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‘Shtisel’: anhelando una cuarta temporada

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‘Shtisel’, la serie israelí de judíos ortodoxos, no termina de confirmar tras su estreno en marzo en Netflix, una cuarta temporada que se antoja fundamental. El enamoramiento no surge a primera vista -a pesar del actor Michael Aloni-, sino después, con el detallado retrato de una familia que lleva su fe religiosa a todos sus usos diarios: cuatro generaciones consanguíneas, asentadas en un barrio ortodoxo de Jerusalén, viviendo su día a día como vaca sin cencerro.

Pero que no cunda el pánico entre los ateos: estos abuelos, hijos y nietos caminan sin rumbo en un drama similar al de la sociedad menos creyente, y se digiere con el mismo pulso. Los problemas son idénticos: tener pareja, envejecer, las enfermedades mentales, la infidelidad, la educación de los nuevos vástagos… Solo cambia la escala y la fe a la hora de buscar soluciones.

‘Shtisel’ se puede afrontar con ciertos prejuicios si no vives ahora mismo en una lectura constante de la Torá. La ambientación gris desde los primeros capítulos -pues sus personajes están a todas luces atravesando un calvario- puede llevarte a desertar. Sin embargo, es mejor no tirar la toalla porque los milagros existen, en sentido literal y metafórico.

Literal por esa impagable escena del silenciado de unos coyotes a las afueras de la ciudad. Metafórico porque aquí todo va de menos a más, sin caer en el juicio de comportamientos o en la opresión religiosa como su oponente ‘Unorthodox’. ‘Shtisel’ habla con sensibilidad un lenguaje universal desde una cultura que está en las antípodas de la nuestra.

Hay que destacar a un elenco de actores espectacular, cada uno de ellos con una facultad incuestionable, sobre todo niños y adolescentes. Y también unos planos fijos deslumbrantes: en cualquier momento que pares la serie para ir a la cocina (se pasan el día comiendo y te apetecerá acompañarles), a la vuelta te quedarás fascinado, observando sin pestañear. Pero lo mejor, sin ningún lugar a dudas, es cómo ofrece un nuevo enfoque sobre ciertos temas desde la templanza.

Poco en su contra, quizá un costumbrismo lineal antes visto, cierto grado de predictibilidad a medida que avanza, y lo que cuesta pillar algunos toques de humor. Todo diluido ante un universo fascinante que nos vendieron erróneamente plagado de fanáticos religiosos. Con los Shtisel vamos al otro lado: lo que no se ve sí existe.

Más Madrid y PSOE cuestionan la cesión «a dedo» de una parcela a Nacho Cano

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Nacho Cano construirá un teatro en Hortaleza con el objetivo de «trasladar la cultura a los distritos periféricos de la ciudad de Madrid». El que fuera autor de la mitad de los éxitos de Mecano ha evidenciado en varios actos públicos su admiración por Isabel Díaz Ayuso, que representa el ala más derechista del Partido Popular, hasta el punto de que han pasado unos días juntos de vacaciones en Ibiza, como informa El Plural. Ahora se vincula con el Ayuntamiento de Martínez-Almeida, también del mismo partido.

El ayuntamiento ha cedido temporalmente a Nacho Cano una parcela de 19.000 metros cuadrados por tan sólo 450.000 euros al año, parcela para la que los vecinos de Hortaleza pedían la construcción de un Centro de Formación Profesional, pues este año 7.000 jóvenes se han quedado sin plaza de FP en la ciudad. Más Madrid, principal partido de la oposición, ha sido muy crítico con este anuncio. El concejal Miguel Montejo ha sentenciado: «Enésimo escándalo de gestión de Martínez-Almeida en lo que llevamos de verano. Es la cesión de suelo público para el amigo de Isabel Díaz Ayuso Nacho Cano para hacerse un teatro en Hortaleza», denunciando que la cesión se ha «producido con total opacidad», «a dedo», «sin ningún tipo de publicidad ni concurrencia pública», y sin informar a los grupos municipales ni al movimiento asociativo del distrito.

El PSOE también pide explicaciones sobre esta concesión “al músico, cuya amistad con la presidenta de la Comunidad de Madrid es bien conocida” y recuerda que «no es la primera vez que el PP utiliza esta parcela para favorecer los asuntos de amigos o allegados». Como informa Diario 16, se recuerda que ya se cedió este suelo a la productora de José Luis Moreno, en 2002, teniendo esta que ser revertida por incumplimiento de contrato.

‘Always’ es el mejor modo de entrar en el maravilloso universo de SPELLLING

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Nuestro “Disco de la Semana” es ‘The Turning Wheel‘, el tercer álbum de la artista estadounidense SPELLLING y el más accesible pese a que también encierra cierto carácter experimental.

No hay vídeo para el single principal del disco, ‘Little Deer‘, sí lo ha habido este mismo mes para ‘Revolution’, mientras ‘Boys at School’ es un corte favorito entre sus seguidores, pero extendiéndose hasta los 7 minutos de duración. Realmente, el vehículo que te proporcionará un viaje más cómodo para adentrarte en el maravilloso mundo de SPELLLING es la estupenda ‘Always’, nuestra «Canción del Día» hoy.

Lo más llamativo de ‘Always’ es el modo en que elige desarrollarse. La melodía apunta a clásicos tipo ‘Stand by Me’ de Ben E. King, incorpora un ritmo de power ballad ochentero a lo Jennifer Rush y contiene cierto halo girl group a lo ‘Be My Baby’ por ahí, además de un miedo al silencio que ni el muro de sonido. Pero la peculiaridad es esa toma vocal temblorosa, los arreglos de viento y los numerosos adornos que hacen de ‘Always’ una producción tan particular. Entre ellos, hay murciélagos.

La letra acumula un montón de preguntas sobre el amor eterno, del que dura para “siempre”; siendo a su vez una súplica que intenta dejar a un lado la traición. “Por favor, no me robes el corazón / No me hagas empezar de nuevo / Por favor, no dañes mi orgullo / No me hagas esconder mi amor del todo”, dice el estribillo, mientras el pre-estribillo cuestiona cómo podemos averiguar cuál es el amor verdadero.

Como curiosidad, SPELLLING ha indicado que se ha inspirado para hacer esta canción en ‘Dracula de Bram Stoker’ según la dirección de Francis Ford Coppola, lo cual nos hace pensar también en la Annie Lennox más atemporal. El ‘Dracula’ de los 90 es una de sus películas favoritas, y entiende que la canción es una especie de «romance vampírico». Por eso entre sus efectos de sonido está el aleteo de unos murciélagos. Os dejamos con la canción, pero también con un directo en el que suenan 5 canciones del álbum, a piano y guitarra. Son las siguientes:

Little Deer
Always
Awaken
Boys at School
Sweet Talk

Lorde logra su 5º top 1 en JNSP, entran The Killers, LVL1, Low, Blossoms…

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‘Mood Ring’ de Lorde sí ha convencido entre nuestros votantes y es la canción más votada de la semana, por encima de The Weeknd en este caso, que cae desplazado al top 2, y Billie Eilish, que no ha conseguido ser número 1 por aquí con ‘Happier than Ever’, pese a ser la canción más exitosa de las 3 a nivel internacional. Este es el 5º número de Lorde en JNSP tras ‘Magnets’ con Disclosure, ‘Green Light’, ‘Perfect Places’ y ‘Solar Power’.

