Lasse Wellander, el duradero guitarrista de ABBA, ha fallecido a los 70 años. Wellander era como el quinto miembro no oficial de la banda, tras comenzar a tocar con ellos en 1974 y haberles acompañado en numerosas giras a través de los años, además de haber contribuido a crear la banda sonora de ‘Mamma Mia!’. Según ha comunicado su familia, ha muerto a causa de un intenso y breve cáncer.
La banda ha publicado un comunicado en sus redes, en el que recuerdan la figura de Wellander: «Lasse era un querido amigo, un tío divertido y un espléndido guitarrista. La importancia de sus contribuciones creativas en el estudio así como su sólido trabajo con la guitarra en el escenario era inmensa. Lloramos su trágica y prematura muerte y recordamos sus amables palabras, sentido del humor, su cara sonriente y la brillantez musical del hombre que jugó un papel tan esencial en la historia de ABBA. Le echaremos de menos profundamente y nunca será olvidado», han firmado los cuatro integrantes de la banda sueca.
Wellander nació en 1952, pero no hasta octubre de 1974 cuando su camino se cruzó con el de ABBA. Las primeras canciones que grabó con ellos se trataron de ‘Intermezzo No. 1’ y ‘Crazy World’, tras las cuales se convirtió indiscutiblemente en el guitarrista solista de ABBA, con los que salió de gira en 1975, 1977, 1979 y 1980. Cuando el grupo se separó en 1982, Wellander publicó siete discos en solitario y continuó trabajando junto a Benny y Björn en sus proyectos posteriores. También podemos escuchar su música en ‘Voyage’, el regreso de ABBA en 2021.
La inclasificable Queralt Lahoz nos regalará su primer proyecto tras ‘Pureza’ esta primavera. Se trata de un EP de cuatro temas llamado ‘Alto Cielo’, que explorará las emociones contenidas en una intensa relación, y del cual formará parte ‘No me salves’, su gran último single. Además, este viernes 14 de abril da comienzo su programación de Girando por Salas, que llevará a la artista por Sevilla, Granada, Zaragoza, Castellón, Málaga y Maó.
‘No me salves’ comienza con una base compuesta por punteos de guitarra que rápidamente toma un rumbo electrónico, hasta llegar hasta un maravilloso estribillo en el que Lahoz le pide repetidamente a su pareja que no le salve. Este corte, según el comunicado de prensa, trata sobre «la ruptura» de la intensa relación que mencionábamos antes e indican que es la canción «más vestida instrumentalmente», por lo que podemos suponer que este tema no sea la representación más fiel del sonido del EP. Este adelanto también está inspirado en el poema ‘No te salves’ de Mario Benedetti.
Además del apartado musical, ‘Alto Cielo’ también ha sido construido de forma audiovisual, en cuatro capítulos que juntos «constituyen un todo en una pieza a medio camino entre la ficción y el videoclip». Cada capítulo está pensado para que relate con imágenes los temas y líneas narrativas del EP, y en el de ‘No te salves’ ocurre exactamente eso, con Alua Tega y Salim Daprince como protagonistas.
Los seis conciertos de Queralt Lahoz para la iniciativa Girando por Salas comenzarán este fin de semana, con un concierto el viernes 14 de abril en la Sala Fanatic de Sevilla y otro el sábado 15 de abril en la Sala Industrial Copera de Granada. Entradas disponibles para los seis conciertos de GPS, aquí.
Conciertos Girando por Salas de Queralt Lahoz:
Viernes, 14 de abril – SEVILLA – Sala Fanatic
Sábado, 15 de abril – GRANADA – Sala Industrial Copera
Viernes, 5 de mayo – ZARAGOZA – Sala López
Viernes, 12 de mayo – CASTELLÓN – Sala La Casa del Mar Castellón
Domingo, 21 de mayo – MÁLAGA – Sala La Cochera Cabaret
Sábado, 27 de mayo – MAÓ (MENORCA) – Sala Es Claustre
La última jornada de SanSan Festival comenzó acechada por unas oscuras nubes que amenazaban la tranquilidad de la que se había disfrutado las dos veladas anteriores. Sin embargo, la lluvia acabó aguantando para que los asistentes disfrutáramos sin problemas del regreso de Deluxe a los escenarios, en lo que fue la segunda actuación de Xoel López en el festival de Benicàssim.
El músico de La Coruña tiene tanto repertorio que es necesario hacer dos espectáculos diferentes, pese a que suele firmar como Xoel López y realizar alguna canción de Deluxe igualmente. Aun así, nadie se quiso perder esta ocasión y, aunque comenzó a las 20 de la tarde, López gozó de una buena masa de gente, recién comenzado el día más completo de SanSan. ‘Extraña habitación’, ‘El amor valiente’ y ‘El cielo de Madrid’ fueron algunos de los momentos más mágicos del set.
Si Deluxe era el acto más experimentado del día, 30s40s50s eran todo lo contrario, siendo este su primer festival. Por supuesto, es bien sabido que sus integrantes no tienen nada de novatos. David Otero, Bely Basarte y Tato Latorre comenzaron su show con poca gente, quizás por el desconocimiento de quiénes son sus miembros o quizá porque Deluxe todavía no había terminado y a Alizzz le quedaban solo unos minutos para salir.
Ainhoa Laucirica
Si algo ha sido demostrado este último en su actuación, es que el EP de ‘BOICOT’ ha sido todo un éxito. ‘Pierdo el sentido’ no falla en convertir el show en una breve, pero intensa rave; mientras que la hímnica ‘Todo está bien’, con el increíble solo de Ferran Gisbert, y la rara avis en catalán de ‘Que pasa nen’, que es cantada palabra por palabra sea donde sea, parecen que han estado siempre en el repertorio de Cristian Quirante.
En ‘Antes de morirme’ contó que siempre la toca porque es la canción con la que comenzó a vivir de la música y en ‘Ya no siento nada’, aun teniendo a todo un mar de gente a su merced, no pidió al público que se agachase para reventarlo en el último estribillo, lo cual es una constante en sus shows. Irónico, ya que parece que lo hizo todo el mundo menos él, como vimos en Milky Chance, Sexy Zebras y Delaporte.
Milky Chance, precisamente, fueron una sorpresa agradable. Contaron que era su primer concierto de 2023, que estaban “un poco nerviosos” y que estrenarían nuevos temas durante el set. Todo fue verdad, excepto lo de estar nerviosos. El grupo alemán era la propuesta internacional más fuerte de SanSan, y dieron un show a la altura. La mejor decisión que tomaron fue tocar ‘Stolen Dance’, su gran macrohit, cuando todavía quedaban la mitad de las canciones.
De esta forma, se pudo disfrutar de otras joyas, como es la inédita ‘Frequency Of Love’, que estará incluida en el nuevo disco de la banda, disponible el 9 de junio. Esta fue presentada como “diferente de todo lo que hemos hecho hasta ahora”, y simplemente contrastando con el resto de canciones que tocaron, es exactamente eso. Se trata de un tema minimalista, con una percusión que parece más un metrónomo y con espaciosas guitarras. El estribillo es donde más se alejan del pop comercial que suelen hacer, consistiendo nada más que en acordes sintetizados y un psicodélico autotune.
Patry Martin
Mientras tanto, en el escenario SeeTickets, los veteranos Sidonie hacían gala de su gran repertorio con canciones como ‘Por Ti’ o ‘El Incendio’, dos de las favoritas. ‘Carreteras Infinitas’ hizo que gran parte del público se marchase, parecido a lo que ocurrió el primer día con Carolina Durante y ‘Cayetano’. Sin embargo, la última canción del set sería la más apropiada para la ocasión, ‘Estáis Aquí’.
Uno de los conciertos más esperados era el de Leiva, que presentaba el inicio de la gira ‘Cuando te muerdes el labio’, nombrada tras su último LP. El madrileño demostró ser uno de los actos más queridos, no de la jornada, sino de todo el festival, llevando a cabo un espectáculo abarrotado de hits que fue precedido de una cuenta atrás colectiva.
‘Superpoderes’, ‘Breaking Bad’, ‘Terriblemente Cruel’, ‘La Llamada’, ‘No Te Preocupes Por Mí’ y ‘Como Si Fueras A Morir Mañana’ fueron solo algunos de los exitazos que Leiva regaló al público de Benicàssim. Y no se quedó en su repertorio en solitario, sino que dejó ‘Estrella Polar’ y ‘Lady Madrid’, dos de los grandes himnos del pop español, para terminar por todo lo alto. El único pero sería que las pantallas permanecieron apagadas durante la mayor parte del set, lo cual según el Instagram del festival fue “una decisión del artista”. Algo cuestionable, la verdad.
Ainhoa Laucirica
Lo que nadie se esperaba es que Sexy Zebras fuesen a realizar uno de los mejores conciertos de todo SanSan 2023. Fueron una prueba de que hay que mirar más allá de los artistas principales, siendo el elemento salvaje y arrollador que le faltaba al festival, ya que Carolina Durante no llegaron a tanto. Sexy Zebras gozaron de uno de los públicos más entregados del evento, de los primeros pogos que vi en SanSan y del concierto con más vasos lanzados por cada minuto transcurrido.
