Taylor Swift fue nombrada la segunda mejor popstar del siglo para Billboard. En un vídeo que pretendía celebrar los mayores logros de la artista, el medio estadounidense incluyó imágenes de su figura de cera desnuda, usada por Kanye West en el infame vídeo de ‘Famous’. El vídeo ha sido eliminado desde entonces.
La respuesta de los fans de la cantante ha sido inmediata, con cientos de respuestas al vídeo colgado por Billboard. «Nos disculpamos profundamente con Taylor Swift y con todos nuestros lectores y espectadores después de haber incluido un clip que la representa falsamente en un vídeo celebrando sus logros. Hemos eliminado el clip del vídeo y nos arrepentimos sinceramente del daño que hemos causado con este error», ha publicado el medio.
Muchos fans de la cantante han argumentado que no fue un error, sino un ataque a propósito, asegurando que el vídeo habría tenido que recibir luz verde por parte de diferentes personas del equipo de Billboard. También califican el clip incluido de ‘revenge porn’, ya que la figura de cera de Taylor desnuda fue incluida en ‘Famous’ sin su consentimiento.
En el vídeo de ‘Famous’, lanzado en 2016, Kanye West y Kim Kardashian aparecen en una enorme cama, durmiendo junto a realistas figuras de cera de diferentes artistas y personalidades. Entre estos, Taylor Swift, Chris Brown, Donald Trump, Rihanna o Bill Cosby. En la letra del tema, la cosa iba más allá: «Creo que Taylor y yo todavía podríamos tener sexo / ¿Por qué? Hice famosa a esa zorra».
We are deeply sorry to Taylor Swift and all of our readers and viewers that in a video celebrating Swift’s achievements, we included a clip that falsely depicted her. We have removed the clip from our video and sincerely regret the harm we caused with this error.
The Weeknd ha confirmado la fecha de lanzamiento de su nuevo disco, ‘Hurry Up Tomorrow’. Será la última parte de la trilogía que empezó con ‘After Hours’ y continuó con ‘Dawn FM’. Este estará disponible a partir del 24 de enero de 2025, según ha indicado el propio artista en las Stories de Instagram.
Abel Tesfaye ha lanzado, hasta el momento, tres sencillos del disco: ‘Dancing in the Flames’, ‘Timeless’ con Playboi Carti y ‘São Paulo’ con Anitta. La más exitosa de estas fue la que compartía con Carti, que llegó al número 3 del Billboard Hot 100. Cada una de estas tiene un estilo diferente, por lo que no sabemos muy bien que ofrecerá el cantante en el disco completo.
Como acompañamiento del disco, ‘Hurry Up Tomorrow’ también vendrá con un thriller psicológico con el mismo nombre protagonizado por Jenna Ortega, Barry Keoghan y el propio Abel. El cantante, junto a Oneohtrix Point Never, se encargarán de la banda sonora.
Biznaga protagonizaron anoche la actuación musical de La Revuelta. El grupo interpretó en la televisión pública ‘El futuro sobre plano’, una de las múltiples canciones de su último disco, ‘¡AHORA!’, que abordan el problema de la vivienda en España. La actuación puede verse en RTVE, a partir del minuto 6.
Broncano contó que la idea de traerlos al programa surgió de una conversación con miembros del equipo sobre justamente el problema de los alquileres. «Es el gran problema de nuestra generación y de la que viene también, que va a ser peor», cuenta uno de los integrantes del grupo. De hecho, Álvaro García, vocalista, aclara en ese momento que la banda está formada por tres generaciones distintas, de los 20 a los 40 años.
Tanto el presentador como la banda se tomaron un momento antes de la actuación para dar visibilidad a este gran problema en la televisión pública ya que, tal y como cuentan, es uno de los temas que sí o sí salen en cualquier conversación: «El resto de cosas que quieras en tu vida: aspiraciones, anhelos, alegrías… todo lo condiciona que no puedas tener una casa», denunció Broncano.
Ocurrió la magia de la televisión y Biznaga aparecieron en el escenario con los instrumentos puestos y unas letras dirigidas a provocar un necesario cambio: «El futuro sobre plano, el derecho a la ciudad / El futuro sobre plano, habitar con dignidad».
La Revuelta ha vuelto a ganar en audiencia a El Hormiguero, anotando un 16,8% de cuota y 2.269.000 espectadores. El programa de Pablo Motos, por otro lado, marcó un 16% de share y 2.094.000 televidentes. En estricta competencia, Broncano superó por 2.8 puntos al programa de Antena 3. Lo han conseguido con la entrevista a Hugo Silva y con la actuación de Biznaga. En El Hormiguero, David Bisbal fue la estrella invitada.
Prácticamente no hay fin de semana en que La Paloma no toquen en directo. Mientras algunos afirman que el rock ha muerto, hay bandas de este género que llenan las salas. El 21 de diciembre será su fin de gira en La Riviera de Madrid, aunque antes llegarán Barcelona (29 de noviembre), Zaragoza (30 de noviembre), Murcia (13 de diciembre) y Elche (14 de diciembre). Nico y Lucas visitan nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO para hablarnos de su himno sobre desencanto generacional ‘La edad que tengo’, de la supervivencia de las bandas de rock, garage, punk, de guitarras en general o de aquel concierto en un mitin del PSOE del que nadie se acuerda ya (fue el año pasado).
La visita de La Paloma no es más que una excusa para debatir sobre el legado de artistas de guitarras como Nirvana, The Strokes, The Libertines o Arctic Monkeys. Hace tiempo que no emerge una banda de rock tan popular como estos últimos, que siguen gozando de unos streams monstruosos con ‘AM’. Nico ironiza: «Hace ya más tiempo que se dice que el rock ha muerto, que tiempo estuvo vivo. Llevamos desde los 90 con esto. Y últimamente hay un surgimiento de bandas. A la vez que se dice que ha muerto, se dice que va a volver». No obstante, el grupo admite el fin de bandas tan populares como las mencionadas: «El mainstream es el resumen del interés general, y el mainstream ha cambiado mucho. Se ha democratizado. Ningún proyecto tiene toda la atención como en los 90 Oasis».
Nico nos habla de sus influencias: «Yo he sido un nostálgico toda la vida, de cosas de antes de que yo naciera», indica refiriéndose por ejemplo a Fugazi, y elogiando la integridad de su escena. No obstante, se jacta de haber evolucionado: «Ahora abrazo cosas que antes me parecían lo peor, como decir que me fliparía sonar en Los 40 siempre que no traicione los valores de lo que queríamos hacer».
Hablamos sobre la deconstrucción masculina de los últimos años, la proliferación de bandas de mujeres como shego o Shanghai Baby, y el exceso de testosterona. «Nos gusta más que la gente cante a que haga pogo en nuestros conciertos. Date de hostias bien o deja que la gente vea el show», dicen en un momento. Además, Lucas declara haber sido muy fan de Avril Lavigne, desde mucho antes de que existiera Olivia Rodrigo y se pusiera de moda reivindicarla.
El podcast permite que debatamos también sobre la competitividad: «La hemos ido perdiendo, es una cosa horrible del mundo de la música (…) Tener beefs es algo forzadísimo». Sobre si Yung Beef y Bb trickz son el nuevo punk. O también sobre su segundo disco, que aún están creando y que será muy diferente al primero. ‘La edad que tengo’ no estará en él. Lo definen así: «No es La Paloma con el pelo teñido. Es La Paloma con esteroides. La Paloma ha ido al gym».
‘Nobody Loves You More’ es el disco de debut en solitario de Kim Deal. Se lo ha tomado con calma: algunas de estas canciones fueron ya publicadas en 2013 (‘Are You Mine?’) y 2014 (‘Wish I Was’). El plazo transcurrido no es por capricho. Kim se pasó estos años cuidando de su familia: sus padres y sus tíos, que fallecieron entre 2019 y 2020. De hecho, ‘Are You Mine?’ está dedicada a su madre, que sufrió Alzheimer durante 18 años. Pero aquí no hay pena. No esperéis un ‘Carrie and Lowell’ y sí un buen y muy vital disco de Kim Deal.
Todo este tiempo también ha servido para que Deal haya compuesto el suficiente número de grandes canciones. Todas las composiciones son suyas, y se ha rodeado de un buen puñado de colaboradores, entre otros, su hermana Kelley, antiguos compañeros en Breeders como Jim Macpherson, Fay Milton de Savages y… Steve Albini. La mayoría de los temas los grabó en su estudio, Electrical Audio en Chicago. Y aunque él no sea el productor (aquí la tarea también la lleva a cabo Kim), su sello a la hora de grabar se nota en el sonido: es naturalista, tan crudo como cálido, casi escuchas el crujir de las paredes de madera. Es un hermoso homenaje indirecto el que rinde Deal a su amigo a través del sonido del álbum.
