No es habitual que las estrellas del pop efectúen sus regresos a la música a través de proyectos cinematográficos, pero eso es exactamente lo que ha hecho Rihanna. Sí, el rumor de su asociación con ‘Wakanda Forever’ es una realidad. En el snippet de unos pocos segundos de la canción se distinguía la voz de Rihanna armonizando una celestial melodía y su estreno hoy viernes 28 de octubre revela una balada navideña que prácticamente podría ser catalogado como villancico a lo ‘Silent Night’.
‘Lift Me Up’, el single con el que Rihanna regresa oficialmente a la música, ha sido escrito por Tems, Ludwig Göransson, la propia Rihanna y Ryan Coogler, el director de ‘Black Panther’ y su secuela.
‘Wakanda Forever’, la secuela de ‘Black Panther‘, se estrena en noviembre, y se rumoreaba que Rihanna cantaría dos canciones en la banda sonora, en la que es ya su gran «comeback» a la industria musical.
Marvel había ido demasiado lejos con la publicación de un teaser que sugería muy claramente que Rihanna participaría de alguna manera en la película. El vídeo dejaba lugar a muy pocas dudas, pues mostraba el título de ‘Wakanda Forever’ y cuando este se esfumaba, quedaba únicamente en pie la letra R, a la que después se sumaba una fecha: el 28 de octubre, es decir, este mismo viernes. PopCrave, chart data y, de hecho, HITS Daily Double, la página que divulgó originalmente el rumor, confirmaron que se trataba del single de Rihanna.
El single de Rihanna era uno de los más esperados de los últimos años, incluso cuando no representará exactamente un «comeback»: ‘BELIEVE IT‘ de PARTYNEXTDOOR, en la que cantaba Rihanna, no pasó precisamente desapercibida en el año 2020, como demuestran sus casi 300 millones de streamings. Claro que, una cosa es una colaboración, y otra muy distinta es un tema propio. Y de esos ya hace más de seis años que Rihanna no entrega ninguno.
En otro orden de cosas, Rihanna ha compartido la lista de celebridades invitadas a la pasarela de su show de moda anual SAVAGE X FENTY, que se estrena el 11 de noviembre en Amazon. Estarán, entre otras, Bella Poarch y Cara Delevingne. Os recordamos que, en febrero, actúa en el intermedio de la Super Bowl: parece que sí presentará música nueva.
«Sería un grave error que se retomara la promo de ’30’ por la vía de ‘I Drink Wine’ ahora mismo». Estas eran las palabras que mi compañero Sebas escribía en su análisis sobre la inexistente promoción de ’30’ de Adele a meses de su lanzamiento. La británica había presentado la canción en directo en los BRITs, pero el público no la había acogido con gran entusiasmo. Foto: PopCrave
Sin embargo, exactamente eso es lo que ha hecho Adele, retomar la promoción de ’30’ con el videoclip de ‘I Drink Wine’, visto que la canción es una de sus 10 más escuchadas ahora mismo en Spotify y, al fin y al cabo, en cierto punto se dijo que era uno de los singles del disco. De hecho, Atkins la estrenó en directo en su concierto especial ‘One Night Only‘, cuando el álbum aún no había llegado al mercado.
Hoy, 26 de octubre, se ha estrenado el tan comentado videoclip de ‘I Drink Wine’, comentado por eso de que se sabía que existía, pero no terminaba de salir. De hecho, la propia Adele ha confirmado que el vídeo de ‘I Drink Wine’ es el primero que grabó del disco, incluso antes que los de ‘Easy on Me‘ y ‘Oh My God‘. Tanto tiempo ha estado guardado en un cajón.
Y, por lo visto, parece que la espera habrá valido la pena. Adele compartió un avance del vídeo de ‘I Drink Wine’ en sus redes y la estética que reveló no podía ser más Disney, onda ‘Fantasia’. Preciosos los colores y preciosas las imágenes, y también muy llamativa esa imagen que se visulumbra de la artista navegando a través de lo que parece un río de vino, literalmente.
Primavera Sound ha revelado de momento tan sólo un gran nombre para su edición 2023: Depeche Mode. Pero será la primera vez que el festival se celebre en la Comunidad de Madrid el finde del 9 de junio, una semana después de en Barcelona, y las expectativas son máximas. Casi tan altas como la inquietud por cómo llegar a Arganda del Rey, el municipio donde se celebrará el festi, y sobre todo por cómo volver de allí.
La organización de Primavera Sound, que cuenta con su propia delegación madrileña dirigida por Almudena Heredero, con un equipo de momento de 30 personas, ha ofrecido esta mañana una rueda de prensa en los Teatros del Canal para esclarecer cosas. Lo más llamativo es que se fletarán 400 autobuses de ida y vuelta. Dichos autocares partirán desde el Metropolitano a Arganda. A la vuelta, los autobuses no solo irán al Metropolitano sino a Plaza de Castilla y Méndez Álvaro.
Para amenizar las colas, también habrá conciertos en las inmediaciones del Metropolitano, suponemos que al modo SXSW. Pese a la presencia institucional en la rueda de prensa (ayuntamiento de Madrid, Comunidad, ayuntamiento de Arganda), todavía no se ha aclarado si habrá metro toda la noche de manera excepcional debido al festival, pero se está trabajando en ello.
La representante de la Comunidad ha recordado que «Madrid existe más allá de la M-30», mientras el alcalde de Arganda del Rey, Pedro Guillermo Hita Téllez, se ha mostrado entusiasmado con la llegada del festival. De hecho, él mismo ha visitado antes Primavera Sound en Barcelona. Andrea Levy, concejala de cultura por el ayuntamiento, ha proclamado a la organización: «Os estábamos esperando». En un hermanamiento institucional al que no estamos acostumbrado en Congreso ni Senado, Levy (PP) ha propuesto al alcalde de Arganda (PSOE), que sea «su pareja» para ir a ver a Depeche Mode, dada la admiración de ambos por la banda de Dave Gahan y Martin L. Gore. El ministerio de cultura del Gobierno de España también se ha sumado como «partner».
La Ciudad del Rock presenta como ventajas un amplio recinto de 350.000 metros cuadrados, que ha sido calificado como «único en Europa», también por sus posibilidades en cuanto a sonido y por su aislamiento. Además, habrá actividades de Primavera En la Ciudad en varias salas de Madrid, desde el lunes 5 de junio y hasta el domingo 11 de junio, así como una jornada inaugural de carácter gratuito.
En cuanto a la línea artística, habrá una coincidencia aproximadamente del 98% entre el Primavera de Barcelona y el de Madrid, se mantendrá «la paridad por la que se ha apostado desde 2019», con la insistencia en que el PS «no se basa en cabezas de cartel aunque los tiene», sino en la idea de «festival artesanal sin algoritmos». Esperan poder comunicar el cartel completo antes de que acabe el año, aunque depende de la conformidad de algunos artistas, como es habitual.
«Breaking News»: la madurez no existe. Las gemelas Tegan Rain Quin y Sara Keirsten Quin llegan a su 10º álbum sacándose de la manga un hitazo llamado ‘I Can’t Grow Up’. Sara lo ha presentado revelando que el álbum va sobre «cuestionar qué significa crecer y convertirse en adulto, lo cual siempre me ha confundido porque no me siento muy adulta». Matiza en Consequence of Sound: «eso no significa que actúe de manera irresponsable o que no me sienta sabia o experimentada, pero sí muy vulnerable. Siempre he sido realmente sensible. Creo que me he dado cuenta de que ser una adulta significaba dejar atrás estas inseguridades y preocupaciones».
La aceptación de esa idea, que puede ser tan frustrante al escuchar dentro de ti a un eterno adolescente que parece no querer irse -sé de lo que hablo, nací el mismo año que Tegan y Sara- se convierte en euforia absoluta en su nuevo hit. ‘I Can’t Grow Up’ es una divertidísima reclamación de amor, aplicable también a unx mismx, sorteada de efectos vocales y abrasivos teclados, en construcción de una de las producciones más recordables de su carrera.
Lo mejor de este himno es el juego que han dado las virguerías vocales y rítmicas de cara al montaje del videoclip, y si esta pista abre la cara A, también mandan los «Pitufos» en la primera de la cara B. ‘I’m Okay’, entre gritos contra el mansplaining («¡ganaremos! ¡no necesitamos que nos salves!») hace uso de una producción también menos pop-rockera de lo que han acostumbrado, más orientada hacia gente como of Montreal o, mejor, Passion Pit. Detallitos que aparecen en otras canciones como ‘All I Wanted’, la producción flotante de ‘Pretty Shitty Time’ o ‘Sometimes I See Stars’.
Con la asistencia de John Congleton, Tegan and Sara comenzaron a escribir canciones durante la pandemia. Por primera vez han trabajado cada una en las maquetas de la otra, pero sin plantearse específicamente si iban a hacer un álbum al completo, lo cual quizá les ha dado alas para dar con composiciones tan espontáneas como ‘Fucking Up What Matters’ o ‘Yellow’. La primera contiene metáforas sobre cigarros y alcohol deliberadamente «teenagers», sobre todo ahora que se ha estrenado la serie inspirada en su vida, en base al libro autobiográfico de las hermanas; y la segunda es un precioso medio tiempo sobre el dolor arrastrado desde los pasillos del instituto hasta hoy.
