Hemos publicado decenas de artículos sobre Rosalía, una crítica kilométrica sobre ‘LUX‘, opiniones en nuestros foros 24/7 y vídeos en Instagram sobre este álbum que han llegado a cientos de miles de personas. Aun así, sois muchísimos los que nos habéis escrito pidiendo un podcast sobre el cuarto trabajo de Rosalía, una obra maestra -otra más de la artista- desde el mismo día de salida. El podcaster Claudio M. de Prado y la periodista Paloma Rando ofrecen otros puntos de vista en el que -si la memoria no me falla- es el podcast más largo de la historia de REVELACIÓN O TIMO. Casi 2 horas.
El prestigioso autor Andrew Lloyd Webber ha dicho de ‘Lux’ lo siguiente: “Creo que tiene que ser el álbum de la década”. Tal es su calidad… o bien el hastío de las estrellas internacionales, absortas en las playlists de moda, ahogadas por la presión de los oyentes mensuales. Paloma Rando elogia que el álbum se haya desarrollado al margen de esos cánones, sin loops ni elementos electrónicos (ni casi guitarras).
En tiempos de IA, incluso en los fallos gramaticales de las estrofas en árabe o italiano podría residir cierta gracia por la imperfección. Sumando la performance de Callao, Claudio M. de Prado concluye: «El hecho de que la campaña haya sido tan rara por supuestos fallos me hace confiar mucho en el poder de la equivocación humana».
Sobre la religión o la espiritualidad que inunda esta era, Rando argumenta: «hay muchas santas católicas, pero no es un disco que se ciña al catolicismo ni mucho menos. La visión que tiene Rosalía de la fe o de Dios es más sincrética, junta muchas cosas de diferentes creencias. Tenemos aquí a Rabia al-Qaysiyya, una mujer muy importante para el Islam, mujeres indias, chinas… y muchas que si el catolicismo mirara de cerca igual…», dice entre risas, mientras en otro punto del podcast considera el álbum «herético».
Añade también: «No hay apologia del catolicismo, ni una regresión, ni una vuelta a los valores conservadores. Es un disco que tiene una canción como ‘Novia Robot'». Pasa también con la película ‘Los domingos’. Obras que tocan la mística, es normal que a la gente atea, le pongan a la defensiva».
El análisis de ‘LUX’ va de lo musical -con influencias tan dispares como Patti Smith, Leonard Cohen, Kanye West, Puccini…- a lo social en una primera mitad, mientras la segunda hora la dedicamos a repasar el álbum «canción por canción». Hacemos mención a las santas protagonistas, también a los posibles destinatarios de ‘La perla’, al baile de singles con que ha jugado Sony, hasta llegar a la insólita apuesta de Los 40 Principales como sencillo. Terminamos con la duda de cómo veremos representado tan complejo álbum en directo.
La primera vez que 5 Seconds of Summer aparecieron en esta web fue en 2014, con la noticia de que habían desplazado a Camela del #1 en un top 10 donde también se encontraba Lana del Rey (fantasía estos tres nombres juntos). Su destino podría haber sido el mismo que el de otras boybands coetáneas como Why Don’t We o The Vamps, pero su desarrollo fue distinto: en 2018 consiguieron el #1 en USA frente a Beyoncé y Jay-Z, y con su siguiente disco se llevaron el #1 en UK frente a Dua Lipa (y hablamos de la Dua Lipa de ‘Future Nostalgia’).
Después de ese han venido dos discos más, y con una hazaña aún mayor para una boyband, una que ni One Direction consiguió: sus miembros fueron lanzando proyectos paralelos sin salir del grupo. Más de 10 años después de su debut, 5 Seconds of Summer llegan a su sexto disco, y encima es probablemente el mejor de todos.
El grupo ha ido a mejor con cada trabajo, llevando el sonido de los inicios a un punto más oscuro, electrónico y, sí, maduro, y pasando de «boyband» a banda. Aunque bien podríamos seguir usando lo de boyband para quitarle la carga negativa, como ellos mismos hacen reapropiándose de la palabra en este disco con una canción llamada así. De alguna manera, esto empapa todo el álbum, pues en esta ocasión han intentado volver a los inicios pero con toda la experiencia conseguida, tomando de sus comienzos sobre todo el humor que les caracterizaba, y que decidieron ir dejando atrás.
“Aunque escribiésemos de forma más naive, decíamos lo que pensábamos… y, con el tiempo, tiendes a ser más precavido con lo que dices. Pero este disco tiene ese espíritu de nuestro origen”, comentan los miembros de la banda, “es nuestra era más ambiciosa, y puede salir de dos maneras. O tiene una buena acogida y lo celebramos o bien, tras seis discos, al menos sabremos que morimos intentando reinventarnos. Prefiero que nos vayamos así, y no volviendo a hacer discos sobadísimos de pop-punk”.
No parece que a Calum Hood, Luke Hemmings, Ashton Irwin y Michael Clifford les haya salido mal la jugada a nivel comercial, y desde luego a nivel artístico tampoco. Hay momentos más flojos; es cierto que la segunda mitad palidece frente a la primera, y que los bonus tracks son café para cafeteros (aunque ‘I’ll Find You’ está bastante bien), pero es un disco lleno de grandes momentos que no parece para nada el ¡sexto! de una -ejem- ¡boyband!
En la producción han querido repetir con viejos conocidos, como Andrew Goldstein, Jake Sinclair, Jason Evigan, Mark Shick, John Ryan y Julian Bunetta (los dos últimos ahora con mayor protagonismo), y suman a Noah Conrad, que ha trabajado para Chappell Roan o Conan Gray. Además cuentan por supuesto con la característica voz de Hemmings como uno de los puntos fuertes del grupo y, como decimos, con bastante presencia del humor en este álbum.
Así, nada más empezar con la estupenda canción homónima (cuyo punto onírico va a medio camino entre Tame Impala y Twenty One Pilots), tenemos una ‘Not OK’ cuya letra sobre sacar a nuestro «chico malo», si la miras sin mucha atención, puede recordar a la boyband aquella de Bart Simpson. Pero, al igual que todo el disco, tira mucho de sarcasmo, dándole una vuelta de tuerca a lo que podría esperarse, y llevando los sonidos a un terreno mucho más rock, incluso con algún punteo heavy como guiño. La retranca sigue presente en cortes como ‘Jawbreaker’ (“I wanna do drugs, I wanna make love, I wanna get fucked”), en la un tanto Chromeo ‘Telephone Busy’ y sobre todo en la mencionada ‘Boyband’, donde se autorretratan como “raised on pop punk and bubblegum”, hablan de relaciones parasociales y de cabrear a los metaleros, y sueltan dos versos como “love me when I’m skinny and we never, ever age / same four chords, but it never feels the same” y “take my photograph and lick it with a wet tongue”.
A lo largo del tracklist, los chicos nos acercan a la power ballad (‘Ghost’), al revival ochentero de The Weeknd (‘istillfeelthesame’) e incluso al electro-glam (‘No1 Obsession’), y nos muestran a un grupo que ya se parece mucho más a The 1975 que a One Direction (la estupenda ‘I’m scared I’ll never sleep again’ podría ser un hit de la banda de Healy, por ejemplo) y en cuyas referencias parecen estar más Gorillaz, The Strokes o The Dare. Lo de estos dos últimos es innegable en cortes tan recomendables como ‘Sick of Myself’ y ‘Evolve’. En definitiva, ‘EVERYBODY’S A STAR!’ es un disco ante el que merece la pena aparcar los prejuicios y que, sin ser una maravilla, les pone en un peldaño distinto a muchas otras bandas que podríamos catalogar como similares, y nos hace estar pendientes de sus próximos pasos. Y también de sus proyectos en solitario.