En el top 10 encontramos también entradas de The Killers y la revelación nacional LVL1, mientras al top 20 llegan las novedades independientes internacionales de Low y Blossoms. Parquet Courts y Monarchy aparecen en la parte baja de la tabla.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 Mood Ring Lorde Vota
2 1 1 3 Take My Breath The Weeknd Vota
3 2 2 2 Happier than Ever Billie Eilish Vota
4 4 1 Runaway Horses The Killers, Phoebe Bridgers Vota
5 7 5 2 Bouncin Tinashe Vota
6 3 2 5 INDUSTRY BABY Lil Nas X, Jack Harlow Vota
7 13 7 2 Yate C. Tangana Vota
8 8 1 FVN! LVL1 Vota
9 5 4 5 Say What You Will James Blake Vota
10 12 1 7 NDA Billie Eilish Vota
11 17 9 5 Fuck Him All Night Azealia Banks Vota
12 4 1 5 Don’t Go Yet Camila Cabello Vota
13 8 8 4 Pond House Saint Etienne Vota
14 19 3 4 ¿Qué tal? El Buen Hijo Vota
15 11 4 6 Cure for Me AURORA Vota
16 18 5 6 Finisterre Vetusta Morla Vota
17 35 13 6 Moreno de contrabando Carolina Durante Vota
18 18 1 More Low Vota
19 19 1 Care For Blossoms Vota
20 31 2 15 Please Jessie Ware Vota
21 21 21 2 Jackie Yves Tumor Vota
22 26 2 12 Love Again Dua Lipa Vota
23 9 3 8 Bad Habits Ed Sheeran Vota
24 24 24 3 Wild Side Normani, Cardi B Vota
25 6 2 6 Don’t Wait Up Shakira Vota
26 14 14 5 Living Proof The War on Drugs Vota
27 36 1 17 berlin U5 Zahara Vota
28 28 1 Walking at a Downtown Parquet Courts Vota
29 16 16 2 Rumors Lizzo, Cardi B Vota
30 32 1 47 Levitating Dua Lipa Vota
31 20 20 2 Little Things Big Thief Vota
32 23 12 8 La voz del presidente Viva Suecia Vota
33 10 5 7 MAFIOSA Nathy Peluso Vota
34 15 15 3 Sex on the Beach Iggy Azalea, Sophia Scott Vota
35 40 2 12 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
36 37 10 10 Need to Know Doja Cat Vota
37 28 7 6 Bunny Is a Rider Caroline Polachek Vota
38 39 1 11 Solar Power Lorde Vota
39 39 1 Half a Song Monarchy Vota
40 25 6 10 Let Them Know Mabel Vota
Candidatos Canción Artista
In My Arms Disclosure Vota
estoy bien Karla Imbert Vota
brutal Olivia Rodrigo Vota
Little Deer Spellling Vota
Quiet On Set Remi Wolf Vota
I am not a woman, I’m a god Halsey Vota
justified Kacey Musgraves Vota
The First Day Villagers Vota
Hot N Heavy Jessie Ware Vota
You Can Do It Caribou Vota

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El álbum debut de María Becerra viene acompañado de Becky G en el videoclip de ‘WOW WOW»

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María Becerra ha lanzado hoy su álbum debut, ‘Animal’, acompañada de Becky G en el videoclip de ‘WOW WOW’. El estreno llega en el mejor momento para Becerra, pues se ha convertido en la artista más escuchada de Argentina tras superar los 24 millones de oyentes en Spotify.

Después de que compartiera un primer adelanto en febrero con temas como ‘Animal’ o ‘ACARAMELAO’, hoy, con su álbum completo, ha ido acompañada de Becky G en ‘WOW, WOW’, una decepcionante referencia a ‘Black Widow’ (‘Viuda Negra’), pues quien haya entrado en YouTube para visionar el videoclip habrá visto el parecido de la portada del tema con el póster de la película para encontrarse segundos después con una fiesta piscinera.

Aun así, el videoclip ya cuenta con más de un millón trescientas mil visualizaciones. El vídeo alterna imágenes de María Becerra y Becky G entre la resaca post fiesta y el hype previo que daban esta clase celebraciones en la época a.C., antes de coronavirus. «Todo se cura cuando perrea», cantan Becky G a mitad de la canción, un buen resumen para la letra, muy del estilo de ambas artistas.

En este primer álbum «María Becerra emprende un viaje donde el amor evoluciona en espiral desde un deseo salvaje a un hermoso romance que termina en el abandono de un amor que no es correspondido y nuevamente el ciclo comienza», explica UMO Agency en un comunicado de prensa.


El regreso de ABBA podría producirse en formato de holograma tras 40 años de parón

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ABBA regresaría tras estar inactivos durante cuatro décadas con el lanzamiento de cinco nuevas canciones que llegarán la semana que viene. Esta vez parece que es oficial, pues estas mismas canciones se llevan esperando desde 2018, cuando la banda confirmó que había vuelto al estudio.

Es cierto que a lo largo de los últimos años hemos visto a los miembros del grupo juntos en algunas ocasiones, ya sea por inauguraciones o por otros actos que acabaron en mini conciertos. Sin embargo, los rumores de su regreso con nueva música se llevan dando desde 2016, cuando empezaron a planear un espectáculo en realidad virtual ideado por el mánager y productor Simon Fuller y Universal.

Ahora, después de los más y de los menos de la pandemia, ese regreso está confirmado, para el próximo 2 de septiembre, bajo el nombre de ‘ABBA Voyage’. De confirmarse los rumores de los últimos años, se trataría de una serie de conciertos que recrearán con hologramas las versiones jóvenes de los miembros.

Aunque las redes sociales del grupo no han dado demasiados detalles, los rumores también apuntan a que ‘Abba Voyage’ mostrará una nueva película documental sobre el regreso del grupo, se presentarán sus nuevos temas y también interpretarán clásicos como ‘Gimme! Gimme! Gimme!’, ‘Mamma mia’, ‘Waterloo’, ‘Chiquita’, ‘Dancing Queen’ o ‘Does your mother know?’. El grupo ha habilitado la página abbavoyage.com para dar a conocer su regreso y ha invitado a sus fans a participar en ella.

Parece que últimamente están muy de moda los regresos y reencuentros, ya sea por parte de la pandilla de ‘Friends’, el alumnado de ‘Física o Química’ o, en este caso, las chicas y los chicos de ABBA, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstad.





Deafheaven / Infinite Granite

La evolución de Deafheaven en su quinto álbum ha sido aparcar el metal y los alaridos que gruñeron en sus discos más importantes, ‘Sunbather‘ en 2013 y ‘New Bermuda‘ en 2016, aquí reducidos a momentos muy puntuales. En su lugar, han dejado salir el shoegaze melódico que también llevaban dentro. Por primera vez no les produce Jack Shirley, que empezó a soltar los mandos en un ‘Ordinary Corrupt Human Love’ (2018) que ahora se antoja de transición. En su lugar, la elección ha sido Justin Meldal-Johnsen, que además de con M83 y Nine Inch Nails, los nombres más significativos de su curriculum en este caso, no ha temido vincularse con Poppy, Tegan & Sara y Frank Ocean.

‘Infinite Granite’ es el disco más pop de Deafheaven, en concreto el más indie pop y británico de la banda de San Francisco, que ahora cita a Ride como influencia y también a Radiohead. Algo que les honra, pues los punteos de las distintas etapas de ‘Lament for Wasps’, por ejemplo, nos llevan de manera muy directa a las guitarras de ‘Paranoid Android’ y ‘Subterranean Homesick Alien’.

Que una banda de black metal o similar abandone los gritos más testosterónicos y primarios siempre provoca que los puristas más conservadores se rasguen las vestiduras y las reacciones en sus redes han sido tan divertidas como sigue: «suena a dream-pop indie vago de Bandcamp. Esta canción podría darme cáncer», escribía un usuario sobre el single ‘Great Mass of Color’ en Facebook. En esta casa, en cambio, damos por supuesto la bienvenida a Deafheaven al redil del pop, dado lo cuidado de arreglos, melodías y texturas, de belleza incuestionable.

