Woody Allen ya no puede sacar una película al año como ha sido habitual durante décadas porque Hollywood le ha dado la espalda hasta el punto de que ningún actor de renombre quiere trabajar con él para no manchar su carrera. Ahora el cineasta neoyorkino no lo tiene tan fácil para encontrar financiación y tiene que irse de su país para continuar rodando.
Pero Europa aún no le ha cerrado las puertas ni parece que vaya a hacerlo pronto. En 2020 estrenó ‘Rifkin’s Festival’, película que se ambientaba en el Festival de San Sebastián. En 2023, viaja a París para aventurarse en su primer trabajo completamente en francés (o en cualquier otra lengua que no sea inglés), y resulta todo un placer contemplar que su gracia e ingenio no se han perdido en absoluto.
‘Golpe de Suerte’ presenta el matrimonio aparentemente perfecto de Fanny y Jean. Ella tiene un buen trabajo en una oficina, él es millonario y ni siquiera su mujer comprende demasiado bien a qué se dedica. Tienen una vida cómoda, son cariñosos el uno con el otro, todo va bien. Hasta que en la vida de Fanny se cruza Alain, un antiguo compañero de su instituto que está pasando una temporada en la capital francesa para escribir un libro, y saltan las chispas del amor. Como en todas -o casi todas- las películas de Woody Allen, la infidelidad es el núcleo del conflicto, pero también como en todas las películas de Woody Allen, hay mucho más que eso.
En esta ocasión, el cineasta parte de una premisa que no es demasiado original pero que no tarda en llevarse a su terreno, haciendo de ella una excusa perfecta para explorar los temas que tanto le obsesionan: la infidelidad, sí, pero también el amor, la muerte, el azar. La película se acerca -aunque con otro tono y otras inquietudes- a su grandísima ‘Match Point’, añadiendo una trama policíaca a lo que hasta entonces parecía una simple y agradable comedia romántica.
El cineasta neoyorkino hace gala una vez más de su talento para sacar lo mejor de sus intérpretes. Lou de Laâge y Niels Schneider, además de ser una presencia luminosa en pantalla, son pura química. Melvil Paupaud, está fantástico como ese meticuloso e improbable villano, y Valerie Lemercier divertidísima en uno de esos papeles secundarios cómicos que Allen sabe escribir tan bien.
Los ingeniosos diálogos, marca de la casa, tampoco fallan a la hora de arrancar risas, y los giros de guion pese a ser quizá un poco toscos, funcionan estupendamente con el tono desenfadado de la propuesta. No estaremos ante el mejor Woody Allen, pero sí ante uno bastante inspirado. ‘Golpe de suerte’ es divertida, sorprendente y juguetona y, por supuesto, está impregnada de ese estilo tan imitado y a su vez tan inimitable del cineasta. Él sigue a lo suyo, y qué bien que así sea.
Los próximos 17 y 18 de noviembre, Benidorm acogerá la cuarta entrega de Primavera Weekender. JENESAISPOP vuelve a tener el honor de ser medio colaborador de este festival que tiene lugar en el resort Magic Robin Hood Camp de Benidorm con cabañas y opciones de alojamiento. Además, también hay disponibles entradas individuales por 55 € y 65 € cada jornada (115 € el abono) para aquellos que prefieran hospedarse en otro lugar.
Los abonos para Primavera Weekender 2023 que incluyen el alojamiento incluyen también régimen de pensión completa (desayuno, comida y cena) durante el fin de semana y dicho alojamiento durante dos noches en bungalows con un mínimo de 2 personas y un máximo de 6. Las cabañas son de lujo y cuentan con TV, WI-FI gratuito, aire acondicionado y calefacción, mini-frigorífico, microondas y servicio de té y café, entre otras comodidades. Todos los precios y modalidades de entradas ya se pueden consultar en la página web de Primavera Sound.
El cartel de Primavera Weekender vuelve a ser una delicia para fans de ese Primavera Sound primigenio que todavía no se había convertido en el festival colosal que es hoy. Un Primavera «de bolsilibro», en palabras de la propia organización, que ofrece una experiencia más cercana con tu música favorita. En la programación, nombres clave de los 90 como Dinosaur Jr. o The Jesus and Mary Chain conviven con promesas como DOMI & JD Beck y Biig Piig a las que vale mucho la pena descubrir. En este artículo repasamos 10 artistas imprescindibles de la agenda.
