El mundo cada vez es más feo, y quizás por eso David Byrne, que es sandunguero de per se, se muestra más sandunguero aún en su último disco. ‘Who Is the Sky?’ llega 7 años después de ‘American Utopia’. A diferencia de aquel, suena muy, pero que muy alegre. Y muy pop. Y muy fresco. Y muy David Byrne, claro.
David se ha juntado con la neoyorkina Ghost Train Orchestra para fabricar lo que parece un musical, aunque no sea tal: no hay un concepto ni una historia detrás. Más bien viñetas que David dedica al amor, a la gente, a su apartamento… Pero los ajustados arreglos orquestales, las letras, que actúan como relatos, le dan precisamente ese carácter cinematográfico.
Abre un cañonazo de alegría llamado ‘Everybody Laughs’ que nos lleva a los momentos más latinos de Byrne, pero también a los más joviales de Talking Heads (¿alguien ha dicho ‘Wild Wild Life’?). Unos aires estivales, y casi tropicales, enmarcan una letra tremendamente optimista: todo el mundo se ríe. Todos somos iguales dentro de nuestras diferencias, viene a decir Byrne en una canción pegadiza y vitalista, que cuenta con los coros de Annie Clark, St Vincent.
Todo el disco está lleno de detalles latinos, divertidos y deliciosos, como el scat burlón que cierra ‘When We Are Singing’. También brilla el aire de music-hall, cercano al espíritu de Sparks, en ‘My apartment Is My Friend’, sincopado homenaje a ese apartamento con quien David ha compartido todos sus momentos, buenos y malos.
Con regusto de cha-cha-cha llega ‘What Is the Reason for It?’, el dueto con Hayley Williams. Ambos se preguntan, de manera muy graciosa, por qué nos enamoramos: ¿qué sentido tiene? ¿Sirve de algo? Y, de paso, David regresa al espíritu de ‘Loco de amor’, aquel maravilloso tema con Celia Cruz que abría ‘Algo salvaje’ de Jonathan Demne. De hecho, cuando David se pone seriote, al menos musicalmente, en ‘I Met The Buddha at a Downtown Party’ mola menos que cuando vuelve a lo pizpireto: ‘Don’t Be Like That,’ además, la remata con el punto justo de arrebato, mientras suplica a su amante “no seas así (de guay)”. O el cuento con moralina ‘Moisturizing Thing’, sobre un potingue cosmético que funciona tan bien, que le hace a David parecer un bebé de tres años… Para descubrir inmediatamente que, aunque por dentro siga siendo “el mismo hombre”, le tratan como idiota por verse como un crío.
Hacia el tramo final el disco pierde algo de fuelle, pero a cambio gana ternura en ‘She Explains Things to Me’, con un David maravillado ante la sabiduría de ella, que entiende mejor el mundo que él. Y, de paso, le da cera al “mansplaining”. ‘Who Is the Sky?’ es un disco ligero pero no intrascendente, vitalista y teatral. Como el reverso luminoso de ‘American Utopia’. Aunque el mundo sea ahora un lugar feo, nos queda David Byrne para creer que sí: que puede ser mejor.
¿En qué se parecen la última canción de Teo Planell y ‘Corazón salvaje’ de David Lynch? Según el propio Planell, en nada. El joven artista madrileño está a punto de poner fin a un ciclo centrado en reivindicar el elemento comunitario que comparten el cine y la música. Tampoco es difícil ver el amor incondicional de Sailor y Lula en las certeras letras de ‘Cómo Pensarte Mal’. Es la Canción del Día.
Durante los últimos meses, Teo Planell ha apostado por un concepto muy sencillo. Unir el cine y la música proyectando algunas de sus películas favoritas (‘Paris, Texas’, ‘El sabor de las cerezas’, ‘La Notte’) y tocando algunas de las canciones de su próximo disco, ‘Demian’, en sesiones gratuitas, dirigidas tanto a fans como a curiosos.
El objetivo está claro: convertir la cultura en una enriquecedora experiencia en comunidad. Siempre había existido una relación entre la canción, tocada generalmente de forma acústica, y la película proyectada. Sin embargo, en el último ciclo celebrado en Madrid, Planell aclaró que no existía una conexión clara entre ‘Cómo Pensarte Mal’ y ‘Corazón salvaje’.
El último adelanto de ‘Demian’ es una minimalista y melancólica pieza que bien le podría haber escrito el personaje de Nicolas Cage al de Laura Dern mientras este se encuentra encarcelado durante la primera parte de la cinta. «Aún quedaba tanto que contarnos / Quién va a quererme más», canta Planell. La estructura de la canción es circular, repitiendo tres estrofas, pero también es un sutil crescendo. Los elevados coros en la segunda mitad del tema así lo confirman.
‘Cómo Pensarte Mal’ es también el tercer sencillo de ‘Demian’ después de ‘Me Vas A Matar’ y ‘Radio’, más inmediatas que esta última. El primer LP de Teo Planell, que también es el invitado más reciente de nuestro videopodcast ‘ALGO CAMBIÓ…’, estará disponible el próximo 26 de septiembre. Por otro lado, la última sesión de los ciclos de cine y música de Teo Planell tendrá lugar el 18 de septiembre en Barcelona. ¿La película? ‘El sur’ de Víctor Erice.
Tracklist:
St.
Una Visita
Demian
Dormir en tus Manos
Al Final
Una Visita (Pt. II)
Me Vas A Matar
El Mundo Delante de Ti ft. TRISTÁN
Radio
Cómo Pensarte Mal
La Espiral
Sinclair
Tanto Ariana Grande como Radiohead han agotado todas las entradas de sus próximas giras. La popstar, a través de Ticketmaster. Los británicos, mediante entradas.com. Ahora, ambos artistas tienen que enfrentarse a la gestión de la reventa de entradas de dos formas muy diferentes.
Los conciertos de la gira europea de Radiohead que tendrá lugar en noviembre se agotaron en escasos minutos durante la venta general de este pasado viernes. Ahora, la banda ha anunciado que llevarán a cabo una «reventa oficial» para las personas que no hayan podido conseguir entrada.
«Por favor, no caigáis en la tentación de comprar en plataformas de terceras personas. Esas entradas no son reales», han asegurado en sus redes sociales. La reventa oficial de Radiohead comienza el próximo 13 de octubre.
Ariana Grande, sin embargo, está teniendo problemas para evitar que sus entradas asciendan a precios desorbitados en los mercados de reventa. Por ello, ha publicado un comunicado: «Lo que está pasando con los revendedores secundarios me ha llegado y por supuesto que estoy totalmente preocupada por ello», comienza.
«He estado al teléfono durante cada segundo de mi tiempo libre luchando por una solución», asegura Grande. Esta continúa prometiendo que conseguirán más entradas para los fans, y no para aquellos que están haciendo negocio con la reventa: «Estamos haciendo todo lo que podemos», concluye la cantante estadounidense sobre la gira en la que visitará solamente 10 ciudades.
Ariana Grande addresses the high number of resellers for her tour tickets and says she and her team are working on a solution:
“i've been on the phone every second of my free time fighting for a solution. i hear you and hopefully, we will be able to get more of these tickets… pic.twitter.com/KtJhGU7qBh
La Plaza de San Pedro del Vaticano ha acogido el primer macroconcierto pop de su historia. Así, 100.000 personas han podido presenciar de forma gratuita las actuaciones de Karol G, Andrea Bocelli, Pharrell Williams y John Legend gracias al Encuentro Mundial sobre la Fraternidad Humana.
El concierto ‘Grace for the World’ se celebró ayer en el Vaticano, reuniendo a algunos de los artistas más importantes del mundo. Karol G fue la clara estrella de la noche, interpretando ‘Mientras Me Curo del Cora’ y una sentida ‘Vivo por ella’ a dúo con el mismísimo Andrea Bocelli. El italiano, además, también reclutó a Teddy Swims para inaugurar el evento con ‘Amazing Grace’.
John Legend cantó ‘Glory’ y ‘Bridge Over Troubled Water’ al piano y, dado que el evento trataba sobre la bondad y la fraternidad humana, Pharrell Williams no tuvo que indagar mucho en su repertorio para encontrar la canción perfecta. ‘Happy’, por supuesto. El estadounidense también invitó en su discurso a iluminar el mundo con «luz» y «amor».
Jennifer Hudson y Angélique Kidjo, entre otros artistas, también estuvieron presentes en un espectáculo que contó con más de 3000 drones. Estos llenaron el cielo de imágenes inspiradas por los frescos de la Capilla Sixtina e incluso homenajearon al difunto Papa Francisco, proyectando su cara sobre el Vaticano.
