Un teaser en redes sociales dejaba caer ayer que Ariana Grande estaba a punto de anunciar algo. «Nos vemos el año que viene», decía, refiriéndose probablemente a una gira. Y así ha sido, más o menos.
Digo «más o menos» porque el tour que se corresponde al proyecto ‘eternal sunshine‘ y dará nombre a la gira solo visitará 10 ciudades: 8 de Estados Unidos, una de Canadá, y finalmente Londres.
Si no hay más sorpresas en próximas semanas, toda Europa, toda Latinoamérica, toda Asia, Australia y África se quedarán sin ver la presentación en vivo de temas como ‘we can’t be friends’, que además últimamente ha vuelto a escalar en las listas. Actualmente es top 59 en el Global de Spotify.
Si estás cerca de lugares como Oakland, en cualquier caso, la preventa de entradas será el 9 de septiembre, con la venta general activada el 10 de septiembre. En el caso de Londres, la preventa es el 16 de septiembre, y la venta, el 18 de septiembre.
Justo hoy se cumplen 10 años del lanzamiento del debut de Halsey, ‘Badlands‘. Era el disco que contenía el himno ‘New Americana’, con el que se dio a conocer, y en el que hablaba del consumo de marihuana recreativa o las parejas del mismo sexo. También aquella maravilla llamada ‘Colors’, que terminó siendo favorita absoluta del lanzamiento.
‘Control’ y ‘Gasoline’ permanecen entre sus 10 canciones más escuchadas de Spotify, en detrimento de la mismísima ‘New Americana’, quizá ya algo cansina por la sobreexposición que tuvo en su momento.
Esta medianoche se pone en circulación una edición deluxe que va a incluir versiones orquestales, demos, tomas en vivo, remixes y otros inéditos, además del álbum original, por supuesto. Pero hay más: Halsey va a sacar el disco de gira, tan sólo 10 años después de su edición. Y uno después de ‘The Great Impersonator‘.
A través de sus redes anuncia un tour que comenzará el 14 de octubre en Los Ángeles y seguirá por México y otros lugares de Norteamérica en noviembre y enero. El turno de Europa será en enero, con solo cuatro paradas (Ámsterdam, Berlín, Dusselforf y París) y finalmente Reino Unido y Australia. No ha habido suerte respecto a España ni Sudamérica.
Oliver Sim, integrante del trío The xx, publica esta semana su nuevo single, el primer tema inédito que ofrece desde que en 2022 sacara su debut ‘Hideous Bastard‘. La canción, que se titula ‘Obsession’, tiene la particularidad de no estar producida por su colega Jamie xx, sino por Bullion y Taylor Skye, habiendo sido grabada entre Londres y Los Ángeles.
Su sello incida que este tema «marca el comienzo de una nueva era de experimentación, colaboración e invención para el músico londinense». Eso sí, no se menciona la palabra «álbum». Además, la misma nota de prensa indica que The xx están «trabajando actualmente en su muy esperado cuarto álbum tras haberse reunido en el escenario del festival LIDO de Jamie en Londres». Ahora solo queda la duda de qué se terminará o qué escucharemos primero: si el disco de The xx o más pistas de «esta nueva era» en solitario de Oliver Sim.
‘Obsession’, que habla oficialmente de enamoramiento y lujuria, se presenta con un vídeo dirigido por Sharna Osborne con la colaboración de Erin O’Connor en el elenco. En verdad, ‘Obsession’ es una colaboración a dúo con Katie O’Neill, lo que unido al tipo de sintetizadores sitúa la canción en las proximidades de Human League o su revivalista Juan McLean.
En la letra, Oliver manifiesta su confusión, y es ella la que viene para explicar que a veces se confunde la lujuria con la obsesión. «No es amor», dice en un momento. «Juro que es obsesión», dice en otro, como el clásico escrito por Romeo Santos para Aventura. Lejos del sonido The xx -para bien, en este caso- y con las ideas tan claras sobre el concepto del tema, solo le ha faltado un verso que realmente «obsesione». ¿Conforman el estribillo de la canción esos gélidos «do-do-dos» o esperaba serlo la outro que se repite al final?
Finalmente, Oliver Sim también ha sido noticia por haber aparecido en lookbook ‘Resort’ de JW Anderson, junto a la actriz de ‘Saltburn‘ Alison Oliver, el director Luca Guadagnino, los actores Joe Alwyn y Ben Whishaw, la estilista Danielle Goldberg, la diseñadora de moda Bella Freud y el fotógrafo Gray Sorrenti.
19.000 asistencias se han contado en la edición de este fin de semana de Canela Party, que ha contado en Torremolinos con gente como bar italia, Blonde Redhead, DIIV, Les Savy Fav o Bob Vylan.
Como es tradición, en el festi se proyectó un avance de los ya confirmados de cara a 2026, que hoy se comparten ya en forma de cartel oficial, diseñado por Bráulio Amado, quien en su momento tocó en el Canela con su banda de screamo Adorno.
Los artistas que ya sabemos que se pasarán por el Recinto Ferial de Torremolinos los días 27, 28 y 29 de agosto son los siguientes: Ángeles Toledano, Carolina Durante, Getdown Services, joseluis, Karen Dió, Las Petunias, Rufus T. Firefly y Wavves.
Los abonos para la edición 2026 del Canela Party se pondrán a la venta en la plataforma Ingresse en solo unos días, el próximo lunes día 1 de septiembre, con una oferta especial de lanzamiento a precio reducido.
La última década de música pop ha estado marcada por una generación de artistas jovencísimos que han abanderado la recuperación de las guitarras alternativas y el grunge de los 90. Olivia Rodrigo y Conan Gray capitanean este movimiento, detrás del cual se encuentra el productor Dan Nigro. Es como si Nigro, que fue integrante de la banda de indie rock Tall as Lions, se hubiera propuesto alcanzar detrás de los focos el éxito que nunca logró frente al micrófono.
‘Wishbone’, cuarto álbum de Conan Gray, gustará a los fans de Olivia, sobre todo en su faceta más rabiosamente noventera: ‘Caramel’ es un pegadizo ataque grunge al gaslighting romántico, mientras ‘Care’ cierra el álbum con un gran homenaje a los Cranberries, evidente en melodía y voz, con Conan emulando a Dolores.
El disco no se centra únicamente en la electricidad noventera, sino que se construye sobre una muralla de guitarras acústicas y percusiones folk (‘Actor’), referencias britpoperas y beatlescas (‘Class Clown’), ecos de la radio alternativa de los 90 (‘Sunset Tower’) y cuerdas que envuelven las dramáticas composiciones de Gray con todo el vigor que requieren.