Dinosaur Jr.
Detrás de una gran banda hay otra banda. Y sin Dinosaur Jr. posiblemente no habrían existido grupos que han reconocido su influencia tan importantes como Nirvana, Radiohead o My Bloody Valentine. Las guitarras distorsionadas de Dinosaur Jr., la dramática voz de J Mascis y sus emotivas letras básicamente definieron el sonido del rock alternativo de los 90, y discos como ‘Without a Sound’ (1994) suenan tremendamente vigentes hoy. Su último disco, ‘Sweep it Into Space‘, salió hace un par de temporadas.
Alan Sparhawk (Low)
La partida de Mimi, cantante de Low, con apenas 55 años, ha sido una de las noticias musicales más tristes del último año. Al fin y al cabo, ¿quién no quiere a Low? El dúo, que definió el sonido slowclore durante los 90, ha sabido reinventarse en este siglo publicando una serie de innovadores discos que han marcado época. Afortunadamente, no es el fin de Low y Alan Sparhawk defenderá el legado del grupo con una pequeña gira en noviembre que cuenta el Primavera Weekender entre sus paradas.
Blonde Redhead
Entre los grandes regresos de la música alternativa que suceden en 2023 hay que contar -y subrayar- el de uno de los mejores grupos de los 90, Blonde Redhead. ‘Sit Down for Dinner’ será su primer disco en 9 años y los singles vuelven a ser maravillosas cápsulas de su sonido, aún guiado por la voz doliente de Kazu Makino. Estos días se puede escuchar el tema titular, dividido en dos partes.
Off!
Para fans del hardcore punk es indispensable no perderse el concierto de Off!, el supergrupo formado en 2009 por miembros de Black Flag, Hot Snakes o Burning Brides. Con un debut largo publicado en 2012, un segundo elepé lanzado en 2014 y un tercero álbum editado en 2022, ‘Free LSD’, Off! ha construido un repertorio excitante en el que destacan temas como ‘Black Thoughts’ o ‘Void You Out’.
The Jesus and Mary Chain
Dos grupos incluidos en el cartel de Primavera Weekender llegaron a salir de gira juntos hace años: Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain. Los autores de ‘Just Like Honey’, que concibieron un particular sonido de noise-pop y rock alternativo durante los 80 y 90, publicando discos legendarios como ‘Psychocandy’ (1985), volverán a España para presentar su disco ‘Damage and Goods’ y también su icónico repertorio. El mismo fin de semana, por cierto, estarán en Barcelona.
Fucked Up
Con una discografía que abarca seis álbumes de estudio, Fucked Up es una de las bandas de hardcore punk que más gusta a la gente que no escucha hardcore punk. Así se puede resumir el impacto de canciones como ‘The Other Shoe’ o ‘Queen of Hearts’ o la calidad de discos como el reciente ‘One Day’, uno de los más asequibles que el grupo canadiense -en activo desde 2001- ha publicado.
Antònia Font
El regreso de Antònia Font ha sido una de las grandes sorpresas del último año. El grupo mallorquín, venerado por su particular visión del pop de autor, la de entre otros su compositor Joan Miquel Oliver, publicaba en 2022 su primer álbum en 10 años. ‘Un minut estroboscòpica’ era un trabajo clásico de Antònia Font, compuesto por buenas y bonitas canciones como ‘Amants perfectes’ o la favorita de los fans ‘Una daixona de pols’.
Deerhoof
Otro dato curioso que relaciona a dos bandas confirmadas en Primavera Weekender: Deerhoof es la banda favorita de JD Beck. Y no extraña porqué: el sonido de Deerhoof es uno de los más peculiares del rock underground de las últimas décadas. Entre el noise pop, el punk y la vanguardia más juguetona, la música de Deerhoof sigue influyendo a las nuevas generaciones de músicos. Su último disco, ‘Miracle-Level’, ha salido este año.
