Entre las novedades musicales de este viernes, lo nuevo de The Mountain Goats, uno de los grupos rock underground fundamentales del siglo gracias a la edición de álbumes como ‘All Hail West Texas’ o ‘The Sunset Tree’. Su último disco hasta ahora era ‘Dark in Here‘ publicado el año pasado.
‘Bleed Out’ será su nuevo disco el próximo 19 de agosto, que de momento presentan con un vídeo para su single ‘Training Montage’. Según XL, su distribuidora en España, el disco será «una experiencia cinemática inspirada en las películas de acción de los años 60, 70 y 80». De ahí su portada.
El single se inspira en una máxima habitual en las pelis de acción, exactamente «hago esto por venganza». Este single ‘Training Montage’ es la pista 1 y literalmente asienta «el tono que sigue después en la secuencia de ‘Bleed Out’. El disco pretende ser «energía y explosión ejecutada por un grupo de amigos que estaban felices de reunirse en una habitación todos juntos para hacer ruido». Este será el tracklist del álbum y este es su nuevo videoclip casero.
01 Training Montage
02 Mark on You
03 Wage Wars Get Rich Die Handsome
04 Extraction Point
05 Bones Don’t Rust
06 First Blood
07 Make You Suffer
08 Guys on Every Corner
09 Hostages
10 Need More Bandages
11 Incandescent Ruins
12 Bleed Out
Primavera Sound ha vuelto con cartelón… pero generando dudas sobre la organización. Cada persona lo habrá vivido a su manera, pero el público parece estar de acuerdo con que el aforo excedía el adecuado. Al menos en la jornada inaugural del jueves. Colas interminables para pedir bebida en la barra o incluso para beber agua de las fuentes, barras faltas de personal, aglomeraciones críticas frente a los escenarios principales y no tan principales, hasta el punto que Dinosaur Jr. y Yo La Tengo parecían cabezas de cartel… Cuando gente como Javier Giner asegura que el festival da la sensación de no ser un «lugar seguro» y que parece dirigirse hacia algún tipo de «desastre» insospechado, es que algo falla. Y cuando un festival deja de ser seguro, pierde toda su razón de ser.
Ante el alud de críticas a su organización, Primavera Sound ha contestado que se encuentra trabajando en implementar mejoras para la jornada de hoy viernes. «Somos conscientes de los problemas en las barras durante el día de ayer y os pedimos disculpas por ellos», ha comunicado en redes. «No es la manera como queríamos reencontrarnos tras dos años sin vernos. Estamos trabajando sin descanso para solucionarlos y que podamos disfrutar todos de las próximas jornadas como merecemos».
A espera de que esas mejoras se materialicen, cabe mencionar un par de cosas positivas. En primer lugar, el servicio de buses lanzadera fue excelente, al menos en mi experiencia. Pasaron con frecuencia y no se llenaron hasta reventar, al contrario que el último año. Por otro lado, la música volvió a dar momentos muy felices a los asistentes.
El gentío y la desorganización en la cola para acceder al Auditori a las cinco y media para ver a Kim Gordon no presagiaba nada bueno. Afortunadamente, una vez dentro, la experiencia fue avasalladora. Kim iba vestida para matar: minifalda, camisa blanca y corbata, y desbordaba carisma, sex appeal y voz. Acompañada de una banda joven y potente, y de unas proyecciones de Nueva York, Kim dejó el rock experimental de Body/Head y nos recordó por qué era ella el elemento furioso de Sonic Youth. Hubiera merecido un escenario grande de noche. Mireia Pería
A eso de las 18.45 de la tarde, en la zona conocida como Mordor por su situación lejana en el espacio y probablemente también en el tiempo, a unos cuantos años luz de la zona central del Parc del Fòrum, Oklou confirmó su estatus de estrella de culto. Disfrazada de exploradora, con gorra de senderismo y mochila, la francesa presentó ‘Galore’ junto a su guitarrista (vestido con la camiseta del Barça) para un público ensimismado con sus melodías sintetizadas tipo música de cristal y su precioso hilillo de voz autotuneado. El pop nocturno de Oklou funciona mejor en un ambiente tranquilo o cerrado (probad escuchar ‘i didn’t give up on you’ solos en el bosque) y el sonido se distorsionó en algún momento (sin que fuera intencionado). Sin embargo, la artista nos regaló un interesante tema inédito llamado ‘What’s Good’, y sorprendió tocando otro que samplea ‘Going Under’ de Evanescence. Jordi Bardají
Beber algo incluso a primera hora de la tarde se antojaba imposible. Las colas no es que fueran kilométricas (que también), sino que no avanzaban. Después de quince minutos atorada en una, decidí abandonarla para llegar con tiempo al antiguo Ray Ban (ahora Cupra) y a Dinosaur Jr. Un acierto. El escenario estaba tan masificado que entrar con el concierto empezado hubiera sido dificilísimo. La actuación fue correcta: pocas canciones de sus dos últimos discos (si el oído no me falló), y bastantes clásicos. Musicalmente, sonaron como un tiro, enérgicos y con Lou Barlow agitándose cual teleñeco, mientras Mascis se mantenía impasible. La pena fue que a él solo se le escuchara la voz bien en un par de temas. Pero claro, cuando llega la ristra de hits: ‘Feel the Pain’, ‘Just Like Heaven’ y ‘Freak Scene’, todos los males pasan. Mireia Pería
Llegado el atardecer era momento de que Kacey Musgraves meciera a su público con su sereno country-pop. Canciones como ‘good wife’ o ‘Butterflies’ sosegaron el ambiente, aunque Kacey lo decidía sacudir de otras maneras. Entre los momentos más divertidos, la de Texas decidió perturbar completamente la paz que transmite ‘Golden Hour’ para hacer una inesperada referencia a la lluvia dorada (cantó «golden shower» en lugar de «golden hour» al final de la canción, tras lo cual nos llamó «panda de freaks»). Por otro lado, el concierto incluyó un espacio para el karaoke (o «kaceyoke») con la versión de ‘Dreams’ de Fleetwood Mac, mientras la pantalla proyectaba la letra de la canción. En momentos menos divertidos, Kacey criticó la inseguridad que vive actualmente Estados Unidos (ayer murieron 5 personas en un tiroteo en un hospital de Tulsa) e incluso afirmó que «se siente bien estar fuera de América por un rato». A Kacey se la percibió algo apagada sobre el escenario, y esta puede ser una razón. Jordi Bardají
Quien no estuvo nada apagada encima de las tablas fue Charli XCX. Asombroso el show que presentó la inglesa en apoyo de ‘CRASH‘, su último álbum. Charli no es la mejor bailarina, pero suple sus carencias en este aspecto gracias al torrente de energía, actitud y seguridad que transmite encima del escenario. Y con una voz en directo envidiable. Para nada se notaba que había tenido problemas de salud los días previos que le obligaron a cancelar un par de conciertos.
El concierto de Charli fue digno de una artista que es cabeza de cartel en un festival. Y no, en el Primavera Sound su nombre no aparece en tamaño grande. Debería. Ella no solo se dejó la piel en el escenario, decorado con un atrezzo tipo Antigua Grecia, sencillo y elegante, sino que el sonido fue inmejorable. Y las canciones ganaron en directo. ‘Move Me’, ‘Baby’, ‘Yuck’ y, especialmente, ‘New Shapes’, cobraron nueva vida. Escuchadas a ese nivel de volumen sonaban colosales. ‘Beg for You’, favorita del público, contó con la presencia de Rina Sawwayama, que tocaba más tarde en otro escenario. ‘Vroom Vroom’ podía haber partido la tierra en dos. La única pega, el remix funky de ‘Boom Clap’ no superó la versión original. El show terminó por todo lo alto con ‘Good Ones’ cuando ya ni te acordabas de su existencia: tanto hit acumula Charli ya en su repertorio, que algunos ni los echas en falta. Jordi Bardají
Llegué a Tame Impala (Escenario Estrella Damm) en el mejor momento, ya bastante avanzado el concierto: cuando atacaron ese hitazo inmortal llamado ‘Let it Happen’. Bailes, saltos y alegría. Desde lejos, aquello era una bonita fiesta campestre, con proyecciones psicodélicas que le daban al entrañable Kevin Parker el empaque escénico que a él le falta. Le siguió una preciosísma ‘Feels Like We Only Go Backwards’. Pero la gran sorpresa de la noche fue cuando interpretaron ‘Last Nite’ de los Strokes. De lejos, el tema más celebrado del festival. Y no es sólo que la versión fuera buena: es que Kevin la clavó. Sospecho que incluso la interpretó bastante mejor que los propios Strokes.