Es un show imperdible si te atrae la energía de artistas como Charly García, a quien dedican uno de sus grandes temas, e incluso si crees que las versiones de estudio no son para tanto. Canciones como ‘Nena’, ‘Tonterías’ o ‘Jaleo’ en directo adquieren una dimensión extra que dista mucho del sonido no tan sorprendente que encontramos en el disco ‘Calle Liberación’.
Esto último es gracias a las icónicas performances de Gabriel Montes, voz principal y bajista, y José Luna, guitarrista y voz secundaria, los cuales se dejan el alma en el escenario, ya sea la canción más cañera del set o una sentida balada, que aunque sean pocas también tienen. En un momento dado, Luna le metió tanta caña a la guitarra que rompió cuerdas y nadie se dio cuenta, tal y como comentó Montes momentos después. Sin duda, uno de los shows que más serán recordados por sus asistentes.
Ainhoa Laucirica
El SanSan más multitudinario de la historia, llegando a la cifra de 45.000 personas a lo largo de los tres días, dio el petardazo final con las sesiones de Delaporte y el DJ Ninhodelosrecaos. Los primeros dieron el último gran concierto del evento, con esa mezcla tan particular de tecno y pop electrónico que tanto faltaba en esta jornada. Alternando entre temas originales como ‘Cariñito’ o ‘Droga Dura’ y remixes de canciones como ‘Toro’ o ‘Can’t Get You Out Of My Head’, Sandra Delaporte celebró su cumpleaños como nunca.
Una cosa rara: el nuevo disco de Ellie Goulding llega al mercado mientras la cantante está en el número 1 de singles en Reino Unido… con otra cosa. Con una canción que no aparece en este álbum. Está claro que el éxito de ‘Miracle’ junto a su colega Calvin Harris, desde ya una de las canciones la temporada primavera-verano, va a eclipsar este ‘Higher than Heaven’, pero no está la cosa como para quejarse de un hit en el mercado.
‘Higher than Heaven’ es, además, un álbum que en cierta medida casa con el carácter hedonista de ‘Miracle’, aunque sea en un estilo diferente. Este quinto trabajo no puede ser más cohesivo, al haber sido desarrollado junto a productores afines como Andrew Wells, Koz o Greg Kurstin partiendo de una idea muy concreta. El concepto de ‘Higher than Heaven’ ha sido huir de la pandemia con un sonido divertido y beats uptempo porque «nadie quería sentarse a agonizar por ninguna relación ni ningún drama» en una situación post-traumática. Mientras todos los artistas tienden a aburrir ofreciendo continuamente «el disco más personal de su carrera», Ellie Goulding nos advierte orgullosa de que este es el «disco menos personal de su carrera». ¡Bien!
El resultado es un buen conjunto de canciones frescas e inmediatas, prácticamente todas en torno a los 3 minutos de duración, y con cierto gusto por los años 80 de Michael Jackson o Prince. ‘Easy Lover‘ recurre a unos sintetizadores similares a los de ‘Thriller’, al igual que otros adelantos del álbum, como ‘Let it Die’. ABBA es una referencia en las flautas de ‘Like a Saviour’.
En el «canción por canción» realizado para Apple Music, Ellie Goulding reconoce «no ser Björk, pero tener buen gusto para la electrónica»; asegura en el NME escuchar a Four Tet y lo cierto es que eso se traduce en unas producciones que resultan bastante apañadas. Para muestra ‘Midnight Dreams’, el electropop elegantote de ‘Just for You’ o la sensibilidad de ‘Higher than Heaven’, que por algo da título a todo esto.
Líricamente, «el disco menos personal de su carrera» no se sumerge tanto en el hedonismo de una pista de baile, como trata de ofrecer resistencia frente a un amor que nos decepcionó (‘Cure for Love’), de dejarlo atrás de una vez (‘Let It Die’) o de celebrar el que encontremos (‘By the End of the Night’). Así, esto no es una suerte de nuevo ‘Future Nostalgia’, sino un disco más oscuro y menos obvio que el de aquella Ellie Goulding que un día perdimos, entre coqueteos con la EDM y colaboraciones random.
El álbum incluye como bonus tracks una serie de grabaciones de encantos más diluidos (‘Temptation’) o singles pasados, como el innecesario sampleo de Depeche Mode en la horterilla ‘All By Myself’. Antes de eso, hay que subrayar que el disco termina oficialmente con ‘How Long’, y que hasta ese momento se ha sumergido en su cometido con tenacidad. Incluso las guitarras indie pop de ‘By the End of the Night’ también nos llevan a los 80 (los de Johnny Marr) y el puntito tropical, casi bossa y R&B de ‘How Long’ se mantiene dentro de los mismos parámetros estéticos.
El escritor Fernando Sánchez Dragó ha muerto esta mañana de lunes 10 de abril a causa de un infarto. Así lo han comunicado fuentes familiares a la Agencia EFE. Sánchez Dragó se encontraba en su casa de Castilfrío de la Sierra (Soria) en el momento del deceso. De hecho, esta misma mañana había tuiteado una foto con su gato y esta Semana Santa había sido muy activo en esta red social, compartiendo imágenes campestres. Un par de horas después de la publicación de esa última instantánea, se ha comunicado el fallecimiento. Tenía 86 años.
Sánchez Dragó ha sido autor de más de 40 libros, entre ellos ‘Gárgoris y Habidis. Una Historia mágica de España’, que le valió el Premio Nacional de Literatura de 1979; o ‘Sincronías’, que le valió el Premio de Novela Fernando Lara más recientemente, en 2006. Con ‘El camino del corazón’ fue finalista del Premio Planeta de 1990.
Otros libros suyos fueron ‘Eldorado’ (1984), ‘Las fuentes del Nilo’ (1986) o ‘La prueba del laberinto’ (Premio Planeta de 1992). En el mundo del Periodismo, dirigió en Telemadrid ‘Diario de la Noche’ y últimamente ‘Las Noches Blancas’. También era columnista del diario El Mundo.
Muy comentada en las tertulias fue su evolución ideológica, pues pasó de estar 17 meses en la cárcel y sufrir 7 años de exilio durante el franquismo, hacia posiciones cercanas a la extrema derecha, como recuerda El País. Recientemente recibía el primer premio Castilla y León de las Letras por parte de la consejería de Cultura, que ostenta VOX. Hace poco había defendido el éxito de la reciente moción de censura del partido de Santiago Abascal, con Tamames al frente, acudiendo a la misma personalmente.
Igualmente polémica fue la relación sexual con menores, de 13 años, que mantuvo en los 60 en Japón, relatada en su libro ‘Dios los cría… y ellos hablan de sexo, drogas, España, corrupción’. De manera surrealista, también fue noticia por tener relaciones sexuales en un bar de Madrid en 2015 según el relato de la banda Rusos Blancos.
Purple Disco Machine no ha dejado de sonar en toda sesión de baile que se precie gracias a temazos como ‘Dopamine’. Más exitosas todavía son sus canciones ‘Hypnotized’, ‘In the Dark’ o ‘Fireworks’.
Su nuevo single es otro acierto, esta vez en compañía del exitoso productor francés Kungs, a su vez conocido por el pelotazo de ’This Girl’, que se acerca a los 1.000 millones de reproducciones en Spotify. Se conocieron actuando en festivales del mundo y el resultado de la sinergia, ‘Substitution’, es nuestra “Canción del Día” para este lunes.
‘Substitution’ es una canción de electropop tan sencilla como efectiva en la que la letra habla sobre un amor por el que sentimos aún mucho apego. Tratamos de adentrarnos en la pista de baile en plan «un clavo saca otro clavo», pero la operación es un fracaso porque terminamos volviendo al amor pasado. «He estado buscando un sustituto/a, pero nadie te va a reemplazar», machaca el estribillo, quizá tratando de asimilar lo que no se puede asimilar.
El tema contiene un sample de ‘Big In Japan’, uno de los mayores éxitos de los alemanes Alphaville, el que fue su primer single. El tema llegó a ser top 10 en Reino Unido y media Europa en 1984. Es por eso que encontramos en sus créditos a Marian Gold, Frank Mertens y Bernhard Lloyd. Aquel sería un gran año para ellos, pues su álbum debut ‘Forever Young’ también incluiría el pelotazo homónimo, además de este ‘Big In Japan’.
El vídeo de ‘Substitution’ insiste en las referencias ochenteras, narrando un viaje en coche y la historia de una desaparición. La estética de series de aquellos tiempos como ‘El coche fantástico’ y ‘V’ son evidentes, y quizá podamos sumar ‘El equipo A’ y ‘MacGyver’ en algún plano suelto.
Renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del momento, recopilando lo que ha dado de sí el mes de marzo y los primeros días de abril. Por ejemplo, los discazos de Lana del Rey, 100 gecs o boygenius. También ha sacado disco gente tan querida por aquí como Depeche Mode. Seguimos disfrutando singles de los álbumes de Caroline Polachek, al tiempo que nos llegan adelantos de discos tan esperados como los nuevos de Christine and the Queens, Alien Tango o Aitana, ahora en un registro más house y adulto.