DOMI & JD Beck
El festival hermano del Primavera brindará una gran oportunidad de ver por primera vez en España el directo de DOMI & JD Beck. El dúo, compuesto por dos millennials de extravagante estilo, se ha convertido en una de las promesas del nuevo jazz estadounidense. Así, ya cuenta dos nominaciones a los Grammy anglosajones y con el beneplácito de colaboradores como Bruno Mars, Anderson .Paak o Thundercat.
Biig Piig
‘Kerosene’ fue una de las primeras Canciones Del Día de 2023… extraída de la mixtape ‘Bubblegum’, uno de los primeros lanzamientos del año. Alérgica a casarse con un único sonido, la británica Biig Piig es como una cantautora de rock alternativo a la que le encanta coquetear con la música disco, el trip-hop o el R&B. ‘Sunny’ o ‘Feels Right’ se cuentan entre los singles destacados de esta artista revelación que, curiosamente, a veces canta en español porque vivió en España de niña.
Dua Lipa es una de las personas que forman parte del reparto de ‘Argylle’, la nueva película de Matthew Vaughn (‘Stardust’, la saga ‘Kingsman’). ‘Argylle’ está basada en la novela homónima de Ellie Conway y cuenta que el mejor espía del mundo (Henry Cavill) sufre amnesia y cree ser un escritor de novelas de espionaje. Dua Lipa interpreta a su pareja romántica, una femme fatale clásica y una «mujer de armas tomar»… literalmente, como se puede ver en el tráiler estrenado hoy.
En ‘Argylle’, Dua Lipa ofrecerá su gran debut en el mundo de la interpretación, después de haber protagonizado un curioso cameo en ‘Barbie‘ este año, en el verano rosa. Dua compartirá reparto con John Cena, Bryce Dallas Howard, Samuel L. Jackson, Bryan Cranston y Ariana DeBose, entre otros.
Como con ‘Barbie’, también, Dua interpretará la canción principal de ‘Argylle’. Bueno, en ‘Barbie’ son muchas las canciones principales… pero ponemos la mano en el fuego en que aquí hay un intento de lograr al menos una nominación al Oscar. ¿O hay alguna posibilidad real de ‘Dance the Night‘ se haga con uno? ¿Damos por hecho que irá a otra persona?
‘Argylle’ se estrena en Apple +TV, presumiblemente, en febrero de 2024. Ese mismo año se espera que Dua Lipa publique su tercer álbum de estudio, que será más psicodélico, de acuerdo a lo que la cantante ha declarado en una entrevista reciente. Parece que Tame Impala es uno de los artistas involucrados en el proyecto.
Kanye West se encuentra alejado de la actualidad musical desde hace meses. El rapero se ha involucrado en el lanzamiento de ‘UTOPIA‘, el último disco de Travis Scott, además de en su producción, y ha aparecido invitado en singles relativamente recientes de Cardi B (‘Hot Shit‘), Fivio Foreign (‘City of Gods’ con Alicia Keys) o The Game (‘Eazy’), todos de 2022. En 2023 las novedades musicales de Ye han sido inexistentes, y su último disco, ‘Donda‘, data de 2021.
Siempre hay calma después de la tormenta, y parece que Ye está aprovechando la calma para trabajar en un nuevo disco. De acuerdo con TMZ Hip Hop, Ye está escribiendo nuevas canciones «a ritmo muy rápido» y ya ha completado 10 pistas de destino incierto. Además, se ha reunido en el estudio con Ty Dolla $ign, uno de sus fieles colaboradores.
Las fuentes de TMZ cuentan al tabloide que el nuevo disco de Kanye sonará más próximo a su «viejo estilo», pero parece que este cuento se repite cada vez que West prepara nuevo proyecto, así que habrá que esperar a escucharlo con oídos propios.
Lo más cercano a una novedad musical de Ye que sus fans han podido escuchar últimamente ha sido la filtración de ‘Jesus is King 2’, una revisión del disco religioso de Ye que cuenta con la participación de Dr. Dre y la colaboración de raperos como Eminem o A$AP Ferg.
West fue noticia el año pasado por la polémica de sus comentarios antisemitas, que le costaron la disolución de sus acuerdos multimillonarios con varias marcas, como Adidas.
El nombre de Espineli puede sonarte de playlists de underground nacional como Sesión de Control. La joven productora madrileña, que ronda los 20 años, fue fichada por Mushroom tras un tiempo dando vueltas por la escena, tanto en solitario como en colaboración con el productor Qubes. Entre estos últimos «dúos», destacó ‘8am’.