Conan sabe escribir melodías sentidas y pegadizas, y ‘Vodka Cranberry‘ se erige como el pilar de un álbum que brilla en baladas y medios tiempos. ‘Nauseous’ es una devastadora pieza sobre el trauma del abandono, mientras ‘This Song’ describe un paseo en coche escuchando a Elton John sobre un fondo de ecos dream-pop. La producción es atmosférica, pero el sentimiento de Conan reluce.
‘Wishbone’ además sabe abrir y cerrar con sentido: ‘Actor’ inicia el disco con tremendo despecho, mientras ‘Care’ lo clausura reconociendo la debilidad propia. Conan, en el fondo, aún no ha superado la ruptura. Se nota en sus amargas letras, que derivan del emo (‘Actor’) al puro victimismo en ‘Connell’: sospecha de todo artista que continuamente se victimice en su disco sin hacer autocrítica.
Las letras, de hecho, son tan directas y diarísticas que a veces pecan de obvias: “A full year later, you’re calling me back; You say you’re sorry for treating me like trash”, canta en la enérgica ‘My World’. “Spendin’ my summer in love, then I went and got dumped”, recuerda en el homenaje a Beck de ‘Romeo’. Algunos pasajes son divertidos (“I really don’t mind; You got your revenge by being stuck with your life”), otros resultan excesivos: en ‘Romeo’ llega a cantar que la ruptura le ha dejado “sin ganas de vivir”.
No hay duda de que la música de Conan Gray conecta precisamente por su honestidad y vulnerabilidad. Sin embargo, el carácter emo de las letras lo mantiene todavía en el terreno del sentimentalismo adolescente. Si sus textos reflejaran la madurez de sus composiciones, la instrumentación y la producción, estaríamos ante un álbum que marcaría un antes y un después en su carrera.
El último disco de Mariah Carey hasta ahora, ‘Caution‘, contuvo tan solo 10 canciones en su edición original, lo que favoreció que sus críticas fueran positivas.
A falta de un mes de que se edite su sucesor, ‘Here for It All’, que sale el 26 de septiembre, se ha dado a conocer su tracklist, revelando dos cosas interesantes: la confirmación de colaboraciones como la de Anderson .Paak, y que el disco será escueto también.
Serán tan sólo 11 temas, de los cuales recordemos que se han desvelado dos singles: ‘Type Dangerous‘, que ha alcanzado el top 95 en el Billboard Hot 100, y ‘Sugar Sweet‘, que no ha logrado entrar en listas. Curiosamente, Shenseeea y Kehlani no parecen estar acreditadas en esta última, lo que ha despertado rumores de que pueda existir una versión de Mariah en solitario. O quizá simplemente es un olvido.
1.-Mi
2.-Play This Song, ft Anderson .Paak
3.-Type Dangerous
4.-Sugar Sweet
5.-In Your Feelings
6.-Nothing Is Impossible
7.-Confetti & Champagne
8.-I Won’t Allow It
9.-My Love
10.-Jesus I Do, ft The Clark Sisters
11.-Here for It All
La artista actuará en la gala de los VMA’s de MTV la próxima semana, donde recibirá un premio honorífico por su videografía. Momento que hemos aprovechado para repasar los 10 mejores videoclips de Mariah Carey. Recuerda que también puedes participar en nuestro foro de Mariah Carey, «La Tonadillera Esquiva«.
Este verano Winona Ryder ha concedido una entrevista en profundidad a la edición británica de Elle que tiene la gracia de estar hecha por un periodista que ya la entrevistó hace 35 y 38 años, Jeff Giles. Ryder habla sobre ‘Stranger Things‘, sobre cómo ha insuflado confianza a los actores infantiles, transmitiéndoles su propia experiencia; sobre maneras de envejecer, y sobre otros detalles de su carrera.
Jeff Giles relata que Winona se presenta al encuentro con una camiseta de una librería de San Francisco vinculada a la Generación Beat, un pin de Jim Jarmusch y Converse, por lo que la charla no es parca en lo que antes se daba en llamar «mundo hipster». La actriz cuenta lo agradecida que está a su mentora Laura Dern o lo enamorada que estaba de Al Pacino. Leonard Cohen, Tom Waits y The Replacements están entre los artistas que suele escuchar, pero Saint Etienne se han dado cuenta de que hay una cita interesante sobre ellos, grabada en vídeo, que no se detalla en el reportaje, y la han compartido en sus redes.
Se trata de un fragmento de entrevista en el que Winona Ryder cuenta que un disco de Saint Etienne «la rescató», a sus 20 años, cuando lo «estaba pasando muy mal». La actriz no especifica a qué álbum de Saint Etienne se refiere. Sin embargo, sí indica que lo descubrió en una venta callejera por Lisboa, mientras estaba rodando una película en la ciudad, cuando tenía más o menos esa edad.
Los investigadores de las redes sociales no han tardado en atar cabos y han concluido que el rodaje al que se tiene que referir Winona ha de ser el de ‘La casa de los espíritus’, basada en la novela de Isabel Allende, pues tuvo lugar en parte en Portugal entre enero de 1993 y abril de 1993.
Que se vendieran discos de Saint Etienne por la calle en Lisboa en aquella época es un tanto extraño, pues el grupo se hizo más famoso en Europa en 1994 tras la edición de ‘He’s on the Phone’, y aún faltaban más de 5 años para el fenómeno «top manta». ¿Está equivocándose de época la actriz? Pero podría cuadrar. Saint Etienne sacaron su segundo álbum justo en aquel cuatrimestre, y fueron top 10 en Reino Unido con él. Sea su debut ‘Foxbase Alpha’ o ‘So Tough’ el disco al que se refiere Winona Ryder, doy fe de que había una canción en este último tan bonita que podría haber sido responsable de «salvar a Winona Ryder».
La balada ‘Hobart Paving’ hablaba de una mujer que conducía un deportivo plateado, de noche por las calles vacías, entre lágrimas e imágenes inconexas. Se cree que Hobart Paving es una referencia a una empresa cercana al lugar donde los miembros de Saint Etienne, Pete Wiggs y el escritor y crítico musical, Bob Stanley, crecieron. Pero lo que de verdad pudo conmover a Winona Ryder es el estribillo, que se repite hasta la saciedad: «no te olvides de agarrarme (…) en este andén con llovizna en los ojos (…) el billete está en mi mano, el tren avanza por la vía». Y de nuevo, «no te olvides de agarrarme». Sumando las texturas de los arreglos, alguien parece estar cantando sobre el miedo a caer al vacío. Como Winona en aquella época.