‘Nobody Loves You More’ a ratos suena a disco perdido de los 90, más cerca paradójicamente de Pavement que de los Pixies, a ratos tiene una vocación de canción clásica americana, lo que choca (para bien) con el clásico cancionero de Deal. La maravillosa voz rasposa de duende de Kim domina todo. Eso y su capacidad de componer grandes canciones pop. La apertura es sorprendente: ‘Nobody Loves You More’, la canción, parece que se la haya robado a Angel Olsen, tan torch, tan llena de arreglos de cuerda y vientos, pacificados por la voz poco amiga de las alharacas de Deal. El puente a base de metales es puro gozo big-band. Y está fabricada con cola de impacto: una sola escucha y ya no te puedes sacar su estribillo de la cabeza. ‘Coast’ se arranca también con trompetas, tan pizpireta como una soleada mañana de sábado.
Como para recordarnos de dónde viene, Kim aparece con el sincopado y muy pegadizo ritmo marcial de ‘Crystal Breath’, uno de esos temas que cruzan el post punk y el pop alternativo, con unas líneas de bajo y batería machaconas y ultra-pegadizas: en 1997 hubiera sido un pepinazo en la sala grande del A Saco. ‘Are You Mine?’ es una hermosa balada tipo años 50 con toques hawaianos. Rompe el corazón con sus versos dedicados a su madre: “Are you mine? Are you my baby? I have no time for nothing but love” (“¿Eres mía? ¿Eres mi niña? No tengo tiempo para nada, excepto para el amor”).
La Kim más familiar asoma definitivamente a partir de ‘Disobedience’, la quinta canción, un gran tema de rock alternativo, oscilando entre la furia y la tersura, con los estupendos coros de Kelley. Y como para dejar bien claro que Kim es una de las madres del invento, en ‘Big Ben Beat’ levanta una buena tormenta sónica, bien distorsionada, con una batería absolutamente descollante y unas guitarras con bien de saturación.
La placidez pop se recupera en la muy Bacharach ‘Summerland’, una preciosidad que lleva a Deal a los terrenos del musical, aunque el cierre nos devuelve a los 90 con ‘A Good Time Pushed’, el equilibrio perfecto entre la Kim que pega y acaricia, sus melodías agridulces, las subidas, las bajadas, la intensidad, la contradicción entre la melancolía que marca la línea de bajo y la fuerza que muestran las baterías y las guitarras. Todas esas cosas que amamos en Kim Deal y que se le siguen dando tan bien, no como a otros. Sí, te estoy mirando a ti, Frank Black.
C Duncan, el músico y compositor escocés autor de maravillas de pop pastoral como ‘Say’ u ‘Other Side’, ha dado los detalles de su quinto trabajo discográfico, ‘It’s Only a Love Song’, que sale a la venta el 24 de enero. El álbum se pone a la venta a través de Bella Union, sello asociado a artistas como Beach House, Father John Misty o Susanne Sundfør.
La mención a Father John Misty es oportuna, pues Josh Tillman acaba de lanzar un gran álbum en Bella Union, ‘Mahashmashana‘, y el disco de C Duncan seguirá un estilo similar. Duncan, que recibió una nominación al Mercury Prize por su debut de 2015, ‘Architect’, sabe lo que hace.
Duncan ha llenado ‘It’s Only a Love Song’ de arreglos de cuerda, de sus habituales armonías vocales y de «imágenes embelesadas», y el resultado es un disco, en sus palabras, «descaradamente romántico y un poco antiguo». ‘Delirium’, el segundo avance, es la Canción Del Día para hoy.
Escrita en un estilo americano, ‘Delirium’ es un nuevo banquete de armonías vocales cantadas por los mismísimos ángeles que llevan a eso mismo, al delirio. Mientras «el mundo arde», Duncan se arropa de lujosos coros y violines para escapar -volar- hacia un lugar mejor, aunque no sea verdadero.
Así lo explica Duncan: «‘Delirium, como su nombre indica, trata sobre la confusión y el agotamiento. Habla de encontrar alivio en un estado de delirio. Hay cosas que no se pueden mover ni cambiar, así que por qué no rendirse a ellas, por precarias que sean».
Tras la marejada política del año pasado, con Vox queriendo instrumentalizar el Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) para convertirlo en un certamen de “valores” para “todos los públicos”, las aguas de la edición de 2024 han estado en calma. Solo el pase del documental taurino ‘Tardes de soledad’ levantó alguna que otra ola de indignación extracinematográfica. La estabilidad ha sido tanta que hasta se ha reflejado en el palmarés: ha ganado el de casi siempre, Hong Sang-soo, con ‘By the Stream’. El tercer galardón en nueve años para el prolífico director coreano.
A continuación reseñamos 10 de las películas más destacadas del festival, a las que habría que añadir dos más: las extraordinarias ‘Bird’ y ‘Emilia Pérez’, que reseñaremos coincidiendo con su estreno en salas en las próximas semanas.
‘Tardes de soledad’: ¡ole tus huevos, maestro!
Fue uno de los momentos cumbre del festival. Un teatro Jovellanos a rebosar, antitaurinos recogiendo firmas a la entrada y una parte del público de la sala con pinta de haber ido más veces a Las Ventas que a un festival de cine. Y en medio, Albert Serra, presentando la película y toreando la polémica con bastante gracia. Vista la película, no creo que los taurinos se sientan muy satisfechos. ‘Tardes de soledad’ tiene algo de shockumentary a lo ‘La sangre de las bestias’ (1949). Una mirada frontal, en primer plano, a un espectáculo brutal y completamente anacrónico.
La primera hora es impresionante, tan espectacular como espeluznante. Serra nos coloca como espectadores dentro del ruedo, cara a cara con el toro y el torero (no aparece nadie del público en todo el filme). Es una experiencia inmersiva, visual y sonora, brutal, muy diferente a una retrasmisión televisiva, donde todo se dulcifica. Luego, entre corrida y corrida (que a la quinta ya se hace un poco pesada), vemos la intimidad del torero y su cuadrilla. Lejos de embellecerla, Serra la muestra también en toda su crudeza. Esto es: un grupo de señores diciendo una y otra vez “¡maestro!” y “¡ole tus huevos!” a otro señor vestido con un camisón de hospital tras haber estado a punto de morir. Un sinsentido todo, vamos. 7,5.
‘Mother Vera’: en busca de la redención
Ha sido uno de los grandes descubrimientos de esta edición del festival. ‘Mother Vera’ es un documental muy especial que nace de un libro de fotografías, ‘Ex-Voto’, con el que la británica Alys Tomlinson ganó el Sony World Photography Awards. Una de las fotos que componen el volumen es un bello retrato en blanco y negro de la madre Vera, una monja ortodoxa recluida en un convento de Bielorrusia. A partir de esta imagen, la cineasta Cécile Embleton contactó con Tomlinson para intentar rodar un cortometraje documental sobre esta mujer. La fascinación por la monja fue tal que el corto se transformó en un largometraje.
‘Mother Vera’ sigue el día a día de la monja en el convento y fuera de él, cuando decidió abandonarlo para dedicarse a su pasión: los caballos. Al mismo tiempo que observamos su vida cotidiana, filmada en un estilizado y riguroso blanco y negro que enfatiza la atmósfera y la sensación de espiritualidad que parece emanar del entorno, tanto de los interiores del monasterio iluminados con velas como del paisaje nevado exterior, escuchamos, a modo de confesión, el relato de su pasado, una existencia marcada por los desengaños amorosos, las adicciones, la enfermedad y la criminalidad. Una historia de redención bella y tremenda. 8.
‘Bodegón con fantasmas’: relatos de ultratumba y ganchillo
El costumbrismo manchego de Almodóvar, el surrealismo rural de José Luis Cuerda, la cotidianeidad paranormal de Chema García Ibarra, la caligrafía visual de Kaurismäki, el humor de Juan Cavestany (uno de los productores de la película)… El espíritu de estos cineastas sobrevuela las imágenes del debut en el largometraje de Enrique Buleo.
