Carlos Santana se ha desmayado esta noche durante un concierto al aire libre en el auditorio Pine Knob Music Theatre de Clarkston, en Detroit (Michigan). Su equipo ha confirmado que Santana está bien y que sufrió un episodio de deshidratación.
En un breve comunicado de Facebook, el propio Santana ha dado cuenta de su buen estado y confirmado que su colapso se debió a la deshidratación: «Cindy y yo estamos bien, olvidé comer y beber agua, por lo que me deshidraté y me desmayé, pero estamos bien, nos lo estamos tomando con calma».
Santana, de 74 años, llevaba aproximadamente 40 minutos de concierto cuando colapsó y tuvo que recibir atención médica. El compositor y guitarrista fue entonces retirado del escenario en camilla, momento que fue capturado por los asistentes en vídeo. El resto del concierto fue cancelado.
Santana presentaba su nuevo álbum ‘Blessings and Miracles’, lanzado el pasado mes de octubre. El disco ha alcanzado el número 7 en Alemania, el número 13 en Austria, el número 16 en Polonia, el número 25 en Portugal y el número 38 en Escocia.
Desde los años 60, Santana es uno de los mayores iconos de la música rock gracias a su pionera fusión de música latina y rock, capturada en éxitos millonarios como ‘Oye cómo va’, ‘Maria Maria’ o ‘Smooth’. Su álbum de 1999 ‘Supernatural’ es uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Recordaréis a Nerea Rodríguez de OT 2017 y, aunque no ha tenido tanta suerte a nivel comercial como sus compis Amaia, Aitana, Mimi / Lola Índigo o Alfred, ha podido dedicarse a la música estos años, tanto en el musical ‘La llamada’ como sacando sus propios temas. Su EP ‘Doble o nada’ pasó desapercibido más allá de sus fans, pero la catalana no ha cejado en su empeño, autoeditando gran parte de sus últimas canciones. Y la última ha sido ‘Malibu’, con la que parece haber dado más en el clavo.
‘Malibu’ es un tema de pop-rock dosmilero bastante simpático que recuerda (para bien) a los de Aitana, y se ha popularizado a cuenta de la estrategia de promo de Nerea en TikTok, con una maravillosa chaotic energy. La cantante comenzaba los vídeos diciendo “si te ha pasado X, esta canción es para ti”, pasando a cantar el estribillo: un “y he salido a la calle pooor tiiii-me he parado un taaaxiii” que suma otro taxi icónico, junto a los de Mónica Naranjo y Love of Lesbian, al pop español.
Los memes no se hicieron esperar ante el “target: to cristo” que parecía dirigir la promo, y “Y HE SALIDO A LA CALLE POR TI” ha llegado a convertirse en trending topic. Nerea, lejos de tomárselo mal, ha decidido sumarse y aprovechar la situación para continuar la promo, e incluso ha cambiado el título del videoclip añadiendo la citada frase. La fuerza de los memes no tiene que traducirse en streamings, pero quizás esto ayude a que estemos atentas a los próximos pasos de Nerea.
Y HE SALIDO A LA CALLE POR TI (comprar la botella antes de que cierre el súper)
— Jägermeister España (@Jagermeister_es) July 4, 2022
si tu abuela ha muert00 y tienes que ir a su funeral mañana esta canción es para ti Y HE SALIDO A LA CALLE POR TI
Tres canciones del álbum póstumo de Michael Jackson de 2010, bautizado como ‘Michael’, han sido eliminadas de los servicios de streaming entre acusaciones que afirman que Michael no cantó en ninguna de ellas. Solamente 7 de los 10 temas que originalmente tenía el disco siguen en Spotify, Apple Music y Youtube Music. Las canciones en cuestión son ‘Monster’, con 50 Cent, ‘Keep Your Head Up’ y ‘Breaking News’.
La eliminación de estas canciones es parte del proceso que empezó en 2014 con una demanda de una fan de Jackson, Vera Serova, contra el patrimonio de Michael y Sony Music en la que alegaba que la voz usada en las canciones no era la de la estrella de ‘Thriller’. En 2018, el caso volvió al ojo público después de que Sony Music fuesen forzados a lanzar un comunicado negando las acusaciones.
En otro comunicado a raíz de la eliminación de las piezas, un portavoz de la web oficial de Michael Jackson confirmó que las canciones ya no estaban disponibles, pero también recalcó que esto «no tiene nada que ver con su autenticidad». Asimismo, el portavoz habló en nombre del patrimonio de Jackson y de Sony Music para opinar que «la conversación actual sobre las canciones está distrayendo a la comunidad fan y a los oyentes casuales de Michael», añadiendo que deberían enfocar su atención «donde debería estar», que es en «el legendario y profundo catálogo musical de Michael».
En agosto de 2018, hubo un juicio sobre el patrimonio de Michael y de Sony Music. Sin embargo, no se esclareció nada en cuanto a si Michael había cantado o no en esos tres temas. Actualmente, el caso está en proceso en la Corte Suprema de California.
Una semana más en el Top 100 Singles de nuestro país, ‘Tití Me Preguntó’ sigue liderando el ranking por octava vez. La mitad del Top 10 está ocupada por Bad Bunny y la canción del puertorriqueño con Chencho Corleone, ‘Me Porto Bonito’, ha subido respecto a la semana anterior, posicionándose en el segundo puesto y desbancando a ‘Te Felicito’, de Shakira y Rauw Alejandro, a la posición de bronce.
La mayor subida respecto a la semana pasada viene de la mano de Manuel Turizo con ‘La Bachata’, ascendiendo desde el número 31 de la lista al 17. De esta forma, Turizo se queda con un puesto de ventaja respecto a la entrada al ranking más fuerte de la semana. ‘La Llama del Amor’, de Omar Montes y Jairo Deremache, entra en el puesto 18 y consigue ser parte del Top 20. En los próximos días subirá, puesto que se acerca al top 10 en Spotify España.
Duki también entra en lista esta semana con ‘Celosa’, parte de su último proyecto ‘Temporada de Reggaetón 2’, y se cuela en el número 35 de la clasificación. Pasamos a la segunda mitad del Top 100 y nos encontramos con ‘Pelé’, lo nuevo de KG970 y Elpatron970, debutando en el puesto 75 de la lista. En el número 84 se colocan Abraham Mateo y Ana Mena con ‘Quiero Decirte’ y Duki repite entrada en el puesto 87 con ‘Amor Bipolar’, su colaboración con Mora.
Las últimas entradas en el Top 100 las protagonizan ‘Tú Y Yo’ de Beret y Omar Montes, que repite entrada, debutando en la posición 95, y ‘Rumbapop’, lo último de Estopa y Pole., que se cuela en el número 98 de la lista.
Bad Bunny continúa una semana más en el número 1 de la lista semanal de Discos en España con ‘Un verano sin ti’. ‘Harry’s House’ de Harry Styles recupera una posición para subir al top 2, mientras en el número 3 aparece la entrada más fuerte.
Se trata de ‘Temporada de reggaetón 2’ del argentino Duki. Además de llegar al puesto 3, Duki sube al puesto 66 con la primera parte de ‘Temporada de reggaetón’ y reentra con ‘Desde el fin del mundo’ en el 98. Entre los éxitos pasados de Duki están ‘TOP 5’ y o ‘Unfollow’ con Bizarrap; y entre los actuales, ‘Si quieren frontear’, que lleva semanas “trending” en Youtube.