Todo esto sería maravilloso si no fuera porque al final del vídeo la actriz se pregunta qué ha sido de Saint Etienne, si siguen juntos: pone cara de no tener la más remota idea. Además, lo dice no como quien se pregunta cuánto tiempo ha pasado desde el último disco NO instrumental del grupo, sino como alguien que jamás volvió a Portugal, ni siquiera a Europa, y no volvió a saber nada del trío. La buena noticia para Winona es que Saint Etienne continúan juntos. La mala es que el que están a punto de editar será su último disco. Pero pesa lo positivo porque Ryder, como mucha otra gente a ambos lados del Atlántico, tiene un montón de grandes buenos álbumes de Saint Etienne por descubrir.
‘Good Humor’ fue el más popular después de aquello. ‘Sounds of Water’, el más experimental. ‘Tales from Turnpike House’, una gozada conceptual sobre un bloque de edificios; y ‘Words and Music by Saint Etienne‘, su álbum definitivo y con el que, una vez más, recomendamos empezar.
«Words and Music» es generoso en los bangers electropop que durante los 90 caracterizaron a Saint Etienne, de nuevo con la ayuda de Ian Catt y también Richard X. Contiene ‘I’ve Got Your Music’, contiene ‘Tonight’ y contiene ‘DJ’. Aparte de los hits, es el álbum de Saint Etienne que mejor explica la profunda cultura pop que rebosa el trío. El título del largo fue sugerido por Lawrence -sí, este Lawrence-, pues Sarah Cracknell era tan fan de Felt que los perseguía en vivo allá donde iban, y además ‘The Snakes Crinkle Their Heads To Death’ es uno de sus títulos de álbum favoritos de todos los tiempos.
El amor por la música ajena era el gran nexo de unión de aquel disco de Saint Etienne. En las entrevistas hablaban con detalle del momento en que ‘There She Goes’ de The La’s metía un acorde menor, sobre el instante en que Alicia Keys grita «In New York…» en ‘Empire State of Mind’, sobre lo que les sorprendió ‘OMG’ de Usher, así como otros momentos épicos de Alex Chilton, Joy Division.
De hecho, ‘Over the Border’ abría aquel álbum recordando al melómano de 10 años que fuiste si estás leyendo esto, en su caso entre referencias a Peter Gabriel, Top of the Pops, Smash Hits, el NME, Dexys, New Order y muchos más. Y no se limitaba al «name dropping». La canción exploraba la disyuntiva entre hacerte mayor y seguir amando la música cuando planteaba: «me estoy haciendo mayor, solo el cielo sabe lo que está por venir»; y sobre todo cuando se preguntaba algo maravilloso desde la inocencia más absoluta: «cuando me case y tenga hijos, ¿será Marc Bolan aún tan importante para mí?».
Ese contraste entre ingenuidad y madurez se desarrollaba en la producción sublime de grabaciones como ‘Last Days of Disco’, cuyos arreglos finales, cercanos al northern soul, son pura gloria. En el año anterior al que Bob Stanley publicara su imprescindible libro sobre la historia del pop, ‘Yeah Yeah Yeah’, el grupo devoraba también el folk de los últimos 60 (‘I Threw It All Away’) o el pop vocal (‘Record Doctor’), hablando de la vida y de la muerte (‘Twenty Five Years’).
En su momento describieron el concepto del álbum de la siguiente manera a través de su web: «es sobre cómo la música puede afectar la vida, cómo define el modo en que ves el mundo de niño, cómo puede ayudarte en malos momentos, y cómo las canciones que siempre has conocido pueden empezar a significar algo nuevo, y afectarte, cada vez que las escuchas». Concluían: «el disco va sobre creer en la música, sobre vivir tu vida siguiendo sus normas». Un disco, pues, que puede ayudar a alguien a salir adelante, incluso más que ‘So Tough’.
Ninguno de los tres conciertos planeados por Taylor Swift en Viena pudo realizarse el año pasado. 200.000 entradas que se habían vendido para esa parte del ‘Eras Tour‘ tuvieron que ser devueltas. Sus tres principales responsables han seguido siendo investigados durante este año.
El menor de 16 años, Mohamed A, acaba de ser condenado en un tribunal de Berlín a 18 meses de prisión según el derecho penal aplicable a menores de edad. El ciudadano sirio residente en Alemania ha confesado todos los cargos. La fiscalía ha afirmado que fue radicalizado en la red por el Estado Islámico y ayudó a dos personas a traducir del árabe instrucciones para la construcción de bombas.
El principal sospechoso, el austríaco de 19 años Beran A, sigue detenido y se está investigando su participación, además de su plan de realizar otro atentado en Dubái en marzo de 2024. El segundo sospechoso, que tenía 17 años al momento de su arresto, ha sido puesto en libertad sin cargos.
Shawn Mendes presenta en recintos tipo Movistar Arena su último álbum, que decidió que se llamara simplemente ‘Shawn‘, tenía un carácter más acústico y retrataba su crisis de identidad. Sólo este mes acaba de cumplir 27 años. Quizá por ese carácter más retraído, quizá porque el disco no ha tenido la aceptación comercial de los anteriores, ha llenado la pista de sillas. Solo recuerdo haber visto sillas en la pista del antiguo Palacio de los Deportes en un par de ocasiones: para Leonard Cohen, cuando ya rondaba los 80 años, y para George Michael, en uno de sus pretenciosos conciertos sinfónicos que mejor olvidar.
Las sillas parecen solo atrezo en este caso: ni el concierto es tan acústico, pues las partes más íntimas duran más «segundos» que «minutos», es decir, son solo partes de algunas canciones; ni la gente está por la labor de permanecer sentada.
‘On the Road Again Tour’ tiene un arranque curioso. Los músicos, numerosos y solventes, ya están sobre el escenario, cuando la cámara empieza a enfocar a Shawn Mendes a punto de subir a las tablas. Su público enloquece. Él sonríe, se dirige a la cámara con cara de «¡vamos allá!», y entonces ya sí sube al escenario y la gente grita más y más fuerte.