Tegan and Sara están también muy acertadas en las baladas, bien gracias a la sofisticación de los arreglos, como se ve en ‘Faded Like a Feeling’, sobre la pérdida de contacto con alguien («espero que no me odies, te di razones para hacerlo») o a la honestidad de unos textos directísimos como siempre. ‘This Ain’t Going Well’ comienza lamentando «ojalá hubiéramos sido una versión mejor de nosotras mismas».
La segunda parte del álbum agradecería algún single o alguna producción más aventurera, pues por ejemplo ‘Under My Control’ parece que va a virar más hacia el country en las estrofas, y no se decide, pero en general el nivel del 10º disco es alto. Que me perdone Marcela Lagarde por enfrentar mujeres a las puertas de 2023, pero saliendo ‘Crybaby’ el mismo día que el último disco de Taylor Swift, es bastante incomprensible por qué una tanto y otras tan poquito.
Bibio es una de las joyas de Warp Records. El sello que dio a conocer a Aphex Twin, Boards of Canada, Oneohtrix Point Never… no se dedica solo a la electrónica experimental y Stephen James Wilkinson es, sin duda, uno de sus fichajes más transversales.
El compositor y productor británico se dio a conocer a principios de siglo con varios discos de folktronica lo-fi y, poco a poco, su paleta de sonidos se fue abriendo a otros géneros: hip-hop, ambient, indie-pop, R&B alternativo, power-pop…
En el mundo de Bibio, todo vale, incluso dentro de un mismo disco, como sucede en ‘BIB10’, su nuevo trabajo. Hay indie-pop a lo Real Estate (‘Off Goes the Light’), soft-rock (‘Rain and Shine’), funky (‘Sharratt’) y hay dos pistas que le hacen parecer un aspirante a nuevo Quincy Jones, ahora que ‘Thriller’ acaba de cumplir 40 años de vida.
La mano de Bibio para la producción se hace evidente en ‘S.O.L.’, una producción disco que no puede sonar más sofisticada a la par que retro. Es la Canción Del Día en sus pletóricos cinco minutazos. Especialmente sus sintetizadores podrían hacer las mieles de Bruno Mars y Dua Lipa, quienes ya están tardando en llamarle para colaborar.
Por otro lado, ‘Potion’ es la típica balada sexy que se estilaba en los 80, pero la pátina contemporánea le sienta de lujo. Michael Jackson podría haber cantado esta producción en la época; de hecho, se parece bastante a pistas de ‘Thriller’ como ‘Human Nature’.
Revelados los 18 nombres que participarán en Benidorm Fest, uno de los que más ha llamado la atención es el de Fusa Nocta. Entre (demasiadas) propuestas del perfil de Los 40 Principales y otras tan interesantes como las de Alice Wonder o Karmento emerge la de esta valenciana que representa otro sonido que suena en España aunque algunos no lo quieran ver: el trap.
Fusa Nocta («la nota de la noche», en sus palabras) es el proyecto de Miriam Nares Signes, que se dio a conocer en 2019 con su participación en Factor X (la edición que ganó Pol Granch). Desde entonces no ha dejado de hacer música y ha conseguido que uno de sus singles, el reggae de ‘No Gyals’, se acerque al millón y medio de escuchas en Spotify.
Otros singles de éxito de Fusa Nocta son más abiertamente trap, como ‘Khaleesi’ o el melódico ‘Dime que’, otros se aproximan al reggaetón (‘Sola’) y otros son directamente experimentales (‘Paranoia Loca’ podría ser de Eartheater). Queda claro que el adjetivo de «trap», en el caso de Fusa Nocta, engloba una serie de recursos, como los ritmos llamados urbanos o, por supuesto, el uso de autotune, ya que su música no necesariamente se ciñe a emplear beats típicos del género.
Dice Fusa Nocta que ella no se etiqueta y que es su voz la que da carácter a todas sus composiciones. Puede que tenga razón. Escucharla se parece a escuchar, por primera vez, a la primera Nathy Peluso, y la comparación no es en vano, pues Miriam, que empezó a escribir poesía a los 15 años, también es seguidora de Lauryn Hill, Amy Winehouse y de raperas nacionales como Gatta Catana. También su voz presenta cierto carácter soul, aunque las producciones tiren por otros caminos.
Si hay un público que quiere ver el sonido del pop del siglo XXI en Eurovisión, el que tantos jóvenes escuchan en la calle cada día, la de Fusa Nocta es una propuesta a tener muy en cuenta.
La Roux no tardará 84 años en publicar nueva música. De hecho, la espera por nueva música de Elly Jackson ha terminado. Desde hoy puede escucharse un nuevo single de la cantante y productora británica que formará parte -presumiblemente- de su próximo álbum de estudio.
‘Feedback’ es el nuevo single de La Roux y se aleja de los ritmos funky de ‘Supervision‘ para asentarse en unos más próximos al R&B contemporáneo. Prevalece, eso sí, la visión tecnicolor de aquel álbum y la canción, aparte de presentar una melodía y arreglos vocales e instrumentales con cierto gancho, incluye la participación de la rapera Baby Tate.
El nuevo sonido de La Roux no es del todo sorprendente dados sus últimos movimientos comerciales. El año pasado, la artista consiguió un éxito inesperado gracias a ‘IFTK’ de Tion Wayne, tema que samplea ‘Bulletproof’ y en el que La Roux aparece como artista invitada. Llegó al top 6 de la lista de singles británica, algo que Jackson no conseguía hacía tiempo.
Tras varios cambios de fecha y hora que han supuesto que Benidorm Fest arranque sumido en un extraño caos organizativo, RTVE ha revelado hoy finalmente, en un programa de 10 minutos presentado por Inés Hernand, los 18 artistas que participarán en el certamen y que, por tanto, aspirarán a representar a España en la próxima edición de Eurovisión. El ganador de Benidorm Fest se dará a conocer el próximo 4 febrero.
Los artistas elegidos son Agoney, E’Femme, Fusa Nocta, Blanca Paloma (que concursará por segundo año consecutivo), Aritz Arén, Rakky Ripper, Alfred García, Sofía Martín, Alice Wonder, Famous, Megara, Vicco, José Otero, Twin Melody, Karmento, Meler, Sharonne y Siderland.
La primera edición de Benidorm Fest fue la de la ilusión: estaban Rigoberta, Javiera Mena, Rayden, Varry Brava… La segunda parece haber dado un pequeño paso al lado: ya no hay tantos nombres consolidados ni revelaciones de la industria, ni siquiera «viejas glorias» como se anunciaba en el comunicado oficial… más bien se apuesta por el talento joven y semi-desconocido.
Como todo el mundo recordará, Agoney y Alfred García participaron juntos en Operación Triunfo 2017. Ambos han vivido sus momentos en las listas de éxitos españolas. Además, Alfred ya concursó en Eurovisión junto a Amaia con ‘Tu canción’, que quedó en el puesto 23 de 26. También están confirmados Famous, ganador de OT 2018 y, de manera especialmente sorprendente, la drag queen Sharonne, ganadora de Drag Race España 2021.
Entre los artistas más interesantes hay que contar a Karmento, renovadora del folclore con muchas posibilidades por discos tan interesantes como ‘Este devenir’; Alice Wonder, una de las revelaciones nacionales de los últimos años, como ha demostrado con sus repetidos «sold-outs», y Rakky Ripper, icono del hyperpop patrio más pegada al autotune que Luna Ki.
Menos expectación provocan otros de los artistas confirmados. De la girl band prefabricada de E’Femme, al buenrollito españolete de Vicco, la oferta musical de estos artistas ha solido ser tan estimulante como escuchar ‘SloMo’ por primera vez. Apenas Megara pueden despuntar con su propuesta rockera. ¿Y qué esperemos de los tiktokers? Twin Melody son producto Los40 total y pueden dar que hablar… pero es que Aritz Arén ni siquiera tiene música publicada en Spotify.
Quizá la mayor decepción de Benidorm Fest 2023 este año es la falta de un bombazo definitivo: esperamos al final de la presentación de Inés Hernand para que, por fin, aparecieran esos nombres que estábamos esperando: Maria Arnal, Rodrigo Cuevas, Lola Indigo, Delaporte, Russian Red… Ninguno de ellos parece haberse animado a concursar en el certamen. ¿Les habrá espantado el Chanel-gate? ¿Sus propuestas no pasaron la criba? ¿Prefieren trabajarla mejor de cara a 2024?
Pero, mirándolo de otra manera, Benidorm Fest volverá a dar la oportunidad de descubrir nuevos talentos. Si Chanel ha resultado ser una absoluta superestrella, todo puede ocurrir en esta edición. ¿Será el despegue definitivo de Sofía Martín y José Otero, que ya tienen varios hits a sus espaldas? ¿Darán Siderland la sorpresa? ¿Más bien la trapera Fusa Nocta? ¿Será, por fin, el momento de Blanca Paloma? Veremos…
El próximo 3 de noviembre se cumplirán 25 años desde el lanzamiento de ‘Spiceworld’, el icónico segundo álbum de Spice Girls, y las chicas lo celebrarán con el lanzamiento de una reedición del álbum, lo cual incluye un videoclip inédito de ‘Spice Up Your Life’ que ya puede verse.
Mientras tanto, Victoria Beckham sigue completamente ajena a la banda. Victoria, que tiene dos trabajos, la moda y confirmar una y otra vez que no volverá a Spice Girls, se ha sentado recientemente en el plató de Andy Cohen y ha vuelto a hablar sobre las (nulas) probabilidades que existen de que se suba a un escenario nuevamente junto a sus cuatro compañeras.