La siguiente entrada más relevante es la de Porcupine Tree en el número 7 con ‘Closure / Continuation’. Un disco que se ha quedado sin el top 1 en Reino Unido por los pelos, pero que sí lo ha conseguido en Alemania y Holanda. Se trata del primer disco de la banda de rock progresivo en 13 años e incluso aunque Steven Wilson había anunciado su marcha.
En el puesto 13 aparece ‘Superache’ del americano Conan Gray, con varios créditos de Julia Michaels. El segundo disco de Conan Gray ha sido top 8 en Reino Unido y top 9 en Estados Unidos. Otras entradas en el top 100 de Discos España son ‘Nothing But the Blues’ de Eric Clapton en el puesto 25; ‘Tanteo’, el EP de 5 temas de Dellafuente, en el 44; ‘Magua con Miel’ de Choclock en el 85 y ‘Blasfem on Air’ de Blasfem en el 96.
Destacan también las fuertes bajadas de Mónica Naranjo, que pasa del número 2 al número 22 con ‘Mimétika’ en su segunda semana de vida; y también de Drake, que pasa del puesto 6 al puesto 16 pese a toda la maquinaria promocional en Spotify en torno a ‘Honestly, Nevermind’.
Kid Cudi ha anunciado lo que tantos fans han estado esperando, el lanzamiento oficial de su mixtape debut de 2008, ‘A Kid Named Cudi’, en los servicios de streaming. El artista de Cleveland ha confirmado que su primer proyecto saldrá una semana después de su primer recopilatorio de grandes éxitos, ‘The Boy Who Flew To The Moon Vol. 1’.
Cudi hizo pública la noticia en una serie de tweets en la que reveló las fechas de ambos proyectos y algunos detalles más sobre ellos. ‘The Boy Who Flew To The Moon’ llegará el 8 de julio a streaming, mientras que ‘A Kid Named Cudi’ estará disponible una semana más tarde, el 15 de julio, dos días antes de su 14 aniversario.
El autor del álbum ‘Man On The Moon’ también ha mencionado que está «emocionado por que todos lo disfrutéis otra vez» y que esta versión de ‘A Kid Named Cudi’ estará remasterizada y contará con una nueva intro. Además, para los más nostálgicos Kid Cudi ha confirmado que oficialmente habrá versión en vinilo.
Kid Cudi ha estado bastante ocupado últimamente, preparándose para el lanzamiento de su próximo álbum y serie el próximo 30 de septiembre. Ambos proyectos son titulados ‘Entergalactic’, cogiendo el nombre de una canción de su primer álbum, y ya hay disponibles un tráiler de la serie y el primer single del LP, ‘Do What I Want’.
July 8th "The Boy Who Flew To The Moon Vol. 1" (Best of)
July 15th "A Kid Named Cudi"
I love u. Ur welcome ☺️✌🏾💖
— The Chosen One : I 💖 YOU FRESHIE 4EVER (@KidCudi) July 4, 2022
"A Kid Named Cudi" dropped July 17th 2008. This official release is 2 days shy of the 14th anniversary. I am so damn excited u all get to enjoy it again, remastered, w all the jams that made people fans from jump. Also, did a new intro. 😌
— The Chosen One : I 💖 YOU FRESHIE 4EVER (@KidCudi) July 4, 2022
Nilüfer Yanya es uno de los talentos más peculiares del rock británico. Su voz, su estilo melódico, el misterio de su sonido y de sus letras… contribuyeron a que ‘Miss Universe’ fuera considerado uno de los debuts más interesantes de los últimos años. ‘PAINLESS’, el segundo álbum de Nilüfer, ha vuelto a obtener notas excelentes en multitud de medios especializados. Este sábado, la artista lo presenta en vivo en Bilbao BBK Live, y hemos aprovechado para hablar con ella y que nos cuente los entresijos del álbum. Es el Disco de la Semana.
¿Qué tal estás?
¡Estoy bien! Acabo de tocar en Glastonbury.
Es un festival enorme.
Es demasiado grande. He tocado dos veces, ha sido cansado, pero me lo he pasado bien.
¿Tendrás tiempo de descansar próximamente?
No por el momento. Vamos a tocar en festivales durante todo el verano, la semana siguiente haremos unos conciertos con Adele, y después viajamos a Portugal y a Bilbao (NdE: la entrevista tuvo lugar previamente a la celebración de los dos conciertos de Adele en Hyde Park).
Ahora que lo mencionas, te iba a preguntar por el concierto de Adele. ¿Cómo ha surgido este bolo? ¿Te llamó su equipo?
Realmente no lo sé. La semana previa me llamó mi mánager y me dijo que tenía una oferta para mí, la de telonear a Adele. Acepté, por supuesto. No sé de dónde ha salido la oferta, pero sé que el cartel se compone solo de artistas femeninas.
Adele debe ser fan de vosotras.
¡Me gustaría pensar que es así!
¿Pero no sabes nada, si a Adele le gusta tu música o no?
No sé nada (ríe)
El título de ‘PAINLESS’ es irónico, ¿verdad? En el disco hay bastante sufrimiento, pero el título parece querer decir que ese dolor te ha dejado anestesiada.
Exacto. Es un sentimiento de anestesia. Muchas canciones del disco hablan sobre no ser capaz de sentir nada. Algunas de ellas las escribí en un momento en que no me sentía demasiado inspirada. Sentía que nada tenía sentido. Me parece interesante poder escribir canciones sobre ese vacío.
Has dicho que el disco tiene un componente urbano y gris. ¿De qué manera los espacios en los que has estado te han inspirado?
La mayor parte del disco la escribí en Londres con mi amigo Wil(ma Archer). Trabajamos en su estudio, que es pequeño y oscuro, es un sótano sin ventanas, así que teníamos que salir al exterior para que nos diera un poco el aire. Ese espacio me inspiró porque parecía una incubadora, parecía que estábamos escondidos del mundo, y eso me ayudó a expresarme. Era un lugar seguro, pero en una manera extraña. Por otro lado, muchas de las canciones las escribí durante el confinamiento, en un momento en que no tenía espacio personal y, a la vez, sentía que no estaba conectada a nada.
Después decidimos cambiar de ambiente y nos fuimos a Cornwall, al estudio de mi tío. Ahí pasamos dos semanas escribiendo y grabando. Es un sitio muy diferente. Está cerca del mar, es muy tranquilo. En ese estudio también sentí que me podía expresar abiertamente, que no había nadie observando, lo cual me ayudó a mantenerme creativa y a ser yo misma.
«No eres menos artista porque compartas el trabajo, simplemente la dinámica es diferente»
Para ti ha sido muy importante trabajar con Wilma Archer en este disco ¿Qué te ha aportado?
Wilma ha escrito muchos de los arreglos, lo cual ha sido algo nuevo para mí, porque normalmente yo lo quiero hacer todo sola. Sin embargo, en el momento de creación del disco, no me sentía demasiado creativa, por lo que no tuve otra opción. Yo he escrito letras y melodías pero Wilma ha hecho buena parte de la música. Me lo he pasado bien colaborando con alguien de esta manera.