Ni Shawn dejará de sonreír durante los siguientes 90 minutos, ni sus fans de chillar. Tan pronto como en la cuarta canción, declarará: «llevamos poco tiempo de concierto, pero ya puedo decir que esta es la audiencia que más ha gritado de toda la gira». Pero detengámonos un momento en su sonrisa, en su simpatía. Varias veces preguntará «Madrid, ¿cómo está?», se esforzará por hablar castellano, repetirá «Madrid, te amo, te amo, te amo», se mezclará entre el público para repartir abrazos, recibir regalos y firmar cosas, y recogerá todas las banderas españolas que le lancen, aunque con una casi tropiece y caiga al suelo, cuando se disponía a colgarla de unos teclados. Si no se ha deshecho del demonio interior que aparecía en sus últimas letras, Mendes lo ha dejado encerrado en la habitación del hotel. Ahora parece inmensamente feliz, lo contagia, y el público está muy presto para ello sosteniendo carteles tipo «Madrid está llena de amor contigo».
Por supuesto, hay que celebrar que Shawn Mendes esté en un momento tan solvente como cantante: es un showman excelente, con una voz potente y una sonrisa -insisto- que aguanta incluso primeros planos, que es lo que sucedió cuando interpretó ‘Señorita’. Dientes de anuncio; barba de un día, como mucho dos. Pero el concierto carece de esos momentos de profundidad e intimidad que aparecían en el disco (‘Nobody Knows’, ‘Who I Am’), decantándose por llevar el set hacia un pop-rock buenrollero de sonido excelente -eso sí-, deudor de gente como Mumford & Sons.
El show comienza con tres de sus mayores hits, ‘There’s Nothing Holdin’ Me Back’, ‘Wonder’ y ‘Treat You Better’; pero en realidad deja más poso cuando presenta su sección «solo amigos y familia» con ‘Isn’t that Enough’ o dedica a quienes hayan perdido a alguien ‘Heart of Gold’, su canción para un amigo fallecido, que en realidad es muy alegre. ‘Stitches’ en acústico es coreada de cabo a rabo, y el show se cierra con dos canciones que no pueden sonar más épicas, ‘Why Why Why’ e ‘In My Blood’, esta última interpretada al piano en su primera mitad, y elevada en la segunda por un récord Guinness de confeti que incluso dificulta la visibilidad.
Entre las canciones que aportan algo de dinamismo y variedad, en un show austero sin grandes desarrollos técnicos, la funky ‘Lost in Japan’; o el puntito a Prince circa ‘Purple Rain’ de ‘Ruin’. En ‘Youth’, cuyo final acelera el tempo hasta que los brazos para tocar no le dan más de sí, Mendes deja un mensaje positivo incluso cuando habla del estado del mundo y de su generación. «Hemos aprendido de nuestros mayores, de su sabiduría, pero también de sus errores. Estoy muy orgulloso de mi generación, por lo inclusiva que es. Estoy seguro de que vamos a cambiar el mundo». Cuesta creerlo cuando la ola ultraderechista está atrayendo justo a tantos jóvenes, pero ojalá sea cierto. Ojalá más optimistas como el bueno de Shawn. 7.
Austra, el proyecto pop de la vocalista y compositora canadiense Katie Stelmanis, regresa con un nuevo álbum, ‘Chin Up Buttercup’. El primer single es una hipnótica pieza de dance titulada ‘Math Equation’.
Stelmanis cuenta que ella y su coproductor Kieran Adams se inspiraron en el sonido eurodance del emblemático ‘Ray of Light’ de Madonna. Sin embargo, ‘Math Equation’ suena más bien como el reverso de ‘Can’t Get You Out Of My Head’ de Kylie Minogue, pues posee una base muy parecida, solo que en este caso la «obsesión» tiene un sabor claramente amargo.
Devota de la ópera y con cuatro discos lanzados a lo largo de su carrera, Stelmanis experimentó la devastación por primera vez a principios de 2020, cuando su pareja de toda la vida le confesó de un día para otro que no era feliz: «Nunca volví a verla», cuenta la artista. Es por eso que ‘Chin Up Buttercup’ lleva este título: «Es mi alter ego demoníaco emocional», escribe en su Instagram.
Las letras también están impregnadas del dolor resultante de la ruptura de Austra. En ‘Math Equation’ esto se ve claramente: «Dijiste que necesitaba mis propios amigos, así que los encontré, y luego los jodiste», canta.
El nombre del tema viene de que Katie siente que la han «restado» o «substraído» de la «ecuación» que representaba la pareja. «Uno y uno no suman tres», repite el estribillo, que luego añade: ¿»quién sera la que se quede contigo?». Os dejamos con el vídeo, de tipo «serie B».
Tracklist:
1. Amnesia
2. Math Equation
3. Siren Song
4. Chin Up Buttercup
5. Fallen Cloud
6. Blindsided
7. Think Twice
8. Look Me in the Eye
9. The Hopefulness of Dawn
10. Good Riddance
Nacho Cano se ha metido en otro lío. El título del nuevo musical del promotor y exintegrante de Mecano, ‘Ibiza Paradise’, fue registrado hace unos meses como marca en la Unión Europea. Sin embargo, el Consell d’Eivissa lo acaba de impugnar alegando que el nombre de la isla no puede estar vinculado a espectáculos privados.
Así lo ha explicado el Consell, que ha delegado a la empresa Consulpi todo lo que tiene que ver con la gestión de la propiedad intelectual de la isla: «Siempre se impugnan las marcas que tengan Ibiza como nombre». Desde la agencia aclaran que, cada cierto tiempo, llevan a cabo un rastreo de los registros españoles y europeos buscando marcas que puedan ser impugnadas por este asunto.
El pasado marzo, Nacho Cano registró las marcas «Ibiza Paradise by Nacho Cano» e «Ibiza Paradise». El 25 de julio, por otro lado, Consulpi ya reclamaba la nulidad del registro. Todavía no hay una resolución definitiva, pero la historia en este tipo de conflictos apunta a que Cano lo tiene difícil.
Pese a todo, el nuevo proyecto de Nacho Cano mantiene su fecha de estreno para el próximo 12 de septiembre. Este consiste en un dinner show inmersivo que combinará música en directo, baile, teatro y gastronomía en una experiencia de dos horas.
Desde la página oficial del espectáculo especifican que este está diseñado para «evocar el espíritu libre y la esencia de la Ibiza de los años 70», en el que sería «el único espectáculo con cena en vivo en inglés de la Gran Vía».
Pedro Almodóvar se ha puesto delante de la cámara para denunciar, una vez más, el genocidio que está cometiendo el estado de Israel en Gaza. El reputado director se une a decenas de artistas como parte de la campaña #AccionesYa, impulsada por Artistas Con Palestina, que consiste en pedir al Gobierno que suspenda sus relaciones con Israel y que imponga un embargo integral de armas.