Entre las sorpresas del momento, los álbumes de Valeria Castro, Ana Mena, NOIA o el EP de Gazzi. En cuanto a artistas revelación apostamos por LaTorre, BERNARDA, Sofía V, Warmi o Nenas, en cuyo himno ‘Nuevos heteros’ puedes escuchar el nombre de nuestra web como parte de su parodia social.
Destacamos también lo nuevo de Purple Disco Machine, Labrinth con Billie Eilish, Little Dragon, Matthew Herbert, Angy o Wednesday, entre otras curiosidades como ese viaje al pasado que han hecho El Columpio Asesino junto a Pucho de Vetusta Morla.
Christine and the Queens / To be honest
Lorena Álvarez / Yo voy soñando
Lana del Rey, SYML / Paris, Texas
Alien Tango / BFF
NOIA, Buscabulla / eclipse de amor
Valeria Castro / lo que siento
Renaldo & Clara / Globus
100 gecs / Hollywood Baby
Nenas / Nuevos heteros
El Columpio Asesino, Pucho / Perlas
GAZZI / inténtalo
Aitana / Los Ángeles
Vicco / Me muero x ti
Purple Disco Machine, Kungs / Substitution
boygenius / Not Strong Enough
Labrinth / Never Felt So alone
Little Dragon / Slugs of Love
Caroline Polachek / Smoke
LaTorre, xuzu / Amor y miel
Matthew Herbert / The Horse Has a Voice
BERNARDA / Antoniet
Depeche Mode / My Cosmos Is Mine
Torrent Foot, Azealia Banks / New Bottega
Angy / Dualidad
Sofía V / DE CERO
MTINES, Anna Andreu / Estimada Glòria
Ana Mena / Mañana dios dirá
KAROL G / Tus gafitas
Warmi / Replaced
Wednesday / Chosen to Deserve
El director Alfonso Albacete es fan de Fangoria, como demuestran las colaboraciones que ha realizado con Nacho Canut y Alaska a lo largo de los años. ‘Solo química‘, la canción principal de la película homónima dirigida por Albacete, era una composición de Fangoria, así como ‘La verdad’, escrita para la banda sonora de ‘Mentiras y gordas‘ (esa película).
La asociación de Albacete y Fangoria ha vuelto a ocurrir en 2023. Este año, el director murciano está estrenando nueva película, ‘La novia de América’, y ha vuelto a llamar a Fangoria para que escriban la canción principal. La novedad es que esta vez les acompaña en la aventura nada menos que Paulina Rubio. Juntos entonan ‘Mi decisión’, casi como una de las canciones de Dinarama para su obra maestra ‘Deseo carnal’, que se llamaba ‘La decisión’.
‘Mi decisión’ es una producción inequívocamente «fangoriana», y no solo porque la base recuerde a la de ‘I Feel Love’ de Donna Summer y Giorgio Moroder. La producción musical combina elementos de electropop y disco muy similares a los singles de la última etapa de Fangoria, escritos por Guille Milkyway o no (este es de Juan Sueiro); y ‘Mi decisión’ termina sonando mejor que algunos de sus singles recientes publicados en epés. La presencia de Paulina Rubio le da un sabor diferente: su timbre vocal y afectada interpretación siguen siendo inconfundibles.
Por otro lado, la letra de ‘Mi decisión’ vuelve a empoderarse a través de la individualidad, con sentencias como «no necesito permiso, no quiero tu bendición» o «soy lo que siempre juré que sería, sin condición», además de frases tan típicas de Fangoria como «déjate de opiniones, déjate de lecciones, muchas gracias, pero no»; frases que grabarse a fuego siempre, te guste el grupo o no.
‘Mi decisión’ une a dos vocalistas que comparten sus raíces mexicanas, y precisamente en México se ambienta la nueva película de Alfonso Albacete. ‘La novia de América’ es una comedia que narra la historia de Ana y Tono, dos hermanos cuyo padre anuncia su compromiso con una chica 30 años más joven que él. La familia española viaja a México para conocer a su familia política y ahí surgen dramas de todo tipo. El reparto de ‘La novia de América’ incluye a Miren Ibarguren, Ginés García Millán, Pol Monen, Eduardo Casanova y Pepa Charro, entre otros.
Este verano comenzará a rodarse una nueva película sobre Bob Dylan. Esta parece que no será tan experimental como ‘I’m Not There’, sino que versará simplemente sobre sus primeros años en Nueva York. El artista se mudó a esta ciudad a los 20 años siguiendo la estela de su ídolo Woody Guthrie, que aparecerá también representado en la cinta.
La primera vez que se habló de este proyecto fue en 2020, pero parece que ahora al fin va a concretarse. James Mangold, al que recordarás por ‘Walk the Line‘, el gran biopic sobre Johnny Cash (y June Carter), o por ‘Logan‘, va a dirigir este biopic que contará con el protagonismo de Timotheé Chalamet, protagonista de ‘Call Me By Your Name’.
Además, según informa Collider, Timotheé cantará en la cinta, es decir, no será la voz de Dylan la que escuchemos en las canciones. Se compara por tanto la situación con la de Taron Egerton al frente de ‘Rocketman’, la exitosísima película sobre Elton John.
Mangold acaba de declarar en un evento sobre Star Wars que esta nueva peli en torno a Dylan “es sobre una historia real interesante de un momento realmente interesante en la escena americana”. El director tiene antes que estrenar ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’, que llegará este verano.
Las guitarras eléctricas de temas de Vermú como ‘La ronda’ o ‘Un viento de amnesia’ nos transportan directamente al escenario grande de un festival. En concreto al atardecer, cuando tantos grupos nacionales influidos por el noise pop británico tuvieron su primera gran oportunidad ante un público enorme. La sola existencia de algo llamado «Un viento de amnesia» nos hace pensar en gente como Izal o Supersubmarina.
Vermú comienzan su segundo disco recordando un poquito a The National en el piano de ‘Agosto’ y otro poco al post-punk de principios de los 80 en la mencionada ‘La ronda’. Canciones como esta o la popera ‘Escombros’ esconden un gran potencial si les sopla el viento de cara. No penséis que este sonido se ha pasado de moda, justo cuando Viva Suecia más entradas que en toda su vida. Pero como ya sucedía en su debut ‘Cancionero estoico‘, las virtudes de esta banda están en otro lugar. En concreto, en la reivindicación del folclore manchego.
Da igual cuántos artistas de nuestro país estén utilizando un recurso similar: cuando ‘Envido y truco’ irrumpe en el tracklist, con su ritmo de jota y al mismo tiempo su teclado tipo The Doors, es un soplo de aire fresco. Lo mismo que la trompeta de Juan Antonio Martínez en ‘La extranjera’, con cierto aroma de canción tradicional. O la calidez de la rumbita lenta ‘En esta ruina’.
El punto donde mejor confluye el indie y la tradición es ‘Somos desastre (que te den)’, las «alegrías del incendio» de este ‘Duelo de ronda’. Por un lado, su melodía y ritmo tipo villancico: no en vano se estrenó el pasado mes de noviembre. Por otro, su ansia vengativa, tan indie y tan Jota. Solo que adaptada al siglo XXI. El «que te den» va entrecomillado y es de ella para el narrador: «disimulas pero miras mi Instagram, no me aguantas». «En el bar dicen que me quieres matar».
Cuenta ‘Duelo de ronda’ una relación marcada por la brecha entre el campo y la ciudad. Una de las partes se marcha para empezar una nueva vida. Por eso los temas van del enamoramiento y la conquista inicial (‘La ronda’), hasta la ruptura y el olvido (el inevitable «duelo» final). En medio quedan un montón de recuerdos: referencias a Talgos, equipos de fútbol de Albacete, discos de Estopa y a Gomorra en llamas.
Hay letras poéticas, como ‘Me va quemando’, a la que sienta fenomenal el punto Western; y hay letras sobrecargadas («vamos de nuevo a defender nuestro imperio sin nación, los verdugos de la sed»). Sobre ambas embelesa el bonito timbre tembloroso de Daniel Toboso, con puntos en común con Nacho Vegas y también Ella Baila Sola. ¿Os acordáis de cuando Marilia y Nacho trabajaron juntos?
Taylor Swift y el actor británico Joe Alwyn han puesto fin a su relación sentimental de seis años, ha confirmado Entertainment Tonight. Según la fuente citada, la ruptura entre Swift y Alwyn se ha producido de manera amistosa y «no ha sido dramática», y se debe a que «la relación ha llegado donde tenía que llegar».
Swift y Alwyn empezaron a salir en 2016 y han mantenido su relación fuera del foco de los medios. Swift sí ha dedicado un considerable número de canciones a su relación con Alwyn a lo largo de los años, algunas de las cuales han llegado recientemente en el disco ‘Midnights‘. La propia Swift ha confirmado que ‘Lavender Haze‘, uno de los grandes éxitos de esta era, habla del interés de ambos por proteger su relación de los rumores y del «ruido» mediático.