Tras 5 años en la carretera en los que ha lanzado 2 grandes discos, un EP y alguna canción suelta tan chula como ‘Callaíto‘, Alizzz se va a tomar un descanso de su proyecto en solitario.
Antes de eso anuncia un cierre de gira en salas de toda España, que además ha querido que fuera en pequeños recintos «para encontrarse con su público cara a cara, sin fosos ni focos», como antes no pudo «debido al éxito inmediato y masivo de su proyecto». Ninguna de las salas tendrá más de 600 personas de aforo. El pequeño tour se llama «La última y nos vamos».
Durante los meses de febrero, marzo y abril, Alizzz estará en unas 10 ciudades españolas con un directo protagonizado por él y dos miembros más de la banda sobre el escenario, reconectando «con la esencia underground que le trajo hasta aquí» y «dando una nueva vida a las canciones que le han hecho uno de los artista clave de la escena española». Se podrán escuchar los hits con «arreglos nuevos, más crudos y minimalistas».
Las entradas están disponibles desde hoy mismo en la web de Alizzz. Las ciudades afortunadas podéis encontrarlas bajo estas líneas:
La Última y Nos Vamos
21/2/2026 | Valencia, La Mutant
27/2/2026 | Madrid, Sala Chango
28/2/2026 | Zaragoza, Sala Lopez
6/3/2026 | Barcelona, La Nau
7/3/2026 | El Prat / Hospitalet, Salamandra
26/3/2026 | Valladolid, Porta Caeli
27/3/2026 | Vigo, Mondo
28/3/2026 | La Coruña, Don Giorgio
9/4/2026 | Santander, Espacio Santander
10/4/2026 | DONOSTI, Daba Daba
Depresión sonora acaba de publicar su nuevo disco. Se llama ‘Los perros no entienden internet (… y yo no entiendo de sentimientos)‘, con el que ha logrado ser top 50 en España. En la portada, se ha rodeado de perros y el álbum se ha promocionado con temas que se llaman cosas como ‘La balada de los perros’.
Cuenta Markusiano que se ha inspirado en este animal porque frente a la esclavitud de «ser productivo» y todos los males del mundo moderno, le llama la atención lo tranquilo que está siempre su perro. «¿Por qué no puedo sentirme más libre?», se preguntaba en Radio 3.
Frente a otros sencillos como ‘Me va la vida en esto’, que supera ya el millón de escuchas, seleccionamos como Canción del Día una joya perdida llamada ‘Vacaciones para siempre’. Un tema que se integra en la temática animal, con frases como «si ladro voy a morder».
El tema empieza como una producción electrónica de Underworld, solo para después optar por el sonido clásico de Depresión sonora. Y es que entre las influencias del largo están lo mismo Crystal Castles que Pantera, lo mismo The Cure que Daniel Johnston. También está presente su sentido de la nostalgia incluso del futuro («grábame para que me vean tus hijos»), pero sobre todo llama la atención la violencia del estribillo: «revuelta en el extrarradio / ha habido una bomba en el centro de Madrid». Si escuchas atentamente, sumergido en la producción, puede escucharse un sample que repite «Bomba hay, bomba hay».
En contraste, emerge un estribillo infantil entonado por niños, grabado gracias a la cuñada de una empleada de su sello Sonido Muchacho, que es profesora en un colegio. A tal espacio se dirigieron para que los niños repitieran el título de la canción, inesperada y quizá irónicamente, luminoso: «vacaciones para siempre».
Depresión sonora tiene una larga gira por toda España, que incluye Bilbao, Granada, Sevilla, Santiago, Gijón, Murcia, Barcelona y un larguísimo etcétera. Detalles, aquí.
Elon Musk ha respondido a las últimas declaraciones de Billie Eilish. La cantante es una de las artistas más concienciadas con las causas sociales y ha estado criticando la gran fortuna del fundador de SpaceX, que recientemente se habría convertido en el primer trillonario (12 ceros) de la historia. Este, en consecuencia, le ha llamado tonta en X.
Hace unas semanas, Billie Eilish recibía el premio a la Innovación del Wall Street Journal y, durante su discurso, animó a los multimillonarios presentes a compartir su riqueza. Poco después, en sus Stories de Instagram, reposteó una publicación de My Voice My Choice sobre el nuevo sueldo de Elon Musk y qué problemas podría resolver, incluyendo el hambre en el mundo, la reconstrucción de Gaza o el salvamento de especies en peligro de extinción.
Billie Eilish terminaba aquella sucesión de Stories con un texto de su propia cosecha: «Puto patético perro cobarde», publicó la cantante. Hoy, Musk ha respondido a un tweet random de la cuenta Billie Eilish Tours que reposteaba todas las declaraciones de Eilish para decir que esta no es demasiado brillante: «No es que sea muy lista» («Not the sharpest tool in the shed»).
No es la primera vez que Elon Musk se mete en un fregado con una artista. Lo hizo con Grimes y lo volvió a hacer con Cardi B, llamándole «marioneta» y diciendo que «no puede hablar sin que le den las palabras».
A estas alturas de Operación Triunfo, el jurado insiste: los concursantes deben dar un «golpe» decidido sobre la mesa. Es cierto: semana tras semana, las galas se suceden sin que haya una actuación realmente memorable. Un ‘Shake it Off’ de Amaia, por decirlo de algún modo. Esta noche, el que más se ha acercado ha sido Tinho con ‘Beautiful Things’, transformado en un Benson Boone patrio.
Lucía Casani, su mejor amiga en el programa, ha sido la expulsada de la noche tras interpretar de manera convincente ‘Fue tan poco tu cariño’ de Rocío Dúrcal. Tras una tercera nominación, quizá el chicle no se podía estirar más. Guille Toledano, en cambio, ha ofrecido una interpretación impecable de la sorprendente ‘Stars’ de Simply Red, mostrando nuevos matices de su voz que hasta ahora desconocíamos.
Seguro que Toledano se ha ido a dormir tranquilo tras su actuación… y no tanto por enterarse de que Chenoa es vecina de El Cholo, aunque, viendo su reacción asombrada, no estoy tan seguro. Los bandazos en la valoración de Guille Milkyway casi le provocan un infarto, pero Toledano ha logrado cruzar la pasarela. Olivia, que ha pasado de ‘Superestrella‘ a nominada durante la valoración de Milkyway, ha sido finalmente salvada por el profesorado.
Claudia ha corrido suerte similar: tras su arriesgada y divertida interpretación de ‘Latin Girl’ de Emilia, ha sido propuesta para nominación, pero sus compañeros la han salvado por los pelos: empataba en votos con Guillo, y Cristina ha desempatado. Téyou y Guillo Rist se enfrentarán en la gala del próximo lunes, la décima de la edición, para continuar en la Academia.
La firma de discos, que implicó la salida de los concursantes al exterior, ha podido afectar a su salud vocal. El jurado ha valorado a quién se le notaba menos, pero la interpretación de Téyou ha vuelto a ser neutra y correcta: sin evolución y excesivamente holgada para una gala 9. Su canción, ‘Super Vacío’, no daba para más y la ha hecho sonar definitivamente encasillada en un sonido. Guillo ha arriesgado tocando ‘Peregrino’ de Carlos Ares a la guitarra, pero su voz rasgada y nasal -tan Sergio Dalma- no ha favorecido la canción.
Cristina tampoco ha tenido su mejor noche. Favorita del público, su interpretación chillona no ha ayudado ni a su canción, ‘Manchild’, ni a su compañera. Olivia sigue sin lograr ese ‘Shake it Off’ que tanto le reclaman, aunque la canción le ha quedado algo mejor. La puesta en escena de ‘Manchild’, tan rosa y Sabrina Carpenter, ha sido la más vistosa y pop de la gala, aunque le ha perjudicado cierta falta de dinamismo y una coreografía que ha jugado con el efecto «slo mo» de manera extraña.