Entre los sencillos que ha venido publicando este 2023 en Mushroom están ‘ALMA EN PENA’ y ‘ROCKY BALBOA’. El primero tenía cierta querencia flamenca, y el segundo, cierta querencia hip house, pero si algo caracteriza la música de Espineli es que no es ni hyperpop ni reggaeton ni electro ni nada en concreto. Se sirve de todas esas herramientas para desarrollar una producción inclasificable.
Esta semana se ha publicado su primer disco ‘PURGATORIO’, e incluye los mencionados singles junto a ‘BISTURÍ’, pepinazos como ‘PACTO’ y ‘VENIER’, que hoy seleccionamos como Canción del Día.
Quieren las composiciones de Espineli ser “la vía de escape de la incomprensión, el romanticismo y demás movidas propias de la edad a base de pop polirrítmico, acelerado, eufórico y con fusión ilimitada de estilos, evitando lo ortodoxo y lo previsible”. Y este es uno de sus mejores exponentes.
‘VENIER’ empieza casi como una canción de iglesia, con un teclado ceremonioso en el que irrumpe recién salido de Sitges el siguiente texto: “Tengo un Poltergeist que me lleva de la mano, dice que no me fíe del ser humano”. Espineli sale de su propio cuerpo por desamor en un tema en el que contrastan los beats trance o hardcore con ese par de notas de piano, aunque reconoce que el exorcismo puede ser para bien, si es que su objeto de deseo acompaña: “al final no se está tan mal, no sé si quieres venir, me queda un hueco pa ti, solo pa ti, nadie más”.
Hoy 27 de septiembre se cumplen 10 años del lanzamiento de ‘Pure Heroine‘, el debut de Lorde. El disco, publicado este día en 2013, convirtió a Lorde en una estrella internacional gracias al éxito de su single principal, ‘Royals’, que ganó el Grammy a Canción del año en la ceremonia celebrada a principios de 2014.
Lorde ha celebrado la efeméride enviando otra de sus conocidas cartas a sus fans, en la que hace un repaso a la creación de ‘Pure Heroine’. La neozelandesa recuerda que apenas tenía 14 años cuando empezó a componer el disco (que salió cuando tenía 17) y comparte algunos selfies que se hizo en la época. Curiosamente, dice que ‘Pure Heroine’ ha sido «de sobras mitificado», pero que no va a dejar de celebrar el aniversario porque «un hito es un hito».
Pero la celebración no se quedará ahí. Lorde no reeditará ‘Pure Heroine’, pero sí sacará nuevas camisetas -en concreto dos diseños, de camiseta larga y corta- de edición limitada. Y en la parte trasera de las camisetas, Lorde incluye agradecimientos a su familia pero también a artistas que le han inspirado o que son amigos. Y eso incluye a su mentor, David Bowie, y también a Frank Ocean, Kanye West… y Lana Del Rey.
La inclusión de «LANA» en los agradecimientos de las camisetas es digna de comentar. A Lorde no le gustaba nada Lana Del Rey en la época de ‘Pure Heroine’ y así lo hizo saber en las entrevistas. Lorde llegó a decir que Lana romantizaba las relaciones tóxicas y declaró que las referencias en sus letras a «alcohol caro, ropa bonita y coches bonitos» eran «una mierda». De hecho, ‘Royals’ era una crítica indirecta a la «opulencia» retratada por Lana Del Rey en sus canciones, mientras la imagen de la dependencia emocional que ofrecía Lana en su canción ‘Without You’ le parecía una mala influencia para las chicas jóvenes. Elizabeth Grant nunca se ha pronunciado abiertamente ni a favor ni en contra de Lorde, pero sí le ha lanzado alguna indirecta a través de sus redes.
A lo largo de estos 10 años, Lorde ha publicado su gran obra maestra, ‘Melodrama‘ (2017) y también su disco pero recibido por crítica y público, ‘Solar Power‘ (2021), en el que la misma imagen de nueva rica de Lorde chocaba con el mensaje de ‘Royals’. Pero si Lana ya era una influencia reconocida en la época, aunque fuera para mal… no iba a estar fuera de los agradecimientos, ¿verdad?