Karol G junto a Andrea Bocelli cantando “Vivo Por Ella” en el evento “Grace For The World” en la ciudad de Roma. pic.twitter.com/4Log6ekhF0
🇻🇦| El 13 de septiembre en el Vaticano se celebró un concierto público en la Plaza de San Pedro.
En el concierto Grace for the World, participaron artistas internacionales como Pharrell Williams, Andrea Bocelli, John Legend, Karol G, Jennifer Hudson. pic.twitter.com/gWSFWRlhtH
“Grace makes space, curiosity leans in and together they can carry us toward one another.” Pharrell Williams opens the historic "Grace for the World" concert from Vatican City with a powerful message of unity. pic.twitter.com/FZyxabhdxc
Ari Aster nos tenía un poco engañados. Solo un poco. El nuevo “rey del terror” de Hollywood, como se le bautizó (de forma precipitada) tras el impacto de ‘Hereditary’ (2018) y ‘Midsommar’ (2019), tenía un pasado que lo delataba. Su prolífica trayectoria como autor de cortometrajes -ocho títulos desde 2008- anunciaba a un cineasta mucho más inclinado hacia la comedia negra, la sátira grotesca o el drama psicológico que hacia el terror puro y duro. Más cercano a Yorgos Lanthimos o Charlie Kaufman, para entendernos, que a Jordan Peele o Robert Eggers, los otros dos estandartes de lo que se dio en llamar “terror elevado”.
De hecho, tanto su tercer trabajo, ‘Beau tiene miedo’ (basada en su propio corto ‘Beau’), como esta ‘Eddington’, cuyo guion escribió hace diez años, iban a ser sus primeros proyectos de larga duración. Es como si, gracias al éxito dentro del género de terror, Aster estuviera ahora filmando lo que de verdad le interesa. Incluso en su faceta como productor se aprecia esa misma deriva temática y estilística: ‘Dream Scenario’ (2023), ‘Sasquatch Sunset’ (2024), ‘Malas lenguas’ (2024) o ‘Bugonia’, la nueva de Lanthimos.
‘Eddington’ nace de dos experiencias autobiográficas. Por un lado, la adolescencia del director. Aster nació en Nueva York, pero creció en Nuevo México, donde transcurre la acción, en un pequeño pueblo que funciona como microcosmos del presente. Por otro, la pandemia de covid. Aster, que se ha definido como neurótico e hipocondriaco, confesó en Cannes -donde compitió por primera vez por la Palma de Oro- que vivió aquel período con enorme angustia.
Toda esa ansiedad, desconcierto, paranoia y miedo que generó la pandemia en Estados Unidos, agravados por el asesinato de George Floyd y las protestas del movimiento Black Lives Matter, impregnan ‘Eddington’ como un recordatorio ultrapesimista del actual mundo de posverdad, crisis democrática y trincheras ideológicas en el que vivimos inmersos.
Aster ha construido una sátira inmisericorde declinada en clave de western. El salvaje oeste como metáfora del fin del dialogo democrático, como escenario simbólico donde expresar físicamente, a través de las armas (la pandemia disparó su venta, llegando al actual promedio de 120 por cada 100 personas), el enfrentamiento verbal que se vive en los teléfonos móviles. De hecho, el reciente asesinato del político trumpista Charlie Kirk (y los que probablemente le seguirán) puede acabar convirtiendo ‘Eddington’ en un casi documental involuntariamente hiperrealista.
La narrativa, el tono y la puesta en escena de ‘Eddington’ parecen seguir la lógica de sus personajes (interpretados por un reparto de lujo: Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone y Austin Butler) y de la propia coyuntura política y social estadounidense: es excesiva, grandilocuente, desequilibrada, errática. Una mezcla hiperbólica de western contemporáneo, comedia negra y thriller conspiranoico que evoca las sátiras violentas de los hermanos Coen o una versión desquiciada de ‘Solo ante el peligro’ (1952). No funciona del todo como comedia ni como intriga criminal, pero sí como corrosiva sátira política y proyección de los miedos de su autor. “No”, parece decir Aster: “después de la covid no salimos mejores”.
Para Justin Bieber, juntarse con Dijon y Mk.gee en la producción de su música ha sido todo un acierto. Ambos han sabido aportar esa frescura que tanto le venía haciendo en falta al artista, que en los últimos años, pese a lograr varios éxitos comerciales, no había conseguido crear nada realmente memorable. ‘SWAG’ escondía algunas de las mejores canciones que el cantante canadiense ha firmado nunca (‘All I Can Take’, ‘Yukon’), aunque el conjunto a veces se veía emborronado por esa ambición inexplicable de agrupar más de una veintena de temas en un solo proyecto. Y por si aquellos 21 cortes fueran poco, Bieber ha vuelto a sacarse de la manga otros tantos para su secuela.
‘SWAG II’ sube la apuesta de su predecesor y alcanza las 23 canciones. La gran diferencia es que todos los momentos de gran interés que Bieber conseguía allí, son prácticamente inexistentes aquí. Todo suena, desde el principio hasta el final, como una versión descafeinada y desprovista de ideas de aquel meritorio proyecto.
Como es habitual en todos sus álbumes, sobresale nuevamente la bonita voz del artista y sus particulares manierismos, siempre muy efectivos sobre estos medios tiempos R&B en los que se ha acomodado últimamente. En ‘SWAG II’ abusa de ellos hasta la exasperación, hundiéndolo todo en una inofensiva monotonía. No es que el disco no tenga ningún valor artístico, ya que sí que pueden encontrarse ciertos atisbos de buen pop (la pegadiza melodía de ‘I DO’, los sutiles punteos de guitarra en la balada ‘PETTING ZOO’) pero el conjunto es demasiado unidimensional como para conseguir que la experiencia completa merezca la pena.
No hay nada que justifique su longitud, ni nada que invite a volver a él. Tampoco nada que moleste particularmente. El proyecto entero se mueve en el desagradecido punto medio de la indiferencia. Hay demasiadas baladas similares las unas a las otras o reproducciones casi exactas de las fórmulas que mejor le funcionaron en ‘SWAG’.
‘SPEED DEMON’, la apertura del proyecto, sin ser nada particularmente novedoso, se encuentra entre los puntos más fuertes del álbum gracias a su gran estribillo y a su producción minimalista, que logra abarcar mucho con poco. También el R&B ochentero de ‘LOVE SONG’, producida y co-escrita por Mk.gee, o la agradable ‘EYE CANDY’.
Sin embargo, todas estas canciones funcionan mucho mejor fuera del contexto del disco, de manera que no quedan perdidas en ese terreno pantanoso y edulcorado que Bieber se empeña en construir. Por cada ‘SPEED DEMON’ hay tres baladas soporíferas e intrascendentes como ‘EVERYTHING HALLELUJAH’ o ‘DOTTED LINE’.
‘SWAG II’ es un ejemplo perfecto de por qué hay veces que cuando uno no tiene nada que decir es mejor no decir nada. Y que más casi nunca es más.
Rex Orange County no lo ha tenido fácil durante los últimos años. Los cargos de acoso sexual hacia el artista fueron retirados por la Fiscalía de la Corona, con veredicto de no culpable, a finales de 2022. Ahora, ha lanzado uno de sus mejores singles, con Pharrell en la producción. ‘Take A Drive’ es la Canción del Día.
Pocas veces se encuentra una canción de ruptura tan honesta y saludable como esta. Alexander O’Connor’, nombre real del artista británico, canta sobre lo fácil que es mantenerse «distante», a pesar de que «la única opción es decir la verdad». Y la verdad es que la relación ya no funciona como antes: «Date una oportunidad», canta O’Connor en el pegadizo estribillo.
Musicalmente, ‘Take A Drive’ tiene todo lo que ha caracterizado siempre la música de Rex Orange County: la inocencia de las melodías, las texturas lo-fi a lo Tyler, the Creator y unas letras que no andan con rodeos. «Estaremos bien / Algo entre nosotros está mal / Sé que ya no te hago sentir bien / Lo pasamos bien / Ahora los dos tenemos que conducir», canta en el puente de la canción, tan sincero como agridulce.
Ha sido el gran descubrimiento de la ficción televisiva de este año. Quién iba a pensar que un drama médico que atufaba a tele de los 90 y parecía sospechosamente un reboot de la gastadísima ‘Urgencias’, iba a convertirse en una de las mejores series de 2025? Yo tenía la ceja levantada desde que oí hablar del proyecto: ¿otra serie de médicos de urgencias protagonizada por Noah “doctor John Carter” Wyle y con medio equipo de guionistas salido de la célebre creación de Michael Crichton? Perezón.