Desde ‘reputation‘ las canciones de Swift dedicadas a Alwyn de manera implícita o explícita se han sucedido sin descanso. ‘Delicate’ capturaba el principio de la relación («mi reputación nunca ha sido tan mala, así que supongo que te gusto por lo que soy»), ‘Lover‘ hablaba ya de un hombre del que Swift estaba perdidamente enamorada, y ‘London Boy’ era un claro retrato de su relación, en frases que hablaban de la «sonrisa con hoyuelo» de Alwyn y también de su acento británico.
Curiosamente, Alwyn ha llegado a colaborar en el trabajo musical de ella, pues aparece acreditado como co-autor en ‘betty’ y ‘exile’ de ‘folklore’, y también en ‘champagne problems’, ‘coney island’ y ‘evermore’ de ‘evermore’.
La noticia de la ruptura de Taylor se produce cuando la cantante se encuentra de gira por Estados Unidos con ‘The Eras Tour‘.
La época de festivales ya está aquí y pocas bandas hay que capturen tan bien el sentimiento fiestero de estos eventos como Ginebras. El mismo día del lanzamiento de su esperado segundo disco, ‘¿Quién es Billie Max?’, pudimos hablar con Sandra (guitarra y coros), Juls (batería) y Raquel (bajo), quien sustituyó a Juls en mitad de la entrevista, sobre los cambios en su vida a partir del éxito de ‘Ya dormiré cuando me muera’, el origen de Billie Max, la inestabilidad de la música y la evolución aún más cañera de su sonido.
El pasado sábado 25 de marzo dieron comienzo a una gira de festivales que les llevará por todos los rincones de España y que culminará con su primer concierto en el WiZink Center, el próximo 12 de octubre. Aunque el WiZink no es del todo un final, sino más bien el principio de su gira por salas, aun sin fechas confirmadas. Las próximas citas de la gira festivalera de Ginebras serán en Tudela el 29 de abril, Fuengirola el 13 de mayo, Mallorca el 18 de mayo y Alicante el 26 de mayo.
¿Cuál ha sido el cambio más importante que habéis experimentado en vuestra vida a partir del éxito de vuestro primer disco?
Sandra: Pues yo es que ahora llego al pueblo y soy la puta ama, por ejemplo. Yo creo que la confianza en nosotras mismas.
Juls: Yo creo que tengo menos, fíjate. A nivel profesional, como banda, yo creo que es el salto musical. Tenemos más responsabilidad y eso hace que queramos hacer las cosas mejor y no quedarnos estancados.
S: Nos hemos puesto las pilas a partir de que las cosas hayan funcionado guay con Ginebras. La confianza también tiene que ver un poco con eso, la validación externa no tiene que ser el motor de tu vida, pero ayuda a confiar en uno mismo. Estamos bastante motivadas en general.
Supongo que uno de los cambios es haber podido grabar en Abbey Road. ¿Cómo surgió?
J: Eso fue que teníamos un sueño. Tenemos una checklist y nuestros managers saben de esa checklist. En una cena en su casa nos dijeron: “Chicas, ¿qué os parece si vamos a Abbey Road?”, y nosotras “Venga, vaciladle a otra”. Pero sí, al final fue verdad.
S: Un apunte que nos gusta hacer es que todo el mundo puede grabar en Abbey Road. Pagando se puede, aunque haya que cumplir ciertas condiciones musicales, pero es un sueño igual que en algún momento nos gustaría grabar un disco fuera de España, en Los Ángeles o algo así, por el mero hecho de grabar un disco ahí. Lo mismo con Abbey Road. Es más el sentimiento que te provoca entrar en ese sitio. Haber hecho un documental ha sido la mejor decisión posible, porque podemos revivirlo.
Solo grabasteis ‘Muchas gracias por venir’, ¿no?
S: Sí, no tenemos tanta pasta (se ríen).
¿Qué cambios habéis notado en la industria desde el lanzamiento de vuestro primer disco?
S: Ahora nos toman un poco más en serio, aunque lo cogieron muy bien el primer disco.
J: Teníamos y seguimos teniendo ese miedo. De momento la industria nos está tratando bien, nos siguen queriendo en festivales y salas, y de momento hay Ginebras para rato.
S: También está la presión de que estamos confirmadas en un montón de festis sin haber sacado el disco. Igual nos han puesto ahí en un escenario principal y luego no mola, entonces es una presión muy heavy.
¿Cómo es trabajar en un sello como Vanana Records?
S: Familia. Es muy guay, porque es gente con la que tienes que tomar muchas decisiones. Ayuda mucho el que seamos amigos fuera del horario de trabajo y que podamos de repente tener el coño de decirles: «Queremos grabar en Abbey Road». Si no tuviésemos la confianza igual no nos atreveríamos a pedirles eso.
¿Os han tirado la caña de sellos más grandes?
S: Al principio sí, pero como nos están viendo que estamos tan bien en Vanana…
J: Sí, tenemos claro que Vanana Records está tatuado (me enseña su tatuaje de Vanana Records, un plátano).
«Estamos aquí, power femenino, me coméis la polla todos los desgraciados y desgraciadas que habéis sido un Alex Turner y ya está»
¿Os esperabais el éxito de temas como ‘Alex Turner’ o ‘Ansiedad’?
S: De ‘Ansiedad’ sí, pero de ‘Alex Turner’ no tanto. De hecho, acabamos de llegar ahora mismo al millón con ‘Alex Turner’. La elegimos como primer single porque nos molaba mucho.
J: Y porque era muy cañera. En este disco nos vamos mucho por la caña, hay mucha fiesta y hay incluso mas BPM que en el disco anterior. Tocamos esas y nos parecen lentas. También nos parecía como: «Estamos aquí, power femenino, me coméis la polla todos los desgraciados y desgraciadas que habéis sido un Alex Turner y ya está».
S: ¿Sabes dónde más ha funcionado? ‘Alex Turner’ es una locura en México. Es como que descubren la canción a través del nombre y se quedan porque les gusta. Si hacemos gira en México cerramos con ella cien por cien.
En el podcast de JENESAISPOP, Amatria contó que igual habíais intentado pasarle el tema a Alex Turner. ¿Se lo habéis intentado enviar al final?
S: Sí, nos han enviado mensajes como que en Twitter lo intentan, pero lo mismo que con Rosalía. ¿A ti te ha hablado Rosalía? A mí tampoco.
J: Encima habla en inglés, o sea que no entenderá una mierda.
S: También es que si alguien le traduce la letra se puede sentir ofendido. Pero en ningún momento, o sea, Alex Turner a nosotras nos pone…
J: Muy contentas (risas)
En la presentación del disco explicasteis quién es Billie Max, y resulta que no es nadie, sino una personificación de todo lo bueno que os ha pasado, ¿por qué lo llamasteis Billie Max?
J: Estábamos buscando un nombre que fuese neutro, que pudiese sonar tanto a masculino como a femenino, y al principio salieron muchos hasta que dimos con Billie Max.
¿Os acordáis de alguno?
J: El primer era Peter Pan, pero no pegaba una mierda.
Porque la gente ya sabe quién es Peter Pan.
J: Exacto, y pensamos en inventarnos un nombre.
S: Realmente Billie Max está cogiendo forma con el paso del tiempo. Al principio era una cosa más que se aparecía en un sueño súper psicotrópico y al final pensamos que esa figura es la que nos representa a las cuatro. Poco a poco le fuimos dando significados. Somos nosotras y nuestra música.
En esa misma canción decís lo de “Billie Max se ha marchado, mi sueño se ha acabado, me despiertan las obras de Madrid”. ¿Os da miedo que llegue el momento de despertar del sueño?
J: Sí, de hecho, creo que yo he tenido pesadillas con eso. De levantarme pensando que Ginebras se había acabado y pensar qué hacía ahora con mi vida, y que nos abucheaban en el escenario… Hasta ese punto de ansiedad nos puede producir el hecho de que la música es algo inestable. Ahora estamos aquí, pero luego podemos caer.
S: Ayer mismamente Rayden anunció que dejaba la música. Second, su gira de despedida, Izal, El Columpio Asesino… Llega un punto en el que no sabemos por qué razón, pero se acaba. Y esperemos que esto tarde mucho en acabarse. También hay un miedo aquí muy grande, al menos por mi parte, que es el del típico artista que saca su décimo disco y las 10 canciones más escuchadas de Spotify son del primer disco. Es como, ¿para qué estoy trabajando? Eso puede pasarnos y me da miedo.
«Nos da miedo llegar al décimo disco y que las 10 canciones más escuchadas de Spotify sean del primero. Es como, ¿para qué estoy trabajando?»
‘¿Quién es Billie Max?’ lo he visto como un disco más cañero, pero también más versátil, y manteniendo la esencia del primero. ‘Lunes negro’, con sus toques electrónicos, o ‘Muchas gracias por venir’ son un claro ejemplo, siendo esta todo un baladón. ¿Buscabais conscientemente una evolución en vuestro sonido o fue casual?
J: Teníamos claro que queríamos meter más sintes, más piano… En ‘Omeprazol’, la parte de viento llegó justamente el día de la grabación, pero sí se nos había pasado por la cabeza.