Estamos ante un disco que, entre otros temas, trata el insomnio, y que ha sido escrito por George Clarke a menudo entre las 3 y las 6 de la madrugada. Dicha circunstancia ha producido que el artista se haya enfrentado a fantasmas como la existencia de Dios (‘In Blur’), el alcoholismo y los abusos en su historial familiar (‘Villain’), la pérdida de un hijo (además de ‘In Blur’, ‘The Gnashing’), la muerte de un amigo (‘Other Language’) o el deterioro de un abuelo (‘Mombasa’). Evitando lo explícito, sugiriendo más que narrando, y dejando la puerta abierta a las interpretaciones, las letras son entonadas por Clarke con un registro de crooner neorromántico cercano a Martin L. Gore. Pocas veces el artista había elegido ser tan expresivo.

Musicalmente, el álbum parece cimentarse sobre los últimos logros de Slowdive, aprovechando que el trabajo homónimo de estos resultó por mucho el más sofisticado y mejor de toda su carrera. A veces cuesta encontrar qué aportan Deafheaven a todo aquello, si bien las composiciones se suceden con melodías inmaculadas. El riff de ‘Great Mass of Color’ es cristalino, como hermosa es la incorporación de susurros y tarareos a ‘Shellstar’ (ciertamente muy M83), y sobresalientes la melodía de ‘The Gnashing’ y las guitarras acuosas de ‘Other Language’. El interludio instrumental, en plan dream pop o banda sonora de John Carpenter, ‘Neptune Raining Diamonds’, también juega a su favor.

El viejo registro metalero sirve para realzar algunos de los momentos más enrabietados de Deafheaven, como sucede al final de ‘Villain’, quizá una favorita de sus viejos seguidores cuando exclama «My own villain rising!». Y sobre todo ‘Mombasa’, una canción que comienza con guitarras acústicas, transita por un mundo de sintetizadores, y termina vomitando toda su bilis a la antigua en esta canción que recapacita sobre la muerte digna (es la dedicada a su abuelo), hablándonos sobre «camas de hospital» y «viajar adonde no puedan abandonarnos». Un final catárquico para un álbum de Deafheaven que, una década después de su formación, no pasa desapercibido.

Kacey Musgraves llora en un coche, no importa la dirección

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Ganó el Grammy a Álbum del Año con ‘Golden Hour‘, uno de los 200 discos clave del siglo XXI, y esta semana ha vuelto. Kacey Musgraves nos «introducía» en su nuevo viaje, el de su reciente divorcio, con una composición llamada como el disco, ‘star-crossed’, pero estaba claro que no era el single principal, mérito que recae sobre ‘justified’, que se estrena hoy y es también «Canción del Día» el mismo día de su salida.

‘Justified’ es un torbellino de emociones con ese estribillo dulce en melodía, pero agridulce en boca, que alterna «risa y llanto», «amor y odio». Kacey Musgraves comienza hablando de un “verano extraño” -un acierto para este 27 de agosto- hablando de cómo “perdió contacto” con su pareja, mientras en armonía el tema nos lleva al pop de los 2000 o finales de los 90, con nombres como Jewel y Jennifer Paige. Lo que significa que la pista podría ser radiada en las emisoras de country, pero también encerrando un poso pop: hoy mismo se anuncia que Kacey Musgraves actuará el 12 de septiembre en los VMA’s de MTV, es decir, dos días después de que se publique este mismo álbum.

En el vídeo, Kacey Musgraves va llorando en un coche, no importa la dirección, dejando atrás aquella historia de dos. La cantante intenta olvidar su matrimonio escuchando música, cuando finalmente una serie de notificaciones en el móvil la llevan hacia la desgracia. ¿Una historia que adivinamos continuará en otros videoclips de este álbum? Es posible, teniendo en cuenta que el álbum ‘star-crossed’ se presentará junto a una película.

Halsey suma y sigue con el complejo ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’

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Halsey acaba de publicar uno de los discos más esperados del mes, ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’, su cuarto álbum y otro salto mortal en su carrera si recordamos dos cosas: 1) que es el primero que producen Trent Reznor y Atticus Ross, esto es Nine Inch Nails, y 2) que el álbum llega al mercado sin single de presentación alguno.

La canción más escuchada del álbum, al menos de entrada, va a ser la electro ‘I am not a woman, I’m a god’, pues es la que ha sido añadida a la playlist más todopoderosa del mundo, «Today’s Top Hits» de Spotify, que es seguida por 29 millones de personas, así como a otras playlists de novedades, si bien la acústica ‘Darling’ también ha aparecido en New Music Friday UK.

Desde que sabíamos que Trent Reznor y Attics Ross estaban implicados en la producción del álbum, de alguna manera esperábamos el gran disco de rock de Halsey, ahora que el mercado tanta guitarra parece estar demandando, aunque sea por el camino de Mäneskin y Olivia Rodrigo, mientras los puretas se tiran de los pelos. Algo de eso hay en temas como ‘You Asked for This’ -que recuerda a Smashing Pumpkins-, ‘honey’ o ‘Easier than Lying’, pero en absoluto estamos ante un disco de rock.

No hay más que atender al tema a piano que abre el disco, llamado ‘The Tradition’ y con la colaboración de Greg Kurstin en los créditos, o el electrónico que lo sucede lleno de texturas, ‘Bells in Santa Fe’, excelente. Las influencias trip hop (‘Lilith’) se entremezclan con temas más Moroder/’Drive’ (‘1121’), mientras la producción más llamativa en una primera escucha «en diagonal» es ‘Girl Is a Gun’, entre el pop sintético y el drum&bass. Retazos de banda sonora, en sintonía con la gran experiencia de los productores al respecto (ganaron el Oscar por ‘La red social’ y ‘Soul’), aparecen en ‘Whispers’ y ‘The Lighthouse’.

El resultado es que Halsey continúa creciendo como artista cuando aún está lejos de cumplir 30 años (el mes que viene llega a los 27), como no todos vieron venir en los tiempos de ‘New Americana’ o el pequeño traspiés artístico que representó su segundo álbum ‘Hopeless Fountain Kingdom’. Además, es que ya viene de publicar un discazo como fue ‘Manic’ el año pasado.

Halsey ha explicado que estamos ante un disco conceptual sobre el embarazo y el alumbramiento en el que ha querido contraponer «la dicotomía entre la Virgen y la Puta». Una pintura renacentista de Jean Fouquet de 1452 ha inspirado la portada, ‘La Virgen con el Niño y Ángeles’. El proyecto se presenta junto a una película que ha sido dirigida por Colin Tilley, quien ya había trabajado en ‘Without Me’ y ‘You Should Be Sad’, y que se ha proyectado en algunos cines IMAX del mundo. También han colaborado como músicos Dave Grohl y Lindsey Buckingham, entre otros.

En nuestro foro de Halsey también predomina el entusiasmo. Dice AdriEv: «Es discacísimo. Está claro que no le interesan mucho los hits con este disco, pero honey podría petarlo. La secuencia de la 2 a la 6 es brutal». Frikomid se extiende: «¡Me gusta el álbum! Por un lado suena a Halsey, y por otro suena a una producción de T. Reznor y tiene esa la ambientación tan característica de A. Ross. Igual hay alguna canción que me parece poco producida, pero el sonido del álbum me gusta de buenas a primeras. Eso sí, me suena un poco plano también, solo noto que destaquen sobre el resto «I’m a woman, not a god» y «Easier than lying», «honey» también si me apuras. Creo que podría haber arriesgado más en su sonido teniendo ese par de productores pero bueno, de todas formas le ha quedado un álbum bastante curioso. Me ha sorprendido y para bien».

En el lado negativo, indica Xanti: «Yo lo he escuchado por curiosidad por quienes lo han producido, pero debo reconocer que no me ha gustado el resultado».

¿Qué te está pareciendo, "en diagonal", el 4º disco de Halsey?

