Róisín Murphy es el nuevo top 1 de JENESAISPOP tras los persistentes votos de sus seguidores, volcados con ella tras sus polémicos tuits por la falta de apoyo de medios. Esta semana hay varias entradas, destacando la de Anja Garbarek al top 3, la de Javiera Mena al número 8 y la de Empress Of al top 10. También damos la bienvenida a los temas de LOONA, Disclosure, Death Cab for Cutie, Art Brut, Dounia, Emma Louise y Ximena Sariñana. Toca a su vez decir adiós a varios temas que cumplen 10 semanas o más en la mitad baja de la tabla. Son tan viejos conocidos como ‘No Tears Left to Cry’, ‘Accelerate’, ‘Dance to This’, ‘Bien duro’ y ‘Apeshit’, es decir varias de las canciones del año que quieren ya dejar paso a otras nuevas. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
A finales del pasado año una periodista de The Guardian planteaba si era razonable que Sia huyera de la fama haciendo a su vez famosa a la niña bailarina –ya adolescente– Maddie Ziegler. Sia respondía en Twitter que era algo que también se planteaba constantemente y que, si bien ya era famosa cuando comenzó a trabajar con ella en el vídeo de ‘Chandelier’ –luego siguieron algunos más, además de actuaciones en televisión–, se sentía responsable de su mayor exposición pública.
Pero Sia concluía que consultaba con ella absolutamente todo y que el día que ella quisiera parar, pararía. El caso es que deducimos que Maddie, como decía la artista australiana, sigue sin querer parar, porque de nuevo la encontramos “siendo” Sia –o algo parecido– en el fantástico vídeo oficial de ‘Thunderclouds’, el estupendo último single de LSD, proyecto que une a Labrinth, Sia y Diplo y que, según parece, publicarán un álbum en breve.
El vídeo es obra del barcelonés Ernest Desumbila y la productora sauvage.tv, caracterizados por el empleo de animación e imagen real. Además de numerosos anuncios televisivos muy conocidos, Desumbila ha dirigido clips de The Sound of Arrows, La Bien Querida, Klein, Dellafuente… o ‘Audio’, de los propios LSD. En el caso de ‘Thunderclouds’, se presenta un mundo mágico que por momentos recuerda a los inicios de ‘Bola de Dragón’ o similar, con Labrinth como un personaje místico a lomos de una nube voladora y Diplo conduciendo una furgoneta voladora sobre la que Maddie Ziegler baila con la característica media melena de Sia (aunque, en algún fragmento del clip, un títere parece “ser” ese personaje).
Según ha confirmado el propio grupo australiano en sus redes sociales, Conway Savage, que fuera miembro de Nick Cave & The Bad Seeds durante casi 3 décadas (se incorporó al grupo australiano en el año 1990, para la promoción de ‘The Good Son’), ha fallecido a la edad de 58 años. El año pasado le fue diagnosticado un tumor cerebral del que fue operado.
Como decíamos, Cave y su grupo han confirmado que Savage fallecía en la tarde de ayer domingo, 2 de septiembre, en un comunicado muy emocionante firmado por el propio Cave –que, recordemos, perdió a uno de sus hijos adolescentes años atrás y a él dedicaba su últimas obras–: «Nuestro amado Conway murió en la tarde del domingo. Miembro de los Bad Seeds durante casi 30 años, Conway fue el hilo anárquico que recorría las actuaciones en directo del grupo. Fue muy querido por todos, miembros de la banda y fans. Irascible, divertido, aterrador, sentimental, de corazón cálido, gentil, sarcástico, honesto, auténtico… Él era todo eso y casi literalmente «estaba dotado con una voz dorada», alta y dulce, empapada de soul. En una noche de alcohol, a las 4 de la mañana, en un hotel bar en Colonia, Conway se sentó al piano y cantó para nosotros ‘Streets of Laredo’, con su dulce, melancólico estilo y paró el mundo por un momento. No quedó un solo ojo seco en el lugar. Adiós Conway, no queda un solo ojo seco en casa. Te queremos, Nick y los Bad Seeds…»
Conway Savage nació en Victoria en 1960, y desde principios de los 80 participó como pianista y teclista en diversos grupos underground australianos con otro ilustre músico de su generación, Jim White. También grabó para artistas como Kim Salmon o Robert Forster (The Go-Betweens), e inició su carrera en solitario (que después sólo retomaría esporádicamente o como dúo junto a la cantautora Suzie Higgie). Como decíamos antes, se incorporó al grupo de Nick Cave en 1990 para promocionar ‘The Good Son’, pasando a ser miembro oficial de la banda durante los siguientes años. Participó en discos como músico fundamental del grupo en álbumes tan cruciales como ‘Henry’s Dream’ (1992), ‘Let Love In’ (‘1994), ‘Murder Ballads’ (1996), ‘The Boatman’s Call’ (1997), ‘No More Shall We Part’ (2001) y ‘Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus’ (2004). Aunque participó en este, a partir de ‘Dig, Lazarus, Dig!!!’ (2008) la presencia de pianos en los discos de Cave se redujo, pero siguió siendo miembro regular de sus directos hasta 2016. Curiosamente, Savage cantó como solista una canción de Nick Cave and the Bad Seeds, mostrando esas dotes vocales que Cave cita en su comunicado: se trata de ‘The Willow Garden’, cara B del dueto con Kylie Minogue ‘Where The Wild Roses Grow’, publicada en en 1995. Sirva de eterno recuerdo hacia él.
