Filmin ha anunciado su tercera serie original tras ‘Doctor Portuondo’ y ‘Selftape’ y hay sorpresa para el mundo musical underground. ‘Autodefensa’, que se estrenará en noviembre, ha sido creada por Berta Prieto, Miguel Ángel Blanca (Manos de Topo) y Belén Barenys, más conocida por su irreverente proyecto MEMÉ, y más conocida aún por ser corista y prima de Rigoberta Bandini.
La serie está protagonizada por las dos creadoras, Berta Prieto y MEMÉ. Ambas “nos abren las puertas de su casa, su intimidad y sus vidas para mostrar sin complejos los altibajos de la juventud, la dificultad de encontrarse a uno mismo y el descontrol como escapatoria”. La serie la han rodado en casa de sus dos protagonistas y en los garitos reales que frecuentan. Desde Filmin la describen como una mezcla «entre la serie ‘Girls’ y la película ‘Kids’, sólo que dirigida por Lars von Trier».
Berta Prieto es escritora y dramaturga y el director Miguel Ángel Blanca se nos presenta en este proyecto como «un cineasta cuya filmografía incluye títulos como ‘Quiero lo eterno’ o ‘Magaluf Ghost Town'», pero por aquí le recordaremos siempre como líder de Manos de Topo.
La serie consta de 10 episodios de entre 10 y 20 minutos de duración, autoconclusivos. Además, cada capítulo está concebido, grabado y editado con un estilo particular y distinto a los demás. Según la sinopsis oficial, la serie va «de tener veintitantos, vivir en Barcelona y querer pisar todas las líneas rojas emocionales posibles para descubrir quién eres realmente. Va de las aventuras de dos locas descaradas que no quieren que nadie les diga cómo hacer las cosas, y que han creado su propio mundo para ser las reinas. En realidad, Autodefensa va de dos chicas que están muy asustadas y que se divierten en defensa propia. Dicen que lo sienten, que todo ha sido en defensa propia, solo es que tenían mucho miedo».
Cineconn da más detalles sobre la creación de ‘Autodefensa’, cuya idea salió después de la pandemia. Dicen Prieto y MEMÉ: «Empezamos a salir de fiesta a lo loco, con la ansiedad de que nos pudieran volver a encerrar. Y sí, vale, noches de fiesta, drogas y sexo casual, pero… ¿qué teníamos nosotras de bueno, aparte de ser jóvenes? ¿Y, joder, es eso suficiente? Enormes resacas de zorras, hombres patéticos a nuestro alrededor, ansiedad, contradicción vital».
Ellas publicaron un vídeo en Instagram sobre sus vacaciones. «Unas declaraciones nuestras muy fumadas montadas sobre imágenes trash de Peñíscola». Y el vídeo online llamó la atención de Miguel Ángel Blanca: «Nos tomamos unas cervezas con él y suponemos que pensó que estábamos realmente taradas y, claro, todo bien porque eso es lo que a Miguel Ángel más le gusta de la peña, que esté como una regadera».
Meses después de la inesperada -y triste- separación (indefinida) de Novedades Carminha, uno de los mejores grupos españoles de los últimos tiempos, uno de sus integrantes emprende carrera en solitario. Carlangas -vocalista principal de la banda- presenta su single de debut.
‘Se acabó la broma’ continúa por la senda latina que ya asociábamos a Novedades Carminha, pero añade un punto de suciedad y distorsión en la producción que muestra una evolución evidente. Carlangas más que cantar, rapea, y el protagonismo recae en realidad en la elaborada base musical, que incorpora un saxo, sintes medio acid y palmas, resultando una pequeña locura.
La canción, en palabras de la nota de prensa, «consigue llevar al límite de la cultura de rave una canción melódica repleta de romanticismo jugón, apta tanto para abrazarse como para empujarse. Un single que es una carta de presentación y un manifiesto del carácter transversal e impredecible que nos podremos encontrar en el álbum debut del gallego».
‘Se acabó la broma’ es el primer adelanto del disco de Carlangas, que verá la luz «en los próximos meses», y es una co-producción de BRONQUIO, con quien Carlangas ya había firmado otro single suelto, llamado ‘Contigo, contigo, contigo’.
El vídeo de ‘Se acabó la broma’ lo ha dirigido Natalia Ferviú y está protagonizado por el artista compostelano y por la actriz Míriam Giovanelli. Juntos «cuentan una historia que sirve como metáfora del inicio del proyecto: coger un coche, a tu mejor colega y arrancar a por un nuevo futuro».
La carrera de Arctic Monkeys no puede entenderse sin el éxito absolutamente monstruoso de ‘AM’. Da igual cuándo leas esto: el disco de la banda británica continuará entre los más escuchados en Spotify a nivel global, como si no hubieran pasado lustros desde su edición. Este éxito tan inesperado tantos años después de su hypeado primer single ‘I Bet You Look Good on the Dancefloor’ sitúa al grupo en una posición privilegiada, la de hacer exactamente lo que les dé la gana. Es normal arrasar con tu debut pero no con tu 5º álbum.
Podrían repetirse hasta la saciedad. Podrían embadurnarse de experimentación a lo Radiohead. O podrían hacer discos inspirados por cosas tan improbables como la música italiana y francesa, que por alguna razón es lo que hacen. Hasta el punto de que es una pena que sea Los Ángeles lo que encontremos en la portada de ‘The Car’.
Nombres como Francis Lai, Pierre Bachalet, Mina, Dalida, Jean-Claude Vannier o Ennio Morricone aparecen en la supuesta playlist de influencias de este álbum, llamada como uno de los temas, “Del Schwartz”, creada por un usuario llamado «ur mum gay». El grupo ha negado que sea suya. Nadie se lo cree, pues no puede sonar más a ‘The Car’. A los Arctic Monkeys de nuestra década les pirran las bandas sonoras y no es casualidad que entre sus créditos encontremos entre los arreglistas -junto al habitual James Ford- a Bridget Samuels, que trabajó en ‘Midsommar‘.
Tener a un grupo británico tirándose al agua de los sonidos mediterráneos de décadas tan remotas pone casi tanto como la voz de Alex Turner. Jamás habríamos imaginado a Oasis en estas. Las canciones de ‘The Car’ nos hablan de «corchos de champán», de «buscar bichos en un apartamento polvoriento», como la canción titular. Apelan a una peli con un Napoleón de Lego, como la arrebatada ‘Hello You’. Parecen escritas en la Toscana o musicar una cinta de Nouvelle Vague de Éric Rohmer que nos habla de nuestro momento romántico más estúpido, que es de lo que va el single ‘There’d Better Be a Mirrorball’.
Single que empieza con una larguísima intro instrumental y además para a los 40 y 45 segundos en seco. Un tiro en el pie de cara a las playlists de moda o incluso a sonar en las emisoras británicas, en las que Arctic Monkeys han sido tan habituales durante dos décadas ya. La banda de Alex Turner entrega aquí un disco orquestado con cuerdas, que nos hace pensar en el pop de cámara, en el soul ardiente de los años 70, con tan solo alguna concesión muy ligeramente funk, como ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’; o electrónica, como ‘Sculptures Of Anything Goes’, que en lugar desde la galería de arte referenciada en la letra, parece escrita desde el purgatorio. ¿Podría abrir un camino para Arctic Monkeys?
En este espléndido ir a su bola de los Arctic Monkeys de 2022, sería la leche que además las canciones pudieran ser reivindicadas dentro de 50 años, como ahora hacemos con las de Mina o Francis Lai. No siempre es el caso. Comentamos a la salida de ‘There’d Better Be a Mirrorball’ que la composición clásica apuntaba a ‘AM’. Las opiniones del artículo indicaban que era mucho más ‘Tranquility Base Hotel + Casino‘. Alguien ha escrito en Genius que es como este último disco, su entrega más esquiva hasta ahora, pero «más en la tierra».
‘The Car’ no es un álbum tan «en la tierra» como ese sencillo, que presenta un escalofriante cambio de acordes en uno de sus determinantes «llévame al coche»; sino que se plantea su lugar en el mundo, prevaleciendo por momentos sus ganas de poner un pie fuera de él. El segundo sencillo ‘Body Paint‘ obedece a ciertas intenciones beatlianas circa «Sgt Pepper’s», pero es una rara excepción. ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’ hace de la desubicación su virtud, podría caber en una cosa tan rara como la serie ‘Severance’. Y son varias las producciones que terminan antes de hacer mella, como ‘Mr Schwartz’, que tenía una bonita caída de piano, o ‘Jet Skis on the Moat’ -un tanto Lou Reed-, que se desperdicia en un puente inane, y luego simplemente se va.
El momento de mayor equilibrio entre los Arctic Monkeys que quieren quedarse con nosotros para siempre y aquellos a los que les da igual, se produce en ‘Big Ideas’. Alex Turner, casi un solista ya al que nadie volverá a pedir que vuelva a The Last Shadow Puppets porque para qué, juega con el devenir de Arctic Monkeys: «tuve las grandes ideas, la banda estaba emocionada / el tipo de ideas que no compartirías por teléfono / Pero ahora las orquestas nos han rodeado / y ya no recuerdo, por mi vida, cómo era». Paradójicamente es otra de las canciones más accesibles. Como la final ‘Perfect Sense’, una cuyos arreglos sí nos terminan empapando a fuerza de golpear. Más allá incluso de este otoño, ¿quizá?