Sin embargo, bastó un episodio para que tirara mi escepticismo al cubo de las jeringuillas usadas. Sí, ‘The Pitt’ (HBO Max) se parece a ‘Urgencias’, está claro: tanto en su gramática visual como en el tratamiento dramático de temas, ambiente y personajes. Pero no sé si se parece lo suficiente como para que la viuda de Crichton acabe ganando la demanda que ha interpuesto a Warner. Como ocurre con los dramas judiciales o periodísticos, el espacio narrativo determina gran parte de la dramaturgia y condiciona la libertad creativa. Habría que hilar muy fino para demostrar un plagio en esas circunstancias.
La principal diferencia entre ambas series es el formato. ‘The Pitt’ no narra el día a día de un hospital, sino que se centra en un único turno. Sus quince episodios corresponden a las quince horas que transcurren en la sala de urgencias de un hospital universitario de Pittsburgh. La referencia más obvia es otro hit de los primeros 2000: el adrenalítico thriller ‘24’. Esta estructura proporciona una tensión añadida a la narrativa que funciona extraordinariamente bien.
Su creador, R. Scott Gemmill, tiene más callo escribiendo dramas procedimentales que el doctor Cavadas haciendo trasplantes imposibles. Entre ‘Urgencias’, ‘JAG: Alerta roja’ y ‘NCIS: Los Ángeles’ ha firmado más de cien episodios. Esas “horas de vuelo” en productos tradicionales de la televisión en abierto quizá expliquen la característica más llamativa de ‘The Pitt’: es una serie con la densidad dramática, la profundidad psicológica, la factura visual y la ambición discursiva que asociamos a un producto de HBO, pero servida con la ligereza narrativa, la agilidad de ritmo, la eficacia en la puesta en escena y la capacidad de enganchar a todo tipo de espectadores propios de la televisión generalista. Gemmill no quiere cortar por lo sano, sino coser por donde siempre aunque con otra puntada.
En ese sentido, ‘The Pitt’ es todo lo contrario a ‘Separación’ (‘Severance’). Su duelo por el Emmy a la mejor serie dramática (aunque la de Apple sigue siendo la gran favorita) ilustra muy bien los dos caminos que parecen estar siguiendo actualmente las plataformas: apostar por las series de prestigio o prestigiar las series de toda la vida.
Taylor Swift, Karol G… y Sergio Ramos. En una nueva entrevista con EFE, el futbolista español ha dejado claro a todo el mundo que sus nuevas andanzas musicales no son «un capricho» y adelanta que le encantaría anunciar un concierto en el estadio Santiago Bernabéu.
El lanzamiento de ‘CIBELES’, dedicada al Real Madrid, ha llenado las redes de memes durante las últimas dos semanas. Nadie se esperaba esto de Sergio Ramos, aunque sí sabíamos que era amante de la música. Sus ambiciones, además, son más profundas de lo que pensábamos: «Ojalá el día de mañana tenga la oportunidad de anunciar un Bernabéu, que sería la hostia, pero hay que ir paso a paso».
Ramos también ha abordado el shock que significó para su círculo cercano su nueva carrera musical: «Al principio, te llaman loco. La gente de mi entorno me decía: ‘Anda, dedícate al fútbol’. Cuando nos encerramos en el estudio y el proyecto empezó a coger volumen… Cuidado con este cabrón que cuando se pone, se pone», asegura el futbolista. «Otra cosa no, pero disciplina tengo para todo», declara Ramos, como si no hiciese falta nada más.
Para todos ellos que dudan de la pasión musical del sevillano, este jura que para él «es una manera de vivir» que le «acompaña desde siempre», nombrando entre sus referentes a Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra y Marc Anthony. A la vez, también se siente representado por las nuevas tendencias: «Viniendo de calle, de barrio, me veo más en esa música actual del trap, del reguetón, que es donde pensamos que debe estar mi música». Esto se ve en ‘CIBELES’, un reguetón en toda regla: «La hicimos con esa intención, de que se nos tomase en serio».
Ramos termina la entrevista con la exclusiva de su próximo single, que será una colaboración con Carín León. Saldría en Navidad y, por supuesto, tendrá influencias de la música regional mexicana: «Cuando Carín vino a cantar a Madrid estuvimos en casa comiendo y escuchó todo lo que tenía. Ese tema es el que le gustó, inspirado en las instrumentales mexicanas», concluye el futbolista.
‘Everybody Scream’ arrasa en nuestras Stories una semana más y es top 1 de JENESAISPOP nada menos que con el 66% de los votos. Blood Orange tiene que conformarse con una entrada al top 2 y el 18% de los votos de Insta, lo cual no está nada mal. El trallazo nuevo de Kneecap no ha calado tanto y queda en el número 4. Otras entradas destacadas son las de David Byrne, Juventude, La Paloma y CMAT.
Belén Aguilera cumple hoy 30 años. Se da la circunstancia de que cae en viernes y un 12 de septiembre, a finales de verano y con olor ya a otoño, es un momento idóneo para un álbum como ‘Anela’. La artista ha podido viralizar en el pasado canciones bailables de distinto tipo, del hyper pop al pop de los 2000, pero siempre fue una compositora de melodía clásica, al margen de divas y divos. El resultado de su amplia cultura musical es este álbum que a veces roza lo lírico y al mismo tiempo es 100% ella.
‘Anela’ es un acrónimo de «Aunque No Exista La Arcadia», una frase que aparece en este trabajo haciendo referencia a la felicidad del ahora, en contraposición a la búsqueda de deseo constante. Las composiciones de Belén Aguilera se han caracterizado muchas veces por llevar reflexiones muy necesarias y emocionantes sobre salud mental a un lugar muy parecido a la pista de baile, y este álbum no es una excepción.
En el estreno de ‘Anela’ en la Real Fábrica de Tapices, interpretó todo el disco en orden y entregó un programa de mano con un «track by track» de su puño y letra. Por supuesto cada canción es un auténtico viaje, con frases que son pura terapia: «siempre nos enseñan a evitar lo malo, pero es una parte más del ser humano», dice ‘Ático’. «Siempre elegiré lo que menos me conviene, da igual que me dé miedo», dice ‘Dramático’.
Las más sobrecogedoras son ‘Soledad’ y ‘Salvamento’. La primera incluye la frase «A veces me destruí», y en verdad está dedicada a su abuela, ya fallecida y llamada así, Soledad, intentando a la vez resignificar las connotaciones negativas que suele tener este nombre común. Y ‘Salvamento’ es el tema que más rubor le ha dado cantar, y por eso quizá ha puesto un filtro extremo a su primera mitad. «No sé hacer el amor, sé hacer penitencia», confiesa, condenando formas arcaicas de amor romántico. En la segunda parte del tema, en cambio, se quita la careta, el filtro, acaso aceptando esa parte oscura de sí misma.
Es extraño que un álbum de letras tan ricas, interpretadas por una cantante tan solvente, presente la voz en un plano tan secundario que dificulte la comprensión. La artista dice haber buscado esa mezcla adrede, en un disco que ha querido que fuera «frío» y, viendo los videoclips, yo añadiría que «fantasmagórico». Hay gitanas que leen el futuro, menciones a la muerte, y las bandas sonoras de John Carpenter parecen una influencia en el gran hit del disco, ‘Laberinto‘, lo cual nos lleva a otro de los grandes pros del álbum.
Que este sea un trabajo de coros operísticos, cuerdas, pianos y detalles rococó onda ‘Lubna’ de Mónica Naranjo, elaborado con co-productores como Puche, Naisgai, Nusar3000 y Lionel Castra, no ha impedido que en él aparezcan ritmos R&B (‘Bruja’), techno (‘Atico’), drum&bass (‘Eclipse’) o trip hop (‘Dama en apuros’). Al servicio del mensaje, las canciones van de un género a otro, casi sin que lo notes: he tardado varias escuchas en darme cuenta de que la segunda estrofa de ‘Laberinto’, prácticamente está rapeada.
‘Anela’ termina con un tema llamado ‘Ahora que estoy bien’, medio electrónico medio new-age, con ese sentido de aceptación que se había propuesto este proyecto. Puede parecer obvio, pero es que lo que queda por el camino es el álbum más enriquecedor, poliédrico y confesional que se ha hecho en este país desde ‘PUTA‘. ‘Dama en apuros’ es una reivindicación de la sensibilidad femenina («no soy dama en apuros (…) déjame llorar para mañana ya no llorar»); ‘Mutantes’ habla de cambiar para encajar, de representar «el verbo ser de mil maneras»; ‘Cómo puedo volver’ habla de idealizar algo que ni siquiera ha pasado… y así podríamos seguir. Belén Aguilera te introduce en un laberinto de espejos, solo que a través de su tenebrosidad, de su belleza, de sus contradicciones y finalmente a través de su mensaje positivo, te muestra también un camino de salida.