Una año más, el Ministerio de Cultura (por medio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música –INAEM– siendo entidad colaboradora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares –FCMP, integrada por diversas asociaciones profesionales del mundo de la música como APM, UFI o PROMUSICAE) abre convocatoria para el circuito Girando por Salas, en la que será ya su 9ª edición. Como sabréis, GPS tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes de todos los estilos, tanto solistas como bandas, ofreciendo ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español. Dichos conciertos se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma.
La convocatoria comienza hoy, 3 de septiembre, dando como plazo límite para la inscripción en la web Girando Por Salas hasta el próximo día 14 del mismo mes. Como es habitual, de entre todas aquellas solicitudes recibidas que cumplan los requisitos –recordemos que es para grupos con al menos 1 EP editado y un máximo de 3 álbumes–, se someterá un primer listado a votación pública entre los días 5 y 11 de octubre. Tras el recuento de votos, el día 23 de octubre se anunciarán los 26 artistas seleccionados y el calendario, en coordinación con las salas y los artistas seleccionados, con un mínimo de 6 conciertos por artista que tendrán lugar entre los meses de noviembre de 2018 y mayo de 2019.
Según datos del INAEM, la pasada edición de GPS llevó a 26 grupos (entre los que se encontraban nombres como los de El Último Vecino, Modelo de Respuesta Polar, Núria Graham, Tigres Leones o Ed Is Dead, por ejemplo) a 141 salas de todo el país, con un total 165 conciertos programados a los que asistieron 14.181 personas.
El perpetuo trío de indie rock Yo La Tengo acaba de anunciar una próxima minigira de 5 fechas por salas de distintas ciudades españolas. Será a principios del mes de febrero el año que viene, 2019, y prácticamente recorrerán toda la mitad norte del país.
El tour comienza el día 8 en la Sala Capitol de Santiago de Compostela, continúa el 9 en el Teatro Victoria Eugenia de Donosti, el 11 de febrero en la Sala La Riviera de Madrid, sigue el 12 en Oasis Club Teatro de Zaragoza y termina el día 13 en la Sala Apolo de Barcelona. Las entradas para Madrid y Barcelona están ya a la venta a través de Live Nation.
Esta serie de actuaciones de Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew servirá para presentar en nuestro país en recintos reducidos (hace unas semanas lo hacían, pero dentro de Mad Cool 2018) el último disco del grupo, ‘There’s a Riot Going On’. Un disco que no ha convencido a parte de la crítica y el público, calificándolo en esta página como, posiblemente, el disco más aburrido de su carrera. Aunque, como apuntaban algunos comentarios en esa crítica, para muchos el peor disco de Yo La Tengo ya es mejor que gran parte del resto de música que se publica actualmente.
Cuando quedan tan sólo cinco días para que se celebre en el Paraninfo de la Ciudad Universitaria de Madrid una nueva edición del festival Dcode, el certamen acaba de anunciar al último grupo de su cartel, cuando ya nadie lo esperaba. Se trata de La Maravillosa Orquesta del Alcohol, conocidos popularmente como La M.O.D.A.
El grupo de Burgos se ha convertido en uno de los nombres más recurrentes en los festivales de la península de cualquier línea editorial (sólo este año han estado en festivales como Mad Cool, Low Festival, Santander Music o Sonorama Ribera) habida cuenta de su tirón popular. Al fin y al cabo, no hay tantos grupos nacionales capaces de llenar durante tres noches seguidas la sala La Riviera de Madrid, por ejemplo. En todas esas actuaciones, La M.O.D.A. estarán presentando las canciones de su cuarto disco de estudio publicado el año pasado, ‘Salvavida (de las balas perdidas)‘, un nuevo tratado de rock con cierta querencia celta/tabernaria que adapta a una idiosincrasia hispana el estilo de grupos como Dropkick Murphys o The Gaslight Anthem.
La M.O.D.A. engrosan un variopinto cartel de artistas y grupos españoles en Dcode 2018, que incluye a nombres consolidados como Izal, Sidonie, Triángulo de Amor Bizarro, Viva Suecia o Grises junto a otros menos conocidos pero interesantes como Nat Simons o los ganadores del concurso BDCODER 2018, Volver. Un cartel en el que, por supuesto, destaca sobre todos la presencia de los norteamericanos Imagine Dragons y que incluye a Bastille, The Vaccines o Jorja Smith, entre otros. Además, esta misma mañana se han anunciado también los horarios de estos conciertos del próximo sábado 8 de septiembre.
No hay tercer single oficial anunciado para ‘Sweetener’, el nuevo disco de Ariana Grande, pero parece que está claro cuál es la canción favorita del público del álbum, aparte de ‘No Tears Left to Cry’ y ‘God Is a Woman’, hasta ahora los sencillos oficiales del largo. Y no, no hablamos de ‘The Light Is Coming’ con Nicki Minaj. Beneficiada por su inclusión ¿espontánea? en una playlist de Spotify con tantísimos millones de seguidores como Today’s Top Hits, ‘breathin’ es la canción más escuchada de Ariana Grande ahora mismo en la red social sueca.