El motivo de acercarme a Tame Impala fue por pura ansia viva de no perderme a Pavement en el Pull and Bear. Extrañamente, se estaba de lujo en Mordor. Y el sonido de la banda fue exquisito. Acompañados de una teclista, sonaron casi perfectos, en un concierto de hits. Quizás para mi gusto demasiado centrados en los momentos menos animados. Pero era una delicia ver a Bob Nastanovich ejerciendo de una suerte de Bez y animando al personal. Y ahora que ‘Slanted and Enchanted’ ha cumplido 30 años, fue maravilloso poder cantar ‘Trigger Cut’ o ‘Two States’ a pleno pulmón. O súper clásicos del indie como ‘Cut Your Hair’. Pero para canciones celebradas, por lo menos para mí, ‘Stereo’ y ‘Shaddy Lane’. Un ejercicio de nostalgia, sí. Pero nostalgia bonita y vivificante. Mireia Pería
Si te apetecía huir de la marabunta de gente presente en el concierto de Tame Impala una buena alternativa era acudir al concierto de Cigarettes After Sex. Si lo veías tendido en el césped, la experiencia mejoraba aún más. Su suave noir pop sirvió para coger aire después de la tralla ofrecida por los cabezas de cartel, para bien y para mal. Para bien porque canciones como ‘Touch’ o ‘Nothing’s Gonna Hurt You Baby’ son preciosas, para mal porque el repertorio se hacía un poco bola y bordeaba la música de fondo por momentos. Jordi Bardají
La sorpresa de la noche la dio Let’s Eat Grandma. Todos los años que envejecí en mi camino a Mordor los recuperé con su fantástico concierto. Rosa Walton y Jenny Hollingworth, que no son hermanas pero lo parecen, parecían dos niñas jugando en el salón de su casa. Jugaban a las palmas, se hacían las muertas o correteaban de un teclado a otro como si les fuera a pillar la pista pregrabada. En una de las canciones se pusieron a bailar ‘La Macarena’ y, después, una de ellas procedió a tocar un saxofón. En otra se sentaron un rato en el escenario, después una de ellas saltó a surfear al público y, cuando volvió al escenario, se puso a tocar una flauta. Nada es predecible en un concierto de Let’s Eat Grandma. Tampoco su música. En sus momentos más accesibles y pop, como ‘Falling into Me’, suenan a CocoRosie producidas por CHVRCHES. En los más sombríos, como ‘Deep Six Textbook’, recuerdan a los The Cure más desolados. En todo caso ellas impregnan su música con un aura infantil maravillosa, y en su directo sucede lo mismo. Jordi Bardají
Hoy se publica un nuevo disco de Post Malone, ‘Twelve Carat Toothache’, conteniendo un par de canciones que ya conocíamos y que han hecho menos ruido que otros de sus hits anteriores. Los singles hasta ahora habían sido ‘One Right Now’ con The Weeknd y ‘Cooped Up’ con Roddy Ricch.
El álbum incluye un tema con Fleet Foxes llamado ‘Love/Hate Letter to Alcohol’ (muy reconocibles sus armonías vocales), una colaboración con The Kid Laroi, otra con Gunna… pero es ‘I Like You’ con Doja Cat la que tiene toda la pinta de llevarse el gato al agua. Es nuestra “Canción del Día”.
“Facilona e irresistible” es una fórmula que ha valido previamente al autor de ‘Better Now’ y que vuelve a funcionar en esta producción que ya encabeza la playlist más grande de Spotify, Today’s Top Hits (en la imagen principal).
Producida por Louis Bell y Jasper Harris, comienza con el estribillo solo para instalarse en tu cabeza en la primera escucha, después ofrece el verso de Post Malone, y en segundo lugar, el de Doja Cat.
Ambos fantasean con viajes por Francia y Japón, mientras están realmente con otras personas. Él le pide auxilio, ella le pide que le avise cuando se quede libre, y hablan de lujos entre referencias a Chaka Khan y a Rufus. Los casi bobalicones teclados del final hacen también justicia al subtítulo “una canción más alegre”… ¿y quién puede ser el cascarrabias que se oponga en la era de la toxicidad de las redes y el abuso del drama?
Este viernes 3 de junio se publican los nuevos discos de Angel Olsen, interrogación amor, Post Malone, 070 Shake y Purity Ring, en este caso un EP de 7 pistas. Remi Wolf saca la edición deluxe de su álbum ‘Juno’. Compartimos pistas de todos ellos en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», aunque comenzamos con la que es la primera canción de Phoenix en dos años, ‘Alpha Zulu’. De momento no han anunciado nuevo álbum.
Recopilamos temas que os hemos venido presentando en los últimos días, como los nuevos de Maggie Rogers, Yeah Yeah Yeahs con Perfume Genius, Muse sonando a Marilyn Manson, Mónica Naranjo echando un polvo vacío con Mastodonte o Christina Aguilera (que ya ha sacado nuevo EP). También hay nuevos temas de Jungle, Kasabian, Tove Styrke, Paolo Nutini, George Ezra, Panic! At the Disco o Julieta Venegas.
En nuestro país, la revelación Mira Paula publica su segunda canción, Lola Indigo se lanza de cabeza a los años 90 en ‘AN1MAL’ y Paula Cendejas tiene nuevo tema de R&B. Aitana saca tema con sangiovanni a la vez que su amigo Marmi lo saca con Delgao. Hay nuevas canciones de artistas tan variados como Tanxugueiras, Los Mejillones Tigre o Cora Yako.
Han anunciado nuevos álbumes gente tan querida como The Mountain Goats y Beth Orton. El pop internacional nos deja nuevas canciones de Dagny, Betty Who y a su manera DJ Snake, con una pista que lo dice todo con su título, ‘Disco Maghreb’.
Entre las curiosidades del día, tenemos la canción de St Vincent para ‘Minions: The Rise of Gru’, la remezcla de Mueveloreina para Los Pilotos o la versión de Marta Movidas de Joe Crepúsculo.
Completamos la playlist con temas destacados como el de Viagra Boys, Bune, Lava La Rue con Biig Piig, TAAHLIAH con Tsatsamis, Emily James, 49th & Main o MJ Cole, entre muchos otros. Recuerda suscribirte aquí: ¡ya somos más de 5.700!
Es el día de salida de ‘Tercer cielo’, y Rocío Márquez y Bronquio -el proyecto de Santiago Gonzalo- están exultantes. Bronquio está tan emocionado que se incorpora a la entrevista tarde porque está muy ocupado, a tan sólo unos metros de distancia… atendiendo a las redes sociales (tiene 5.100 followers en Instagram). El álbum, un encuentro entre folclore y electrónica, es muy bueno, sus caras denotan saberlo, y son muchos sus compromisos con la prensa, a lo largo de varios días, en Madrid. Su equipo arrastra unas maletas porque probablemente se va corriendo a otro lado.
La conversación en la cafetería del Círculo de Bellas Artes es agradable y calmada, en cualquier caso. Rocío Márquez es un encanto y siempre estará disponible para despejarte cualquier duda sobre su arte, ya desde antes de empezar a grabar, y también después de terminar. Al final bromeo con ellos sobre el hecho de que en tantísimas entrevistas les pregunten qué opinan de Rosalía («somos fans», repiten otra vez más). Márquez ya ha hablando tanto antes de ‘El mal querer’ y ahora de ‘MOTOMAMI’ que decido llevar la conversación por otro lado.
¿Qué diferencia vuestro proyecto de otros que están uniendo folclore y vanguardia?
Rocío: «Está siendo un momentazo de revisitar el folclore, hay muchos proyectos haciéndolo. Nosotros no tenemos expectativas, no hemos querido hacer nada nuevo. Teníamos ganas de juntarnos porque Santi (Bronquio) hizo un remix de la rondeña del disco anterior (‘Empezaron los cuarenta’). A partir de ahí quisimos hacer un encuentro para profundizar. No queríamos hacer ningún corta y pega porque no somos fans, aunque a veces por supervivencia hayamos hecho alguno, pero no en este caso que nos juntamos sin fechas ni plazos. Era un momento de postpandemia cuando no había bolos y casi no nos podíamos mover. Yo vivo en el campo, y él venía una semana, luego otra semana. Periodos largos. Íbamos probando. La sorpresa fue lo natural del encuentro. A los dos nos motivaba mucho, descubrimos partes de nosotros mismos que no tenemos tan exploradas».
¿Cómo es que no queríais hacer «nada nuevo»? Te tenía por una artista inquieta que busca evolucionar…
Rocío: «La motivación no ha sido explícitamente hacer nada diferente, sino redescubrirnos porque el primer encuentro había ido bien. Yo tengo muchas crisis de todo tipo. Cada equis tiempo toco fondo y dejo de verle sentido a las cosas. Tengo que dejarme morir y volver a nacer. Con todos los miedos, las historias de cada uno en la cabeza. El hecho de encontrar un elemento nuevo como la electrónica, que él juguetee con mi voz y me ofrezca colores en los que yo nunca me había escuchado a mí misma me motiva. Las posibilidades de explorar y también ver adónde me puedo llevar yo todo eso a nivel vocal. Lo que me tiene tan viva, con estos nervios tan bonitos, es que estoy experimentando nuevas maneras. Yo ya escuchaba a Diamanda Galás o hacía cursos con Fátima Miranda, pero estos nuevos efectos me lo multiplican por nosecuántos».
He visto que las has mencionado en otras entrevistas, ¿a qué nivel te han influido?
Rocío: «La técnica vocal siempre me ha interesado mucho, pero no por el perfeccionismo, sino para aumentar las posibilidades y que la paleta sea lo más variada posible. Canto a la libertad y me gusta tenerlo como recurso. No ha habido una sola metodología ni a la hora de hacer música ni a la hora de producir, sino que se ha ido dando todo. También con un equipazo de músicos que lo ha redondeado».
¿Qué has querido decir con lo de que no te gusta el cortapega, pero a veces recurres por supervivencia? El sampleo está ya aceptado como forma de producción, ¿no?
Rocío: «En este disco no hay cortapega en ningún caso. No queríamos caer ahí. Es que a veces tienes una fecha de salida desde antes incluso de terminar el proyecto. Cuando hablo de cortapega no hablo de este proyecto sino a lo mejor de proyectos que no eran ni discográficos. Te piden una actuación con una temática, te interesa, pero de tiempo va muy justo, tienes más proyectos… y terminas tirando de recursos anteriores que ya tenías. Pero la profundidad no es la misma».