Cuando una fan pregunta a Victoria por la posibilidad de que vuelva a actuar con Spice Girls, al acercarse el 25 aniversario de ‘Spiceworld’, la empresaria responde: «Me lo pasé muy bien con las chicas pero, con todo el lío que tengo con mi trabajo en la moda, mi línea de cosméticos, y con mis cuatro niños, no podría comprometerme a algo así».
Sin embargo, la mejor parte llega cuando añade: «pero me encanta cantar Spice Girls cuando hago karoake». Tal es la disociación de Beckham con Spice Girls que parece no haber parte nunca de la banda: la única manera que cante con ellas es cuando suena ‘Wannabe’ en el karaoke de Youtube. Es una de nosotros.
La ironía de las palabras de Victoria es que la «Posh pija» ya cantaba menos en Spice Girls que Lana Del Rey en su canción con Taylor Swift. Por suerte sacó un disco ella sola donde la escuchaba más. Y qué joyita sigue siendo ‘Midnight Fantasy’.
La lista de singles española presenta pocas novedades esta semana, si bien es digno de comentar que ‘La Bachata’ de Manuel Turizo parece cada vez más cerca de alcanzar el número 1 de la lista de singles española. Se lo han impedido durante meses el single de Bizarrap y Quevedo (actual número 1) y ‘DESPECHÁ’ de Rosalía (número 4), pero ‘La Bachata’, top 2 una semana más, es ahora mismo la canción más escuchada en Spotify España. La semana que viene podría, por fin, llegar a la cima. ¿Habrá sido su actuación en GALLERY Sessions decisiva? A su vez, Turizo coloca un nuevo tema en lista, ‘Los Cachos’ con Piso 21, que entra en el 99.
Hablando de Quevedo, el éxito de «Quédate» ha propiciado que se revalorice su trabajo pasado y una de las entradas de la semana en la lista de singles española es un single que el canario publicó en el año 2020. ‘No me digas nada’ entra en el número 75. Quevedo tiene otro tema en el top 3 de la lista, ‘Vista al mar’, aunque este es mucho más reciente.
Otro tema que es ya casi oficialmente un éxito es ‘Monotonía‘ de Shakira y Ozuna, que entra en lista antes de tiempo, con solo cinco días de recuento, lo que significa que el público la está recibiendo con los brazos abiertos. El tema, top 5 en Spotify España y que, por cierto, también es una bachata, entra prematuramente en el número 64 de la lista de singles española. El lunes que viene subirá directamente al top 10, con bastante probabilidad.
Más tiempo le ha costado llegar a la lista a Beyoncé con su ‘CUFF IT’. El tema está funcionando ahora de manera espontánea, pues la promoción de ‘RENAISSANCE‘ está siendo inexistente, y si ya es top 5 en Reino Unido y ha llegado al puesto 33 en Estados Unidos, en España se conforma con el 92. Por lo menos ha entrado: a ‘BREAK MY SOUL’ también le costó lo suyo.
Finalmente hay que comentar la entrada de ‘Mirando a la luna’ de Beret y Reik en el 97, y la subida de ‘PUNTO 40’ de Rauw Alejandro con Baby Rasta, que escala 10 posiciones y se coloca directamente dentro del top 5 de la tabla. Nuevo exitazo para el portorriqueño.
Era evidente que después del festín acústico de ‘folklore’ y ‘evermore’ tocaba giro estilístico en la discografía de Taylor Swift, y ‘Midnights’ es la confirmación de que los tiros iban a ir por el lado electrónico. Lo que quizá muchxs no esperaban era que estas nuevas trece canciones fueran a ser medios tiempos, más cercanos en “mood” a su faceta acústica que a los bangers de synth-pop que representaban lo más interesante de ‘Lover’ o ‘1989’.
En ese sentido la premisa es a priori interesante, porque abre una vía bastante inexplorada por la artista. Por eso resulta tan frustrante tener que admitir, después de innumerables escuchas, que el disco falla -y mucho- en uno de sus aspectos cruciales: la inspiración compositiva. ¿Dónde están esas melodías arrebatadoras que Taylor es tan capaz de crear? No importa si están escritas con tinta de gel y purpurina o con péndola y tintero, su talento compositivo está fuera de toda duda a estas alturas (el ejemplo más reciente es la magnífica ‘Carolina’).
El comienzo de ‘Midnights’ no puede ser más desmotivante: ‘Lavender Haze’ trota sobre un atractivo ritmo downtempo, y tiene una estructura de sobrios y elegantes arreglos electrónicos, pero melódicamente es paupérrima. Podría justificarse como una especie de intro, pero la cosa no mejora conforme avanzamos: ‘Anti-Hero’ suena a canción de banda sonora de los 80 y tiene un estribillo que quiere ser coreable en conciertos, pero su melodía resulta totalmente estéril. ‘Maroon’ mejora un poco las cosas con uno de los legendarios recursos estilísticos de Taylor, la melodía-de-una-nota, pero el resultado es muy discreto.
La primera canción realmente buena no llega hasta ‘Snow On The Beach’, como acertadamente se ha percatado buena parte del público, polémicas aparte: no veo problema en que la voz de Lana del Rey se limite a los estribillos cuando su aura está por toda la canción, incluyendo -crucialmente- un crédito de composición. En poco más de 4 minutos Lana le saca a la canción chispas creativas que están muy ausentes en el resto del disco, algo que parece la confirmación de que Taylor es la artista con la que Jack Antonoff logra menos química creativa de todas con las que colabora. Incluso la letra suena más real, poética, interesante, que la mayor parte de ‘Midnights’.
Swift en modo pop es capaz de giros letrísticos muy ingeniosos y memeables (como el mítico “haters gonna hate”) pero hay momentos de este álbum en los que suenan más como eslóganes comerciales algo forzados (“Talk your talk and go viral”, “Did you hear my covert narcissism lightly disguised as altruism?”). O quizá simplemente sin una melodía de calidad que las eleve suenan más mediocres.
También es cierto que las cosas mejoran ligeramente conforme avanza el tracklist: las melodías de ‘Question…?’ o especialmente ‘You’re On Your Own, Kid’ (con sus coros finales a lo ‘Luka’ de Suzanne Vega) tienen algo más de gancho, si bien esta última se queda a medias cuando lo que parece el pre-estribillo acaba siendo el estribillo y deja un sabor de inconclusión. Tampoco ayuda que al ir musicalmente en consonancia con la estética años dos mil de la portada incorporen esos beats de sonido anticuado y reverbs digitales feas. Además se alternan con piezas tan poco interesantes como ‘Bejeweled’ (a pesar del acierto del verso “What’s a girl to do? A diamond’s gotta shine”), o tan desconcertantes como ‘Vigilante Shit’, un intento de acercarse al goth-electro de Billie Eilish que triunfa sólo a medias (en la parte buena, esas armonías vocoderizadas o el acierto de letras como “se estaba metiendo rayas, y cruzando todas las mías” [= saltándose mis límites]).
El tramo final redime a ‘Midnights’ de una mediocridad catastrófica. ‘Labyrinth’ brilla tras tanta opacidad y, en su refulgente construcción melódica, podría casi ser una canción folk. ‘Karma’ suena a prima lejana de ‘Solar Power’ (cosas de Jack Antonoff, quizá), pero se agradece una melodía bonita, interesante, de las pocas que ganan con las escuchas, con su ciclo de acordes circulares. Además su letra es inspirada (“dulce como la justicia, el karma es una reina / el karma conduce a todas mis amigas a la cima / el karma es el tío en la pantalla que viene directo a mi casa”).
‘Sweet Nothing’ también salva los muebles con su arreglo envuelto en un precioso piano Wurlitzer y suave sección de viento, texturas muy refrescantes casi en el epílogo del disco. De manera similar, el cierre con ‘Mastermind’ parece recolocar las cosas a nivel melódico; esta vez el estribillo-de-una-nota da en la diana.
En última instancia es, pues, la poca propulsión melódica lo que sabotea los bastantes hallazgos sonoros de ‘Midnights’, que son muchos cuando no caen en el dosmilerío: voces procesadas (como la intro con el pitch cambiado y vibrato de ‘Midnight Rain’), pero sobre todo esos subgraves entre ambient e inquietantes, un tipo de bajo sintetizado denominado “Reese bass”, que es típico del drum and bass. Nunca había sido usado con tanta profusión en un disco de pop mainstream y eso lo aleja muy originalmente de los más trillados bajos pulsantes de una nota a los que estamos tan acostumbrados en el synth-pop. Detalles como ese le dan a ‘Midnights’ un carácter conceptual y unitario muy interesante (y más coherente que la supuesta temática nocturna de las letras), pero su disfrute se frustra al fallar la columna vertebral, que serían unas melodías de rompe y rasga.
Lo más trágico de todo es que quien se dé un paseo por la ‘3 am Edition’ se encontrará canciones como ‘The Great War’, ‘High Infidelity’, ‘Glitch’ o ‘Bigger Than The Whole Sky’, que son abrumadoramente mucho más interesantes, redondas y atractivas que la desconcertante selección final que conforma la versión “oficial” del álbum. ¿Cómo habría sido ese ‘Midnights’ sin esta desastrosa selección de temas? Supongo que siempre nos quedarán las listas de Spotify para -en parte- arreglarlo.