Hablando de Suecia, parte de la canción se grabó en Los Ángeles, pero parte se grabó en Estocolmo, lo cual se debe seguramente a la co-autoría de Ilya Salmanzadeh (con quien Grande ya había trabajado en ‘Problem’) y Peter Svensson de los Cardigans, quien antes ya se había involucrado en hits de gente como The Weeknd, Carly Rae Jepsen o la misma Ariana (‘Focus’ y ‘Love Me Harder’, entre otras). ‘breathin» habla sobre ansiedad («es la peor sensación del mundo»), sobre no poder «respirar» a causa de ella, y Grande la afrontó de la siguiente manera: «vale, no puedo respirar, pero vamos a escribir esta canción».
Aunque no llega a desmadrarse, ‘breathin’ es una de las canciones más bailables del cuarto álbum de Ariana Grande. En un momento, cuando emerge el primer estribillo, parece que la canción se va a entregar a los territorios de su rompepistas ‘Into You’. Por eso sorprende en su lugar la aparición de un solo de guitarra -convenientemente tratado- del mencionado Ilya Salmanzadeh, que supone la cumbre de una composición que acaba demasiado pronto y por tanto se presta para ser escuchada en modo «repeat». Cabe preguntarse si habrá remezclas preparadas para este otoño o la próxima primavera, si habrá problemas con ese «shit» o si de hecho ya habrá vídeo rodado. ¿Sería, de momento, ‘Everytime‘ una elección más adecuada para Navidad?
Parece mentira pero ‘My My My!’, el primer adelanto del nuevo disco de Troye Sivan, un esperado ‘Bloom’ que ha salido finalmente este viernes 31 de agosto, llegó a nuestras vidas… ¡¡¡en enero!!! Siete meses han pasado desde que la campaña de ‘Bloom’ arrancara oficialmente hasta la salida del disco, pero la canción, en lugar de caer en el olvido, se ha hecho más y más grande con el tiempo hasta consolidarse como la mejor canción de la carrera del australiano. Es sin duda el ‘Green Light’ de 2018… y las comparaciones con Lorde no se acaban aquí.
No, ‘Bloom’ no será el mejor disco de 2018 como ‘Melodrama’ lo fue el del año pasado, pero igual que Lorde, el cantante australiano ha publicado un álbum que documenta su madurez emocional (‘The Good Side’, ‘Postcard’) y sexual (‘Seventeen’, ‘Bloom’) en un momento muy concreto de su juventud, lo cual a la vez, como ‘Melodrama’, va a servir de espejo para una generación entera de fans que idolatran a ambos artistas y buscan reflejarse en ellos a través de sus historias. Además, ‘Bloom’ se ha presentado también con un primer single trascendental y eufórico, estelar del primer segundo al último, en el que Sivan aboga por “dejar de huir del amor”, donde Lorde clamaba “estoy preparada, esa luz verde, la quiero”.
Sin embargo, Troye no es Lorde, ‘Bloom’ no es un disco de autor como lo es ‘Melodrama’ y el australiano hace bien en acompañarse de diversos autores para pulir y elevar sus, por otro lado, personales canciones, aunque esto resulte en composiciones con un carácter más diluido. Le acompañan en ‘Bloom’ su habitual Allie X en canciones como ‘Seventeen’, una emotiva balada sobre una primera experiencia sexual de Sivan, Grindr mediante, o Peter Svensson, quien ya al margen de los Cardigans hace actualmente carrera como compositor para estrellas del pop como Ariana Grande (con quien Sivan colabora aquí en la cálida ‘Dance to This‘), The Weeknd o Nick Jonas, y que firma, entre otros y junto al productor Oscar Holter, el voluptuoso homenaje a los ochenta de los bombos enlatados que es el tema titular.
Si algo define ‘Bloom’ es una vulnerabilidad que empapa todas las canciones, desde las más bailables (las irresistibles ‘My My My!’ y ‘Plum’) hasta las baladas y pese a que Sivan no disponga de una voz especialmente carismática o emotiva. Ya nos detuvimos en ‘The Good Side’ destacando su preciosa melodía, que parecía inspirada en Sufjan Stevens tanto como su mágica unión de guitarras acústicas y florituras electrónicas, y casi igual de emocionantes son una ‘Postcard’ junto a Gordi en la que Sivan narra la vez en que envió una carta a su novio desde Tokio, “incluso la escribí en japonés”, recuerda, “y no te importó una mierda”, o ‘Animal’, la épica balada post-Frank Ocean -con producción futurista de Jam City (productor de Kelela)- que cierra el álbum.
Si algo hay que lamentar de ‘Bloom’ es que Troye Sivan no haya aprovechado la oportunidad para crear un segundo disco que termine de forjar su personalidad en la industria, que partiera más de ‘Blue Neighborhood’ y menos de las expectativas comerciales depositadas sobre la nueva estrella del pop internacional. Sin embargo, ‘Bloom’ sí mantiene ese gusto por las producciones sofisticadas de aquel primer trabajo y su abierta comercialidad expone ante nosotros a un artista que sabe qué quiere contar y con quién quiere trabajar para hacerlo lo mejor posible. Como ‘Dance to This’, ‘Bloom’ nos invita a quedarnos en casa y bailar, y aunque no tiene el aura de disco histórico de ‘Melodrama’, sí es un trabajo importante para Sivan, que sienta las bases para lo que el australiano nos tenga que contar en el futuro.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘My My My!’, ‘The Good Side’, ‘Bloom’, ‘Dance to This’ Te gustará si te gusta: el pop comercial producido con gusto Escúchalo:Spotify
Tras el pelotazo dado por ‘This Is America’, a todas luces una de las mejores canciones de 2018, Childish Gambino publicaba dos canciones que ha incluido en un tándem llamado ‘Summer Pack’. La canción que más ha llamado la atención del público es ‘Summertime Magic’, pero también merecía muchísimo la pena la evocadora ‘Feels Like Summer’.