No es muy común ver al icónico director delante de una cámara, pero la ocasión así lo merece. Almodóvar ha pedido al gobierno español que rompa «relaciones diplomáticas, comerciales y de todo tipo con el Estado de Israel en repulsa por el genocidio que está llevando a cabo con el pueblo gazatí a los ojos del mundo entero».
Por último, ha pedido personalmente a Pedro Sánchez que «trate de convencer a todos nuestros aliados europeos para hacer lo mismo y que se unan a esta repulsa». Así ha concluido Almodóvar el vídeo, subido a la cuenta de El Deseo en Instagram.
Entre el resto de artistas que se han grabado sumándose a la causa se encuentran Luis Tosar, Juan Diego Botto, Carlos Bardem, Adriana Ugarte, Miguel Ríos, Luis Zahera, Omar Ayuso o Joaquín Reyes.
Eusebio Poncela, icónico actor, protagonista de películas tan importantes como ‘La ley del deseo’ y ‘Arrebato’, ha muerto a los 79 años. Según informa El País, citando como fuentes a figuras de su entorno, Poncela ha fallecido en su casa de El Escorial a causa de un cáncer que padecía desde hace un año.
El primer papel de Poncela ya le sirvió para siempre formar parte de la historia del cine español, interpretando a José Sirgado en ‘Arrebato’ (1979), dirigida por Iván Zulueta. El actor madrileño también fue una importante figura del universo Almodóvar, protagonizando ‘Matador’ (1986) y, sobre todo, ‘La ley del deseo’ (1987), que lo convirtió en un referente del mundo queer.
Además de trabajar en casi 60 películas, series y obras de teatro, siendo nominado en 2001 a un premio Goya por la película ‘Intacto’, Poncela también tenía una pasión por la pintura.
Hace 6 años que Mac DeMarco publicaba su último disco «normal». Hace 6 años, por tanto, que dijo aquello de que solo quería «hacer música y esconderse en su pequeño garaje». «Y un día ya me moriré», concluía el que ha sido el artista de éxito más improbable de la era streaming, haciendo palidecer el alcance que pudo tener cualquiera de sus referentes, por ejemplo su amado Jonathan Richman.
En este último lustro, DeMarco ha logrado más virales inesperados, siendo el último ‘Heart to Heart’, ha publicado un álbum instrumental y otro con 199 pistas. Pero sobre todo se ha reafirmado en su deseo de recluirse: ha dejado de beber, y luego de fumar. Su nuevo álbum ‘Guitar’ capta ese deseo de huir del mundanal ruido, grabado tan sólo durante 13 días en noviembre de 2024, con poca más ayuda que la del instrumento que aporta el título, y con el que le vemos posar en la portada.
Las 12 composiciones de ‘Guitar’, que suman apenas media hora de duración, son minimalistas y mansas. Casi todas viajan al pasado o hablan de un desengaño amoroso siempre desde la paz, bien conserven cierta esperanza, o bien hayan asumido que las cosas se han terminado. ‘Sweeter’ devanea entre ambas cosas, pues por un lado promete «puedo ser mucho más dulce», aparentemente en búsqueda de una nueva oportunidad, pero a la vez concluye, de repente: «algunas cosas nunca cambian».
‘Phantom’ recibe una visita de alguien del más allá, mientras ‘Home‘ es un paseo por un viejo barrio, dirigido a alguien que ya no está en nuestras vidas: «Nunca llamé, dejé que nuestra amistad se disolviera (…) ahora que tu odio por mí se ha acrecentado, intento enmendar todas las mentiras y vuelven esos recuerdos que mejor sería dejar marchar».
En un álbum con tan pocos elementos sonoros, el secreto está en los detalles y este ‘Home’ embauca por ese instante en que Mac DeMarco cambia de repente de voz y se pone en la posición de un «crooner» para entonar el último «again» del estribillo. Recurrirá al mismo truco poco después en dos canciones más, las dos últimas, ‘Holy’ y ‘Rooster’, haciendo soñar con lo que podría hacer con su voz si esa parsimonia, ese dejarlo todo a la casualidad, no fuera una parte tan importante de su personalidad. A veces se insinúan momentos tan hermosos que incluso conectan con dos Beatles, Paul McCartney y George Harrison. Y a veces, no.
La guitarra en zigzag de ‘Terror’, sobre la muerte, y el ligero toque funk de ‘Sweeter’ son la sal y pimienta de un álbum 100% Mac DeMarco que incluye varias pistas que se marchan poco después de haber empezado, sin ningún temor a no dejar ninguna impronta, a ser olvidadas de manera instantánea. Pueden llamarse ‘Rock and Roll’ y no ser nada «rock and roll» o pueden llamarse -para más señas- ‘Nothing At All’. Y es que Mac DeMarco puede ser todo o nada: siempre ha parecido darle exactamente igual.
Delaporte ha anunciado gira de despedida, que no dará pie a una «despedida» como tal, sino a un periodo de descanso y de investigación creativa. El grupo de Sandra Delaporte y Sergio Salvi explica que necesita «parar» para poder seguir creando.
Delaporte lleva tiempo de gira presentando sus últimos discos, ‘Déjate caer‘ (2025) y ‘Aquí y ahora‘ (2024). Centrados en los ritmo rave y tecno, han generado algunos de los conciertos más memorables y apoteósicos de la carrera de Delaporte.
Ahora, Delaporte abandona temporalmente la carretera, pero señala que esta «pausa indefinida» solo incumbe a los escenarios. “Me he dado cuenta de que descansar es igual de importante que hacer cosas, aunque no se vea ni se valore», explica Sandra en un comunicado. «Una cosa sin la otra no se sostiene, aunque nos hayan metido en la cabeza la exigencia, la competición, la comparación y la sensación de fracaso si no haces nada y nadie te ve”, añade.
La nota indica que «Delaporte no se despiden desde el agotamiento, sino desde la necesidad de parar para poder seguir creando desde un lugar auténtico». El dúo espera poder crear desde la libertad de no tener «las horas llenas» ni «nada que conseguir» ni a «nadie a quien impresionar, «solo sentir que la vida se aligera y que lo que creas nace porque no puede ser de otra manera”.
La gira de despedida de Delaporte incluye las siguientes fechas: Santiago de Compostela – 10 de octubre (Capitol) Málaga – 15 de noviembre (sala París 15) Madrid – 21 de noviembre (sala La Riviera) → entradas agotadas Barcelona – 27 de noviembre (sala Razzmatazz 1) Valencia – 29 de noviembre (Auditorio Roig Arena)
Además, también actuarán en dos festivales antes de esas fechas: B-Side Festival – 6 de septiembre en Molina de Segura Sound Jordi – 18 de octubre en Alcoi
Delaporte ha anunciado que la artista invitada en esta gira será Laia Alcolea. Pianista, productora y compositora madrileña, ha trabajado con Delaporte y recientemente ha lanzado su single de debut en solitario, ‘No me fío de mí’.