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Kanye West resucita a Marilyn Manson en ‘DONDA’

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Hace más de un mes que tendría que haber salido ‘DONDA’, pero continuamos a verlas venir. Al menos sabemos que el nuevo disco de Kanye West no está en la papelera de reciclaje porque el rapero y productor continúa realizando fiestas de presentación que se retransmiten online. La primera fue el 22 de julio, la segunda el 6 de agosto y la de anoche era la tercera, esta vez en Chicago y no en Atlanta. Cuando pensamos que a la tercera iría la vencida, de momento el álbum continúa sin aparecer en las plataformas de streaming.

Quien sí ha aparecido en dicha fiesta de presentación ha sido Marilyn Manson, que ha sido cancelado por su sello discográfico, entre otras entidades y personas, por sus múltiples denuncias por acoso sexual. El mánager de Marilyn Manson ha confirmado a People que la voz de Marilyn Manson aparece en el álbum y que el cantante continuará involucrado en el proyecto ‘DONDA’.

Pitchfork señala también que en una de las canciones de ‘DONDA’ se ha sustituido un rap de Jay-Z por otro de DaBaby, que también ha afrontado problemas de imagen pública tras unas declaraciones homófobas y serófobas durante un concierto. Los tres se subieron a una estructura con forma de iglesia construida en el centro del estadio. La función de ambos en ‘DONDA’ no está clara de momento, quizá ni para su propio autor, tan poco dado a dar los discos por terminados, pero las imágenes están circulando por Twitter y podéis verlas bajo estas líneas.

La buena noticia es que en el recinto se pusieron a disposición del público más de 1.000 vacunas contra la covid-19, algo muy necesario dada la reticencia de Estados Unidos a ser vacunada.

Por otro lado, Kanye West también ha sido noticia esta semana por solicitar su cambio de nombre legalmente para pasar a llamarse «Ye», e igualmente por lanzar un dispositivo a través de su web, con el que podrás modificar el tempo de las canciones de ‘DONDA’, aislar las pistas, crear loops, etcétera. Cuesta 200 dólares.

Ana Guerra anuncia la fecha y la portada de su segundo álbum

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Ana Guerra ha compartido la portada y la fecha de lanzamiento del que será su segundo álbum después de ‘Reflexión‘. ‘La Luz Del Martes’ saldrá a la venta el próximo 24 de septiembre.

«A partir de hoy todos los martes (mi día favorito de la semana) subiré cositas nuevas y preciosas», escribió la cantante en su perfil de Instagram el pasado fin de semana, dando la primera pista. Y tal y como prometió, el martes llegó el anuncio.

«‘La Luz Del Martes’ ha sido la luz de mi vida. Ha sido esa luz que mi alma y mi camino necesitaban para iluminar esas sombras que comenzaban a bailar con demasiada libertad», así es como Guerra ha definido su nuevo proyecto. El post venía acompañado por la portada del disco, que ha sido muy comentada en redes sociales por el estilo a telenovela turca de por la tarde en Divinity que desprende.

Pero dejando a un lado el humor, la cantante ha asegurado que con este nuevo álbum «emprende una nueva era» ya que es muy importante para ella. El disco tendrá también versión en vinilo, y aunque la artista no ha hecho público el tracklist, sabemos que contendrá 12 pistas, entre las que pueden estar sus últimos sencillos ‘Tik Tak’ y ‘Seis’, pero todavía no está confirmado.

Villagers / Fever Dreams

Decidí aparcar durante unos días la crítica de este ‘Fever Dreams’. El disco no me estaba gustando demasiado. Me daba la sensación de que Conor O’Brien había puesto demasiado empeño en destacar dos temas (‘So Simpatico’ y ‘Circles in the Firing Line’) y que el resto estaban ahí como mera comparsa, que pasaban desapercibidos. Incluso que eran, glups, aburridos. Compararlo con la efervescencia de ‘Pretending to Swim‘ (2018) o la quasi perfección de ‘Darling Arithmetic’ (2015) tampoco ayudaba.

Pero los días en barbecho han servido para valorar el disco en su justa medida. De hecho, abandoné una obra no muy destacable y, de sopetón, recuperé otra deslumbrante. Era simple cuestión de tiempo dejarse atrapar por el álbum escapista pre-pandémico de Villagers. Funciona perfecto en su misión: ser una versión soleada, psicodélica y soulera de la “americana” dulce que practica O’Brien. Y que la certeza de que esa fantasía de sol, viajes y alegría ahora sea casi una quimera le otorga el justo puntito amargo a ‘Fever Dreams’. Como ese gigantesco oso, no se sabe si amenazante o protector, que vigila el sueño estival de Conor en su preciosa portada.

El preciosismo pop de Conor O’Brien esta vez viaja metafóricamente hasta California, para conseguir una atmósfera alegre, pero ligeramente febril y ensoñadora. Construye canciones morosas y exquisitas que se toman su tiempo en desperezarse y mostrarse en todo su esplendor. Si el soul-pop a la Sade ya decía «hola» desde ‘Sweet Saviour’ en «Pretending…», aquí Conor explora más a fondo esa vena sofisticada. Tras una extraña introducción, emerge ‘The First Day’, con la voz de Conor ligeramente filtrada, acompañada de la viveza de una instrumentación exuberante: pianos, vientos, percusiones, que crean una orgía de pop alternativo barroco y soleado, entre Grizzly Bear y Beirut y rompen en una fanfarria de coros desatados y un maravilloso estribillo. La fiesta prosigue en ‘Song in Seven’, menos fastuosa, pero aun así, arrebatadora y misteriosa: destaca la manera en que Conor degusta las palabras, las arrastra, hasta que abandona su propia canción para dejar a un coro casi fantasmagórico entonando el verso principal: «And it cut me so deep…»

La deriva californiana continúa en ‘So Simpatico’, una declaración de amor tan bobalicona como irresistible: «Oh, tan Simpatico / eres el único para mí». Hay aquí angelicales juegos de voces, un humor alegre, una melodía irreprochable, que culminan en un estupendo solo de saxo que acompaña el recitado de O’Brien y alarga el tema hasta los siete minutos, en un viaje de pop-soul que haría palidecer de envidia a Dan Bejar. La otra gran joya es ‘Circles in the Firing Line’, divertida y pegadiza, con sus coros la-la-la, su ritmo trotón y la voz de O’Brien entonando con sorna una letra que, paradójicamente, no es graciosa, sino que amaga desesperación: “I’m doing circles in the firing line, no comfort in this heart of mine / It’s been a while since that smile graced this face” (“Estoy dando vueltas en esta línea de fuego, no hay reposo en mi corazón / Ha pasado tiempo desde la última vez que una sonrisa iluminó esta cara”). Parece que va a acabar con un final instrumental bastante progresivo, cuando de repente rompe en una graciosa y espídica coda punk.

Pero temas destacadísimos aparte, es que canciones aparentemente menores como ’Momentarily’ o ‘Restless Endeavor’ son una pequeña maravilla, aunque de entrada parezcan que están ahí agazapadas, mansas, flotando en una balsa de soul y ecos lejanos de trip-hop. Y como en las vacaciones también nos puede inundar la melancolía, Conor nos anega con una emotivísima balada, ‘Full Faith In Providence’, que tiembla sobre un piano aparentemente desafinado y derivas sufjanescas, para cerrar en un crescendo final estupendo. ‘Fever Dreams’, la canción, es la más ambiciosa; la más extraña, la más psicodélica… pero también es la menos lograda del conjunto. No hay problema; Conor lo arregla con la arrebatadoramente clásica ‘Deep In My Heart’. “Tenía la urgencia de escribir algo que fuera tan generoso para el oyente como lo estaba siendo para mí”, explica O’Brien en el bandcamp de Villagers. Y lo es. Vaya si lo es.

Robe Iniesta anuncia la cancelación oficial de la Gira de Despedida de Extremoduro

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Roberto Iniesta, más conocido como «Robe», ha comunicado que la Gira de Despedida de Extremoduro ha sido finalmente cancelada por su promotora, Live Nation, tras varios meses de disputas.