Precisamente cuando estamos en septiembre y el título de esta última canción comienza a tener un sabor más agridulce, el artista ha estrenado su correspondiente videoclip. Es un paseo por la ciudad, animado, bajo la dirección del propio Donald Glover y también Ivan Dixon y Greg Sharp, por el que “se pasan”, por supuesto a modo de animación, diferentes famosos del mundillo. En diferentes escenas en torno al barrio vemos figurar a Kanye West llorando en brazos de Michelle Obama, The Weeknd, Drake, Nicki Minaj o Travis Scott.
La idea no tiene ningún desperdicio, aunque lo que sigue despuntando es la canción, marcada por un sutil sinte como de lenguaje morse, percusión orgánica, de manera puntual guitarra acústica y por supuesto la sedosa voz de Childish Gambino tratando una letra agridulce. La canción habla del cambio climático o de la superpoblación, mostrando un atisbo de esperanza pero también de duda: “sé que sabes de mi pena / espero que este mundo pueda cambiar / pero sigue igual / espero que podamos cambiar”.
Estos son los cameos recogidos en el vídeo según The Independent (aunque algunos sean algo discutibles o menos reconocibles).
• Lil Pump y Trippie Redd (00:46)
• 21 Savage y Metro Boomin’ (00:48)
• Kodak Black (00:57)
• Migos (1:00)
• Chance the Rapper, Jaden Smith, Birdman (1:20)
• Will Smith (1:25)
• Azealia Banks sola en un árbol (1:28)
• Nicki Minaj y Travis Scott (1:29)
• The Weeknd, Ty Dolla $ign y Frank Ocean (1:35)
• A$AP Rocky, Solange y Willow Smith (1:39)
• Soulja Boy (1:41)
• Drake corriendo tras la bici de Future (1:46)
• Kid Cudi (1:59)
• Kanye West llorando en brazos de Michelle Obama con una gorra «MAKE AMERICA GREAT AGAIN» (2:06)
• Beyoncé con una camiseta de Fredo Santana (2:15)
• El gobernador de Florida Andrew Gillium con una referencia a XXXTENTACION (2:25)
• Lil Uzi Vert, Oprah Winfrey, Kehlani y Tiffany Haddish (2:42)
• Lil Yachty y Charlamagne (2:45)
• Gucci Mane (2:49)
• Snoop Dogg, Dr. Dre, Diddy, Wiz Khalifa y JAY-Z (2:51)
• Ball Brothers y Young Thug (2:58)
• Meek Mill, 2 Chainz, Pusha T, y Lil Wayne (3:01)
• Rae Sremmurd y J. Cole (3:03)
• Janelle Monáe y Tessa Thompson (3:11)
• Chris Brown llorando (3:29)
• Outkast (Big Boi and Andre 3000) (3:39)
• Rihanna (3:47)
• Whitney Houston (3:54)
• Michael Jackson (4:04)
Quizá suene a lugar común lo de “qué injusto y reduccionista ha quedado el recuerdo histórico del Britpop, ahora parece que sólo había grupos de tíos”. Puede que las revisiones que se hacen dos décadas después no estén tan mal, al menos en los medios mejor informados. Pero todavía siguen saliendo selecciones como ésta de hace algunas semanas en las que el panorama (de nabos) es de lo más previsible y aburridísimo.
Momento de recordar, pues, que una de las grandes y más refrescantes características de aquel movimiento fue, precisamente, la aparición de grupos mixtos, multirraciales y femeninos 100%. Y que muchos de ellos fueron excelentes: además de las conocidas Elastica estaban Sleeper, Echobelly, Powder, Kenickie, Dubstar o las que lograron más éxito durante más tiempo: Lush. Una banda que venía en realidad del shoegaze, estilo que predominaba en su debut de 1989 (fue impactante conocerlas al año siguiente con ‘Sweetness and Light’), pero que supo evolucionar hacia el sonido Britpop con gran naturalidad y canciones redondas. Su último disco, ‘Lovelife’ (1996), es quizá su momento pop más perfecto, aunque las presiones del sello 4AD para que lograsen triunfar en América se estaban volviendo insoportables para la banda.
El single de adelanto de ‘Lovelife’ fue la maravillosa ‘Single Girl’, que sigue siendo una de las 10 o 15 mejores piezas de pop de guitarras de la historia del Britpop: compuesta no por la cantante principal -Miki Berenyi- sino por Emma Anderson, sus dos guitarras se entrelazan en un magistral baile de potentes acordes 90s e inteligentes riffs y arpegios, baile que se refleja también en voces en armonía entre las dos, subrayando la brillantez de la melodía.