Todos los aliados de Kanye West están dando la espalda al rapero a causa de sus comentarios antisemitas. Adidas acaba de anunciar que cesa su colaboración con el artista, una de las más exitosas de su historia, por lo que dejará de producir sus famosas zapatillas «Yeezy». A la marca deportiva, su divorcio de Kanye le costará cerca de 250 millones de dólares en pérdidas.
En los últimos días, otras dos marcas que colaboraban conjuntamente con Ye en una línea de ropa de lujo, GAP y Balenciaga, han cortado relaciones con el músico. Por otro lado, como ya hemos informado, tanto Twitter como Instagram le han expulsado de sendas plataformas.
A Kanye, sus comentarios antisemitas le han costado también la alianza de algunos de sus socios más cercanos. La agencia Creative Arts Agency ha dejado de representarle, y también el abogado de West, Camille Vasquez, ha partido peras con él porque el artista «no ha retirado sus comentarios».
Kanye se está quedando solo. La agencia creativa que le representaba en el pasado, United Talent Agency, ha pedido boicotearle, y la cadena MRC Entertainment ha descartado estrenar un documental sobre el artista que ya está completado. Además, el programa ‘The Shop: Uninterrupted’ ya no emitirá una aparición de Kanye que estaba grabada, y su ex-mujer Kim Kardashian ha condenado sus declaraciones.
Pero, lo que es quizás más relevante, también el público de a pie está dejando de apoyar a Ye, pues las escuchas de su música han caído en picado y las emisoras de radio cada le pinchan menos, según datos recogidos por Variety.
SanSan, conocido por ser uno de los primerísimos macrofestivales que tienen lugar en España, si no el primero, pues suele celebrarse durante el mes de abril, ha anunciado el cartel completo de su próxima edición, la de 2023. JENESAISPOP es medio oficial.
SanSan volverá a Benicàssim los días 6, 7 y 8 de abril, y lo hará con una programación encabezada por Phoenix, que presentarán su nuevo disco. El segundo y último nombre internacional presente en la letra grande del cartel es Milky Chance, y después el festival apuesta plenamente por el talento nacional y confirma a Leiva, Love of Lesbian, Viva Suecia, Zahara con su «rave» y Guitarricadelafuente.
Por la octava edición de SanSan pasarán algunos de los nombres más populares del pop e indie de nuestro tiempo, como Deluxe y Xoel López por separado, Sidonie, Sen Senra, Alizzz, Carolina Durante, Miss Caffeina, Cupido, La Pegatina, Dorian (protagonistas de nuestro podcast de hoy), Chef’s Special, Delaporte, Cariño, Tu Otra Bonita, Varry Brava, Morgan, Carlos Sadness o Cala Vento.
El cartel se completa con nombres tan conocidos como los La Habitación Roja, Sexy Zebras, Rocío Saiz o Luis Brea, el grupo revelación Blanco Palamera, nuevos talentos como Baldosa, Besmaya o 30s40s50s, y las sesiones DJ de Plan B y Ninhodelosrecaos. Las entradas están a la venta en la web oficial.
Os dejamos con unas palabras de SanSan: «La dirección del festival afirma estar ante su edición más ambiciosa, la cual afrontan con el objetivo de seguir consolidándose como una de las grandes citas festivaleras del país y creciendo en el mercado internacional».
Meghan Trainor es otra de las artistas que han sacado disco en estos últimos días de octubre. ‘Takin’ It Back’, como su nombre indica, representa un regreso al sonido primigenio de Meghan, el cual, a su vez, es el sonido primigenio del pop de Estados Unidos: doo-wop, blue-eyed soul, pop de los sesenta, etc. Y la jugada le está saliendo mejor de lo que nadie podía imaginar.
Meghan no había conseguido repetir el éxito de sus primeros singles (entre ellos el mítico ‘All About that Bass‘) con sus últimos lanzamientos, pero este no está siendo el caso de ‘Made You Look’. El segundo sencillo extraído de ‘Takin’ it Back’ se ha viralizado en TikTok, lo cual ha provocado que debute en torno al top 200 de Spotify Global con cerca de 1 millón de reproducciones. Parece que habemus hit.
‘Made You Look’ es una graciosa producción de doo-wop adornada con sonidos de saxo y de coros típicos de los 50 y 60. Tan retro es la canción que dura exactamente 2 minutos y 14 segundos. Sin embargo, nunca suena inacabada sino, al contrario, plenamente realizada, como las canciones de la época. Además, la producción tecnicolor y «hi-fi» -firmada por Federico Vindver- la acerca a nuestro tiempo, entre arreglos vocales tipo vocoder y efectos más «modernos».
Como ‘All About that Bass’, ‘Made You Look’ también presenta una temática body positive, pues está inspirada en las inseguridades que sintió Meghan con su imagen (en concreto con su cuerpo desnudo) después de su embarazo. En ‘Made You Look’, Meghan canta que puede llevar «un vestido de Gucci o mi bolso Louis Vuitton, pero que, aún desnuda, haría que me mirases». Al destinatario de la letra advierte que llame a su «quiropráctico, por si acaso te rompes la nuca».
El «pack» de ‘Made You Look’ se completa con un videoclip que es una absoluta chuchería de colores, una fantasía a lo Barbie tal que, justo cuando piensas que perfectamente podría asomar Jojo Siwa a hacer un cameo, va y aparece. Muy mona también la actuación en directo.
Pese a no haber entusiasmado mucho en nuestra redacción, ‘Unholy’ lleva desde su lanzamiento siendo un hit mundial. Ahora ha dado el salto al número 1 de Estados Unidos también, lo que significa que es la primera vez que una persona no binaria y una solista abiertamente trans llegan a la cima del Billboard Hot 100.
Kim Petras, que ha ido haciéndose un nombre sobre todo desde su notable disco ‘CLARITY’, ha dejado unas declaraciones para Billboard, dada la importancia social de estos hechos: «Simplemente no querría ser la última (trans en conseguirlo). Siempre ha habido artistas trans con talento e increíbles. Estoy muy contenta de que Sam me diera la oportunidad de brillar aquí. Parece como si la gente estuviera finalmente preparada para vernos tener éxito y eso me llena de una enorme felicidad».
Además, ha tenido unas palabras de humor para ‘Bad Habit‘, el antiguo número 1: «Te quiero, Steve Lacy, creo que ‘Bad Habit’ es una gran canción, pero aparta de nuestro camino!».
‘Unholy’ llega al número 1 liderando tanto la tabla de streaming como la de ventas digitales en Estados Unidos. Kim Petras había rondado los 70 millones de streamings en Spotify con canciones como su gran himno ‘Heart to break’, ‘Broken Glass’ o ‘Unlock It’ junto a Charli XCX. Había tenido sus actuaciones televisivas y su visibilidad en MTV, pero digamos que esta colabo la pasa a otro nivel. Hasta ahora su único top 100 en UK o USA era la version de ‘Running Up that Hill’ de Kate Bush. Y encima se había quedado en el 100.
También es un alivio para Sam Smith, que tenía 7 números 1 en las islas británicas antes de esto, pero había vivido con frustración como ‘Stay With Me’ se quedaba en el número 2 en Estados Unidos.
Si alguien se lo está preguntando, en España, tras haber sido número 35, ‘Unholy’ sube esta semana del puesto 51 al puesto 50. No es un macrohit pero su aceptación es estable y es posible que arañe un disco de oro o de platino.
Taylor Swift ha estado esta noche en el programa de Jimmy Fallon, donde ha vuelto a dejar caer que en 2023 aguarda una gira mundial, y esta madrugada ha estrenado también el vídeo de ‘Bejeweled’. En él, Taylor interpreta a Cenicienta, mientras Haim aparecen haciendo de hermanastras (y cantan su cancioncilla de resaca). También salen en el vídeo Laura Dern, Jack Antonoff y Dita Von Teese.
Como el vídeo del primer single ’Anti-Hero’, ‘Bejeweled’ ha sido dirigido por la propia Taylor Swift, muy aficionada a la dirección desde hace varios álbumes, y pasa de ser un concurso por ganar un castillo y una propuesta de matrimonio del príncipe, al propio escenario de riqueza y ostento. Digamos que hace honor al nombre de la canción de manera literal.
Taylor pasa de ser humillada porque el príncipe la descartaría (hay un «chiste que nunca se hace viejo» sobre el significado de “swiftly”, «rápidamente») a ponerse encima todas las joyas en un escenario moderno. Taylor Swift ha explicado en iHeartRadio que la canción habla sobre «encontrar la confianza cuando sientes que te la han quitado, por la razón que sea».
Continúa: «Una de las cosas que nos encanta hacer por la noche, porque nos encanta salir a bailar, es ponernos un look que nos haga sentir bien, y nos encanta sentirnos como si estuviéramos enjoyados. Creo que soy yo animándome a volver a hacer música pop después de estos gloriosos años escribiendo canciones folk en este bosque metafórico que he creado, que me encanta, pero me entusiasmaba decirme: «todavía puedes hacer pop, estás enjoyada. ¿Todavía estoy enjoyada? Veremos, pero de eso va la canción».
Curiosamente, no parecía ‘Bejeweled’ la canción más pop del disco, ni era de las más escuchadas, si bien entendemos que eso cambiará después de este vídeo de alto presupuesto.
