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‘Halloween: el final’: Michael Myers se despide por la vereda de la puerta de atrás

Cuando estrenó ‘Halloween’ en 1978, seguramente John Carpenter no imaginaba la fiesta que acabaría siendo la continuidad cronológica de esta saga: aquí podéis ver un ejemplo al que incluso le faltan las dos secuelas de esta última trilogía. Con esto quiero decir que ‘Halloween’ ha terminado varias veces ya, de modo que difícilmente puede ser novedad, pero sí que había expectación con ‘Halloween: El Final (Halloween Ends)’ por ser el cierre a una trilogía que había empezado muy bien y que siguió de forma interesante con la divisiva ‘Halloween Kills’ (a mí me gusta, que diría Thalía Garrido). Pero para ‘Ends’ no cabe el uso de “divisiva”: es un cierre decepcionante, y es una pena porque la idea de la que parte podría haber dado para algo mucho mejor.

David Gordon Green, el director de esta trilogía-reboot, se defendía de las críticas y el más que probable fracaso comercial (empezó como taquillazo, pero la hostia en la siguiente semana ha sido de aúpa) diciendo que quería llevar la mitología a otros lugares, no repetir ‘Halloween’ una y otra vez. Pero el problema no es ése: ahí está ‘Halloween III: Season of the Witch’ como una historia que ni siquiera cuenta con Michael Myers y que, pese a sus detractores, queda como una curiosidad simpática en la saga.

El problema es cómo han llevado a cabo una idea que, sobre el papel, era muy potente. Gordon Green ha citado como influencias elecciones sorprendentes como ‘Christine’, del propio Carpenter, ‘My Bodyguard’ y el slasher de culto ‘Butcher Maker Nighmare Maker’, y declaraba que, si con ‘Kills’ quiso acercar ‘Halloween’ al cine de acción, aquí ha querido llevarla al coming-of-age y a una historia de amor. De nuevo, tan sorprendente como interesante… y, visto el resultado, decepcionante.

Es complicado explicar por qué sin entrar en spoilers, pero sí podemos decir que, para ser seguramente la última entrega en la que Jamie Lee Curtis asuma un papel protagonista, aquí no es que tenga mucho protagonismo. Ni ella ni Michael Myers. Este experimento podría haberse hecho en un stand-alone, o incluso en «Kills», pero quizás no era la mejor idea hacerlo en el final de la trilogía: perjudica el rol de Jamie Lee Curtis, y perjudica también el rol que se intenta hacer con Rohan Campbell (que desde luego pone de su parte) y Andi Matichak. En su intento de que el leit-motiv sea “el mal no muere, solo cambia de forma”, Gordon Green descuida el origen de ese “mal”, que se siente más forzado que cierto giro de Daenerys Targaryen. Le hace falta más tiempo de cocción, o al menos más detonantes (¿el “detonante” mayor parece ser pinchar una rueda? ¿en serio?).

Paradójicamente, ‘Halloween Ends’ sí cuenta con un buen inicio y final (que suene ‘Don’t Fear the Reaper’ ayuda), pero no es suficiente para dejar un buen sabor de boca, y desde luego tampoco deja buenas perspectivas en el horizonte de cara al remake-trilogía de ‘El Exorcista’ que prepara también el tándem Blumhouse & David Gordon Green. Hay momentos de lucidez, como ese “si dejas pasar esto, te va a hacer sentirte mal, incluso aunque pienses que no”, que refuerzan la teoría de que, planteada de otra manera, ‘Halloween Ends’ podría haber sido la mejor de la trilogía. En cambio, ahora lo mejor que se puede decir de ella es que partía de una idea interesante y que, al menos, no es la pésima ‘Halloween Resurrection’.

La nana de Rihanna reconforta… ¿o más bien adormece?

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Parte de la redacción evalúa ‘Lift Me Up‘, el primer single de Rihanna en seis años, perteneciente a la banda sonora de ‘Wakanda Forever’.

«Era muy reticente a que el esperadísimo regreso de Rihanna fuese con una balada (pese a que ha hecho joyitas en ese sentido), y menos con una “balada navideña”, pero con una sola escucha ya me tenía ‘Lift Me Up’, y las demás me han hecho confirmarlo. Ya nos dará bops como sola ella sabe, pero de momento tenemos una balada que tiene sus bazas en una melodía clásica, unos sutiles arreglos de cuerda a lo Sufjan y, por supuesto, la inconfundible voz de Rihanna, que la aleja de ser lineal con su mezcla de garra y dulzura. Lo mejor es el tramo final, y desde luego la letra.

Tems cuenta que tomó el encargo de homenajear a Chadwick Boseman y lo convirtió en un homenaje a sus propios seres queridos fallecidos, “como si fuese un cálido abrazo con ellos: pensé cómo sería si pudiese cantarles y expresarles cuánto les echo de menos”. Se usan versos que son tan inquietantes como bellos y que, al combinarlos con el afecto de otros, lo que inspiran es tranquilidad: “Drowning in an endless sea / Keep me in the strength of your arms” o “Burning in a hopeless dream / Hold me when you go to sleep / Keep me in the warmth of your love”. Con todos estos mimbres, ‘Lift Me Up’ acaba siendo una nana sobre la muerte que a Rihanna le sienta como un guante». Pablo Tocino

«El primer single de Rihanna en casi 7 años pertenece a la banda sonora de una película, lo cual me parece buena estrategia: Rihanna está diciendo que vuelve, pero paso a paso, a su ritmo. Y para que la gente no se vuelva ya completamente loca, la barbadense entrega ‘Lift Me Up’, una balada somnífera que, más que «elevarnos», nos adormece, y que sirve para regular expectativas ante el material que contenga su próximo disco, que será infinitamente mejor porque tampoco es difícil.

‘Lift Me Up’ podría funcionar, pero no: resulta genérica como nana, sus arreglos se pasan de azucarados, la melodía no deja demasiada huella y sorry pero… RiRi sabe cantar mejor. En esta canción su voz no suena en su mejor forma, y los «adlibs» que realiza al final me parecen poco inspirados. Debería ser una nana más interesante, con más chicha, pero, como ha manifestado un usuario de Popjustice, más bien deja a «fourfiveseconds from sleeping». Jordi Bardají

¿Qué te ha parecido 'Lift Me Up' de Rihanna?

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Jerry Lee Lewis muere a los 87 años

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Jerry Lee Lewis, conocido por éxitos como ‘Great Balls Of Fire’ y ‘Whole Lotta Shakin’ Goin’ On’ y más infamemente por contraer matrimonio con su prima de 13 años cuando él tenía 22, ha fallecido a los 87 años. La noticia ha llegado a través de Associated Press y se ha producido en la misma semana en la que TMZ había anunciado su muerte erróneamente. No se ha revelado ninguna causa, pero se sabe que Lewis, apodado ‘The Killer’, ha lidiado con varias enfermedades durante estos últimos años.

Nacido en Louisiana, Lewis empezó a tocar música con sus primos desde una edad temprana. Estudió a los músicos de blues durante su juventud, consiguió un trabajo como músico de estudio en Sun Records en 1956 y, eventualmente, llegó a encontrarse en una sesión junto a Elvis Presley, Johnny Cash y Carl Perkins. Estos fueron apodados como el «Cuarteto del millón de dólares».