La gira ya tuvo un par aplazamientos debido a la pandemia, primero en otoño de 2020 y después en mayo de este año, pero fue ayer cuando Robe dio a conocer la noticia definitiva a través de un post en la cuenta de Instagram de Extremoduro. Robe asegura que «hace ya un mes que la multinacional Live Nation me mandó un burofax para decirme que daban por extinguido el contrato de la gira de Extremoduro y que, por tanto, la dan por cancelada».

El cantante justifica esta cancelación por parte de la promotora afirmando que «no han querido esperar a que pasara la pandemia para poner nuevas fechas, que es lo único sensato que se podía hacer en esta situación». A pesar de ello, se sabe que Iñaki Antón, otro de los líderes del grupo, dio su conformidad con el aplazamiento. Y hay que recordar que no se puede saber exactamente cuándo acabará una situación como esta.

El enfado de Robe puede deberse en mayor proporción a la ausencia de explicaciones de la promotora: «Lo que no entiendo es que no hayan anunciado la cancelación para devolver el dinero de las entradas lo antes posible, tal como se habían comprometido a hacer (…). Me preocupa porque no me fío de ellos ni un pelo», escribió también ayer.

El anuncio de Live Nation ha llegado hoy hace poco más de cuatro horas, también a través de Instagram, aunque ellos cargan la responsabilidad sobre Robe: «LIVE NATION, tras haber intentando el aplazamiento hasta el último momento, lamenta comunicar la imposibilidad definitiva de la celebración de los conciertos de la Gira de Despedida de Extremoduro, como consecuencia de la negativa de Robe Iniesta y su representante artístico a realizar la misma en un futuro».

Y en lo que respecta a las entradas, Live Nation ha asegurado que no habrá problemas con las devoluciones y ha explicado que los compradores recibirán un email de sus canales de venta con las instrucciones para la devolución del dinero. Recomiendan «revisar también la bandeja de correo no deseado», por si el servidor lo detecta como spam. En el caso de compra física, el trámite se tendrá que llevar a cabo en la tienda correspondiente. Hay de plazo hasta el 30 de septiembre para gestionar las devoluciones. Foto: Instagram.

RFTW: Liam Payne, Rina Sawayama, Sigrid, CHVRCHES, Gorillaz, Beatles…

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Este viernes 27 de agosto se publican los esperados discos de Halsey y CHVRCHES, así como lo nuevo de la representante francesa de Eurovisión 2021 Barbara Pravi, OneRepublic, María Becerra, Nicky Jam, Becky Hill y Big Red Machine, álbum de Aaron Dessner y Justin Vernon en el que colabora Taylor Swift. La autora Diane Warren saca un disco con multitud de colaboradores, como Rita Ora, Santana, Céline Dion, Luis Fonsi, LP, John Legend… una verdadera locura. Renovamos nuestra playlist semanal de novedades «Ready for the Weekend» con una muestra de todos esos discos, así como con algunas de las novedades que hemos ido conociendo estos días: el avance del disco post-divorcio de Kacey Musgraves (también ha estrenado el verdadero single junto a su videoclip), el del disco de My Morning Jacket o lo nuevo de Caribou.

Presentan nuevos álbumes Marissa Nadler, Miles Kane, Feeder, Helado Negro y Esperanza Spalding, mientras se comparten mezclas alternativas de ‘Let It Be’ de los Beatles para una reedición del álbum. Gorillaz tienen nuevo EP y Django Django estrenan tema de la edición deluxe de su último disco.

Hay nuevos temas de pequeñas grandes estrellas del pop como Liam Payne, Kim Petras, Sigrid (que acaba de anunciar concierto en Barcelona en 2022), Griff, BANKS, WizKid y CHAI, estas últimas en plan electrónico. En España, Ganges canta en lo nuevo del dúo “hip popero” vangoura, hay tema veraniego de Pedro LaDroga, corte jangle pop de bigott y presentación en sociedad de los madrileños La Paloma.

En el mundo apasionante de los temas colaborativos, Eminem se suma a un tema de GRIP, Kendrick Lamar a un tema de Baby Keem y The Weeknd y Nas a un tema de Belly. En otro estilo, LP canta para Imanbek, y también para las pistas de baile EDM, lo nuevo de Alan Walker y Becky Hill. Por otro lado, hay nuevos remixes de algunas de nuestras canciones favoritas de los últimos meses, ‘On a Mountain’ de Danny L Harle, ahora con Flume y ‘Galipette’ de Lolo Zouaï.

Hay muchas novedades en el mundo del reggaetón y la música latina, de Ozuna, Maluma, J Balvin, ODDLIQUOR, Superestrellas, Selena Gomez con Camilo… pero justo el tema llamado ‘Reggaetón’ de Los Telepáticos va por otros derroteros.

Por su parte, Vetusta Morla presentan banda sonora con la que aspirarán al Goya a Mejor Canción si rellenan los papeles para ello. Es para la banda sonora de ‘La Hija’, del director Manuel Martín Cuenca, protagonizada por Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz e Irene Virgüez Filippidis. También Él Mató a Un Policía Motorizado tienen nueva canción para una banda sonora, en este caso la serie argentina ‘Okupas’ disponible en Netflix.

Completamos con algunas curiosidades, entre las que están la versión de Rina Sawayama para el macroálbum que conmemora el «Black Album» de Metallica (menos sorprendente es la de IDLES sobre el mismo disco) y la que Mon Laferte ha hecho de ‘Wish You Were Gay’ de Billie Eilish.

‘Shoplifters of the World’: demasiado hasta para los fans de los Smiths

Las películas sobre nuestros ídolos están condenadas a decepcionarnos, incluso cuando se convierten en enormes taquillazos. A veces los ensalzan estúpidamente, ocultando parte de la realidad con la autorización del interesado, y otras, los detalles más superfluos son exagerados. Cuando no le plantan a Freddie Mercury unos piños que no eran tan descomunales porque así es Hollywood, se plantean telefilms de tan bajas miras como aquel que le hicieron a la pobre Nina Simone en unos 5 minutos.

‘Shoplifters of the World’, disponible hasta hoy en el Atlántida Film Fest de Filmin, no es un biopic sobre los Smiths, pero sí puede considerarse «la película de los Smiths» porque su fanatismo en torno a la banda es incómodo hasta para quienes hemos crecido y nos sabemos la discografía de los Smiths de memoria. El guión del también director Stephen Kijak, que ha realizado documentales sobre Scott Walker, los Rolling Stones y Back Street Boys, entre otros, nos cuenta la historia de una serie de personajes afectados por la separación de los Smiths, salvo que no hay «historia» ni «personajes» en absoluto.

El punto de partida de ‘Shoplifters of the World’ es una historia real modificada al gusto. En 1988, un adolescente deprimido llamado James Kiss aparcó en las inmediaciones de una emisora de radio, armado con un rifle, con la idea de obligar a los locutores a pinchar canciones de los Smiths. El «hang the DJ» de ‘Panic’ llevado hasta los extremos. Al final, el joven reculó, declarando: «no quería hacer daño a nadie, ni siquiera asustar a nadie».

En la película se ha ficcionado este incidente por imperativos cinematográficos, lo cual resulta lógico, pero lo paradójico es que los resultados sean tan anticlimáticos. Por aburrida que fuera la vida de James Kiss, es muy difícil que superara la nadería de los personajes interpretados por Ellar Coltrane y una Helena Howard que se dedica a robar cintas de los Smiths que ya debería tener, si tan fan era.

La película trata cuestiones habituales en las letras y las entrevistas de la banda (el montaje intercala alguna que otra) como el celibato, la homosexualidad reprimida, la exclusión social o el vegetarianismo en una década tan temprana como los años 80, pero sin que ninguna de estas cuestiones te afecte, pues la personalidad de protagonistas y secundarios es inexistente, ahogada en un videoclip perpetuo con una veintena de canciones de los Smiths. Los seguidores del grupo se sabían diferentes, pero este guión hace imposible empatizar con ellos.