La letra, además, tiene “plot twist”: comienza cantando “soltera, no quiero ser una chica soltera, ¿quién querría ser una chica soltera?” para acabar cambiando totalmente esa idea preconcebida: “cuando me abandonaste me llovió del cielo / No quiero limpiar tu basura otra vez esta noche / No quiero peleas / Y esta noche puedo hacer lo que quiera otra vez, con quien elija, está bien / Chica soltera, quiero ser una chica soltera.” Escuchémoslo viendo su vídeo totalmente post-cuatro-bodas-y-un-funeral:
No sería la única proclama feminista del sensacional ‘Lovelife’: ‘Ladykillers’ es otra pieza de guitarras mordientes, melodía irresistible y letra combativa. Por desgracia, sería su último álbum. El suicidio de su batería Chris Acland acabaría de desmoronar una estructura ya muy dañada por las tensiones y Emma y Miki decidieron cerrar capítulo. Anderson seguiría unos años en el muy interesante proyecto Sing-Sing, pero Miki estuvo básicamente retirada durante casi dos décadas. Por eso fue tan especial el breve y precioso reencuentro de hace un par de años con el EP ‘Blind Spot’, que recuperaba su lado más shoegaze, pero de momento no ha habido continuación, ni parece que la vaya a haber. Siempre nos quedará la cuenta de Twitter de Miki, en la que con regularidad sube fotos de su carrera en los 90 y comenta anécdotas de aquellos años.
‘Single Girl’ sonó en Popcasting #291 de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
U2 actuaban este sábado en un estadio de Berlín como parte de su última gira, pero lamentablemente no pudieron concluir el concierto. Tan pronto como después de la 5ª canción, que era ‘Beautiful Day’, Bono hubo de abandonar por problemas con su voz, reduciendo el show a un 20-25% de lo que se había visto la noche anterior en la misma ciudad (era la segunda cita consecutiva en la capital alemana). En uno de los vídeos se ve a Bono diciendo que se siente como en un «cigarro gigante» (en algunas zonas del recinto se podía fumar), que ha perdido su voz y que no sabe qué hacer. Dice que “10 minutos antes estaba cantando como un pájaro” pero que no puede más. El grupo termina ‘Beautiful Day’ con la participación del público, pero después decide no continuar. Bono dice que se va a ausentar 10 o 15 minutos pero finalmente no puede volver.
La web de U2 emitía un comunicado en nombre de todos los miembros de U2 que no son Bono, es decir The Edge, Larry y Adam: “sentimos la cancelación de esta noche. Bono estaba en condiciones estupendas antes del concierto y estábamos deseando dar el segundo concierto de Berlín, pero después de unas cuantas canciones, perdió su voz por completo. No sabemos lo que ha pasado y estamos recibiendo consejo médico. Como siempre, apreciamos la comprensión de la audiencia y de todos los fans de Berlín, y de todos los que han viajado. En breve actualizaremos”.
Finalmente, Bono ha comunicado este lunes 3 de septiembre que su problema de voz no es grave y que podrá concluir su gira, que llega a Madrid los próximos días 20 y 21 de septiembre, sin problema. Además, han reubicado el concierto semi cancelado de Berlín para el próximo 13 de noviembre, como informa su web oficial.
Pedrina se dio a conocer en España como parte de Pedrina y Río, el dúo que vio cómo su tema ‘Enamorada’ aparecía en el taquillazo de Paco León ‘Kiki, el amor se hace‘, llevando a sumarles millones y millones de streamings. ‘Prisma’ es el primer disco en solitario de la colombiana, si bien hay que aclarar que no ha habido «divorcio», pues en él aparecen dos colaboraciones con Río: el desenfadado corte jamaicano llamado ‘Adiós’ -con mensaje final de libertad y empoderamiento- y ‘Billete falso’, una suerte de ranchera a dúo a ritmo de vals, y con metales.
‘Prisma’ llega para confirmar lo que ya se vio en ‘Canciones sin ropa‘: que lo de Pedrina no es flor de un día, siendo la autora única de sencillos tan destacables como el brasileño ‘Háblame’, o el principal ‘Hoy’, que además de un pequeño rap de Martina La Peligrosa, incluye la violencia sexy de la rima «corpillo» con «gatillo», puesta sobre la mesa desde el principio. «Quiero verte hoy / Pero tiene que ser casual / Tiene que parecer que yo no quiero / Quizás me vista un poco ligero», comienzan single y disco.
Además, aunque Pedrina cante sobre ritmos tradicionales de la música latina, y ahí están los sonidos fronterizos de ‘Inevitable’; o se sume a los riffs cincuenteros (‘Quisiera’ empieza como un tema retro de Russian Red); contribuyen a la actualización de su sonido los sintetizadores y efectos de sonido, que podríamos vincular con trucos de Psapp o El Guincho. Por momentos, ‘Importante’ parece un tema de Ana Belén, solo que producido por Aries. En verdad, están tras ella Richard Blair (Sidestepper) y Oscar Alford, mientras que ‘Hoy’ ha sido producida por el ex Bomba Estéreo Julián Salázar.
‘Prisma’ se resiente de la falta de «punch» que sí tienen estos últimos, sonando en algún momento algo edulcorado de más. Pedrina está cómoda en diferentes registros, viejos y modernos, muy bien entrelazados. Así, ‘Billete falso’ es un tema tan apasionado como el almodovariano disco de Sol Escobar. Pero quizá por su dulce timbre de voz, es más interesante su registro desafiante en ‘Pelaste el cobre’ (¡esa rima de «tu fea cara» con «no escuchas nada»!), un tema muy Metronomy, por una cuestión de contraste.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘Hoy’, ‘Háblame’, ‘Pelaste el cobre’, ‘Inevitable’ Te gustará si te gusta: Sol Escobar, Aries, El Guincho, Gepe Escúchalo:Spotify
Parte de la redacción evalúa el que es el número 1 en España desde hace un mes, ‘Teléfono’ de Aitana Ocaña.