Lewis no encontró el éxito con sus primeras grabaciones, pero fue en 1957, durante el show de Steve Allen, cuando su reputación como bestia del piano floreció. En 1958 ocurrió uno de los episodios más célebres de su carrera, cuando incendió a propósito un piano mientras tocaba ‘Great Balls Of Fire’, solamente para probar que Chuck Berry debería haber sido el que actuase antes que él, y no al revés.

Ese mismo año Jerry Lee Lewis ya era una estrella internacional, pero cuando los periodistas le preguntaron por la edad de su nueva mujer, Myra Gale Brown, todo cambió para él. Brown era prima tercera de Lewis y por aquel entonces ella tenía 13 años y él 22. Lee le dijo a la prensa que Brown tenía 15, pero los reporteros descubrieron su edad real y la noticia dio la vuelta al mundo. Tanto los medios, como la audiencia y la industria dejaron de lado al famoso pianista, resultando en la cancelación de conciertos y en la reducción de tiempo en la radio.

Su carrera no terminó ahí. Lewis continuó publicando música de manera regular, su disco de 1964 ‘Live at the Star Club, Hamburg’ fue críticamente aclamado y durante la siguiente década persiguió una carrera como músico de country y gospel, llegando a conseguir tocar por primera vez en el Grand Ole Opry en 1973, el programa radiofónico de country más antiguo de Estados Unidos. Su álbum más vendido llegó en 2006 con ‘Last Man Standing’, que incluía colaboraciones con Neil Young, Bruce Springsteen, Mick Jagger, Keith Richards, Jimmy Page, Little Richard, y otros. Lanzó su último disco en 2014 bajo el nombre de ‘Rock and Roll Time’.

Jerry Lee Lewis tuvo una vida turbulenta, frecuentemente relacionado con problemas legales y polémicas. Además, siempre fue sincero con su abuso del alcohol y las drogas. En 1976 disparó accidentalmente a Butch Owens, su bajista, en el pecho, pero Owens sobrevivió. Ese mismo año, fue arrestado por presentarse a las puertas de Graceland con un arma y por tirar una botella de champán a través de la ventana del coche. Además, la revista Rolling Stone condujo un reportaje de investigación centrado en las muertes de dos de sus esposas, Jaren Gunn Lewis y Shawn Michelle Stephens Lewis. La primera se ahogó en una piscina en 1982, mientras que la segunda falleció a causa de una sobredosis accidental en 1984.

Sudan Archives / Natural Brown Prom Queen

Sudan Archives renuncia a desarrollar una sola idea en su complejo segundo álbum, ‘Natural Brown Prom Queen’. Sus dos primeros EP’s y el notable debut ‘Athena’, en verdad más conciso que este y por tanto quizá más adecuado para aquellos aún no familiarizados con el arte de Brittney Parks, nos introdujeron en el mundo de esta violinista a la que tanto seducen los ritmos R&B como los más folclóricos. En 2022, cuesta creer que una mente privilegiada como la suya se conforme con un trap tan básico como el de ‘OMG BRITT’, pero por suerte ella tiene mucho más que ofrecer.

El single ‘Selfish Soul’ es una reivindicación de la libertad de llevar el pelo como quiera -tan crucial en la cultura negra, pues ha sido objeto de racismo tanto en lo público como en lo privado-, mientras ‘NBQQ (Topless)’ es igual de explícita. «A veces pienso que si tuviera la piel más clara, entraría en todas las fiestas, ganaría todos los Grammys, haría felices a los chicos», se plantea, hablando de la tibia recepción comercial y mediática de su música. Lo que no le ha impedido seguir en forma en los varios frentes en que ha querido meterse.

Como violinista continúa dejando su impronta en producciones tan decoradas como ‘FLUE’ o la mencionada ‘NBQQ (Topless)’. Eso sí, sin dejar que ese sea el límite de su creatividad. Sudan Archives quiso estudiar etnomusicología concentrándose en instrumentos obsoletos y en desuso, y esa inquietud consigue que entre pistas más rítmicas y actuales como ‘Selfish Soul’ o «Copycat», en la que la referencia parece ser Kelis, otras como ‘TDLY’ (¿de nuevo Irlanda y no Sudán ni Ghana, como en el álbum anterior ‘Glorious’?) nos lleven más bien a otro siglo.

La sección de vientos -que no las cuerdas- son todo en ‘Loyal (EDD)’ y el ambiente es más cinético todavía en ‘Home Maker’, la canción de apertura, que tras un inicio titubeante, se abre camino entre palmas y ritmos subyugantes. Aunque para canciones que se levantan, la loca ‘ChevyS10’, que termina casi saltando por el carnaval de Brasil. Al menos al modo en que lo recorrerían Róisín Murphy y Matthew Herbert.

Las letras son el punto débil de Sudan Archives, muy poco imaginativa como rapera, algo arcaica en sus recursos. ‘Natural Brown Prom Queen’ podría narrarnos una película más rica que la de una «prima de Chicago» (‘Ciara’), una ex amiga que nos decepcionó (‘Loyal’), una mujer que le copia todo (‘Copycat’) o un cruce de insultos (‘Homesick’). Digamos que no encontraremos en ‘Natural Brown Prom Queen’ el trasfondo de una obra de Kendrick Lamar o Janelle Monáe.

Sin embargo, Sudan Archives lo suple con una delicada musicalidad (el estribillo de «tengo una prima en Chicago» precisamente se pega como una lapa) y sobre todo con una ostentosa partitura de arreglos que recuerda a los tiempos en que Massive Attack colaboraban con Craig Armstrong. El trip-hop siempre ha sido una referencia en su carrera, y aquí es responsable de dos de las canciones que no han sido single pero tanto brillo sacan al tramo final: la poética y brumosa ‘Freakalizer’, con ese piano ahogado y ese beat que no termina de reventar; y ‘Milk Me’. Esta es su canción más tórrida y Sudan Archives se la merienda entre susurros, detalles tropicales, efectos y viejos instrumentos de cuerda adulterados.

La «reina del sad trap» Albany agota en Barcelona

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Es imposible hablar de la historia del trap en España sin hablar de Albany. La cantante catalana, criada en Granada, se ha hecho un hueco en el underground de nuestro país gracias a sus canciones tristes y vulnerables y a su amor incondicional al autotune. Hoy puede presumir de haber cantado la canción principal de la película ‘La hija de un Ladrón’, ganadora de un Goya; y de haber colaborado con C. Tangana, y estos son solo dos de sus logros más recientes.

Capaz tanto de emocionar (‘No estoy bien’, de su mixtape ‘Se trata de mí‘) como de reventar la pista cuando le apetece (‘SUGA MAMI’ con La Zowi)’, los méritos artísticos de Albany son varios. El más reciente, haber entregado una mixtape tan recomendable como ‘XXX’ que ha confirmado sus atributos. En ella encontramos temazos como ‘S-Pain’, ‘Gyarados’ o ‘Me da igual tu dinero’ y las colaboraciones de aliados como Sticky M.A. o Rojuu.

La «reina del sad trap» es una de las voces de su generación, tato como para ser capaz de agotar entradas en Barcelona. Albany actúa esta misma noche en la sala Razzmatazz y ya no hay entradas disponibles ni se venderán en taquilla. Está claro que hay todo un público allá fuera que no quiere perderse la oportunidad de escuchar en directo las canciones más crudas del trap español.


¿Cuál será el gran clásico de ‘Midnights’ de Taylor Swift?