¿Él creaba arreglos que tú le dictabas?
Él me conoce desde hace tiempo y sabe el tipo de música que quiero hacer. Nos enviábamos cosas y a veces él me mandaba algo que podría haber salido de mi cabeza. Confío mucho en él. Trabajar con él me ha permitido delegar el control, lo cual ha sido liberador. No eres menos artista porque compartas el trabajo, ni estás haciendo trampas, simplemente la dinámica es diferente.
¿Te sientes creativa ahora mismo? Antes fue la pandemia pero ahora estás de gira…
Me siento creativa. Pienso en la música más que antes, lo cual suena tonto, pero hace un año no era así. La gira me ha ayudado porque siempre estoy ensayando o preparándome para dar un concierto. Siento que vivo dentro de estas canciones y que la parte musical de mi cerebro funciona de nuevo.
¿Te consideras una letrista impresionista? Cuando leo tus letras percibo un sentido de lo que quieres decir, pero muchas veces resultan crípticas. Da la sensación que buscas capturar una idea del sentimiento, no tanto expresar lo que sientes con claridad.
Como persona soy bastante reservada, lo cual se refleja en las letras. Intento ser comedida con las cosas que digo. Muchas veces evito la confrontación, quiero decir cosas y a la vez no quiero decirlas, y eso lo vuelco en mi música. Escribir es terapéutico, pero no es terapia, porque muchas veces intento decir algo y me voy por otra dirección completamente diferente.
‘midnight sun’ habla sobre esa incapacidad de afrontar conflictos. Es un problema que mucha gente joven sufre.
No puedes evitar las cosas negativas todo el rato. Algunas veces es buena idea pero otras no. Hay una fina línea que separa el ser autodesctructivo con el querer afrontar los problemas. Si un problema me ronda la cabeza todo el rato sé que debo confrontarlo, pero es difícil.
¿La idea de molestar u ofender a los demás te impide confrontar esos problemas?
Sí. Pienso mucho en lo que sienten los demás. Soy muy sensible a los sentimientos ajenos. Si alguien está de mal humor absorbo ese sentimiento, y lo que siento de repente tiene que ver con esa persona y no conmigo. Me resulta difícil desvincularme de los sentimientos que expresa otra persona. Muchas veces dejo que ese sentimiento dicte lo que debo hacer, y eso dificulta solucionar el problema.
‘trouble’ es una de las canciones favoritas por los fans. Es una de las más íntimas del disco.
Es íntima pero, por alguna razón, tengo ganas de escucharla en una discoteca (ríe) Me imagino a la gente bailándola en el club, pero es demasiado melancólica. Terminó siendo una balada íntima, lánguida… Habla sobre un sentimiento. No estoy segura de cuál ese «problema», pero todo el mundo puede identificarse con la idea de sentirse en problemas, o de tener un problema… Y la palabra «trouble» me parece muy bonita.
«Para ser creativa necesito estar feliz, no puedo crear si estoy sufriendo»
¿De verdad ‘belong with you’ está inspirada en ‘All the Things She Said’ de t.A.T.u? Nunca lo hubiera dicho, tiene un ritmillo como country…
Cuando escribíamos la canción me recordaba a t.A.T.u. La canción no está inspirada directamente en ellas, pero creo que comparten cierta energía. Es una referencia.
¿Qué opinas de t.A.T.u.?
Molan, pero no sé qué es de ellas.
Ya no existen como banda.
Es una pena.
Una de ellas hizo declaraciones homófobas en la tele.
¿En serio? Qué mal.
¿Qué significa el estribillo «you’re so violent, autopilot» de ‘L/R’?
Es la primera canción del disco que empecé a escribir, en febrero de 2020, después de terminar la gira de ‘Miss Universe’. La empezamos a escribir en Lisboa porque el productor Bullion vivía ahí. Pasó un año hasta que la completamos. La producción pasó por diferentes fases. La letra no sé muy bien qué significa, como dices, es impresionista. A veces sientes que vas en piloto automático, como un robot, o que el mundo va en piloto automático y que puede ser un lugar muy violento y hostil. No hay sentimientos. La mecánica a través de la cual vamos por el mundo puede ser dura.
Recientemente has colaborado con la banda danesa Liss en un nuevo single. ¿Cómo ha sido trabajar en una canción que no es tuya? Ellos han dicho que el tema pasó por varias fases, y que cuando te la pasaron encontraron la versión definitiva.
Primero les mandé otra canción, una versión primigenia de ‘company’, que está en mi disco. No me gustó cómo estaba quedando, por mi parte, no por la suya. Por otro lado, ellos me mandaron otra canción en la que trabajé de manera simultánea. Y me gustó mucho cómo quedó. Me gustó contribuir cosas a proyectos de otra gente y no ser tan crítica conmigo misma, porque no es mi proyecto.
Tú misma has dicho que no comulgas con la idea de sufrir por el arte.
La música es curativa. Para ser creativa yo necesito estar feliz, no puedo crear si estoy sufriendo. Obviamente si estoy triste escribir me ayuda, pero necesito desvincularme de esa tristeza, verla desde la distancia, para poder crear algo que para mí tenga valor.
Overmono ha sido uno de los reclamos inesperados en los festivales de este año. Hordas de personas no han querido perderse sus actuaciones ni en el Sónar de Barcelona (a riesgo de perderse el inicio de C. Tangana en el recinto de noche) ni en el reciente evento de Condeduque en Madrid. ¿Por qué?
Los hermanos Tom y Ed Russell forman Overmono. Procedentes de Gales, se llevan 10 años de diferencia, y ya habían publicado música por separado (Tom como Truss, Ed como Tessela) antes de juntarse oficialmente bajo el citado alias. Uno de ellos es fan del drum ‘n bass, otro del tecno, y sus producciones divagan cómodamente por ambos mundos, en busca de su propio sonido.
Los bucles de batería de ‘Cash Romantic’ son tan definitorios del estilo de Overmono como el sonido de deep techno de ‘So U Know’. Por otro lado, ‘Diamond Cut’ es una elegante producción de garage que admite voces propias del R&B mientras, en un estilo parecido, ‘Bby’ se acerca a las atmósferas de un Four Tet o de un Burial en el trato de las voces.
Una de las pistas destacadas en el repertorio de Overmono es ‘Gunk’, que hoy seleccionamos como Canción Del Día. El single principal de ‘Cash Romantic’, su EP de 2022, genera una gran intriga en su incorporación de influencias tecno, trance y R&B en una producción, de nuevo, sobradamente elegante y envolvente que te mete en eso mismo, en un trance.
Overmono se dieron a conocer en 2016 con su trilogía de epés ‘Arla’, y después lanzaron otros como ‘Raft Living’ o ‘Whities 019’, en los que conjugaban atmósferas de tecno abstracto con sus habituales producciones de breakbeat. Ellos dicen que ya no samplean tanto como antes porque licenciar música es un incordio, pero celebran que esto les ha permitido esculpir y definir su propio sonido.