El retorno de los Afghan Whigs en 2011 fue una noticia doblemente feliz para los que éramos fans desde los 90. No sólo porque nos permitió volver a gozar de su directo fiero y arrollador, sino porque, además, el grupo nos ha ido regalando unos discos impecables, que no desmerecen en nada a sus obras clásicas. ‘How Do You Burn?’ es la última entrega, un álbum esplendoroso y cinematográfico en el que brilla, como siempre, la voz de Greg Dulli, quizás el mejor cantante de su generación. Tuvimos la oportunidad de verles en el Azkena Rock Festival el pasado junio, y este fin de semana actúan de nuevo en Madrid el 22 de octubre (Teatro Barceló) y en Barcelona el 23 en La 2 de Apolo. Y, por supuesto, nada mejor que escuchar por teléfono a Greg Dulli hablar de canciones y pérdidas.
Creo que este ‘How Do You Burn?’ es, de vuestros discos tras el retorno, el que más conecta con los 90…
Hmmm… ¿me lo preguntas o me lo dices?
Lo pregunto… No sé si estás de acuerdo o no.
La verdad es que no lo veo. No analizo mis discos. Quiero decir, los creo y los saco. Así que si es algo que tú crees, guay. Pero no habría habido manera de haber podido sacar este disco en los 90. No tenía entonces la suficiente información para hacer un disco así.
Si lo comparamos con los dos álbumes anteriores, el sonido de este es más expansivo, más pop, ¿no? En vuestra web citáis varias veces a Fleetwood Mac como influencia para componer el disco…
Estoy de acuerdo. Empecé con ese sonido diría que con el disco en solitario que saqué hace un par de años [ndr: ‘Random Desire’, de 2020], llevé la voz un poco más allá. Es una producción algo más moderna. También creo que mi estilo de componer ha evolucionado. Ya no tengo que irme a un lugar oscuro para componer una canción hermosa. Todas estas canciones son muy diferentes las unas de las otras pero, por otro lado, son capaces de estar juntas de alguna manera. Encuentro que las canciones son muy eclécticas. Y, a la vez, hay un hilo que las une.
En particular ‘Catch a Colt’ y ‘A Line of Shots’ son mis favoritas, las tocamos en el concierto [del Azkena]. Son muy potentes, la gente las baila, lo que es fantástico. Eso es lo que buscaba: enganchar. Enganchar al público, hacer que se moviera. ¡Y creo que en esas dos canciones he tenido éxito!
Dave Rosser (miembro de The Twilight Singers, The Gutter Twins y de Afghan Whigs en los discos ‘Do the Beast’ y ‘In Spades’) y Mark Lanegan fallecieron antes de la salida de este disco. ¿Hasta qué punto estas muertes han afectado al álbum?
Mark aún vivía cuando acabamos el disco, así que [su muerte] no jugó ningún papel [en el disco]. Y sobre Dave Rosser, creo que su pérdida siempre nos afectará como banda. Con respecto al tono del disco, creo que el tipo de canciones que escribí sobre Dave estaban en mi disco en solitario de 2020. En cualquier caso, este disco es más sobre escapar de la situación en que todos nosotros nos encontramos durante la pandemia, el virus, el confinamiento. Así que siento que estaba creando un universo alternativo en el que vivir. Y eso es lo que este disco es para mí: un universo alternativo.
Sí, a pesar del panorama no es un disco melancólico ni triste, al contrario. ¿Hasta qué punto fue una vía de escape para ti?
Estaba usando estas canciones para distraerme del anhelo de ver a gente. Y una vez que tuve cuatro o cinco canciones, empecé a construir un disco y se convirtió en un proyecto apasionante para seguir creando. Así que realmente apartó mi mente de todo aquello, tiré adelante y creé una gran, gran película panorámica, para mí y para los chicos de la banda.
Mark Lanegan fue quien puso el título al disco, ¿cómo sucedió?
Pasó que él me hizo una pregunta y esa (“How do you burn?”) era la pregunta. Y yo le pregunté que qué quería decir. Y él dijo: “¿qué te pone y hace que te excites? ¿Qué te hace feliz? Qué te hace arder, chico. Y me gustó. Le pregunté si podía usarlo y me dijo que sí. Quiero decir, es muy poético, muy simple. Y muy elegante. Me encantó.
Una cosa que sí que conecta este disco con los 90 es la fuerte presencia de voces femeninas con las que habíais colaborado en el pasado. Una es Susan Marshall, que cantaba en ‘1965’. La otra es Marcy Mays, la voz de ‘My Curse’ (‘Gentlemen’) en ‘Domino and Jimmy’. ¿Pensaste que debían estar en el disco antes de empezar a componer?
Susan ha aparecido en más de un disco en el pasado. Cuando estaba con la parte técnica necesitaba un empujón, necesitaba otra voz para los coros. Y ahí estaba ella, la tenía la primera de la lista. La llamé y a las dos horas ya estaba ahí.
Respecto a Marcy, somos amigos desde hace mucho tiempo. Estábamos hablando por teléfono y le dije “tengo una canción para ti”. Se la canté, ella me la cantó de nuevo y cuando la escuché me hizo llorar. Después escribí mi parte. Y fue tan divertido, tan apasionante, sobre todo tras haber tenido su voz hacía tantos años… Fue una especie de hermoso broche final en aquel momento.
¿Y cuál es la historia de ‘Domino and Jimmy’?
Creo que es la pareja de ‘My Curse’ 30 años más tarde.
Y siguiendo con la conexión de los 90, me sorprendió veros de astronautas en los videos de ‘The Getaway’ y ‘A Line of Shots’. ¿Es un homenaje a la portada de ‘1965’?
Yo me puse un traje de astronauta y todo el mundo quiso uno… Y, oye, ¡no había pensado en eso para nada! ¡Ni siquiera hice la conexión [con ‘1965’]!
«No habría habido manera de haber podido sacar este disco en los 90»
Este es el primer disco que sacáis fuera de Sub Pop (exceptuando, de nuevo, ‘1965’, que fue editado por Columbia). ¿Por qué habéis cambiado? ¿Por qué habéis dejado Sub Pop?
Siempre vamos donde podemos tener el máximo éxito para grabar un disco. Ese es nuestro modo de actuar, nunca firmamos contratos largos. Llegamos a un acuerdo, entonces esperamos y vemos qué van a hacer los sellos por nosotros. Me considero un trabajador «freelance». Así que hago un disco y veo hacia dónde va. Me haces una oferta para el próximo disco. Pero no eres el único en hacerme una oferta, ¿entiendes? Así que me decanto por la mejor, busco el mejor sitio para mí y para mi grupo, donde podamos tener más éxito en hacer un disco. He tenido buenas y malas experiencias con compañías discográficas. Así que tengo que partir de la situación de base más próspera para involucrarme con un sello. Y es por eso por lo que continuo haciendo discos más de 30 años después, porque no le dejo a ninguna compañía decirme cómo va a ir todo, yo hago las cosas para mi beneficio y para el beneficio de la gente que me rodea. Así que les deseo lo mejor a todos. Pero, en este caso, este [nuevo sello] fue el mejor lugar para mí y mi grupo.
Has estado en varios proyectos. No solo en The Afghan Whigs, sino también has formado The Twilight Singers o The Gutter Twins (con Marc Lanegan). Hasta 2020 no sacaste tu primer disco en solitario. ¿Qué diferencias hay entre trabajar en solitario a hacerlo con una banda?
Amo la camadería de estar en un grupo. Amo tener a alguien que diga “Hey, probemos esto o aquello”. Cuando haces un disco en solitario estás bastante solo, y también es genial, tienes muchas formas de encararlo. Pero he estado en grupos desde que era adolescente y me encanta estar en uno. Ya sabes: ensayar las canciones, salir con la gente con la que vas a tocar, mirarles a los ojos mientras tocamos juntos… Simplemente son experiencias diferentes. Y disfruto de las diferentes experiencias. No te voy a decir: “Oh, eso fue horrible”.
Pero luego hay situaciones como con The Gutter Twins. Quizás tardamos como cinco años en grabar ese disco (ndr: ‘Saturnalia’, editado en 2008) porque estábamos haciendo cosas diferentes y podíamos ir de allí para allá. Pero trabajar con Mark fue realmente divertido. Lo hicimos simplemente por poder trabajar juntos. Estuvimos trabajando juntos diez años, yendo y viniendo, hasta probablemente 2011. Y luego cada uno empezó a con lo suyo de nuevo. Pero fue una gran experiencia.
Todas las cosas que he hecho han sido porque era el momento de hacerlas. Cuando The Afghan Whigs rompieron, tuve a The Twilight Singers. Mark Lanegan colaboró con nosotros e hicimos una gira. Y fue como: “Hey, hagamos algo”. Y ese algo se convirtió en The Gutter Twins. Luego volví a The Twilight Singers e hice una gira en solitario, con John Curley de músico, así que de ahí regresamos The Afghan Whigs. Y todo va así. Todas estas cosas suceden por un motivo. Ya sabes, la rueda sigue girando por el camino y, simplemente, la próxima cosa que vas a hacer esta en frente de ti.
Soto Asa irrumpió en la escena urbana española en 2018 con su primera mixtape, ‘Down Music’, ya firmado en La Vendicion Records, la discográfica que fundó Yung Beef en 2015 y que acoge a artistas como Kaydy Cain o La Zowi. Con su particular mezcla de tecno, club y reggaetón el ceutí ha ido ganando adeptos lanzamiento tras lanzamiento hasta el punto de que en noviembre dará comienzo a su primera gira al otro lado del charco, con conciertos en México, Argentina y Chile.
Su último single es ‘Spaceship’, un tema que Soto Asa ha estado mostrando en todos los conciertos que ha dado en verano, y con mucho éxito. Esta canción es la aproximación más agresiva de Soto Asa a la música de club, basándose mucho en la repetición y en la incitación al baile, pero sin dejar de lado los elementos típicos de su música como los versos pegadizos y las menciones a las zapatillas Nike. Respecto a esto último, todo empezó en 2018 con la canción ‘Me Gustaron Tus Nai’, uno de sus mejores y más famosos temas.