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Las cifras cantan: ‘Anti-Hero’ es un hit monstruoso, número 1 global en Spotify e inminente número 1 directo en Reino Unido, Estados Unidos y varios países más. Sin embargo, no parece haber levantado demasiado entusiasmo en los mentideros, en particular. Después de que hitazos en su momento como ‘Look What You Made Me Do’, ‘ME!’ o ‘You Need to Calm Down’ hayan caído en el olvido en favor de ‘Delicate’, ‘Lover’ o incluso ‘august’, nos atrevemos a aventurar cuál podría ser el «sleeper» de ‘Midnights‘. ¿Por qué canción de este disco de Taylor Swift votarás a finales de año?

«‘Vigilante Shit’ no es mi favorita, le veo algún aspecto fallido, pero cada vez me parece más la canción que puede despuntar a la larga: en directo, cuando la gente haga sus playlists… porque mantiene lo más interesante de la identidad sonora del disco, los bajos “Reese bass”, así como siniestros, y la letra tiene más miga: es el retrato de un personaje en busca de venganza, por lo cual tiene más poso: es la Taylor Swift que crea imágenes interesantes y muchos de los versos son chulos. No sé si era una búsqueda consciente de imitar un poco a Billie Eilish, pero con ese tipo de canción va a conectar con un sector del público al que ese tipo de canciones le gusta muchísimo. Puede pasar a su legado a largo plazo entre muchas que van a caer en el olvido echando leches». Jaime Cristóbal.

«Es difícil saber qué canción de ‘Midnights’ será la más recordada. El nuevo disco de Taylor Swift no tiene un single claro, ni tampoco nada que deslumbre en sus primeras escuchas. ‘You’re On Your Own Kid’ es, a priori, la que más me interesa, y a la que más me apetece volver. Melódica y temáticamente es inevitable vincularla a ‘Red’ -su mejor álbum-, pero con la evolución como letrista que demostró en ‘folklore’ y ‘evermore’.

La cantante narra sus experiencias personales y amores no correspondidos desde que era una adolescente hasta hoy. Con un sonido alt-pop -donde destaca su elegante progresión- y plagada de autorreferencias, la Taylor actual reflexiona sobre su vida y abraza a sus versiones pasadas con la certeza agridulce de ahora saber que en todas las dificultades que puedan surgir, al final, todo lo que tiene es ella misma». Fernando García.

«Poca gente parece haberse dado cuenta de que la canción más escuchada de Taylor Swift, por mucha diferencia, es ‘I Don’t Wanna Live Forever‘ con Zayn para la banda sonora de ’50 sombras más oscuras’. Todo ‘Midnights’ es un medio tiempo electrónico similar, que persigue esa atmósfera nocturna, opresiva y nostálgica. Aunque ‘Anti-Hero’ amenaza con ser todo un «grower» para los más escépticos, las cifras de ‘Lavender Haze’ cantan y ‘Bejeweled’ ha cumplido por completo su cometido de llamar la atención sobre una producción que había pasado desapercibida pero tiene mucho potencial; me quedo con ‘Question…?’

Todas las cosas que odio de Taylor Swift están aquí: su voz doblada en el estribillo generando un efecto que es un misterio que no resulte desagradable a más gente, el amor tóxico, en este caso dando la murga a un ex del año de la pera preguntándole por la otra… Pero todo eso da igual cuando la canción funciona, y esta lo hace gracias a un estupendo sentido narrativo que atrapa por todo lo que tiene de intrigante. Taylor lanza sus múltiples preguntas ansiosa, a veces más hablando que cantando, mientras la música minimalista y la caja de ritmos lo-fi se dedican a generar la misma intranquilidad». Sebas E. Alonso.

«Aunque ciertamente está más cerca de ‘Reputation’ que de ‘folklore’ o ‘1989’, me ha gustado ‘Midnights’ más que a mis compañeros. Creo que contiene grandes canciones como ‘Sweet Nothing’, ‘Labyrinth’, ‘High Indefility’, ‘Maroon’, ‘The Great War’, ‘You’re On Your Own Kid’ o el single ‘Anti-Hero’, y que desde luego cuenta con el mejor cierre que haya tenido un disco de Taylor: ‘Mastermind’, que escojo no solo por esto o por el casi-plagio que se hace Antonoff de ‘Supercut’, sino porque sintetiza muy bien la esencia del disco… y casi que de toda su carrera.

En ‘Mastermind’ nos acercamos a eso que ya vimos en el documental ‘Miss Americana’: que ella no es ni la novia cándida de América ni la calculadora y vengativa esfinge, sino algo que está en medio. Taylor toma toda esa visión que hay sobre su persona (y a la que desde luego ha contribuido) e ironiza sobre ella, teniendo toda la letra un singular poso de autenticidad, especialmente el confesional puente: “no one liked to play with me as a little kid / so I’ve been scheming like a criminal ever since / to make them love me and make it seem effortless”. Por si fuera poco, todo esto lo usa para crear una canción de amor como ella bien sabe hacer, y además adoptando la faceta de storyteller que tanto brilló en su saga folk. Digo “storyteller” aquí porque, aunque esté cantando sobre el inicio de su relación actual, Taylor puede maquinar pero no tiene poderes mágicos… no obstante, viendo sus cifras de streaming, cualquier día nos da la sorpresa». Pablo Tocino.

¿Cuáles son tus canciones favoritas de Midnights?

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Nakhane y Perfume Genius te invitan a la cama… y a la pista de baile

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Nakhane es un artista no binario de Sudáfrica que tiene varios álbumes a sus espaldas. Puede que le recuerdes porque su álbum de 2018 ‘You Will Not Die’ recibió buenas críticas, por su himno de pop electrónico ‘Clairvoyant’ o porque es amigo de Madonna. Nakhane era uno de los artistas favoritos de Ciccone durante la era de ‘Madame X‘ y, de hecho, ambos fueron vistos cenando juntos en alguna ocasión. Elton John es otra de las celebridades que le han apoyado públicamente.

Nakhane Lubabalo Mavuso, que ha colaborado con ANOHNI y también es actor y novelista, está publicando nueva música estos días. Su primer single de 2022 ha sido ‘Tell Me Your Politik’, un tema de percusiones tremebundas y coros épicos que ha contado con la colaboración de Moonchild Sanelly y del mismísimo Nile Rodgers a la producción. Suena un poco a Woodkid.

El líder de Chic vuelve a acompañar a Nakhane en su nuevo single, ‘Do You Well’, que, además, recibe la presencia de otro artista invitado de lujo, en este caso, Perfume Genius, al que raramente escuchamos en contextos tan cluberos. Juntos cantan una sensual «invitación a la cama» que no pretende ser más que eso. A Nakhane ya no le interesa hacerse el culto. En sus palabras: «Normalmente me pongo en plan… ¡Dios mío! Jean Cocteau… Aquí simplemente estoy cachondo como un perro».

Porque, sí, ‘Do You Well’ es más que una invitación al sexo. También es una invitación a la pista de baile. En este caso no es descabellado volver a mencionar a ANOHNI, pues la contundente base rítmica de ‘Do You Well’ recuerda a las de los primeros Hercules & Love Affair. Tiene un poco de house, un poco de disco, un poco de funk… y también es de una elegancia suprema. Como lo es Nakhane en la cama: «era inevitable, lo sabía de sobra, lo que tuviera que hacer, lo iba a hacer bien».