‘Bodegón con fantasmas’ es una tragicomedia con elementos fantásticos, dividida en cinco episodios independientes pero con elementos –escenarios, personajes- en común. Con un tono a medio camino entre el humor negro, la sátira esperpéntica y el costumbrismo más pintoresco y amable, la película es un divertido, tierno y punzante retrato de la España rural, donde los fantasmas que dan miedo no son los de ultratumba, sino los terrenales: la soledad, la precariedad, la vejez, el desarraigo y el más absoluto aburrimiento. 7,5.
‘When the Light Breaks’: bailar llorando para alejar el dolor
Rúnar Rúnarsson se dio a conocer internacionalmente con ‘Gorriones’ (2015), Concha de Oro en el festival de San Sebastián y cabeza visible de esa explosión del cine islandés que se produjo hace una década con películas como ‘Rams’, ‘De caballos y hombres’, ‘La mujer de la montaña’, ‘Un blanco, blanco día’… Tras haber dirigido el videoclip ‘Glóo’ de Sigur Ros, el director islandés regresa con una nueva película.
‘When the Light Breaks’ es un emotivo drama sobre el duelo y el sufrimiento, sobre cómo se enfrenta un grupo de jóvenes a la inesperada muerte de un amigo y, en el caso de dos chicas, de su pareja y amante secreta. Rúnarsson saca mucho partido dramático de ese conflicto sentimental, ese triángulo amoroso cercenado, pero siguiendo caminos narrativos muy poco convencionales. A destacar la utilización del ‘Odi et Amo’ de Johann Johannsson y la secuencia del baile como forma de exorcizar el dolor con la eurovisiva ‘Hatrid mun sigra’ de Hatari. 7,9.
‘Cuando cae el otoño’: el venenoso talento de Ozon
François Ozon sigue con su ritmo de rodaje de una película al año. En esta ocasión presenta un encantador thriller rural protagonizado por una entrañable abuela septuagenaria (una magnífica Helene Vincent) de un pueblecito de Borgoña. Bajo su apariencia de agradable cozy crime, ‘Cuando cae el otoño’ resulta más retorcida y transgresora de lo que aparenta a simple vista.
Gracias a un guion tan sutil como la caída de una hoja, un brillante uso de la elipsis -con una gestión muy hábil de la información- y unos personajes muy bien dibujados, llenos de capas de ambigüedad, el director francés consigue armar una deliciosa intriga, rebosante de humor muy fino y perverso, que recuerda a los policiacos rurales de Claude Chabrol. Una muestra de la capacidad de Ozon para manejar las expectativas del espectador y llevarle por los caminos menos trillados y moralmente más inesperados. 8,2.
‘Good One’: una caminata incómoda
Una de las películas indies del año. Pero independiente de verdad, no como etiqueta comercial. ‘Good One’, debut en el largometraje de India Donaldson, es un filme minúsculo, modesto en presupuesto (está filmado en 12 días durante una caminata por el bosque con un equipo mínimo) pero gigante en resultados. No en vano se presentó en Sundance, fue seleccionada para Cannes y ha sido nominada en los premios Gotham como Mejor dirección novel y Mejor intérprete revelación.
Siguiendo los pasos de Kelly Reichardt, Donaldson narra una excursión por las montañas de Catskill, en Nueva York, protagonizada por una chica de 17 años, su padre y un amigo de este en plena crisis post divorcio. Narrada desde el punto de vista de ella, la película extrae toda su fuerza dramática de la tensión existente entre el deseo de pasar un buen fin de semana y la creciente incomodidad que surge por el comportamiento de los dos adultos. Un conflicto narrado con sutileza y discreción, en voz baja, pero que resuena tan fuerte como un roble cayendo en el bosque. 8.
‘La luz que imaginamos’: un debut deslumbrante
Fue la gran sorpresa del festival de Cannes de este año. Rodeada del brillo de los cineastas estrella del cine mundial -Coppola, Cronenberg, Lanthimos, Sorrentino– la tímida luz de la debutante (en el largometraje de ficción) Payal Kapadia terminó por deslumbrar a toda la Croisette y acabó llevándose el Gran Premio del Jurado, el segundo en importancia.
Producción mayoritariamente francesa (por eso no compite en los Oscar, ya que Francia ha elegido la extraordinaria ‘Emilia Perez’), pero completamente india desde un punto de vista creativo (esta película es impensable dentro de la industria del cine indio dada su rígida censura), ‘La luz que imaginamos’ es un filme de una delicadeza y una riqueza expresiva asombrosa. Kapadia mezcla el melancólico romanticismo y el poético esteticismo urbano de Wong Kar-wai (gran parte de la historia transcurre en Mumbai) con la crudeza y el verismo de la imagen documental. El resultado es una preciosa historia de amistad femenina, tan punzante en su dimensión sociopolítica como emotiva en la sentimental. Uno de los peliculones del año. 8,5.
‘Una ballena’: fallido noir fantástico a lo ‘Under the Skin’
Había bastante expectación para ver la nueva película en solitario de Pablo Hernando (fue uno de los tres directores de ‘Esa sensación’) tras las buenísimas sensaciones que había dejado, hace ya casi una década, la magnífica ‘Berserker’ (2015). Programada en “prime time” (el sábado en el Jovellanos a las diez), ‘Una ballena’ me dejó tan frío como el ambiente portuario norteño donde se sitúa la historia del filme.
La premisa prometía mucho: una trama criminal con referencias al cine de Jean-Pierre Melville, enmarcada en unas coordenadas estilísticas que remiten al ‘Under the Skin’ de Jonathan Glazer y con elementos fantásticos extraídos de las leyendas marinas. Pero el resultado es bastante irregular. Visualmente es muy atractiva. No hay duda de que Hernando es un cineasta con una mirada muy singular, capaz de componer imágenes muy poderosas desde un punto de vista estético. Sin embargo, dramáticamente no funciona tan bien. A la película le cuesta transmitir todo ese misterio, inquietud y horror cósmico que pretende, así como generar interés por un relato criminal, con contrabandistas (Ramón Barea) y asesinas a sueldo (Ingrid García Jonsson), con poca fuerza. Una pena. 6.
‘Vermiglio’: drama familiar con guerra al fondo
Fue la competidora más dura e inesperada de ‘La habitación de al lado’ en el último festival de Venecia. ‘Vermiglio’ ganó el Leon de Plata y ha sido seleccionada por Italia para los Oscar, por encima de la favorita, ‘Parthenope’, del oscarizado Paolo Sorrentino. Dirigida por la argentina afincada en Italia Maura Delpero, ‘Vermiglio’ parece una película de otro tiempo, una aproximación a la historia de Italia en la tradición de clásicos italianos de los setenta como ‘Novecento’ (1976), ‘Padre padrone’ (1977) y, particularmente, ‘El árbol de los zuecos’ (1978), la obra maestra de Ermanno Olmi.
La película funciona como recreación histórica y antropológica. Por un lado, narra la llegada de un desertor siciliano a una aldea de montaña del Trentino a finales de la Segunda Guerra Mundial y cómo su presencia alterará la existencia de una pequeña comunidad. Por otro, reconstruye la vida de esa comunidad campesina, poniendo el acento en la realidad social y cultural (el filme está hablado en dialecto trentino mezclando actores y lugareños) y adoptando un punto de vista femenino. El resultado es un hermoso y delicado retrato de familia que captura muy bien la intimidad de los personajes a través del uso de la elipsis y el fuera de campo. 8.
‘Generación Xixón Sound’: cuando Gijón era la Seattle española
Nacho Vegas, Pauline en la Playa, Petit Pop, Francisco Nixon, Nosoträsh, Elle Belga, Doctor Explosion, el productor Paco Loco… Cuando uno repasa la nómina de músicos en activo surgidos hace 30 años bajo la etiqueta Xixón Sound, de bandas como Manta Ray, Undershakers o Australian Blonde, es inevitable sorprenderse. ¿Cómo es posible que surgiera este movimiento en una ciudad con apenas un cuarto de millón de habitantes, en una época donde todavía humeaban las calles por los disturbios contra la reconversión industrial?
‘Generación Xixón Sound’ ofrece varias respuestas. Articulado por medio de entrevistas a los protagonistas del fenómeno, así como a periodistas, productores y discográficas que ayudaron a difundirlo y comercializarlo, el documental hace un repaso del movimiento desde diversos puntos de vista, proporcionando varias claves para interpretarlo, contextualizarlo y valorarlo. Aunque sus formas son más televisivas que cinematográficas (de hecho se va a emitir ampliado en forma de docuserie en la televisión del Principado) funciona bastante bien como divulgación histórico-musical y nostálgico retrato generacional. 7.