Mad Cool cambia de recinto (de nuevo). Tras meses de negociaciones entre organización y Ayuntamiento, El Mundo confirma que Mad Cool se trasladará al sur de Madrid a partir de 2023. En concreto, el festival abandonará el espacio de Valdebebas – IFEMA (donde se celebra actualmente) para mudarse al distrito de Villaverde, donde celebró sus primeras ediciones.
Sin embargo, Mad Cool no volverá a la Caja Mágica, sino que contará con su propio espacio, construido a partir de unos terrenos aún por desarrollar, privados, que se encuentran ubicados en las inmediaciones del polígono Marconi y cerca también del polígono El Gato y de la Factoría Industrial de Villaverde, en la zona de Los Aguados y Los Llanos. Mad Cool ha elegido el espacio por su envergadura capaz de acoger a una asistencia de 80.000 personas como la de 2019, y también por su buena comunicación en transporte público y carretera, y por su ubicación alejada de zonas residenciales.
El Ayuntamiento de Madrid ha confirmado a El Mundo que el nuevo espacio en que se celebrará Mad Cool pretende cobijar otros eventos musicales en el futuro. Mariano Fuentes, Concejal Delegado del Área de Desarrollo Urbano de Madrid, ha declarado que «el hecho de elegir ese enclave de Villaverde no es aleatorio» ya que «alrededor del mismo hay un proyecto de ciudad y de atracción de talento, relacionado con la industria de la música».
Mad Cool vuelve esta semana tras el parón pandémico. El festival se celebra del 6 al 10 de julio en el recinto de IFEMA y, entre los artistas confirmados en su programación, se encuentran cabezas de cartel como Metallica, Muse, Twenty One Pilots, Florence + The Machine, The Killers, Placebo, Nathy Peluso, Stormzy, Kings of Leon o Imagine Dragons. Los horarios del festival y sus correspondientes solapes ya están disponibles.
Pedro Almodóvar ha confirmado nuevo proyecto. ‘Extraña forma de vida’ será un corto de media hora inspirado en las películas de Western. De hecho, Almodóvar lo considera su «respuesta a ‘Brokeback Mountain‘». Empezará a rodarse en verano, y en inglés.
‘Extraña forma de vida’, que se rodará en el desierto de Tabernas (Almería), narrará la historia de Silva (Ethan Hawke), quien se reencuentra con su amigo de la infancia, el sheriff Jake (Pedro Pascal), después de 25 años sin verse. Ambos trabajaron juntos en el pasado como pistoleros a sueldo. En la mañana siguiente, el sheriff Jake revela a Silva un secreto inesperado relacionado con su amigo.
‘Extraña forma de vida’ explorará la temática del deseo, y su título se inspira en el de un «fado muy triste» interpretado por la cantante portuguesa Amalia Rodrigues. En el tema, Amalia canta que «no hay vida más extraña» que aquella en la que se reprimen los propios deseos.
Entre los actores confirmados en el reparto de ‘Extraña forma de vida’ se encuentra Manu Ríos, conocido por su papel en ‘Élite‘, así como Sara Sálamo, Pedro Casablanc, Jason Fernández, José Condessa y George Steane.
En declaraciones recogidas por Variety, Agustín Almodóvar ha afirmado que ‘Extraña forma de vida’ volverá a ser un «ejercicio libre» como lo fue ‘La voz humana‘, su primera película rodada en inglés, y que será un proyecto autofinanciado.
Almodóvar tiene, por tanto, varios frentes abiertos. Por un lado, el director trabaja en la adaptación televisiva de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios‘. Por el otro, se encuentra preparando la adaptación a la gran pantalla de ‘Manual de señoras de la limpieza’, el recopilatorio de relatos de Lucía Berlín, con Cate Blanchett en el papel protagonista. ‘Extraña forma de vida’ se rodará antes del estreno de esta última cinta.
Macy Gray ha acudido a un programa de televisión y ha dado su opinión sobre las personas transgénero, porque su existencia sigue siendo objeto de debate en pleno 2022.
En el programa de Piers Morgan, Macy ha declarado que «ser mujer» significa «tener tetas y vagina» y que «si quieres que te llame «ella» lo haré, pero someterte a cirugía y modificar tus partes íntimas no te hace mujer». La cantante de ‘I Try’ ha señalado que «una mujer pasa por experiencias completamente diferentes y eso no cambia por mucho que te sometas a cirugía o te estés encontrando a ti mismo». Añade: «Ser una niña ya es una historia épica de por sí, tú no puedes apropiarte de eso solo porque quieras ser mujer». Macy tampoco está de acuerdo en que las mujeres trans participen en competiciones atléticas junto con otras mujeres cis.
En otra declaración, Macy ha apoyado a J.K. Rowling, otra celebridad conocida por sus ideas transexcluyentes: «La gente no debería decir que eres tránsfoba solo porque no estás de acuerdo (con su opinión). Se hacen muchos juicios y se tiran muchas piedras solo porque una persona dice las cosas tal y como son».
Casualmente, Macy Gray acaba de ofrecer un concierto en Mighty Hoopla, festival LGBTQ+ de Londres, y su director Anthony ha condenado las palabras de Macy en Twitter. Ha dicho que «si lo hubiera sabido, no la hubiese contratado». Macy ha contestado que «no hay nadie que admire más a la comunidad LGBTQ+ que una servidora» y que «hay que tenerlos bien puestos para ser honesto sobre quién eres». La cantante ha añadido que «»Mujer» es un título que te ganas, y en el que te conviertes, como «hombre». Hay muchas hembras que todavía no son mujeres y cualquier chica joven lo sabe».
En sus declaraciones, Macy niega abiertamente la existencia de las personas trans, y confunde conceptos de sexo y género. La autora de ‘The Way‘ cuenta con una generosa base de fans queer, por lo que sus palabras van a decepcionar a muchos. No obstante, la cantante está recibiendo múltiples apoyos en redes.
En cuanto a sus últimos pasos artísticos, Macy acaba de participar en la fracasada primera edición de American Song Contest. Además, estos días ha salido a las calles a repartir CDs de su nuevo álbum, ‘Every Night’, que sale este mismo viernes e incluye la canción recomendada ‘Thinking of You‘.
"Just because you go change your parts, doesn't make you a woman, sorry."
Don't miss Piers Morgan's interview with singer Macy Gray on tonight's show.
Regina Spektor sigue siendo una artista influyente, tanto como para que talentos noveles y tan jóvenes como Em Beihold, de 23 años, la consideren su mayor ídolo. Sin embargo, la cantante y compositora ruso-estadounidense no es conocida por revolucionar su sonido disco tras disco. Más bien, escuchar un nuevo trabajo de Spektor es como volver a casa después de un largo tiempo alejado de ella: resulta diferente, pero a la vez familiar. Acogedora, pero extraña.
Vuelve a ser el caso de ‘Home, before and after’. Grabado durante la pandemia en una iglesia convertida en estudio, es el primer disco de Regina que la artista ha grabado completamente sola. John Congleton lo ha producido desde California, y ninguno de ellos ha trabajado mano a mano con la orquesta presente en muchas de las canciones, ubicada en Macedonia. ‘Home, before and after’ es más luminoso que ‘Remember Us to Life’, pero es otro disco de Regina Spektor ni más ni menos.