Marc de Dorian es el nuevo invitado de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP. Este año Dorian han sacado un disco llamado ‘Ritual’, y también acaban de reeditar ‘La ciudad subterránea’. Aquel disco de 2009 sirve para dar lugar a una conversación rica con el artista en la que hablamos del desarrollo de la escena independiente, la profesionalización de festivales y medios de comunicación, la crisis económica, el consumo de drogas, la llegada a la vida adulta, etcétera. Dorian actúan en Vitoria el 4 de noviembre, el 5 de noviembre en Donosti, el 25 de noviembre en Madrid y el 26 de noviembre en Barcelona. Detalles, en su web oficial.
2008 fue el año no solo de la crisis económica, sino también la época en que nombres como Vetusta Morla, Love of Lesbian, Sidonie o Dorian dieron un paso al frente. ‘Un día en el mundo’ de Vetusta sale en 2008 pero es un sleeper durante los años siguientes y 2009 es el año de edición de «1999» de Love of Lesbian. Tras el éxito de ‘Cualquier otra parte’ de su segundo álbum, Dorian decidieron dar un paso al frente y arriesgar en la producción de ‘La ciudad subterránea’. El productor fue Álex Ferrer, que ha terminado trabajando con C. Tangana, Vitalic y John Talabot… y el propio John Talabot fue quien dirigió los 3 videoclips que contaban una historia sobre aquel ‘La ciudad subterránea’. Marc le llama «El Ori» (su nombre real es Oriol Riverola).
Marc recuerda que el indie en los 90 era más amatetur: «2009 fue un año importante para el pop español porque se cosecha lo trabajado durante años no solo por las bandas, sino en cuanto a festivales, prensa musical… Se deja atrás lo amateur. Las bandas cogen callo y tienen una competencia sana entre ellas. Esto da lugar a discos bien hechos» y a una escena que él compara con el fervor de la Movida Madrileña. «Sería interesante que alguien lo analizará más».
¿No es extraño que haya gente que considere el «indie» la escena de Lori Meyers, cuando son tan posteriores a Le Mans, El Regalo de Silvia o Los Planetas? Responde Marc: «La independencia es una cuestión de actitud, cuando un artista es soberano de su carrera. Ahí es cuando podemos hablar de independencia, en contraposición con quien se deja llevar por el dinerito que le ponen detrás». Sobre la crítica de que en todos los festivales hayan terminado tocando los mismos grupos, puntualiza: “En la clase media es donde se define el criterio de un festival”, poniendo de ejemplo Vida Festival, donde por cierto no suelen tocar.
En esa escena, apenas El Columpio Asesino y Dorian presentan una integrante femenina. Marc nos cuenta algún micromachismo que ha sufrido la teclista Belly Hernández comprando sintetizadores, por ejemplo, y reivindica su figura aunque en esta entrevista no ha podido estar: «Al estar camuflada dentro de una banda, Belly no está reconocida como la mujer interesante que es».
En ‘La ciudad subterránea’ había un componente social a través de canciones como ‘La Mañana Herida’ o ‘Estudios de Mercado’ que nos da pie a hablar de la gran crisis económica, cómo se va fraguando el movimiento 15-M y qué ha quedado de todo aquello actualmente, en el gobierno de coalición. «Los años felices de la era Aznar se van a tomar por culo», recuerda Marc, lo que relaciona con el hecho de que en aquel álbum de 2009 no hubiera medios tiempos, sí hubiera «desasosiego» y «urgencia juvenil». El artista trabajó durante aquella época en EMI, lo cual implicaba lo mismo trabajar con LCD Soundsystem que con Azúcar Moreno, y lamenta la de discos y grupos que solían quedar guardados en cajones. «La industria puede llegar a ser muy cruel», concluye al tiempo que comenta la saturación total del mercado actual «turbocapitalista».
También se hablaba bastante en ‘La ciudad subterránea’ sobre el consumo de drogas: el líder de Dorian cuenta que «la droga es lo más transversal que hay», pero que «no moralizan sobre las cosas». «Fue la época en que más experimentamos con la noche, con sustancias, pero también es una época de ir con cuidado», dice en referencia a los amigos que quedaron por el camino. «De llegar a una cierta madurez, de apertura mental».
Sobre los cambios de tendencias que ha habido, sobre todo después de la pandemia, y la supuesta muerte del indie, Marc insiste en su idea de que «el pop del siglo XXI tiene que ser bastardo, tiene que mezclar beats de diferentes partes del mundo, no solo del pop anglosajón» y referencia el K-pop y lo latino en la época «de mezcla y de crossover». Habla de Morad o Bizarrap referenciando un «mundo poliédrico» donde conviven «diferentes estadios». «Es súper bueno que se reciclen las escenas».
Sobre su último disco y la recepción de los featurings de Youthstar, Ana Mena, Pimp Flaco, defiende: «Estamos acostumbrados al discurso del éxito. No siempre tiene que ser así. A nosotros nos encantan estas canciones. Las hicimos a conciencia». Y es que entre «la senda de la continuidad o la senda de la inquietud y del riesgo», Marc ha escogido lo segundo. En los últimos minutos del podcast, tras 65 minutos hablando de ‘La ciudad subterránea’, hablamos sobre cuál es realmente el mejor disco de Dorian para nosotros.
Chanel ha estrenado finalmente ‘TOKE’, como estaba previsto. El avance parecía apostar por una producción más dura y contundente que la de ‘SloMo‘ que recibía comparaciones con ‘TKN’ de Rosalía y con el trabajo de Lola Indigo.
Finalmente, la producción definitiva no es tan radical, de hecho posee muchos elementos en común con ‘SloMo’ (ese puente instrumental en la onda del «dancebreak edit»), pero también vienen a la mente melodías e ideas del ‘Taki Taki’, de Karol G circa ‘Bichota’ en las estrofas, o efectivamente Lola Indigo.
Cabe preguntarse si el tema está a la altura de las expectativas, pero hay que recordar que va a ser masivamente apoyado en las promos del Mundial durante semanas. La letra incluye la palabra «gol» pese a haber sido escrita antes de su vinculación futbolera. Si no funciona de entrada -que puede que sí-, puede convertirse en sleeper a fuerza de «botes» y «rebotes».
El videoclip viene cargado de imaginería periférica (ella es del Baix Llobregat, como recuerda Alizzz), de coreografías aptas para TikTok y de imágenes impactantes, como esa en la que una multitud de personas empuja el coche dentro del cual se encuentra Chanel, mientras ella se repasa los labios de manera presumida. El clip se debate entre un desguace de coches e imágenes más glamourosas.
Rosalía ha concedido una entrevista a Vogue España y Vogue Italia de manera conjunta, que desde este martes 25 de octubre podéis encontrar en los kioscos. Es la primera portada conjunta de Vogue Italia desde diciembre de 2021, cuando compartieron la portada de Lady Gaga con Vogue UK.
La autora de ‘MOTOMAMI‘ cuenta que durante su gira ha tenido tiempo de ir a su primera ball de voguing en Nueva York, concluyendo: «Si trabajase en otra cosa, estaría siempre, siempre saliendo porque me gusta mucho estar rodeada de gente. Pero por mi profesión, tengo que aislarme para rendir bien».
Rosalía habla de su 30º cumpleaños y gran parte del texto está dedicado a su relación con Rauw Alejandro. Aunque ella habla de ello de un modo más abstracto: “La música es como que te exige mucho amor. Hace años, pensaba: «¿Encontraré la manera de tener las dos cosas? ¿De dedicarme a la profesión que más me quiero y a la vez compartir mi vida con alguien que entienda lo mucho que amo la música?». Creo que a estas alturas, para mí no hay nada más bello que el compromiso, en todo en mi vida. La persona que intento ser, desde donde hago las cosas… todo es desde el compromiso. Y eso también se traslada al amor, al amor romántico o al amor en pareja, como tú quieras llamar a tener un compañero en la vida. Ese es el amor que creo que merece la pena, ¿sabes? Poner todo, todo tu corazón en compartir de verdad tu vida con alguien, en pensar a largo plazo y estar ahí para esa persona. No solo en plan ‘jiji, jaja’ y para divertirse. Si amo, voy con todo, y creo que ese compromiso es lo mejor que hay».
En otro punto de la entrevista habla sobre cómo ha cambiado su proceso de creación desde ‘Los Ángeles’. “Después del primer álbum, creo que me estaba presionando demasiado. Solo me centraba en seguir, seguir, seguir… Me di cuenta de ello hace un par de años y creo que por eso Motomami suena más lúdico, porque hay más sitio para el juego y la alegría en mi vida que antes. Creo que hay dos maneras de estar en el
mundo. Una es creando y dando, y otra absorbiendo y recibiendo. Y yo siempre intento dar, dar y dar; crear; compartir. Pero he aprendido que no puedo estar así siempre, no es sostenible. Tienes que nutrirte; recibir para poder seguir dando. Así que busco un equilibrio y tener tiempo para todo, para poder alimentarme bien de experiencias antes de seguir compartiendo. Tienes que hacer las cosas que te hacen feliz y conocerte lo suciente como para saber cuáles son. Pueden ser pequeños rituales o simplemente cómo te despiertas por las mañanas. A mí me gusta cuidar de mis plantas, hacerle el desayuno a la persona que amo. Escuchar música me alimenta mucho. Sentarme en una silla en la calle o mirar al cielo sin más. Esas cosas me hacen muy feliz, me llenan por dentro».