Soto Asa ya empezó a adentrarse en el sonido club de forma más heavy con ‘Las 12’, aunque esta última tenía elementos más melódicos. Justo por esto ‘Spaceship’ es uno de los singles más interesantes de Asa, por el rumbo que toma respecto al resto de su música. Un rumbo natural, claro. En el vídeo que acompaña al sencillo, Soto Asa se encuentra celebrando una fiesta en una nave espacial (obviamente) y el artista de 29 años vuelca todos sus gustos en la imagen para formar la estética por la que es reconocido. Me refiero, entre otras cosas, a los coches y al rollo «asian», tal y como menciona él en algunas entrevistas. Esto ya ocurría en los videoclips de ‘Si Tu Kiere’ y ‘Jugador 9’.
Los 40 Principales han dado a conocer el cartel de artistas que actuarán en la próxima gala de Los40 Music Awards, que se celebrará el 4 de noviembre en el WiZink Center de Madrid. Entre ellos se encuentra Rosalía, definitivamente reconciliada con la emisora y quien, de hecho, lidera las nominaciones al optar a hasta 7 galardones.
Otros artistas confirmados en la letra grande de Los40 Music Awards son Anitta, David Guetta, Manuel Carrasco, Aitana y Ava Max. Además está confirmada Chanel, por lo que es de esperar que presente en directo su nuevo single, ‘TOKE‘, que sale la semana que viene.
El cartel de artistas confirmados en Los40 Music lo completan María Becerra, Manuel Turizo, Sebastián Yatra, Tiago PZK, Leiva, Juanes, Dani Fernández, Ana Mena, Morat, Lola Indigo, Yungblud, Danny Ocean, Marc Seguí, Abraham Mateo, Leo Rizzi y Sangiovanni.
Además de Rosalía, los artistas más nominados en Los40 Music son Harry Styles, Camila Cabello, Black Eyed Peas, y Shakira, seguidos por Imagine Dragons, David Guetta, Karol G, Lola Índigo, Aitana, Manuel Carrasco, Morat, Dani Fernández, Ana Mena, Dani Martín, C. Tangana, Anitta, Sebastián Yatra y Adele.
Lana Del Rey ha sufrido el robo de su ordenador, en el que almacenaba no solo el borrador de un libro de 250 páginas que estaba escribiendo, sino también maquetas de las canciones que iban a aparecer en su próximo álbum de estudio. Lana, que también ha perdido dos años de vídeos familiares, pide a sus fans que no escuchen las filtraciones, de llegar estas a la red.
En un vídeo de Instagram, Elizabeth Grant cuenta que el robo se produjo hace unos pocos meses, cuando aparcó su coche en la avenida de Melrose Place, en Los Ángeles, y lo descuidó un instante. Fue entonces cuando alguien se acercó al automóvil, rompió las ventanas y robó la mochila en la que Lana guardaba su ordenador, su disco duro y sus cámaras digitales.
Lana, que ha sufrido robos de música y filtraciones durante toda su carrera, tanto como para acumular varios discos de música filtrada, dice que no utiliza la nube para almacenar material por miedo a que alguien se infiltre en su cuenta, pero que, por mucho que protege la seguridad de sus dispositivos, alguien siempre encuentra la manera de acceder a su teléfono móvil o de robar sus pertenencias.
En el vídeo, Lana explica que va a tener que empezar a escribir su libro de nuevo, y aclara que está «segura» de que su disco va a salir, pero comparte su preocupación ante una situación que no termina de cesar en su vida, y que considera un obstáculo para el desarrollo de su creatividad.
Este mismo año, Lana ha obtenido una orden de alejamiento contra un acosador que visitó su casa varias veces, robó uno de sus coches, le dejó cartas amenazantes e incluso contactó a su hermana.
Shakira sigue publicando adelantos de su próximo disco, que existe y está terminado (ella dice que traerá diversos géneros y colaboraciones y que será muy honesto) y hoy presenta ‘Monotonía’, su nuevo single, que cuenta con la colaboración de Ozuna.
Se trata de una bachata, como ya lo era ‘Deja vu‘, el single de Shakira con Prince Royce que se adelantó unos cuantos años a la explosión de este género, pero esta vez la letra no puede estar más marcada por la desilusión ante una relación fracasada.
Como ‘Te felicito’, ‘Monotonía’ sigue adentrando a la audiencia en la intimidad de la que un día fue una de las parejas más célebres de la cultura pop, la de Shakira y Gerard Piqué. «De repente ya no eras el mismo, me dejaste por tu narcisismo» o «estaba corriendo por alguien / que por mí ni estaba caminando» son algunas de las frases contenidas en la canción.
Por su parte, el videoclip de ‘Monotonía’ es cuanto menos curioso. Rodado en la localidad barcelonesa de Manresa, no puede ser más metafórico en su representación del dolor que produce una ruptura. La colombiana recibe el disparo de una bazuka, se le cae el corazón del pecho e intenta salvaguardarlo como puede, mientras otros lo pisan sin darse cuenta. Finalmente, Ozuna lo encierra con llave en una taquilla.
Estos días, Shakira ha conseguido convertir ‘Te felicito’ con Rauw Alejandro en un macrohit cuando el mundo ya lo daba prácticamente por muerto. Fue anunciarse su divorcio con Gerard Piqué y, la canción, cobrar un nuevo significado al que el público respondía escuchándola masivamente. El resultado: top 2 en España y más de 350 millones de streamings en Spotify. ¿Sucederá lo mismo con ‘Monotonía’?
Los días 18 y 19 de noviembre se celebrará en Benidorm una nueva edición de Primavera Weekender. JENESAISPOP tiene el honor de ser medio colaborador de este festival tipo ATP que se celebra en un resort con cabañas y alojamiento incluido. Aunque también hay entradas disponibles sueltas para quienes se quieran alojar en otra parte.
Hace unas semanas os avanzamos algunas de las joyas perdidas del festival para daros tiempo a asumir los talentos de Twin, Baloncesto o los estupendos Mainline Magic Orchestra, sobre los que volveremos próximamente. Este es un recordatorio de varios artistas de primera línea -o a punto de serlo- que podréis ver también. Os dejamos también con la playlist oficial.
Slowdive, siempre
Slowdive no sacan disco hace 5 años, pero la calidad del que fue su álbum homónimo en 2017 les ha dado entidad como para ser el mayor reclamo de lugares como el BIME, Tomavistas o ahora Primavera Weekender. Pocos regresos después de tantos años han merecido tanto la pena. El mejor disco de su carrera volverá a sonar junto a reliquias de sus álbumes más 90’s.
Arab Strap, en la cima
Otras leyendas que nos visitan, pero con novedades, son Arab Strap. Desde mediados de los años 90 lideraron el underground más arty con discos como ‘The Week Never Starts Round Here’ o en 2003 ‘Monday at the Hug & Pint’, pero es que su disco del año pasado, ‘As Days Get Dark’, también está entre sus mejores. Su gusto por los acordes inquietantes y las imágenes oscuras en torno al sexo, las drogas o la muerte continúan inspirándoles. «Un disco casi inmaculado dentro de su chunguez», resumía nuestra compañera Mireia Pería.
Amaia, más underground que nunca
Amaia ha presentado ‘Cuando no sé quién soy’ en distintos escenarios del país. De hecho, este mismo año ya ha estado en Benidorm, como parte del cartel del Low, donde por cierto ofreció una de las mejores actuaciones de todo el festival. Lo hizo en base a su voz y también a un repertorio que mejora por momentos con las adiciones de este álbum, colaboraciones como la de Alizzz o versiones como la de Bad Gyal. Pero pocas veces la verás en un entorno tan estrictamente underground y con tan pocas concesiones a los macroestadios como este. Y mira que ha tocado en el Primavera Sound. Continúa leyendo…
Triángulo de Amor Bizarro, preparando disco
Hace poco supimos que Triángulo de Amor Bizarro están terminando de componer un nuevo disco de estudio que saldrá en Mushroom Pillow en algún momento de 2023. Hasta entonces podemos seguir disfrutando de la apisonadora que resultan sus directos, con highlights procedentes de sus 5 discos hasta la fecha. De ‘El fantasma de la transición’ a ‘Vigilantes del espejo’ pasando por ‘De la monarquía a la criptocracia’ o ‘Barca quemada’. Discos por cierto disponibles como experiencia inmersiva a través de Apple.
Nilüfer Yanya, entre lo mejor de 2022 (discos)
Poco después de Primavera Weekender te hartarás de ver a varios artistas de Primavera Weekender en las listas de lo mejor de 2022. Un lugar fijo ocupa Nilüfer Yanya con su nuevo disco ‘PAINLESS’, en el que la hemos visto exprimir su versión más urgente (‘stabilise’), más próxima a Radiohead circa ‘In Rainbows’ (‘midnight sun’) o más accesible (el single ‘the dealer’).
Luna Li, entre lo mejor de 2022 (canciones)
Debido a su origen coreano-canadiense, seguro que muchos medios, redactores y colaboradores no apuestan tanto por ‘Duality’, pero en JNSP le tenemos un hueco bien guardado, como mínimo en canciones del año, a la bellísima ‘Afterglow’. La chanson, los Cardigans más dulces y Camera Obscura podrían ser una referencia para Luna Li. En su colaboración con beabadoobee está algo más cerca de Tame Impala.