‘The Dead Dance’ no empezó muy bien en las listas: su segundo día lo pasó fuera del top 100 del Global de Spotify. Pero desde entonces no ha parado de crecer, ayudada por el vídeo de Tim Burton primero, y su presentación en los VMA’s después. El tema que además aparece en la nueva temporada de ‘Miércoles’ asciende ya al puesto 14 de las listas globales. La redacción de JENESAISPOP os ofrece una opinión a favor y otra en contra, así como la posibilidad de votar en este nuevo «Veredicto».
«Confieso que tenía papeletas para odiar ‘The Dead Dance’, porque me parecía un cuadro que Lady Gaga dejase a la mitad la promo de un disco como ‘MAYHEM’, algo que el lanzamiento de este single extra certifica: ¿en serio no iban a ser singles ni ‘Garden of Eden’ ni ‘Perfect Celebrity’? ¿Ni siquiera ‘Vanish Into You‘? ¿O aprovechar que ‘How Bad Do U Want Me’ gustase tanto y la rumorología respecto a Taylor Swift? Pues sí, parece que la edición estándar de ‘MAYHEM’ se da por finiquitada, y ahora pone toda la carne en el asador con este tema creado para ‘Miércoles’ (serie que además me da tremenda pereza), aprovechando para hacer una especie de «edición deluxe» no oficial al añadir en plataformas ‘Kill for Love’ y la estupenda ‘Can’t Stop the High’. Pero al César lo que es del César: Gaga es una maestra haciendo temas como ‘The Dead Dance’, y se nota.
Lanzarla como single es, contratos de Netflix aparte, también una declaración artística de la cantante, que parece preferir la segunda parte de ‘MAYHEM’, claramente de menores posibilidades comerciales. Y es que ‘The Dead Dance’ tiene más que ver con esa segunda parte, pero llevada por un camino bastante más accesible y dirigido a un mainstream al que ‘Killah’ o ‘ZombieBoy’ se les puede resistir un poco más.
La canción va a degüello en su sencillez: inicio con un malvado ex que deja a Gaga medio muerta, y recuperación gracias a la música y al baile, siendo todo el tema una celebración de éste (de lujo para el correspondiente trend infame de TikTok, claro). Estefanía consigue alejar esto de lo formulaico con la progresión de la primera estrofa, el ambiente tenebroso y a la vez alegre que se va creando, una segunda estrofa que empieza a lo grande con esos sintes y guiño a ‘The Rocky Horror Picture Show’ (“you created a criature of the night”) y, por supuesto, el puente. La cantante se acerca deliberadamente a una dicción troglodita en un puente digno de la Gaga más juguetona, que seguramente escribiera junto al estribillo de ‘Abracadabra’ mientras se limaba las uñas. ‘The Dead Dance’ es un temazo cuyo principal aspecto negativo es, para mí, que haya cortado las posibilidades de sus “hermanas” en el disco. Pero ojalá pase lo contrario, que la gente se acerque por esta canción a descubrir el mejor disco que ha sacado la estadounidense en esta segunda década de carrera». Pablo N. Tocino.
«Una vez de cada 10, tengo buen ojo con Lady Gaga: al escuchar ‘The Dead Dance’ escribí que «encajaría en la segunda parte de su último álbum, más o menos en torno a ‘Zombieboy’». Poco después apareció exactamente en ese lugar en una nueva edición del disco. Las otras 9, claramente no me entero de nada. Porque también escribí esto: «no está muy claro que encierre más posibilidades comerciales que ‘Zombieboy'».
También es posible que en este mundo de cifras, caigamos en el error de mezclar calidad y éxito comercial cada día. Porque que un tema triunfe en TikTok o en las playlists no lo hace mejor ni peor. Sigo requiriendo de Paracetamol cada vez que alguien pincha ‘Judas’. Que ‘Bloody Mary’ haya triunfado por una serie en la que no sonaba, no la hace mejor que ‘Scheisse’ ni que ‘Government Hooker’… ‘Venus’, una genialidad absolutamente delirante que debería sonar en todas las fiestas maricas, permanece ignorada. Y ‘911’, sin duda una de las canciones más importantes para comprender qué ocurre dentro de la cabeza de Lady Gaga, y al mismo tiempo TAN divertida, no consiguió ni un top 100.
Suena una y otra vez ‘The Dead Dance’ y sigo sin encontrar el más mínimo atractivo en melodía (forzada), producción (un disco trasnochadísimo), letra (un cliché), voz (ese tono chillón que para mí echa a perder medio ‘MAYHEM’). Al menos, a veces confluyen los astros: entiendo que ‘Die With a Smile’ está en la posición que se merece. Y ‘Abracadabra’, también». Sebas E. Alonso.
Hoy abrimos nuestra playlist Ready for the Weekend con un tema dance. ‘crystallized’, la nueva colaboración de John Summit con Inéz, se ha «teaseado» en festivales en semanas pasadas y en TikTok a la espera de que se viralizara incluso antes de tiempo.
Las playlists la han recibido con los brazos abiertos. Nada menos que abre «mint» de Spotify, que tiene 5 millones de suscritos. También está en «creamy» y «crying on the dance floor», además de en las playlists de novedades. Es decir, la industria la estaba esperando.
‘crystallized’ es efectivamente un tema muy «crying on the dance floor», en el que Inéz nos canta sobre una ruptura. En concreto una que se está superando. «A ti te gusta que duela» se contrapone a «te quise una vez, pero no habrá dos». Su timbre está cercano a lo que podría ofrecernos Fever Ray o cualquiera de las vocalistas amigas de Röyksopp.
La melodía tiene algo que te hace conectar enseguida, como pasó con la descomunal ‘We Are Your Friends’ de Justice y Simian, y la producción tiene subidas y bajadas hechas para ser devoradas por la audiencia de festivales de electrónica.
El DJ John Summit, de Illinois, es habitual de Lollapalooza, Coachella o el enlazado Tomorrowland, donde pinchó este tema este verano. Publicó un disco llamado ‘Comfort in Chaos’ en 2024, donde incluyó sus hits ‘Where You Are’ y ‘Shiver’, así como decenas de singles. Entre sus muchos remixes, trabajos para Ellie Goulding y Anyma. Inéz, mitad de ÄTNA, ya había cantado antes para John Summit, por ejemplo en ‘light years’.
Hoy se anuncia el cartel de SanSan 2026, que se celebrará como siempre en Semana Santa en Benicàssim. Será entre los días 2 y 4 de abril. Los abonos y alojamientos estarán disponibles en www.sansanfestival.com el próximo martes 16 de septiembre a las 12:00. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial de SanSan.
Del lado internacional, SanSan confirma a los islandeses Of Monsters of Men, cuyo ‘Little Talks’ supera los 1.000 millones de streams en Spotify. Y como es habitual, también podréis ver el mejor pop nacional que llena arenas en nuestro país, de mano de Rigoberta Bandini (con su espléndida gira ‘Rigoberta Superstar’), Love of Lesbian, Guitarricadelafuente (autor de uno de los discos del año clarísimos), La M.O.D.A. o La Casa Azul.
El cartel sigue con gente como Xoel López, León Benavente, y artistas tan interesantes como Maria Arnal, Rufus T. Firefly (discazo el suyo de este año), La Élite, pablopablo, Biznaga, Barry B o Califato ¾.
¿Más nombres? Ultraligera, Chiquita Movida, Leo Rizzi o Samuraï. Para cuando llegue 2026 no tendrán nada de «letra pequeña» Sanguijuelas del Guadiana, que no paran de subir en la lista oficial de Promusicae, y ojo también a gente como Gara Durán, Repion o Juventude.
El cartel se completa con Siloé, Angel Stanich, Alizzz pinchando, Perarnau IV Dj Set ft. Drama Av Set (Zahara como DJ), Comandante Twin, Hoonine, Anabel Lee, Las Petunias, Malva, Tiburona, Ultralágrima, Puño Dragón, Anouck y Michael Foster.
Como cada año, el festival también será escaparate para el talento joven de la región con el concurso Groc Talent de la mano del Villarreal F.C., cuyo ganador se subirá al escenario del SanSan.