Los personajes, desdibujados, utilizan conocidas frases de los Smiths mientras se disparan más y más canciones del grupo en modo «shuffle». Conseguir sus derechos de reproducción no ha debido de ser tarea fácil, pero tanto hincapié en las letras de Morrissey solo sirve para recordarnos que, desde su desgracia, eran agudas, divertidas, a menudo tronchantes y autoparódicas, y este guión carece de mordacidad alguna.

Dice Morrissey que le encanta ‘Shoplifters of the World’ porque «ha reído» y «ha llorado» con ella, lo cual no hace sino poner de manifiesto su desconexión con la realidad. Aprovechando el mal momento de popularidad de Morrissey por sus opiniones políticas, el crítico Mark Kermode de The Observer escribía en Twitter que ‘Shoplifters of the World’ «es EXACTAMENTE la película que Morrissey se merece» en este momento, y quizá huelgue decir nada más.

No era el mejor modo de reclutar seguidores o subrayar la importancia de los Smiths, el indie pop y el underground de los 80 mostrar a unos protagonistas que se toman la separación de los Smiths con un grado de histeria que ríete tú de las fans de Take That del aeropuerto de Barajas. A lo sumo, la peli es un entretenimiento en cuanto a mitomanía por sus guiños a personajes tan relevantes en aquellos años y durante los 70 como New York Dolls, Robert Smith, Grace Jones, R.E.M. y David Bowie, aunque se desconoce qué hace un personaje disfrazado de Madonna chupando plano durante toda la película cuando Morrissey odia a Madonna y su carrera no guarda casi ninguna relación con él.

Hay una escena en ‘500 Days of Summer‘ en que unos bellísimos y encantadores Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel se conocen en un ascensor porque uno de ellos está escuchando con los cascos ‘There Is A Light That Never Goes Out’. Esos pocos segundos de una película tirando a tonta hicieron más por los Smiths que esta sobredosis de 84 minutos.

Camilo comparte un primer adelanto de su colaboración con Selena Gomez

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Selena Gomez y Camilo se han unido para lanzar un nuevo tema este mismo viernes, ‘999’, del que ya se puede ver y escuchar un pequeño fragmento.

La noticia se dio a conocer hace unos días por parte de ambos artistas, con un breve comunicado de Camilo en Twitter y un verso de la canción en un tweet de Selena: «1,000, yo sé que piensas en mí y el corazón se te mueve… si tú quieres ir a 1000…». Pero ha sido hoy cuando el artista ha desvelado un fragmento de la canción y del videoclip a través de su perfil de Instagram.

El vídeo dura poco más de diez segundos, pero es suficiente para verlos a ambos alrededor de lo que parece ser una especie de cabaña o cobertizo y en medio de un colorido campo de flores. Camilo con su guitarra y Selena con unos looks muy veraniegos y unos peinados de colores muy de Karol G. La estética, en general, parece un pelín empalagosa, estilo Camilo.

No es ningún secreto que a Camilo le gusta rodearse de voces importantes para sus temas musicales. Después de su remix de ‘KESI’ con Shawn Mendes le ha tocado el turno a Selena Gomez. «¡¡Me siento honrado!! ¡¡Amo esta canción y te admiro tanto!!», escribió Camilo en inglés en su cuenta de Twitter.

Y en lo que respecta a Selena, volveremos a escucharla cantando en castellano: «Quiero que esta noche vengas de visita, de fondo poner tu playlist favorita», se escucha en el adelanto de ‘999’. La artista está que no para, además de esta colaboración, su nueva serie ‘Only Murders in the Building’ se estrena la semana que viene, el 31 de agosto. Y también ha confirmado que está trabajando en su próximo disco: «Estoy empezando a trabajar en un nuevo álbum justo ahora. Estoy muy emocionada, tengo mucho que decir y soy muy afortunada porque adoro hacer lo que hago».

El himno veraniego de Remi Wolf

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Remi Wolf es una joven cantante pop estadounidense de 25 años que debutará definitivamente en el mundo de la música el próximo 15 de octubre, cuando lance su álbum debut, ‘Juno’, un nombre que en la mitología romana equivalía al de Hera, diosa del matrimonio y reina de los dioses. Para que conozcas más de ella, te contamos todos los detalles de su música.

Aunque ya publicó un primer single para tal álbum hace un mes, ‘Liquor Store’, el anuncio del largo se conoció hace unos días, viniendo acompañado de dos singles nuevos, ‘Quiet On Set’ y ‘Grumpy Old Man’, que tuvieron bastante buena acogida en algunas playlists de novedades en Spotify.

Wolf describe el primero de ellos, más orientado hacia el hip hop, como una canción «llena de psicopatía». En el videoclip podemos ver a una Remi que se muestra prácticamente perdiendo la cabeza, según ella: «por mucho que la canción sea tonta y divertida, realmente refleja mi vida y mis sentimientos en ese momento… exceso de trabajo, maníaco, imprudente e infantil».

Wolf define su segundo tema, el veraniego ‘Grumpy Old Man’, como una canción en la que se inspiró con «algunas de las cosas más benignas que pueden irritarme y ponerme a la defensiva, lo que me hace sentir vieja, frágil y descuidada», y así lo demuestra con una letra de tono agresivo si se analiza detenidamente, pero bastante calmada si se escucha acompañada de su videoclip. «Canción del Día» hoy, está más en la estela del indie-funk veraniego que tanto se ha escuchado en los últimos tiempos, muestra de una versatilidad que ya se dejó caer en su EP ‘I’m Allergic to Dogs!’ (2020), que contenía su pequeño hit ‘Photo ID’ junto a Dominic Fike.

En lo que respecta a su álbum debut, Remi explica que su creación viene de todos «los cambios que estaban sucediendo en mi vida mientras creaba estas canciones y creo que mi álbum refleja realmente los sentimientos de tensión y liberación que estos cambios provocaron en mí». Además, afirma que «cada canción de este disco es una instantánea vívida de lo que estaba pasando en mi vida y en mi mente el día que escribí cada una».

  1. Liquor Store
  2. Anthony Keidis
  3. wyd
  4. Guerrilla
  5. Quiet On Set
  6. Volkiano
  7. Front Tooth
  8. Grumpy Old Man
  9. Buttermilk
  10. Sally
  11. Sexy Villian
  12. Buzz Me In
  13. Street You Live On

Parece que Wolf promete un gran torbellino de emociones con sus temas, algo que ha conseguido transmitir bastante bien con sus primeros tres singles, pero lograrlo otras diez veces puede ser algo complicado. Todo se verá en octubre.

Lo mejor del mes:

Michael Milosh de Rhye, denunciado por su ex mujer por abuso sexual y violencia de género

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Michael Milosh, desde 2017 ya único integrante de Rhye, ha sido denunciado por abuso sexual, violencia de género y violación por su ex mujer. La actriz Alexa Nikolas llevaba tiempo acusándole de forma pública y ahora ha formalizado la denuncia, amparándose en la legislación de California, como informa TMZ y recoge Pitchfork.

Michael Milosh y Alexa Nikolas se casaron en 2012, se separaron en 2016 y su divorcio se formalizó en 2019. Michael Milosh ha declarado en meses recientes que estas acusaciones eran “de forma comprobable falsas”, que “cooperaría con cualquier tipo de investigación independiente” y que “siempre le ha deseado lo mejor” a su ex mujer. “La he seguido apoyando económicamente incluso aunque ya no era necesario según nuestro acuerdo de divorcio. Al final dejé de pagar y su respuesta es este intento de destruir mi reputación”, ha dicho públicamente.