Aunque quizá la parte más curiosa de la entrevista se produce cuando le preguntan si volverá al cine después del experimento de ‘Dolor y Gloria‘ y ella dice que no tiene tiempo. Pero luego corrige, entre risas: «pero si Sofia Coppola me llama… todo esto que te he dicho lo retiro». Lo cual tampoco es un descubrimiento si recordamos que el vídeo de ‘Candy’ estaba abiertamente inspirado en ‘Lost In Traslation’.
Arctic Monkeys han sido número 1 con todos sus discos en Reino Unido. Hasta ahora. A menos que la banda se curre una promo o una estrategia en semanas venideras o unos descuentos a principios de 2023, ’The Car’ pasará a la historia como su primer top 2.
Con 7 platinos para su debut, 4 platinos para su 2º disco ‘Favourite Worst Nightmare’ y 5 platinos para ‘AM’ en su país, Arctic Monkeys tenían razones para pensar que ‘The Car’ podría repetir el número 1 que habían conseguido en las islas todos sus discos anteriores, en la semana de salida. Pero no sucederá debido a la buena salud de la popularidad de Taylor Swift.
Taylor, que ha sido número 1 en Reino Unido con todos sus discos desde ‘Red’ (2012) y llegó a ser 5 veces platino con ‘1989’, repetirá con ‘Midnights’, entre otras cosas gracias a la multitud de formatos. Ya habíamos comprobado en sus streamings monstruosos, que Swift estaba ganando la batalla del streaming, pero lo cierto es que Taylor está ganando en todos los frentes, como se recoge en los foros de Buzzjack:
1 Taylor Swift – Midnights (140,590) [114,429 physicals, 5,857 downloads, 20,304 streaming]
2 Arctic Monkeys – The Car (104,874) [97,888 physicals, 2,155 downloads, 4,831 streaming]
Aun así, es de rigor reconocer que la batalla está siendo entre titanes. Estas cifras significan que Arctic Monkeys han vendido casi 100.000 unidades físicas durante un solo fin de semana (contando los voluminosos pre-pedidos). Un milagro en 2022. Pero es que ‘Midnights’ ha vendido 114.000, lo que sumado a las descargas y al streaming produce 140.000 puntos para Taylor, demasiado lejos ya de Arctic Monkeys (105.000) suceda lo que suceda durante la semana.
Taylor, además, ocupa el top 3 de singles al completo en las midweeks con ‘Anti-Hero’, ‘Lavender Haze’ y ‘Snow on the Beach’ con Lana del Rey, en ese orden. Arctic Monkeys pelean por colocar ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’, ‘Sculptures of Anything Goes’ y ‘There’d Better Be a Mirrorball’ en los tops 16, 17 y 20, aunque lo más probable es que bajen a lo largo de la semana.
¿Podrá en España Taylor Swift con Bad Bunny, número 1 durante 23 semanas con ‘Un verano sin ti’?
‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny continúa siendo el número 1 en España por 23ª semana. Ya es cuádruple platino. Otro álbum que el portorriqueño deja en el número 2 en nuestro país tras los últimos de Amaia, Mónica Naranjo, Madonna y Feid, entre otros, es ‘Sempiterno’ de Cepeda. El joven cantante, en plena polémica contra Telecinco, sí fue número 1 con sus anteriores entregas, ‘Principios’ (2018) y ‘Con los pies en el suelo’ (2020). Cepeda al menos lidera lo más vendido en vinilos un puesto por encima de Red Hot Chili Peppers (!).
Efectivamente, la segunda entrada más fuerte se produce en el puesto 7 con Red Hot Chili Peppers, ‘Return of the Dream Canteen’, un disco que ha quedado en posiciones más modestas que su predecesor este mismo año, ‘Unlimited Love’. La tercera entrada es Hugo Cobo, que queda a las puertas del top 10, al ser número 11 con ‘Un tú constante’.
Es muy llamativa la entrada al puesto 21 de ‘El ejército de un hombre solo’ del rapero Israel B con Lowlight, editada por el mismo sello Lowlight Music. Una autoedición desde la vanguardia de nuestro país que ha llegado hasta ahí gracias al streaming.
Queda un puesto por encima de ‘A Very Backstreet Christmas’, el disco navideño de Backstreet Boys editado un poco antes de tiempo. En España es número 22. De momento ha obtenido datos nefastos a nivel internacional, pero suponemos que subirá en semanas venideras.
Si The 1975 son número 1 en Reino Unido, como siempre, con su disco ‘Being Funny In a Foreign Land’, en España siguen teniendo que conformarse con una posición modesta: el número 30. Por otro lado, la separación de Second no ha aupado mucho el interés en ellos y ‘Flores imposibles’ queda solo en el puesto 39. Al menos en vinilos sí alcanzan al puesto 12.
Hablando de vinilos, Airbag llegan al puesto 67 con ‘Siempre tropical’ gracias al buen curso de la venta de LP’s, que les sitúa hasta en el top 10 en esa otra tabla (la de vinilos).
El rapero Lil Baby, número 1 en Estados Unidos con ‘It’s Only Me’, llega al puesto 56 en España; y también es una sorpresa encontrar a Tove Lo en el puesto 59 en España con ‘Dirt Femme’ (nuestro último “Disco de la Semana”), pese a la ausencia de sello o promoción en nuestro país.
La lista de entradas se completa con ‘The Gang’s All Here’ del jevi de Skid Row en el puesto 57, ‘Imaginaciones’ de los rockeros Whisky Caravan en el 61 y más guitarras eléctricas: ‘Pawns & Kings’ de Alter Bridge en el 76.
En un concierto reciente, Carly Rae Jepsen recordaba al público la fecha de lanzamiento de su nuevo disco, ‘The Loneliest Time‘: «Sale el 21 de octubre, debería ser fácil de recordar ya que Taylor Swift saca disco el mismo día». Con una sonrisa de complicidad en la cara, Carly evidenciaba que no vive en la luna y que no se considera a sí misma una competidora real de Taylor en las listas de éxitos. Nadie lo es, excepto la propia Taylor. Sin embargo, se da una ironía: tanto ‘Midnights’ como ‘The Loneliest Time’ pueden considerarse discos menores en las carreras de sus respectivas autoras.
Hay diferencias, claro: ‘Midnights’ es un disco conceptual que sigue un sonido particular a lo largo de sus 13 (o 20) pistas. ‘The Loneliest Time’ no posee esa visión, es un cajón de sastre de diversos estilos e influencias. La canadiense prueba cosas nuevas, pero también mira al pasado, y da con una obra que se conforma con ocupar un espacio medio, que no hará demasiado ruido, que no le hará ganar demasiados fans nuevos, pero que funciona por lo que es.
Es indicativo del contenido de ‘The Loneliest Time’ que ‘Western Wind‘, el primer single del disco, no puede tener menos que ver con el resto del largo. Si su sonido chill-pop hacía presagiar un disco de canciones en el estilo de ‘Solar Power‘ de Lorde, nada más lejos de la realidad: apenas la tierna ‘Far Away’, otra de las pistas destacadas, se le parece.
Son dos canciones dignas. Especialmente ‘Western Wind’ es un «grower» (sí, me desdigo de mi observación inicial) en su dedicación a un nuevo amor que refresca tanto como la llegada de la primavera. Pero también es verdad que suena mucho mejor en el contexto de un disco que parece empezar directamente por la pista 6 o 7: ‘Surrender My Heart’, con sus graciosas menciones a la terapia, recupera a la Carly ochentera, pero la canadiense ha solido abrir sus discos con composiciones mucho más potentes. La funky ‘Joshua Tree’ es mona pero, junto a la synth-popera ‘Talking to Yourself’, suenan a fotocopias de Carly, a algo que ella ya ha hecho otras veces y mejor.
Curiosamente, es cuando Carly abre nuevos caminos que convence más. No lo hace en absoluto en el single ‘Beach House‘, una canción cómica que oposita a la peor de su carrera. Pero la Carly «chill» deja tan buenos momentos como ‘Bends’ que, dedicada a un familiar fallecido, cautiva con su sonido glitch-pop. En el tramo final de ‘The Loneliest Time’ también destaca ‘Bad Thing Twice’: toca volver a mencionar a Fleetwood Mac como influencia. Vamos a tener que empezar a tomar chupitos. Pero ese sonido soft-rock nostálgico, a Carly le sienta bien.
La falta de dirección de ‘The Loneliest Time’ refleja que Carly no ha querido profundizar en sus nuevas ideas y ha preferido ir sobre seguro. Así, por supuesto, la pista titular es una de las mejores, porque su sonido disco es efectivo y la participación de Rufus Wainwright, un pequeño regalo. La voz de la canadiense, tan similar a la de Kylie, sigue sonando ideal en producciones finitas como ‘So Nice’, pero cuando los bonus tracks de tu disco destacan por encima de cortes que han pasado la criba, la confusión prevalece. Ahí está ‘Anxious’: ¿por qué ha quedado fuera?