Finalmente, en esta edición, el 3% de los beneficios se destinará a Médicos Sin Fronteras para apoyar su labor humanitaria en Palestina. Asimismo, durante el proceso de compra de entradas, el público tendrá la posibilidad de añadir un donativo voluntario para esta causa, contribuyendo así de manera directa a la ayuda sobre el terreno.
La semana que viene se celebra Brava Madrid, un festival que en su momento calificamos como «El nuevo Orgullo LGTBIQ+» o -glups- «El Madrid que me representa«. Este año afrontó cierta polémica por su mudanza obligada a Torrejón de Ardoz. Se habilitarán lanzaderas y se ha ampliado el horario de la Renfe, para que el servicio de Cercanías acabe después de los conciertos.
Más compleja es la cuestión política: Brava Madrid está organizado por The Music Republic, como el FIB o Arenal Sound. La plataforma Superstruct compró hace un par de años esta promotora española. Después, otro fondo norteamericano, KKR, que participa en la promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina, según informaba El Salto, se hizo con la plataforma Superstruct.
Esta semana algunos usuarios han notado en redes sociales que varios artistas que iban a participar han desaparecido del cartel de Brava Madrid. Pero nadie lo ha comunicado, ni el festival, ni los propios artistas. JENESAISPOP se ha puesto en contacto con la organización para obtener una explicación, de momento sin obtener respuesta, como tampoco la obtuvimos respecto al FIB.
Destaca, por ser claramente cabeza de cartel, el caso de Villano Antillano. Pero también han desaparecido del cartel Pixie Lott, Aquaria, Abril Zamora, Lalachús y Oro Jondo.
Permanecen Anastacia, A*Teens, Chanel, La Casa Azul, Javiera Mena, Miss Caffeina, Ms Nina, Daniela Blasco, Olly Alexander, Melanie C, Ojete Calor, Julieta, María Escarmiento, Chica Sobresalto o Deteresa. Suponemos que muchos de ellos hablarán del genocidio en Palestina durante su actuación, como ya se sucedió con Bad Gyal en el FIB o varios artistas en Sónar. Especialmente los españoles, pues nuestro país está más sensibilizado con Palestina que otros como Reino Unido o Alemania, por razones históricas.
Chica Sobresalto ha explicado sobre su caso lo siguiente: “No tengo dinero para cancelar y pagar lo que me cuesta incumplir un contrato. Literalmente no tengo dinero en mi posesión que cubra eso”.
Posición similar a la mostrada por Zahara por actuar en Granada Sound, festival vinculado a los mismos fondos: “No tocar este año supone asumir unas posibles consecuencias legales y económicas vinculadas a un contrato firmado que yo, personalmente, no puedo asumir. Por supuesto el año que viene no tocaré en ningún festival vinculado con KKR, pero con todo mi pesar los de este año no puedo eludirlos”.
Quizá conoces a HEAL de verles actuar en festivales como Primavera Sound. El cuarteto barcelonés formado por Laia Vehí, Dani Ambrosí, Edu Mató y Raúl Pérez -antes en grupos como Wind Atlas, North State, Wann o Glitterhouse- ha publicado un álbum llamado ‘The Shiver’. En él encontramos indie-rock noventero, algún trazo de folk y slowcore.
En su presentación hablaban de construir música a partir de una pseudo-improvisación, lo cual tiene mucho que ver con el tema del que nos ha querido hablar Laia. Invitada a MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic, el programa musical de Jägermeister, ha querido hablar exactamente de hábitos de composición. Os dejamos también con sus próximas fechas en directo:
19 Septiembre, 2025 – San Agustín – Azpeitia
5 Diciembre, 2025 – Sala Upload w/ Water From Your Eyes – Barcelona
6 Diciembre, 2025 – Sala El Sol w/ Water From Your Eyes – Madrid
¿Por qué habéis escogido hablar de «hábitos de creatividad»? ¿Cuáles son los diferentes hábitos de creatividad que habéis trabajado?
Laia: Lo he escogido yo. Es un tema que me gusta y considero de importancia dentro de una vida de escribir canciones, y creativa en general. No veo que se hable mucho, y me gustaría encontrármelo en las entrevistas de artistas que me gustan. Me interesa. En HEAL como banda tenemos el hábito de si en cualquier momento alguien empieza a tocar algo nuevo, tod@s seguimos. Sin cuestionar, juzgar, decir o esperar nada. Le damos cabida. Seguimos el juego al otro. Lo grabamos y lo subimos al drive. Es como una regla no escrita. You never know.
¿Es un tema que ha sido objeto de debate entre vosotros? ¿Habéis barajado diferentes fórmulas?
Laia: Es un tema que ha salido alguna vez en la furgo, ya que va ligado a la composición de los temas. Los hábitos creativos son personales. Cada un@ busca y encuentra su manera de relacionarse con la creatividad. Todo está bien y es algo vivo, que va cambiando y evolucionando contigo. En mi caso y a día de hoy, metida en HEAL, banda la cual componemos en directo en el local junt@s, no hay mucho tiempo, y escribo las lyrics, mis hábitos creativos han cambiado bastante y se han dirigido a algo concreto, que es: poder llegar al local y conectarme con el presente de manera integral y dar lo mejor de mí. Para poder llegar a ese momento, hay varias cosas que hacerlas con frecuencia me funcionan, como escribir sin tener un fin de producir nada, correr, reducir o quitar alcohol, o no entrar pantallas en dormitorio. Y de todas ellas hay una, que me está funcionando mucho (y con el enganche a las pantallas más) y es antes de ponerme a tocar o escribir, preparo el espacio, hago respiraciones y estiramientos hasta que me noto en calma absoluta y conectada con la curiosidad. Desde ahí, sin intermediarios, empiezo a crear.
Pero vamos, Edu (bajista), por ejemplo toca un montón en casa y cuando llega al local se saca tres tracks nuevos por ensayo XD. o Dani (guitarra) es un tennis geek y le funciona jugar sin parar y tener la energía aquí arriba y sacar riffs en casa; y Raúl (batería) escucha MUCHA música y tiene una librería en su mente que le permite crear con una perspectiva enorme.
¿No creáis en banda, todos juntos en el estudio? ¿Creéis que esa fórmula da más entidad como grupo, que hace estar más unidos?
Laia: Sí, un 90% está creado junt@s en el local. En nuestro caso hacerlo así es nuestro sello, ya que todos estamos aportando nuestra visión, la cual muchas veces nace y viene de lugares distintos. Y 100% sí, componer junt@s nos une siempre porque gozamos mucho haciéndolo. Esos momentos son la principal razón por la cual hacemos música. Y eso lo compartimos. Aparte, que tenemos magnetismo, nos entendemos bien ahí.
Escuchamos mucho de los 90, de banda del garaje de sus padres, en la música de HEAL. ¿Qué opináis de la curiosa forma creación de Radiohead? Ellos pueden tener una canción que no les convence, la tocan en directo, y a los 20 años la terminan de redondear y la editan.
Laia: ¡Radiohead es una de mis bandas pedestal así que esta pregunta me alegra! Las canciones están vivas y cuando tocas en banda cada vez suenan diferente. Por el equipo, por la energía que tengas y tengáis ese día, etc. Algunas canciones cuando las grabas en estudio están fresh, verdes, o directamente las has compuesto ahí.
Así que con el tiempo se van aposentando como el vino. En algunas vas puliendo y generando dinámicas y/o en otras simplemente toman otra dirección. Opino que apoyo 100% todo lo que quieran hacer Radiohead (risas)
¿Hay algún artista o grupo cuya forma de crear os atraiga? ¿Quizá ese tipo de grupos que hacen jams larguísimas en el estudio y luego seleccionan partes para canciones?
Laia: Hmm… buena pregunta. Supongo que cualquier artista y grupo que con los años siga disfrutando y encontrando su manera de expresarse, y se esfuerce un poco para ir evolucionando y entregar algo un poco diferente en cada trabajo. Así rápido, se me ocurre Big Thief. Para mí son un referente en cuanto a llevar muchos años y seguir disfrutando creando junt@s desde un lugar honesto y personal. Probando siempre nuevas maneras de componer, grabar, evolucionar como músicos y como banda. Y eso lo oyes cuando les escuchas. Este último disco por ejemplo, ‘Double Infinity’, notas el directo, notas que dejaron las canciones abiertas y que dejaron pasar a terceros en el estudio y dejaron que la música fuera a donde quisiera. Se arriesgan, buscan.
¿Tenéis gente como Sonic Youth y Yo La Tengo entre vuestros referentes, o más bien artistas de hoy, como Phoebe Bridgers o Porridge Radio o SPRINTS?