“A riesgo de que me trepen encima hordas de fans de Aitana, he de reconocer que la barcelonesa siempre me ha parecido una de las concursantes de OT17 más sobrevaloradas. No me parece nada interesante su voz y tampoco me lo parece ‘Teléfono’. Es una canción obvia, de repetitiva pesada, y la base musical de Andrés Torres y Mauricio Rengifo es un cóctel muy poco velado entre la moda pseudo-tropical y las cuerdecitas ufanas de ‘Issues’ de Julia Michaels. Por lo menos su juego de cortes y efectos añade dinamismo a la canción, porque la melodía es plana a más no poder. Se pega, sí, pero no para bien: más que volver a escucharla, deseas no haberlo hecho en primer lugar”. Jordi Bardají.
«Cuando una canción que te parece mala o te deja indiferente, triunfa, merece la pena volver a sentarte con ella para ver qué se te está escapando. ‘Despacito’ resultó ser una mina de estribillos múltiples que se iban superponiendo, ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira había hecho antes exactamente lo mismo, C. Tangana es experto en publicar temas que de primeras te dejan un poco igual y a los pocos días resultan mostrar ganchos por todos lados… ¿pero qué tiene exactamente ‘Teléfono’? Ni la estructura esconde secretos, ni tampoco ninguna parte de su letra o de su producción. Está más cerca del misterioso pelotazo de The Chainsmokers que de cualquier otra cosa. Su mérito es solo el de la repetición ad nauseam y el de haber salido en el momento adecuado, con Aitana convertida en superestrella. La verdad, me quedo mil veces con el flow y la relevancia del mensaje de ‘Lo malo’. ¿Qué digo? Me quedo hasta con ‘Arde’…» Sebas E. Alonso.
“Voy a hacer de abogada de la diabla y decirlo: a mí me gusta ‘Teléfono’. Reconozco que es facilona en extremo en lo melódico (¿que se pegue a la primera es malo?), pero eso no significa que sea simple. La manera de jugar al corta-pega con sus capas, romper los ritmos y sorprender es muy divertida, una audacia no tan habitual como nos gustaría en el pop mainstream. En ese sentido, ‘Teléfono’ nos hace recordar el truco de ‘Despacito’… y es lógico, puesto que sus autores son también Mauricio Rengifo y Andrés Torres. Por lo demás, Aitana está sobradamente bien en los distintos papeles vocales que acomete (la diva, la rapera, los coros) y demuestra que está preparada para representar en nuestro país lo que en el mundo anglosajón representa Julia Michaels o Dua Lipa”. Raúl Guillén.
La cancelación de tintes más desagradables del verano fue la de David Guetta en Santander a última hora, alegando un fallo en su avión. La organización envió un comunicado acusando a Guetta de no haber devuelto el caché del show cancelado, explicando en 12 largos puntos su visión, pero en cualquier caso esta semana el Pleno del Ayuntamiento de Santander ha determinado la devolución del dinero para los usuarios.
Así informa sobre ello El Diario Montañés, indicando que el PSOE aceptaba una enmienda transaccional del PP, aprobándose con 25 votos a favor (PP, PSOE, PRC, IU y dos concejales no adscritos), y la abstención de la concejala de Ganemos, y otra concejala no adscrita.
David Guetta excusó con un vídeo su ausencia del show de Santander el mismo día del set para el que se habían vendido las 10.000 entradas (sold-out). Su negativa a devolver el caché pese a la cancelación (las condiciones del contrato no han trascendido) ha provocado la indignación del cantante Quique González, que esta tarde de sábado ha escrito en Twitter: «Hola @davidguetta! ¿ Cómo va lo de Santander? ¿Tienes la conciencia tranquila? Te la suda un poco, ¿verdad? Pero si solamente tenías que traer el pincho! Vas a dejar a unos cuantos amigos en la bancarrota. No hay derecho. Te bañas en billetes. Págales, joder». Su mensaje ha provocado el apoyo de algunos usuarios, pero también la crítica de otros, que le echan en cara sus maneras de hablar de la labor de Guetta.
Hola @davidguetta! ¿ Cómo va lo de Santander? ¿ Tienes la conciencia tranquila? Te la suda un poco, ¿verdad?. ! Pero si solamente tenías que traer el pincho! Vas a dejar a unos cuantos amigos en la bancarrota. No hay derecho. Te bañas en billetes. Págales, joder.
Eminem sacó ayer un disco llamado ‘Kamikaze’ por sorpresa y una de sus pistas ha logrado desplazar del número 1 global de Spotify a ‘In My Feelings’ de Drake, la cual ha pasado en esta posición 54 días, es decir casi 2 meses (casi todo el tiempo que lleva editada). La canción de Eminem que ha logrado este mérito es la primera del álbum, ‘The Ringer’, que ha sumado 5,2 millones de reproducciones durante el primer día. La canción ha sido top 1 directo en el Spotify de Reino Unido, aunque en Estados Unidos ha quedado en el puesto 2… por detrás de ‘Lucky You’ del propio Eminem.
De hecho, ‘Lucky You’ entra directamente al top 3 global de Spotify -un puesto por debajo de ‘In My Feelings’ de Drake- y ‘Greatest’ al top 4. Otras canciones de ‘Kamikaze’ en el top 50 del global de Spotify son ‘Not Alike’ (top 11), ‘Kamikaze’ (top 13), ‘Normal’ (top 15), ‘Fall’ (top 16, la pista polémica junto a Bon Iver), ‘Stepping Stone’ (top 19), ‘Em Calls Paul -Skit’ (top 29), ‘Venom’ (top 33), ‘Nice Guy’ (top 37) y ’Good Guy’ (top 39).