Izaro es una de las artistas con las que no ha podido la pandemia. Al ser tan accidentada la promoción de su tercer disco, la joven ha aprovechado para revisitar temas pasados en una edición deluxe de ‘Limones en invierno’ que ha llamado ‘Limones de oro’. Hay aparecen artistas de España (Zahara, Rozalén, Amaral), Cuba (Daymé Arocena), Brasil (Duda in the sky), México (Alex Ferreira, Bratty, Silver Rose)… Conviven temas recientes como ‘Invierno a la vista’ con Xoel López, con otros de sus inicios, como ‘Argia’ con Amaral. Hablamos con Izaro en una terraza de Madrid -en los días en que aún no llovía- y resulta ser una conversadora inquieta que no habla sólo sobre sí misma y sus más y sus menos con la fama -sobre todo los menos, que inspirarán su próximo disco-, el cambio climático, el futuro del mundo, nuestra capacidad de mejora como sociedad, etcétera.
Pero además, la artista está enfrascada en una gira con decenas de fechas como parte de su selección en Girando por Salas y como parte del ciclo San Miguel On Air. Estos son algunos de los conciertos que aún aguardan, tras haber visitado en semanas recientes varias provincias españolas:
10 de noviembre: OVIEDO (San Miguel), Sala Gong
11 de noviembre: PONFERRADA (Girando por Salas), Sala La Vaca
12 de noviembre: ZAMORA (Girando por Salas), Selvatika
17 de noviembre: CÓRDOBA (Girando por Salas), Long Rock
18 de noviembre: JAÉN (Girando por Salas), Sala La Mecánica
19 de noviembre: GRANADA (Girando por Salas), Industrial Copera
25 de noviembre: BADAJOZ (Girando por Salas), Teatro Cultura Off
26 de noviembre: CÁCERES (Girando por Salas), Boogaloo Café
8 de diciembre: VALENCIA (San Miguel), 16 Toneladas
9 de diciembre: BARCELONA (San Miguel), Sala Bóveda
7 de enero: GASTEIZ, Principal Antzokia
27 de enero: MADRID, Teatro Circo Price
Tengo unos calcetines tuyos, que me mandasteis de promoción. Me los he puesto y me dieron a conocer tu música. He leído lo que has ido contando sobre lo que significan los limones para ti, cuánto te sorprendió que no sea una fruta veraniega… ¿Pero por qué esa forma de promoción?
Te llegarían unos calcetines y un limón. En el primer disco, ‘Om’, el primer single era ‘KoiLarak’, que significa «cucharas», y hablaba sobre cómo sería mi vida si yo fuera una casa. Y ahí digo que antes de construir la casa, planté un limonero. Ahí planté una semilla. El segundo disco no hablaba de los limones, pero el tercero es ‘Limones en invierno’. Me di cuenta de que yo me parecía mucho a un limón, es una fruta muy llamativa, y al probarla es como «¡¡aaargh!!», pero quieres volver a probarla. Se parece a mí. No sé por qué me siento identificada. El primer single de ese tercer disco era ‘Invierno a la vista’ con Xoel López y para mí era pasar de estar con el corazón roto y tener miedo al invierno a estar curada del corazón. Me apetecía el invierno, la reconciliación con el hogar. Mantita, calor, casa, hogar. Bienvenido al universo de los limones.
El limón está mucho en nuestro folclore, pero también en ‘Lemonade’ de Beyoncé, que no sé si es tu mundo.
Es mi mundo. También Julieta Venegas sacó ‘Limón y Sal’ cuando era adolescente, tenía 13 o 14 años. Hasta esa época, mi cerebro estaba más en cosas para aprender a escribir. Mis padres ponían mucho ‘Ofrenda’ de Pedro Guerra. Fue inspirador proyectar imágenes con letras. El de Julieta fue de los primeros discos que me influyó más bien en pensar cómo cantar.
Es difícil dilucidar influencias escuchando tu música. Me han venido a la cabeza Ella Baila Sola en ‘Eider’ con Silver Rose. No sé si están entre tus reivindicaciones.
Sí, cuando era como adolescente escuché 3 canciones suyas en bucle: ‘Lo echamos a suertes’, ‘Amores de barra’… Tenemos una intelectualidad frágil, que es como cuando se dice «masculinidad frágil». Parece que si tienes un guilty pleasure, si escuchas algo que no está intelectualmente aprobado, eso te baja de tu estatus. Nunca me he sentido cómoda con eso. Si me gusta una canción, me gusta. Esa culpa de escuchar algo que pueda ofender tu intelectualidad… me parece contraproductivo.
Tu último disco es un viaje a través de varias cosas. A veces no es nada Ella Baila Sola realmente… ¿Qué te representa más ahora mismo?
‘Delirios’ con Zahara. Rozando la psicodelia pero no del todo. Ha sido muy importante hacerla con Zahara porque ella ha compartido mucho sobre que te hagan sentir una histérica y una loca. Quería reivindicar ser una mujer fuerte. Cantar con ella es catárquico y empoderador.
Zahara ha denunciado en ‘PUTA’ y ‘REPUTA’ el acoso, el abuso sexual, el machismo, el patriarcado… pero tú la descubriste con ‘El Deshielo’. ¿Cómo has visto su evolución desde que la entendíamos como una cantautora? ¿Te ves realizando una evolución hacia la electrónica, por ejemplo?
Para mí es un referente muy importante. Sobre todo desde que la teloneé en el DabaDaba. Yo tocaba sola, no había grabado ni el primer disco. La vi y vi una mujer libre. Y es muy dífícil ser libre siendo una mujer. Yo pensé: «quiero ser eso, quiero ser libre». Desde entonces he querido trabajar para subirme a un escenario y ser una mujer libre. Hacer del escenario un espacio libre. Zahara además hace un márketing increíble, un packaging increíble, sus letras las puedo ver. Me gustan las canciones que puedo ver. Siempre ha enseñado cosas íntimas, pero ha ido puliendo el diamante, de fuera para adentro, en lugar de al revés. Y así ha llegado a ‘PUTA’, ha llegado al corazón del diamante. Es interesante verla cavar, sin miedo a lo que pueda explotar.
«Es interesante ver a Zahara cavar, sin miedo a lo que pueda explotar»
¿Qué tipo de cantautora te ves? ¿Tipo Calamaro, Christina Rosenvinge, Adele, Ed Sheeran, de desangrarse? ¿O de los pudorosos que no quieren contar demasiado?
Yo me veo en el lado no pudoroso. Autor autobiográfico. Si escucho el CD de Zahara, siento que la conozco un poco más. Es lo que me gusta de Adele. Cada disco es un trocito de mí. Autobiografía total. Las canciones son reflejos de un momento exacto, como escupitajitos. Y el disco es un vómito entero (risas) Me mola reflejarlo así.
¿Cómo va a ser tu próxima música, entonces?
Llevo un tiempo escribiendo canciones. Este año ha sido complicado. He ido puliendo el diamante. Ya no hablo de limones. Son canciones diferentes. No estoy componiendo con guitarra sino con piano. Vamos a parar de tocar tras el fin de gira en el Circo Price de Madrid.
«Ponemos flores a Amy Winehouse en una calle, pero la hemos matado nosotros»
¿Por qué dices que ha sido un año complicado? ¿Por lo profesional, para los músicos, o en lo personal?
Me he dado cuenta de las cosas que he ido pasando. En relación a la fama, a la exposición. Empecé a estar expuesta en 2016, era algo muy lejano a mí. He ido dejando todas esas cosas a un lado siendo una chica joven, he pasado de las cosas que dicen. Ahora que estoy más pausada, estoy haciendo un lavado de todo esto. Cura, cura y cura… me apetece mogollón grabar lo que tengo.
El tema de la exposición me interesa mucho desde antes de las redes sociales. Cómo se han llevado a Kurt Cobain, a Cranberries, ¿cuál es tu visión?
A Amy Winehouse… Si no fuera en las redes, sería otra cosa. Las redes lo facilitan pero la generación de los 27, que la gente se iba suicidando, ya estaba ahí. Yo en terapia también lo he trabajado. Como sociedad tenemos que hacer una autocrítica sobre cómo tratamos a la gente expuesta. Cuando Billie Eilish sale y dice que no conoce a nadie que sea famoso y sea feliz, cuando Justin Bieber está todo jodido… Hillary Duff es la única que ha sobrevivido de las niñas Disney… Ponemos flores a Amy Winehouse en una calle, pero la hemos matado nosotros. Necesitamos una autocrítica. Nos convertimos en algo malo, en algo hostil. Nosotros hemos hecho que esa gente se sienta así.
No tenemos mucha pinta de ir en la dirección correcta. Y es un tema complicado, porque también está la cultura de la cancelación. Nadie sabe muy bien qué hacer con Arcade Fire… Hay un debate.
El debate es importante. Ahora está muy polarizado todo. Sí o no. Blanco o negro. La masa gris es la que tenemos que amasar. Es normal tener dudas, es importante llegar a un punto. Hay que seguir pensando. Me martirizo mucho con eso. Aprendo a hacerlo lo mejor que puedo. Es verdad que es difícil. Hay artistas que sí que he dejado de escuchar por cosas que han pasado, no lo puedo evitar. Me pesa más el dolor.
Pero entonces estamos condenando a una persona expuesta, que a lo mejor tampoco es la peor que hay.