Durante toda esta década, la venta de libros y Anuarios a través de nuestra tienda online, con lo mejor que nos ha dejado la cultura pop en los últimos años, ha sido fundamental para el mantenimiento de JENESAISPOP. Un site con 18 años de historia que poco a poco fue profesionalizándose, y que poco a poco ha podido ir ampliando su redacción y red de colaboradores.
Cada Anuario son 128 páginas a todo color donde encontráis antes que en ningún otro lado nuestra selección de 75 Discos del Año, 100 Canciones del Año, Top 10 Películas y Top 10 Series, así como otros artículos escritos por la redacción y por nuestro núcleo de colaboradores habituales.
Algunos de los artículos que encontraréis como complemento a las listas del año hay uno sobre la consolidación de las divas pop incluso como cartel de Primavera Sound, los discos más vendidos y populares de 2024, los videoclips clave de este año, la explosión del gore en el cine o las apuestas de 2025. Como curiosidad, revisitamos nuestras listas de hace 10 años. ¿Qué cambiaríamos y qué dejaríamos como estaba?
Recuerda que, como siempre, los gastos de envío son gratis en nuestra tienda a partir de 20 euros aplicando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.
A nadie le cae mal PJ Harvey… a menos que ese alguien sea Courtney Love. La ex integrante de Hole ha hecho unas declaraciones sobre la autora de ‘Rid of Me’ cuanto menos sorprendentes, en las que llama a Harvey «maleducada» por no haberle respondido a una propuesta de colaboración.
Courtney Love tenía a PJ Harvey en mente en el repertorio de su próximo disco en solitario. En concreto, Love proponía a Harvey volver a hacer rock, como en sus inicios, pero es evidente que la autora de ‘Let England Shake‘ (2011) o, últimamente, de ‘I Inside the Old Year Dying‘ (2023), está a otras cosas.
«Pedí a PJ Harvey que volviera a tocar uno de esos riffs icónicos suyos a lo Rolling Stones», ha contado Love a The Standard. «(PJ y yo) tenemos una relación, yo le ha promocionado a lo largo de los años, pero ella decidió no responderme, así que le escribí para comentarle lo maleducada que era». Love cuenta que el mánager de Harvey, Sumit Bothra, intentó «calmar las cosas» con ella, pero insiste en que la actitud de Harvey «no está bien».
A continuación, Love examina los últimos pasos artísticos de PJ Harvey, artista que, según Courtney, «no ha hecho rock en 100 años». Y añade: «Sus primeros cinco discos están bien, pero después se ha metido en una cosa más de arte». Eso sí, a Courtney le gusta una de las composiciones relativamente recientes de Harvey, ‘The Last Living Rose’: le parece «como un poema de John Donne acompañado de, ¿qué coño es eso, una tuba?» En realidad es un trombón.
En la misma entrevista, Love confirma que quienes sí participan en su disco son Michael Stipe y Will Sergeant de Echo and the Bunnymen. Además, asegura que le gustaría trabajar con Kendrick Lamar y que tiene un «crush loco con él». Entre sus colaboraciones soñadas se encuentran también Lana Del Rey y Doja Cat, además de Stormzy, Dr. Dre, Snoop Dogg y Ice Cube.
Hablando de colaboraciones, Courtney Love acaba de aparecer en el disco de 070 Shake, en el tema ‘Song to the Siren’, una versión de This Mortal Coil.
El 1 y 2 de agosto se celebrará en la Península de la Magdalena una nueva edición de Santander Music. Franz Ferdinand, que presenta nuevo disco, es el primer cabeza cartel confirmado, mientras el segundo permanece en secreto.
Entre las confirmaciones de Santander Music llama la atención la de Duncan Dhu, que vuelve a los escenarios pero solo con Mikel Erentxun la frente, sin Diego Vasallo, para celebrar su 40ª aniversario de carrera.
Santander Music anuncia también a Carolina Durante, Ojete Calor, Sexy Zebras, Varry Brava, Alcalá Norte, Niña Polaca, ELYELLA o Me Fritos and the Gimme Cheetos.
La primera tanda de confirmaciones de Santander Music se completa con Veintiuno, Tu Otra Bonita, Mujeres, Hey Kid y Querido.
Las entradas para Santander Music se ponen a la venta el próximo miércoles 27 de noviembre a partir de las 13 horas, en la web del festival.
«El tiempo no me puede tocar» es la frase más sarcástica de la carrera de Father John Misty, y es la que elige para poner fin a su sexto disco, ‘Mahashmashana’: un brillante trabajo sobre la relación de lo divino y lo mundano que apunta constantemente a resolver algunas de las dudas más esenciales de la existencia humana. Las canciones, además, son tan descomunales como los temas que tratan.
‘Pure Comedy’ era el disco más ambicioso de Josh Tillman hasta la fecha. Se trataba de un proyecto que giraba totalmente en torno a los pensamientos del cantante respecto a la sociedad moderna y todos sus recovecos, funcionando más como diatriba que como reflexión. Ahora, en ‘Mahashmashana’, se quita a sí mismo de la ecuación. Más o menos.
El propio FJM cuenta que si ‘Chloë and the Next 20th Century’ era un «experimento sobre lo que ocurre cuando me borro de mi trabajo», este LP se trata de «un trabajo sobre borrarme a mí mismo». De hecho, la canción más autobiográfica del disco, ‘Josh Tillman and The Accidental Dose’, habla sobre cómo casi pierde la cabeza con las microdosis de LSD.
El significado de mahashmashana, del sánscrito, es «gran crematorio». En el hinduismo, la reencarnación es un ciclo infinito y, por lo tanto, indeseable. Se cree que la incineración puede romper este ciclo y ayudar al sujeto a alcanzar el nirvana. Básicamente, lo que Father John Misty está diciendo es que está un poco cansado de estar aquí, de hacer «el baile del cuerpo», como canta en el tema titular.
En este, el artista de 43 años se pregunta si la vida humana es un complot de Dios para «enriquecer a los gilipollas», desafía a la mismísima creación argumentando que «quizás» un día sea capaz de «producir un hombre feliz» y se mofa de la religión, como siempre suele hacer, afirmando que «una mentira perfecta puede vivir para siempre».
‘Chloë’ predijo el camino musical del álbum, con esos arreglos que perseguían el Hollywood dorado, pero este lo eleva a su nivel más maximalista. ‘Mahashmashana’ es una epopeya orquestal de 9 minutos que evoca inmediatamente a las grabaciones de Phil Spector, con una melodía tan clásica como reconfortante, y que esconde nuevos detalles en cada estribillo. Ya es uno de los mejores cortes de su carrera. Tillman ha vuelto a fichar a Drew Erickson (Lana del Rey, Mitski, Weyes Blood…) como arreglista y su música nunca había sonado tan saciante.
El acompañamiento de ‘Mental Health’ es precioso, de crooner puro, y tiene un build up que te coge totalmente desprevenido. A la vez, es una canción que solo FJM podría haber escrito. No es el primero que tiene una opinión así respecto al tema, pero sí es el que mejor lo ha reflejado. Describe la identidad como «una sombra blanca como la leche» y se pregunta si realmente estamos tan mal como nos dicen, asegurando que «la locura es indispensable para el verdadero desempeño del alma».
Sí es verdad que la compresión brutal de tantos instrumentos no funciona tan bien en ‘Screamland’, cuyo estribillo suena un pelín saturado de más, hasta el punto de no saber muy bien qué estás escuchando. El sonido orientado al pop, que seguro que pretendía ser una broma, y el ultra abrupto final, hace que no funcione tan bien como el resto de temas.
‘She Cleans Up’ y ‘Josh Tillman and The Accidental Dose’ también se alejan del estilo clásico y orquestal del resto de canciones. La primera es un banger de rock sucio y salvaje, mientras que la segunda intercala stacattos de violines con una balada de blues. Inevitablemente, recuerda a ‘The Night Josh Tillman Came To Our Apt’, tanto en su título como en sus toques de humor. «Ella puso ‘Astral Weeks’, dijo que le encantaba el jazz y me guiñó un ojo», canta con sorna.