Mon Laferte, Leire Martínez, Rubén Blades y Mau y Ricky son los principales confirmados en la próxima edición de BIME Pro, el encuentro de profesionales de la industria musical, que se celebra del 28 al 30 de octubre en Euskalduna Bilbao. Las entradas para BIME Bilbao 2025 ya están disponibles en la web oficial bime.org.
La programación de tres días incluirá charlas, talleres, masterclasses y networking y contará también con la participación de Valeria Castro, Zahara, Álvaro Rivas (Alcalá Norte), Francisca Valenzuela o Jesse Baez. También están confirmadas figuras internacionales como Anele Oyekwere (edición musical de Marvel Studios), Kareen Saurí (productora de Rosalía y Dua Lipa), y Adel Hattem Levy (internacionalización de artistas como Radiohead).
BIME Pro culminará el día 30 con la celebración de los Reconocimientos AUPA!, un homenaje a las iniciativas y trayectorias musicales del sector, seguido de un cóctel de despedida.
Por otro lado, la programación musical de BIME Live, el festival urbano de showcases referente en Iberoamérica, volverá a Bilbao los días 28, 29 y 30 de octubre. Artistas de todo el territorio iberoamericano presentarán sus propuestas durante el evento, en salas como Kafe Antzokia, Crystal o Cotton Club. El primer avance del cartel será anunciado el 9 de septiembre.
Por otro lado, los días 29 y 30 de octubre, BIME acogerá el I Congreso Internacional de Investigación en Industrias Creativas (CIIIC), un foro académico y profesional que reunirá universidades, investigadores y agentes culturales para debatir sobre los modelos culturales actuales.
La próxima edición de los MTV VMA incluirá la actuación de Lady Gaga, que es además la artista con el mayor número de nominaciones. Será la segunda vez que la estadounidense protagonice un número musical en los VMAs. La primera tuvo lugar hace 16 años, con una interpretación de ‘Paparazzi’.
También se suben a la programación de artistas que actuarán dos de las mejores performers de su generación, Doja Cat, que presenta nuevo single, ‘Jealous Type‘, y Tate McRae.
Además se suman los aclamados Post Malone, Conan Gray y Jelly Roll, en esta edición que se celebrará el 7 de septiembre, y que reconocerá la trayectoria de Mariah Carey.
Carey actuará, y también se subirán al escenario Sabrina Carpenter, Ricky Martin o la superestrella revelación Sombr, que acaba de publicar su debut.
Alex Warren, autor del hit global ‘Ordinary’, es otro de los artistas confirmados, así como DJ Snake junto a J Balvin, Justin Quiles y Lenny Tavárez.
Cómo ver la gala de los MTV Video Music Awards en España
La ceremonia, presentada por el rapero LL Cool J, podrá seguirse en directo desde España a través de MTV y del canal MTV Party Music en Pluto TV. El evento se celebrará en el UBS Arena de Nueva York y se emitirá la madrugada del domingo 7 al lunes 8 de septiembre. El pre-show arrancará a la 01:00h y, justo después, a las 02:00h, dará comienzo la gala principal.
Parten como favoritos este año en las nominaciones de los MTV Video Music Awards Lady Gaga, Bruno Mars y Kendrick Lamar.
ADÉLA es una cantante de 21 años de Bratislava, Eslovaquia que acaba de publicar su primer EP, ‘The Provocateur’. Por si no fuera suficiente evidente que ADÉLA ese tipo de artista que disfruta «provocando» e «incomodando» – en sus palabras-, la artista aparece en la portada de ‘The Provocateur’ orinando de pie en la calle, apuntando sobre una pared.
Estudiante de las divas del pop canónicas del siglo XXI -Madonna, Britney, Beyoncé, Lady Gaga-, y formada en ballet clásico durante su adolescencia, Adéla Jergová se dio a conocer en 2023 tras aparecer en el reality de Netflix ‘The Debut: Dream Academy’, el programa que creó al exitoso girl group KATSEYE. En 2024 lanzó su primer single, ‘Homewrecked’, que evoca el estilo de Marina Diamandis.
Otros como ‘MachineGirl’ o ‘Superscar’ remiten a Gaga, Britney o al electroclash dosmilero, y ‘SexOnTheBeat’ pone ya toda la carne en el asador con un beat machacón que combina elementos industriales y vocoder en el estilo de ‘Pop the Glock’ de Uffie. Es la Canción Del Día.
‘SexOnTheBeat’ es un banger pop-electro que asume y a la vez comenta su propia sexualización. ADÉLA exhibe su físico y sexualidad en ‘SexOnTheBeat’, pero se proclama a sí misma «ramera de la discográfica» y ruega al oyente que la «fetichice». Incluso pone en duda su propia agencia: «Hago mi baile sucio esta noche, te lo sirvo en bandeja, te hago creer que la decisión es mía», desafía ADÉLA, que subraya: «Me da igual si me quieres follar o salvar, me moldeo a tu antojo».
El videoclip de ‘SexOnTheBeat’ representa el mensaje de la canción visualmente de manera impactante, con ADÉLA sirviendo coreografía y flexibilidad como pocas. La provocación iba en serio…
Lana Del Rey cambia de planes respecto a su próximo álbum, que ya no se titulará ‘The Right Person Will Stay’, sino ‘Stove’, y saldrá en enero de 2026. O eso dice la artista en su recién publicada entrevista con W Magazine.
La portada del editorial puede dar de qué hablar por su evidente estética “tradwife”, de moda últimamente. El título de ‘Stove’ («cocina» o «estufa»), por su significado doméstico, de alguna manera se relaciona con esta tendencia.
Lana ha explicado que ‘Stove’ iba a salir antes -la fecha inicial era mayo de este año- pero que su lanzamiento se ha retrasado porque decidió añadir seis canciones nuevas. Debido a que las letras son personales, han “necesitado tiempo” para completarse.
‘Stove’ tendrá un «aire country en su mayor parte». Sin embargo, Lana reconoce que quizá llegue tarde a la moda: «Hace ocho años, cuando quería hacer un disco country, nadie pensaba en el country. ¡Ahora todos se están yendo al country! Me he preguntado: ¿Debería jubilar todas mis botas de piel de serpiente? ¿Debería guardar mis sombreros vaqueros en una bodega?”