Lo cual es bueno, en parte. Es bueno porque Regina sigue regalando melodías bonitas y letras enormemente peculiares que la diferencian de la masa muy holgadamente. En ‘Becoming All Alone’ se toma una birra con Dios para entregar una sentida reflexión sobre la soledad, y en ‘Coin’ va pasando una moneda a diferentes personajes, desde un científico a un bebé pasando por el presidente de Estados Unidos, para rumiar sobre el amor, la vida, la edad adulta o la guerra.
No son necesariamente las historias más interesantes de ‘Home, before and after’. ‘Up the Mountain’ es directamente un mundo abierto hecho canción, en que Regina pasa de observar la panorámica de un bosque, a un detalle tan diminuto como el néctar contenido en una flor, mientras sale en busca de «respuestas». Y la odisea de ‘Specetime Fairytale’ es exactamente eso mismo, un cuento sobre el espacio y el tiempo, que Regina puede dedicar a su propio «hijo» o un vástago indeterminado, y que le sirve para reflexionar sobre los citados conceptos o la alterabilidad del universo.
La música de ‘Home, before and after’ provoca menos fascinación. No es que Regina no haya sido capaz de crear canciones históricas como ‘The Call’ o ‘Fidelity’, que también, sino que la producción suena demasiado nítida y aséptica. ‘Becoming All Alone’ es una canción excelente, pero su beat trip-hop la hace sonar anacrónica para mal. ‘One Man’s Prayer’ suena algo sobrecargada de arreglos, y da la sensación que habría funcionado mejor como balada. Y lo más memorable de ‘SugarMan’ es que sus estrofas son idénticas a las de ‘Beautiful’ de Christina Aguilera. El estribillo no suena demasiado inspirado.
Los rimbombantes arreglos de ‘Home, before and after’ son una fantasía en ‘What Might Have Been’ o la épica ‘Spacetime Fairytale’, que aprovecha sabiamente sus nueve minutos de duración, por ejemplo, virando hacia el jazz hacia la mitad de su minutaje. Sin embargo, da la sensación que a las canciones se les quedan un poco grandes tanta parafernalia, y que requerían un trato más íntimo y no tan perfumado. Por eso, quizás, vuelve a ser un regalo disfrutar de su cristalina voz en baladas a piano como ‘Raindrops’, otra de esas canciones viejas de Regina que no terminaban de encontrar su lugar en su discografía (la artista la estrenó en vivo en 2002) y que hoy tienen, por fin, su «hogar».
Olivia Rodrigo sorprendió anoche a los clientes de un bar de Manchester al hacer una actuación sorpresa tras su concierto en el O2 Apollo. Al acabar el concierto del tour de ‘Sour’, Rodrigo se dirigió al pequeño bar Bunny Jackson de Manchester a tocar una especial cover de ‘Torn’, el hit de 1997 de Natalie Imbruglia.
Olivia preguntó a las bandas que les tocaba actuar en el bar si ella y su propio grupo podían tocar una canción entre show y show. Acto seguido tocó la conocida ‘Torn’. Una de las personas a las que le tocaba tocar en Bunny Jackson esa noche compartió en Twitter un vídeo de la cantante en plena actuación con el siguiente mensaje: «Pues claro que sí Olivia Rodrigo, claro que puedes aparecer en Bunny Jackson un maldito domingo por la tarde y tocar una canción por diversión antes de nuestro tercer set.»
Olivia Rodrigo está actualmente terminando el tour de ‘Sour’, el cual finalizará esta semana en Londres. Durante este tour, Rodrigo ha hecho varias versiones de clásicos del pop-rock adolescente, como ‘Complicated’ de Avril Lavigne, ‘Just A Girl’ de No Doubt o ‘Seether’, de Veruca Salt.
Why yes Olivia Rodrigo, of course you can turn up at Bunny Jacksons on a bloody Sunday evening and play a song for a laugh before our 3rd set. pic.twitter.com/mpMbpkRlLq
Jedet ha roto su silencio en redes para disculparse tras sus palabras en el programa ‘Las Uñas’, en el que criticó la nueva ley trans, a Irene Montero y a Podemos. Sus comentarios no fueron nada bien recibidos por el público, lo que llevó a la actriz a cancelar su pregón en el Orgullo de Granada el pasado 1 de julio.
Con un escueto «Lo siento» en la caption, Jedet ha subido un vídeo a Instagram en el que se disculpa tras lo ocurrido: “Soy consciente de que muchas personas no van a ver el vídeo completo, por eso quiero aprovechar estos primeros segundos para pedir perdón a mi comunidad”. Tras sus duras declaraciones, la actriz lamenta que “todo el trabajo que he hecho durante años en los medios, en mi carrera, eligiendo proyectos que pudieran posicionarnos a las mujeres trans para que nos dieran una dignidad, es como si se hubiera ido a la mierda por no elegir bien unas palabras”.
Jedet explicó una de sus frases más controvertidas, cuando afirmó que «las mujeres y las mujeres trans no son lo mismo»: “Quiero pedir perdón por no usar la palabra cis en la entrevista. He dicho en innumerables ocasiones que el feminismo que excluye a las mujeres trans no es feminismo. Solo intentaba decir que a veces nosotras, las mujeres trans, estamos tan preocupadas de tener el cis passing que se nos olvida que hay muchos derechos que tenemos que conquistar”
Se disculpó directamente con Irene Montero, y reconoció que desconocía que para elaborar la ley se había consultado a personas trans: “Claro que quiero una ley trans, doy gracias a que se ha aprobado. Patiné muchísimo y lo siento. Pido perdón a Irene Montero por haberle faltado el respeto con mis palabras. Estoy tan acostumbrada a que nos usen que pensé que ella era una más”.
“Sigo pensando que la ley trans debe mejorar algunas cosas, pero es como todo. Tengo fe en esta ley, la agradezco y doy las gracias a quiénes la han hecho posible. Siento de todo corazón haber hecho daño a alguien”, agrega la actriz, mientras admite que ha recibido «amenazas de muerte» por parte de personas de su propio colectivo. Tras mencionar esto, sentencia el comunicado: “Por favor, dejadme un poco en paz. Ya lo he aprendido, y no voy a hablar de nada nunca más”.
En el mismo post Sindy Takanashi, presentadora de ‘Las Uñas’, se disculpa en forma de comentario por no haber tratado el tema como se merecía: «Me disculpo de corazón si he herido a alguien porque entiendo la sensibilidad que requiere este tema y que yo no tuve”.
El considerado 6º disco de estudio en la carrera de Neneh Cherry es un disco en el que encontramos a la artista deconstruida de manera muy particular. La última de las 10 pistas es la única en la que figura acreditada su voz, pues se trata de una remezcla de su viejo tema ‘Buddy X’, en concreto a cargo de Honey Dijon. Y en las otras 9 grabaciones de este ‘The Versions’ solo encontramos a Neneh Cherry a cargo de las «programaciones».
La idea ha sido invitar a otras personas para que versionen temas del catálogo de Neneh Cherry. Son todas mujeres, lo que además incluye trans y no binarixs, mostrando de esta manera de qué lado está la artista sueca en estos tiempos de división y eterna polémica: como siempre, del de la revolución. Y esto no es solo una pegatina que poner al álbum lanzado al mercado en el mes del Orgullo: hay una emoción profunda en escuchar a ANOHNI que «este es un mundo de mujeres, así que este es mi mundo», en aquel tema llamado ‘Woman’ que Neneh Cherry hizo en respuesta a ‘It’s A Man’s Man’s Man’s World‘ de su por otro lado muy admirado James Brown.