Yung Lean, el viral
El sueco Yung Lean, desde el sello YEAR0001, significativamente fundado en 2015, captará toda nuestra atención tras los 400 millones de escuchas que lleva la hipnótica ‘Ginseng Strip 2002’ o el éxito de temas como ‘Kyoto’. Este año también le hemos visto colaborar en la mixtape de FKA twigs, ‘Caprisongs’.
Confidence Man, la performance
Entre lo más divertido que hemos visto este año, esta actuación de Confidence Man en Jools Holland. Atentos a la energía del dúo y a la coreografía que parece que jamás harán pero sí. Evidentemente ‘Holiday’ es su mayor viral, con su sonido a medio camino entre Happy Mondays y Dee-Lite, pero no perdáis de vista otros temas de su disco ‘TILT’ en los que recuerdan más bien a Everything But the Girl, como ‘Luvin U Is Easy’.
Charlotte Adigéry & Boris Pupul, más performance
Tampoco debería irse nadie al baño ni a pedir un refrigerio cuando Charlotte Adigéry interprete ‘Haha’, una de las canciones estrella de su disco junto a Boris Pupul. Hay lágrimas, no solo carcajadas, en un momento para no pestañear. En todo caso, ‘Topical Dancer’ va en serio y realmente ‘Ceci n’est pas un cliché’ y ‘Blenda’ continúan siendo sus mayores hits.
El nuevo Mykki Blanco
Hemos visto igualmente performances espectaculares de Mykki Blanco por ejemplo en el FIB o en videoclips de Madonna. Pero nos preguntamos qué nos deparará esta nueva actuación de 2022 teniendo en cuenta el carácter más apagado y retraído del álbum que acaba de sacar al mercado. ‘Stay Close to Music’ cuenta con colaboraciones de Jónsi, ANOHNI, Michael Stipe, Devendra Banhart… por lo que digamos que invita más al recogimiento. Aunque a poco que reproduzca en vivo algo relacionado con la colorida portada de este álbum…
Yeule, el ciborg
Desde Singapur, con co-producción de Danny L Harle y Mura Masa, Yeule se ha convertido en un consuelo para quienes echen de menos a SOPHIE o perciban a Grimes algo ausente en los últimos tiempos. Su álbum de este año ‘Glitch Princess‘ te eleva de los suelos en la estupenda ‘Bites on My Neck’, mientras en ‘Don’t Be So Hard on Your Own Beauty’ se basa de manera sorprendente en una guitarra acústica. Muchas ganas de ver cómo es Yeule en vivo o cómo interpreta esa canción de 4 horas y 44 minutos que cierra el álbum.
Grace Ives
Como Yeule, Grace Ives viene avalada por la etiqueta «best new music» de Pitchfork. Definida como «la anti-popstar definitiva» dada su inspiración bedroom pop o el despropósito de portada de su segundo álbum, la artista ha recibido comparaciones con Mitski o St Vincent. Y es que su música de pop electrónico sugerente (ahí está el track ‘Isn’t It Lovely’) tiene mucho de teatral.
Actualización: Las entradas han durado tan sólo 1 hora, como informa la Cadena Ser.
Cuando acaba de actuar en el WiZink Center de Madrid, con un éxito tal que la gente continuó cantando sus canciones a lo loco a la salida del concierto, como ha podido verse en un vídeo viral, Rigoberta Bandini vuelve.
En celebración del éxito de este RigoTour, la artista volverá el 18 de diciembre a la ciudad, y las entradas han salido a la venta hoy mismo. Será un concierto navideño. En nuestro reciente podcast junto a Rigoberta Bandini, pinchábamos su versión de ‘El Tamborilero’ tal y como sonó en La Riviera en diciembre de 2021, y parece que tal cosa puede volver a pasar. Anuncia la cantante en Twitter: «igual cae algún villancico que es mi género musical favorito 🙊».
Rigoberta Bandini ha alcanzado el número 5 de la lista de discos más populares en España, pese a que la edición en vinilo del excelente ‘La Emperatriz’ no llegará hasta el próximo mes de febrero, debido a la conocida saturación de las fábricas de vinilo. Os dejamos con los conciertos restantes del tour:
21 Octubre- Málaga, Sala París 15
22 Octubre- Córdoba, Caja Sur I Like Festival
3 y 4 Noviembre- A Coruña, Sala Pelícano
12 Noviembre- Fuerteventura, Festival Arena Negra
18 Noviembre- Valencia, Auditori
19 Noviembre- Murcia, Plaza de Toros
24 Noviembre- Barcelona, Palau Sant Jordi
2 Diciembre- Bilbao, BEC!
18 Diciembre – Madrid, WiZink Center
22 Diciembre- Pamplona, Navarra Arena
23 Diciembre- Zaragoza, Auditorio de Zaragoza
Como cada miércoles renovamos nuestra playlist de pop nacional o en castellano Sesión de Control. Hoy comenzamos con las 2 novedades más suculentas del mismo día de hoy. Kokoshca avanzan su nuevo EP mandando a “tomar por saco” a su propio sello Sonido Muchacho, en colaboración con su compañero de discográfica, en principio tan ajeno a su estilo, Erik Urano. Por otro lado, la rapera Santa Salut promocionará esta noche en La Resistencia su nuevo single ‘GET AWAY’.
Hay nuevo disco en el mercado de los clásicos del power pop Airbag, disco del que me quedo con ‘Una pena lo de Mario’, esa canción sobre ese amigo que se cree todas las fake news y bulos que circulan por internet. El mismo día 14 de octubre ha salido el disco de JEDET, que incluye una versión de ‘PORQUE TE VAS’ que lleva 8 millones de reproducciones y el nuevo single ‘La sangre fría’, en cuyo vídeo sale Rossy de Palma.
También se ha editado un conmovedor tributo a Rafael Berrio en el que aparecen Tulsa o Daga Voladora, entre otros. Y el mes que viene habrá disco de debut de una interesante artista, Sila Lua, entre Rosalía, James Blake, Bad Gyal, FKA twigs… ‘Patrón’ no es precisamente su tema más popular pero sí nuestro preferido por aquí, de los que han salido.
Otros que avanzan nuevos discos son Maria Rodés, Alien Tango -y ‘1000 Years’ es una de sus mejores canciones- y Sticky M.A., cuyo ‘Pololo’ avanza ‘Las Pegajosas Aventuras De Sticky M.A. Vol.2’.
En cuanto a habituales de nuestras páginas, Bearoid entrega una inhabitual balada de ambientación post-trap; también hay colaboración experimental de Crudo Pimento y Kiko Veneno; un featuring de valverdina junto a TURIAN BOY, single de Cristina Quesada, y nuevo tema rockero de Sexy Zebras. Por último, os recordamos que acabamos de estrenar en exclusiva el vídeo de Mirua.
Chase & Status, el grupo de electrónica británico que triunfara hace unos años con su versión macarra del dubstep y el drum ‘n bass, acumulando varios discos de Oro y Platino en Reino Unido, ha publicado este año un nuevo álbum llamado ‘What Came Before’ que ha producido el éxito ‘Mixed Emotions’ y contado con colaboraciones de gente como Popcaan o Unknown T.
Este sábado 22 de octubre, Chase & Status es el nombre confirmado en la sala 1 de Razzmatazz, donde el grupo ofrecerá un DJ set que arrancará a la 1 de la madrugada. Las entradas están a la venta en la web de Razz a un precio de 17 euros (gastos incluidos).
El dúo, formado por Saul Milton (Chase) y Will Kennard (Status), a los que se une el batería Andy Gangadeen en los directos (antes era MC Rage quien desempeñaba tal labor), se ha hecho un nombre gracias a su renovación del sonido Prodigy y también del dubstep, el jungle, el drum ‘n bass o el UK Garage. Entre sus mayores fans se encuentra Rihanna, quien ha publicado cinco canciones producidas por ellos entre sus discos de 2009 y 2012, entre ellas ‘Jump’.
Chase & Status debutaba en 2008 con su álbum ‘More than Alot’, que recibía un Disco de Oro en Reino Unido, y se superaba con ‘No More Idols‘, uno de los 20 discos más vendidos de 2011 en las islas británicas, certificado con un Disco de Platino. ‘Brand New Machine‘, publicado en 2013, debutaba en el top 2 de Reino Unido. Después, llegaban dos largos más, ‘Tribe’ (2017, 7 en UK) y ‘Retrn II Jungle’ (2019), a los que acaba de sumarse ‘What Came Before’ este mismo año.
Entre los singles de mayor éxito de Chase & Status se encuentran ‘Blind Faith’, ‘All Goes Wrong’ o ‘End Credits’. Todos ellos son dignos renovadores del sonido big beat de los 90 y sobreviven con streamings fantásticos en Spotify.
Cuando ‘How Long‘ salió a principios de año como aperitivo de la segunda temporada de ‘Euphoria’, no imaginábamos que realmente era un aperitivo del 5º disco de Tove Lo. La sueca no sacaba tema en solitario desde 2020, aunque el año pasado sí la vimos en el remix de ‘Venus Fly Trap’ y entregó dos temazos con Duran Duran (‘GIVE IT ALL UP’) y Martin Garrix (‘Pressure’, que sigue sin salir de mi playlist ‘En Bucle’ de Spotify).
Pero el verdadero lead-single vendría unos meses después, junto con el fin de su contrato con una multi y su decisión de seguir de forma independiente después de conversaciones con sellos que pedían control y dinero pero a la vez que hiciera ella su promo haciendo la payasa en TikTok, según comenta. ‘No One Dies For Love’ fue la antesala de un ‘Dirt Femme’ que se ha recibido con recelo y aplausos a partes iguales. En la redacción las pasiones también están polarizadas, pero yo siento que mentiría si no dijese lo que pienso: que éste es el mejor disco de Tove Lo hasta el momento. ‘Blue Lips‘ sigue siendo mi favorito, igual que realmente prefiero ‘American Life’ a ‘Ray of Light’ (ambos tienen algo especial que va más allá de lo técnico), pero ‘Dirt Femme’ puede ser el más cohesionado hasta ahora, aunque a priori no lo parezca.