En la denuncia actual, Alexa Nikolas relata que contactó como fan con Michael cuando ella tenía 16 años y él 33, y que, aunque no esperaba respuesta, él contestó enseguida, comenzando una serie de mensajes con peticiones de desnudos y subidos de tono que habrían llevado a una relación sexual no consentida. Según Alexa Nikolas, Milosh la manipuló para tener sexo en 2010 y 2011 mientras estaba «drogada» o «borracha», y la sometió a una penetración anal no consentida que habría sido utilizada como sample en el disco ‘Jetlag’, el último que él firmó como Milosh, antes de centrarse en Rhye. En concreto se la oiría en el tema ‘Don’t Call It’ diciendo “no”, además de en otros puntos.

La denunciante también indica que “los sellos, el management y las compañías” de la época apoyaron a Milosh revalidando su conducta, incluso aunque sabían que se trataba de una menor. Afirma que el artista exhibió fotos de ella desnuda en una fiesta promocional de ‘Jetlag’. El álbum se promocionó en 2013 como «una carta de amor hacia su esposa», recordando los samples de la voz de Alexa Nikolas al trabajo que Gainsbourg hizo junto a su pareja a finales de los años 60, Jane Birkin. Según algunas fuentes como Boston Globe, Alexa fue acreditada incluso como co-productora de aquel álbum, aunque al menos actualmente no aparece de manera oficial ni en Tidal ni en Spotify.

Doja Cat presentará los VMA’s, que añaden más invitados

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Por si había alguna duda de que Doja Cat es la estrella pop del momento y de que su disco ‘Planet Her’ es ya uno de los grandes éxitos de 2021, aproximándose al millón de copias vendidas, se ha confirmado que la cantante será la presentadora de la próxima gran gala de la MTV. Los VMA’s son en este caso en septiembre, en concreto el día 12 en Nueva York. Doja Cat está nominada a 5 premios, incluido Mejor Vídeo del Año y Mejor Colaboración por el hit ‘Kiss Me More’ con SZA.

En las últimas horas se había confirmado que Doja Cat iba a actuar en la ceremonia, de hecho, en una tanda que también incluía a Shawn Mendes, Twenty One Pilots y Chloe Bailey de Chloe x Halle, que presenta su trabajo en solitario. Ahora sabemos que Doja Cat, que además es la portada de septiembre de Interview, también presentará.

Previamente ya se había informado de la presencia de grandes estrellas actuando como es el caso de Lorde, Olivia Rodrigo, Lil Nas X, Camila Cabello y Machine Gun Kelly. El premio Icon, a toda una carrera, será esta vez para Foo Fighters.

‘Max Richter’s Sleep’: crónica filmada de un concierto «soporífero»

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Max Richter ha recorrido medio mundo tocando una gran nana posmoderna. Dando conciertos de 8 horas para un público acostado y tapadito en una camilla, dispuesto a dejarse acunar por la música inmersiva y relajante de ‘Sleep’, composición de doscientos y pico movimientos realizada con el asesoramiento del neurocientífico David Eagleman (autor de los celebrados ensayos ‘Incógnito’ y ‘El cerebro’, publicados en Anagrama).

En el verano de 2018 dio un concierto al aire libre en el Grand Park de Los Ángeles (en España estuvo en 2017, en los Veranos de la Villa de Madrid). 8 horas bajo la luna llena angelina que fueron filmadas por Natalie Johns, conocida por sus videoclips para Morrissey del álbum ‘World Peace Is None of Your Business’, y que en 2015 fue nominada a un Emmy por la grabación de otro concierto: ‘Nostalgia’, de Annie Lennox.

El documental ‘Max Richter’s Sleep’, que forma parte de la programación del Atlántida Film Fest (el festival online y semipresencial de Filmin), está estructurado alrededor de este evento. La directora filma el ambiente previo que se va creando en Grand Park, a medio camino entre la comunión espiritual y la afectación snob. Luego el desarrollo del concierto, con todo el mundo medio sopa mientras en el escenario suenan las cuerdas, los sintetizadores y la voz sobrenatural de la soprano Grace Davidson (se agradece que la directora deje suficiente espacio a la música, con momentos de enorme belleza, aunque hace un poco de trampa al no poner el sonido directo). Y, por último, el final: un despertar donde la emoción del público por haber vivido algo único se impone al dolor de espalda o las ganas de hacer pis (la experiencia tiene mucho de acto de supervivencia).

‘Sleep’ está hecha para cabecear. “Espero que la gente se duerma mientras la escucha, porque el proyecto es también una exploración personal sobre cómo interactúa la música con la conciencia», explica Richter en el libreto del disco. Pero el documental no. A pesar de que el tono del filme está en sintonía con la música de Richter, suave y sosegada, Natalie Johns no nos deja pegar ni un bostezo. La directora nos chista de vez en cuando salpicando las escenas del concierto con entrevistas al público asistente, imágenes de otros conciertos (los de la catedral de Amberes y la ópera de Sidney son espectaculares), y jugosos testimonios de Richter y la cineasta Yulia Mahr, su mujer y socia.

El compositor angloalemán hace un repaso de su carrera, confesando que el cine (‘Ad Astra’, ‘Vals con Bashir’) y la tele (‘The Leftovers’, ‘Black Mirror’) le dan de comer, pero lo que realmente le gusta son este tipo de propuestas: experimentos sonoros de larga tradición –de las ragas indias a las ‘Variaciones Goldberg’- que también tuvieron su traducción fílmica, como el célebre ‘Sleep’ (1963) de Andy Warhol, donde el creador de la Factory filmó durante cinco horas y media a su amante John Giorno mientras dormía.

¿Lo próximo de Richter? Para comer, la tercera temporada de ‘La amiga estupenda’. Para disfrutar, el ballet ‘Exiles’.

Megan Thee Stallion referencia a Stevie Wonder en su rap para ‘Butter’ de BTS

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BTS han podido lanzar el remix de su tema ‘Butter’ con Megan Thee Stallion finalmente después de que la cantante denunciara a su sello discográfico por «bloquear» el lanzamiento de la colaboración. La original supera ya los 500 millones de reproducciones sólo en Spotify.

El nuevo remix incluye un verso de la rapera en el que, entre otras cosas, se compara con Stevie Wonder, uno de los grandes artistas de música negra tras sus arrasadoras ventas y Grammys sobre todo durante los años 70: «They must be giving Stevie if they ever had to Wonder / ‘Cause every beat I get on get turned in to Hubba Bubba».

Big Hit Music, sello de BTS, hizo pública la noticia de manera oficial esta semana a través de su cuenta de Twitter, sin más detalles que la fecha de publicación del remix. Sin embargo, había tenido que ser un juez quien permitiera que esta colaboración entre la banda y la rapera saliera a la luz.

El caso se dio a conocer a través de un informe de TMZ, una web estadounidense dedicada a las noticias sobre celebridades. La batalla legal comenzó después de que 1501 Certified Entertainment, sello discográfico de Megan, considerara que la colaboración con BTS no beneficiaría a la cantante ni en su carrera profesional ni en el aspecto económico. Por ello, Megan interpuso una demanda al sello y a su director ejecutivo, Carl Crawford, alegando que estaban impidiendo que saliera el remix.

Megan afirmaba que el remix de ‘Butter’ con BTS la ayudaría a «expandir su base de fans internacional», y que de obstruirse su voluntad por su sello «sufriría un daño irreparable, además de un impacto devastador en la relación con sus fans y con otros artistas dentro de la industria musical», escribía en su petición de demanda.

No es la primera vez que Megan tiene problemas con su sello, en 2020 los acusó también de impedir el lanzamiento de su nueva música porque querían «renegociar el contrato». E igual que entonces acabó ganando aquella batalla legal, también ha salido victoriosa en esta, logrando que el remix de ‘Butter’ se lance este viernes a las seis de la mañana, hora española.