King Gizzard & the Lizard Wizard han anunciado ‘The Silver Cord’, su segundo disco de 2023. En el global de su discografía, ‘The Silver Cord’ es el disco número 25 del grupo australiano. Esto significa que, a partir del 27 de octubre, que es la fecha de lanzamiento de ‘The Silver Cord’, King Gizzard & the Lizard Wizard habrán publicado 25 discos en poco más de 10 años (su debut ‘2 Bar Bruise’ vio la luz en 2012). ¿La banda más prolífica de nuestra época? Probablemente.
Es imposible seguirles el ritmo: King Gizzard no paran de sacar discos como churros, muchísimos más de los que Rihanna ha podido publicar jamás. De hecho, entre marzo y octubre de 2022, el sexteto de Melbourne publicó hasta cinco álbumes de estudio. Ni Prince en su momento más desbocado.
Pocos detalles se conocen acerca de ‘The Silver Cord’, aunque esos detalles son reveladores. En la imagen promocional, que parece una referencia a Kraftwerk, los miembros de King Gizzard aparecen rodeados de sintetizadores analógicos, lo cual puede significar que ‘The Silver Cord’ ofrecerá un retorno de King Gizzard a los sonidos electrónicos, los mismos que ya exploraran en ‘Butterfly 3000’, uno de los dos discos que publicaron en 2021.
Además, se sabe que ‘The Silver Cord’ es la segunda parte de un proyecto doble que King Gizzard inició con el lanzamiento de su anterior disco, ‘PetroDragonic Apocalypse; or, Dawn of Eternal Night: An Annihilation of Planet Earth and the Beginning of Merciless Damnation’. Ese trabajo se centraba en el heavy-metal y King Gizzard habían dicho que el siguiente «sonaría muy diferente, pero intentaremos que se complementen». ¿Tan diferente… que será electrónico? ‘PetroDragonic Apocalypse’, por cierto, también se componía de 7 cortes. Del disco se editó una versión extendida y volverá a ser el caso de ‘The Silver Cord’. Así queda el tracklist oficial:
1. Theia
2. The Silver Cord
3. Set
4. Chang’e
5. Gilgamesh
6. Swan Song
7. Extinction
Hay que ver cuánto ha cambiado el pop español en los últimos años. Hace no tanto tiempo solíamos cantar sobre alguna aventura romántica que vivimos aquel verano en ‘La Playa’ -bien fuera la de Los Planetas o la de La Oreja de Van Gogh-, y ahora nuestro mayor entretenimiento puede ser escuchar a Rodrigo Cuevas cantar sobre ir a por agua a una fuente, y a la taberna, a por vino.
La tradición ha tomado el pop español como solo Klaus&Kinski imaginaron, en el caso de Cuevas centrándose en la suya, la astur, como se vio en el disco anterior, ‘Manual de Cortejo‘. Producido por Refree, aquel largo le puso en el mapa, con una fuerza escénica que ni la pandemia pudo detener, y ahora vuelve con un nuevo álbum más dinámico y mejor estructurado.
Rodrigo nos da 10 temas que firma él mismo y después 4 interludios en los que ha querido dejar el protagonismo a voces que entonan composiciones tradicionales. Son gente que conoce de cantar, de la recogida del campo o a través de amigos. Si la sobrecogedora voz de Josefa Diebra Faúndez (o el ataque de risa de Nieves Rodríguez Cañón) se viralizaran, no aparecería en las cuentas de Cuevas, pues ni siquiera se ha etiquetado en estas pistas.
La idea funciona sobre todo porque cada bloque de canciones de estos 41 minutos de música contiene joyas en las que detenerse. Lo primero que llama la atención es el trabajo vocal que se ha desarrollado por ejemplo con A Filetta abriendo el álbum. Rodrigo Cuevas ha querido captar así su afición a las polifonías vocales corsas, pero también es sobresaliente el sampleo de su propia voz en ‘VALSE’, la intervención de la soprano asturiana Beatriz Díaz en ‘YO NUN SOI MARINERU’ o el coro de niños en ‘DIME RAMO VERDE’, para retratar precisamente su infancia.