Crespo sigue siendo la gran incógnita de la edición. ¿De verdad merece ser salvado noche tras noche y jamás nominado? Según Cristina Regatero, tiene una voz “muy 2025 e internacional”. Yo diría que igual de blanca y anónima. Su versión al piano de ‘Hold My Hand’ no solo ha sido imperfecta, sino que ha resultado aburrida. No sé por qué no le han dado la bailable versión original, pero esta tampoco le ha permitido dar un golpe sobre la mesa. Ese que «a estas alturas del programa», se va echando en falta.
Por si el mundo había olvidado, tantos meses después, que ‘EUSEXUA‘ es uno de los mejores discos de 2025, FKA twigs culmina el año publicando una especie de secuela, ‘EUSEXUA Afterglow’, y una versión alternativa de ‘EUSEXUA’ con portada y tracklist diferentes. La estrategia es confusa, ya que, por ejemplo, el single ‘Perfectly’ se esperaba en «Afterglow», pero finalmente aparece en la reedición, donde pistas destacadas como ‘Girl Feels Good’ no figuran.
Aunque twigs ha sido clara al asegurar que ‘EUSEXUA Afterglow’ no es un deluxe, sino un disco nuevo, lo que encontramos en él es material muy posiblemente descartado de las sesiones de aquel disco o anteriores, pues se cree que la composición de ‘Wild and Alone’ o ‘Stereo Boy’ data de la época de su debut.
Lo mejor que se puede decir de ‘EUSEXUA Afterglow’ es que evidencia, más que el álbum original, la influencia de las raves underground a las que twigs asistió durante la creación del disco. Se nota en las machaconas y desorientadas producciones, que en ‘Love Crimes’ o ‘HARD’ se empapan de hard techno y breakbeat evocando una dura noche de fiesta. Sin embargo, en ‘EUSEXUA Afterglow’ las melodías suenan mucho menos elaboradas que en el disco original.
Cuando los artistas publican descartes, lo hacen con la intención de acercar a su público a su proceso creativo. En el caso de FKA twigs, esta decisión es especialmente valiosa, ya que tanto su obra como su imagen pública están meticulosamente curadas. Cada uno de sus discos ha sido una obra maestra del pop de vanguardia. Pero ‘EUSEXUA Afterglow’ suena deliberadamente crudo e improvisado.
Las producciones pueden ser tan alienígena como la de ‘Slushy’ o, en la segunda parte de ‘Sushi», incluso derivar en voguing puro y duro. «Afterglow» ya no incluye concesiones baladescas a Björk y Kate Bush, sino que se enfoca en la pista de baile, virando al Jersey club en ‘Wild and Alone’ -con PinkPantheress– o al drum n’ bass en ‘Predictable Girl’, mientras que ‘Lost All My Friends’ suena tan desesperada y ebria como imaginas.
Las bases trabajadas junto a nombres como Bapari, Manni Dee, Joy Henson o Petra Levitt -Koreless, principal productor de ‘EUSEXUA’, está ausente aquí— pueden ser tan exquisitamente locas como las de ‘Slushy’ o ‘Lost All My Friends’, pero las melodías siempre están varios peldaños por detrás de las de ‘EUSEXUA’ o sonar tan poco trabajadas como la de ‘Touch a Girl’, y los temas que más se parecen a un single, como ‘Predictable Girl’, suenan a medio cocer.
Por ello, «Afterglow» funciona mejor cuando profundiza en su carácter raro y extraño: ahí el single ‘Cheap Hotel’, con su voz de ardilla y mareados cambios de tempo, se revela como una pequeña joya. Sin embargo, a «Afterglow» pueden perjudicarle las expectativas: más que un nuevo disco, quizá se habría presentado mejor como mixtape. O como una colección de caras b.
Era evidente que Rosalía iba a abrir en el número 1 de la lista de álbumes española con ‘LUX’, su cuarto disco. La pregunta era si lograría certificación directa o no, y así es: ‘LUX’ debuta en España con un disco de platino directo, equivalente a 40.000 unidades vendidas o su equivalente en escuchas. Además, como Taylor Swift, hace doblete, ya que ‘La Perla’ entra en el número 1 de singles. Los 15 temas del álbum están en el top 20 de singles en España.
JENESAISPOP ha podido conocer las cifras de venta reales de ‘LUX’ en nuestro país. Han sido 51.564 unidades en una semana, constituyendo el mejor debut de 2025, por encima de Bad Bunny (que no tuvo edición física) y Taylor Swift (38.000 unidades para «Showgirl»). De esas casi 52.000 copias que ha movido Rosalía de ‘LUX’, 27.946 han sido ventas reales y 23.618 son puntos de streaming.
De las casi 28.000 unidades despachadas en tiendas, 17.457 copias han sido en vinilo, es decir, la mayoría. Además, hay que añadir que el álbum ha tenido problemas de distribución: en nuestro foro de Rosalía, muchos usuarios se han quejado de no haber encontrado copias en las tiendas. Sony parece estar fabricando más copias para la Navidad a toda prisa. ¿Llegarán a tiempo?
Eso sí, ‘LUX’ va a tener complicado ser el disco más vendido de 2025 en España. Bad Bunny vuela demasiado lejos con el equivalente a 224.685 copias vendidas a lo largo de todo el año: salió en enero. En un 99% son puntos de streaming (SEA), pues sigue sin haber edición física de ‘Debí tirar más fotos’.
Como consecuencia del enorme éxito de Rosalía, Pablo Alborán queda en el puesto 2 con ‘KM0‘: es el primer disco de su carrera que no logra el número 1. Alborán ha vendido 7.728 copias y suma 646 puntos SEA. Esas 8.374 unidades le habrían dado el top 1 casi cualquier otra semana del año, pero no esta.
El disco que más sube esta semana es ‘Bodhiria‘ (2024) de Judeline, que pasa del 83 al 47.
Las dos siguientes entradas en lista son las de FERNANDOCOSTA con ‘Dolor de barrio’ en el puesto 18 e ‘Infancia mal calibrada’ de Barry B en el 19. El primero lo ha logrado únicamente gracias al streaming; el segundo, gracias a las ventas del vinilo, que se coloca en el top 3 directo de su sublista correspondiente, por detrás de Rosalía y Alborán.
El resto de entradas en lista se debaten entre las músicas urbanas y el pop-rock. En el primer grupo, ‘Do Not Disturb’, el nuevo álbum de Young Miko, entra en el número 49; ‘EXTRADITABLESSED’ de BLESSED, en el 50, y ‘SATURACIÓN POP’ de YSY A y EVLAY, en el 60.
En el segundo hay que hablar de Miguel Ríos, que coloca ‘El último vals’ en el 58; ALBERTUCHO, que ubica ‘XX Años Ladrando’ en el 66, y MAKI y María Artés, que sitúan ‘PAVI & AMÉN’ en el 97.
Rosalía ocupa completamente el top 20 de Singles España con los 15 temas de ‘LUX’ disponibles en streaming. ‘La Perla’, como se esperaba, entra directo al número 1, tras haber sido el tema potenciado en plataformas en el día de salida del disco. Rosalía acaba de presentarlo en vivo en la televisión estadounidense.
Con ‘La Perla’, Rosalía suma su 13º single número 1 en España, y el segundo consecutivo, pues desbanca a ‘Berghain’, que baja al 3. Es el primero para su artista invitado, Yahritza y Su Esencia.
‘Reliquia’ abre en el segundo puesto. El resto de posiciones refleja su popularidad inicial en streaming; en especial, ‘Dios es un Stalker’, ‘La Yugular’ y ‘La rumba del perdón’ mejoran el dato de varias pistas que aparecen antes en el disco.