Le dure o no, que Eminem haya logrado desplazar ‘In My Feelings’ de Drake del top 1 del global de Spotify es noticia porque Drake es una de las personas que recibe en las letras de ‘Kamikaze’, en concreto en el corte titular, donde el rapero trata el tema de que otros escriban las canciones de Drake, haciendo referencia a su disco ‘Views’: «You got some «views», but you’re still below me / Mine are higher, so when you compare our views, you get overlooked / And I don’t say the hook unless I wrote the hook».
James Bay se ha cortado el pelo y ha pasado de una suerte de folk impersonal a un pop-rock comercial también algo impersonal. No es que haya habido un cambio brutal de registro (el más destacado, en su pelo), pero Bay parece querer dejar un poco atrás el rollo más Hozier y proyectar una imagen más “rockera”. Y, como su flamante peinado, la verdad es que el nuevo estilo le sienta mucho mejor.
‘Electric Light’ es un disco elegante y aseado, bien pensado y mejor presentado para hacerlo agradable, digerible y dejar un buen regusto en la boca. Prácticamente es el compendio de cómo-hacer-el-perfecto-disco-comercial, pillando cachitos de artistas de solvencia contrastada de aquí y allá. Echen la culpa a Jon Green o Paul Epworth, productores y dos hachas en esto de los hits sofisticados (Adele y un larguísimo etcétera). Comercialmente, a Bay la jugada le ha ido algo regular; el disco entró directamente al número 2 de las listas británicas, para desaparecer del top 75 en apenas seis semanas. Aun así, mucho más preferible esto que su anterior encarnación. Y, lo mejor: nos deja unos cuantos temazos, entre lo ultra pegadizo y lo memorable.
James Bay sigue construyéndose una imagen de chico sensible, pero ahora mucho más enérgico, gracias a su calculada propensión al melodrama. Sin desgarro, lo justo para hacer tilín, apoyado en su gran voz, que oscila con solvencia entre el poderío y la vulnerabilidad. En su sopa cabe una gran cantidad de ingredientes, en la mezcla justa para no parecer deslavazado o falto de coherencia. Así, pone un pie en el soft-rock de los 80, a lo INXS, en ‘Wasted on Each Other’ y otro en los Arctic Monkeys de ‘AM’; a saber: estribillo con gancho y guitarrazos pulcros, palmas, aderezados por un puntito justo de macarra. Hay hits superlativos, como ‘Pink Lemonade’, la mejor de todo el conjunto, acelerada, emotiva, repleta de drama, construida a base de unos riffs de guitarra tópicos e infalibles, con el plus de esa letra de no-soy-bueno-para-ti. Todo un compendio de trucos manidos, sí, pero de resultado arrebatador.
También hay equitos a lo James Blake en ‘Wild Love’ y en el principio de ‘Us’, que asimismo recuerda al neo-blues de Rag’N’ Bone Man, hasta convertirse en el típico baladón mesiánico que se engancha cosa mala, cartas que vuelve a jugar con aún mejor resultado en ‘I Found You’. ‘In My Head’, que canta de una manera encantadoramente juguetona, es un tema optimista, con final góspel y cierto despiporre instrumental. Roza un pelín el plagio en ‘Wanderlust’, que contiene una línea de bajo que recuerda poderosamente a la de ‘Pumped up Kicks’ de Foster The People. Encontramos un poco del soul entendido a la manera del primer Bruno Mars en su versión sedosa en ‘Fade Out’, o su buenrrollismo, con bien de rock ochentero, reaparecen en ’Just for Tonight’. Hasta pone una pizquita de Bon Iver en ‘Stand Up’… Todo se sucede de manera fluida y, sorprendentemente, sin relleno. Nada sobra. Quizás ‘Electric Light’ sea un mejunje que recuerda a otras muchas cosas, pero sabe bien rico y entra como un tiro.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Pink Lemonade’, ‘Wild Love’, ‘Us’, ‘Just for Tonight’, ‘I Found You’ Te gustará si te gusta: Rag ‘n’Bone Man, Foster the People
Vuelven Cayucas, el dúo de los hermanos Zach y Ben Ladyn autor de dos discos: ‘Bigfoot‘ y ‘Dancing at the Blue Lagoon‘. Y no lo hace precisamente decepcionando. Ayer estrenaban un par de canciones, una de las cuales incluíamos en la playlist de novedades Ready for the Weekend, pues es la que su sello considera la cara A de su nuevo single. Es un avance del que -dicen- será «su mejor álbum».
Si la cara B recibe el nombre de ‘Skeleton Coast’, el tema que nos ocupa se llama ‘Jessica WJ’ y es una canción uptempo en la que podemos percibir algún beat sesentero o setentero (como esos tan cinéticos que imitan Metronomy) como revestido de electrónica pop a lo Passion Pit o Foster the People; pero vinculándose también a los 90. Su letra, no en vano, se sitúa en 1998, apelando a la protagonista, que ya no está, si bien quien lamenta haberse marchado o como mínimo perdido es el propio narrador en el estribillo, que con un timbre bastante Beck canta: «Jessica WJ, no sé por qué me fui corriendo / Jessica, cometí un error / me pasaste tu teléfono en una carta y la tiré».