RFTW: Natalia Lafourcade, Maria Rodés, Pshycotic Beats…

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Hoy 28 de octubre es el día que marca el regreso de Rihanna después de más de un lustro. Vuelve con una balada escrita para una banda sonora. Amaia hace hoy exactamente lo mismo, claro que, si la balada de Rihanna es navideña, la de Amaia es más oscura.

Entre los temas destacados de la semana hay que destacar, por supuesto, el nuevo de Chanel, y también SZA publica nuevo single por fin. A estos dos regresos se ha sumado estos días el de La Roux, que ya no habrá tardado millones de años en sacar nuevo material.

Por otro lado, son varios los álbumes largos que ven hoy la luz. Desde ya es posible escuchar nuevos discos de Dragonette, Maria Rodés, Benjamin Clementine, Pshycotic Beats, Natalia Lafourcade, Fred again, Tom Odell, Junior Boys, King Gizzard & the Lizard Wizard y Holly Humberstone, entre otros.

A estos discos hay que sumar un puñado de singles nuevos que salen hoy o lo han hecho en los últimos días, de parte de Las Odio, Iggy Pop, Lauren Jauregui, Labrinth, U.S. Girls, Colectivo da Silva, Sam Fender, Shania Twain, Chlöe o Vega Almohalla.

Entre las curiosidades del día cabe mencionar dos: Black Eyed Peas samplean ‘Finally’ en su nuevo posible hit con Anitta y El Alfa, y María Escarmiento versiona ‘Puedes contar conmigo’ de La Oreja de Van Gogh en clave makina/hyperpop. Brace yourselves

Kylie Minogue habla de su próximo disco «feel good»

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Kylie Minogue es noticia estos días porque ha reeditado en vinilo ‘Impossible Princess’, su disco más raro e indie, y con él aspira a llegar al top 5 en Reino Unido esta misma tarde. Pero también la cantante ha concedido un par de entrevistas en promoción de una campaña publicitaria de bebidas. Sus seguidores se preguntan qué trama tras los ritmos disco de ‘DISCO‘, y ya hay alguna pista al respecto.

En The Independent insinúa que está concentrada ya en la parte visual, lo cual lleva a pensar que su nuevo álbum está terminado o casi, pues se presentará en el Orgullo Gay de Australia, en concreto en el de Sydney, que es tan pronto como a finales de febrero y principios de marzo. «No puedo revelar cómo suena todavía, pero es muy excitante. Siempre es un desafío encontrar el sonido siguiente, encontrar las canciones que no solo funcionan por su cuenta, sino que resuenan como parte de un álbum. Entonces empiezo a pensar en la creación visual, lo cual es mi siguiente desafío».

En Standard ha dado algún detalle más, como que «ha trabajado en Melbourne, Brighton, Londres, Surrey, Croacia y París», lo cual ha sido un «verdadero placer». Entre los créditos está Biff Stannard, una parte de Biffco, cuyos créditos van desde ‘Wannabe’ de Spice Girls, a las propias ‘In Your Eyes’ y ‘Say Something’. Kylie ha prometido que el componente «feel-good» -así se suele describir a las películas que son comedias edificantes o reconfortantes, nada dramáticas- será «MUY ALTO». Por lo que parece que estaremos ante un álbum alegre. Y ojo con su avance porque Kylie lo clavó cuando confesó que ‘DISCO’ sería un álbum de «disco maduro».

Podcast: la discografía de Kylie, comentada

Amaia estrena la misteriosa balada ‘Más de la mitad’

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Rihanna no es la única artista que estrena hoy una canción con forma de balada (y sonido de nana) que es, además, la canción principal de la banda sonora de una película. Da la casualidad que Amaia Romero hace hoy exactamente lo mismo.

‘Más de la mitad’ es la contribución de Amaia a la película ‘No mires a los ojos’. Se trata de una misteriosa balada al piano, compuesta junto al prestigioso Mikel Salas, en la que la navarra se aferra a sus sueños y esperanzas: «más de la mitad de toda mi mentira yo sé que es verdad / pero tú tendrás un espacio en mi cerebro hasta el final».

‘Más de la mitad’ es la primera novedad musical de Amaia desde que viera la luz su segundo disco, ‘Cuando no sé quién soy‘, que la cantante ha presentado durante 2022 por numerosos festivales y salas del país. Amaia presentó la canción en directo hace unos días en el Festival de Cine Semenci.

Amaia es una de las artistas confirmadas en el Primavera Weekender de Benidorm, que se celebra el próximo mes de noviembre, y también está en la programación del FIB del año que viene. Además, la navarra aparecerá en ‘Las Mesías‘, la nueva serie de Los Javis.

En cuanto a ‘No mires a los ojos’, se estrena el 4 de noviembre y es una adaptación de la novela de Juan José Millás. Cuenta la historia de Damián, un hombre que observa el día a día de una familia desde el interior de un armario en el que ha quedado encerrado por accidente, y en el que decide permanecer para convertirse en una «misteriosa presencia que observa desde la sombra».

BROCKHAMPTON anuncian su último disco, ‘The Family’

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BROCKHAMPTON han salido de su pausa indefinida y han anunciado la salida de su último disco. El grupo dirigido por Kevin Abstract lanzará ‘The Family’ el próximo 17 de noviembre, lo que significará (o no) el final de la carrera musical de BROCKHAMPTON. No hay ningún adelanto en forma de single, pero sí han revelado la portada del proyecto, una imagen construida a modo de collage con referencias a momentos de la carrera de la banda.

Ya dieron pistas sobre la salida de un supuesto último disco al final de su actuación en Coachella. En cuanto se despejó el escenario pusieron un clip de Kevin Abstract reuniéndose con sus compañeros para hablar sobre el último disco de la boy band. Al final del vídeo se leía «Último Disco, 2022». BROCKHAMPTON cancelaron el resto de fechas del año, excepto dos shows en el O2 de Londres.

Junto al gran anuncio de la salida de ‘The Family’, la banda ha subido dos vídeos promocionales. Uno de ellos es un «album teaser» y en él podemos ver a tres jóvenes que se ponen a escuchar el disco con los pocos medios que tienen. La música está muy de fondo, pero se pueden apreciar unos acordes guitarreros de funk y una melodía más o menos ochentera. El segundo vídeo se titula «Ya echo de menos a la banda» y está formado por imágenes que recorren toda la carrera del grupo, pasando por su etapa de ‘SATURATION’ hasta sus apariciones en grandes eventos, a la vez que suena de fondo una voz que parece ser Kevin Abstract cantando «por favor Dios no me hagas crecer».

Todo apunta a que ‘The Family’, el sucesor de ‘Roadrunner: New Light, New Machine’, se centrará en buena medida en la propia situación de BROCKHAMPTON como grupo y en la melancolía de llegar al final del recorrido.

Taylor Swift retira la palabra «GORDA» del vídeo de ‘Anti-Hero’

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Taylor Swift ha borrado algunas escenas del videoclip de ‘Anti-Hero’, el lead single de ‘Midnights’, tras ser fuertemente criticadas en redes por promover la gordofobia. En estos planos la cantante se subía a una báscula en la que se leía la palabra «gorda», en vez de un peso numérico. Ahora, el videoclip no contiene el primer plano de la báscula, sino que simplemente se ve a Swift subiéndose mientras su doble se acerca a observar el resultado, tras lo cual hace un gesto de desagrado con la cabeza.