Angel Olsen / Aisles

¿Nos estará engañando Angel Olsen cuando dice que saca este EP de versiones para «pasárselo bien y resultar más espontánea» o se estará engañando a sí misma? La autora incluye aquí sólo adaptaciones de originales de los 80, se ha pintado como una puerta para la promoción del disco y ha enchufado los robots en el estudio de producción sin miedo al recibo de la luz. La selección, en cambio, es de todo menos espontánea. Rápidamente nos damos cuenta de que Angel Olsen no ha elegido versionar ‘Beat It’, la ‘Lambada’, ‘Girls Just Wanna Have Fun’ y cosas así. Sólo composiciones que ya tenían un poso amargo o como mínimo consentían dobles lecturas.

Tenemos ‘Gloria’ de Umberto Tozzi, en Estados Unidos popularizada por Laura Branigan y la banda sonora de ‘Flashdance’, que no dejaba de ser una canción que retrataba a una chica triste aunque la música sugiriera lo contrario. «Si todo el mundo te quiere, ¿por qué nadie te llama?», planteaba. Tenemos ‘Eyes Without A Face’ de Billy Idol, un tema sobre alguien «sin esperanza», a punto de rendirse y «caer». ‘Safety Dance’ sólo puede sonarnos a pandemia ahora que «bailar» no es «seguro». ‘If You Leave’ es una canción de ruptura de los siempre melancólicos OMD. Y hay que recordar que ‘Forever Young’, la más alegre del conjunto, contenía una turbadora línea tras una invitación a bailar «con la esperanza de lo mejor, pero temiendo lo peor / ¿Van a lanzar la bomba o no?», en referencia a la bomba atómica.

Que un par de estas canciones contuvieran la palabra «dance» en su letra no implicaba que fueran o resulten ahora bailables. Angel Olsen les saca punta, casi con cierta mala baba, pues por ejemplo suena a todo menos a discoteca aquí el “podemos bailar, podemos bailar, todo está fuera de control” de ‘Safety Dance’. Recordando la ironía desplegada en letras de sus anteriores discos, como ‘Spring’, en la que parodiaba la crisis de la mediana edad, diría que ese ha sido el punto «divertido» de publicar este EP. Un EP que suena oscuro y sórdido, dejando que lo «cheesy» resulte muy puntual.

La cantante ha producido ‘Aisles’ con la colaboración de Adam McDaniel en casa de este y de esposa Emily Elkin. La participación de esta es importante con su violonchelo en ‘Gloria‘, llevando la producción de dream pop desgarrado a otro nivel. Moroder y Daft Punk podrían haber sido la inspiración del nuevo ‘Safety Dance’, eso sí, sin que quienes llevan tiempo observando que Angel Olsen no es una artista de folk sino ciertamente versátil (no sería por falta de sintetizadores en ‘All Mirrors‘) se asombren demasiado.

Lo que sí sorprende es el desarrollo de ‘Forever Young’, que Angel Olsen ha terminado de transformar en un vals orquestado de triste fin de fiesta como escrito por Franco Battiato. Más y más posibilidades se abren para la «ex cantautora», sobre todo si recordamos que fue una versión de ‘Physical’ de Olivia Newton-John lo que hizo cambiar de rumbo para siempre el destino de Goldfrapp después de ‘Felt Mountain‘.

My Morning Jacket traerán «alegría y alivio» con su disco homónimo

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My Morning Jacket han anunciado a través de un comunicado de prensa el lanzamiento de su álbum homónimo el próximo 22 de octubre a través de la compañía ATO Records. También han lanzado su primer single, ‘Regulary Scheduled Programming’.

El vocalista, guitarrista y compositor de la banda, Jim James, ha hablado así de este nuevo proyecto: «Espero que este álbum le brinde a la gente mucha alegría y alivio, especialmente porque todos hemos estado encerrados durante tanto tiempo».

‘My Morning Jacket’ estará disponible el 22 de octubre en CD y en dos configuraciones de vinilo con versión digital. Ambos diseños tendrán ilustraciones de Robert Beatty y contendrán algunos extras puedes consultar en detalle entrando en este post del perfil de Instagram de la banda.

Este será el tracklist del álbum:

  1. Regulary Scheduled Programming
  2. Love Love Love
  3. In Color
  4. Least Expected
  5. Never In The Real World
  6. The Devil’s In The Details
  7. Lucky To Be Alive
  8. Complex
  9. Out Of Range, Pt. 2
  10. Penny For Your Thoughts
  11. I Never Could Get Enough

Y en lo que respecta a su primer single, el videoclip ha sido dirigido George Mays junto al propio James Jim, que ha hablado así del tema: «Esta canción realmente me golpea después de lo que hemos pasado con la pandemia. Pero incluso antes de eso, parecía que muchos de nosotros estábamos intercambiando la vida real por las redes sociales». Y añadía al final de esa descripción: «Necesitamos ayudarnos mutuamente a despertar el amor real antes de que sea demasiado tarde».

Sesión de Control: descubre a Mona Rora, Incurable, Rorro, Ivana…

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Este mes de agosto también nos ha dejado descubrimientos interesantes en el panorama nacional y latino que recopilamos en una nueva «Sesión de Control». La joven Rorro, que te gustará si te gusta Babi, ha subido su primera canción a Spotify con esta fascinante descripción: “estoy mal de la chola y por eso escribo canciones cortavenas”. En una línea artística similar, la mexicana Ivana, cuyas composiciones se han viralizado en redes sociales, muy especialmente en TikTok.

Entre los artistas habituales de nuestras páginas que han presentado tema nuevo, gente tan dispar como One Path, Grupo de Expertos Solynieve, The Parrots, bigott, J’aime, Marc Seguí, La Cebolla, Exnovios y Miqui Brightside, que dedica ‘abajo’ a la puesta de sol en Ibiza. El grupo de indie pop Buenatarde presenta el tercer sencillo de su próximo disco.

En el ámbito del nuevo hip hop nacional, Beny Jr, la gran apuesta de RICO, el sello de El Guincho, presenta un ‘Brillando sin luz’ que te gustará si te gusta Dellafuente. Por su parte, La Xinni ha sido fichada por Sony tras haber viralizado ‘Decidida’ en TikTok. Su nuevo single es ‘Facturando’. Hay tema colaborativo de corte chill de Lasser, Cráneo y Sloth Brite; mientras ‘Sin mí’ de Sebastián Cortés está entre los temas que confirman el giro al synth-pop en el mundo de las tendencias tras los éxitos de Dua Lipa, The Weeknd y Rauw Alejandro.

Sin fronteras conocidas estilísticamente, valverdina de Cariño presenta un single colaborativo con Ciberchico y Leftee, y 9ckles ha sacado un single de doble cara A, llamado ‘La metamorfosis’, inspirado en la de Kafka y en la de Ovidio, respectivamente. Tampoco presenta estilo definido dentro de la electrónica noventera el tema de Cma con SUOB y zcndna, mientras más desconcertante es lo de Manel Espinosa, que parece aunar entre sus influencias a Radio Futura con La Pegatina y algo de rap alegre.

«Novedades Viernes España» nos ha descubierto a Quirkyoddgirl, una artista de 16 años de Málaga, que suena a Mazzy Starr y Yo La Tengo. Completamos «Sesión de Control» con Mona Rora, que suena a PC Music; Parkineos, en una estela parecida pero más Paco Pil (ahora que le reivindica Robie); Paco Moreno revisitando el rock nacional desde la tradición; el indie-rock de Escorpia y el de los mexicanos Lasitud; la electrónica de Carlos Fillol; el verano de los madrileños Cruceros Manzanares; Guiem Soldevila, que se mueve entre los territorios clásicos de Woodkid y The Irrepressibles; e Incurable, el proyecto de Álvaro Blanco, que te puede interesar si te gustan lo mismo Alberto Montero que Joy Division y Tame Impala.