S: A nivel musical, han pasado dos años desde que sacamos el primer disco y al final una va escuchando más música. La evolución de disco a disco yo creo que todas las bandas lo tienen en mente. Incluso Alejandro Sanz, que acaba de sacar un reggaetón o no sé qué. Hay gente que intenta adaptarse a las modas de ahora y hay gente que intenta mejorar lo que tenía. Nosotras creo que lo hemos mejorado.
¿Cómo es que no hemos tenido ningún tema como ‘Muchas gracias por venir’ antes? Creo que Magüi dijo en la presentación del disco que le tenía miedo a las baladas.
J: Le da miedo, le sigue dando miedo.
S: Nosotras teníamos claro que queríamos una balada, pero nuestro primer disco es todo fiesta y tocar eso en un festival, genial, pero una balada parecía que no tenía cabida. Intentamos hacer baladas, pero no salió ninguna que nos apasionase. Entonces Magüi nos enseñó esta canción y de una.
En este momento, Raquel se cambia por Juls.
¿Cómo surgió la colaboración con Dani Martín?
R: Dani subió una historia diciendo: «Mi nueva banda favorita», y etiquetándonos a nosotras. Empezamos a hablar con él y al principio nos daba una vergüenza que te cagas, pero luego se ha convertido en algo muy natural. Hemos conocido a una persona bastante cercana.
S: Tarde o temprano creíamos que iba a acabar ocurriendo y dijimos: «¿Para qué vamos a esperar? Se lo pedimos ya». Fue un poco así.
R: También creo que le hace ilusión porque le recordamos en cierta parte a su etapa con El Canto del Loco.
«Dani Martín es una persona bastante cercana»
Imagino que para un grupo como Ginebras, El Canto del Loco significa mucho.
R: ¡Para todo el mundo! Es que es un grupo que ahora mismo también lo podría petar fácilmente. Historia de nuestra adolescencia.
¿Cómo afrontáis la gira que arrancáis mañana?
S: Hemos montado un pifostio enorme para esta gira: tenemos mucho más equipo, tenemos una escenografía nueva, hemos invertido en visuales, hemos invertido en vestuario… Estamos trabajando mucho en esta gira.
R: Y ya sabemos lo que pasa cuando te subes a un escenario. Hemos probado el caramelito y queremos otro.
S: No hay mayor droga que un escenario.
Wednesday es una banda americana relativamente nueva: su primer disco salió solo en 2018, pero desde entonces no han parado de sacar material. En 2021 con ‘Twin Plagues’ se abrieron a un público más amplio, pero es este año con su quinto disco ‘Rat Saw God’ el que parece que los impulsará a lo alto de la escena indie rock contemporánea. Hoy nos detenemos en su segundo single, la magnífica ‘Chosen to Deserve’, una canción de amor que se encuentra entre lo más accesible e inmediato que han hecho nunca.
Claramente influidos por el rock de finales de los 90 y principios de los 2000 y teniendo como máxima referencia a Drive-By Truckers, el tema está marcado por guitarras ruidosas y tonalidades country. En él, Karly Hartzman enumera una serie de experiencias traumáticas y caóticas de su pasado para su pareja, ya que llevan un tiempo juntos. Siempre se cuentan las mejores historias primero, pero ya ha llegado el momento de abrirse del todo y mostrarse sin filtros. “Soy la chica que has elegido merecer” entona la cantante en una interpretación vocal apasionada y llena de pequeños y exquisitos matices en su dicción. Hartzman demuestra que, además, es una gran narradora, con un estilo cinemático poderoso.
Es difícil no sentir nada cuando cuenta cómo cuando era adolescente, a un amigo suyo casi le da una sobredosis y en el hospital le dijeron que tenía suerte de haber sobrevivido. O cuando revela que iba solamente tres veces por semana a clase, se emborrachaba constantemente y meaba en la calle. En los últimos versos, deja atrás el pasado y confiesa desde el presente: “Ahora todas las drogas son aburridas para mí / ahora todo es soledad y esta está en todo / Gracias a Dios que fui elegida para merecerte”. Es un cierre conmovedor para una canción de amor atípica y honesta, cuyo pegadizo estribillo y sus espectaculares riffs son imposibles de quitarse de la cabeza.
No es tarea fácil superar una jornada inicial con nombres como Sen Senra, Lori Meyers, Love of Lesbian, Zahara o Carolina Durante, pero SanSan consiguió cerrar ayer su segundo día con éxito. Viva Suecia y Dorian reemplazaron a Lori Meyers y Love of Lesbian como los conciertos más abarrotados. Por otro lado, Phoenix, la apuesta internacional más importante del festival junto a Milky Chance, no caló tanto entre el público como se esperaba. Además, Cupido, Cariño y Xoel López triunfaron en el escenario SeeTickets, el más reducido de los tres.
El primer gran concierto fue el de Guitarricadelafuente, a quien cada vez se le da mejor eso de congelar el tiempo nada más que con su voz y su guitarra, aunque este sea mucho más que una voz y una guitarra. El directo de Guitarrica coge un poco más de fuerza con cada concierto. En este caso, el autotune ocupó un papel fundamental en el set, con momentos que llegaban a recordar a un vocoder salido de Bon Iver, como en ‘Antes de que quieras olvidar’.
El nacido en Benicàssim se iba moviendo desde el borde del escenario, donde siempre conseguía despertar los gritos del público, hasta un gran órgano que se encontraba al fondo de las tablas y que tenía una enorme roca posada sobre él. Temas como ‘El Conticinio’ y ‘La Algarabía’ se tocaron ahí. La mágica recta final se dio con ‘A Mi Manera’, que duró todo un atardecer, ya que comenzó de día y terminó con los ultimísimos rayos de luz, y con la esencial ‘Guantanamera’.
A continuación, se produciría la primera gran división de público del día, entre los fans de la fusión de rap y rock de Rayden y del indie nostálgico de Xoel López, que, por cierto, repite hoy como Deluxe. El de ‘Calle de la Llorería’ ocupaba el escenario SanSan, mientras que al músico gallego le tocaba en el SeeTickets, donde pese al limitado espacio consiguió amasar una gran cantidad de público y temas como ‘Lodo’ y ‘Tigre de Bengala’ fueron celebrados como se merecen.
Javier Bragado
Rayden, vestido con unos tirantes y unos pantalones baggy, presentó el primer concierto de su gira final, tras anunciar su retirada de la música y los directos, en lo que será su último SanSan. “Hacía muchísimo que no estaba tan nervioso”, soltó antes de contar que fue precisamente en su primer SanSan, en 2014, cuando se dio cuenta de que necesitaba una banda para “acreditar” su carrera. Es innegable que Rayden mueve masas, y ayer SanSan fue testigo de ello, pero si no conoces sus canciones y no te llama su estilo es difícil que te convenza, aunque sea uno de sus últimos conciertos.
‘No Hemos Aprendido Nada’ dio comienzo al multitudinario concierto de Viva Suecia. Los murcianos están en el mejor momento de su carrera tras el lanzamiento de ‘El amor de la clase que sea’, que consiguió posicionarles en el Top 40 de ventas en España durante medio año. Esto último se notó en la energía del público, que también fue seguramente el más vasto de toda la jornada. ‘El Bien’, ‘Casi todo’ y ‘La Voz Del Presidente’ fueron algunos de los momentos más destacados en un show que, en líneas generales, no ha sorprendido, pero sí cautivado a sus fans.
Cariño fueron la antesala de lo que recibiríamos casi a las 3 de la mañana con Cupido: un grupo capaz de ofrecer lo mejor de la música en directo, pero sin miedo a mezclar géneros con personalidad. Además, junto a Guitarricadelafuente y los de Pimp Flaco, Cariño fueron uno de los grupos más diferentes y frescos que podíamos encontrar en el día de ayer, teniendo en cuenta que la música de Viva Suecia, Phoenix y Dorian se encuentra prácticamente en el mismo vecindario.
Con un set adornado con dos flores hinchables de colores y un fondo de estampado cielo, Paola, Alicia y María tumbaron el escenario pequeño con temas tan icónicos como ‘Te Brillan’, ‘no me convengo’ o ‘si quieres’. En esta última, y como debe ser, la gente perdió la cabeza. Se despidieron con el remix de ‘tamagotchi’ junto a Lara91k, uno de sus últimos éxitos.
Javier Bragado
Toda esta euforia se desvaneció rápidamente con Phoenix, que, aunque hicieron todo lo posible por ello, no pudieron revivir a un público que estuvo tibio durante la mayor parte del show. Exceptuando los momentos en los que tocaron ‘Lisztomania’ y ‘1901’, por supuesto. Además, el público era bastante reducido, comparado con el de Rayden o Viva Suecia, teniendo en cuenta que eran una de las apuestas fuertes del festival. En su recta final, los franceses consiguieron involucrar más al público con ‘Binoculars’ e incluso el vocalista Thomas Mars se animó a meterse en medio del público, para ser levantado y devuelto al escenario en un baño de masas.
“Dentro de poco vamos a sacar algo muy especial con un artista de este festival y no es solo una canción, así que estad atentos a las redes sociales”, anunció Marc Gili ante los miles de personas que se congregaron para disfrutar de la propuesta de Dorian. Alizzz podría ser el artista al que se refiere Gili, dado que ya trabajaron juntos en ‘Energía rara’, pero no se sabe nada más. Otro artista con el que han trabajado y que también está en el line up es Pimp Flaco. Sin embargo, este no apareció para la actuación de ‘Dual’, que aun así fue uno de los mejores momentos del set.