Los palos flamencos, que algunos descubrimos por Los Planetas…
Bronquio: «¡Yo también! ‘La leyenda del espacio'».
… vienen entre paréntesis, menos mal. ¿Pero cuáles han sido los referentes electrónicos? De los verdiales de ‘Niña de sangre’ habéis comentado que por BPM’s eran altísimos. Me ha hecho pensar en algo tan acelerado como Dan Deacon.
Bronquio: «No teníamos referentes de electrónica durante la producción. Salen porque es algo que tienes dentro. Pero un referente en esos verdiales son Niño de Elche y Los Voluble, que presentaron un proyecto en el Sónar y luego en el Cartuja Center y en ambos flipé. Es un concepto interesante, en cuanto a producción nos dimos cuenta de que el techno de Berghain y los verdiales con guitarra y sombrero de flores en la montaña no están tan lejos. Son momentos de comunión, trance y fiesta. Puedes hacer un mash up de un verdial con techno, por velocidad y por el tipo de transiciones. Salió muy fácil por las similitudes».
Rocío: «Cada equis tiempo toco fondo y dejo de verle sentido a las cosas. Tengo que dejarme morir y volver a nacer»
El disco me parecía como bastante británico, por el rollo rave, drum&bass… ‘Mmmm’ me ha recordado a Jamie xx.
Bronquio: «Total, total, total… ‘Mmmm’ y Jamie xx tienen bastante vínculo. ‘Gosh’ tiene una influencia muy clara en mí. Algo que he descubierto es que mis referencias de electrónica son alemanas, gente como Modeselektor, o como UK garage, Skream… Los recursos del flamenco son muy primitivos: cajones, taconeos, golpes en la mesa… hay similitudes entre eso, el UK garage, Jamie xx, el techno más alemán. La crudeza a nivel de tímbrica es muy similar. Ahora me parece muy evidente, pero en su momento me sorprendió mucho».
¿Tú, Rocío, estabas también curtida en esta parte?
Rocío: «He aprendido mucho con Santi. A veces con el micro apagado y con el ordenador ya cerrado, nos poníamos a ver un documental de Youtube, a sumergirnos, a descubrir nuevas sonoridades, nuevas maneras…»
A veces los artistas nos decís que todo ha sido más mezclado de lo que parece, pero en este caso tú has aportado el flamenco y Santi la electrónica.
Bronquio: «Cada uno venimos de donde venimos, la aportación de ella es más el flamenco, pero como hemos estado 2 años juntándonos, al final nos hemos estado poniendo muchas músicas. Ella escuchaba Arca y FKA twigs y yo Fosforito (risas)».
Rocío: «Ha sido divertido por eso. Normalmente cada uno en su coche escuchaba la música del otro: hemos hecho un camino de ida y vuelta».
‘El corte más limpio’ es el tema del «taconeo berlinés», ¿cómo lo habéis trabajado? ¿Son samples de Youtube u os habéis puesto a taconear?
Bronquio: «Era de Youtube, hemos tirado de Youtube a tope. Seguro que Jamie xx también tira de Youtube (risas)».
Esta canción es la que más aúna techno y folclore, ¿no? No sé si para vosotros hay otra más señera.
Bronquio: «Pienso que en este tema hay más un ejercicio de estilo de techno, en estructura y dinámica, pero la voz de Rocío y los recursos flamencos casaban increíble desde nuestro punto de vista. En otros temas los límites son más difusos».
Rocío: «Es el único tema en que no hemos puesto palos».
¿Qué queréis decir en la nota de prensa con que el disco tiene «tres transiciones que definen capas de la experiencia»? ¿Hay un concepto o una historia?
Rocío: «En este disco queríamos probar con espacios de improvisación, otras sonoridades. Estamos preparando un proyecto escenográfico, que es el mismo repertorio pero tratado de otra manera. El disco tiene un hilo conductor, pero no hemos necesitado hacerlo tan explícito. Es una serpiente con cabeza, cola, y tres transiciones que van mudando…»
Que son las tres partes de ‘La Piel’, la seguiriya.
Rocío: «Era un guiño por la estructura de los cantes en el flamenco. Si cantas por tangos o bulerías, son letras inconexas a nivel temática, una es de «he perdido a mi padre» y otra «me voy de fiesta, lereleré». En el disco hay un mismo poema de Luis García Montero que está dividido en 3 pistas distintas, muy cortitas, más de lo habitual… Es decir, en vez de coger letras inconexas, he cogido una letra y la he dividido en distintos palos. Con las distintas campos, va hilando el viaje que se va haciendo».
¿Hay una temática concreta en el álbum?
Rocío: «Es un canto a la libertad permanente, como eje que vertebra todo. Se ve en «Voy a parirme a mí misma» del aguinaldo. «Somos un viejo río (…) y nadie nos podrá cruzar». Habla del renacer, de la búsqueda… También de las tinieblas que hay que pasar para llegar ahí».
«Siempre he cuestionado si somos libres y hasta qué punto somos conscientes de la poca libertad que podemos tener»
¿Por qué este tema? ¿Consideras que la libertad está en peligro?
Rocío: «(largo silencio) Es un tema que siempre tengo presente, siempre he cuestionado si somos libres y hasta qué punto podemos estar tan perdidos que no somos conscientes de la poca libertad que podemos tener».
Bronquio: «Muchas veces hablamos de la libertad con uno mismo, de los condicionamientos que nos ponemos cada uno, y en el flamenco es evidente».
Rocío: «Por eso hablamos del autoconocimiento, está muy conectado con la libertad».
Bronquio: «Yo he estado en discursos de si el flamenco es más o menos permisivo y al final te das cuenta de que eres tú quien no te permites algo».
Hablando del aguinaldo, hay un recorrido por el folclore de toda España, ¿no? No solo Andalucía.
Rocío: «En producción está Inglaterra, Alemania… A nivel palos está muy presente Andalucía, pero hay una parte más folclórica, como el aguinaldo que es de Murcia, porque fui allí a grabar un proyecto de unos amigos. Es un disco que nace de la experiencia. El aguinaldo vino porque la fiesta más gorda que me he pegado en mi vida ha sido en Murcia, en Navidad, cogiéndonos una mortal (risas) Casas en el campo donde no molestas a nadie. La huerta murciana. Pero está tan conectado a nivel literario con fragmentos de letras populares, también con una letra actual de Carmen Camacho y de Macky Chuca, que no se puede hablar de una geografía exacta: lleva muchas capas. Por eso queríamos que en la portada y en la contra se vieran texturas y capas.
¿Es como esa fiesta en Málaga que es una rave?
Los verdiales son como una rave, está todo conectado (risas)
Vais a flipar, pero en ‘Prefiero la muerte’ pensé que entraba otra voz, y en concreto era la de Ana Torroja.
Bronquio: (risas) «El tratamiento que se da a la música en general es muy de peli de Carlos Saura, con los melotrones. Ella es anti-reverb, pero le hemos puesto un reverb como de Julio Iglesias. Puede ser como pop de los 80, pero lo de Ana Torroja no lo había oído…»
Rocío: «Me encanta escucharme en distintos registros. Soy más anti-reverb en mi escucha. Para sentirme libre, para poder jugar mejor, necesito sonido limpio. En actuaciones pido mi voz limpia en mi canal. Se tira al público con efectos pero ese juego lo hace él, yo necesito oír mi voz limpia».
¿En la producción hay mucho de improvisación o está todo bastante atado?
Bronquio: «Durante la producción que hemos hecho en casa íbamos de la mano, si algo nos chirriaba, lo quitábamos. A veces los dos nos veníamos demasiado arriba, pero a la mínima que había una proposición, la otra persona le encontraba una coherencia».
Rocío: «A los dos nos gusta probar».
Bronquio: «Hay mucho de libre albedrío. Voz y recursos musicales, íbamos soltando y lanzando. Después, ya empezamos a ponerlo en su sitio».
Habladme del desenlace del disco. ¿Qué aporta ‘La mercancía’? ¿Por qué ‘La marca’ sale después de la tralla de ‘El corte más limpio’?
Bronquio: «Nosotros el final lo percibimos como traca final. Y después, el amanecer fumando el porrillo y te vas a tu casa (risas) Cierras el círculo».
Rocío: «Es una letra popular del disco, de las pocas, de Antonio Mairena: «el que se va, va diciendo en el silencio qué grande es la libertad». Esta letra está escrita en la Peña Flamenca de Mairena, por dentro, antes de irte la ves. Es un guiño. Incluso en los discursos más ortodoxos ya estaba esa necesidad».
Unamuno, Lorca aparecen en los créditos como co-autores, abriendo y cerrando el disco. Qué pasada, ¿no?
Bronquio: «Cuando pasan 80 años, los puedes usar».
Rocío: «Lo de Lorca era porque en 2022 es el centenario del festival de flamenco que organizaron Lorca, Falla… marcó muchísimo este arte. Al escuchar el discurso que él dio, queríamos hacer una adaptación porque era muy potente. Juan Diego nos mandó la información y cuando nos pusimos a verla… era oro molido. Buscamos la adaptación a nivel de métrica. Ha habido momentos caóticos, con información de muchos sitios. Estábamos los dos abiertos y permeables. Había huecos que no sabíamos ni que teníamos. Ha sido muy interesante y muy intuitivo».