Las preguntas que se hace Tillman durante el disco no desembocan en la religión, en la sociedad, en el capitalismo o en las casualidades. Nada condiciona nuestra existencia tanto como el tiempo, que ni se gana, ni se elige, pero sí se puede perder. En el primer single del disco, ‘I Guess Time Just Makes Fools Of Us All», FJM nos detalla de una forma magistral las diferentes formas que tiene el tiempo de hacernos quedar como unos imbéciles. Empezando por la primera y más importante: desde que nacemos, somos sentenciados a morir. Es una de las muchas verdades universales (e incómodas) que Father John Misty lanza en la canción. «Nuestros cuerpos desnudos van a juicio / Solo por reírnos de la broma», canta en las primeras líneas. Es un tren de pensamiento constante, con un épico acompañamiento de funk y disco. Por eso, cuando en ‘Summer’s Gone’ se arrepiente de haber tirado el tiempo, o de haber deseado que pase, no le queda más remedio que negar lo innegable. Es inevitable. El tiempo nos tocará a todos.
Hace un mes los Pixies sacaron su último disco, por si no lo recordabas. Las comparaciones son odiosas y hace unos 10 años que Kim Deal los abandonó, por lo que suele ser citada más bien por su trabajo en The Breeders, a la postre una influencia en gente como Olivia Rodrigo. Lo decimos nosotros y lo dice la nota de prensa de su sello, 4AD.
Sin embargo, es inevitable recalcar la sorpresa que ha supuesto el tema titular de su nuevo disco en solitario, ’Nobody Loves You More’, álbum que lleva preparando de manera intermitente durante una década. ’Nobody Loves You More’ es la Canción del Día para este martes.
Kim Deal ha escrito un texto sencillísimo, de dedicación hacia alguien a quien queremos decir lo mucho que le queremos. Podría ser un hijo o una persona que deseamos, lo seguro es que solo hay ojos para ella: “no sé dónde estoy, y no me importa / Una mirada hacia ti y olvido por qué estoy aquí”.
Lo mejor son los arreglos. En el vídeo, también muy simple pero muy vistoso, los instrumentos logran aparecer recalcados incluso sin aparecer. Kim Deal sale tocando la guitarra eléctrica de este tema que ha producido ella misma, en mitad de la nada. Solo océano la rodea…
… Y cuando entran los arreglos de orquesta más expansivos, que ya han recibido comparaciones con John Barry o Dusty Springfield -aunque hay que hablar de su inclinación latina, entre Brasil y México-, ella suelta la guitarra tan solo para retomarla después. Una preciosidad sobre la que lo mejor que se puede decir es que puede inspirar en el futuro los trabajos adultos de los jóvenes artistas de hoy.
La influencia de ‘Not Like Us’, el “diss track” que Kendrick Lamar ha dedicado a Drake, no se ha dirimido, todavía puede dar más de sí. Y ahora es gracias al mismísimo Drake, a quien se le ha ocurrido poner una denuncia contra Universal y Spotify en un juzgado de Manhattan, con esta canción como objeto.
El canadiense acusa de Universal de cobrar una licencia reducida a Spotify a cambio de que esta plataforma recomendara ‘Not Like Us’ a los usuarios, pese a que estos hubieran buscado artistas y canciones no relacionados. También les acusa de pagar a influencers por promocionar el tema en redes sociales, y de contratar bots para aumentar fraudulentamente los streams de la canción.
Drake intentó previamente llegar a un acuerdo con Universal, que además es su distribuidora, pues es propietaria de Republic Records, pero siempre según su relato, Universal trató de ocultar la irregularidad, e incluso habría despedido a empleados leales a Drake.
Como recoge Billboard, Universal ha negado la acusación. “La sugerencia de que Universal haría cualquier cosa para socavar a uno de sus artistas es ofensiva y falsa. Empleamos las prácticas éticas más estrictas en campañas de márketing y promoción. Ninguna cantidad de argumentos legales artificiales y absurdos en esta presentación previa puede ocultar que los fanáticos eligen la música que quieren escuchar”.
Como ya hemos comentado en la lista de singles de la semana, ocupada por Rauw Alejandro casi al 20%, su nuevo disco ‘Cosa nostra’ es número 1 en España. Además es top 4 en vinilos.
Su principal víctima es Linkin Park, que tienen que conformarse con el número 2 en nuestro país. ‘From Zero‘, el primer trabajo del grupo sin Chester Bennington y con nueva cantante, Emily Armstrong, está siendo un éxito absoluto. El disco ha sido número 1 en Reino Unido, Alemania, Italia, Francia, Canadá o Australia, entre otros territorios. También ha alcanzado el puesto 2 en Estados Unidos. Se estiman más de 300.000 unidades vendidas en la primera semana en todo el mundo, por lo que no se van a alcanzar los millones de copias de sus tres primeros álbumes, pero son cifras muy buenas para los tiempos que corren.
El top 10 está lleno de novedades españolas, entre las que encontramos de todo: discos navideños, reediciones, álbumes en directo y también alguna novedad propiamente dicha: ‘Todo es posible en Navidad’ de David Bisbal entra en el número 3; Ruslana llega al top 4 con ‘Génesis’; Los Planetas cuelan ‘Súper 8’ en el número 5; Fangoria su directo ‘ATP-ATL’ en el puesto 6 y Pastora Soler ’30’ en el número 7. Entre todos ellos, Los Planetas tienen el mérito de conseguir el vinilo más vendido de la semana.
Las novedades en el top 10 se cierran con Shawn Mendes, que ha llevado ‘Shawn‘ al número 10. El disco acústico del artista está obteniendo resultados muy modestos, pues tan solo ha llegado al puesto 22 en Reino Unido y al puesto 26 en Estados Unidos. Él estaba acostumbrado a mucho más, si bien hay que preguntarse si ganará otro tipo de público con un trabajo tan confesional.
En este contexto, Sen Senra tiene que conformare con una entrada también modesta. ‘PO2054AZ (VOL. II)‘ llega tan solo al puesto 22. El Volumen 1 había llegado al número 5 y ‘Sensaciones’, al número 6. Veremos cómo sobrevive a la Navidad.
Las entradas se completan con ‘Sangre de cobarde’ de Salma en el número 14, ‘Happy’ de Jin en el puesto 18, ‘Enrique Urquijo y Los Problemas’ en el 28, ‘Poweslave’ de Iron Maiden en el 30 y ‘Living in the Material World’ de George Harrison en el número 73.
Lana Del Rey ha anunciado que su nuevo disco, ‘The Right Person Will Stay’, el décimo de su carrera, saldrá el próximo 21 de mayo. El título anunciado inicialmente, ‘Lasso’, era provisional. Lana revela que ‘The Right Person Will Stay’ se compondrá de 13 cortes, entre los cuales se incluye ‘Henry, Come On‘, un tema avanzado en enero. Lana no ha confirmado si ‘Tough‘ con Quavo formará parte de este disco que ha trabajado con Jack Antonoff, Luke Laird y Drew Erickson, entre otros.
El lanzamiento del nuevo álbum de Lana Del Rey se había retrasado porque Lana ha repensado su sonido, que será más «gótico sureño» que finalmente country. Curiosamente, la primera artista que anticipó la moda country de 2024 ha decidido cambiar de rumbo. Aún así, Lana ha confirmado que lanzará dos singles de este nuevo trabajo antes de que acabe el año.
En el día de hoy, Lana Del Rey ha anunciado, también, su primera gira de estadios en 2025, de momento centrada en Reino Unido e Irlanda. Las fechas anunciadas son el 23 de junio en el Principality Stadium de Cardiff, el 26 de junio en el Hampden Park de Glasgow, el 28 de junio el Anfield Stadium de Liverpool, el 30 de junio en el Aviva Stadium de Dublín y el 3 de julio en el Wembley Stadium de Londres. El aforo de todos estos recintos se sitúa entre los 50.000 y los 90.000 asistentes.
Se desconoce si la gira de Lana Del Rey de 2025 pasará por España. Sin embargo, es evidente que la escalada a estadios de Elizabeth Grant supone un punto de inflexión para la artista neoyorquina, que ha solido actuar en arenas, teatros y festivales, entre otros recintos de menor tamaño.
Lana Del Rey, constantemente de gira por todo el mundo, actuó en España en 2023 como cabeza de cartel de Primavera Sound. En el festival barcelonés, Del Rey presentó su noveno álbum, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, el 5º mejor disco de 2023 para la redacción de JENESAISPOP. Después, Lana anunció de manera improvisada una serie de conciertos en Europa.