Ainhoa Laucirica Salir a cantar con Dorian era la única oportunidad de que Cupido recibiese la representación que merece en uno de los grandes escenarios, pero tuvieron que conformarse con el pequeño, y, por tanto, una experiencia más íntima que también les vino bien. Íntima, que no relajada. El escenario SanSan estaba ocupado por La Pegatina cuando Cupido salieron a tocar, por lo que en esta ocasión el público se dividió según el tipo de fiesta que le apeteciese.
Lo mejor que tiene Cupido es su capacidad para meterse al público en el bolsillo, de forma que todos los temas acaben siendo, al menos, bailados por todos. Esto lo consiguen mediante unas elaboradas intros que solo se pueden disfrutar en su directo, que sigue siendo uno de los mejores de la escena pop de nuestro país. Algunos ejemplos de esto son el ya conocido freestyle inicial de ‘Santa’, que no falla en pillar desprevenido al público casual, la introducción con toques de blues de ‘Wallapop’, y la outro de ‘La Pared’ en la que Flaco desvela cómo consigue los materiales para conseguir construir el muro, añadiendo un nuevo capítulo a la historia.
‘La Pared’, ‘Un Cabrón Con Suerte’, ‘Todas Menos Tú’ y ‘Tu Foto’ fueron los highlights de un show que se sintió como una rareza en la segunda jornada de SanSan. Mientras que en el resto de los conciertos se notaba claramente cuáles eran los temas más esperados por la gente, especialmente en Phoenix y hasta un punto en Cariño, en el concierto de Cupido cada tema era celebrado como si fuera el más reproducido en Spotify.
boygenius han entrado en el número 1 de álbumes de Reino Unido con ‘the record‘, su nuevo disco. Las cifras estimadas se sitúan en torno a las 18.869 unidades equivalentes, de las cuales 9.839 corresponden a ventas de vinilo, 5.329 a las del CD, 487 a descargas y 3.214 a puntos de streaming.
La batalla de la semana de la lista de álbumes se la han disputado boygenius y Melanie Martínez. Las cifras totales de ‘PORTALS‘ se sitúan finalmente en torno a las 15.626.
El trío formado por Phoebe Bridgers, Julien Baker y Jucy Dacus empezó vendiendo cerca de 13.600 unidades equivalentes durante el fin de semana, y Melanie unas 8.000. Llegado el miércoles, las cifras de ‘PORTALS’ se situaban en torno a las 13.000 unidades. En las cifras finales, boygenius ha cogido delantera a Melanie por 3.000 unidades equivalentes.
En Estados Unidos, ni boygenius ni probablemente tampoco Martinez correrán la misma suerte, pues el huracán Morgan Wallen continúa acaparando el número 1 de álbumes. Las predicciones de HITS Daily Double sitúan ‘PORTALS’ en el número 2 de Billboard con 121.277 copias, y el disco de boygenius en el número 5 por detrás de Tyler, the Creator y SZA, con 63.000 copias.
Volviendo a la lista británica, hay nuevo número 1 de singles, ‘Miracle’ de Ellie Goulding y Calvin Harris. Es el 4º número 1 en UK para Ellie, y el 11º para Calvin. Curiosamente, ni ‘Outside’ ni ‘I Need Your Love’ llegaron nunca a la primera posición.
Holly Lapsley Fletcher (Låpsley) parecía una promesa que iba a estallar en breve: ‘Station‘ fue un exitazo (y, a la postre, el tema en el que se inspiró Billie Eilish para ‘ocean eyes’), canciones como ‘Hurt Me’ y ‘Operator’ no funcionaron nada mal tampoco, y a principios de 2020 se vino con un álbum conceptual, ‘Through Water‘, después de cuatro años. No sabemos cuánto influiría la pandemia en las cifras, pero el asunto es que las cifras de ese segundo disco fueron bastante menores… y las de este tercero, editado ya en independencia, no auguran nada bueno tampoco.
No se puede decir que ‘Cautionary Tales of Youth’ sea un mal disco… tampoco uno que recordaremos especialmente. La concepción viene de Sudáfrica, donde Låpsley pasó el confinamiento, regresando varias veces después para visitar a las amistades que hizo allí, y a los artistas que conoció, “los mayores nerds de Sudáfrica” en sus palabras, con los que ha querido contar para este proyecto. Así, la cantante aborda géneros como el afrobeat, el amapiano y el gqom, que asegura que siempre le han gustado. Puede parecer un poco aleatorio, pero, teniendo en cuenta que le añadió ese carácter a su nombre artístico porque a través de su herencia escocesa “percibía lazos escandinavos”, quizás sí que es algo genuino para ella, y desde luego se nota el cariño por lo que está haciendo, y el empeño en aprender de otros.
De hecho, es el primer disco de Låpsley en el que, además de a su fiel escudero Joe Brown, encontramos nombres nuevos en producción y composición como Greg Abrahams, Mikhaela Kruger, Mirza, Omri Dahan, o incluso Jessy Lanza (en la composición de ‘Pandora’s Box’), y la colaboración de la cantante sudafricana Msaki en ‘Close to Heaven’. Con todos ellos, Låpsley arma un disco cuya producción, paradójicamente, no es lo que más destaca. Cortes como ‘Pandora’s Box’, ‘Levitate’ o los giros que parecen pequeños cortes de ‘War and Peace’ funcionan mejor, pero, por lo general, la producción se pierde mucho en la línea entre elegante y anodino, mientras que en las letras es donde Låpsley muestra más olfato.
‘Cautionary Tales of Youth’ tiene como centro lo que parece ser el camino entre dos relaciones, y el crecimiento personal de la autora en ese transcurso. A veces de forma más lúdica, como cuando referencia una posible llegada a Sudáfrica (“step off the plane, red dust on white Nike / I don’t take calls from ex anymore / I don’t write scripts, Spike Lee, no film roll” dice en ‘Dial Two Seven’, llamada así por el prefijo de ese país), a veces con el amargor de la ruptura (“you’ve got the sweetest way of lifting me up / but you’ve got the coldest way of bringing me down” canta en ‘War and Peace’, y enseguida responde en ‘Levitate’ “I just want a love that makes me levitate / you say it’s natural to love and hate”). A veces con la melancolía del recuerdo (“if you’d have put all hands in at the time I needed / maybe I would understand you baby, more than I did / maybe we were good together” canta en ‘Pandora’s Box’), a veces hablando de una persona con la que no sabemos si ha vuelto a enamorarse o es la misma de antes (“I free fall down these 32 floors and I land in your arms, that’s trust” dice en ’32 Floors’; “I know you see me through smoke and fire” en ‘Smoke and Fire’).
En cualquier caso, sobresalen en este aspecto también la sensual ‘Nightingale’, que habla de manos curativas y de “escribir con los dedos en tu espalda”, el cierre con ‘Say I’m What You Need’, cuya carta de amor va subiendo los beats, y una ‘Lifeline’ que parece dirigida a ella pero también a los propios oyentes, a quienes pregunta cómo están y les anima a tirar hacia adelante ya que les ve capaces de “poder, de alguna manera, con las nubes que lleváis en la frente en un lunes cualquiera”.
Pero, aunque la manera de mezclar lo cotidiano con metáforas y darle un toque informal sea un acierto de Låpsley, las canciones no terminan de llegar como podrían, quizás porque por la propia intención minimalista a veces se confunden entre sí. Hay temas mejores que otros, y ninguno es realmente malo, pero tampoco esperes encontrar un ‘Hurt Me’.
Novedades para todos los gustos en el top 40 de JENESAISPOP. Esta semana llegan al top 10 tanto Yves Tumor como “Beso” de Rosalía y Rauw Alejandro. Una canción que es número 1 en España y un artista que nunca lo será.
En otros puntos de la lista entran Tyler the Creator, Lorena Álvarez, Aitana, Ginebras y JUNGLE. En cuanto al número 1, lo recupera Lana del Rey con ‘AW’ escogida por nuestro público en Twitter.
La canción elegida es ‘Smoke’. Después de unas horas de exclusiva en Instagram, el vídeo se ha subido a Youtube bajo la dirección de Matt Copson. La propia Caroline ha ejercido de directora creativa y se sumerge aquí entre «humo» propiamente dicho. Los colores de neón mandan en un vídeo que lleva el disco exactamente al lugar que te imaginabas. La estética es la misma que la de los conciertos de presentación del álbum.
‘Smoke’, nuestra «Canción del Día» para este sábado, hablaba de volcanes y la cantante lo explicaba así en Apple Music: «Es sobre la catarsis. La primera frase («solo es humo flotando sobre un volcán») es sobre fingir que algo no es catastrófico cuando por supuesto que sí lo es. Es sobre negarte a ti misma las cosas. Es sobre fingir que la situación o tus sentimientos no son tectónicos, pero por supuesto sí lo son».
También ha dicho en Vulture que es una especie de broma sobre «tener la situación bajo control cuando no la tienes en absoluto». En el disco en general, «los volcanes son una metáfora del subconsciente y de todo lo que nos hemos reprimido durante la pandemia».