Laia: Todooo nos gustan los 80, 90 y los 2025’s! En cada década hay cosas alucinantes.
En cuanto a proceso de composición, hay un par de artistas que han dicho cosas interesantes. Nick Cave cuenta que se pasa horas y horas al piano, que la inspiración no le viene del cielo. ¿Hay mucho mito sobre ese momento «iluminado» y lo que cuenta es el trabajo-trabajo-trabajo?
Laia: Está claro que en la mayoría de casos, quién es muy bueno en algo ha invertido mucho tiempo en ello. Y él es muy bueno. Está claro también, que dentro de la composición, esos momentos “iluminados” existen, y para acceder a ellos debes tener abierto el canal entre tú y la creatividad. A partir de ahí, cada un@ es un mundo y llegamos de formas diferentes. Y en la ecuación también influirá tu momento vital y en qué proyecto estés. Hay gente por ejemplo con una capacidad de conexión con el presente y su mundo interior muy alta y funcionan diferente. Quizá no necesitan tantas horas. Ahora bien, la repetición, los hábitos, te ayudan a mantener eso en el tiempo. La vida no siempre es excitante. Así que mi respuesta sería que esos momentos iluminados son
esporádicos, y que si quieres alimentarlos y/o componer toda tu vida, trabajo y hábitos son tus amichis.
En la misma línea, habla Christina Rosenvinge, que tiene su libro de rimas para consultar, su metodología, piensa mucho la palabra adecuada… ¿Estáis en esa línea o sois más espontáneos?
Laia: En HEAL hasta el momento he escrito las lyrics, y por lo general, soy 100% espontánea en la creación de las melodías vocales, y luego escribo las lyrics a partir de esos sonidos. Entonces muchas veces, esos sonidos condicionan las palabras. Christina escribe en castellano, y estoy segura que si yo también lo hiciera, estaría obsesionada como ella con la palabra adecuada. El inglés y también mi estilo escribiendo, me permite una cierta distancia entre lo que siento y digo. Y eso me deja fluir un poco con las palabras que escojo. De todos modos, me tiro bastante rato con las lyrics, me gustan.
¿Qué canción vuestra se ha beneficiado de un proceso creativo rápido y exprés?
Laia: ‘Closer’, estábamos en plena creación del disco ‘The Shiver’, llegué al local y estaban Edu y Dani tocando el riff que a Edu le acababa de salir, me senté delante de él dejando el bolso y puse a grabar, y canté toda la melodía del tirón.
¿Cuál ha sido más larga y habéis dado más vueltas?
Laia: ‘The Mystery’ necesitó su tiempo.
Buenas noticias para los muchísimos fans de Suede que nos leéis y habéis hecho de la crítica de su nuevo disco ‘Antidepressants’ lo más visto del día en JENESAISPOP. ‘Antidepressants’ es un álbum notable, pero además es que el fuerte de los de Brett Anderson es el directo, y su gira será generosa en citas en nuestro país.
Suede nos visitarán cuando se acerque la primavera. No se ceñirán a Madrid y Barcelona, sino que también estarán en Bilbao, A Coruña, Valencia y Sevilla, en este último caso como parte de Insólito Sevilla Fest. La preventa de entradas comenzará el 17 de septiembre y la venta general el 19 de septiembre ambas a las 10h en lasttour.org. Bajo estas líneas, las fechas:
BILBAO, Santana 27
Lunes, 16 de marzo de 2026 A CORUÑA, Pelícano
Martes, 17 de marzo de 2026 SEVILLA, Cartuja Center – Insólito Sevilla Fest
Sábado, 21 de marzo de 2026 MADRID, La Riviera
Lunes, 23 de marzo de 2026 VALENCIA, Auditorio Roig Arena
Martes, 24 de marzo de 2026 BARCELONA, Razzmatazz
Miércoles, 25 de marzo de 2026
Hoy 12 de septiembre se publican los discos de Belén Aguilera, JADE, Sophie Ellis-Bextor, Parcels, Ed Sheeran, Jens Lekman, Baxter Dury, King Princess, The Hidden Cameras o Twenty One Pilots. De todos ellos podéis escuchar un pedacito en nuestra playlist «Ready for the Weekend» en Spotify. La semana que viene, estrenaremos perfil oficial en Apple Music.
También hay novedades de Kali Uchis, Damiano David, Demi Lovato, Allie X, Rose Gray, Anna of the North, Rex Orange County, Gorillaz, Joy Orbison, Slayyyter y un larguísimo etcétera. Atención por ejemplo a la apuesta más tradicional de Rauw Alejandro.
Tras un agosto en el que casi ningún artista nacional quiso sacar nada, ahora sale todo a la vez. Tenemos nuevos singles de -agárrense que vienen curvas- Viva Suecia, Miss Caffeina, Depresión sonora, Soleá Morente, Vicente Navarro, Los Chivatos, dani dicostas, Besmaya, ELYELLA con Iván Ferreiro y Morad con Israel B, entre muchos otros.
Biig Piig vuelve a España. La artista irlandesa está preparada para llevar a cabo sus primeros conciertos titulares en nuestro país, presentando ni más ni menos que su primer largo, ’11:11′. Se trata de un proyecto tan variado como pegadizo y en el que entran temazos de dance como ‘Ponytail’, pero también reconfortantes himnos de pop, tales como ‘Stay Home’.
Jessica Smyth vivió en España entre los 4 y los 12 años, y es por esa misma razón por la que comenzamos la entrevista hablando en español. Rápidamente, nos damos cuenta de que ha perdido un poco de práctica y nos pasamos al inglés. Me cuenta que en su infancia escuchaba de todo, pero de verdad: Leonard Cohen, D’Angelo, Sum 41, Ben Harper o The Fugees son algunos de los nombres que menciona.
Biig Piig estará presentando su último disco los próximos días 17 y 18 de septiembre en Madrid y Barcelona, respectivamente. El miércoles 17 de septiembre actuará en la Sala Clamores, mientras que el jueves 18 le tocará a la 3 de la Razzmatazz. Las entradas se encuentran a la venta en Fever, a partir de los 25 euros más gastos de distribución.
¿Ha afectado a tu música el hecho de haber vivido en España, Londres, Los Ángeles e Irlanda?
Sí, creo que definitivamente todo ha influido, o al menos ha sido influenciado por todos los lugares en los que he vivido. Y también creo que el deseo general de hacer música se debe a que siempre me he sentido un poco inquieta, especialmente cuando era una niña. Por ejemplo, cuando estaba en Los Ángeles, descubrí que mi sonido había cambiado a algo más de ensueño, porque todo el mundo habla a la mitad de velocidad.
¿Escribes mucho en español?
Crecí aprendiéndolo y fui a una escuela española y todo, así que está ahí. Escribir en español… Siento que cada vez que me sumerjo en ello, se siente un poco como, no sé, algo de mi niña interior. Siento que siempre acaba siendo más una carta directa a alguien, en el sentido de que refleja lo que realmente siento, en comparación con mis letras en inglés. Con Irlanda, obviamente tengo un vínculo muy especial, y cada vez que vuelvo allí la música está por todas partes. En España pasa lo mismo.
¿Te refieres a música en la calle?
Sí, y también la forma en la que encuentras comunidad y la forma en la que conserváis las historias y la cultura, como si estuvieran consagradas. Y siento que, aunque no me sentía completamente como si viviera allí, porque tenía esa especie de dualidad de estar aquí y ser de allí, al volver fue muy bonito ver que las canciones y todo lo demás te traen de vuelta a casa.
«Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad»
¿Cuándo te apetece escribir en español? ¿Qué tipo de estilo crees que le encaja mejor?
Para ser sincera, creo que mi momento favorito es cuando estoy reflexiva o cuando tengo el corazón roto. No sé por qué, pero hay algo melancólico y poético en el español y en cómo se pueden describir las cosas. Creo que es algo del idioma que siempre me ha parecido hermoso, como que nada es aburrido, ¿sabes? Las cosas siempre tienen un toque romántico. Mi deseo de escribir en español también se debe a que mis padres nunca hablaron el idioma. Así que les traducía mucho y hacía cosas como… Creo que todo mi proceso cuando vivía en España se sentía como tener una especie de doble vida en la que vas y hablas un idioma, vuelves a casa y hablas otro. Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad.
Siempre has estado expuesta a muchos tipos de música diferentes. La primera vez que empezaste a hacer música, ¿qué sonido te salió?