Estamos haciendo un documental desde que llenamos el Velódromo de Anoeta en Donosti, he sido la primera mujer en llenarlo siendo vasca. Pero empecé a ir a terapia y quise sacar esa ira en el docu, que empezó a ser otra cosa. Luego me di cuenta de que había cruzado lo público y lo privado, me confundí totalmente y pensé que si no le contaba algo al público estaba manteniendo algo como secreto. Podía hablar con amigos o con mi terapeuta, pero si no se lo contaba al público, sentía que tenía un tabú. Mi terapeuta me dijo que no, que yo tenía sentido fuera del foco, que si quería contar algo al público «OC». Es verdad que yo empecé sacando todo fuera, recibes cosas, te hieres mucho… Ahora estoy en modo «me quiero cuidar». Al final el docu acabó siendo otra cosa. Va de reivindicar la ternura, de quererse, de ser líder desde la ternura, desde la feminidad… Sale a fin de año.
«Nos extinguiremos en 200 años. En 200 años no nos da tiempo a ser decentes»
Tengo aquí una cita tuya brutal de una entrevista: «la humanidad se extinguirá antes de que consiga ser una especie realmente decente».
A mí me ha aliviado este pensamiento. Lo he hablado mucho con mi padre. Me he sentido muy culpable de ser parte de una sociedad tan mala. Romper el mundo como tierra. Mi padre me dijo «relaja, nosotros nos extinguiremos, pero el mundo seguirá girando, habrá otro tipo de animales, otro tipo de vida, no vamos a romper el mundo, vamos a romper el mundo para nosotros, será inhabitable sólo para nosotros». Y eso me alivió, por lo menos no vamos a mandarlo todo al garete. No creo que se acabe todo, pero nosotros nos extinguiremos en unos 200 años.
Tenía entendido que quedaban miles de millones de años.
200 años. En 200 años no nos da tiempo a ser decentes. A algunos sí, pero al conjunto no.
Espero que la ciencia avance lo suficiente, con cosas que no nos imaginamos. Hace 50 años internet era impensable, ha sido una revolución importante, y creo que habrá más. Si no, me voy a ir de aquí con un disgusto.
Hay varios ecologistas, zoólogos y biólogos que dicen que el daño es tan irreparable, que ya no nos da tiempo.
Bueno, también es verdad que hay gobiernos que niegan el cambio climático.
Exactamente.
Volviendo al disco, me ha sorprendido ver que ‘Argia’ no es de las canciones mejor valoradas.
Es una canción súper infravalorada. Es de mis favoritas. Le dije a Amaral que para mí era súper importante. Se llama además «Luz» en euskera. Que Amaral sí le vea ese brillo es como «¡menos mal!».
Tuve la suerte de veros cantarla juntas en los Premios MIN. Pero en directo no sueles llevar todas esas colaboraciones, ¿no?
El 27 de enero, en el fin de gira, a ver si podemos traer a toda la gente posible de aquí.
Te veo muy inquieta en lo sociopolítico. ¿Hay alguna canción vieja que ya no te represente?
Creo que no. Sí que es verdad que estoy haciendo un tratado de paz conmigo misma. Intento no juzgar mi pasado porque esas cosas me han traído aquí. Es verdad que ‘Errefuxiatuena’, que va de la gente que huye de las guerras, sobre refugiados… me hubiera gustado escribirla desde otro lado. Todos hemos sido refugiados en un momento u otro, y nuestra política de acoger refugiados es asesina. En la canción digo: «déjales que cuenten», porque yo ahora no soy una refugiada. Desde el privilegio asumes que tienes que dar una voz, y ahora no lo haría así. Sería cómo «cállate». Me callaría. Igual tiene que hablar otra persona. Igual que hay muchas canciones de hombres, sobre mujeres, en las que hablan de dejar a la mujer por ejemplo bailar. En vez de eso, habla tú de deconstruirte como hombre. En esa canción digo «déjales que vengan». Igual lo que yo tenía que hacer es deconstruirme como blanca, que es lo que he hecho en el siguiente disco. Pero bueno. Realmente es importante decir que estamos en contra de la guerra. Tenemos que aceptar el pasado, soy muy dura conmigo misma.
¿Por qué dices que nuestra política de refugiados es asesina?
Por Andalucía, por nuestras fronteras con otros continentes, los dejamos morir en el mar.
Pero en España hay refugiados. Tengo amigos profesores y hay muchos niños sirios en las aulas, por ejemplo.
Menos de los que debería haber. Todo lo que tenemos con el continente africano….
Mucha gente pensará que por cantar en euskera tu música es de una manera. Pero en ‘Limones de oro’ hay canciones latinas, que llevan a Brasil, de rock, no rock vasco, sino rock de estadio… Háblame del momento latino de ‘La felicidad’. ¿Qué has aprendido de lo que es la felicidad, desde que la hiciste?
La felicidad, ¿eh? Qué cosa. Lo más cercano que siento es que es un estilo de vida, y que en ese estilo de vida puedes estar alegre o triste por momentos. Puedes tener temporadas de bajona pero que en tu ser haya ganas de apegarte a la vida. El conocimiento de uno mismo, una estabilidad… es estar bastante cerca de la felicidad.
No me gusta preguntar por la pandemia, porque está muy sobado, pero veo a la gente muy tocada, creo que estamos peor de lo que pensamos.
Sí, hay mucha gente que nunca se había parado a pensar, hasta que se paró. Ves que tienes 60 años y no sabes si te gusta tu casa o con quién vives. Mucha gente se ha visto obligada a pensar y depurar muchos años. Va a traer mucha cola. Hay gente que le vendrá el año que viene.
Aun así, ‘La felicidad’ es una canción alegre. ¿Este sonido latino te representará para el futuro o lo ves como algo aislado?
Más para algún tema suelto. Soy muy bailonga. Con Daymé Arocena he aprendido un montón de la rumba habanera. Es maravillosa ella, al Velódromo pudimos traer 4 músicos cubanos, porque nosotros no podemos tocar eso. Hacer otro tipo de sonidos, ese sabor que dicen ellos, ha sido una gozada. Me gustaría no romperlo.
«Yo no lloro y he llorado mucho con ‘Motomami'»
¿Entonces harás un disco de nuevo variado?
Lo veo más aparte. Igual luego me sorprendo. Pero el disco que viene es otra cosa. El primero ‘Om’ era una terapia de amor de Izaro persona. Luego escribí un disco de amor a la ciudad de Donosti. «Limones» lo hice en años felices. Luego hice el Deluxe porque la pandemia se lo comió. Ahora vuelvo un poco al primero pero como Izaro artista. Mi propio «Motomami». ‘Motomami’ me ha tocado mucha fibra, a nivel producción, lo que cuenta, la hostilidad que ha vivido, de dónde lo cuenta. Cuando dice «Mi ambición, delirio de grandeza». El «hate». Intentar bajarla. Somos una sociedad que anima a la gente a que consiga cosas y cuando lo consigue, ya no nos gusta. Me compré el vinilo, lo abres y está con ramas, la cabeza de cierva, con zuecos, pintada… Yo también me identificaba con un animal en la terapia. La foto de portada la entendí cuando escuché el disco. Yo no lloro y lloré mucho con ‘Motomami’. Yo no puedo escucharlo como música de fondo.
O sea que un animal va a ser la imaginería de tu próximo disco.
Una parte.
¿Por qué lo has pasado tan mal respecto a la fama? ¿Es como cuando Amaia dice que no soporta ver artículos sobre si se depila las axilas o no?
Es más un «hate» político concreto. Algo que no me siento muy cómoda compartiendo. Creo que Rosalía ha tenido el suyo propio que no es como si eres fea o no, si tienes pelos o no. Es algo más sistemático. Estoy curando muchos traumitas de uno en uno, como la Rosi.
Violinista desde pequeña como ya era visible en la mencionada actuación, Sudan Archives se ha consolidado con un segundo álbum llamado ‘Natural Brown Prom Queen’ que será estos días nuestro “Disco de la Semana”.
Mi debilidad en este álbum son temas que remiten a la era trip hop como ‘Freakalizer’ o ‘Milk Me’ (con ese irresistible “I want you to fuck me, I want you to love me”), hacia el final de la secuencia, pero no cabe duda de que hay canciones más históricas aquí. Como ‘Home Maker’, cuyo vídeo ha sido rodado en una tienda de muebles, o el que está siendo el gran himno del álbum, ‘Selfish Soul’. Es nuestra “Canción del Día” para este lunes.
Sudan Archives comienza esta canción preguntándose qué hacer con su pelo, si cortarlo o dejarlo crecer, y ya sabéis -al menos desde ‘Don’t Touch My Hair’ de Solange– de las connotaciones racistas que esto puede tener. También feministas, cuando la artista se compara con “las chicas de las revistas” en la misma estrofa de partida. El vídeo, con Sudan Archives rodeada de chicas en el barro, sigue esa línea mientras la letra insiste en que “no quiere peleas ni miedos”, ni decepciones de un “tío que conoció la otra noche, llamado Jimmy Mac”.
Un tema rítmico, de producción abrasiva, que podríamos conectar con gente como Beyoncé, M.I.A., Santigold o, el año pasado, el espléndido trabajo de Genesis Owusu, y que ella misma presentaba así: «Creo que hay una estandarización en América de lo que es un pelo bonito. Y quería mostrar en este vídeo que esa no es toda la belleza que hay, quería mostrar diferentes tipos de pelo, de mujeres y de estilos. Me inspiré en ‘I Am Not My Hair’ de India.Arie, una de las primeras canciones que escuché sobre este tema. Habla sobre extensiones y ondas y pelo natural y sobre que ella no es su pelo, sobre que no se conformará con las comparaciones que saldrán si tienes extensiones o Afro. Eso no la representa».
Cargando ...