Una de esas seis nuevas canciones añadidas al disco anteriormente conocido como ‘Lasso’ podría ser ‘All About Ethel’, que Lana ha adelantado en Instagram y es un diss track dedicado a Ethel Cain, a quien acusa de “burlarse” de su peso en unos mensajes antiguos.
Taylor Swift y Travis Kelce han anunciado su compromiso en un post de Instagram conjunto, compuesto por una sesión de fotos en la que aparecen posando frente a un arco de flores. «Vuestra profesora de inglés y vuestro monitor de gimnasio se casan», expresa el comunicado.
Swift y Kelce se conocieron en 2023 y desde entonces han protagonizado episodios públicos como su famoso beso en la Super Bowl de 2024. Últimamente, Swift ha aparecido en New Heights, el pódcast de Kelce, para anunciar su nuevo disco, ‘The Life of a Showgirl‘.
Swift ha salido con célebres músicos y actores a lo largo de su vida, como Jake Gyllenhaal, Harry Styles o Joe Alwyn, con quien salió durante seis años. Sin embargo, es la primera vez que se compromete.
Mariah Carey será la gran protagonista de la próxima ceremonia de los MTV Video Music Awards, que se celebrará el 7 de septiembre. Carey recibirá el Vanguard Award, actuará y promocionará su nuevo disco, ‘Here for It All‘, que se lanzará el 26 de ese mes.
El premio, antiguamente conocido como “Michael Jackson Video Vanguard Award”, se creó para reconocer la innovación en el mundo del videoclip. Aunque la videografía de Carey no es conocida por su innovación, sin duda forma parte de la historia de MTV y del pop en general. Estos son sus 10 mejores vídeos.
10.- Type Dangerous
Una superproducción 100% Joseph Kahn, el vídeo de ‘Type Dangerous’ incluye humor, autohomenaje, autoparodia y un cameo del famoso youtuber Mr. Beast. Dividido en siete actos, cada uno dedicado un “tipo peligroso” diferente, el clip destaca por su elevada producción, uso de efectos especiales, escenas de acción y diversidad de escenarios y vestuario.
Fun fact: ‘Type Dangerous’ samplea ‘Eric B. Is President’ de Eric B. & Rakim.
9.- Always Be My Baby (1996)
Uno de esos vídeos puros e inocentes de la Mariah Carey pre-‘Butterfly‘ (1997), el clip de ‘Always Be My Baby’, dirigido por la propia Mariah, narra un romance de campamento de verano. Rodado en el campamento del Fresh Air Fund de Nueva York, una organización benéfica patrocinada por Carey, el vídeo es recordado por la escena de Mariah meciéndose de noche en un columpio de neumático, sobre un lago.
Fun fact: ‘Always Be My Baby’ cuenta con un remix totalmente diferente a la canción original que suma a Da Brat y Xscape.
8.- We Belong Together (2005)
Pocos recuerdan que el vídeo de ‘We Belong Together’ es la continuación del de ‘It’s Like That’: en este vídeo doble, Mariah se reencuentra con un amor de juventud y, el día de su boda con el personaje interpretado por Eric Roberts, que es donde se sitúa la historia de ‘We Belong Together’, decide escaparse con el chico más joven y guapo, interpretado por un Wentworth Miller que está a punto de debutar en ‘Prison Break’. Plot twist: Miller sale del armario en 2013.
Fun fact: ‘We Belong Together’ es la canción más exitosa de 2005 en Estados Unidos.
7.- Obsessed (2009)
Años antes de que Lady Gaga presentara a su alter ego drag king, Jo Calderone, Mariah Carey ya había jugado con el travestismo en el videoclip de ‘Obsessed’. En él se disfraza de acosador, parodiando la obsesión masculina. Mariah, reclinada con glamour en su chaise-longue, pasa total del tío, que acaba como Regina George en aquella escena de ‘Mean Girls’ (2004). Los rumores dicen que Mariah interpreta a Eminem en el vídeo, pero, aunque ella lo niega, el rapero llega a publicar una canción en respuesta a ‘Obsessed’, ‘The Warning’.
Fun fact: ‘Obsessed’ se viraliza en TikTok en 2019 y actualmente es la canción más popular de Mariah Carey en Spotify.
6.- Boy (I Need You) (2003)
Claro antecesor de ‘Toxic’ de Britney Spears, el vídeo de ‘Boy (I Need You)’, una colaboración con el rapero Cam’ron, llega antes y está dirigido por la misma persona, Joseph Kahn, con quien Carey trabaja por primera vez. En el clip, Khan sitúa a Carey en una fantasía retrofuturista con guiños a las películas de ‘Godzilla’, a la serie ‘Speed Racer’ y al surrealismo de los anuncios televisivos japoneses. Khan lo concibe como una extensión del vídeo de ‘Doesn’t Really Matter’ (2001) de Janet Jackson.
Fun fact: ‘Boy (I Need You)’ es un remake de ‘Oh Boy’, un single de Cam’Ron publicado el mismo año.
5.- My All (1998)
Mariah, sola, naufragando en la oscuridad, encuentra su camino en los brazos de un joven marinero que la espera en un faro en medio del océano. Suena a cliché romántico, pero el videoclip de ‘My All’, dirigido por el prestigioso fotógrafo Herb Ritts, y filmado en Puerto Rico, destaca en su obra gracias a su preciosa cinematografía y rodaje en blanco y negro.
Fun fact: ‘My All’ fue el quinto single extraído de ‘Butterfly’, aunque solo el segundo internacional, y fue el más exitoso de todos.
4.- Fantasy (1995)
Mariah declara en la época de ‘Honey’ que decide liberarse porque el público antes la toma por la «Mary Poppins de los noventa». A este percepción contribuyen vídeos como el de ‘Fantasy’, que marca su debut como directora. En el clip, Carey aparece risueña y feliz en un parque de diversiones, patinando o montada en una montaña rusa. Estas imágenes son suficientes para convertir el vídeo en icónico.
Fun fact: El remix de ‘Fantasy’ con Ol’ Dirty Bastard revoluciona el pop introduciendo en el mainstream el modelo de canción de hip-pop que combina en igualdad de peso el rap y la melodía pop.
3.- Touch My Body (2008)
La fantasía sexual de un empollón exagerada hasta el absurdo, el vídeo de ‘Touch My Body’, que vuelve a reunir a Carey con Brett Ratner, es una sucesión de escenas infantilizadoras: Mariah juega a las pistolas láser, pasea un unicornio vestida de princesa medieval, luce falda corta a lo «Lolita». Una sátira del imaginario masculino, de la manera en que muchos hombres perciben a las mujeres, el vídeo incluye la memorable participación del cómico Jack McBrayer de ’30 Rock’.