‘LUX’ comparte el top 20 de Singles España con el single de Bizarrap y Daddy Yankee, que sube directo al 5, y con ‘Superestrella‘ de Aitana, que, tras la entrada de todas las pistas de ‘LUX’, baja del 2 al 16.
Así quedan los debuts oficiales de la pistas de ‘LUX’ en la lista de singles española:
1.- La Perla
2.- Reliquia
4.- Sexo Violencia y Llantas
6.- Divinize
7.- Dios es un Stalker
8.- Porcelana
9.- La rumba del perdón
10.- La Yugular
11.- Mio Cristo Piange Diamante
12.- De Madrugá
13.- Mundo Nuevo
14.- Sauvignon Blanc
15.- Magnolias
17.- Memória
El interés por ‘LUX’ y quizá, en específico, por ‘La Perla’ ha llevado a que dos viejos éxitos de dos ex parejas de Rosalía vuelvan a entrar en lista, de forma nada casual. ‘Tú me dejaste de querer’ de C. Tangana, La Húngara y Niño de Elche vuelve al puesto 71, mientras que ‘Beso’, la colaboración de Rosalía y Rauw Alejandro que llegó al número 1 en España, reaparece en el puesto 94.
La lista de singles española revela otros dos debuts. Por un lado, ‘Loquita’ de JC Reyes y Slayter abre en el 40. En segundo, ‘GRECOFERNANDA’ de FERNANDOCOSTA y Grecas, cuyo videoclip incluye cameo de David Broncano, entra en el 65.
Antorchas Festival, que celebrará su quinta edición del 18 al 20 de junio de 2026 en el Recinto Ferial de la capital manchega, presenta una nueva tanda de confirmaciones que se suma a los artistas ya anunciados: LA M.O.D.A., Carlos Ares, Elyella, Ojete Calor, Sidecars, Zahara Rave y Vuelo Fidji.
Rigoberta Bandini -por fin y por primera vez en Albacete con su espectacular ‘Jesucrista Superstar Tour’ -, Ginebras, Marlena y Hoonine son, sin duda, algunas de las mejores realidades del momento en cuanto al pop indie en España. Además, también se confirma la actuación del dúo de DJS albaceteños Aguacate y Mango.
Una vez más, Albacete estará en el mapa del mejor festivaleo nacional, ofreciendo un variado cartel repleto de pop, rock, indie y electrónica. Los abonos ya están disponibles con un cupo limitado en la web oficial de Antorchas Festival.
El sold out de La Milagrosa en la sala Changó, como parte de los conciertos por el 25º aniversario de Ochoymedio, no empezó por todo lo alto. Quizás se apareciese en los sueños de Germán GES para aconsejarle formar una banda, pero el pasado viernes la Virgen no acompañaba a su banda cuando salieron al escenario.
El grupo madrileño, que presentaba su debut ‘Ya no me duele mal’, se abrieron paso entre temas cercanos al post punk, pero esencialmente pop, tales como ‘Me paso por tu zona’ o ‘Cervezas, colillas, rayadas, pesadillas’. Tenían el favor de un público que se sabía las letras desde la primera canción, pero que no siempre estaba presente. Un poco como la propia banda, concentrada totalmente en la música y olvidando que hay una sala llena de gente delante. Cuando interactuaban con nosotros, caían en el cliché: «Si no tenéis un trabajo que os hace feliz y os paga bien, esta canción es para vosotros», soltó el bajista Gonzalo Sánchez antes de ‘Anestesiado’.
A partir del segundo tercio del concierto, la cosa cambió. ‘Disco’ convirtió la sala en un club retro y fue la primera canción en la que la banda brilló con potencia y crudeza, con pedal de distorsión y patadas al aire incluidas. ‘Danza de la muerte’, por otro lado, agregó una acertada variedad al set con una paleta sónica similar a si los Beatles fuesen una banda temática de Halloween, en el mejor sentido. El público hasta se animó a hacer la coreografía original de la canción, proyectada en la pantalla.
Adrian YR
Desde donde estaba situado, no podía ver demasiado bien la figura de la batería. De repente, Marina Moon se convirtió en protagonista cuando se levantó para hacer los coros de ‘La vida es una mierda pero a veces mola un poco’. Instantáneamente, el concierto se elevó a otro nivel. Hay demasiados hombres en el indie español cantando de la misma manera, por lo que este tipo de cambios se reciben con los brazos abiertos. El propio Germán fue honesto: «¿Os habéis dado cuenta de que la batería es la que mejor canta del grupo no?», y no le faltaba razón.
A partir de este instante, la energía divina empezaba a aumentar y La Milagrosa fue capaz de capturar momentos mágicos. El momento acústico con toda la banda cantando al unísono en el centro de la pista o el dueto de Marina Moon y Germán GES al subir de vuelta al escenario, por ejemplo. El pogo más tocho del concierto parecía que se iba a dar en ‘Con otra cabeza’, el particular homenaje del grupo a los conciertos que empezaron cantando a capela. Los presentes no tardaron nada en sumarse al canto. Sin embargo, la Virgen realmente se apareció con la llegada de Alberto, vocalista de Biela. Con tan solo un tema, el joven frontman convirtió el concierto en un terremoto. Justo lo que se echaba en falta al inicio del show.
Adrian YR
Desde ahí, y hasta el final del show, la pista se convirtió en un hervidero. En un momento dado, Germán bajó a cantar con el público con el único propósito de sentir el calor de los pogos, y vaya si lo sintió. Existía la sensación de que esta energía llegaba un pelín demasiado tarde, pero se disfrutó como si hubiese estado desde el principio.
‘Ponzano’ es uno de los mayores éxitos de la banda, pero aun así la locura que desató el tema fue algo inesperado. Así, La Milagrosa pasó de dar poco a dar absolutamente todo. Además, terminaron con un anuncio a la altura del último tercio del concierto: su debut en la Sala BUT el próximo 9 de abril de 2026.
Con Murcia ya consolidada como uno de los grandes polos culturales del país, WARM UP Estrella de Levante vuelve, un año más, los días 1 y 2 de mayo de 2026. La primera tanda de confirmaciones ya está disponible con Fatboy Slim, Guitarricadelafuente, Carlos Ares y Sanguijuelas del Guadiana como algunos de sus nombres más importantes.
WARM UP ha presentado los primeros nombres del cartel, combinando figuras internacionales, talento nacional consolidado y nuevas propuestas: Fatboy Slim, Guitarricadelafuente, Carlos Ares, León Benavente, Sanguijuelas del Guadiana, Veintiuno, Las Petunias, Riria, Viva Belgrado, Fukcnormal y Ruptura estarán en el recinto de La Fica.
Kendrick Lamar parece liderar las opciones para triunfar en los Grammys según las casas de apuestas. Pero está seguido muy de cerca por Lady Gaga y Bad Bunny. ¿Quién se hará con el premio a Álbum del Año? ¿Quién, Canción y Grabación? ¿Será una noche repartida?
A falta de que Tyler, the Creator, Clipse, Sabrina Carpenter, Justin Bieber o Leon Thomas puedan dar la sorpresa, tres redactores de JENESAISPOP lanzan sus apuestas y deseos. Las respuestas las conoceremos el 1 de febrero de 2026.
A favor de Bad Bunny
«Bad Bunny había hecho el disco del año claramente, al menos hasta la llegada de ‘LUX‘. No solo en español, sino a nivel global, donde acumula lo equivalente a 4 millones de copias. Su reconocimiento en los Latin Grammys no debería impedir que se le reconozca también en los principales Grammys. Porque ‘Debí tirar más fotos‘ no solo ha sido un hito en la comunidad latina, sino en el Billboard 200. Es que después de 44 semanas, sigue en el top 12 de la lista de álbumes más competitiva del mundo. Casi siempre ha estado en esta lista por encima de sus rivales.