Volviendo a la primera parte del álbum, ‘ROMERÍA’ pasa, tras un inicio «squad» a lo ‘El mal querer’, de los ritmos tradicionales al recitado rap, un truco este último que volverá en la mencionada ‘DIME, RAMO VERDE’. Esta aparece en un segundo tramo al que también pertenece la imprescindible ‘ALLÁ ARRIBITA’, con una melodía propia de los mejores Vainica Doble y Serrat, culminada con un silbidito y una caja de ritmos. En el tercero aparece el single actual ‘CÓMO YÉ?!’, una fiesta global en la que suponemos que Eduardo Cabra «Visitante» -nuevo productor- ha tenido mucho que ver; así como ‘YO NUN SOI MARINERU’, esta aglutinando muchos de los pros del álbum: la voz femenina en plan soprano, la voz masculina tradicional en la narrativa, las palmas, los ritmos actuales.
Y para la cuarta y última parte, Rodrigo Cuevas ha podido guardarse el single principal, ‘MÁS ANIMAL’, y el electrónico e intrigante ‘MATINADA (Resaca)’, culmen de un disco que celebra la «Romería», la exaltación, la fiesta, hasta sus últimas consecuencias. Llegados a este punto quizá no es tan «vanguardista» escuchar al artista cantar sobre cierto tipo de beats. El final de ‘Romería’ no es tan distinto de una rave que hubieran podido producir el año pasado Rocío Márquez y Bronquio.
Sin embargo, la adaptación de Cuevas de melodías y letras tradicionales (‘DIME RAMO VERDE’), junto a algunas propias perfeccionadas junto a Guille Galván de Vetusta Morla (‘ALLÁ ARRIBITA’) es un suma y sigue de melodías exquisitas, dotadas de la personalidad de un gran performer. Uno de los más llamativos del pop español en la actualidad. El artista nos habla de infancia o de bullying, pero sin que esto deje nunca de ser una gran Romería. Le escuchamos cantar frases tan coloquiales como «el mar es una horterada», «tener la leña bien cortada es cosa de chicos guapos y listos» o «sabemos que la fruta robada sabe mejor que la comprada» y es como si nos estuviera contando los romances más emocionales de la historia. Es pura pasión, alegría de vivir, sonrisa cómplice.
Cher ha sido acusada de contratar a cuatro hombres para que secuestraran a su hijo adulto Elijah Blue Allman -de 47 años- con la intención de impedirle que se reconciliara con su mujer y forzarle a ingresar en un centro de rehabilitación para tratar su adicción al alcohol y a las drogas. Rolling Stone ha tenido acceso a los documentos legales que confirman esta información.
Elijah Blue Allman es uno de los dos hijos de Cher. Nacido de la relación entre la cantante y el rockero Gregg Allman, Elijah y su mujer Marie Angela King contrajeron matrimonio en 2013 y solicitaron divorcio en 2021. Sin embargo, en noviembre de 2022 se reconciliaron y pasaron 12 días juntos en un hotel de Nueva York. El 30 de noviembre, en su aniversario de bodas, cuatro hombres supuestamente irrumpieron en la habitación y secuestraron a Elijah, de acuerdo con la información publicada por la revista estadounidense.
Marie denunció la desaparición de Elijah a las autoridades e implicó en el acto a Cher en una denuncia que se ha hecho pública esta semana. En el parte, Marie asegura desconocer el paradero de Elijah, pero indica que ha sido informada de que el músico (miembro de la banda de metal KING) se encuentra ingresado en un centro de rehabilitación sin acceso a su teléfono móvil. Además, declara haber sido informada de que Cher ha contratado a uno de los cuatro hombres que han secuestrado a su marido.
En el documento, Marie cuenta que se ha visto obligada a abandonar la residencia que ocupaba con Elijah -y que es propiedad de Cher- en contra de su voluntad.
Elijah Blue Allman ha reconocido su adicción a las drogas -que empezó a tomar de adolescente- en varias ocasiones. De acuerdo a lo que relata Rolling Stone, después del supuesto incidente, Elijah fue hallado inconsciente en la entrada de un hotel de Los Ángeles y trasladado a un centro de rehabilitación.