Solía tocar mucho la guitarra. Empecé a escribir cuando tenía como 15 años, no, 14. Recuerdo lo primero que hice, porque fue en una clase de música en el colegio y estaban haciendo una especie de concurso de canciones o algo así. Yo solía estar siempre en la sala de música, todo el tiempo. Para ser sincera, era un poco callada. Siempre que había pausas para comer o cualquier otra cosa, prefería estar en la sala de música, jugando y tratando de componer música.
Hay un poco de todo en este disco, pero todo se siente en su sitio. ¿Cómo te enfrentas a todas las posibilidades de la creación?
Me encanta experimentar, obviamente, y me encanta meterme en algo sin saber realmente dónde va a ir a parar, ir descubriéndolo e ir encajando las piezas. Una de las mejores sensaciones que hay es cuando empiezas a escribir solo por escribir, ¿sabes? A veces, no te das cuenta de que también estás escribiendo de forma coherente de una canción a otra o de cómo está tomando forma. Eso me encanta. Últimamente me ha inspirado mucho por esa escena, la escena electrónica, y tengo muchas ganas de profundizar más en ella y ver qué pasa.
Por ejemplo, ‘Stay Home’ no es dance del todo, pero es una de mis favoritas. La encuentro reconfortante y algo triste a la vez, en la letra sobre todo.
Sí, eso fue lo que pasó. Empecé a grabar este disco pensando que iba a hacer un disco de música dance. Pero luego había ciertas canciones como esa o ‘One Way Ticket’ en las que pensaba: «Oh, no quiero dejarlas fuera». Me di cuenta de que también me encantan ese tipo de canciones. Me encanta su intimidad. Y sí, como dices, cuando consigues esos sonidos tan cálidos de las guitarra, el entorno en el que creas la música influye mucho en ella. Y nosotros la escribimos en un pequeño estudio en París. Siento que se transmitía a través de la madera.
Sí veo el elemento dance en ‘Ponytail’ y ‘Favourite Girl’, pero siguen teniendo elementos muy melódicos.
Me encanta tocarlas en vivo. Estoy un poco nerviosa porque creo que este año podría ser el último en el que toque ciertas canciones. Canciones muy antiguas. Me da miedo, porque siempre da miedo lanzarse a algo nuevo.
«Es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales»
¿Siempre has querido hacer un disco? O no era tan importante para ti.
Siempre he querido. Creo que hice tantos EP porque pensaba: «No es perfecto, no está listo, aún no lo he conseguido». Y luego algunos de los EP tienen siete temas que podrían haber acabado siendo un disco, pero siento que me encanta escribir hasta llegar a un punto en el que siento que ya está hecho. No quiero forzar demasiado las cosas. Y con este, sentí que no había terminado de escribirlo y llegamos a unas 11 canciones. Y pensé: «Vale, genial. Parece una tontería y parece un álbum, así que me siento bien al publicarlo». Siempre ha sido estresante. Creo que, especialmente, cuando creces con álbumes tan increíbles. Siento que tal vez eso se ha perdido un poco. Tal vez esté volviendo, pero creo que es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales. Pero, de nuevo, recientemente ha habido algunos discos increíbles que sí siento que han recibido su reconocimiento.
Sí, pero creo que tienden a olvidarse más fácilmente o más rápido.
Obviamente todavía hay gente a la que le encantan los álbumes, pero creo que, en general, a gran escala, ya no le gustan tanto a la gente. Por otra parte, siento que todavía hay álbumes que estoy redescubriendo años y años después. Y luego estaba ese tipo de entramado digital que estaba ocurriendo, que era una locura. Incluso artistas irlandeses y españoles, como C. Tangana, que descubres y piensas: «Oh, esto es genial». Echo de menos los días de Soundcloud. Debería volver a conectarme.
Ya no es lo mismo, ¿no?
No, antes era una locura. Pero creo que el streaming ha cambiado todo el juego. Ya no es como antes. También está el tema de los algoritmos y cómo te llega la música. Creo que el deseo de buscar y emocionarse por artistas que quizá nadie conoce ha desaparecido un poco, pero espero que haya un resurgimiento pronto.
Hay un poco de todo en tu música, pero tiende a ser relajada, casi hipnótica. ¿Cómo traduces esto al sonido en directo?
Siempre me gusta reconstruir un poco las canciones cuando las toco en directo, porque, obviamente, me encanta cómo suena el disco, pero cuando las llevamos a un espacio en directo nos encanta añadirles un saxofón o simplemente la batería en directo. Elementos que les aporten un tipo de energía diferente. Nunca las acelero ni nada por el estilo. Creo que así se consigue una mayor inmersión. El set es todo un viaje. Empieza con una canción triste y pegadiza, luego se convierte en una fiesta dance y, al final, nos ponemos muy tristes. Luego nos llenamos de rabia, soltamos los demonios y terminamos por todo lo alto. Me gusta contar una historia sobre las canciones a lo largo del repertorio, aunque no sean del mismo proyecto. Para mí, la secuencia de emociones tiene mucho sentido para el espectáculo.
También tiene sentido que el concierto sea tan ecléctico como la música.
Siento exactamente lo mismo. Creo que con esos contrastes encuentras una euforia real. Siempre es agradable tener algo así, especialmente cuando estás cantando y la gente te sigue a ti. Es un momento precioso. Y luego, prefiero que sea una celebración en lugar de algo demasiado pesado.
Cuando están a punto de actuar en Madrid, Gorillaz anuncian su nuevo disco. Eso sí, el sucesor de ‘Cracker Island‘ no verá la luz hasta bien entrado el año que viene. ‘The Mountain’ saldrá el 20 de marzo.
El primer single de esta obra se puede escuchar ya y cuenta con Sparks, que justo acaban de sacar un EP que amplía su álbum de este año, ‘MAD!‘. La colaboración de Gorillaz con Sparks se llama ‘Happy Dictator’ y no tenemos ni idea de a quién podría estar dedicada.
En la producción de ‘The Mountain’ han intervenido James Ford, Samuel Egglenton, y Remi Kabaka Jr., aunque el nombre que más sorprende ver en la lista de productores es Bizarrap. En su largo anterior, ya habían trabajado junto a Bad Bunny.
Entre los colaboradores están Idles, Johnny Marr y Omar Souleyman, entre otros. También han conseguido los derechos de varias personas que han fallecido, como Bobby Womack o Mark E. Smith. Gorillaz actúan el 20 de septiembre en Madrid. Pulse of Gaia (Universidad Autónoma) acaba de anunciar en Instagram los horarios del misterioso evento.
01 The Mountain [ft. Dennis Hopper, Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
02 The Moon Cave [ft. Asha Puthli, Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Jalen Ngonda
and Black Thought]
03 The Happy Dictator [ft. Sparks]
04 The Hardest Thing [ft. Tony Allen]
05 Orange County [ft. Bizarrap, Kara Jackson and Anoushka Shankar]
06 The God of Lying [ft. Idles]
07 The Empty Dream Machine [ft. Black Thought, Johnny Marr and Anoushka
Shankar]
08 The Manifesto [ft. Trueno and Proof]
09 The Plastic Guru [ft. Johnny Marr and Anoushka Shankar]
10 Delirium [ft. Mark E. Smith]
11 Damascus [ft. Omar Souleyman and Yasiin Bey]
12 The Shadowy Light [ft. Asha Bhosle, Gruff Rhys, Ajay Prasanna, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
13 Casablanca [ft. Paul Simonon and Johny Marr]
14 The Sweet Prince [ft. Ajay Prasanna, Johnny Marr and Anoushka Shankar]
15 The Sad God [ft. Black Thought, Ajay Prasanna and Anoushka Shankar]
Hits
Hace mucho que nos hemos dado cuenta de que el rock fideliza más que el pop. Eso no ha cambiado y ahora podemos subir la apuesta al mundo del hip hop. Ahora que sabemos que Playboi Carti nos visitará el año que viene como telonero de The Weeknd, es pertinente hablar del éxito de su tercer disco, el irregular ‘Music‘, publicado este 2025.
Tras dos álbumes certificados como oro en Estados Unidos, ‘Music’ fue número 1 en este país, pero también en Australia, Reino Unido, Canadá, Suiza, Eslovaquia, Portugal, Nueva Zelanda, Hungría, Dinamarca y Austria, entre otros. En la difícil Italia, llegaba al puesto 3. En la difícil España, al puesto 5.
Debutó con casi 300.000 unidades en Estados Unidos, y después se ha mantenido bien; aún medio año después es número 60 del Billboard 200. El site Mediatraffic estima que ha sobrepasado el millón de copias a nivel global en las últimas semanas. Por supuesto que las colaboraciones con The Weeknd y Travis Scott tienen mucho que ver (además, la vieja ‘Timeless’ sigue muy fuerte en las listas), pero también la aceptación de ‘EVIL JORDAN’.