El Grammy a Álbum del Año no debería ser un premio al reconocimiento a una carrera, sino el reconocimiento al mejor trabajo del curso musical. Y si hablamos de calidad, ese álbum ha sido indiscutiblemente el de Benito. Tras el pequeño traspiés del largo anterior, Bad Bunny ha escrito un disco lleno de hits y variado, inspirado en la historia de Puerto Rico. Salsa, plena, instrumentación jíbara y también algo reggaeton -aunque esta etiqueta ya se le queda muy pequeña a Bad Bunny- están al servicio del mensaje.
Aquí hay canciones de amor y desamor, pero sobre todo ‘Debí tirar más fotos’ es una preciosa misiva a Puerto Rico, a veces desde la frustración y la desesperanza en tiempos de gentrificación y turismo masivo. El reconocimiento a Bad Bunny en el año en que va a hacer la Super Bowl sería por último un varapalo a la administración de Trump, que no puede ser más necesario, dado el humillante trato que el ICE está dando a la población latina. Esta necesita que Benito se lleve el principal reconocimiento de la noche, como agua de mayo». Sebas E. Alonso.
A favor de Lady Gaga
«Lady Gaga no es ninguna marginada de los Grammy: sus tres primeros discos -lanzados en el apogeo de su carrera- compitieron en la categoría más codiciada, Álbum del Año, aunque ninguno lo ganó, y la artista también fue reconocida posteriormente con ‘Joanne’ y ‘Chromatica’, y durante su etapa jazz y musical, aunque en categorías menores. En total, Gaga acumula 14 Grammys.
La nominación de ‘Mayhem‘ a Álbum del Año ya sabe a victoria para un 2025 que ha sido decisivo en la carrera de Stefani Germanotta, pues ha supuesto su renacimiento comercial gracias a ‘Abracadabra’, ‘Die with a Smile’ y el Mayhem Ball Tour, el más espectacular de su carrera.
‘Mayhem’ merece ganar Álbum del Año por varios motivos. El primero es musical: la calidad compositiva y técnica de ‘Mayhem’ -su ingeniería de sonido- es de primera categoría, la sucesión de hits, más consistente que nunca, y la estética retro-moderna de la producción debe hacer las mieles de la Academia. ‘Mayhem’ es uno de sus mejores discos y es el más premiable, más que el irregular ‘The Fame’, el insuficiente ‘The Fame Monster’ o el excesivo ‘Born this Way’.
Después está la razón simbólica: Gaga debería poder culminar este gran año con un Grammy que merece desde hace tiempo, pues ella siempre ha hecho muy buenos discos y trabajado muy buenos conceptos: nunca ha sido solo una artista de singles, y su gran historial en los Grammy la avala». Jordi Bardají.
A favor de Kendrick Lamar
«La última vez que un disco de rap fue nombrado Álbum del Año fue en 2004, con el ecléctico ‘Speakerboxxx/The Love Below’ de Outkast. Desde entonces, el rap nunca ha tenido la misma relevancia en la ceremonia. Concretamente, con Lamar, los Grammy tienen una deuda pendiente que se ha mantenido a lo largo de los años. En 2014, ‘good kid, m.A.A.d city’ debía haber ganado Mejor Álbum de Rap, y no Macklemore. En 2016, ‘To Pimp A Butterfly’, uno de los mejores discos de la historia, casi gana Álbum del Año. Sin embargo, la Academia eligió los hits del ‘1989’ de Taylor Swift. En 2026, tiene que haber justicia para Kendrick Lamar.
Es el momento perfecto: ha sido un año flojito para el pop, pero no tanto para el hip hop. De ahí que entre los nominados haya más rap que de costumbre. El año pasado, Kendrick ya fue el artista más premiado de la gala gracias a ‘Not Like Us’, la canción de rap más galardonada de la historia de los premios. Este año, es el artista más nominado, con 9 menciones.
Por si fuera poco, ‘GNX’ es el resultado de ganar la batalla de rap más mediática de la historia. A los «die-hard fans» nos hubiese gustado que su obra maestra se hubiese llevado el reconocimiento que se merece, pero si Kendrick tiene que llevarse el Grammy a Álbum del Año con su disco más accesible, que así sea. De hecho, tiene mucho más sentido». Gabriel Carey.
Lisasinson, una de las actuales apuestas de Elefant, ha lanzado estos días ‘Lanzarote’, un nuevo adelanto de su próximo disco, ‘Desde cuando todo’, que se pondrá a la venta a inicios de 2026. Antes llegaba el single ‘Deberíamos vernos más’ y un EP, ‘Si me pierdo’, publicado el pasado mes de marzo, que contenía temas como ‘Decidí desaparecer’.
‘Lanzarote’ narra la historia de una relación amorosa que se desvanece en el desinterés y la indiferencia: una pareja sumida en la rutina que no rompe «por costumbre o miedo». Miriam Ferrero, vocalista, intuye que entre ellos, ya convertidos casi en dos desconocidos, todas las mejores vivencias han quedado atrás; lo mejor que pudieron vivir juntos, ya pasó.
Un feliz viaje a Lanzarote simboliza el amor que un día fue, mientras el revestimiento de la canción no puede ser más apto para lo que cuenta la letra: un guitar pop suave y melancólico que muestra una faceta más sensible, pero igualmente bienvenida, de Lisasinson. Así quedan las primeras fechas de presentación de ‘Desde cuando todo’ en España:
Sábado, 14 de febrero 2026
Presentación nuevo álbum
Sala El Sol
Hora: 21:00
MADRID
Sábado, 07 de marzo 2026
Presentación nuevo álbum
Sala 16 Toneladas
VALENCIA
Sábado, 11 de abril 2026
Presentación nuevo álbum
Heliogàbal
BARCELONA
Rosalía ha acudido esta noche a Jimmy Fallon, sito en Nueva York, para presentar ‘LUX‘, su cuarto disco, que está conquistando las listas globales y hoy debutará en listas españolas.
La entrevista empieza con Fallon citando titulares de críticas del disco, entre ellas la de Los40, o «los Forty», como dice Fallon. Rosalía, a continuación, explica su proceso creativo, su decisión detrás de cantar en 13 idiomas en el disco («me gusta aprender»), y como hizo con David Broncano en La Revuelta, enseña a Fallon a realizar calentamientos vocales. Para practicar, cantan ‘La Perla’ juntos.
Rosalía y Fallon juegan también un juego en el que Jimmy debe adivinar si una frase que Rosalía le dice en español es «seductora, insultante o un sinsentido».
Mientras que Rosalía escogió ‘Reliquia’ para presentar ‘LUX’ en la gala de LOS40 Music Awards, en su visita al programa de Fallon ha optado por interpretar ‘La Perla‘, que se mantiene en el puesto 13 del top global de Spotify. Vila Tobella inicia la actuación subida sobre una torre de colchones similar a la del cuento de ‘La Princesa y el guisante’ (1835) -como indica acertadamente un lector a este medio- y la culmina ya de pie sobre el escenario.
La actuación de Rosalía se acompaña con subtítulos con traducción de la letra de ‘La Perla’, la misma adaptación que aparece en el libreto físico del disco.
Lo fácil hubiera sido ir a algún hayedo o pradería de la sierra de Aralar y rodar allí el videoclip, al estilo de todos esos grupos de folk que últimamente no paran de brotar como las setas en Ultzama. Apostar por lo literal.
Afortunadamente, César Rodrez y Daniel Dalfó (Daniel 2000) han optado por seguir otro camino. ‘Aralar’ no transcurre en Aralar, sino que lo evoca. Amaia cae del cielo de forma tan irreal como el propio bosque donde aterriza, más propio de una alucinación por sobredosis de CGI que de las tierras donde pasta la oveja latxa.