Catherine Mhloyi, escritora de Teen Vogue, describió la escena original como «perezosa», argumentando que «al hacer que la palabra «gorda» aparezca en la báscula, ella eligió explícitamente nombrar su demonio, el miedo de ser llamada gorda, lo cual es gordofobia en su sentido más literal». Otros comentarios apuntaban a que el clip «reiteraba una vez más que verse como nosotros es la peor pesadilla de todo el mundo».

Por supuesto, ciertas celebridades como Whoopi Goldberg o Joy Behar han acudido en defensa de Taylor. Goldberg pidió que la dejen «tener sus sentimientos» y Behar argumentó que no habría funcionado de otra forma: «¿Qué se suponía que tenía que poner en la báscula? ¿Regordeta? Así no funciona».

Taylor ha hablado en bastantes ocasiones sobre su lucha con los trastornos alimenticios. En el documental ‘Miss Americana’ la artista habló de cómo el escrutinio de los medios sobre su cuerpo provocó que decidiese no comer en ciertos momentos de su vida. Swift dirigió ella misma el videoclip de ‘Anti-Hero’ y lo promocionó con la siguiente frase: «Observa mis escenarios de pesadilla y mis pensamientos intrusivos desarrollarse en tiempo real».

Philip Selway de Radiohead avanza ‘Strange Dance’, su nuevo LP

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Philip Selway, más conocido como el batería de Radiohead, ha anunciado el lanzamiento de su tercer álbum de estudio. ‘Strange Dance’ se publicará el 4 de febrero y contará con las colaboraciones de Hannah Peel, Adrian Utley, Quinta, Marta Salogni, Valentina Magaletti y Laura Moody. Selway ha compartido ya el primer adelanto del disco, la melancólica y orquestal ‘Check For Signs Of Life’.

Las 10 canciones que conforman el disco fueron escritas por Selway en su casa con un piano y guitarra y, según la nota de prensa, el batería imaginaba el LP como «un disco de Carole King si hubiese colaborado con la pionera de la electrónica Daphne Oram y a él lo hubiesen invitado a tocar la batería». Selway admira en buena medida a cada uno de los colaboradores que han trabajado con él en ‘Strange Dance’ y apunta que «se creó una dinámica realmente hermosa» y que «las ideas surgían con facilidad».

‘Strange Dance’ será la tercera entrega en la discografía en solitario del músico británico, tras ‘Familial’ en 2010 y ‘Weatherhouse’ en 2014. Recientemente también ha trabajado componiendo música para el Ballet Rambert y bandas sonoras para las películas ‘Let Me Go’ y ‘Carmilla’.

Tracklist:
1. ‘Little Things’
2. ‘What Keeps You Awake At Night’
3. ‘Check For Signs Of Life’
4. ‘Picking Up Pieces’
5. ‘The Other Side’
6. ‘Strange Dance’
7. ‘Make It Go Away’
8. ‘The Heart Of It All’
9. ‘Salt Air’
10. ‘There’ll Be Better Days’

‘Athena’, el debut de Sudan Archives, ya era «glorioso»

¿Quién iba a decir que a Brittney Parks que una canción que escribió junto a su hermana gemela, Catherine, a los 16 años, terminaría abriendo el que sería su debut como solista a nivel internacional? ‘Did You Know’, escrita en pequeño, de inicio lo-fi, no puede ahora sonar más tierna. Curtida como violinista de niña en Cincinnati, asentada después en Los Ángeles, la artista que ahora conocemos como Sudan Archives y estos días recorre el mundo presentando su segundo álbum, ya se mostraba en ‘Athena’ como un talento singular. Al igual que en sus EP’s previos, que dejaron sus dos mayores hits, ‘Nont for Sale’ y ‘Come Meh Way’.

Su violín marca su estilo, inspirando títulos como ‘Black Vivaldi Sonata’ e inundando producciones como ‘Confessions‘. Es un rasgo diferenciador, pero no el único. La instrumentación, a través de una mandolina, por ejemplo, aporta a su música un aire más bucólico, cuando en principio a causa de un par de singles quizá podrías esperar de ella un álbum moderno de R&B. Su timbre y dicción huyen de la urgencia del hip hop, en ese sentido es más próxima a Jessie Ware, Dido o incluso Lily Allen, los ritmos son muchas veces primos del trip hop, los arreglos a veces osan caminar entre los bosques de Björk.

Ghana y Sudán son los territorios que han inspirado directamente la música de Sudan Archives, a los que ha querido rendir homenaje, mientras en los textos encontramos referencias a la Biblia, como en el himno eclesiástico que pretende ser el mencionado ‘Black Vivaldi Sonata’. Lo que no quiere decir que se te haya ido la olla cuando has escuchado más bien folclore irlandés en una de sus canciones con más pegada, ‘Glorious’. Literalmente la ha tildado en alguna ocasión de «mierda irlandesa», por mucho que el featuring de D-Eight mantenga el disco entre las tendencias internacionales y su inspiración sea en verdad Aisha al-Fallatiyah, la primera mujer que actuó en Sudán en 1943.

Entre esas texturas habituales del R&B y esa instrumentación orgánica, Sudan Archives conseguía un debut muy destacado, en el que los medios tiempos resultan tan embriagadores como ‘Iceland Moss’, llegando a atrapar por completo gracias a sus ricos arreglos y ritmos pistas como ‘Coming Up o ‘Down On Me’. Para ellas pareció inventarse la palabra «hipnotizante». Como también para la épica ‘Limitless’, que parece anunciar que el final del álbum está por llegar, en la que la propia Sudan Archives considera la «canción más ñoña del disco» para bien. Son muy sencillos en general sus textos, siendo imperdonable que su «canción por canción» para Stereogum mole más que las letras en sí mismas.

Jamás se podría haber adivinado sin tal complemento que ‘Down On Me’ iba sobre un tipo de hombre que «jamás saldría formalmente con una mujer negra» porque son muy «problemáticas». Brittney Parks no saca ahí la furia que podría, algo que sucederá en su siguiente disco, mientras este se ciñe a presentar cuál será su idiosincrasia sonora, recopilando ideas de la infancia y rupturas post-adolescentes. «Me doy cuenta de que perdí la cabeza / Cuando era pequeña / pensé que podría dominar el mundo», decía ‘Did You Know’. Quizá lo consiga después de todo…

Sudan Archives actúa en Apolo, Barcelona, el 25 de noviembre.

Drake y 21 Savage retrasan ‘Her Loss’ al 4 de noviembre

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En el último disco de Drake, ‘Honestly, Nevermind‘, en general inspirado en los ritmos house, hay una canción que desentona. Se trata de ‘Jimmy Cooks’, una colaboración con 21 Savage que se ha situado al final del tracklist. Al final ha sido la canción más exitosa de todo el proyecto, con 266 millones de reproducciones en Spotify, doblando a la siguiente.

Quizá por eso, ‘Jimmy Cooks’ ha inspirado un nuevo proyecto. Drake y 21 Savage anunciaron el nuevo álbum para este viernes 28 de octubre, pero finalmente saldrá una semana después, el próximo 4 de noviembre. El disco se llamará ‘Her Loss’ y de momento poco más se sabe. Ni tracklist ni portada han sido anunciados, por lo que ni siquiera nos queda muy claro si ‘Jimmy Cooks’ estará ahí.