En noticias menos siniestras relacionadas con Cher, la cantante acaba de anunciar un disco navideño, titulado ‘Christmas‘.
Asentado el curso escolar, parece que los artistas nacionales se vuelven a animar a lanzar sus novedades en miércoles, como solían antes de verano. Es por eso que retomamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop español. Comenzamos con J de Los Planetas, que este viernes publica su disco en solitario inspirado en Zulueta. ‘Era una flecha’ es su nuevo adelanto editado hoy. A continuación, Joe Crepúsculo celebra el 10º aniversario de ‘Mi fábrica de baile’ con remezclas, una de ellas en italiano.
Otro tema divertido nos lo da el pamplonés Ben Yart, conocido por su vinculación a Chill Mafia, que presenta una especie de cumbia llamada ‘Popper’. Entre las artistas que han lanzado sus discos completos ya el hyperpop loco (o algo así) de Espineli, el de Meritxell Neddermann, y el pop de Celia Becks. Celia Becks presenta un pop desenfadado, muy diferente al también desacomplejado de Vicco, que ahora ha adaptado un tema de El Sueño de Morfeo. Por su parte, vangoura se inspiran en ‘Friends’ en la pop-rockera ‘rachel y ross’.
Presentan nueva pieza indie pop de El Buen Hijo (‘En un lago’) y algo más siniestra suena la nueva de interrogación amor (‘Fortuna’). Añadimos el post-punk de Dharmacide y La Milagrosa, así como el nuevo terremoto de Ptazeta.
1.-J / Era una flecha
2.-Joe Crepúsculo / La mia industria di Ballo
3.-Espineli / VENIER
4.-Ben Yart / Popper
5.-Vicco / Nunca volverás
6.-El Buen Hijo / En un lago
7.-interrogación amor / Fortuna
8.-vangoura / rachel y ross
9.-LA MILAGROSA / Cierra la puerta
10.-Celia Becks, Liz Forte / La Fiesta 2.0
11.-Ptazeta / No me jalan
12.-Meritxell Neddermann / Déjame
13.-Dharmacide / Horses/Divorces
Que todo el mundo esté atento a todas las cosas que pasan en ‘The Eras Tour’ de Taylor Swift (que son muchas) no significa que en otras giras no ocurran cosas dignas de comentar. También la gira de P!nk ha estado en boca de todos este año por diferentes motivos: ora un fan regala a P!nk las cenizas de su madre, ora otro le entrega una rueda de queso, ora un vídeo de P!nk sobrevolando un estadio agarrada a su arnés se convierte en un necesario meme.
Ahora, P!nk vuelve a ser noticia porque ha echado a un hombre de su reciente concierto celebrado en San Antonio. El hombre, que se encontraba en el público, no ha lanzado ningún objeto al escenario, sino que se ha acercado a las primeras filas de la pista y ha alzado su teléfono móvil para que P!nk pudiera leer el mensaje «la circuncisión es cruel y dañina».
«Estás aquí para defender tu causa, ¿verdad? ¿Te sientes bien contigo mismo?», responde P!nk en el vídeo que circula por redes. «¿Te has gastado todo ese dinero para venir a hacer eso? Podría comprarme un bolso de Birkin con todo ese dinero. Vete con esa mierda a otra parte». Cuando el hombre muestra el mensaje al público y este le abuchea, P!nk añade: «Quiere que lo leáis todos. Ha venido esta noche para hablar sobre la circuncisión. Sal de aquí, saca este cáncer de aquí». A continuación, el hombre es escoltado fuera del recinto.
La presencia de esta persona que se manifestaba en contra de la circuncisión (una práctica habitual en Estados Unidos), en un concierto de P!nk tiene más sentido de lo que parece. A P!nk no le viene de nuevas. En 2019, P!nk publicó en Instagram una foto de su hijo sin pañal, en la que también aparecían la autora de ‘So What’ y su hija acariciando a un pelicano. Esta imagen provocó que una multitud de personas acudiera a dejarle mensajes denunciando la práctica de la circuncisión. P!nk respondió subiendo la misma foto editada y denunciando el «triste estado de las redes sociales».
Volviendo a ‘Trustfall’, este ha vuelto a ser un éxito de ventas para P!nk, en una carrera llena de ellos que repasamos hace unos meses.