El contraste entre la iconografía folclórica y la estética digital constituye el eje que articula todo el clip: un choque entre lo ancestral y lo contemporáneo que puede funcionar igual de bien como metáfora visual sobre la búsqueda de la identidad en tiempos de artificio, y como pura y festiva fantasía camp.
Los directores dan respuesta visual a una pregunta que dudo que nadie se haya formulado jamás: ¿cómo sería mezclar los sueños tradicionalistas de un carlista con la imaginería y las descomunales coreografías del Día del Sol norcoreano? ¿Sabino Arana y Kim Jong-un unidos, como en un conjuro, por el sonido del txistu?
Amaia actúa en 2026 en Pamplona, A Coruña, Sevilla, Bilbao, Valencia y Barcelona. Detalles, aquí.
‘Música para muñecas’, el tercer álbum de Samantha Hudson, es prácticamente conceptual sobre la disforia de género. Aparecen otros temas como la religión o la pasión del proceso creativo, ambos muy presentes en la apertura de ‘Liturgia’, pero lo que más resuenan son las reflexiones de la artista sobre la transfobia o el hecho de sentirse excluida del mundo. La música de baile agresiva en sus diferentes formas es un escapismo para todo esto. «Esta ciudad nunca fue para todas» es el estribillo del tema llamado ‘Esta ciudad’.
Samantha Hudson ha escrito por sí misma la mayoría de las canciones. Hasta ahora no era tan conocida su faceta como autora. Esta decisión puede estar relacionada con la ausencia de singles musicalmente tan carismáticos o instantáneos como ‘Por España’ en ‘Liquidación total‘. A cambio, ganamos su visión personal de la vida. ¿Para qué entregar créditos a más autores cis, por muy maricones que sean?
Muchas de las cosas que nos cuenta esta absoluta líder de opinión no tienen precio. El single principal se llama ‘Full Lace y el Tuck’. Lo primero es la peluca con redecilla que se usa para llevar postizos y lo segundo lo que se usa para evitar que se marquen los genitales. «Tú tienes dos piernas, ella tiene tres / Vino a devorar y no dejó ni el carné», canta Samantha en este tema tan apto para ‘Drag Race‘.
El álbum se pone especialmente confesional en sus dos últimas pistas. Por si ‘No sé quién soy’ no fuera lo suficientemente explícito en su título, el texto dice: «Intento dormir porque no sé llorar / Ojalá supiera por dónde empezar / Trato de enfocarlo desde otro lugar / Nada me funciona, no me tengo piedad». O también: «no sé por qué me hago daño». Y la balada final ‘Algo muy raro’ trata de buscar respuestas en Dios cuando la pregunta ni siquiera sabes muy bien cuál es.
Si bien ‘Liturgia’, el tema junto a Zahara, es extrañísimo en sus referencias divinas, La Zowi y Villano Antillano sirven por completo en ‘Hot (Gimme More)’ y ‘Full Lace y el Tuck’. La Zowi rima «icono sexual» con el placer que le da el «sexo anal» y Villano Antillano subraya ese carácter reivindicativo de las personas trans en medio de una ola conservadora a nivel mundial, que sobrevuela en todo este ‘Música para muñecas’. Como es habitual en el mundo LGTBIQ+, la pista de baile vuelve a ser el medio: «‘Sal a bailar, puta, ponte los tenis!», anima la portorriqueña.
Ese carácter de baile es principalmente bakala, techno y hardcore en manos de productores como La Diega o DJ Final Boss. ‘Esta ciudad’, de mano de MUYKO, es más electropop. Ciñéndonos a la producción musical, lo más avanzado del álbum es ‘Disforia’. SOPHIE y Arca son influencias declaradas en el álbum y es en esta canción llena de gritos, cristales que se rompen, pianos, beats drum&bass, otros trance, coros eclesiásticos, y otros detalles, donde más se nota. Es ahí donde mejor concluyen fondo y forma, justo en medio de un álbum más significado de lo que aparentaba. «Muñecas», de hecho, es como se llaman entre sí las personas trans en los países anglosajones («dolls»).
Nuestro Disco de la Semana estos días está siendo ‘ICONOCLASTS‘. La artista experiemtal sueca Anna von Hausswolff ha entregado el álbum más inmediato de su carrera, en parte gracias a las colaboraciones que contiene con gente tan dispar como Iggy Pop o Ethel Cain. ‘Stardust’ es la canción más pop del álbum, pero este está lleno de joyas como ‘Struggle with the Beast’, que seleccionamos como Canción del día hoy.
A lo largo de casi 9 minutos y dominada por un riff de viento que se repite hasta la saciedad, ‘Struggle with the Beast’ es el vivo retrato de la locura. Es como si esos instrumentos dominados por Otis Sandsjö quisieran retratar la insistencia de un pensamiento intrusivo en bucle. Como este, no conseguimos sacarnos ese pasaje de la cabeza.
La letra, que tarda 3 minutos y medio en comenzar por eso mismo, es el relato en primera persona de alguien que ha perdido la cabeza:
«Llamé al hospital esta mañana,
tenía la sensación
de perder la cabeza
de perder el control
Estoy atemporizando a mi hermana y mi madre
Mis ojos no son humanos, pero están calmados
El sol se pone
Ninguna regla estoy siguiendo»
Tras 4 versos y ningún estribillo (el cénit de la canción es el grito «la gente se muere ahí fuera y yo jodiéndome a mí misma»), el tema se cierra de manera ambigua con la imagen de un ángel. Una sección de cuerdas irrumpe antes de volver al ruedo del riff de los vientos, en la que supone una de las grabaciones más abrasivas jamás realizadas por Anna von Hausswolff.
En una nota de prensa que nos ha remitido su equipo internacional, Anna explica que este tema no va sobre sí misma, pese a esa primera persona adoptada: «Escribí esta canción después de que una amiga cercana sufriera un episodio de psicosis. Había algo imparable y completamente desconectado en ella, como si viviera en una especie de universo paralelo. Estaba tan lejos de la persona que yo conocía, que era como si todas sus barreras sociales se hubieran desvanecido por completo. Había una nueva y extraña brillantez en su forma de comunicarse y de ser. No tenía filtros. Me alegra que hoy esté bien, pero me hizo pensar en lo vulnerables y complejos que somos todos, y en que dentro de cada uno de nosotros hay capas de traumas no resueltos y verdades que no se han dicho en voz alta».
La música está en un momento extraño. Hoy en día, una major como Sony puede fichar a Illojuan sin ningún reparo y un sello independiente puede ofrecer un contrato millonario a una artista que ni siquiera existe. Ante la cultura de la rentabilidad y la preocupante relevancia de la IA… ¿Solo Rosalía puede salvarnos?
Si alguien se llevó las manos a la cabeza con el caso de The Velvet Sundown, uno de los primeros grupos virales hechos con inteligencia artificial, con lo de Xania Monet el soponcio está asegurado. Esta artista de R&B consiguió la friolera de 17 millones de streams en tan solo dos meses tras el lanzamiento de su álbum debut, ‘Unfolded’. Poco después, un contrato por 3 millones de dólares. Plot twist: esta persona no es real.
Sin embargo, sí que hay una humana detrás de todo esto. Talisha Jones es diseñadora y, gracias a Suno AI, ha podido convertir sus supuestas letras (quién sabe si también son IA) en música. Desde luego, la impresión al leerlas es que hasta un ordenador lo podría haber hecho mejor. «Sonríes para el mundo, pero por dentro es dolor», suena en ‘Let Go, Let God’.