En una emocionante entrevista con The Line of Best Fit, Tove Lo y la periodista que la entrevista coinciden en los complejos con su cuerpo, y en que el flow 2000 fue una época terrible para las mujeres con trastornos de alimentación, tema que la sueca toca por primera vez en una canción con ‘Grapefruit‘, uno de los mejores cortes de su nuevo disco, y que podría no haber visto la luz: estuvo a punto de perder la voz por los efectos de la bulimia.
Cuenta Tove que su relación con la feminidad ha sido complicada, que le ha ayudado y le ha hecho daño, y que por ello en ‘Dirt Femme’ (antes titulado ‘Feminine’) quería abordar todas las “mujeres” distintas que hay en ella, y que juntas forman, ahora sí, una mujer real. Es interesante cómo esto se traspasa a la contradicción que hay en el álbum, por supuesto en la temática (‘True Romance’ y ‘Pineapple Slice’ coexistiendo), pero también en el sonido: cuando bajan los beats hay espacio para el folk, el ambient, el funk oscuro y hasta un pop-rock cruce de Oasis y Miley, pero los temas más uptempo sí mantienen por lo general una capa sónica común. Esto es uno de los factores que hacen de ‘Dirt Femme’ su disco más cohesionado, junto a otro bastante importante: “lo que lo cohesiona soy yo y mis palabras, la temática soy yo, yo soy la esencia del álbum, y es suficiente”, decía en TheFader.
Ciertamente Tove ha conseguido transmitir una actitud inconfundible en sus canciones; se vislumbraba incluso en el más impersonal ‘Queen of the Clouds’, pero disco a disco es cada vez más evidente: a pocas nos imaginamos diciendo -en ‘Suburbia’- algo como “so if we had a baby, you’d love that more than me?” después de meter en el estribillo una referencia a ‘The Stepford Wives’ (hola, ‘No te preocupes querida’).
Además, en este álbum se puede ver en dos canciones tan distintas como las mencionadas antes, ‘True Romance’ (con la voz a punto de quebrarse mientras grita “I killed a man with tears in my eyes” y segundos después entona dulcemente “I don’t like the real world, let’s go back to our world”) y ‘Pineapple Slice’ (una de sus letras más guarras y una de sus producciones más elegantes, con ecos de ‘Ring My Bell’ en la mano de SG Lewis). “Ate a pineapple slice just for you” puede ser el nuevo “my pussy tastes like Pepsi cola”: en un “cómo se supera la cabrona”, Tove canta aquí cosas como “got you hard, now what you want? / just a fuck? Or lose yourself in me? / you deserve to fill me up endlessly”.
Aunque se eche en falta un bop absoluto tipo ‘disco tits‘ o ‘Are U gonna tell her’, ‘Dirt Femme’ puede presumir de tener la producción más cuidada en general: ‘2 Die 4‘ puede ser la más tosca al respecto (aunque aquí a favor), pero las de ‘No One Dies For Love’, ‘Grapefruit’, ‘Suburbia’ y especialmente el trío ‘Call On Me’, ‘Attention Whore’ (gran acierto el sumar a Channel Tres) y ‘Pineapple Slice’ son una delicia.
La secuencia es para mí otro acierto: además de este trío seguido que en Twitter ya está dando memes como aquella transición de ‘911’, es buena idea atarlo con los dos lead-singles, a su manera, que fueron ‘No One Dies For Love’ y ‘How Long’, y muy inteligente contener los dos temas más duros del disco (‘True Romance’ y ‘Grapefruit’) con el petardeo de ‘2 Die 4’ y el respiro folk de ‘Cute & Cruel’, la colaboración con First Aid Kit, autoras de la excelente ‘Rebel Heart’. Incluso ‘I’m to Blame’ y ‘Kick In The Head’ funcionan con el aroma a final de tracklist que van dejando.
Tove Lo empezó “tarde” con el éxito de ‘Habits’ para lo que se espera de una chica en el pop (tenía 26 años), y ahora podría sentirse a contrarreloj, siendo ‘Dirt Femme’ su última oportunidad para dar un golpe en la mesa y triunfar, lo que parecía que iba a ser ‘Cool Girl’. Pero la verdad es que el mundo que le decía “calm down grandma” a Madonna con 34 años no ha cambiado tanto como queremos creer (ojalá me equivoque, pero por cómo van las cosas últimamente me da que no), y Tove es ya “demasiado vieja” para ese salto mainstream.
Ella dice ser consciente de esto, y que precisamente es otro de los factores que ha permitido que publique este disco incluso de forma independiente: no quiere que nadie la maree prometiéndole el oro y el moro, sino hacer lo que considera más orgánico y, sobre todo, lo que le hace encontrarse mejor. Al fin y al cabo, la advertencia del médico de que podía perder la voz si seguía provocándose el vómito fue el “kick in the head” que necesitó en su momento: estaba hasta el coño de seguir saboteando lo único que le hacía feliz. Con el tiempo, la música y las canciones han sido el canal por el que ha descubierto lo que nos quiere decir en ‘Dirt Femme’: que hay muchas formas de (intentar) ser feliz.
‘DESPECHÁ’ ha dado a Rosalía su primer gran hit internacional interpretado completamente en solitario. Ahora mismo, el single extra de ‘MOTOMAMI‘ ocupa el puesto 14 de Spotify Global, por lo que aún le queda cuerda para rato, incluso pasado el verano, y supera los 300 millones de reproducciones en la plataforma sueca.
Ante tremendo éxito de ‘DESPECHÁ’ a alguien se le ha ocurrido darle un toque nuevo. No existen remixes oficiales de ‘DESPECHÁ’, pero el youtuber Jay Diggs sí la ha remezclado por su cuenta, y la ha transformado en un improbable hit ochentero. Y, en busca de un sonido similar al de Miami Sound Machine, la banda que lideraba Gloria Estefan en la época, presenta el «80s Miami Remix» del éxito de Vila Tobella, como salido de 1985, e irreconocible detrás de esta sofisticada base electropop.
La tontería acumula cerca de 150.000 visualizaciones en Youtube y está siendo compartida en Twitter, pero no funciona tan bien como el remix de Jay Diggs de ‘Super Freaky Girl‘ de Nicki Minaj -que samplea un éxito de los 80- o como aquellos remixes que producía Initial Talk, quien llegaba a colaborar oficialmente con Kylie Minogue después de remezclar una de sus canciones, o de convertir ‘Greedy’ de Ariana Grande en esta joyita.
Cigarettes After Sex es una de las bandas de dream-pop más populares del momento y no es ninguna hipérbole: sus streamings se cuentan por los cientos de millones, especialmente los de su tema ‘Apocalypse’, que supera los 500 millones de reproducciones como si de un hit de Post Malone o de Dua Lipa se tratase. Solo Beach House, en un estilo similar, se aproximan a esas cifras con ‘Space Song’, que se viralizaba en TikTok hace unos cuantos meses para sorpresa de todos.
Precisamente, TikTok parece responsable de que ‘Apocalypse’, que, como decimos, ya era uno de los mayores éxitos de Cigarettes After Sex por encima de otros cortes como ‘Sunsetz’ o ‘K.’, haya resurgido en las plataformas de streaming. De hecho, ‘Apocalypse’ es ahora mismo una de las 100 canciones más escuchadas en todo el mundo en Spotify, en concreto, la número 83. La cosa tiene mérito si tenemos en cuenta que la canción salió originalmente en 2017, hace cinco años.
Como revelan los datos de Kworb, portal que reúne cifras estadísticas de radio, streaming, Youtube, etc., el viral de ‘Apocalypse’ se iniciaba el pasado mes de julio, cuando la canción entraba por primera vez en el top global de Spotify, en el número 184. A lo largo de los últimos meses, las escuchas de la canción no han dejado de subir y, por tanto, ‘Apocalypse’ no ha hecho más que escalar posiciones en Spotify hasta llegar al 83, desde donde, ahora mismo, aparece emparedado entre hits respectivos de Imagine Dragons y Bad Bunny.
Son muchos y muy variados los vídeos subidos a TikTok que usan ‘Apocalypse’ como «sonido» o música de fondo, especialmente durante estos primeros días de otoño. Algunos utilizan una versión acelerada -cosa que está de moda- pero la mayoría parecen respetar la versión original, tan romántica como esa letra que compara los «labios» con un «apocalipsis» o que nos promete que esa persona amada estará con nosotros para siempre.
El pasado mes de enero, Soleá Morente y La Casa Azul firmaron uno de los lanzamientos musicales más sorprendentes de la temporada, una versión de ‘No pensar en ti‘ de Raffaella Carrà que se convertía en una de las pistas más escuchadas de la cantante madrileña, tras su estreno en el programa Cachitos de Nochevieja, donde se homenajeaba a la italiana.
La colaboración de Soleá y Guille Milkyway no se quedará en ‘No pensar en ti’, pues Guille ha producido el nuevo disco de la primera. En palabras de Elefant, el nuevo trabajo de Morente representará una «salida perfecta» del sonido de ‘Aurora y Enrique‘ y «volverá a marcar un nuevo giro de volante, un nuevo ejercicio de inspiración sobresaliente».