Os recordamos que Caroline Polachek es una de las grandes bazas que veremos actuando en el Primavera Sound, y os dejamos también con el podcast que recientemente grabamos sobre la cantante.
Podcast: ¿ha hecho el disco del año Caroline Polachek?
Paul Cattermole, vocalista de la exitosa banda de teen-pop británica S Club 7, ha fallecido a los 46 años, ha confirmado su familia: «Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento inesperado de nuestro querido hijo y hermano Paul Cattermole. Paul fue encontrado ayer, 6 de abril de 2023, en su casa en Dorset y declarado muerto por la tarde».
El texto agrega: «Aunque actualmente se desconoce la causa de la muerte, la Policía de Dorset ha confirmado que no hubo circunstancias sospechosas. La familia de Paul, los amigos y los miembros del S Club solicitan privacidad en este momento».
Por otro lado, S Club 7 ha expresado su pésame en un comunicado: «Estamos verdaderamente devastados por el fallecimiento de nuestro hermano Paul. No hay palabras para describir la profunda tristeza y pérdida que todos sentimos. Tuvimos mucha suerte de haberlo tenido en nuestras vidas y estamos agradecidos por los maravillosos recuerdos que tenemos».
El fallecimiento de Cattermole se produce solo unas semanas después de que S Club 7 anunciara una gira de regreso por su 25 aniversario. Cattermole había confirmado su participación en el proyecto.
S Club 7 se formó en 1998 e, integrado por Tina Barrett, Jon Lee, Bradley McIntosh, Jo O’Meara, Hannah Spearritt, Rachel Stevens y Paul Cattermole, alcanzó la fama a través de la serie ‘Miami 7’. Entre aquel año y 2002, el septeto colocó cuatro singles en el número 1 de las listas británicas, entre ellos ‘Bring It All Back’, ‘Don’t Stop Movin’ y un ‘Never Had a Dream Come True’ que triunfó a su vez en Estados Unidos. El grupo logró también gran éxito en Europa.
Pese al éxito de S Club 7, sus integrantes lo notaron poco en términos económicos. En 2019, en una entrevista con The Guardian, Cattermole confirmó haber vendido su premio BRIT para saldar una deuda, supuestamente por 60.000 libras.
Cattermole abandonó S Club 7 en 2002, y el grupo se separó en 2003. En 2014 se volvió a reunir por solo un año. La anunciada gira arrancaba en octubre en Liverpool y marcaba la tercera reunión de S Club 7. Se desconoce si seguirá adelante.
La época de festivales ha sido inaugurada oficialmente con la primera jornada de SanSan Festival. Así lo recordaron varios artistas, emocionados por lanzarse a la carretera un año más, en un día inicial marcado por el sol, el fresquillo de la noche y los renovados espectáculos de Sen Senra y Zahara, que también regalaron los momentos más emocionantes de la velada gracias a dos nuevas canciones.
A falta de media hora para el final de Miss Caffeina, que inauguraban el escenario principal, corrientes de gente seguían entrando por las puertas del festival. Lo cual significa que muchos se perdieron el momento en el que Alberto, el vocalista, dedicó el reggaetón de ‘El rescate’ a los haters de su último single (‘Para toda la vida’), que alegan que “después del segundo disco se vendieron”. Por cierto, lanzan el EP ‘Shanghai Baby’ el próximo 14 de abril.
Durante la siempre efectiva y contagiosa energía de Cala Vento, los últimos rezagados ya estaban llegando a tiempo a SanSan para el primer gran concierto multitudinario de la noche, el de Sen Senra. Si bien sus canciones siempre han sido mágicas, su directo no lo era tanto. Hasta ahora.
En el pasado, el gallego podía pasarse de minimalista y de anti carismático llegando a resultar incluso aburrido, pero ayer encontró el equilibrio perfecto. Gracias a un setlist que mira hacia el futuro más que al pasado, incluyendo temas como ‘Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer’ o ‘1000CANCIONES’, y a una producción más sólida y cautivadora, Senra demostró que quiere ser “algo mejor” que un cantante.
Senra tampoco dejó de lado temas clásicos de su discografía como ‘No Me Sueltes Más’ o ‘Ya No Te Hago Falta’, con el que terminó el show guitarra en mano y tumbado a la pachorra en un sofá. Además, añadiendo un elemento novedoso a través de unos samples vocales que han conseguido refrescar su conocido catálogo. Por si fuera poco, este también estrenó un tema inédito, el primero de los dos que habría durante el resto de la noche.
Se trataba de otro inclasificable tema con influencias de dance, tecno y jersey club, como ya encontrábamos en ‘Boy’s a Liar Pt. 2’ de PinkPantheress o ‘Just Wanna Rock’ de Lil Uzi Vert. El estribillo va así: “Yo no soy uno de esos gatos, yo nunca lo regalé, pero tan fuerte que conectamos, que será la primera y no la última vez”. Es cierto que temas como ‘Nos Dará Alas’ o ‘La Cura’ no sonaron, pero lo que recibimos fue mejor.
Ya sabemos que Lori Meyers es una apuesta más que sólida en cualquier festival y ayer no fue diferente. Un show cañero, sin parones, lleno de himnos como la siempre revitalizadora ‘Emborracharme’ y adornado con su set de luces característico, emulando una ciudad futurista. Una de las grandes sorpresas de la noche fue el debut en vivo de ‘Un Último Baile’, que incluso fue presentado por Noni como un tema “nuevo”, sacado del LP ‘Espacios Infinitos’ (2021). Una fusión de funk y rock que podría recibir una segunda vida en los directos de los granadinos. Al menos, es lo que se merece.
Javier Bragado
Junto a los granadinos, Love of Lesbian disfrutaron de la mayor concentración de público de la noche, con un mar de gente que abarcaba todo el espacio de los dos escenarios principales. Se trataba del primer concierto de Santi Balmes tras ser operado de una hernia y avisó diciendo que no se iban “a mover mucho”. 50 minutos más tarde, Balmes ya se había quitado la camiseta, pese al frío de la noche, llegando a hacerse un Marilyn Monroe con el aire que salía del humo del escenario durante ‘I.M.T.’.
Esta última se la dedicó a “todas aquellas personas que no han follado desde la pandemia”, y no fue la última dedicación del set. Balmes mencionó a El Columpio Asesino y a Izal, entre otros, antes de tocar ’60 Memorias Perdidas’, en honor “a todos los grupos que nos han abandonado”. Como quien dice “hágase la luz”, Balmes pidió a su público “que salga la magia” en los momentos claves del show: ‘Noches Reversibles’, ‘Belice’, ‘Incendios de Nieve’, ‘Fantástico’… Y los asistentes no defraudaron, coreando todo lo que hiciese falta.
Ainhoa Laucirica
“Si hay alguien que se ofende con el uso de nuestra libertad, por favor, diríjase inmediatamente a la salida más cercana”, se podía leer en la pantalla antes del momento más memorable de la noche con Zahara y su absorbente rave. Compartiendo escenario con Manuel Cabezalí y Martí Perarnau IV, el 50% de _juno, Zahara ofreció el gran espectáculo de la noche, con una puesta en escena, coreografía e iluminación digno de ser llevado a salas.
Sonaron todas las canciones amadas por los fans de la andaluza como ‘berlin U5’, que dio fin a la rave por todo lo alto, o ‘MERICHANE’, pero convertidas en ofrendas a “la diosa del tecno”. Este show ofrece los bajos más potentes que he escuchado en un concierto, la contagiosa energía de Zahara y sus acompañantes sobre el escenario y, sobre todo, una gran experiencia que acaba siendo superior a las propias canciones. Da igual que no hayas escuchado nunca a Zahara, esto merece igual la pena.
Esta rave también es el único lugar donde puedes escuchar ‘ESTO NO ES UNA CANCIÓN POLÍTICA’, estrenada por primera vez el pasado 1 de abril en el Zeid Fest de Bilbao. Esta comienza con una breve historia en la que Zahara se encuentra en un tren y ve a alguien darle like a una foto suya. Lo que sigue es una de las letras más punzantes que ha escrito Zahara nunca. Una pequeña muestra: “Esto no es una canción política, no voy a hablar de drogas ni de religión, ni de libertad de expresión, porque la libertad de ir a los bares es mucho más importante”. Como si de una película se tratara, los créditos aparecieron al final del espectáculo.
Javier Bragado
Y todavía le tocaba el turno a Carolina Durante, cuyo concierto se resentiría tras comenzar a las 2:35 de la mañana, y todavía más después del petardazo de Zahara, que realmente se sintió como el clímax. Aunque una parte importante de la gente hubiese abandonado ya el recinto a estas alturas, la actuación de Carolina Durante se puede considerar un éxito.
La espontaneidad de Diego Ibáñez como vocalista y showman al mismo tiempo es remarcable, bailando totalmente desinhibido, con unos movimientos dignos de Ian Curtis en Joy Division. Por no hablar de sus simpáticos comentarios, como cuando prometió acabar “rápido” por lo avanzada que estaba la noche o cuando afirmó que “a veces me creo que hacemos death metal y hacemos pop”.