Tan solo ha aparecido con un vídeo con los dos artistas frente a un serie de pantallas y tan sólo una parte pequeña de lo que ha sido ‘Jimmy Cooks’. Un tema que ha sido número 1 en el Billboard Hot 100 y top 7 en Reino Unido, pero que no ha calado en el mundo no anglosajón al modo de ‘Hotline Bling’ y sobre todo ‘One Dance’, que aunque ahora cueste recordarlo fue número 2 en España y cuádruple platino.

La razón del retraso es que Noah «40» Shebib, uno de los productores que más tiempo lleva trabajando con Drake, pilló el coronavirus durante la fase de mixing y mastering del proyecto, por lo que se tuvo que parar la producción. «Nuestro hermano cogió el COVID, así que ahora le toca descansar y el 4 DE NOVIEMBRE será el día de ‘HER LOSS'», anunció Drake en sus stories de Instagram.

En Francia e Italia este ‘Jimmy Cooks’ sólo ha llegado al puesto 98, en España no se asomó por todo el top 100.

Dry Cleaning / Stumpwork

Dry Cleaning pueden consolidarse con su segundo disco. En ‘Stumpwork’ se halla la que se puede considerar, desde ya, una de sus mejores canciones. ‘Gary Ashby’ es la historia de una tortuga que se da a la fuga, llamada con nombre de persona, y también es una de esas canciones de jangle-pop que cautivan desde la primera escucha, en su caso, gracias a una luminosa melodía de guitarra acústica que se hace notar en el momento más oportuno.

Cabe recordar que Dry Cleaning no es en absoluto una banda de rock al uso: su música se ha solido construir sobre una base de post-punk, pero es la vocalista Florence Shaw quien da personalidad a las canciones gracias a su apático recitado de las letras. Pitchfork lo llama «anti-carisma» y da en el clavo: la expresividad nula de Shaw la hace interesante.

‘Stumpwork’ sigue la línea del debut, pero con matices. En ciertas pistas se abren paso, efectivamente, unas guitarras muy luminosas y jangle, como en la destacada ‘Kwenchy Kups’, que habla sobre alegrarse el día observando nutrias (en serio). En otras, Dry Cleaning optan por un sonido más crudo y desértico y, por ejemplo, en ‘Hot Penny Day’, los de Londres copian a los Rolling Stones sin más miramientos. ‘Don’t Press Me’, otro de los singles, presenta un buen equilibrio entre ambos sonidos.

Dry Cleaning, a veces, prueban cosas nuevas, como en ‘Anna Calls from the Arctic’ que, con sus sonidos jazzy, parece más una canción de Cate Le Bon que de ellos. «Nada funciona, todo es caro, y opaco, y privatizado», dice la letra. Su sentido del humor «grumpy» prevalece en el álbum, incluso cuando las canciones son abiertamente políticas, como ‘Conservative Hell’, que habla de «poderes policiales» pero también de «setas públicas» y de «niños que muerden».

A veces los conceptos de Dry Cleaning funcionan mejor que las composiciones. ‘Liberty Log’ está inspirada en la imagen de un «monumento estúpido» que se inventó Florence, un leño llamado «el leño de la libertad», pero la idea es más divertida que la canción. Llegados a este punto seguramente hay quien esperaba que el disco diera, al menos, tanto repelús como su portada, pero la producción de John Parish mantiene la elegancia en todo momento, lo que le resta cierto carácter.

‘Stumpwork’ es un trabajo que confirma los atributos de Dry Cleaning, y les da una pátina más nítida y profesionalizada. Su interés por el absurdo sigue patente en las letras, algunas sacadas de trozos de periódicos y sin demasiado sentido aparente, y el anti-carisma de Shaw cautivará tanto a unos como aburrirá a otros. Comercialmente puede consolidarles pero, a nivel artístico, simplemente les confirma, que tampoco está mal.

Kimbra se busca a sí misma dentro de una balada deconstruida

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Kimbra, a la que recordarás por cantar con Gotye uno de los mayores éxitos de la década pasada, ‘Somebody that I Used to Know‘, y también por álbumes de art-pop tan interesantes como ‘The Golden Echo‘, continúa con su carrera y ha anunciado la llegada de su cuarto álbum de estudio, que recibe el título de ‘A Reckoning’ y sale el 27 de enero.

En su nuevo trabajo, Kimbra colabora con Ryan Lott, integrante de los interesantísimos Son Lux, y aborda temas como el «medio ambiente, el feminismo, la raza, la salud o el patriarcado» a través de «los ojos de una Madre arquetípica». Musicalmente Kimbra nunca ha sonado tan «independiente» como lo hace en ‘A Reckoning’, según nota de prensa. Algunas de sus inspiraciones han sido las «bandas sonoras» y los «mundos de la música electrónica e industrial».

Tampoco ha sonado nunca Kimbra, en su nuevo álbum, tan «confesional y vulnerable», y en estos términos podemos hablar también del primer adelanto, ‘Save Me’, una balada al piano deconstruida que recuerda al trabajo de Son Lux en su tratamiento de pianos y efectos electrónicos, pero que también podrían haber firmado los primeros These New Puritans.

En ‘Save Me’, Kimbra busca a alguien que la «salve de sus inseguridades» a la vez que explora «las dos realidades internas que pueden estar presentes a la vez» en el ser humano, como «el caos y la contemplación, o la ira y la fuerza de la vida quieta».

Una canción «reflexiva» como parece que va a ser el resto del álbum, siempre según nota de prensa, y cuyo videoclip ha sido rodado en Islandia, donde la neozelandesa «busca sanar su relación consigo misma, con otras mujeres, y con la Madre Tierra».

La balada rock sigue brillando en manos de Crawlers

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Crawlers es una de las bandas más recomendables que ha dejado el cartel de Cala Mijas, especialmente, en su sección femenina y queer. La banda se compone por Holly Minto a las voces, Amy Woodall a la guitarra, Liv Kettle al bajo y Harry Breen a la batería y, este mismo viernes 28 de octubre, publica su mixtape de debut, que recibe el título de ‘Loud without Noise’.

El grupo se ha dado a conocer con números rockeros como el que, hasta ahora, es su mayor éxito, ‘Come Over (Again)’, que se acerca a los 40 millones de streamings en Spotify. Influencias del rock universitario, el grunge o el punk-rock de finales de siglo emergen en sus canciones y, así, el grupo ha ido ganando adeptos gracias a otros cortes como ‘Fuck Me (I Didn’t Know What to Say)’ o ‘So Tired’.

En el nuevo EP de Crawlers se incluyen los cuatro singles que el grupo ha publicado recientemente, entre ellos los guitarreros ‘I Can’t Drive’ y ‘I Don’t Want It’, y también un corte inédito llamado ‘Feminist Radical Hypocritical Delusional’.

Pero hoy nos detenemos en otro. Se da la casualidad que ‘Hang Me Like Jesus’ es una balada, pero una de esas que erizan la piel. Se compone de unas estrofas cuya melodía se repite cíclicamente a modo de mantra, mientras Holly canta acompañada por un tapiz de guitarras acústicas y efectos electrónicos, y la canción alcanza paulatinamente su clímax en el tramo final.

La estructura de ‘Hang Me Like Jesus’ refleja la historia relatada en la letra, la de una persona atrapada en una relación tóxica que se traga las lágrimas, bebe para olvidar y, finalmente, explota. El título de la canción parece referirse a un sentimiento de humillación (el estribillo reza «cuélgame como a Jesús y monta un espectáculo») y, en un momento de la letra, Holly canta: «he decidido que no puedo vivir una mentira, así que me he puesto el maquillaje que no te gustaba, y me he vuelto a enamorar, así que déjame y vete con tus amigos de mierda». Con evocación a Nick Drake incluida («sus palabras empiezan a tener sentido»), está claro que la balada rock no pierde vigencia.