Rigoberta Bandini ha anunciado la gira de presentación de ‘Jesucrista Superstar‘, su segundo disco, que se pone a la venta en 2025. El Jesucrista Superstar Tour pasará por recintos grandes de 10 ciudades españolas en verano de 2025, siendo las urbes elegidas Sevilla, Bilbao, Pamplona, Málaga, Zaragoza, A Coruña, Barcelona, Murcia, Valencia y Madrid.
La venta general de entradas para el Jesucrista Superstar Tour comenzará el jueves 28 de noviembre a partir de las 13 horas, pero habrá una preventa de entradas para suscriptores a la newsletter de la artista. Rigoberta Bandini ha visitado este lunes ‘La Revuelta’, donde con la colaboración de un invitado del público se ha dado un código de preventa: MANOLOCADIZ. Los tickets se pueden adquirir a través de lasttour.org. JENESAISPOP es medio colaborador de la gira.
En concreto, Rigoberta presentará ‘Jesucrista Superstar’ el 31 de mayo en Sevilla en el Icónica Santalucía Sevilla Fest, el 6 de junio en Bilbao en el Bizkaia Arena – BEC!, el 7 de junio en Pamplona en el Navarra Arena, el 20 de junio en Zaragoza en el Pabellón Príncipe Felipe, el 21 de junio en A Coruña en el Coliseum, el 28 de junio en Barcelona en el Palau Sant Jordi, el 4 de julio en Murcia en el Espacio Norte, el 5 de julio en Valencia en el Estadio Ciutat de València, el 16 de julio en Madrid en el WiZink Center y el 18 de julio en Málaga en el Selvatic Málaga Fest.
Durante su visita a ‘La Revuelta’, Rigoberta Bandini ha interpretado una parte del tema ‘Pamela Anderson’ y ha respondido a las preguntas típicas. Paula Ribó se puso a follar 30 días antes de acudir al programa, solo para fardar. Sin embargo, después se cambió la fecha de emisión y además se dio cuenta de que el sexo le empezaba a parecer estomagante en lugar de cada vez más estimulante.
De ‘Jesucrista Superstar’ se conocen ya dos singles, ‘Pamela Anderson‘ y ‘Si muriera mañana‘. El tracklist definitivo no se ha revelado todavía.
Rels B ha comentado en los conciertos de festivales de este verano, por ejemplo en Mallorca Live, que no estábamos viendo exactamente el montaje de su nuevo tour. Eso se guardaba sobre todo para 2025 y al fin conocemos los detalles.
El artista estará presentando lógicamente las canciones de ‘a new star (1 9 9 3)’. Además, lo que se anuncia hoy no son solo las fechas de Madrid y Barcelona, sino hasta 15 shows repartidos por una decena de países. La nota de prensa promete que «Rels B se embarca en su tour más ambicioso hasta la fecha».
En España actuará el 1 de marzo en el WiZink Center de Madrid y el 8 de marzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas se ponen a la venta el miércoles 27 de noviembre a las 11h en Livenation.es y Ticketmaster, con una preventa en Live Nation a partir del martes 26 de noviembre a las 11h. Los precios son desde 30 euros, más gastos de distribución.
Como veis en la imagen promocional, los conciertos incluyen visitas a Argentina, Chile, Perú, Ecuador, Colombia, México, Guatemala, Costa Rica y El Salvador. Os dejamos con uno de sus últimos hits, ‘La vida sin ti’, junto a Lia Kali.
Las listas oficiales de la semana en España tienen un claro ganador. Rauw Alejandro es el nuevo número 1 de Discos en unos días muy competitivos, en los que numerosos álbumes han llegado al top 10. Pero es él el ganador con ‘Cosa nuestra’, que se sitúa en el número 1 de manera directa. Además, es número 4 en la tabla de vinilos, prueba de que su música también interesa en este formato.
Por otro lado, también es número 1 de Singles con su dúo junto a Bad Bunny, ‘Qué pasaría…’. Rauw suma un total de 18 temas en el top 100 español, de los cuales 16 proceden de su nuevo disco. Los 2 restantes son más antiguos. ‘Cosa nuestra’ tiene a su vez también 18 pistas, lo cual quiere decir que todas han llegado al top 100 excepto ‘Touching the Sky’ y ‘SEXXXMACHINE’.
Así queda el top 100 de Singles en España, en lo que a Rauw Alejandro respecta, destacando el buen funcionamiento de la recuperación de ‘Se fue’ de Laura Pausini, así como las colaboraciones con Romeo Santos y Feid:
1.-Qué pasaría…, con Bad Bunny
5.-Se fue, con Laura Pausini
8.-Khé, con Romeo Santos
14.-Tú con él
15.-Revolú, con Feid
24.-Déjame entrar (re-entrada)
26.-Ni me conozco
28.-Espresso Martini, con Marconi Impara, Yan Block
36.-Baja p’a acá, con Alexis y Fido
38.-Cosa nuestra
39.-Commited, Pharrell Williams
45.-Amar de nuevo
57.-Mil mujeres
59.-Il capo
65.-Pasaporte, con Mr Naisgai
84.-2:12 AM, con Latin Mafia
—
27.-Santa, con Rvssian y Ayra Starr (colaboración)
88.-Diluvio (42 semanas en lista).
El disco de Rauw Alejandro ha dejado poco margen para otras entradas en la lista de canciones, pero sí hay una más. ‘Deportivo’ de Blessd y Anuel AA llega al puesto 32. Por otro lado, ‘Se pone las Nike’ de Cano es la subida más fuerte estos días, al pasar del puesto 10 al puesto 7.
Michael Kiwanuka debió vender millones con ‘KIWANUKA’, su tercer disco. Al menos, la mitad de los que vendió ‘30’ de Adele, otro trabajo producido por el renovador del soul Inflo (la mención no es casual, Adele ha declarado ser seguidora de Kiwanuka en alguna ocasión). ‘KIWANUKA’, publicado en 2019, valió a Michael el preciado Mercury Prize, pero no llevó al autor de ‘Cold Little Heart’ a los grandes escenarios del mundo. Para un artista reservado y tímido como él, quizá era lo mejor que podía pasar.
Un lustro después llega ‘Small Changes’, un álbum igual de “reservado y tímido” que su autor. El título parece una declaración de intenciones: son pocos, muy pocos los cambios que encontramos en él respecto a la obra previa de Kiwanuka. Simplemente, esta vez las canciones son más modestas. Demasiado.
Cuenta Kiwanuka que ‘Small Changes’ es un álbum inspirado en su paternidad (a su vida han llegado dos hijos) y en su mudanza fuera de Londres. Las letras plantean un escenario de amor incondicional a pesar de los conflictos conyugales: “aunque te lo hago pasar mal, estás dispuesta a quedarte”, canta el británico en ‘The Rest of Me’.
El ánimo de melodías y letras -como de costumbre- es decaído y, en ‘Live for Your Love’, Kiwanuka canta que «todos sus sueños están desapareciendo”. El single ‘Floating Parade’, sin ir más lejos, es una metáfora del escapismo. Pero a Kiwanuka le queda el amor, y las promesas de amor eterno se suceden a lo largo del álbum, como en la bella ‘One and Only’: “nunca te diré adiós, siempre estaré contigo”.
Junto a Inflo, por supuesto también Danger Mouse y una gran banda de músicos, la cual incluye una orquesta, Kiwanuka diseña un repertorio que “huye de lo cool” y aspira a equipararse a grandes obras de “Bill Withers o Sade”. La ambición, en este caso, se queda corta a pesar de los esfuerzos de Kiwanuka por hacer cosquillas a las emociones sobre todo mediante el uso de cuerdas, por ejemplo en el single ‘Rebel Soul’, otra de sus composiciones con ecos a los últimos Radiohead, o en la segunda parte de ‘Lowdown’.
Arreglos, producción e ingeniería de sonido de ‘Small Changes’ vuelven a ser exquisitos y Kiwanuka se vale de guitarras eléctricas, cuerdas, vientos y baterías secas de estilo setentero para vestir unas canciones que suenan especialmente maduras y serenas. Sobre todo relucen
‘Floating Parade’ o el smooth-pop-soul de ‘The Rest of Me’. ‘One and Only’ es otra emocionante composición de Michael que, con guitarras, cuerdas y coros, sabe dejar huella.
Sin embargo, ‘Small Changes’ termina muy pronto hipnotizado por su propia calma. El trémolo de las guitarras de ‘Small Changes’ -la pista 2- evoca la época de gloria de Portishead -aunque en clave orgánica- pero Kiwanuka no entrega una canción tan emocionante como las de ‘Dummy’ (1994). Las baladas se convierten en nanas en ‘Live for Your Love’ o ‘Stay By My Side’ y la pista final, ‘Four Long Years’, aparentemente una canción de ruptura, no es el gran cierre que Kiwanuka ha sabido escribir en el pasado.