Flops
Nada parecido podemos decir de Lorde por más que nos gustaría y por más que ‘Virgin’ haya supuesto una recuperación artística respecto a ‘Solar Power’ y que algún single diera algún signo de funcionar a la larga. No ha terminado pasando.
‘What Was That’ llegó a ser top 11 en las listas británicas, y ‘Virgin’, incluso número 1. Sin embargo, el número de semanas que el álbum resistió en el top 100 es desolador: solo 4 semanas, exactamente las mismas que ‘Solar Power’, muy por debajo de ‘Pure Heroine’ (51 semanas) y ‘Melodrama’ (21 semanas). Es difícil hablar de una recuperación comercial respecto al anterior. No hay nada a lo que agarrarse: ‘Solar Power’ -la canción- tiene 178 millones de reproducciones en Spotify, y a ‘What Was That’ le va a costar medio año más alcanzarla.
Sin certificación conocida registrada ni siquiera en Australia, en la minúscula Nueva Zelanda en Austria o Bélgica (únicos lugares donde ‘Virgin’ fue top 1), parece difícil que el disco haya llegado a las 250.000 copias a nivel mundial. Pero lo peor es lo olvidado que parece el proyecto, pese a contener temazos como ‘Hammer’ o ‘Shapeshifter’. ¿Puede haber esperanza para algún tipo de viral, algún Grammy, algún algo…? Contra todo pronóstico, ‘David’ es el tema que más se ha crecido en las últimas semanas, pero es un fenómeno muy incipiente. La gente, lo que continúa escuchando es ‘Ribs’. Bueno, y ‘girl, so confusing’.
Wolf Alice están entre los nominados al Mercury Prize 2025 con su nuevo álbum, ‘The Clearing‘. Eso significa que han sido nominados al prestigioso galardón con todos sus discos. Van 4 de 4, y además lo ganaron con el segundo, ‘Visions of a Life’.
Bromas aparte sobre qué van a hacer el año que NO les nominen, lo cierto es que todas las menciones han sido merecidas, y la de ‘The Clearing’ también. El disco es lo suficientemente bueno como para que ‘Just Two Girls’ no haya sido single hasta varios meses después de haber empezado la campaña. El que podemos considerar el 4º sencillo de ‘The Clearing’ es nuestra Canción del Día hoy.
Por qué este corte no ha sido promocionado antes puede deberse a que no es el corte que mejor representa el álbum: es el más pop, el menos folkie, y una canción que Ellie considera muy divertida. Así nos la explicaba en una entrevista realizada hace unos meses, cuando le comentábamos que incluso recordaba a Saint Etienne: «Es una canción que depende mucho de la letra y de la melodía. No se hizo ninguna demo, simplemente fue seguir la historia y la letra, y ahí estaba. Llegó hacia el final del álbum. Queríamos algo animado y al menos líricamente lo era, la enseñé esperando que alguien la llevara hacia algún lado y salió muy rápido. Es una canción muy divertida».
En un álbum que habla sobre el escenario y la artisticidad, ‘Just Two Girls’ habla de ser «tan solo dos chicas en el bar», «dos niñas en el parque» o «una estrella en el escenario». Las estrofas quitan hierro a preocupaciones absurdas como envidiar a los demás o preocuparse por cosas que no tienen importancia. «¿Cuándo empezaste a obsesionarte tanto con cosas que tienes y cosas que no?».
Roswell ha explicado que se inspiró en conversaciones con amigas, en todo lo que ha aprendido de ellas sobre cosas como hacerse mayor. El vídeo que se acaba de estrenar cuenta con Lucy Boynton (‘Bohemian Rhapsody’, ‘The Politician’) y ha sido dirigido por Colin Solal Cardo. En él vemos justo cómo, de una conversación de «dos chicas» en una cena, surge la diversión, el baile, el dejar atrás las cosas que nos hacen infelices. Y dos mujeres bailando, en un disco abiertamente inspirado en los años 70, solo pueden llevarnos a un nombre hasta ahora improbable para hablar de Wolf Alice: Baccara.
Luz Casal va a publicar un nuevo disco este invierno, aún por fechar, que ha presentado de momento con dos sencillos. Uno era una adaptación muy animada del clásico ‘Todo cambia’, en su momento escrito por el músico chileno Julio Numhauser y popularizado por Mercedes Sosa. El segundo single mantiene el ritmo, pero en un sentido muy diferente.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, producida por Paco Salazar, recupera el sonido más rockero de la artista que conocimos en los años 80 pegada a una cazadora de cuero, antes de derivar hacia el bolero o la balada. Este nuevo tema conecta con aquellos inicios y otros temas que hizo después como ‘Loca’, extraído de su ‘V’ disco, un hit en 1989.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, además de con aquella inmediatez, cuenta con un estribillo bien desarrollado a partir de la palabra «Tengo». Lo cual puede implicar «un millón de motivos» o «secretos prohibidos». Sintiéndolo mucho por Viva Suecia y Rigoberta Bandini, esto es lo más pegadizo que ha hecho Casal en los últimos años.
Por último, el tema cuenta con una letra original que se inspira «en la emoción de una fan al asistir a un concierto, capturando esos instantes únicos de conexión entre artista y público». «Lo que tú me provocas es sobrenatural», dice Luz en primera persona, situándose en el lugar de la fan, en este caso. Una temática no tan habitual en el mundo del pop-rock, y desde luego no ha sido por falta de oportunidades.
Luz sigue sumando actuaciones a su gira internacional, con Buenos Aires el proximo 12 de octubre. El 17 de enero estará en el Movistar Arena de Madrid, pero también hay fechas por toda Latinoamérica, en Francia o Bélgica. Detalles, en su web.
La actualidad política de Estados Unidos está sacudida por el asesinato del ultraderechista Charlie Kirk, justo cuando le estaban preguntando por los tiroteos masivos en el país. Antes de eso, i-d publicaba una entrevista con Bad Bunny en la que hablaba de la convulsa situación que vive el país, desde que gobierna Trump.
Suzy Exposito le preguntaba si era cierto que su gira no iba a llegar a Estados Unidos y si era por la deportación masiva de latinos. Y Bad Bunny ha respondido que sí.
Decía Benito: «Había muchas razones por las que no actúo en Estados Unidos, y ninguna de ellas viene del odio. He actuado allí muchas veces. Todo ha tenido mucho éxito. Todo ha sido increíble. He disfrutado de conectar con los latinos que han estado viviendo en Estados Unidos. Pero específicamente al hacer una residencia aquí en Puerto Rico, cuando somos un territorio no incorporado de Estados Unidos… La gente de Estados Unidos puede venir y ver el show. Los latinos y los portorriqueños de Estados Unidos pueden también viajar aquí o a cualquier parte del mundo».
A continuación se refiere al ICE, el Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos: «Está el problema de que la puta ICE podría estar fuera [de mi concierto]. Y es algo de lo que hemos hablado y que nos preocupa mucho». La entrevista termina exactamente ahí, no hay más repregunta, sino una reafirmación de que Puerto Rico es el lugar donde disfrutar de esta gira. Pero queda claro que Benito teme que sus shows se conviertan en una cacería para deportaciones masivas como las que se han visto este año.
La cuestión no es baladí. Estados Unidos es el mercado más importante para Bad Bunny. Aunque sus oyentes se concentren en ciudades hispanohablantes como Ciudad de México, Santiago de Chile, Bogotá, Madrid y Buenos Aires, la población latina de Estados Unidos es tan numerosa que sus últimos discos han sido grandes éxitos en el Billboard 200.
Su último álbum ‘Debí tirar más fotos‘ fue número 1 en Estados Unidos, y 35 semanas después de su edición, continúa en el puesto 14 pese a la feroz competencia de la era streaming. ‘Un verano sin ti’ continúa en el puesto 45 del Billboard 200 oficial después de 174 semanas (más de 3 años). Su sello Rimas Entertainment no está realizando las correspondientes certificaciones, pero por tamaño es difícil que un mercado le esté dando tanto como Estados Unidos. En este lugar, un disco de platino equivale a 1 millón de unidades, no a 40.000 copias como en España.
Hay quien esperaba que la gira de Bad Bunny terminara el año que viene en Estados Unidos tras recorrer Japón, Australia y Europa en la temporada de primavera-verano. Parece que no va a suceder por razones políticas, a menos que se obre un milagro en cuanto a migración.
Cargando ...