El primer avance de este tándem ya se puede escuchar. ‘Vamos a olvidar’ es directamente un dueto entre Soleá y Guille, construido sobre una base de cumbia, pero que no deja de lado el espíritu rumbero que tanto asociamos a ella, ni tampoco los vocoders que asociamos a él. En los coros, Las Negris (que colaboraban en ‘El mal querer‘) aportan una considerable dosis de alegría a la que seguramente es una de las letras más melancólicas jamás interpretadas por Soleá.
‘Vamos a olvidar’ es una de esas canciones que, bajo una apariencia de alegría, esconden un mensaje más bien triste. En ella, Soleá y Guille cantan sobre sus respectivas relaciones fracasadas. Ella «perdía la alegría» con él, él «se alejaba de ella desganado» y su «amor desenfrenado» se convertía en «triste vodevil». Fantasmas, mentiras, confusión… atormentan estas dos relaciones que sus protagonistas buscan olvidar bebiendo. Ellos brindan «por los fracasos, por los golpes y rechazos» y transforman la pena en alegría, exactamente como hace esta canción.
«Soleá y Guille se encuentran» y «se miran a los ojos», cuenta la nota de prensa. «Los dos acaban de ser víctimas de sendos desengaños amorosos, y encuentran el uno en el otro el eco que necesitan sus penas cantadas a pecho abierto». Mientras, Las Negris «levantan la fiesta a palma seca a esta gran producción y composición de Guille, y las penas saltan por los aires».
Little Simz ha ganado el Mercury Prize por su cuarto disco, ‘Sometimes I Might Be an Introvert‘. La rapera de Londres, que partía entre las favoritas, se ha impuesto ante el «hype» guitarrero de la temporada, el de Wet Leg, también al superventas Harry Styles y al segundo largo de Nova Twins, nada menos que el segundo disco mejor valorado del año según la media de Metacritic.
Competían también por el Mercury ‘Prioritise Pleasure’ de Self Esteem, ‘Reason to Smile’ de Kojey Radical, ‘Seventeen Going Under’ de Sam Fender, ‘Tresor’ de Gwenno, ‘The Overload’ de Yard Act, ‘Skin’ de Joy Crookes, ‘For All Our Days That Tear The Heart’ de Jessie Buckley & Bernard Butler y ‘Forest Floor’ de Fergus McCreadie.
El álbum de Little Simz fue uno de los mejores de 2021, en concreto el 5º mejor disco de aquel año para JENESAISPOP, y sus virtudes eran evidentes desde el principio. El flow de Simbiatu Abisola Abiola Ajikawo y sus letras sobre racismo o familia, la cuidada línea narrativa del disco, y los elegantes producción y arreglos creados junto a su productor Inflo -co-responsable de otro reciente disco ganador del Mercury, el de Michael Kiwanuka– daban lugar a un trabajo de gran calado emocional que, adivinábamos entonces, tenía bastantes papeletas de hacerse con el premio musical más prestigioso de Reino Unido, como así ha sido.
En su discurso, Little Simz ha agradecido el apoyo a su familia y a sus fans y ha compartido palabras especialmente aduladoras para Inflo, quien, cuenta, le animó a seguir trabajando en el disco cuando ella se encontraba en un momento malo y, abrumada, creía que no iba a poder completarlo.
El premio, de 25.000 libras, va pues para Little Simz en esta edición que pasará a la historia por haber sido pospuesta por primera vez, tras la muerte de Isabel II. La Reina moría el día 8 de septiembre, fecha en que se iba a entregar el premio originalmente.
Desde el lanzamiento de ‘Amir’ en 2018, Tamino se ha convertido en una de las voces más particulares de la escena internacional gracias a la delicadeza que le caracteriza y que recuerda a artistas como Nick Drake, Jeff Buckley o Thom Yorke.
El joven artista belga acaba de lanzar su segundo álbum de estudio, titulado ‘Sahar’. Por si no estaba claro, con canciones como ‘You Don’t Own Me’ o ‘Fascination’, Tamino demuestra que es un nombre a tener en cuenta para el futuro. Hablamos con él sobre su proceso de creación, la inspiración y los pequeños actos de fe.
Lanzaste tu segundo disco, ‘Sahar’, hace unas semanas y en él muestras una versión muy madura de ti mismo. ¿Qué ha cambiado en tu vida desde ‘Amir’ a este?
Bueno, ‘Amir’ fue el principio de mi carrera, así que mi vida cambió bastante por aquel entonces. Las canciones que escribí para ‘Amir’ precedían a mi carrera, por lo que fueron escritas cuando era un adolescente viviendo en Ámsterdam. Así que todo cambió, me fui de gira durante tres años. Cuando llegué a casa durante la pandemia, de repente tuve tiempo para reflexionar sobre todo lo que había pasado.
Así que supongo que habría sido mas apropiado preguntarte qué NO ha cambiado en tu vida.
Sí (risas), la verdad es que sí.
¿Cómo te enfrentas al proceso de crear un nuevo álbum?
Igual que la última vez, básicamente. El proceso es prácticamente el mismo. Me siento con un instrumento hasta que algo me mueve. Desde ahí, escribo la canción. Escribí algunos temas y no tenía ningún plan cuando empecé. Cuando ya tuve suficientes canciones pensé que debía elegir algunas que, de alguna manera, contaran una historia al juntarlas. Y esas son las diez que están en el disco.
¿Cuál es la historia que cuentan estas canciones?
No sé, creo que no es cosa mía decirlo. Yo solo puedo dar una interpretación. ‘Sahar’ significa “justo antes del amanecer” y creí que era muy adecuado, porque me sugiere una imagen entremedias, como un reino entremedias, y creo que las canciones se asientan en ese reino. Creo que todas comparten esa atmósfera, aunque sean muy diferentes entre sí.
¿El amor es una motivación para ti? ¿O una inspiración?
Espero que lo sea para todos.
¿Te cuesta encontrar motivación o temas sobre los que escribir?
No, nunca.
¿Simplemente lo tienes dentro de ti?
No, no. Creo que no va de tenerlo dentro de ti, sino de dejar que fluya a través de ti. De estar lo suficientemente abierto como para recibir algo, estar alerta de tu entorno y de las cosas que te ocurren. De prestar atención y estar alerta para recibirlo.
Con el éxito de Måneskin desde Italia, Rosalía desde España, o Stromae antes desde Bélgica, ¿es el momento de que otros artistas que no sean de UK y USA se den a conocer?
Creo que hay muchos artistas conocidos que no son del Reino Unido o de los Estados Unidos. Björk en los 90… Y en Estados Unidos, o sea, la mayoría ya son inmigrantes de por sí, o de segunda generación, y yo canto en inglés.
Sí que cantas en inglés y te comparan mucho con Nick Drake o Thom Yorke, ¿estás cansado de este tipo de comparaciones?
No, entiendo que cuando das a conocer a un nuevo artista se hacen comparaciones. Entiendo por qué la gente lo hace, pero no está en mi cabeza.
¿Qué artistas no anglosajones recomendarías?
Hamza Ei Din, es un músico del sur de Egipto que tocaba el laúd árabe y era cantante. Ya murió, pero me encanta su obra.
¿Qué armas tiene un artista como tú para dar el salto a otros mercados?
Eso es algo en lo que nunca pienso. Simplemente escribo canciones y las canto. No veo mis canciones como armas, prefiero verlas como expresiones. Lo mejor de hacer conciertos es juntar a la gente y compartir la misma energía. Ese es mi trabajo y es en lo que pienso.
¿Qué es lo que más disfrutas de tu trabajo?
Creo que justamente eso, probablemente congregar a la gente. Aunque si soy realmente honesto, seguramente sea la parte de escribir las canciones y grabarlas en el estudio. Crear algo nuevo te da un cierto nivel de éxtasis que es difícil de superar.
¿Qué es lo que buscas en una persona a la hora de juntarte con ellos y hacer música?
No quiero sentir que están tocando simplemente lo que saben, quiero que toquen lo que sienten en ese momento. Creo que eso es lo que siempre busco.
¿Te refieres a la honestidad al tocar?
Sin duda, la honestidad es una parte de ello, pero a lo que me refiero es que no quiero que utilicen el software que tienen en su cabeza instalado desde siempre, quiero que se actualicen todo el tiempo. Quiero que estén abiertos a nuevos territorios creativos y a salir de su zona de confort. Por supuesto, cada músico tiene sus propios trucos o costumbres y por eso también les pregunto por su sonido o su estilo de tocar, pero siempre espero una cierta flexibilidad.
En el nuevo disco hay temas relacionados con el bullying y la violencia, como ‘A Drop of Blood’, que además usa un lenguaje bélico, ¿cuál fue la inspiración para esta canción?
Es una canción sobre la fe, un salto de fe. No trata sobre la fe en un dios antropomórfico, porque no creo en eso, pero no tienes por qué creer en un dios así para creer en algo sagrado. Puedes creer en lo sagrado fuera de los marcos de la religión tradicional.
También trata sobre la voluntad de ver el bien en el mundo, pero teniendo problemas en el proceso. Creo que la gente lleva a cabo pequeños actos de fe todo el rato sin darse cuenta. Uno de los más importantes, que obviamente no es que sea pequeño, es traer un bebé al mundo. Es un acto de fe, porque no lo harías por propia voluntad si pensaras que el mundo es solo cruel y malvado. Lo haces porque crees en algún tipo de bondad en el mundo.
«Uno de los más importantes actos de fe es traer un bebé al mundo. Lo haces porque crees en algún tipo de bondad»
¿Crees que abrirte con estas canciones es también un acto de fe?