Solo un sintetizador de textura vintage en ‘Follow Your Dreams’ imagina un camino diferente para el disco, pero Kiwanuka nunca decide tomarlo de manera radical. Puestos a apurar se podría comentar la influencia de Bob Dylan en la primera parte de ‘Lowdown’. Pero, al final, el camino que toma ‘Small Changes’ es uno seguro y poco arriesgado. Cinco años después, quizá era el momento para Kiwanuka de ofrecer algo diferente pero, en ‘Small Changes’, el autor de ‘I’m Getting Ready‘ suena adormilado y poco inspirado.
El Festival Internacional de Benicàssim ha anunciado la primera tanda de nombres de su edición de 2025. The Black Keys y 30 Seconds to Mars se encuentran entre los primeros cabezas de cartel claros junto a Residente o Bloc Party. El festival se celebra del 17 al 19 de julio.
También están confirmados Olly Alexander, CA7RIEL & Paco Amoroso o Tom Meighan entre los nombres internacionales. Y, entre los nacionales, caben grandes nombres como Viva Suecia, Iván Ferreiro, Love of Lesbian, La Casa Azul, Ojete Calor, Miss Caffeina y Shinova y estrellas emergentes como Judeline.
Entre los nuevos talentos por los que apuesta el FIB el año que viene se encuentran shego, Barry B, Margarita Quebrada o Mala Gestión.
Completan la tanda de confirmaciones Kakkmaddafakka, Ginebras, Siloé, Samantha Hudson, Soft Play, Califato 3/4, Ella Eyre, La Élite, ELYELLA, La Habitación Roja, Hinds, DILLOM, Chica Sobresalto y Los Punsetes. Próximamente se anunciarán más nombres.
Los abonos para el FIB se ponen a la venta el próximo 4 de diciembre a un precio de 44,99 euros, gastos de distribución incluidos.
Desde 2011 ha sido imposible referirse al tipo de synth-pop nocturno que imagina largos viajes en coche y paisajes de luces de neón sin mencionar la palabra ‘Drive’ (2011). La película y, especialmente, su banda sonora, han sido lo suficientemente influyentes como para guiar la carrera del mismísimo The Weeknd y para popularizar todo un movimiento musical llamado synthwave. Aquella banda sonora contenía composiciones de Cliff Martinez y canciones, desde entonces, tan famosas como ‘Tick of the Clock’ de Chromatics, ‘Nightcall’ de Kavinsky o ‘Under the Spell’ de Desire, todas entregadas a la magia y el misterio de la noche. La aparición de Chromatics en un episodio de la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ (2017) no podía ser más simbólica.
Imágenes de ‘Twin Peaks’, eso sí, de las temporadas clásicas de los noventa, se proyectan en la pantalla de la gira Games People Play de Desire, el dúo formado por Megan Louise y Johnny Jewel (ex Glass Candy y Chromatics) que este fin de semana ha recaído en España. En Barcelona, el concierto de Desire celebrado en la Sala Apolo, dentro de la programación de Nitsa, ha arrancado a una hora también simbólica, la una y media de la madrugada. ¿A qué hora si no cobraría vida esta música sumida en el enigma de lo nocturno?
Pero, casualmente, el directo de Desire, además de misterioso, también es divertido. Las canciones, como ‘Black Latex’ o ‘If I Can’t Hold You’, hablan de largos viajes en coche y de bailar toda la noche y, sobre todo, esperan enamoradas la llamada de la persona amada, entregadas a sus irresistibles grooves synth-pop y noir. En otras palabras, expresan un sentir rabiosamente adolescente… un sentir que Desire lleva a la autoparodia, en vivo, de diversas maneras.
Por ejemplo, Desire simula una conversación por teléfono usando sobre el escenario un teléfono antiguo de ruleta. En otro punto del show, Megan baila mientras sujeta una cabeza de calavera con las manos, porque el cine giallo también es una influencia del sello Italians Do it Better. En todo momento, a Megan se le dibuja una sonrisa en la cara. Contenta, canta y baila para el entregado público, mientras su tecladista a su derecha, y Johnny Jewel a su izquierda, se muestran estoicos.
Jordi Pérez (Redporteros)
Al final del set, justo antes del bis, Megan entrega flores al público, como celebrando su propio funeral. Megan entierra su corazón, pero ella seguirá bailando hasta que el cuerpo aguante: el concierto termina con el house-pop de ‘Drama Queen’, una canción tan inspirada en el ‘Vogue’ de Madonna que ni se molesta en disimularlo. En todo caso, el concierto acaba bien arriba.
Jewel hace la vez de animador en algún punto del show, invitando a dar palmas y, en otro momento de la noche, Megan y Johnny expresan complicidad simulando que se “disparan” el uno al otro. Pero Jewel permanece en casi todo momento agazapado, y pasaría desapercibido si su cazadora negra no tuviera pegados más pinchos que un erizo. En contraste, Megan viste croptop de color rojo cereza y falda negra, y remata su look con un lacito rojo: parece Audrey Horne en estilo otaku, reforzando el componente adolescente de su personaje. Un componente presente también en el maquillaje de lágrimas negras de Jewel.
En el repertorio de Games People Play Tour se suceden temas antiguos como ‘Don’t Call’ -con esa genial y dramática producción que tanto se crece en directo- y otros nuevos todavía inéditos que siguen pegados a la pista de baile. De hecho, no se puede decir que ‘Under Your Spell’ represente el clímax de un concierto que sabe pasar del puro anhelo de ‘Darkside’ a la euforia mecanizada de ‘Silver Machine’. En medio a Desire le cabe una acertada versión de ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order que no desentona tanto en el setlist como podría parecer.
Alhambra Monkey Week ha celebrado una nueva edición en Sevilla, reuniendo de nuevo a artistas, promotores, periodistas y otras personalidades de la industria musical, además de por supuesto al público. Como feria musical, la Monkey ofrece charlas durante el día en el Espacio Santa Clara, al tiempo que conciertos y sesiones de dj hasta bien entrada la madrugada en distintos puntos de la ciudad.
Esto se traduce en que a las 10 de la mañana puedes estar en una conferencia sobre el respeto a los consumidores en los festivales, con un representante del Ministerio de Cultura, otro de la Junta de Andalucía y otro de algún evento; y a las 5 de la madrugada dándolo todo en una de las tres salas contiguas en que se programan sesiones: la Sala X, la Sala Even y La 2. Todo ello si el ayuntamiento no hace la vida imposible a la organización limitando decibelios en el último minuto, de manera que tengas que reestructurar programación y horarios sobre la marcha.
Entre las charlas más enriquecedoras, la que se programó sobre Igualdad, con una campaña de información contra el acoso «No en mi festi», que se va a llevar a espacios como Tomavistas; y entre las más entretenidas, la de jóvenes productores, protagonizada por Ganges, que viene de hacer uno de los discos del año; Roy Borland y Mon Dvy.
Entrevistados por Rubén Gutiérrez, director de Fundación SGAE, los tres hablaron sobre la conveniencia de trabajar con gente con quien realmente conectes en el estudio, en contraposición a los obligados campamentos de composición, y sobre la importancia de alejarse del mundanal ruido. Tanto Roy Borland como Mon Dvy han huido de la gran ciudad: el primero vive en medio de la naturaleza y ya solo produce a 6 artistas de su confianza, y Mon Dvy ha dejado atrás Madrid para volver a su pueblo de Navarra. Allí vive en una casa donde escribe en la luminosa primera planta y produce en la baja, más oscura. Como curiosidad, Roy Borland defendió a Joan Manel Serrat como el artista español más importante de todos los tiempos, y la inexistencia de alguien así a día de hoy: inesperada reivindicación en una charla que venía para poner en valor a los jóvenes creadores.
Los periodistas musicales tuvimos ocasión de defender nuestra posición en dos charlas: una sobre la diversificación de ingresos de los últimos años (las pasarelas de pago en Rockdelux y Mondosonoro, las editoriales de libros de Muzikalia, los podcasts patrocinados); y otra sobre nuevos divulgadores de contenidos en redes sociales. Arturo Paniagua, Blanquinni y Oski hablaron sobre las mejores horas para publicar vídeos en Instagram y TikTok o sobre la conveniencia de la palabra «influencer». Oski recordó a los críticos de la vieja escuela que él también ha estudiado Periodismo, mientras Blanquinni rechazó la etiqueta «creadora de contenido» en favor de «divulgadora».