‘Joder, No Sé’, ‘Espacío Vacío’, ‘Perdona (Ahora Sí Que Sí)’ y, por supuesto, ‘Cayetano’ fueron los temas mejor recibidos por el público. Sin embargo, dio un poco de pena la gran cantidad de gente que se fue en cuanto cantaron esta última. Aun así, los fans de verdad resistieron hasta casi las 4 de la mañana, cuando finalizaron con ‘Casa Kira’ y ‘Las Canciones de Juanita’. Dos pequeñas joyas para despedir el sólido comienzo de SanSan 2023.
Reencontrarse en directo con los Hidden Cameras y Owen Pallett en 2023 ha sido una experiencia parecida a viajar en el tiempo. Una sensación similar produce escuchar a sus contemporáneos, los New Pornographers. Lo cual no es malo en absoluto.
El supergrupo canadiense liderado por A.C. Newman se dio a conocer a principios de siglo gracias a discos como ‘Mass Romantics’ (2000) o ‘Twin Cinema’ (2005) y ha seguido publicando álbumes sin descanso. Neko Case ha continuado en la formación, no así Dan Bejar aka Destroyer, que se bajó del barco en 2014. Curiosamente, ‘Continue as Guest’ incluye un crédito de Bejar en el corte inicial, ‘Really Really Light’, pero solo porque el tema incluye trozos de otro tema viejo, inédito, que Newman ha decidido recuperar por las circunstancias que ya te imaginas.
‘Continue as a Guest’ es un disco compuesto durante la pandemia, lo que significa que sus integrantes han colaborado de manera virtual. El reto ha sido evidente para los New Pornographers, pues el grupo siempre se ha beneficiado de introducir diferentes perspectivas en sus canciones, aportadas por cada uno de sus integrantes por separado. A.C. Newman es, salvo un par de excepciones, compositor y productor único de ‘Continue as a Guest’, pero se esfuerza para que el disco no suene a proyecto unipersonal o a mero capricho, pues estilísticamente también es variado.
Los New Pornographers siguen fieles a su explosivo sonido power-pop en ‘Continue as a Guest’, que, escuchado hoy, sigue transportando a otra época del indie. Las canciones pueden sonar tan pletóricas como ‘Really Really Light’, un portazo de power-pop que da ganas de correr campo a través; o ‘Wish Automatic Suite’, que cierra el álbum con más melodías alegres. En el medio, ‘Bottle Episodes’ es otra pieza estupenda ajustada al canónico sonido del grupo.
Pero Newman agrega diferentes matices a su universo. El músico ha buscado trabajar con sonidos «abrasivos», menos amables, y el single ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ explora el sonido anguloso de una Cate Le Bon. El saxofonista Zach Djanikian colabora en este tema y también en el siguiente, ‘Cat and Mouse with the Light’, una lección magistral de tensión suspendida aplicada al pop. Sorprendente es ‘Last and Beautiful’, una excursión a la oscuridad («quiero viajar a los oscuros fines de la tierra, pero no quiero ir solo, por favor, ven conmigo») que evoca las mareas shoegaze de My Bloody Valentine, conscientemente o no. Hay hasta ecos dance-punk en otro de los singles, ‘Angelcover’.
El interés por absorber influencias es típico de nuestro tiempo, y ‘Continue as a Guest’ es un disco que reflexiona a su manera sobre la vida moderna. El título es una evidente referencia a la vida virtual, ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ habla de «ventanas» digitales y «menciones» y la letra de ‘Firework in the Falling Snow’ la ha escrito Newman por Twitter con la colaboración de Sadie Dupuis, vocalista de Speedy Ortiz. La pandemia ha llevado a Newman a colaborar con artistas ajenos al colectivo por primera vez, mientras Neko Case vive su momento de gloria en ‘Marie and the Undersea’. Sus coros siguen siendo esenciales en todo el tejido el álbum, pero en este tema la protagonista es ella.
Labrinth, conocido por éxitos como ‘Mount Everest’ o por ser el autor de la banda sonora de ‘Euphoria’, también exitosísima, publica nuevo disco este año. ‘End & Begins’ sale a finales de agosto, según Apple Music, e incluirá los sencillos que Timothy Lee McKenzie ha venido presentando últimamente, ‘Iridium’, ‘Kill for Your Love’ y ‘Lift Off’.
A estos tres temas se acaba de sumar un cuarto, ‘Never Felt So Alone’, que llega con sorpresa, pues es una colaboración con Billie Eilish. El tema no aparece con «featuring» en Spotify, pero tanto Billie como FINNEAS figuran en los créditos y, vocalmente, Billie tiene suficiente protagonismo como para que ‘Never Felt So Alone’ se pueda considerar un dueto. Además, Labrinth y Billie posan juntos en las fotos promocionales.
El sonido de ‘Never Felt So Alone’ encaja perfectamente en el repertorio de Billie. La autora de ‘Happier than Ever‘ ha sido sorprendentemente una gran recuperadora de la música de los años 40 y 50, especialmente del jazz vocal, y ‘Never Felt So Alone’ trae evidentes ecos doo-wop en melodías y arreglos. La producción electrónica, repleta de efectos especiales, lleva esta influencia a nuestro tiempo, e incluso la proyecta ligeramente hacia el futuro.
La química entre Labrinth y Billie se hace notar en ‘Never Felt So Alone’ aunque la letra diga lo contrario. El título de la canción ya anticipa que esta pareja no nos está hablando de un amor ideal. «Creí que eras mi mejor amigo, ojalá lo hubiera sabido antes», canta Billie, devastada porque todo su mundo «se ha desmoronado».
Labrinth está especialmente orgulloso de ‘Never Felt So Alone’ y asegura que «es una de mis producciones favoritas de todas las que he hecho». En redes da las gracias también a Billie por «ser una de las creativas más innovadoras y talentosas que hay ahora mismo».
El inicio de Semana Santa llega cargado de novedades, entre ellas el esperado nuevo disco de Ellie Goulding, el «menos» personal de su carrera en sus propias palabras. Además, yaeji lanza al fin su debut largo, Thomas Bangalter, ex Daft Punk, publica su disco de música clásica, y Daughter vuelven con su primer trabajo largo en unos cuantos años. También es posible escuchar desde ya nuevos discos de la banda de rock revelación Wednesday, Daniel Caesar o Mudhoney.
Entre los temas sueltos que se ponen hoy en circulación hay que comentar varias un par de sorpresas. En primer lugar, el nuevo single Labrinth incluye colaboración con Billie Eilish. En segundo, Drake lanza tema sorpresa aunque parece precipitado, pues suena en fase de maqueta.
En los últimos días ha llegado un nuevo single de Kylie Minogue, en colaboración con Oliver Heldens, e irresistible es también el tema new wave de Little Dragon. Además, hay nueva música de Jonas Brothers (en su etapa más Christopher Cross), NewJeans, Peter Gabriel, Poppy, Nacho Vegas, Mura Masa, KAYTRAMINÉ (Kaytranada + Aminé, producidos por Pharrell), Poppy, Indigo de Souza, Beach Fossils, Nil Moliner…
En mayo de 2022, durante la presentación en el festival de Cannes de ‘Crímenes del futuro’, Kristen Stewart habló sobre el que será su debut como directora de cine: ‘La cronología del agua’, adaptación de las memorias de la autora de culto misfit Lidia Yuknavitch (Cicely Editorial, 2019). «Si no hago esta película antes de fin de año, moriré», comentó la actriz. Diez meses después, la película sigue en preproducción.
Pero Kristen no ha muerto. Sus amigas de boygenius han llegado para salvarla. ‘The Film’ es el tercer vídeo musical que dirige Stewart tras ‘Take Me to the South’ (Sage + The Saints) y ‘Down Side of Me’ (Chvrches). Aunque en realidad es como si fueran tres, ya que está compuesto por tres piezas, una para cada single extraído de ‘The Record’, nuestro Disco de la Semana: ‘$20’, ‘Emily I’m Sorry’ y ‘True Blue’.
‘The Film’ comienza con un detalle retro, con una cuenta atrás como las de los rollos de película antiguos. A partir de ahí, Kristen articula las tres piezas utilizando el número tres como elemento narrativo, formal y simbólico: tres canciones, tres artistas y tres historias enlazadas a través de la pantalla dividida en tres. Tres relatos, cada uno protagonizado por una cantante diferente, con un nexo en común: al final de cada uno aparecen las otras dos cantantes para ayudar, para apoyar, para acompañar a las otras, como si estuvieran cumpliendo el juramento de sangre que aparece en el primer vídeo.
Otro elemento formal que une los tres videoclips es el juego de texturas entre el vídeo en alta y baja definición. Una combinación que en el primer segmento tiene una función más narrativa, como forma de representar unos recuerdos (soñados) de la infancia, y en el resto parece más puramente estético.
‘The Film’ se cierra uniendo nuevamente a las tres cantantes. La directora utiliza una elegante solución expresiva. Divide otra vez la pantalla en tres pero esta vez presenta una única escena, las tres amigas abrazadas. La eliminación final de la división funciona como metáfora de la unión fraternal entre las tres cantantes.
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