Britney Spears aclara que no está peleada con Selena Gomez

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El Instagram de Britney Spears sigue echando humo. Hace unos días, la cantante de ‘Toxic‘ publicaba un mensaje de crítica a las personas que le afean que enseñe su cuerpo en la red social mientras «comen helados de manera sexy en los videoclips». A Britney le parece hipócrita que haya mujeres que «avergüencen a otras por enseñar su cuerpo» mientras ellas hacen lo mismo.

Nadie sabía a cuento de qué Britney escribió este mensaje (ya borrado) ni a quién se refería exactamente, pero la gente asumió que se dirigía indirectamente a Selena Gomez. En 2016, Selena dio un discurso en unos premios en el que decía: «no quiero ver tu cuerpo en Instagram, quiero ver lo que hay dentro de tu corazón». Unos años después, Selena Gomez publicó una canción junto a BLACKPINK llamada ‘Ice Cream‘, en cuyo videoclip aparece lamiendo un helado.

La coincidencia (muy cogida con pinzas pues las palabras de Selena se produjeron cuando Britney todavía estaba tutelada y no controlaba su cuenta de Instagram) hacía saltar las alarmas de una posible enemistad entre Britney y Selena, pero la autora de ‘Glory’ ha dado carpetazo a los rumores con una nueva publicación de Instagram en la que aclara que sus palabras no iban dirigidas a nadie en particular.

En el post, Britney explica que «me refería a los días en que era joven y se me discriminaba de manera brutal, y los hombres me preguntaban por mis tetas o por enseñar el abdomen en las entrevistas», y cuenta que decidió publicar el mensaje cuando volvió a ver el videoclip de ‘Milkshake’ de Kelis y recordó que este «ofendió a mucha gente» por mostrar una expresión corporal muy «explícita». Britney aclara que ella «anima a las mujeres a que enseñen su cuerpo como les plazca».

En cuanto a Selena, la intérprete de ‘Slumber Party’ solo tiene buenas palabras para ella: dice que la admira profundamente, que es una «persona que siempre he querido conocer», que cuando Selena acudió a su boda «fue un sueño» y que su música le ha «ayudado a superar momentos difíciles». A Selena las palabras de Britney seguro le animan: la autora de ‘Rare‘ está confinada a causa de la covid y Britney es su mayor ídolo. Se curará de golpe cuando lo lea.

Morad, detenido en Barcelona por incitar al desorden público

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Morad es uno de los cantantes más exitosos de España. También es uno de los que más alboroto provoca allá por donde va. Este miércoles, el autor de ‘Pelele’ ha sido detenido en Barcelona por presuntamente incitar al desorden público. Habría pagado a varios jóvenes para que quemasen tres coches y varios contenedores en el barrio de La Florida, en el Hospitalet de Llobregat.

Los hechos sucedieron el pasado jueves. Morad se encontraba en La Florida rodando un videoclip, los vecinos llamaron a los Mossos quejándose del ruido y, cuando estos llegaron a la zona, Morad se encaró a ellos y recibió una denuncia por el ruido, por tener coches mal aparcados y por faltar el respeto a los agentes. Después, supuestamente, les amenazó con pagar a jóvenes para que quemasen contenedores y, horas más tarde, varios coches y contenedores terminaron ardiendo. Después de una semana de investigaciones en la que se intentó dirimir si los hechos tenían que ver con Morad o eran una coincidencia, el cantante ha sido arrestado y se encuentra a espera de pasar a disposición judicial.

No es la primera vez que Morad se las ve con la policía. Este verano ha sido detenido por conducción temeraria, conducir sin carnet y desobediencia a la autoridad, y en abril no se presentó a una cita judicial para declarar por otro delito contra la seguridad vial, por lo que también fue detenido. También este año, un juez ha procesado a Morad por llamar «abusador de menores de edad» a un agente de los Mossos que le multaba por tener el coche mal aparcado, suceso que grabó y colgó en sus redes.

Chanel habla de ‘TOKE’, Qatar, las influencias de su disco…

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Chanel, que acaba de publicar ‘TOKE’, su nuevo single, ha concedido una entrevista a El Mundo en la que habla sobre varios de los frentes que tiene abiertos en estos momentos: no solo ‘TOKE’ sino también su participación en el Mundial de Qatar (que ha sido criticada por los problemas de derechos sociales que tiene el país), la creación de su nuevo disco o, por supuesto, la presión que ha sentido por parte del público para sacar nueva música después de ‘SloMo’.

No es la primera vez que Chanel defiende su implicación en el Mundial de Qatar con ‘TOKE’, pero en El Mundo se explaya: «A mí nadie me ha hablado de ir a Qatar a cantar, pero si se diera esta situación y decido ir, obviamente, voy a ir con mi mensaje, con mi equipo, donde hay gente del colectivo LGTBI+, con mi videoclip donde hay dos mujeres besándose, y donde sigo siendo yo y hay un plano de mi butty hipnotic (culo hipnótico) haciendo shacking (sacudiendo)… Es decir, esa soy yo como artista ahora mismo. Y para mí es un orgullo y tengo muy claros en mi cabeza mis principios, por eso no he hecho un videoclip adecuado a… Sigo siendo Chanel, artista, que tiene las ideas muy claras y que si llega el caso de tener que ir a Qatar voy a ir con mi mensaje, con mi equipo, voy a ir vestida como yo quiera, y abanderando lo que ya dije en el mes de julio en el Orgullo».

En cuanto a su nueva música, Chanel explica que ‘TOKE’ es «la primera pildorita de lo que se viene», y da una idea de los sonidos con los que está trabajando: «Es muy difícil de explicar porque ahora estamos en pleno proceso creativo donde las cosas son vulnerables, donde las cosas no son muy tangibles, entran, salen, pruebas, ‘desapruebas’… Pero la esencia es mucho latin, urbano, anglo… Esos tres ingredientes son básicos. Mucha coreo y… ¡Buena música!» La cantante cita, entre sus influencias, a Gloria Estefan, Beyoncé y Nathy Peluso, pero aclara que no ha basado el proyecto en nadie más que en sí misma y en sus inspiraciones.

En otra parte de la entrevista, Chanel cuenta que la frase «todo el mundo loco pa’ que esto rebote» de ‘TOKE’ alude a la insistencia del público por que lanzara nuevo material después de Eurovisión. Y señala que «hubo una serie de titulares que no eran verdad con los que te frustras». Se refiere, posiblemente, a las informaciones según las cuales no sacaba single porque no encontraba discográfica. Chanel ha dicho que la demora de su nueva música se ha debido a su perfeccionismo.

‘TOKE’ ha iniciado ya su recorrido comercial. De momento ha entrado en el puesto 90 de Spotify España tras su estreno el pasado martes, pero subirá gracias a su posicionamiento en playlists a partir del viernes y, sobre todo, a la masiva promoción que le espera, lo cual incluye una actuación en la próxima gala de Los40 Awards. Será su debut en directo.