La sobredosis de información, de encuentros con personalidades de la industria con quien cambias mails todo el año, pero solo ves cada muchos meses en eventos como este, y el agotamiento físico después de tantas horas de arriba para abajo por toda Sevilla provoca que no siempre los conciertos estén en primer plano. Pero hubo una serie de artistas que despertaron todo el hype casi por unanimidad y fueron dos flamencos.
Mauri Buhigas (Monkey Week)
Yerai Cortés, programado en Monkey Week desde antes de todo el revuelo vivido en San Sebastián por el documental que le ha dedicado -a él y a la historia su familia- C. Tangana, inauguró los conciertos del jueves. Cortés optó por un show muy teatral, en el que, vestido de negro, se acompañó únicamente de media docena de mujeres todas vestidas de blanco, y por supuesto de su inseparable guitarra. El show comenzó con las voces a capella y algún taconeo. Por el contrario, hubo momentos de extrema belleza en los que solo se oía la guitarra de Yerai llevándote a sitios, mientras ellas guardaban estricto silencio. Se oyeron muchos «oles» desde el respetable mientras los artistas se arrancaban por bulerías, sobre todo. Sí hay algo de margen de mejora en el uso de la iluminación y en el dinamismo del repertorio.
En el mismo escenario del Teatro Central tocaba el día siguiente Ángeles Toledano, igualmente precedida de un silencio sepulcral. Cuando este se rompía, alguien mandaba incluso callar. El concierto empezó con la artista en solitario, a oscuras, y aporreando un sample. Después se le unió una banda con la que fue desgranando canciones de su disco ‘SANGRE SUCIA’, a destacar ‘MAMÁ, TENÍAS RAZÓN‘ en el último tramo. Entre las sorpresas que agilizaron su show, la colaboración de Dalila, a la que se presentó como «pionera de la identidad andaluza» pero en realidad protagonizó más bien un drum&bass; o la versión de Las Grecas de la que extrañamente se proyectó la letra, por accidente o no. En cualquier caso, una gozada que alguien seleccionara un tema de Las Grecas que no fuera ‘Te estoy amando locamente’. La elección de Ángeles Toledano fue ‘Qué bonito aquella noche’.
Javier Rosa (Monkey Week)
Hay que puntualizar que este espacio del Teatro Central era una carpa con forma de circo, y entre quienes mayor afluencia y entusiasmo despertaron en este marco, quienes mejor encajaban en este espacio festivo que al fin y al cabo tampoco era un teatro, fueron Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Fue uno de los shows más enérgicos, más propicios para el crowdsurfing -que se dio- y en el que los solos de guitarra eléctrica rugieron más alto. Se notaba que 1) jugaban en casa y 2) han sido número 1 en España este año.
El Escenario Jägermeister, contiguo y dispuesto en horas alternativas al Central, acogió como es habitual propuestas underground en general de artistas noveles y emergentes. Fue el caso el jueves de Brama, psicodelia hipnotizante de largos pasajes instrumentales; o el viernes de Ciutat, precioso R&B pasado por el filtro del Autotune, con el que los catalanes defendieron temas como ‘Nadie sabe’ o ‘Justo al otro lado’, este último dedicado a una novia y hermana de dos de los miembros, que ha marchado a Australia. En otras ocasiones, el grupo presentó una visión más discotequera y próxima a Daft Punk o The Field. Pero el «vibe» de ‘Una vez más’ no es el predominante en su set, en general orquestado por medios tiempos. Al fin y al cabo, les habían programado a las cinco de la tarde.
Al otro lado del río, en horario de club, Queralt Lahoz dio uno de los conciertos más vistosos de los presenciados en las tres salas contiguas, a cual más abarrotada. No hay duda de que la evolución de la cantante ha sido considerable desde que la conocimos más bien apegada al R&B, y en su repertorio ya encontramos restos de Cuba, son, reggae, electrónica noventera y por supuesto flamenco. La cantante, que acaba de sacar single, afirmó estar cerrando una etapa y el año que viene se abrirá otra excitante que incluirá nuevo trabajo.
Por Monkey Week pasan propuestas tan personales como las de Yeli Yeli o Barry B, con un disco recién salido, variado y desapegado de cualquier género que no dispuso del mejor sonido en la Sala X. Por el contrario, con mucho menos hype, Atención Tsunami hicieron entender todas sus letras perfectamente, convirtiendo temas como ‘Potencial’ en una celebración colectiva.
Un día después y en las antípodas estilísticas, Teo Lucadamo provocaba cola para entrar en la Sala Malandar, a 20 minutos andando de las otras tres. La mezcla de público a las puertas era tal que alguien se quejó a viva voz de toda la gente «mayor de 30 años» que iba a ver tal concierto. «Mi abuela es más joven que todos estos», exclamó. Teo Lucadamo, en cambio, se mostró agradecido de toda la gente de la industria que le había ido a ver, y bromeó sobre los posibles A&R de la sala. Portando una camiseta de Carolina Durante, interpretó éxitos como ‘Ritmo’, así como otras canciones de considerable personalidad en las que habla sobre Taburete, repite que «se lo monta que te cagas» o simplemente «que tiene calor». Ganchos que hacen de su repertorio uno de los más divertidos y amenos que se vieron en Monkey Week.
Oklou, la cantante y productora francesa que ha propuesto una manera diferente de entender el hyperpop, despojándolo de agresividad para dotarlo de pura ternura y melodía, en una serie de canciones que parecen nanas del futuro, ha anunciado que su nuevo disco, ‘choke enough’, se pondrá a la venta el 7 de febrero.
El que se considera el debut oficial de Marylou Mayniel tras darse a conocer en 2020 con el sobresaliente mixtape ‘Galore’, y tras colaborar con Dua Lipa en un remix de ‘Fever’, incluirá los singles ‘family and friends‘, ‘obvious’, ‘harvest sky’ y ‘choke enough’, y colaboraciones con underscores en ‘harvest sky’ y con Bladee en ‘take me by the hand’.
Oklou presentará ‘choke enough’ en Barcelona de mano de Primavera Sound, Caprichos de Apolo y MUTEK. La fecha es el 11 de marzo en Sala Apolo. Las entradas se ponen a la venta en Fever a partir de hoy 25 de noviembre a las 10 horas a un precio de 25 euros + gastos.
La cantante de folk japonesa Ichiko Aoba, muy conocida por sus ensoñadoras composiciones a la guitarra acústica, como ‘Asleep Among Endives’ o ‘Parfum d’étoiles’, ha anunciado que su nuevo disco verá la luz el 28 de febrero. Y de luz va la cosa, porque el disco se titula ‘Luminescent Creatures’ y se inspira en la fauna abisal, en esos organismos bioluminiscentes que viven en las aguas más profundas del planeta.
Para componer ‘Luminescent Creatures’, Ichiko Aoba visitó el archipiélago japonés de Ryukyu y se sumergió en sus aguas. Entonces, la cantante «empezó a darse cuenta de que la forma de los arrecifes de coral cambiaba con el tiempo, de cómo podrían verse afectados por el clima y de cómo el cambio climático podría afectar incluso a lugares remotos».
En cuanto al concepto de ‘Luminescent Creatures’, Ichiko Aoba explica que concibe el disco como una continuación del anterior, ‘Windswept Adan’. Era aquel álbum la «banda sonora de una película imaginaria sobre una niña que viaja desde su casa a la fantástica isla de Adan» (la música de Aoba se inspira en las películas de Disney y Studio Ghibli). En ‘Luminescent Creatures’, Aoba se pregunta «qué pasaría después de que la protagonista de ‘Windswept Adan’ desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla».
‘Lucifèrine’, el primer avance de ‘Luminescent Creatures’, es una nueva muestra del acercamiento de Ichiko Aoaba a los sonidos orquestales propios de la banda sonora. En ‘Lucifèrine’, pianos y cuerdas crean una emocionante fantasía de danza submarina a la que Ichiko Aoba se une como un personaje (o un pez) más, casi como -efectivamente- en una película de Disney. En la letra, Ichiko canta que «dentro de cada uno de nosotros hay un lugar para que duerman nuestras estrellas».
En 2025, Ichiko Aoba se embarcará en la gira mundial de ‘Luminescent Creatures’, una gira que pasará por España. Las fechas son el 10 de marzo en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia. Las entradas están disponibles.