Xania es el primer ejemplo auténtico de lo que los más agoreros llevan años prediciendo. Es la inteligencia artificial alcanzando el top 10 de una de las listas (menores) de R&B de Billboard e incluso consiguiendo un debut en la lista de «Adult R&B Airplay», con la canción ‘How Was I Supposed to Know?’.
Cómo íbamos nosotros a saber que en 2025 habría emisoras de radio reproduciendo canciones de artistas creados con IA. «Descubriendo y desarrollando los músicos más talentosos del mundo», se puede leer nada más entrar a la web de Hallwood Media, el sello independiente que ha fichado a Monet. Hay que reírse.
Esto ha despertado muchas reacciones en el mundo musical. Una de ellas llega de la mano de Kehlani, que se ha quedado igual de muda que el resto de nosotros al entender que ya no hace falta ningún tipo de talento para conseguir un contrato multimillonario: «Nada ni nadie en el mundo me podrá justificar la IA. No lo respeto». Este era el momento en el que todos necesitábamos un disco que desafiara esta surrealista deriva de la industria. Y aquí es donde entra Rosalía.
¿Cómo ser «agresivamente humano» para combatir la IA?
Rosalía y Xania Monet pueden estar en el polo literalmente opuesto en lo que a creatividad se refiere. La casualidad, sin embargo, ha hecho que ambas traten el tema de la religión. En el caso de Monet, se trata de un robot hablándole a Dios. ¿Acaso puede entender una máquina lo que significa tener fe? ‘LUX’, por otro lado, cambia la máquina por el ser humano. En todos los sentidos. Y así, irónicamente, nos acercamos más a lo inmaterial.
«Hay una decisión consciente de no incluir loops», le cuenta la artista catalana a Zane Lowe. Insiste en que «todo está tocado y cantado, incluso cuando hay repeticiones». Usa palabras como «espacio» o «fisicalidad» para describir la sensación humana del LP: «Sabes que ahí hay personas», remata. Ella quería instrumentos acústicos para su disco porque siempre está «al servicio de las emociones». Con France Inter, es todavía más certera: «No hay nada de IA. Es un álbum humano».
El desprecio de Rosalía por la IA fue evidente durante la gala de Los 40 Music Awards. La periodista Cris Regatero propuso un juego a Rosalía que consistía en adivinar la canción de ‘LUX’ a partir de la ilustración. Ella va respondiendo con naturalidad: «Wow, qué guay que hayas hecho esto. ¿Te tomó mucho tiempo?», pregunta. La cara de Rosalía cuando le dicen que «la IA te lo soluciona» es un cuadro. Y con la imagen de ‘Dios es un Stalker’ ya ni se molesta en seguir el rollo.
Que te hagan esto después de crear un disco como ‘LUX’ tiene que ser un shock. Un álbum que potencialmente ha cambiado la percepción de millones de oyentes en lo que a música natural se refiere. Es lo que tiene la Orquesta Sinfónica de Londres, que ahora cualquier arreglo de cuerdas digital, tan común en el reguetón y el urban, suena vacío, extraño… Muy similar a cuando ves una imagen generada por IA.
La decisión de que ‘LUX’ coquetee con la música clásica tampoco es una casualidad. Derrick Gee, divulgador musical, argumenta que la mejor forma de combatir la IA es ser «agresivamente humano». Y la música clásica podría ser el género puramente humano más agresivo de todos. Solo hay que escuchar ‘Berghain’. Sin necesidad de distorsiones digitales ni glitches bizarros, la música clásica inspira muchas cosas diferentes. «Cuando escucho a Wagner más de media hora me entran ganas de invadir Polonia», decía Woody Allen. Y ni siquiera necesita electricidad.
Gee describe esto como «el próximo paso evolutivo de la música» y propone a Rosalía como «la primera artista mainstream» en crear una respuesta artística al frenético auge de la IA. Y lo bien que le ha salido. Desde su salida, e incluso antes, ‘LUX’ se ha erigido como uno de los discos más aclamados del siglo XXI. También está gozando de un inverosímil éxito en listas internacionales. Que este éxito sea una prueba del hartazgo del público por lo digital seguramente sea una afirmación demasiado optimista, pero sigue siendo importante.
Precisamente, porque ‘LUX’ no es solo humano por cómo suena o por los instrumentos que se han usado, sino porque no es perfecto. Habría sido sencillísimo para Rosalía pasar su propia voz por una IA para cantar en los 14 idiomas que aparecen en el disco, pero eligió pasar dos años aprendiendo la pronunciación correcta, la musicalidad adecuada en las palabras… Y aun así se equivocó.
Así lo cuenta la Escuela Internacional de Árabe, argumentando que ‘La Yugular’ está escrita en árabe estándar, pero pronunciada en el dialecto egipcio. Hasta los errores suman, porque avalan el trabajo de una artesana.
‘LUX’ ahora también se convierte en una esperanza de futuro. ¿Una fuente de inspiración para más artistas que se atrevan a desafiar a la máquina? ¿Una revolución? Si algo queda claro, por nivel de influencia, talento e inquietudes artísticas, es que solo Rosalía podría haber tirado la primera piedra.
Encarnita Polo ha fallecido en la noche del jueves al viernes en una residencia de Ávila. Tenía 86 años. Según los primeros indicios, un hombre de 66 años que acababa de ingresar en la residencia, se habría colado en su habitación produciéndole la muerte «mediante asfixia o estrangulamiento». Así lo han confirmado a EFE fuentes de la Subdelegación del Gobierno. El hombre tenía «deterioro mental» y en principio estaba recluido en el ala psiquiátrica.
Alertado por el ruido, el personal se presentó en la habitación e intentó reanimar a Ercanita, pero ya no se pudo hacer nada por salvar su vida. La policía no apunta a más motivo para el crimen que el deterioro mental del hombre. Encarnita y el asesino solo habían coincidido un par de días en la residencia y no se habrían conocido. El hombre está bajo custodia policial en un hospital psiquiátrico, según informa El País.
El entierro ha tenido lugar este sábado, en la intimidad, asistiendo su hija Raquel Waitzman Polo y su amigo Antonio Albella de Locomía, entre otros pocos allegados.
Icono del cine y la música pop de la segunda mitad del siglo XX, Encarnita Polo empezó cantando en la calle de pequeña para que desde una «casa de putitas» le lanzaran monedas con las que poder costearse el cine. A los 10 años ya ganó un concurso radiofónico y a los 12 se trasladó de Sevilla a Barcelona para actuar en fiestas y galas.
Archiconocido fue su ‘Paco, Paco, Paco’ (1969), que en verdad era una adaptación de ‘Los siete niños’ de Concha Piquer, un tema que había salido en 1943. En 2009, se readaptó al vídeo de ‘Single Ladies’ de Beyoncé. También hay que destacar otros trabajos como ‘Pepa Bandera’ o la adaptación al español de ‘La balada de Bonnie & Clyde’. En cine destacó la comedia italiana ‘Scaramouche’ y en televisión su paso por el concurso ‘Pasaporte a Dublín’. El concurso para representar a España en Eurovisión en 1971 fue ganado por Karina con ‘En un mundo nuevo’.
Recientemente Polo grabó un homenaje a Vainica Doble. ‘Tres eran tres’, a capella, se incluyó en el álbum ‘A la manera de Vainica Doble’ (2017), junto a contribuciones de Carlos Berlanga, Paco Clavel o La Monja Enana.
Con azúcar y especias Hatchie irrumpía como un soplo de aire fresco en el panorama musical en 2018. Su EP de presentación hacía honor a su título y ofrecía cinco canciones dulces y sofisticadas. Entre su amalgama de guitarras shoegaze se percibía una gran sensibilidad pop que aunaba lo mejor de ambos géneros con gracia. En cambio, sus dos primeros álbumes, aun con algunas estupendas canciones, no conseguían consolidar del todo la promesa de aquel breve proyecto.