Andalucia Big Festival, que había confirmado a gente tan grande como Muse, Rage Against the Machine, Vetusta Morla, Biffy Clyro, Jamiroquai en concierto exclusivo en Europa o Michael Kiwanuka, tiene novedades. El festival ofrece hoy su última tanda de confirmaciones, lo que incluye a Wolf Alice, María José Llergo, Niños Mutantes, Delaporte y Viva Belgrado. Wolf Alice están presentando ‘Blue Weekend‘, su gran disco de 2021, que no han podido tocar apropiadamente por razones de sobra conocidas por todos.
Además, hoy se han puesto a la venta las entradas de día para quien quiera asistir solo el jueves, solo el viernes o solo el sábado. Son 69 euros más gastos frente al abono, que son 125 €. Concretamente el 8 de septiembre es el día de Rage Against The Machine, Biffy Clyro, Morgan, Wolf Alice y Joey Valence & Brae.
El viernes 9 de septiembre será el día de Jamiroquai, Glass Animals, Nova Twins, Michael Kiwanuka, Sylvie Kreusch, Vetusta Morla y La Perra Blanco. Finalmente, el 10 de septiembre será el día de Muse, Years & Years, Delaporte, Los Planetas y María José Llergo, entre otros que puedes consultar en su cartel.
La Santa Trinidad para Jeff Tweedy fueron siempre Bob Dylan, Neil Young y Johnny Cash. A la postre logró conocer a los tres, situando a Neil Young como «el más accesible». El primero fue Johnny Cash, ya en los días de Uncle Tupelo. A alguien se le ocurrió, con mucho tino, que era buena idea que la banda primigenia de Tweedy, centrada en el folk y en el country, ejerciera de telonera para el autor de ‘I Walk the Line’. Corría el año 1993. June Carter, que estaba por allí, les dijo a los miembros de Uncle Tupelo una frase que Jeff Tweedy nunca olvidaría: «sois tan adorables que me dan ganas de daros un baño».
‘Cruel Country’, pese a su título, es un regreso a los «adorables» sonidos de raíces americanas que empaparon los inicios musicales de Tweedy, con melodías y letras tan sencillas que dan ganas de «darles un baño» con un pato de goma, ciertamente. Como si quisiera evitar que le viéramos las costuras a sus textos tras haber leído ‘Cómo componer una canción‘, la mayoría de las composiciones aquí incluidas son tan sencillas como ‘The Universe’. Esta dice: «habla conmigo, no quiero escuchar poesía / dilo de manera sencilla, con tus palabras».
El nuevo disco de Wilco comienza con algunos de sus mensajes más abstractos, ásperos o controvertidos. ‘I Am My Mother’ plantea «soy un hombre pero también soy mi madre». La titular ‘Cruel Country’ habla por supuesto del amor/odio hacia el país propio («me encanta mi país, estúpido y cruel / rojo, azul y blanco», en referencia a su bandera). ‘Hints’ presenta una de las letras más largas, una de las imágenes más potentes («¿recuerdas cuando podíamos olvidar, cuando éramos, supongo, un continente vacío?») y una de las mejores melodías. Hacia la mitad del álbum, ‘Many Worlds’, se recrea en las guitarras crepusculares en el ocaso de sus 8 minutazos. Pero a la mayoría de estas 21 canciones les caracteriza su sencillez. Lo directas que son.
Grabado a través de tomas en directo, siendo la primera vez que Wilco hacen esto desde ‘Sky Blue Sky’ (2007), ‘Cruel Country’ se sirve de ideas simples y melodías puras de americana, como mucho beatlianas, como es el caso del single ‘Falling Apart (Right Now)’. ‘Ambulance’ es una tonada folkie que nos habla de supervivencia. ‘Hearts Hard to Find’ habla sobre insensibilidad como su propio nombre indica; sin mayores vueltas lo expresa con frases como «no me importa cuando alguna gente muere, me pregunto por qué no puedo llorar». ‘Darkness Is Cheap’ nos habla del poder de una guitarra, mientras escuchamos atentamente una guitarra (también un piano y una trompeta). Y así durante 77 minutos.
Los autores del histórico y valiente ‘Yankee Hotel Foxtrot’ han sentido la necesidad de torcer las cosas en algunas pistas puntuales, como es el caso de ‘Bird Without a Tail / Base of My Skull’ o de la extraña percusión que irrumpe como por error en ‘Sad Kind of Way’. Nosotros no lo necesitábamos: si por algo será recordado ‘Cruel Country’ será por la ternura que despierta ‘Please Be Wrong’, por el country tan puro de cosas como ‘A Lifetime to Find’, por el piano lennoniano de ‘Story to Tell’, por esa mirada al mundo que es ‘All Across the World’, también con un piano que trasciende. Son esos momentos cuando, como dice él mismo en ‘Country Song Upside-Down’, Jeff Tweedy ha continuado topando, tan disciplinado, con las canciones.
The Strokes han cancelado su actuación de este viernes 3 de junio en Primavera Sound debido a un caso positivo de covid-19 en uno de sus integrantes. El grupo actuará en el segundo fin de semana del Primavera, el viernes 10 de junio.
En un comunicado, Primavera Sound expresa que lo ha «intentado todo» para que el concierto de The Strokes se pudiera llevar a cabo este viernes como estaba previsto, pero que le ha sido imposible. Tampoco ha podido sustituir a The Strokes con otro cabeza de cartel de su mismo tamaño. Por ello, ofrece a las «personas que posean una entrada de día para el viernes 3 la posibilidad de asistir también a la jornada del viernes 10 sin necesidad de realizar ninguna gestión adicional, tan solo presentando nuevamente la entrada».
El festival explica la razón por la cual no ha sido posible encontrar un sustituto para The Strokes: «Hay nombres que no están de gira o que tienen shows en exclusividad en otros festivales u otras ciudades. Sabemos que de Primavera Sound se espera lo inesperado, un truco unexpected, pero este contexto postpandémico ha desactivado en varias ocasiones el plan A, el B y hasta el C».
Sin embargo, Primavera Sound suple la mala noticia con una nueva incorporación, la de Mogwai, que actuarán el viernes 3 en el escenario Cupra. Además comunica que Caribou finalmente actuará en el escenario Pull&Bear.
Lamentamos comunicar que The Strokes cancelan su actuación del viernes 3 de junio en Primavera Sound Barcelona – Sant Adrià 2022. pic.twitter.com/ZhCQkt2IQH
Primavera Sound celebra 20 años de historia con dos años de retraso, pero también con dos fines de semana en lugar de uno y con un cartel absolutamente inabarcable, como nos gusta y hemos comentado en el podcast. Un cartel en el que subrayar con rotulador flúor los nombres de nuestros artistas favoritos y también los de esos nuevos talentos (o talentos nuevos para nosotros) que descubriremos en las dos semanas que se avecinan. Comenzamos por haciendo un repaso de lo mejor que podrá verse en la primera semana de festival.
Primavera a la Ciutat
Miércoles 1 de junio
En el primer día de Primavera en la Ciutat destacan varios nombres. En primer lugar el de Wet Leg. La nueva banda de moda del indie-rock británico gracias a éxitos como ‘Chaise Longue’ actuará en el Poble Espanyol a las 20.00, antes de que lo haga Rina Sawayama (22.20). La diva del pop alternativo empezará a presentar el disco que publica en septiembre.
Domingo 5 de junio
Pasado el primer huracán de Primavera Sound aún quedan propuestas interesantes por ver en diferentes ubicaciones y salas de la ciudad. En Poble Espanyol se podrá descubrir el directo de la estrella del bedroom-pop Cuco, con 5 millones de oyentes en Spotify.
El concierto del domingo de Little Simz se ha cancelado, pero mantiene el del día 3 de junio en el Fòrum.
El domingo vendrá fuerte en Razzmatazz con las actuaciones programadas de Jehnny Beth (22.00), Beck (23.15) y Kero Kero Bonito (1.00), que tocarán en este orden. Visitarán la sala 2 de Razz la estrella del R&B Jamila Woods (22.30) y la sensación del post-punk británico shame (00.45). En paralelo, la Sala Apolo ofrecerá una nueva oportunidad de reencontrarse en vivo con Iceage (21.00).
Primavera Sound Weekend 1: Imprescindibles
Jueves 2 de junio
Entre los reclamos del primer fin de semana de Primavera Sound hay que mencionar el nuevo espectáculo de Rodrigo Cuevas, que podrá verse a partir de las 19 horas. Poco después de las 21 horas presentará su nuevo disco Sharon van Etten, y entrada la noche será ocasión de disfrutar con el noir pop de Cigarettes After Sex (23.25), de bailar con la electrónica de Fred again (00.45), o de saltar con el bounce de Big Freedia (1.55).
Cuesta asimilar que, solo este jueves, descubriremos por fin el directo de Kacey Musgraves (20.10) y, poco después, nos reencontraremos con Tame Impala (22.55). De hecho, el equilibrio entre guitarras y pop es evidente este día. Por un lado el directo de Carolina Durante (23.30) precederá a los de Pavement (00.40) y black midi (2.15). Por el otro, parecerá 2019 otra vez con los directos casi seguidos Mabel (20.00), Charli XCX (21.25), Rina Sawayama (23.00) y Let’s Eat Grandma (23.30).
Viernes 3 de junio
La agenda del viernes parece una lista de mejores discos del año de JENESAISPOP. A las 17.30 actúan Low, a las 18.55 arranca el directo de Weyes Blood, a las 19.50 vuelven Wet Leg, a las 20.50 se solapan de lleno los conciertos de Amaia y Fontaines D.C., a las 22.50 actúan The National y a las 23.00 tocan Warpaint.