Sí, lo creo. Absolutamente, y tocar en los conciertos me tranquiliza, porque en esos momentos siento de verdad que esto no es solamente una expresión egoísta de mí, sino que también comparto algo. Todos estamos compartiendo algo cuando estamos juntos en una sala de conciertos. La audiencia, yo, la banda cuando estamos tocando con una banda… Se siente como una celebración de la vida.
¿Cómo sientes que la gente está conectando contigo durante un concierto?
Supongo que es simplemente una energía en la sala. En muchos de mis shows noto que el público esta muy callado, atento, enfocado, rodeándose de la música y de la experiencia. Es solo un sentimiento, el de sentirse conectado con un montón de extraños y compartiendo el mismo momento a la vez. Es complicado detallar qué es lo que pasa exactamente, pero estoy seguro de que cada persona que haya ido a un concierto, o haya dado el concierto, lo ha sentido alguna vez.
Tú buscas que la gente esté más bien callada, escuchando lo que tienes que decir y sintiendo la música, y la mayoría de artistas supongo que lo que buscan es lo contrario. Euforia, gente gritando…
(risas) Es algo diferente, sí. No diría que busco que estén callados para que escuchen lo que yo tengo que decir, sino que prefiero que estén callados por ellos, para tener una mejor experiencia. También para respetar al resto de la gente y que todo el mundo tenga la mejor experiencia.
«No me importa si algo es mainstream, o alternativo o considerado “cool”»
En tu álbum colabora Angèle. Nos encanta y reseñamos sus discos, pero en España sobre todo es famosa por colaborar con Dua Lipa. ¿Te ves en una colaboración mucho más pop? Porque no has invitado a Angèle precisamente al tema más pop.
No tengo una respuesta para eso. La principal razón por la que quería colaborar con Angèle es porque conecté muy bien con ella, y eso es muy importante para mí. No me importa si algo es mainstream, o alternativo o considerado “cool”. Quiero sentirme conectado con la persona, cómodo y con la sensación de que podemos crear algo chulo.
¿Así que para colaborar con otro artista tú tendrías que conocerles primero?
Sí, siempre prefiero pasar algo de tiempo con alguien antes de ponernos a tocar. Cuando conocí a Angèle, me invitó al estudio y trabajamos en algunas cosas, pero antes hablamos durante una hora o dos y para mí eso es muy importante.
Hablando de lo popular, ‘Fascination’ podría ser un tema ligeramente más pop, ¿qué nos puedes contar sobre esta canción?
Para mí es como cualquier otra canción que he compuesto, una simple canción de guitarra. Esa sí que la considero una canción de amor. Me gusta (risas).
¿Te gusta toda tu música igual? ¿O hay algunas canciones de las que estás más orgulloso que otras?
Sí, sí que hay. Hay algunas canciones de las que estoy más orgulloso. Eso es totalmente cierto, pero no son necesariamente las canciones que más disfruto tocando. Una canción como ‘Fascination’ es muy divertida de tocar, pero hay otras de las que estoy más orgulloso.
¿Qué producción de este disco crees que puede ser indicativa del futuro de tu proyecto?
No tengo respuesta. Nunca pienso en lo que viene después, simplemente escribo canciones y veo adónde me llevan. Nunca empiezo con un concepto, son solo canciones. Una vez que están ahí, ya podemos empezar a pensar cómo grabarlo, qué elementos son los más apropiados, e incluso en ese momento es un proceso de prueba y error.
¿Cuáles son tus hobbies aparte de la música?
Leo mucho. Es básicamente lo que me hace superar las giras, porque si no tuviera un libro conmigo no sabría cómo lidiar con tanto viaje. Me encanta ver películas también, e hice un poco de kickboxing en la pandemia. Seguramente era horrible, pero estuvo genial.
Hace cuatro años nos dijiste que sobre todo tomas inspiración de los libros, más que de la música. ¿Eso sigue así?
Lo expresaría un poco diferente. Leer me da una experiencia más completa del mundo interior de alguien, lo cual es divertido porque elegí la música como mi forma de expresión. Lo bueno de la música es que no puedes ignorarla. Si la escuchas, te atraviesa y te hace algo. Puede cambiar tu humor, animarte, ponerte sensible… Con un libro hay más matices, es casi como vivir otra vida al leerlo. Por esta profundidad, es como que permanece más dentro de mí. Siento que tiene un mayor efecto en cómo escribo las canciones. Pero claro, nunca puedes saber exactamente qué te ha inspirado para escribir algo. Toda coincidencia a lo largo del día podría influenciarte para escribir, incluso tu desayuno, o una persona que viste en el metro, cualquier cosa.
¿Cuál es el próximo paso para ti? ¿Gira o descanso?
Acabo de terminar mi gira americana. Anoche fue el último show, en Nueva York. Hoy volamos a casa para descansar durante una semana, seguramente con muchísimo jet lag. Después nos prepararemos para la gira europea en otoño. Después del invierno hay un gran tour esperando, para 2023. Y sí, estamos preparando un show en España.
Este miércoles comienza una amplia gira por España de The Gulps, un curioso proyecto con miembros de varios países -entre ellos, el nuestro-, que ha llamado la atención de grandes glorias de UK como el productor Youth, Steve Lamacq o Alan McGee de Creation Records. Este último, descubridor de Oasis y Primal Scream, es su mánager, lo que ha dejado titulares tan irresistibles en la prensa local como «El descubridor de Oasis ficha a The Gulps, con dos integrantes riojanos». En concreto de Calahorra.
La historia es la siguiente: en una pequeña ciudad de La Rioja, el cantante Javier Sola y el guitarrista fan del punk vasco Juan Carlos Ruiz crecieron escuchando rock anglosajón hasta decidir mudarse a Londres. En el Instituto de Música Contemporánea de Londres conocieron al bajista Simon Mouchard, al baterista Raoul Khayat de Líbano, y al guitarrista Francesco Buffone de Calabria, Italia. Empezaron a perseguir a sus ídolos en pubs y conciertos icónicos de Londres, y consiguieron ser pinchados en programas alternativos de la BBC, aceptados en playlists de Spotify, telonear a Ash y Carl Barat y eventualmente ser fichados.
De momento tienen 3 temas subidos a Spotify: ‘The Kings House’ su lejano debut de 2019; ‘Stuck in the City’, la gran apuesta de Alan McGee; y ‘King of the Disco’ su más reciente y más entretenida canción. El rock indie clasicote de ‘Stuck In the City’ se torna en ‘King of the Disco’ en una producción más divertida y cercana a Klaxons o Electric 6, bailable realmente como un tema de los mismísimos Duck Sauce.
A falta de averiguar si este será realmente un single representativo de su carrera o más bien su momento más comercialote, os dejamos con las fechas de su gira, que recorre España de cabo a rabo o casi.
Miércoles 19/10 A CORUÑA – Noites do Porto
Jueves 20/10 VALLADOLID – Sala Desierto Rojo
Viernes 21/10 GRANADA – Sala Planta Baja Aniversario Bora-Bora
Sábado 22/10 SEVILLA – Sala X
Domingo 23/10 MADRID – Sala Fun House
Miércoles 26/10 BILBAO – Festival BIME
Viernes 28/10 LOGROÑO – Sala La Fundición
Sábado 29/10 PAMPLONA – Sala Txintxarri
Lewis Capaldi, que recientemente celebraba casi en cueros su nuevo número 1 en Reino Unido, ‘Forget Me’ (cuyo vídeo es un homenaje plano a plano a ‘Club Tropicana’), anuncia una nueva gira que le llevará por toda Europa a partir de enero. Curiosamente, el álbum no saldrá hasta el 19 de mayo, cuando hará 2 meses que el tour ha terminado. ¿Cosas de la ardua fabricación de vinilos en la actualidad?
Tour y disco se llaman igual, ‘Broken By Desire To Be Heavenly Sent’. La gira pasará por el Palau Sant Jordi de Barcelona el 10 de marzo y por el WiZink Center de Madrid el 11 de marzo de 2023.
Las entradas para estos conciertos salen a la venta el próximo viernes 28 de octubre a las 10h en livenation.es y ticketmaster.es. Además, los usuarios registrados en livenation.es o que lo hagan en las próximas horas podrán acceder a la preventa el miércoles 26 de octubre a las 11h.
Según la nota de prensa de la promotora, para este segundo álbum, «la idea es simple pero potente: entrar y hacer exactamente lo mismo. Sin campanas, silbatos o vocalistas estelares y sin estancias ruinosamente caras en estudios lejanos. Al igual que en el primer álbum, la honestidad es total». Declara: «No quiero crear un nuevo sonido para mí, ni reinventarme. Las canciones que quiero escribir son canciones emocionales, sobre el amor o la pérdida».