Con su tercer disco, ‘Liquorice’ (“regaliz” en español), la artista australiana opta por no seguir la senda más synthpop -e interesante- de ‘Giving the World Away’ para asentarse en un sonido dream pop que resulta tan agradable como excesivamente cómodo. Dice Hatchie que este álbum, a diferencia del anterior, lo ha creado pensando solo en lo que le apetecía hacer y escuchar a ella, sin tener en cuenta cómo la gente pudiera recibirlo. Este acercamiento, perfectamente comprensible y válido, en esta ocasión parece jugar en contra de un proyecto que nunca llega a explotar todo su potencial.
El pop rock noventero de la estimable ‘Wonder’ sirve como prueba de que a la australiana le sienta bien airear su sonido y probar cosas diferentes a lo que suele hacer normalmente. El cierre del álbum, ‘Stuck’, también explora esa línea mediante diversas capas de guitarra y una melodía animada y accesible marca de la casa, aunque quizá necesitaba de un minuto más para lograr un mayor impacto.
La canción más sólida, sin embargo, no puede decirse que brinde nada que Hatchie no hubiera ofrecido antes, pero es en este tipo de composiciones donde la artista brilla. ‘Lose It Again’ recuerda a los puntos más álgidos de su anterior álbum con su dream pop embriagador de grandes estribillos y evocadores riffs de guitarra.
La mayoría del proyecto parece buscar esa inspiración, pero rara vez llega, como si las producciones a cargo de Jay Som y Joe Algius fueran incapaces de dar con la tecla adecuada para que las canciones exploten. ‘Sage’ podría ser adorable pero suena incomprensiblemente apagada; ‘Carousel’ es tan deudora del sonido Cocteau Twins de ‘Four-Calendar Café’ (1993) que lo único que provoca es querer ponerse ese disco; ‘Anemoia’ es sugerente como introducción al proyecto pero termina presa de una monotonía que no llega a ningún sitio; y ‘Only One Laughing’, que está siempre muy cerca de ser una buena canción, no llega a despegar.
Si ‘Liquorice’ resulta frustrante es porque se percibe el talento de principio a fin, y con un acercamiento diferente en la producción, estas canciones intimistas y edulcoradas hubieran funcionado mejor. En su lugar, forman un álbum sin garra, tan placentero de escuchar como fácil de olvidar. La medida de azúcar es la adecuada, pero Hatchie se ha quedado corta con las especias.
Pálida Tez son un joven grupo de Albacete formado por María Virosta (voz y guitarra), Samuel Cuevas (guitarra y voz), Manuel Castaño (batería) y Elena Perales (bajo). Están fascinados por las sonoridades del pop alternativo de los 90. Su primer EP, ‘Viaje a la habitación del fondo de la casa’, salió en 2023.
Recientemente han publicado un disco con El Genio Equivocado, ‘Un extraño estado de ánimo’, producido por Carlos Hernández Nombela. Pero antes adelantaron el disco con ‘Último partido’, nuestra Canción del Día hoy.
Ahora que por fin parece que ha llegado el frío, es un buen momento para recuperar una canción que es pura nostalgia. Una guitarra inicial à la Nick Drake da paso a la voz de María, que recuerda a la de Irantzu Valencia, conjuntada por la de Samuel. Lo que puede parecer una letra un poco arty de entrada enseguida remite al costumbrismo: “vamos a beber en la plaza del barrio”. Un canto nostálgico a la preadolescencia perdida, a perder el tiempo en la calle con los amigos.
‘Último partido’ remite a la melancolía de los grupos post-Family como Dar Ful Ful, pero también al shoegaze. Hacia la mitad la canción se anima, sacudiéndose la languidez, que no la añoranza, hasta llegar a la coda final, en que el solo de sintetizador lo-fi alcanza una atmósfera tan especial como emocionante.
Como cada otoño, Netflix empieza a colocar sus películas en la rampa de salida de la “carrera de los Oscar”. Primero, presentación en el festival de Venecia (en la pasada edición se programaron nada menos que tres títulos en la sección oficial); después, estrenos limitados en salas para cumplir con la reglamentación; y, un par de semanas más tarde, lanzamiento en la plataforma.
Netflix lleva 7 años intentándolo, desde la extraordinaria ‘Roma’ (la victoria de ‘Green Book’ fue el ‘Brokeback Mountain’/’Crash’ de 2019). Pero no hay manera. Lo han conseguido Neon (‘Anora’), A24 (‘Todo a la vez en todas partes’) y hasta Apple (‘CODA’), sin duda la derrota más humillante, tras ver cómo ‘El poder del perro’ lo ganaba todo antes de llegar a los Oscar.
Este año tiene toda la pinta de ser el turno de Paul Thomas Anderson y su ‘Una batalla tras otra’. Tras 11 nominaciones -entre dirección, guion y película- y cero estatuillas (cada vez que recuerdo que ‘Magnolia’ ni siquiera estuvo nominada…), ya va siendo hora de que se lo den.
Aun así, hay tres títulos de Netflix situados muy arriba en las apuestas: ‘Frankenstein’, la tapada ‘Sueños de trenes’ y ‘Una casa llena de dinamita’. ‘Jay Kelly’, la nueva de Noah Baumbach, según las críticas en Venecia, parece que va a pinchar, al menos en lo que respecta a los premios, aunque con ese reparto -George Clooney, Adam Sandler, Laura Dern, Patrick Wilson, Greta Gerwig…- sería raro que no funcionara en la plataforma.
‘Una casa llena de dinamita’, la nueva película de Kathryn Bigelow tras la algo decepcionante ‘Detroit’ (2017) -sobre todo teniendo en cuenta que venía de encadenar dos obras maestras como ‘En tierra hostil’ (2008) y ‘La noche más oscura’ (2012)-, es un soberbio ejercicio de suspense que recupera una temática muy del Hollywood de la Guerra Fría: la amenaza nuclear.
Tras más de 40 años de carrera armamentística, la rivalidad entre Estados Unidos y la URSS ha dejado el mundo convertido en “una casa de dinamita”: hay suficiente arsenal atómico acumulado como para hacernos volar por los aires en una gran mascletá final. Ahora que Trump y Putin presumen de tenerla (bomba) más grande (uno quiere reanudar los ensayos nucleares y el otro acaba de probar un dron submarino capaz de devastar ciudades enteras), qué mejor momento para recuperar esta temática.
Aunque algo repetitiva en algunos momentos por culpa de una estructura muy ambiciosa dramáticamente (tres montajes alternativos sobre un mismo hecho), pero un poco redundante desde el punto de vista narrativo, Bigelow logra su propósito: ‘Una casa llena de dinamita’ funciona igual de bien como vertiginoso thriller político de despachos y teléfonos -una cuenta atrás excelentemente planificada y montada, con una puesta en escena muy inmersiva- que como advertencia sobre el frágil equilibrio geopolítico en el que vivimos. No por casualidad, el Pentágono se ha quejado de la imagen que ofrece la película del Departamento de Defensa. Quien se pica…
Rosalía mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Berghain’, mientras la entrada más fuerte ha sido la misma Rosalía con ‘La perla’ en el top 2. ‘Berghain’ ha ganado con el 51% de los votos en Instagram, frente al 30% de ‘La perla’. En España, ocurrirá lo contrario: ‘La perla’ derrotará a ‘Berghain’ en Promusicae.
Hay vida más allá de Rosalía y lo nuevo de Katy Perry aparece por el puesto 4, aunque eso sí, con solo el 3% de los votos. En la zona baja de la tabla aparecen Hilary Duff, Snocaps, Marinita Precaria y stivijoes.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
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