The Strokes han cancelado su actuación de este viernes, pero vuelven el segundo fin de semana. Pasadas las 2 de la noche los fans de la electrónica tendrán que escoger entre los directos de Jamie xx (2.15) y Caribou (2.25).
Otros directos interesantes que podrán verse el viernes son los de Helado Negro (19.05), Paloma Mami (21.30, confirmada también el 5 de junio en Poble Espanyol) y Parquet Courts (22.35).
Sábado 4 de junio
Por la tarde tendrán lugar directos muy apetecibles como los de Jenny Hval y la comentada banda de indie-rock Porridge Radio, que se pisan a las 17.30, así como los de la legendaria banda de música industrial Einstürzende Neubauten (19.00) y de la ganadora del Goya María José Llergo (19.45). A las 20.45 Black Country, New Road exhibirán las canciones de su aclamadísimo último álbum.
Por la noche se viene un banquete de platos fuertes. A las 22.00 tocan Nick Cave and the Bad Seeds, a las 22.35 ofrecerá su mágico espectáculo Caroline Polachek y a las 22.55 efectuarán su regreso a las tablas los míticos BAUHAUS.
Entre los conciertos imperdibles de la medianoche se encuentra por supuesto el de Alizzz (00.30). Además, sus admirados Beach House tocan a la 1.30. A las 2.00 el rapero Tyler, the Creator congregará a una cantidad importante de público pese a la tardía hora.
10 joyas a descubrir
Martes 1 de junio
Dentro de la programación de Primavera en la Ciutat, el colectivo congolés KOKOKO! visitará la sala Upload para presentar su trepidante fusión de post-punk, electrónica de baile y sonidos tradicionales de su Congo natal. Gracias a singles como ‘Donne-moi’ o a discos como ‘Fangola’, el grupo, que toca instrumentos construidos por sus integrantes, está ofreciendo una visión diferente y fresca de la música pop africana.
Jueves 2 de junio
Entre las rarezas imperdibles de la primera jornada de Primavera Sound se encuentra Oklou. A partir de las 18.45, la cantante y productora francesa presentará su álbum ‘Galore’ y sus adictivas canciones de pop minimalista e ingrávido, tocadas por el dedo del futuro. A las 20.50 Amaarae desplegará su vibrante repertorio de afrobeat. Su hit con Kali Uchis ha sido histórico.
Finalmente, a las 00.25 ofrecerán un show imperdible los locos 100 gecs. Su hyper-pop radical promete provocar chorros de sudor en el terreno.
Viernes 3 de junio
Está dando mucho que hablar últimamente el disco de la barcelonesa Marina Herlop, que acaba de ser puntuado con un 8 sobre 10 en Pitchfork. Su autora lo presentará el viernes a las 16.00, y habrá una segunda oportunidad para verla el martes 7 de junio dentro de la programación de Primavera en la Ciutat, en la sala LAUT, a las 20.50, y una tercera el 10 de junio.
Desplazándonos directamente hasta la madrugada, a las 1.25 será ocasión de descubrir el directo de un talento italiano que ya ha visitado el Primavera en alguna ocasión. La música de Iosonouncane se divide entre la tradición y la vanguardia, y recuerda a la de su admirado Franco Battiato. Sin embargo, ‘IRA’ es un trabajo mucho más ambicioso, de casi dos horas de duración, inmersivo, en el que caben infuencias de jazz y psicodelia o matices africanos.
Sábado 4 de junio
El sábado romperá el hielo The Caretaker, que actúa en una hora rara (16.00) respecto a la oscuridad de su propuesta. El productor es conocido por su fantasmagórica música basada en samples de f de los años 30 y 40, y su último proyecto es un disco dividido en varios volúmenes que, partiendo de su concepto base, traza el desarrollo del Alzheimer en la mente de un paciente.
En una hora muy poco agradecida, las 3 de la madrugada, Boy Harsher presentarán para el público que aún no haya entrado en modo Zombie ‘The Runner’, la banda sonora para la película que ellos mismos han dirigido. Pero realmente la noche puede sentar bien a sus canciones inspiradas en el synth-pop mecánico de gente como la Human League.
Domingo 5 de junio
El Poble Espanyol contará, entre otras, con la actuación de Paloma Mami, estrella del reggaetón más fino y sofisticado. ‘No te enamores’, ‘Fingías’ o ‘No te debí besar’ son algunas de sus canciones imprescindibles.
Por su parte, Sidecar acogerá el directo de las divertidas Automatic. Ojo a esta propuesta de post-punk y new wave que recuerda tanto a los Go-Go’s como a los primeros B-52’s. Su hit ‘Too Much Money’ es de escucha obligatoria para fans del post-punk más desenfadado. Las estadounidenses actúan también el sábado 4 de junio a las 19.55.
Pedro Almodóvar y Alejandro Amenábar son dos de los cineastas más internacionales del cine español. También, extrañamente, comparten apellidos muy parecidos: ambos empiezan por la letra A, contienen la letra M, cuentan con cuatro sílabas y terminan con exactamente la misma de ellas. Además, los dos son gays.
Sin embargo, a Almodóvar y Amenábar también les separan multitud de diferencias. Su tipo de cine o sus personalidades públicas son dos de ellas. Sobre todo esto Parquesvr, el grupo de punk de Javi Ferrara, acaba de publicar un single que no tiene pierde alguno.
‘Almodóvor Amenábor’ es el absurdo título tipo vocablo de Chiquito de la Calzada de este tema que presenta el nuevo disco de Parquesvr. En él, el grupo enfrenta (o compara) a las dos figuras del cine patrio sobre una base de synth-punk que te lleva directamente a un garito madrileño de los 80. La letra empieza mencionando a tres actrices que han trabajado con Almodóvar, y después se entretiene repasando las carreras de ambos directores.
«Tenía un grupo con McNamara / En su peli Bardem no se movía nada», «con ‘Dolor y gloria‘ lo ha petao / Noriega en ‘Tesis’ era un pringao» o «Tenía una cuenta en Panamá / Es muy discreto en su intimidad» son algunas de las rimas contenidas en la letra. Después llega el infalible gancho que recuerda que ambos directores son gays y han saludado al rey. El grupo dispara los apellidos de «Almodóvor» y «Amenábor» en cada final de rima y, al final de la canción, los tira en todas direcciones.
‘Almodóvor Amenábor’ es una «especie de epopeya synth-pop pero de vocación electro-punk», en palabras de la nota de prensa, que «en menos de tres minutos resume los últimos cuarenta años de dos de los iconos del cine patrio». Situado a medio camino entre Eurythmics y Las Bistecs, con un punto muy Los Ganglios también en su tipo de humor absurdo, ‘Almodóvor Amenábor’ no pierde su «bagaje cultural, de pirotecnia punkarra».
El nuevo single de Parquesvr es el cuarto extraído de su próximo álbum ‘Si no fuera por estos momentos, sería por otros’. Antes llegaron el punk berreado de ‘Tazas con mensajes’, el españolete ‘Muchas flores’, y el aparente homenaje a Future Islands de ‘Arde, quema, duele’.
Parquesvr presentará su nuevo disco en Madrid, el próximo viernes 21 de octubre en la sala El Sol, en el marco del ciclo Mazo Madriz. Además, este verano ya están anunciadas, entre otras citas, su presencia en festivales como el Tsunami Xixón y el Canela Party.
Santander Music se celebra los días 4, 5 y 6 de agosto en la Campa de la Magdalena. Entre los artistas que estaban confirmados en el cartel se encuentran El Columpio Asesino, Alizzz, Delaporte, Varry Brava, Guitarricadelafuente, Lori Meyers o Los Estanques y Anni B Sweet.
Hoy, el festival cántabro cierra la programación de su edición de 2022 con varias confirmaciones. Entre ellas se encuentra la de León Benavente, que presentarán su excelente último disco, ‘ERA‘, que ha sido top 2 de álbumes en España.
Además se incorporan al cartel The Gulps, banda de Londres con componentes españoles (de La Rioja) en sus filas, que ha sido fichada por Alan McGee, el empresario que descubrió a Oasis, Primal Scream, The Libertines o The Jesus & Mary Chain, entre otros. El País les dedicó un reportaje el pasado mes de marzo. El grupo cuenta con apenas tres singles publicados.
Otra de los nombres que se añaden al cartel de Santander Music es el de Manu Cort, artista italocántabro que mezcla pop con sonidos urbanos y latinos. Entre sus numerosos singles publicados se encuentra ‘Vuelve pero vete’, que suma más de 3 millones de streamings en Spotify. Cort publicará su primer álbum en 2022 tras colaborar con artistas como Bearoid.
Por último se suma al cartel Mentaguay, banda de sad-trap, dancehall y synth-pop ochentero procedente de Santander. Su single ‘Andrómeda’ te gustará si te gusta el italo-disco, el post-disco, la retrowave, Blanco Palamera… o ‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro. Ojo a su gancho «hace tiempo que no me llama-ma-ma / pero yo sé que me ama-ma-ma». Otro de sus singles se llama ‘Welcome to Cantabria’.
Los abonos y entradas están disponibles en la web de Santander Music.
Maggie Rogers publica su nuevo disco el 29 de julio. ‘Surrender’ será su segundo trabajo, y el primero desde que obtuviera una nominación a Artista revelación en los premios GRAMMY. El primero, ‘Hard it In A Past Life‘, salió a principios de 2019.