También tiene gracia escuchar a Robyn -acompañada de Mapei y producida por Dev Hynes- cantando aquello de «No moneyman can win my love» de la canción precursora del trip hop ‘Buffalo Stance’. Aunque en este caso ha inspirado a la «Dancehall Queen» un remix de la canción realizado en 2017 para una exposición de Estocolmo y el experimento les ha quedado más bien para ponerlo en un museo que en Spotify (o sitúe aquí el nombre de su plataforma de streaming favorita). Como compitiendo por el mayor halo de guayedad, Sia -que se presenta como amiga de la familia en la nota de prensa- no termina de convertir ‘Manchild’ en la pieza pop que habríamos esperado de ella, lo que hace la revisión de la misma canción a cargo de Kelsey Lu más interesante, sobre todo cuando no sabes si va a ser más Massive Attack, más Suicide o más balada.
Porque sí, efectivamente, alguien ha considerado buena idea que un par de canciones del repertorio de Neneh Cherry aparezcan repetidas en ‘The Versions’, como si la artista no hubiera realizado 10 canciones diferentes dignas de ser homenajeadas. Es verdad que dejó pasar 18 años entre ‘Man’ (1996) y ‘Blank Project’ (2014), pero también lo es que tanto este como ‘Broken Politics’ (2018) merecían algún tipo de reivindicación por parte de algún artista, y que se ha involucrado en muchos otros proyectos. ‘The Versions’ solo contiene adaptaciones de temas de Neneh Cherry entre 1988 y 1996 cuando todos sabemos que en esta industria lo difícil no es hacer 3 discos frescos a tus inicios, sino mantenerte a lo largo de las décadas. ‘Blank Project’, ‘Naked’, ‘Everything’, ‘Kong’ y ‘Soldier’ son también necesarias para comprender la figura de Neneh Cherry, no es como si en todo el siglo XXI no hubiera sido capaz de hacer la O con un canuto.
Asumido este incomprensible agravio, ‘The Versions’ se mueve entre las adaptaciones inquietas e inclasificables (ANOHNI, Robyn) y las que podemos considerar «bonitas», situadas en el centro del disco. Ahí están TYSON, hija de la propia Neneh Cherry, en ‘Sassy’; Jamila Woods entregando un suave R&B en ‘Kootchie’, y también Seinabo Sey en un ‘Kisses on the Wind’ que parece acabar antes de tiempo. La violinista Brittney Denise Parks, más conocida como Sudan Archives, realiza uno de los trabajos más loables y exóticos en reivindicación de ‘Heart’, un tema bailable que en su momento contó con un videoclip dirigido por David Fincher, y que ahora luce irreconocible, si bien aún intrigante con una percusión completamente diferente.
Los amigos del bajista de Hüsker Dü y UltraBomb, Greg Norton, han creado un GoFundMe debido al reciente diagnóstico de cáncer de próstata de este a principios de junio, según un post de Instagram colgado por el propio Norton. El objetivo de la campaña se fijó en 30.000 dólares americanos. Gracias a los 982 donativos recibidos, en estos momentos la recaudación total se sitúa en 35.000 dólares.
«No podemos imaginar el estrés y la ansiedad que él y su familia deben estar sufriendo», escriben los amigos de Greg Norton en su GoFundMe. «El coste del tratamiento en los Estados Unidos es doloroso. Queremos aliviar parte de esa presión, así que hemos decidido crear este GoFundMe para recolectar dinero y destinarlo al tratamiento de Greg.» Bob Mould, guitarrista de Hüsker Dü, deseó a su excompañero de banda una «recuperación total» y pidió a la gente que ayudaran a Greg, a la vez que compartía el link de la recaudación.
En el post original de Instagram, Norton habló de su diagnóstico en detalle: «Mis doctores creen que tengo excelentes posibilidades, pero tenemos que empezar inmediatamente con el tratamiento y la cirugía.» También aclaró que algunos conciertos de UltraBomb en Inglaterra y Escocia serían cancelados y que la gira por Estados Unidos se retrasaría para tener tiempo de recuperarse «y volver con plena fuerza». El bajista también animó a los lectores a hacerse pruebas para prevenir el cáncer de próstata: «¡Podría cambiarte la vida!».
Stereolab llevarán a cabo una pequeña gira por España este otoño para presentar su nueva compilación, ‘Pulse of the Early Brain’, la cual será lanzada el próximo 2 de septiembre. Las ciudades seleccionadas por el conjunto británico-francés son Valencia, San Sebastián, Sevilla, Madrid y Barcelona.
En las tres décadas transcurridas desde la publicación de su debut, ‘Peng!’, Stereolab han pasado de fijarse en el panorama sónico del siglo XX a escribir su propia historia, compilada en la serie ‘Switched On’, cuyo quinto volumen se llamará ‘Pulse of the Early Brain’. Esta recopilación contendrá tanto éxitos de la banda como joyas ocultas.
Stereolab visitarán la sala Dabadaba de San Sebastián el 30 de octubre, la Sala Moon de Valencia el 31 de octubre y la Sala X de Sevilla el 1 de noviembre. Tras pasar por Portugal, volverán a España para rematar en La Riviera de Madrid el 6 de noviembre y en la Sala Apolo de Barcelona el 7 de noviembre. Las entradas saldrán a la venta el próximo 7 de julio a las 9 de la mañana, a través de DICE.
Nilüfer Yanya acaba de telonear a Adele en Londres, y esta semana visita España para presentar el Disco Recomendado ‘PAINLESS’ en el festival Bilbao BBK Live. Esta semana, también, publicamos entrevista con ella, por lo que aprovechamos para asignar a ‘PAINLESS’ el título de Disco de la Semana.
De momento nos detenemos en otra de las canciones destacas del disco. ‘L/R’ es la segunda pista de ‘PAINLESS’ y una de las más inmediatas. La música de ‘L/R’ se sitúa a medio camino entre el post-punk de los primeros The Cure y el art-rock angular de una Cate le Bon. Por su parte, la letra habla sobre un mundo que vive en piloto automático, yendo de «izquierda a derecha» sin pensar demasiado.
En la entrevista, Nilüfer nos cuenta que ‘L/R’ es la primera canción que empezó a escribir inmediatamente después de terminar la gira de ‘Miss Universe’, su aclamado debut. Nilüfer empieza a trabajar en ella en Lisboa, donde reside su productor Bullion, pero pasa un año hasta que la da por terminada, ya que su producción «pasa por varias fases». En declaraciones recogidos por Genius, Nilüfer cuenta que, con ‘L/R’, ha buscado seguir la máxima del menos es más: «intenta disfrutar de las cosas sencillas, y no compliques las cosas demasiado».
A JENESAISPOP, Nilüfer confiesa que no tiene demasiado claro qué tema trata la letra de ‘L/R’ y reconoce que la letra es más bien impresionista. Sin embargo, indica que, con ella, ha buscado más bien capturar un «sentimiento, ese momento en que sientes que eres la versión automática de ti misma, menos sensible». Desde esta perspectiva, Nilüfer observa que el «mundo que está en piloto automático puede ser muy violento y hostil», y alude a la «manera mecánica con la que a veces vamos por la vida, sin sentimientos».
Renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del mes. Esta vez está capitaneada por lo nuevo de Beyoncé, así como por el anticipo del esperado debut de la productora británica TSHA y un descubrimiento que nos ha dejado Paraíso Festival, Crystal Murray. En representación de los últimos «Discos de la Semana», presentamos canciones de MUNA, Ethel Cain o Rocío Márquez. La playlist con lo mejor del mes de JENESAISPOP, como siempre incluye algunos de los mayores hits en el globo terráqueo ahora mismo (Bad Bunny, Joji) junto a talentos tan desconocidos aún como TAALIAH, Sofia Amores o Musgö. No te pierdas detalle de lo que suele ser la antesala de nuestra lista con lo mejor del año.
Beyoncé / BREAK MY SOUL
Crystal Murray / Too Much to Taste
TSHA, Mafro / Giving Up
Ankli / Colocao
PauByChance, Octopvs to the Party / Sad I’m Blue Remix
Rosalía / Bizcochito
TAAHLIAH, Tsatsamis / Fall into Place
Daphni / Cloudy
Rocío Márquez, Bronquio / Un ala rota
Los Estanques, Anni B Sweet / Caballitos de mar
Confidence Man / Holiday
MUNA / What I Want
Bad Bunny, Bomba Estéreo / Ojitos lindos
BRONQUIO, 41V1L / Fui a comprar a la cárcel
Steve Lacy / Mercury
Sofia Amores, Ale Vaez / mejor que yo
Ethel Cain / American Teenager
Wallis Bird / What’s Wrong with Changing?
Maggie Rogers / Want Want
Rigoberta Bandini / A todos mis amantes
Javiera Mena / La isla de Lesbos
Phoebe Bridgers / Sidelines
LUNA Ki / Febrero
Taylor Swift / Carolina
Omar Apollo / Talk
Confeti de Odio / Estrella
Joji / Glimpse of Us
Travis Birds / A veces sueño
Post Malone, Doja Cat / I Like You
Musgö / El nido
OROVEGA / DUELE MÁS
Bad Gyal / Tremendo culón
Demi Lovato / Skin of my Teeth
Soleá Morente, Triángulo de Amor Bizarro / Domingos
Harry Styles ha cancelado la actuación que tenía prevista para este domingo 3 de julio en Copenhague, capital de Dinamarca, tras un tiroteo acontecido por la tarde en un popular centro comercial de la ciudad, cercano al recinto donde el concierto iba a tener lugar.
El cantante británico ha mandado sus condolencias: «Estoy conmocionado al igual que el pueblo de Copenhague. Adoro esta ciudad. La gente es tan acogedora y tiene un corazón enorme. Estoy devastado por las víctimas, por sus familias, y por todo aquel que esté sufriendo en este momento. Siento no haber podido estar juntos. Por favor, cuidaos los unos a los otros».
Tres personas han muerto y varias han resultado heridas durante el tiroteo, que ha tenido lugar en el centro comercial de Field’s, situado a escasos metros del recinto de Royal Arena. Las personas fallecidas son una chica y un chico daneses de 17 años, y una mujer rusa de 47 años. Un hombre danés de 22 años con antecedentes psiquiátricos ha sido detenido por los disparos. No obstante, la policía de Copenhague ha descartado que se trate de un acto terrorista.
Estos días, Styles se encuentra de gira presentando ‘Harry’s House‘, su nuevo álbum, si bien la gira que ha emprendido es la del disco anterior, que se hubo de posponer debido a la pandemia. El 5 de julio toca en París, y habrá que esperar hasta el 29 para verlo en Madrid. Es su única fecha en España.
La canción no ha llegado al top 100 de Reino Unido ni al de Estados Unidos, cuando los singles del anterior disco de Demi Lovato rondaron el top 40 (‘Anyone’) o el top 75 (‘Met Him Last Night’, ‘Dancing with the Devil’).
Alguien podría decir que no estaba esta especie de post-grunge hecho para las listas, pero lo cierto es que nadie sabe qué esperar de un guitarrazo después de lo de Måneskin o de que el mayor hit de Olivia Rodrigo haya sido ‘good for you’.
En todo caso, el camino hacia ‘Holy Fvck’, que se publica el 19 de agosto, continúa su curso y Demi Lovato ha avanzado en su Instagram un fragmento de su siguiente single, que se llama ‘Substance’.
‘Substance’, que sale el viernes de la semana que viene, 15 de julio, hablará sobre el consumo, sobre estar extunuadx, sobre salud mental y sobre el apoyo de los demás. Así se recoge ya en Genius.
Adele ha realizado este fin de semana los dos conciertos que tenía previstos en Londres con una serie de teloneras de lujo, lo que incluía nombres de primera fila como Gabrielle y Kacey Musgraves, que interpretó un generoso set, como podemos ver en Setlist.fm.
En cuanto a Adele, con excepción de algunas actuaciones televisivas, esta ha supuesto la primera presentación sobre un escenario de las canciones de ’30’, disco del que ha vendido 5 millones de copias, situándose como el álbum más vendido de 2021 en todo el mundo de manera oficial, si bien este año sus encantos se han extinguido antes de tiempo por la falta absoluta de promoción.
El show ha incluido por tanto la primera vez que se ha interpretado el single ‘Oh My God’ en vivo y se ha dejado que la preciosa ‘Love Is a Game’ sea la que cierre el concierto rodeada de fuegos artificiales, pero en verdad la noticia ha sido el poco caso que Adele ha hecho a ’30’. No ha interpretado siquiera el que parecía el single veraniego del álbum pero no lo está siendo en absoluto, ‘Can I Get It’, y en verdad han sonado más temas del disco ’21’ (seis canciones) y las mismas de ’25’ (cinco) que del propio ’30’ que se presentaba (cinco).
Adele ha aparecido en la prensa por abrazar la bandera del Orgullo Gay durante ‘When We Were Young’ en la última de las dos noches, y por adoptar una coreografía de Megan Thee Stallion durante ‘Under the Bridge’. Pero sobre todo por conceder una entrevista a la BBC en la que habla de lo devastador que ha sido para ella posponer los conciertos de Las Vegas, pero todavía sin dar una pista sobre cuándo se producirán los mismos.
Ha dicho: «Sentí la decepción de todo el mundo y estaba derrumbada y aterrada de decepcionar a todo el mundo», dando a entender también que el show no estaba listo. «No voy a hacer un concierto solo porque tenga que hacerlo o porque la gente se va a decepcionar o porque vamos a perder un montón de dinero», ha justificado sin dedicar ni una palabra al cuándo, cómo o incluso dónde se realizarán los shows aplazados de Las Vegas. Continúa, de momento, el momento agridulce para Adele, pese a que, al menos, ha podido sacar adelante estos dos conciertos.
Este jueves en el parque Enrique Tierno Galván tocaba jornada de rock, pero de dos tipos muy diferentes. Primero, el de Cala Vento. Segundo, el de Él Mató A Un Policía Motorizado. En esto consistió la penúltima jornada del Tomavistas Extra.