‘Smile’ es una tópica pero efectiva película de terror comercial

El terror siempre apela a nuestros miedos sociales más profundos. No es casual que el slasher surgiera a finales de los 70 y viviese su época dorada en los 80. Durante esos años, el auge de los asesinos en serie era alarmante, especialmente en Estados Unidos. La llegada de estas películas respondía a una serie de ansiedades colectivas que suponían auténtico pavor en la sociedad de la época. Los slashers han ido evolucionando adecuándose a los problemas contemporáneos y reinventándose, alterando las reglas establecidas en busca de otras nuevas.

‘Smile’, en 2022, no puede decirse que pertenezca a este subgénero, pero el germen de su idea se fundamenta en subvertir sus bases. Aquí no hay un asesino en serie, sino que la amenaza es invisible para todos menos para quien la siente, de la misma forma que lo era en películas como ‘The Ring’ o ‘It Follows’.

La Doctora Rose Cotter es una psicóloga que se ve envuelta en una maldición cuando una de sus pacientes se suicida delante de ella. A partir de ese momento, comenzará a experimentar sucesos paranormales y a tener visiones espeluznantes en las que una persona –cada vez alguien distinto y, generalmente, gente que conoce- le sonríe diabólicamente. Para hacer frente a su nueva realidad, deberá indagar en el comportamiento de su difunta paciente e iniciar una investigación para poner freno a su calvario.

La salud mental es un aspecto social con el que estamos cada vez más concienciados. No es algo fortuito que la protagonista sea, entre todas las opciones posibles, psicóloga. Y tampoco lo es que el mal no se vea para quien no lo está experimentando, y que este pueda tener infinitas formas. Ni mucho menos que la devastadora consecuencia sea nada menos que un suicidio. ‘Smile’ se puede entender como una alegoría de la depresión disfrazada de película de terror comercial. Lo sea intencionadamente o no, lo más interesante que se puede decir de ella es que da pie a interpretaciones diversas si se decide ahondar más allá del mero entretenimiento. Aunque también es válido quedarse simplemente ahí.

Su estructura convencional y su abuso de recursos fáciles para generar tensión o asustar no harán que ‘Smile’ trascienda como una de las cimas del género, pero su fórmula es efectiva. En ella conviven ideas visuales y narrativas muy interesantes con otras completamente manidas, o incluso mal ejecutadas. En el primer grupo se encuentra su certera representación de los traumas y cómo llegados a cierto punto tenemos que enfrentarnos a ellos, aunque estos puedan, casi literalmente, devorarnos. En el segundo, el mejor ejemplo es la escena de la fiesta de cumpleaños, que es algo cercano al desastre. No solo por tópica, también por el extraño cambio de tono y, sobre todo, por lo mal interpretada que está, que parece que repentinamente estemos ante una película distinta.

Pese a todo, la cinta termina por encontrar su rumbo y deriva en un final digno. Casi siempre camina sobre seguro, sin tomar riesgos ni aventurarse en abrir nuevas posibilidades dentro del género, pero Parker Finn, su director, demuestra que lo conoce en profundidad. ‘Smile’ es una ópera prima irregular pero prometedora, que destaca más por las reflexiones que se sugieren que por su propio contenido. Con un guion más original y con una visión más estilizada, el talento que aquí se intuye puede derivar en grandes películas futuras.

Steve Lacy destroza la cámara de un fan tras ser golpeado por ella

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Steve Lacy ha encontrado la fama mundial recientemente a raíz de ‘Bad Habit’, su primera canción en alcanzar el número 1 del Billboard Hot 100, y está descubriendo poco a poco que en la cima no es todo color de rosa. Este lunes, durante un concierto nocturno en Nueva Orleans, el cantante de 24 años fue golpeado por una cámara desechable lanzada por un miembro del público. Tras el incidente, Lacy consiguió de vuelta la cámara arrojadiza y la estampó contra el suelo del escenario, ante la sorpresa de los presentes.

Como es típico tras sucesos como este, en las redes algunos manifestaron su apoyo al artista y otros tildaron su arrebato de exagerado. Ahora, el autor de ‘Gemini Rights’ ha compartido sus pensamientos al respecto en un post de Instagram. En resumen, considera que no tiene nada por lo que disculparse. «Un saludo a la gente que no me tira cámaras desechables y que solo vienen a pasar un buen rato y conectar», comenzaba Lacy el comunicado.

«No creo que le deba a nadie ninguna disculpa. ¿Quizá podría haber reaccionado mejor? Seguro. Siempre. Soy un estudiante de la vida, pero soy una persona real con sentimientos reales y con reacciones reales. No soy un producto ni un robot. Soy humano». En los comentarios de la publicación se pueden leer mensajes de apoyo de artistas como Zack Fox o Chloe Bailey. Sin embargo, el que más destaca entre estos es el de Kali Uchis, que ha apuntado que «cualquiera que cambie la historia o la narrativa por clicks no tiene alma», recalcando que los artistas no son «ni un producto ni robots».

Este último incidente se produce en un contexto en el que los artistas cada vez hablan más de su relación con el público, y en especial con lo que se tira al escenario. Recientemente, tanto Rosalía como Harry Styles fueron víctimas de esta clase de comportamientos entre la gente que asiste a los conciertos.

‘Lift Me Up’ de Rihanna es una balada navideña

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No es habitual que las estrellas del pop efectúen sus regresos a la música a través de proyectos cinematográficos, pero eso es exactamente lo que ha hecho Rihanna. Sí, el rumor de su asociación con ‘Wakanda Forever’ es una realidad. En el snippet de unos pocos segundos de la canción se distinguía la voz de Rihanna armonizando una celestial melodía y su estreno hoy viernes 28 de octubre revela una balada navideña que prácticamente podría ser catalogado como villancico a lo ‘Silent Night’.

‘Lift Me Up’, el single con el que Rihanna regresa oficialmente a la música, ha sido escrito por Tems, Ludwig Göransson, la propia Rihanna y Ryan Coogler, el director de ‘Black Panther’ y su secuela.

‘Wakanda Forever’, la secuela de ‘Black Panther‘, se estrena en noviembre, y se rumoreaba que Rihanna cantaría dos canciones en la banda sonora, en la que es ya su gran «comeback» a la industria musical.

Marvel había ido demasiado lejos con la publicación de un teaser que sugería muy claramente que Rihanna participaría de alguna manera en la película. El vídeo dejaba lugar a muy pocas dudas, pues mostraba el título de ‘Wakanda Forever’ y cuando este se esfumaba, quedaba únicamente en pie la letra R, a la que después se sumaba una fecha: el 28 de octubre, es decir, este mismo viernes. PopCrave, chart data y, de hecho, HITS Daily Double, la página que divulgó originalmente el rumor, confirmaron que se trataba del single de Rihanna.

El single de Rihanna era uno de los más esperados de los últimos años, incluso cuando no representará exactamente un «comeback»: ‘BELIEVE IT‘ de PARTYNEXTDOOR, en la que cantaba Rihanna, no pasó precisamente desapercibida en el año 2020, como demuestran sus casi 300 millones de streamings. Claro que, una cosa es una colaboración, y otra muy distinta es un tema propio. Y de esos ya hace más de seis años que Rihanna no entrega ninguno.

En otro orden de cosas, Rihanna ha compartido la lista de celebridades invitadas a la pasarela de su show de moda anual SAVAGE X FENTY, que se estrena el 11 de noviembre en Amazon. Estarán, entre otras, Bella Poarch y Cara Delevingne. Os recordamos que, en febrero, actúa en el intermedio de la Super Bowl: parece que sí presentará música nueva.