‘That’s Where I Am’ ha sido la intensa carta de presentación de ‘Surrender’, pero Maggie Rogers acaba de publicar el que se puede considerar el verdadero single del disco. ‘Want Want’ te gustará si te gustan los Garbage más comerciales, el único disco de Sky Ferreira (por ahora). Es la Canción Del Día.
‘Want Want’ habla sobre el deseo. O, en palabras de Rogers, sobre el «sexo» y sobre «el poder de dar prioridad al placer». Rogers expresa estas ideas a través de varias ideas musicales que transmiten una energía imposible de «resistir» (como canta ella en la canción). Las baterías suenan enormes, dispuestas a arrasarlo todo; el estribillo «when you want want what you want» deja sin aliento y la canción llega a su cumbre a través de un chillido capaz de romper cristales.
Maggie se muestra dudosa al principio. Teme que el sexo con su chico (que al parecer forma parte de su banda) sea un desastre, y además confiesa que es dada a «huir» de ese deseo, pero que «cuando me voy, tú me atraes de vuelta a ti». En el estribillo ya se encuentra completamente entregada a la pasión: canta que «no puedes esconder el deseo cuando lo sientes» y que «puede que muera si no vives para probarlo».
‘Want Want’ es una descarga de adrenalina y pasión. Suena a una Florence + the Machine más rockera, más alternativa, más grunge. Más noventera, en definitiva. Es un pepinazo pop-rock, en otras palabras. Y su vídeo dirigido por Warren Fu también evoca los años dorados del «alt-rock» americano. Un karaoke, una peluca… y mucha electricidad.
Sons of Kemet han anunciado que se separarán una vez completada su gira de conciertos por Europa. El 6 de junio los autores de ‘Black to the Future‘ -uno de los mejores discos de 2021- tocan en el Primavera Sound dentro de la programación de Primavera a la Ciutat y será la última oportunidad de verlos en directo en España, al menos en el futuro próximo. Su gira finaliza el 21 de agosto en Bélgica.
Así lo ha expresado la banda en un comunicado: «Este año será la última oportunidad de que nos veáis en la manera en que os habéis acostumbrados a vernos. Después de 10 años hemos decidido que, una vez finalizados nuestros conciertos programados para 2022, vamos a cerrar por el futuro inmediato este capítulo en la vida de la banda. Estamos emocionados de tocar los conciertos que nos quedan para vosotros y hacer de este verano una despedida adecuada».
Shabaka Hutchings, Oren Marshall, Seb Rochford y Tom Skinner formaron Sons of Kemmet en 2011, y en 2013 publicaron su aclamado debut ‘Burn’. Su segundo álbum, ‘Lest We Forget What We Came Here to Do’, vio la luz en 2015 recibiendo igualmente críticas excelentes, y el tercero, ‘Your Queen Is a Reptile’, obtuvo una nominación al prestigioso Mercury Prize en 2018.
Una de las bandas de jazz más prestigiosas de los últimos años, Sons of Kemet se han caracterizado por fusionar libremente este género con influencias del rock y la música africana y afrocaribeña. Por otro lado, sus letras han solido contener una potente carga política y activista contra el racismo o el colonialismo.
Estos días, el batería Tom Skinner forma parte de The Smile, la nueva banda de Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead. Su debut ‘A Light for Attracting Attention‘ vio la luz hace unas semanas y ha obtenido excelentes críticas por parte de la prensa especializada.
La Roux vuelve a las listas de éxitos cuando menos lo esperabas. Su último álbum, ‘Supervision‘, pasó desapercibido pese a contener temas tan redondos como ‘Otherside‘ (y no ayudó que saliera justo antes de ser decretado el estado de alarma). Sin embargo, la británica acaba de conseguir su primer top 10 en la lista de singles británica en muchos años. Aunque hay trampa.
‘IFTK’, el nuevo single del rapero Tion Wayne, ha sido el que ha devuelto a Elly Jackson al top 10 de la UK Official Charts. El tema contiene un sample de ‘In for the Kill‘ -de ahí su título, compuesto por las siglas del éxito de La Roux- y actualmente ocupa el top 8 de la lista de singles británica. En Spotify UK también aparece en el 8 por delante de varios temas de Harry Styles. La melodía del estribillo de ‘In for the Kill’ ejerce de gancho melódico en esta producción de grime 100% british, y Wayne incluso ha tenido el detalle de invitar a La Roux a que aparezca en su videoclip.
‘IFTK’ es el single más exitoso de La Roux precisamente desde que ‘In for the Kill’ alcanzara el número 2 en marzo de 2009. Más adelante, en julio, ‘Bulletproof’ le dio su primer y único número 1. ‘I’m Not Your Toy’ se quedó en el número 27 y, desde entonces, La Roux ha tenido menos suerte: en 2014 apenas logró colocar ‘Uptight Downtown’ -el segundo single de su segundo disco ‘Trouble in Paradise‘ en el 63. Ninguno de los singles de ‘Supervision’ llegó a la lista.
Recientemente, La Roux ha obtenido otro insospechado éxito en streaming gracias a un remix en clave piano house -y con saxo- de ‘Bulletproof’ que a día de hoy suma cerca de 40 millones de reproducciones en Spotify. Sus autores se hacen llamar firmado por GAMBER & DADONI. Eso sí, el último single original de La Roux es ‘Damaged Goods’, una graciosa colaboración de pop ochentero con Gang of Four.
Tion Wayne es un rapero británico que se dio a conocer en 2010 con una serie de vídeos de Youtube. Desde entonces ha publicado diversas mixtapes y obtenido un single top 1 en Reino Unido con ‘Body’ con Russ Millions. También ha logrado un single top 7 con ‘I Dunno’ -en el que aparece Stormzy’ y ha aparecido como artista invitado en tres singles que han alcanzado el top 10: ‘Options’ de NSG, ‘Keisha & Becky’ de Russ Millions y ‘Houdini’ de KSI.
Todo ha sido mastodóntico en la carrera de Mónica Naranjo: el número de singles de ‘Palabra de mujer’, la ambición en ‘Europa’, el inesperado éxito de ‘Lubna‘. Así que era de recibo que terminara colaborando con el dúo formado por Asier Etxeandia y Enrico Barbaro, otros grandes defensores del «más es más», aunque haya sido solo por accidente y porque Asier Etxeandia «le pone».
Que le ponga añade sentido: es ‘Polvo vacío’ una canción sobre el anhelo sexual, de «pieles que gritan», de «ansias latentes», de «algo prohibido». Por eso va evolucionando de lo asfixiante -una atmósfera opresiva a lo Depeche Mode, que recuerda al calor que desprendían los sexy-thrillers de los años 90- al desenfreno.
Hay cosas en su sitio en ‘Polvo vacío’: la letra tarda casi 1 minuto en empezar ajena a los imperativos actuales. Hay otras que rechinan: puestos a probar cosas locas, hay en el mercado producciones de drum&bass, de hyperpop, de todo a la vez, bastante más osadas.
Lo más llamativo es que la canción termina en rave, pero no es precisamente porque hayan prendido las llamas del amor. Son más bien las del despecho: Asier parece estar ardiendo en el mismísimo averno, aparentemente puesto, solo que ahora en el mal sentido de la palabra. «Sólo me queda bailar para olvidarmе de ti», dice entre algunas frases inconexas como «Mónica Química». Al final, unos tacones se alejan y amanece en lo que podría ser el desenlace de todo el disco ‘Mimétika’.
Si fuera el caso, nos quedaríamos sin averiguar si alguno de los 3 recordará algo de aquel «polvo vacío» o todo esto será solo una ráfaga cada vez más desdibujada en sus memorias.
Of Montreal tienen listo un nuevo disco, el 18º de su carrera, y se llama ‘Freewave Lucifer Fck’. Saldrá en breve: el 29 de julio, sucediendo a su disco anterior, ‘I Feel Safe With You, Trash’, que se editó en 2021.
El single que se presenta hoy se llama ‘Marijuana’s a Working Woman’ y suena a ídem, prolongándose casi 6 minutos entre varios cambios de tempo y estilo, como es habitual en los autores de aquella obra maestra llamada ‘The Past Is a Grotesque Animal’.
El single y todas las canciones del álbum están influidas por «el aislamiento de la pandemia y la lucha psicológica interior en ese tipo de existencia». Las letras se definen como «un collage de todo lo absorbido y percibido en ese periodo». Indica Kevin Barnes: «Cambié el alcohol por la marihuana durante de la pandemia y a eso es a lo que se refiere el título de la canción».
01 Marijuana’s a Working Woman
02 Ofrenda-Flanger-Ego-à Gogo
03 Blab Sabbath Lathe of Maiden
04 Après Thee Dèclassè
05 Modern Art Bewilders
06 Nightshift
07 Hmmm
Muse sacan su próximo disco el 26 de agosto, mucho después de que lo presenten en Mallorca Live Festival este mismo mes, el que viene en Mad Cool y después en Andalucia Big Festival. Eso sí, ya puedes oír casi un tercio de él: a lo largo del año el grupo ha publicado ‘Won’t Stand Down’ y luego ‘Compliance’ y ahora es el turno del corte titular ‘Will of the People’.
La canción titular abre también ‘Will of the People’ y estas palabras son igualmente lo primero que escuchamos en esta canción de corte apocalíptico con la marca de la casa. La canción habla sobre las libertades, sobre “liberar a nuestros hijos y desencerrar a nuestras hijas”. Es una llamada a la revolución tan clara como obvia, con frases como “necesitamos una transformación, una que todos podamos ver / Necesitamos una revolución para poder ser libres”.