La salida de Cala Vento fue precedida por una castiza melodía de trompetas y recibida por un grupo de entre 20 y 30 personas de pie delante del escenario, mientras que el resto de la gente seguía en las gradas de piedra. Estos no tardarían en unirse al montón. Era el primer show de Cala Vento en Madrid desde octubre de 2019, por lo que para ellos no era un concierto cualquiera. La química entre Aleix y Joan se notó al instante, incluso para alguien que no estaba familiarizado con ellos. Uno de los primeros temas fue ‘Solo Sin Café’ y, para ser el comienzo del gig, el público ya estaba totalmente volcado, acabando las frases del tema a pleno pulmón.
La batería de Joan y la guitarra de Aleix parecían ser una sola mente pensante. Lo difícil, y lo que consiguen hacer estos amigos de L’Empordà, es sincronizarse a la perfección mientras suenan como si tocasen el doble de personas. Joan le daba con tanta energía a los bombos que creaba pogos entre el público él solito. Decidieron dejar los temas más conocidos, como ‘Gente Como Tú’, ‘Estoy Enamorado de Ti’ e ‘Isla Desierta’, para la recta final. Entre medias, tocaron tres canciones de su próximo disco, el cual sería el primero del dúo en tres años, desde ‘Balanceo’ en 2019. Sonaban francamente bien, y me quedé con una línea que referenciaba a «los seres de las redes». Cuando salga veremos de qué va eso.
‘Abril’, la canción más grande de su álbum debut homónimo, fue la canción final de la actuación de Cala Vento. Antes de retirarse, Aleix recordó que hay un nuevo LP en camino, y que su próximo concierto «seguramente será con un nuevo disco bajo el brazo». El turno de los catalanes terminó sobre las 21.15. 45 minutos después, Él Mató A Un Policía Motorizado traería de vuelta la música.
Santiago Motorizado, Doctora Muerte, Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán comenzaron con el rock lo-fi de ‘El Magnetismo’, la intro de ‘La Dinastía Scorpio’, de 2013. Antes de dar ningún respiro al público, tocaron los bucólicos acordes de ‘La Noche Eterna’, una de sus más queridas canciones.
Las diferencias respecto al show de Cala Vento, crudo y sin filtro, fueron evidentes desde el principio. El juego de luces rojas y azules que fue el leit motiv del concierto y que emulaban las de, sorpresón, la policía; la relajada actitud de Santiago como vocalista y la tracklist llena de hits fueron las diferencias más notables. La iluminación era un verdadero espectáculo, ayudando a aumentar esa específica sensación de «dejarse llevar» que tan frecuente es en los estribillos de la banda.
Tocaron ‘El Perro’, ‘Chica De Oro’, ‘Más O Menos Bien’, ‘El Tesoro’, ‘Yoni B’ y ‘El Mundo Extraño’, entre muchas otras que, aún no conociendo, son imposibles de no disfrutar en directo. Tras volver al escenario después de un parón que parecía el final del show, pero que en realidad pareció un hiato para rellenar la bebida, sorprendentemente les quedaban varios hits para tocar. Entre ellos, ‘Ahora Imagino Cosas’ y ‘Fuego’.
Santiago es un hombre de rutina. Acaba una canción, lanza un calmado «gracias» y levanta el pulgar como diciendo: «Estamos bien». Y sin más dilación, la siguiente canción. Y así todo el concierto. Las únicas dos veces en las que Santiago se explayó un poco más fue para dedicar una canción a Jota, de Los Planetas, que se encontraba en el backstage y al que se refirió como «el mejor liricista de lengua hispanohablante», y para invitar, de nuevo a Jota, al escenario.
Cantaron juntos la última canción del show, ‘Mi Próximo Movimiento’, del cuarto proyecto de la banda, ‘Día de los Muertos’. Jota y Santiago consiguieron hacer que todo el público cantase las líneas «ahora estoy arriba de mi casa con un rifle», para acabar en un «pa-pa-pa-pa-pa-parara» multitudinario que significó el final de la noche eterna del parque Enrique Tierno Galván. Eterna, ojalá lo hubiese sido.
Soccer Mommy llega al difícil-tercer-disco (tras la aceptación de ‘color theory‘) con apenas 25 años. Y supera el reto con su obra más ambiciosa. Sophie Allison toma su fórmula de cantautora introspectiva que adora los 90 alternativos y la lleva más allá, con la ayuda de Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never. Lopatin se diluye para ponerse completamente a disposición de Sophie. Y ella no desaprovecha la oportunidad de acabar de erigirse en una digna sucesora de la primera PJ Harvey y de las luminarias de 4AD, con Slowdive y Lush a la cabeza: no en vano, los sintetizadores soñadores, las guitarras distorsionadas y la voz brumosa, marcas del sello, son una constante en el disco.
Con títulos como ‘Darkness Forever’, una puede esperar un festival de cortavenismo, pero Allison logra mantener el nervio para no hundirse en la depresión ni la languidez. ‘Sometimes, Always’ es una especie de diario, en el que Soccer Mommy pasea su malestar: sentimental, emocional, mental, y social. Que la dulzura de ‘Bones’, el primer tema, no lleve a engaño. La voz de Allison, aniñada, la guitarra queda y el precioso estribillo esconden la ansiedad de alguien que no cree merecer amor y, a su vez, piensa que el suyo tampoco puede durar. Todo esta confusión queda reflejada en una coda final de pura distorsión atmosférica.
La pieza mayor del álbum llega rápido: ‘Unholy Affliction’ es la tercera pista. Allison se enfunda el traje de la PJ Harvey de ‘To Bring You My Love’ en un tema sucio, de voz emborronada y bajo marcadísimo, donde Allison canta murmurando para sí misma, renegando de la fama y enunciando sus contradicciones: querer vivir de la música, pero odiar sus esclavitudes: “I don’t want the money / That fake kind of happy (…) But I want perfection / Tight like a diamond” (“No quiero el dinero, que da una felicidad falsa. Pero quiero la perfección, dura como un diamante”).
‘Shotgun’ es lo más parecido a un single, una canción pizpireta y de estribillo redondo, coronada por esos sintetizadores y redobles tan, efectivamente, 4AD. ‘newdemo’ es una pequeña epopeya ecologista y de crítica social donde cambia los 90 por los Beatles psicodélicos. ‘Darkness Forever’, dedicada a Sylvia Plath, rememora su suicidio y sí, es la pieza más ominosa del álbum. La dulce voz de Sophie contrasta con el fondo oscurísimo, esquinado, de bajo asfixiante y distorsión. Por suerte, ‘Don’t Ask Me’ recupera la garra más pop y ‘Fire in the Driveway’ la más melancólica.
‘Sometimes, Forever’ cierra con la preciosa ‘Still’, cercana en espíritu al baladón de 1995 ‘One of US’ de Joan Osborne. Sencilla y apenas sostenida en la guitarra, aquí Allison resume su zozobra existencial: depresión, el deseo de ser otra persona, una persona mejor, la angustia de ver que no lo consigues… Sí, todas las aflicciones e incertidumbres que nos atizaban en los 90, nos siguen arreando a día de hoy. Con más fuerza, quizás.