Fun fact: ‘Touch My Body’ es el último single número 1 de Mariah Carey en Estados Unidos lanzado en el siglo XXI.
2.- Heartbreaker (1999)
La dicotomía chica buena / chica mala es un cliché del pop, pero Mariah y su director Brett Ratner le dan la vuelta en ‘Heartbreaker’ para parodiar su imagen pública y la manera en que la sociedad enfrenta a las mujeres. Además de tirarse de los pelos con Bianca, su alter ego, y de protagonizar la pelea de gatas más recordada de la videografía pop, sirve coreografía en crop top de ganchillo y tejanos: ¿qué más se puede pedir?
Fun fact: El vídeo de ‘Heartbreaker’ es uno de los más caros de la historia: su producción asciende a 2,5 millones de dólares.
1.- Honey (1997)
En ‘Honey’ nace la Mariah que todos conocemos. No habla muy bien español, pero el balconing se le da de lujo y aprovecha para lucir cuerpo en bikini, en una de las escenas más icónicas de su videografía. A nadie se le escaparon los paralelismos entre el vídeo de ‘Honey’ y el «opresivo» matrimonio de Carey y Tommy Motola, de quien Mariah se estaba divorciando. Los hombres trajeados de negro del vídeo no son otra cosa que ejecutivos de la industria musical.
Fun fact: ‘Honey’ samplea ‘Hey DJ’ de The World’s Famous Supreme Team y ‘The Body Rock’ de los Treacherous Three.
Manuel de la Calva, mitad del Dúo Dinámico, ha fallecido a los 88 años en el Hospital Anderson de Madrid. Lo ha confirmado su compañero de grupo, Ramón Arcusa, que también ha explicado para EFE que el cantante y compositor sufría una fibrosis pulmonar. Arcusa asegura que Manuel se mostraba «positivo, dicharachero y peleando hasta hace poco».
Hace 3 años, a Manuel de la Calva se le diagnosticó una fibrosis pulmonar tras desplomarse en un concierto en Sitges (Barcelona). Arcusa ha publicado un emotivo mensaje en redes sociales dedicado a su «compañero de cien aventuras y mil canciones», al que también llama «el alma de Dúo»: «No lloréis por él, no le gustaría», ha escrito en X.
Manuel era la mitad del Dúo Dinámico, uno de los grupos más influyentes de la historia del pop español. Desde finales de los 50, cosecharon éxitos de la talla de ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Esos ojitos negros’ y ‘Amor de verano’, los cuales también les convirtieron en precursores del fenómeno fan de la década de los 60. Sin embargo, siempre serán recordados por ser los autores de ‘La, La, La’, la canción con la que Massiel ganó Eurovisión en 1968. En los 80, resucitaron con ‘Resistiré’, utilizada en ‘Átame’ de Pedro Almodóvar, y revitalizada como himno de resistencia durante la pandemia de coronavirus en 2020.
JENESAISPOP entrevistó al Dúo Dinámico en 2016. En aquella ocasión, Arcusa aseguró que el grupo se trataba de uno de los primeros indies: «Tuvimos que inventar cosas que no se conocían. Impusimos nuestras canciones, nuestros arreglos, nuestra visión de la imagen, luchando contra una compañía de discos que estaba anquilosada».
Manolo de la Calva, mi amigo del alma, más que hermano, compañero de cien aventuras y de mil canciones nos ha dejado hoy.
No lloréis por él, no le gustaría. Fue el alma de Dúo, siempre alegre, optimista, positivo. Cantad con él en esta despedida.
Radar Joven sigue creciendo. Su tercera edición fue la más exitosa hasta el momento, con más de 6.000 asistentes y casi una treintena de conciertos agotados, y la siguiente está preparada para superarla con los 57 conciertos que ha preparado en 27 salas de la capital española del 15 de octubre al 8 de noviembre.
Para volver a poner en valor el joven talento nacional, y en colaboración con Madrid en Vivo, Radar Joven ha elegido a Alba Reche, Aiko El Grupo, joseluis, Kiliki, La Texana, Remei de Ca la Fresca, Sila Lúa y Somos La Herencia, entre muchos otros nombres que serán desvelados próximamente al completo.
Las salas más emblemáticas de Madrid recibirán los conciertos de estos artistas, entre los que se encuentran algunas de las mayores promesas del panorama. ‘Por ahora para siempre’, el debut de joseluis, es uno de nuestros favoritos del año, mientras que otros, como ‘Danzas de Amor y Veneno’ de Sila Lúa, tampoco tienen desperdicio.
Todas las entradas para los conciertos de Radar Joven tendrán un precio de 7 euros. También existirá una oferta para comprar dos por 10 euros, además de descuentos del 50% con el Carné Joven (3,5 euros por entrada). Tanto en la web del ciclo como en la operadora de venta se anunciarán más bonificaciones.
Daniel Caesar es a la vez uno de los artistas más populares -sus cifras millonarias en plataformas así lo corroboran- y subestimados del R&B moderno. Sí, su faceta más baladesca, sobre todo al principio de su carrera, puede hacerse pesada. Qué bien que también se guarde temazos tan difíciles de obviar como ‘Call On Me’. Es la Canción del Día.
Su nombre no suele aparecer en la conversación, pero Caesar sigue siendo uno de los colaboradores preferidos de los mayores artistas. Ya sea por la belleza de su voz, prestándola en proyectos como ‘CHROMAKOPIA’ o el próximo disco de Blood Orange, o por sus talentos compositivos, como le demostró a Justin Bieber en ‘SWAG’, Caesar siempre suele estar ocupado.
Tras el lanzamiento de la solemne ‘Have A Baby (With Me)’, el artista de 30 años ha desvelado una de las canciones más inmediatas de su carrera, que también significa un cambio estilístico considerable. Una progresión de acordes levemente distorsionados da comienzo a ‘Call On Me’, antes de que la melodía que se saca Caesar de la manga venda por completo el tema antes de los 20 segundos.
La influencia de Miguel es clara, mientras que la producción corre a cargo de Jordan Evans, Matthew Burnett y Rami Dawod. Evans y Burnett llevan colaborando con Caesar durante toda su carrera. Dawod, por otro lado, está detrás del sonido de varios singles de Frank Ocean. Entre ellos, ‘Chanel’ y ‘Lens’. Más de ellos en ‘Son of Spergy’, el próximo disco de Daniel Caesar, disponible el 24 de octubre.
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