Además, desde su cuenta de Twitter, Muse presentan la canción, con cierta sorna, de esta manera: «es una historia ficticia ambientada en un metaverso ficticio en un planeta ficticio gobernado por un estado autoritario ficticio dirigido por un algoritmo ficticio manifestado por un centro de datos ficticio que dirige un banco ficticio que imprime una moneda ficticia que controla una población ficticia que ocupa una ciudad ficticia que contiene un apartamento ficticio donde un hombre ficticio se despertó un día y pensó «al diablo con esto»”.
Su vídeo insiste en la llamada a la acción para derribar a dictadores y gente que se le parece mucho, justificando claramente lo que es la portada del álbum. La estética recuerda a ‘Blade Runner’, a ‘2046’ y a todas las obras post-Orwell, junto a alguna fantasía vinculable a ‘El coche fantástico’ o a ‘Black Mirror’.
Eso sí, parecen haberse complicado demasiado en este nuevo concepto, además demasiado visto en su discografía, cuando el temor de sus fans, a juzgar por el teaser, es que ‘Will of the Future’ se pareciera demasiado a ‘Beautiful People’, uno de los mayores hitos comerciales de Marilyn Manson.
La canción se le parece desde el segundo 1, que además será el segundo 1 del álbum, por lo que hay quien incluso ha buscado a Marilyn Manson y Twiggy Ramirez entre los créditos del tema en Spotify. No está ninguno de los dos: solo figura Matt Bellamy. El tiempo dirá si esto es bueno o malo. Añadir a Marilyn Manson en su peor momento de popularidad tras las acusaciones de abusos no se habría entendido. Pero quizá este aproveche precisamente para jugar sus cartas. Bellamy podrá argumentar que la deriva de la canción es distinta. ‘Will of the People’ es más glam y no prescinde del falsete: en muchos sentidos es una canción muy Muse. En otros, hay quien intuirá aquí más que nada al revival de Måneskin.
So I'm listening to the new Muse song, isn't it just Marilyn Manson's Beautiful People with added Musey riffs and vocals?
If Marilyn Manson & Twiggy Ramirez haven't got songwriting credits on this there must be a good chance Muse are going to find themselves in court. https://t.co/EV8dJshtpZ
If you try to imagine the worst possible outcome from combining Marilyn Manson's The Beautiful People and whatever you think the worst Muse song is then you're still only halfway to imagining how bad the new Muse song is.https://t.co/ucAyVx1GzW
— ᒍOᕼᑎ ᑕᗩᒪ ᗰᑕᑕOᖇᗰIᑕK (@JohnDoesntDance) June 1, 2022
Es habitual que el cantante de los Rolling se fotografíe en espacios míticos de la ciudad que visita y Madrid no ha sido una excepción. En Twitter ha compartido una galería en la que podemos verle visitar la estatua del Ángel Caído en el Retiro, el Guernica en el Reina Sofía o la Taberna Ángel Sierra situada en Chueca. Cada uno de sus pasos ha sido analizado por sus seguidores y por la prensa.
Muchos usuarios le están comentando en Twitter algunas curiosidades sobre la estatua del Ángel Caído, como que está a 666 metros sobre el nivel del mar. Otros critican que haya podido hacerse una foto junto al Guernica cuando es algo que está prohibido. El Museo Reina Sofía ha tenido que explicar a Europa Press que si está prohibido hacer fotos es para preservar «la calidad de la visita» de todas las personas, no por una cuestión de derechos o dañar la obra maestra de Picasso. Ayer Jagger pudo hacerse la instantánea porque los martes cierra el Reina Sofía y se trataba de una visita privada.
Por otro lado, mientras algunos le recuerdan a Jagger en las redes que también está prohibido beber en la calle, en referencia a la foto del bar de la mencionada Taberna, que tiene 105 años de historia, desde La Razón han elaborado todo un reportaje sobre el lugar en el que ha comido Jagger.
Se trata de Las Tortillas de Gabino, a medio camino entre Chueca y su antítesis: el Barrio Salamanca. Aaron, responsable del restaurante, ha explicado a dicho periódico que trató de invitar a Mick Jagger a comer, pero este, que iba con un acompañante y dos guardaespaldas, insistió en pagar y dejó una propina de 60 euros: «Le dije que comunicara a Mick Jagger que estaba invitado, aunque no supiera quién soy. Ellos salieron a 65 euros y los guardaespaldas, a 140. Pagaron 200 y nos dejaron los 60 de propina. Les gustó tanto que pidieron el teléfono para volver. Los guardaespaldas no llamaron la atención, fueron súper educados».
Renovamos nuestra playlist de pop nacional o en castellano «Sesión de Control» con algunos de los lanzamientos de los últimos días. Ginebras han estrenado el primer single de su segundo disco tras el éxito de ‘Ya dormiré cuando me muera‘. No puede tener más atractivo: el single se llama ‘Alex Turner’ y el estribillo viene a decir: «Yo sigo siendo la misma y tú sigues siendo un gilipollas».
Entre las producciones más excitantes de la semana, ‘Gas Lágrima’, el adelanto del nuevo disco de Margarita Quebrada. El trío valenciano de doom pop y post-punk presenta así un álbum que se llama de la misma manera ‘Gas Lágrima’. También destacamos a Tristán!, el proyecto de Tristán Rodríguez, que debuta con una preciosa canción llamada ‘Mehacedaño’.
Alba Reche ha estrenado un single producido por el artista underground ODDLIQUOR, como también fue el caso de ‘No cambies tu andar’. La nueva canción, de corte introspectivo, recibe el nombre de ‘Esa también fui yo (Quiero acordarme)’. Un estilo parecido tiene la primera canción que ÍVALO comparte en plataformas de streaming: ‘Hacia otro cuerpo estelar’ va de lo acústico a lo ambiental. El cantautor de Santander cita entre sus influencias a Zahara, Vetusta Morla y podríamos añadir por ejemplo a James Vincent McMorrow.
Hay novedades de Babi, pues lidera la nueva canción de Denom, también con Nake: ‘Morir de la pena’, que va de la balada a lo bailable, sin nunca perder de vista lo melancólico. Y también de otros habituales de la sección, como la valenciana Jimena Amarillo, que tiene un EP veraniego para celebrar sus muchas fechas por todo el país estos próximos meses; o Belén Aguilera, que ha estrenado la bailable ‘ANTAGONISTA’, con puntos de R&B, synth-pop… y un poco de casi todo.
El pop rock desenfadado viene de mano de Era Paraíso y el más canalla, de mano de Banani, que ya tiene disco en el mercado, a medio camino entre El Columpio Asesino y ‘Yo fui a EGB’. Hablando de rock, Doctor Explosion están presentando temas de un nuevo álbum y tras ‘Insatisfacción’, en el single actual reivindican su derecho a ‘Vestir de mujer’.
Tras su EP con Soto Asa, Chico Blanco inaugura la temporada estival con su nuevo vídeo en solitario, ‘TYY’. También en la electrónica, pero más enfocado al techno y al acid, el proyecto de DELLAHUERTA. En la estela del trabajo de Maria Arnal, pero también con un punto más próximo al gorgorito de Cranberries o Russian Red, Sofía Comas (en la imagen principal del artículo) estrena ‘La Tormenta’, el primer adelanto de su nuevo álbum ‘A un pájaro rojo’. Os hablamos de ella el año pasado por su álbum sobre la muerte de su padre y este es su regreso.
Terminamos anunciando que El Tragaluz ha fichado a Musgö para publicar su próximo disco, lo que aprovechamos para recuperar un tema antiguo, ‘Que es lo que pasa en mi casa’; y con una serie de versiones y autoversiones. Laborde, el proyecto en solitario de Míriam (vocalista y guitarrista de Lisasinson), estrena la «soft version» de ‘No te vayas aún’. Marta Movidas estrena una particular versión de ‘Mi fábrica de baile’ para los actos de celebración de 20 años de Mushroom Pillow. Y Pipiolas estrenan una versión también muy particular de Hillary Duff.
«He bebido tanto que ya no sé distinguir el amanecer y el anochecer» es una de las melodías más bonitas y redondas que nos ha dejado el pop español en los últimos tiempos. Pertenece a la primera canción que conocíamos de Los Estanques y Anni B Sweet, una unión que ya no nos puede sorprender desde que la cantautora malagueña se estrenara en el universo del rock psicodélico. Desde entonces la hemos visto haciendo coros en Rufus T. Firefly y ahora se ha sumado a las filas de Los Estanques para entregar un disco colaborativo que no vimos venir, y que hará las mieles de los fans de ambos grupos.
Por supuesto, ‘He bebido tanto (que…)’ no se puede entender sin su segunda parte, ‘(…Estoy) muerto de sed’. Ambas forman una excitante rapsodia rock que nos introduce en el mundo psicodélico de ‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’. El álbum, compuesto por Anni B Sweet e Iñigo Bregel de Los Estanques, y producido por el líder de la banda cántabra, fotografía el sonido del rock lisérgico de finales de los 60 y principios de los 70, pero lo colorea con la sensibilidad vocal y melódica de Ana Fabiola, cuyo precioso vibrato acaricia las melodías con una elegante sabiduría.
‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’ es, en sus mejores momentos, un trabajo jubiloso y explosivo, alejado del «minimal y los «loops», como nos contaba Bregel recientemente en una entrevista, y «lleno de arreglos, cambios, de rococó y cocorocó». Sin embargo, ‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’ no es un trabajo denso o pesado. Una energía pop alimenta todas las canciones para hacerlas sonar ligeras como una pluma. O como una burbuja. Con un elefante dentro.