Estas son las fechas que le aguardan:
14 enero – Leeds, First Direct Arena
16 enero – Sheffield, Utilita Arena
18 enero – Manchester, AO Arena
19 enero – Liverpool, M&S Bank Arena
21 enero – Newcastle, Utilita Arena
23 enero – Aberdeen, P&J Live
24 enero – Glasgow, OVO Hydro
26 enero – Birmingham, Utilita Arena
27 enero – Nottingham, Motorpoint Arena
29 enero – Belfast, SSE Arena
30 enero – Dublin, 3Arena
1 febrero – Cardiff, International Arena
2 febrero – Exeter, Westpoint Arena
13 febrero – Warsaw, Torwar – Poland
14 febrero – Vienna, Stadthalle – Austria
16 febrero – Berlin, Mercedes-Benz Arena – Germany
17 febrero – Prague, O2 Arena – Czech Republic
19 febrero – Hamburg, Barclays Arena – Germany
21 febrero – Frankfurt, Festhalle – Germany
23 febrero – Antwerp, Sportpaleis – Belgium
25 febrero – Amsterdam, Ziggo Dome – Netherlands
26 febrero – Paris, Accor Arena – France
28 febrero – Cologne, Lanxess Arena – Germany
2 marzo – Copenhagen, Royal Arena – Denmark
3 marzo – Oslo, Spektrum – Norway
5 marzo – Stockholm, Avicii Arena – Sweden
7 marzo – Zurich, Hallenstadion – Switzerland
8 marzo – Milan, Mediolanum Forum – Italy
10 marzo – Barcelona, Palau Sant Jordi – Spain
11 marzo – Madrid, WiZink Center – Spain
14 marzo – Stuttgart, Schleyerhalle – Germany
15 marzo – Munich, Olympiahalle – Germany
M.I.A. ha frustrado a sus seguidores en los últimos tiempos con sus declaraciones sobre la vacuna del coronavirus (ahora las ha comparado con el bulo de Alex Jones), pero, más frustrante que cualquiera de estas declaraciones, ha sido atender al declive de su música. Aquella persona que revolucionó el pop con ‘Arular’ (2005) y ‘Kala‘ (2007) es hoy solo una sombra de lo que fue, y si en ‘AIM‘ ya sonaba desgastada, en ‘MATA’ las cosas no son muchísimo mejores.
En favor de Maya Arulpragasam siempre se podrán decir muchas cosas, como que ‘/\/\ /\ Y /\‘ (2010) fue un disco adelantado a su tiempo (en varios sentidos) que, aún con sus imperfecciones, con su halo de producto inacabado, ha resultado enormemente importante en su carrera. Además, M.I.A. sigue siendo una de las pocas artistas (si no la única) que utiliza su altavoz para llamar la atención hacia el racismo y la injusticia que sufren las personas musulmanas. M.I.A. era un personaje complicado antes incluso de convertirse al cristianismo, pero nadie ha podido dudar nunca de su importancia en el mundo del pop.
Lo que ha fallado últimamente es la música. No hay más que escuchar ‘K.T.P. (Keep the Peace)’, un reducto de ‘Paper Planes’ que no debería tener cabida en ningún disco de M.I.A. a estas alturas. Más decepcionante ha sido la elección de singles, a cada cual más desconcertante.
‘The One’ era el primero de ellos, y el que menos sentido tiene dentro del disco. Es una aproximación de M.I.A. al cloud rap carente de gancho y de continuidad en un álbum sorprendentemente lleno de sonidos tradicionales. El siguiente, ‘Popular‘, parecía gracioso a su lado, pero en realidad su sonido de mumbatón con bocina no puede estar más trillado. En ‘Beep’, M.I.A. nos alerta de su capacidad visionaria, pero la canción no lo es en absoluto.
En su interés por acercar la tradición a sonidos contemporáneos, como ha hecho M.I.A. siempre, ‘MATA’ presenta cosas más interesantes, pero nada que se materialice en canciones realmente sólidas. El disco arranca bien con las dos partes de ‘F.I.A.S.O.M.’ (acrónimo de «freedom is a state of mind» que también es homófono de «fearsome» o «aterrador»), pero el banger que promete ser no termina de llegar. ‘100% Sustainable’, la composición más tradicionalista de todas, es una interesante reivindicación de la cultura indonesia, en concreto de un tipo de baile llamado «Ratoh Jaroe» propio de Aceh, pero el resultado final se queda en interludio que llega demasiado pronto (es la pista 3). Y ‘Puththi’ es destacable ya solo porque, en ella, M.I.A. rapea exclusivamente en tamil. No por mucho más.
Varias pistas de ‘MATA’ dibujan una clara imagen de lo que el disco podría haber sido. ‘Energy Freq’ samplea con gracia un hit indio de los 80 y, con sus ritmos de banghra y producción lo-fi, habría sido un corte destacado en una hipotética primera mixtape de M.I.A. lanzada previamente a su aclamado debut. ‘Zoo Girl’ prueba el mumbatón con mejores resultados que ‘Popular’, y ‘Time Traveller’ mezcla robustas percusiones hindúes con noise como solo sabe hacer Maya. Ninguna de estas canciones se halla a la altura de lo escuchado en sus tres primeros discos, pero sí avisan que, a M.I.A., la llama no se la ha apagado del todo.
Tampoco ‘MATA’ es una revelación a nivel lírico, si bien Maya ha sido siempre mejor conceptualista que rapera, al atreverse a tratar temas en sus canciones que la mayoría no. En ‘MATA LIFE’ habla de crímenes de guerra, de Julian Assange y del hambre en Yemen, y curiosamente da con una de las canciones más amenas del disco, por raro que suene. El comentario sobre la fama de ‘Popular’ no es el más imaginativo, pero su videoclip sí lo es, y el disco es mejor cuando M.I.A. reivindica su influencia (‘The One’, ‘Time Traveller’) que cuando insiste en contarnos que conoce una verdad que nosotros no (‘F.I.A.S.O.M.E.’). Es difícil tomársela en serio cuando parece cada vez más cómoda en promover teorías de la conspiración, así que, al menos, es un alivio comprobar que puede seguir siendo divertido escucharla, aunque no tanto como antes.
La gran sorpresa de ‘MATA’ llega al final con ‘Marigold’, ese himno hippie con el cual M.I.A. ha estado cerrando sus últimos conciertos. Su mensaje «el mundo está en problemas, vamos a necesitar un milagro» no es revolucionario, pero extrañamente sí parece buscar la aceptación de un pueblo que le ha dado la espalda. Es una buena canción pero, dentro del disco, tampoco tiene mucho sentido. La falta de unidad es evidente en ‘MATA’, pero más lo es su falta de inspiración.
Ni un solo movimiento significativo en todo el top 10 español de singles, que continúa coronado por “Quédate” de Bizarrap con Quevedo. Certificado como 7 veces platino, contiene en el número 2 ‘La bachata’ de Manuel Turizo. Ojo porque pronto podría haber sorpresa: ‘La bachata’ ya es número 1 en Spotify España.
La entrada más fuerte de la semana en Promusicae (lista oficial) es para ‘Una y mil veces’, la divertida rumbita de Omar Montes con C. Tangana. Pero es significativo que haya quedado fuera del top 10, pues ambos están acostumbrados a conocer posiciones mejores. Queda en el número 11.
La segunda entrada más importante es para Bad Gyal con ‘Sin carné’, pero en el top 40 por los pelos, exactamente en el número 39. Ella misma ha conocido entradas directas al top 5, por lo que de momento no es su mayor hit. Pero ojo, su tendencia es ascendente en Spotify.
Lo que sí va a ser un macrohit es ‘Punto 40’ de Rauw Alejandro y Baby Rasta. Protagoniza la subida más fuerte de la semana, pasando del número 42 al número 15 y en Spotify ya está dentro del top 10, por lo que continuará subiendo.
La lista de entradas de la semana se completa con ‘Hey mor’ de Ozuna y Feid (45) y ‘Mañana’ de Ozuna en el puesto 86. Es curioso que aunque Ozuna entra con su nuevo disco en la lista de álbumes 2 puestos por debajo de Rigoberta Bandini, consigue situar más temas en la lista de singles. Rigoberta únicamente reentra con ‘Ay mamá’ en el número 87.
Entre esas joyas con que de vez en cuando nos deleita el New Musical Express, un vídeo de un concierto del tour de Harry Styles, quien el año que viene volverá a España. Sucedió el pasado viernes en Chicago. Alguien tiró un regalo al autor de ‘Harry’s House’, pero cayó donde no era la intención. Suponemos. Porque tremenda puntería habría sido esa.
El regalo cae a Harry Styles en sus partes pudendas. En el NME aseguran que tal regalo cayó en “su pene”, lo cual quizá sea demasiado aventurar. El caso es que Harry parece dolorido, pero poco, por lo que tampoco parece que el regalo fuera directo a las gónadas. Pero por ahí.
Harry Styles, que por supuesto no se molesta en mirar qué es, tan sólo acierta a decir que «qué infortunio» y continúa con el concierto. La verdad es que tiene razones para seguir tan contento. ‘Harry’s House’ acaba de superar los 3 millones de copias según las estimaciones de Mediatraffic y sigue en cabeza en las listas internacionales. Si acaso se puede argüir que ‘As It Was’ está empañanando al resto de canciones del disco, pero la verdad es que el tema camina hacia ser uno de los mayores éxitos de la historia, así en general.
El dibujante mallorquín Claudio Biern, creador de personajes tan queridos de la animación española como David el Gnomo o D’Artacán, que han marcado la infancia de millones de personas en nuestro país durante décadas, ha fallecido este lunes a los 82 años de edad.
Además de ‘David el Gnomo’ y ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’, Biern fue creador y productor de series como ‘Ruy, el pequeño Cid’, ‘The Cobi Troupe’, ‘Mortadelo y Filemón’, ‘La banda de Mozart’, ‘Los Intocables de Elliot Mouse’, ‘Fantaghirò’, ‘Zipi y Zape’, ‘El hombre Invisible’, ‘Iron Kid’, ‘Angus&Cheryl’, ‘Bernard’ o ‘Papawa’, y de películas como ‘La memoria del agua’.
Nacido en Palma de Mallorca en 1940, Biern era guionista, empresario, director de cine y animador, y su propósito era «buscar en los clásicos de la literatura juvenil universal, con temas que pudieran enganchar, y que también tuvieran valores». Biern buscaba crear animaciones que poder ver con sus hijos, por eso estas «tenían acción pero no violencia».
Además, Biern fue directivo del Reial Club Deportiu Espanyol durante tres etapas, las correspondientes a los años 1986-1989, 1993-1994 y 2004-2006.