Esto es exactamente lo que encontramos en la poción de guitarras psicodélicas, trompetas en estilo «big band», sintes ácidos y cambios de volumen de ‘(…Estoy) muerto de sed’, también en el single ‘Brillabas’, una invitación pletórica a «perder miedos» y a «expandir la realidad» con los cinco sentidos activados; en el simpático poema sobre la avaricia romántica de ‘Tu pelo de flores’, o en la dedicatoria a ese novio tuyo que habla como una cotorra pero nunca dice nada de ‘Bla, bla, bla’: nunca una frase como «hasta el cielo pide que te calles ya» ha sonado tan tierna.
El proyecto de Los Estanques y Anni B Sweet podría haberse limitado a reproducir el sonido de las canciones mencionadas a lo largo de 40 minutos de disco, pero el viaje de ‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’ es mucho más dinámico de lo que parece. ‘Yo me voy de aquí’ relaja el ambiente cuando más lo necesita con sus ricas influencias jazzy, el alud de guitarras eléctricas de ‘El sol no ha salido hoy’ lo vuelve a enturbiar llevándonos a Woodstock y a los tiempos de la «raga rock», el single ‘Caballito de mar’ es un homenaje redondo a la Motown en el que Anni vuelve a sonar como pez en el agua (no pun intended), y la nana de ‘Tampoco estoy tan lejos’ hará las delicias de los fans de los Beach Boys. Pocos grupos han copiado sus armonías tan bien.
‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’ es uno de esos álbumes que se desarrollan sin cortes entre las canciones, por lo que se entiende más como un todo que por sus pistas por separado. Algunas dejan poca huella, como la trotona y punky pero redundante ‘Llévame al cielo’ o la inesperada incursión en el lo-fi hip-hop de ‘No te preocupes’. Además, el álbum se cierra con otra dupla, la del interludio de ‘Vuelve a amanecer’ (donde te imaginas a Federico Mompou tocando el piano en un salón) y la final ‘Vuelve a anochecer’. El álbum no acaba tan arriba como empieza, pero sí deja atrás un viaje entretenidísimo por las influencias de Los Estanques y Anni B Sweet. Ellos logran que los 60 y los 70 vuelvan a sonar frescos.
Yeah Yeah Yeahs inaugura nueva era. El grupo de Karen O ha fichado por Secretly Canadian, el próximo fin de semana actúa en Primavera Sound, y hoy estrena su anunciado nuevo single ‘Spitting Off the Edge of the World’, que cuenta con la colaboración de Perfume Genius.
‘Spitting Off the Edge of the World’ es el primer adelanto oficial del nuevo disco de Yeah Yeah Yeahs, el primero en 9 años. ‘Cool it Down’ es el título de este trabajo que verá la luz, por fin, el próximo 30 de septiembre. El último, el polémico ‘Mosquito‘, salió en 2013.
‘Mosquito’ dejó un single tan potente como ‘Sacrilege’ que no reflejaba del todo el contenido del disco. ¿Qué ofrece ahora ‘Spitting Off the Edge of the World’? Quienes busquen un pepinazo a la altura de aquel o de ‘Zero’ quedarán decepcionados.
En su nuevo single, Yeah Yeah Yeahs propone tremendo baladón ochentero. Pero, quizás, lo que más llama la atención de ‘Spitting Off the Edge of the World’ no es que sea una balada, sino que cede un importante protagonismo a sus guitarras de corte shoegaze. Mike Hadreas se limita a hacer coros, y canta él solo una única frase.
Cuenta Karen que ‘Spitting Off the Edge of the World’ es una canción de temática ecologista. En ella nos invita a reflexionar sobre el «daño» que estamos infligiendo en la Tierra. «Todos estamos viviendo la crisis climática a través de un sistema que está roto y no estamos abordando el problema. Veo que las generaciones jóvenes se están enfrentando a esta amenaza, que están al borde del precipicio». La artista explica que ve «esperanza» en los jóvenes que se enfrentan a la crisis climática «con rabia y rebeldía».
‘Cool it Down’ contendrá ocho canciones que, según Secretly Canadian, representan la «esencia de los mejores talentos de Yeah Yeah Yeahs» que «invita a moverse, llorar y a escuchar con atención». Un álbum que está «llamado a ser clave en su catálogo».
01 Spitting Off the Edge of the World (feat. Perfume Genius)
02 Lovebomb
03 Wolf
04 Fleez
05 Burning
06 Blacktop
07 Different Today
08 Mars
Travis Birds sigue desgranando las canciones de su próximo disco y, después de lanzar la animada ‘Un minuto‘, presenta una de sus producciones más redondas. ‘A veces sueño’ es una de las novedades de la semana y la Canción Del Día de hoy miércoles.
‘A veces sueño’ es una evolución del sonido de Travis Birds. La canción incorpora unas afiladas bases electrónicas en las estrofas, entrelazadas con guitarras acústicas y próximas al hip-hop, que hacen pensar en cómo sonaría Bebe si Carlos Jean produjera su música en 2022. Después, el estribillo se alegra y adopta ese sonido de jazz gitano que Birds ha explorado en el pasado.
En la canción, Travis Birds habla de vagar por el mundo a través de un sueño. Canta que está metida dentro de una «espiral», que «navega como cometa a través del espacio estelar» y que es «dueña de su destino». Según nota de prensa, ‘A veces sueño’ «nos habla de la espiral que se produce al no saber si uno está dormido o despierto, y crea de su sueño una realidad de la que no puede salir».
‘A veces sueño’ ha llegado acompañada de un videoclip dirigido por Diego Herrero. El vídeo es «una metáfora visual de los estados anímicos por los que la intérprete transcurre durante la canción». Sigue el texto: «A través de un elemento icónico, la cama en la que se unen dos mundos enfrentados con atmósferas totalmente opuestas: El mundo de la angustia, el desconocimiento y el desamparo que genera la ansiedad representado por una travesía onírica de nuestra protagonista por un planeta apocalíptico buscando su verdadera identidad a través de momentos pretéritos. Y el de la realización y disfrute personal en el más amplio de sus sentidos contextualizado en un espacio sofisticado y aspiracional».
Mientras seguimos esperando la fecha de lanzamiento del disco que dará continuación a ‘La Costa de los Mosquitos’, Travis Birds continúa presentando este álbum en su gira de 2022, que incluye festivales como Río Babel en Madrid, Cruïlla en Barcelona o Pirineos Sur.
Amaia ha visitado esta noche El Hormiguero para promocionar su nuevo disco, ‘Cuándo no sé quien soy‘, sobre el cual hemos charlado recientemente con la navarra en el podcast de JENESAISPOP. La entrevista completa está disponible en la web del programa.
Amaia ha contado a Motos el significado del título de ‘Cuándo no sé quién soy’, el cual asocia a su etapa de incertidumbre y confusión durante la composición del álbum, y ha vuelto a explicar la razón por la cual Aitana no pudo rodar el videoclip de ‘La canción que no quiero cantar’ (por problemas de agenda). La navarra ha revelado que se barajaron varias alternativas para la trama del videoclip, y que en una de ellas aparecían Carlota Corredera y María Patiño interpretando a los yos futuros de Amaia y Aitana, respectivamente.
En otro punto de la entrevista, Amaia recuerda su paso por Eurovisión. Destaca que se sintió «como una marioneta» porque Amaia y Alfred tuvieron que cantar una canción que no escogieron ellos, pero valora que aprendió cosas positivas de la experiencia.
En cuanto a los habituales juegos de El Hormiguero, Amaia intenta adivinar qué persona canta profesionalmente y cuál no basándose en su aspecto físico. Por su parte, Marron propone encontrar el pepinillo escondido en un grupo de bolas de algodón de azúcar que se disuelven en agua.
Por otro lado, Amaia ha pisado recientemente también el plató de El Intermedio, donde ha regalado al público una preciosa actuación «en riguroso directo» de ‘Yamaguchi‘, la balada que cierra su disco. No han faltado los silbidos finales.
Harry Styles ha lanzado recientemente su tercer álbum ‘Harry’s House‘, que está rindiendo realmente bien. De momento, del disco se han sacado dos singles, ‘As It Was‘ y ‘Late Night Talking‘, pero James Corden ha tenido una divertidísima idea para dar forma al videoclip de una tercera canción. El cantante y él han picado puerta a puerta en una calle neoyorquina hasta que alguien les deje grabar en su casa el vídeo de ‘Daylight’ con el módico presupuesto de 300€.
Es Harry Styles el que exclama que hubiese preferido hacer un Carpool Karaoke, pero James está convencido de que esta idea es aún mejor. Tras intentarlo en varias viviendas, consiguen convencer a un grupo de chicas que resultan ser fans del cantante. Tanto es así, que una de ellas tiene fotos del mismo en su habitación. El equipo usa disfraces que tenían las chicas por casa, amigos de ellas como figurantes, y todo tipo de rincones del piso como set.
Cuando suben a la azotea, el mejor regalo para los protagonistas es la vista de la línea que dibujan los rascacielos neoyorquinos. Ahí graban la primera frase de la canción «I’m on the roof, you’re in your airplane seat», y desde ese punto se empieza a desarrollar el resto del videoclip, con imitación de Mick Jagger incluida. Aunque lo más divertido de este vídeo sea ver el «making-of» inicial, es satisfactorio ver resultado final y cómo consiguen dar con un digno videoclip.