De manera divertida, un puente de la canción hace referencia al motociclista de acrobacias de los 60 y los 70 Evel Knievel (muy acorde con la música de la canción) para decir algo así como que volaba por los aires, las chicas se enamoraban de él, pero finalmente «no tenía más remedio que caer», «aunque la llama no se haya apagado».
Andy y Lucas sacaron recientemente durante un concierto una camiseta con la imagen de niños asesinados que reclamaba “JUSTICIA YA”. El gesto no ha gustado a los padres de Gabriel Cruz, que sí se han mostrado agradecidos por ejemplo con Rozalén, y han enviado un comunicado pidiendo que no se use la imagen de su hijo “junto a un eslogan político”, que se eviten situaciones “desagradables que aumenten su dolor” y piden respeto para su “proceso de duelo” mientras llega el juicio.
Un jefe de prensa habría enviado una escueta nota de respuesta indicando algo así como “Andy y Lucas se disculpan si han generado algún malestar con esta camiseta y la retiran del mercado. Como padres solo querían solidarizarse con los padres de Gabriel”, pero lo que nos encontramos es un vídeo en el que, utilizando la cuenta de Twitter del dúo (no una personal), Lucas (González) reconoce estar “muy enfadado” por este comunicado recordando hasta en dos ocasiones que el grupo lleva “16 años siendo populares”, exclamando sin sonrojo frases como “¡qué vergüenza!” y concluyendo que «este país se está volviendo loco, pero luego pedimos firmas y nos echamos fotos con los políticos».
Lucas llega a disculparse con los padres de Gabriel, pero se muestra visiblemente enfadado e indica que lo único que pretendían era que “la causa no muriera” y “ayudar para que esos hijos de puta que asesinan niños no se salgan con la suya”. Exclama dirigiéndose a ellos de tú a tú: ”Yo también soy padre y si a mi hijo le pasa lo que le ha pasado al suyo, Dios no lo quiera, que todos los grupos de España saquen una camiseta con la imagen de mi hijo para que se haga justicia”. De manera surrealista, también llega a confesar cuánto la carrera de Andy y Lucas depende de la contratación pública, cuando niega que el grupo y el lema sean políticos. “¿Un eslogan político? Si Andy y Lucas no se inclinan por ningún partido político… ¿No ven que vivimos de los ayuntamientos? ¿Cómo vamos a decir que somos de izquierdas, de derechas, de centro, de arriba o de abajo?”.
Ayer se celebró el funeral por Aretha Franklin, al que acudieron los Clinton y en el que actuaron Stevie Wonder interpretando ‘The Lord’s Prayer’ y ‘As’; Chaka Khan con ‘Goin’ Up Yonder’; Jennifer Hudson con ‘Amazing Grace’; Faith Hill con ‘What a Friend We Have In Jesus’; o Ariana Grande con “Natural Woman”, entre otros.
Ariana Grande, que saludó a Hillary Clinton a primera hora de la noche como mostró el directo de Youtube, ha sido noticia por la cara con la que Bill Clinton la mira durante su actuación, y sobre todo por haber sido abrazada en exceso por el pastor Charles H. Ellis III. Este, además de tener el dudoso gusto de decirle que pensaba que “Ariana Grande era un taco mexicano”, se muestra excesivamente cariñoso llegando a tocarle un pecho.
La imagen no ha pasado desapercibida para los fans de Ariana Grande, que han hecho del hashtag #RespectAriana trending topic mundial, hablando de acoso o como mínimo de lo gratuito de que este pastor acogiese en sus brazos a la cantante. Grande no ha comentado nada sobre el funeral en sus redes sociales, pero el pastor ya se ha disculpado en entrevista con The Associated Press: «nunca habría sido mi intención tocar el pecho de ninguna mujer. No sé, supongo que la abracé y quizá crucé una línea, igual fui demasiado familiar y me disculpo». Al tiempo que se disculpa por el chiste racista, indica que abrazó a todos los artistas que actuaron, hombres y mujeres: «De eso va con todos, les doy la mano y les abrazo. Es lo que hacemos en la iglesia, es todo amor. Lo último que quería era crear una distracción, todo esto de hoy ha ido sobre Aretha».
Eminem ha sacado un disco por sorpresa llamado ‘Kamikaze’, en el que carga contra algunos de los que criticaron su álbum anterior ‘Revival‘ y contra alguna gente que le cae mal. El NME ha hecho un especial de la gente con la que se mete y la lista incluye a gente de hoy, mañana y ayer: Donald Trump, Drake, Migos, Machine Gun Kelly, Tyler the Creator, Lil Yachty, Lil Pump, Lil Xan, Charlamagne tha God, Joe Budden, y Earl Sweatshirt, entre otros.
Justin Vernon de Bon Iver aparece en la canción ‘Fall’, en la que su voz forma el bonito gancho «don’t fall on my faith / don’t fall on my face». La letra incluye la letra dirigida a Tyler the Creator: «Tyler tú no «creaste» nada / entiendo por qué te llamas a ti mismo «maricón» / y no es porque carezcas de atención / sino porque adoras las pelotas de D12″ (grupo de Eminem). Justin Vernon ha acudido a las redes sociales para tratar de explicar por qué se ha involucrado en algo así: «no estuve en el estudio con Eminem para esta canción. Salió de una sesión con BJ Burton y Mike Mill. No me gusta el mensaje, pedí que cambiaran la canción, no lo hicieron (…) Eminem es uno de los mejores raperos de todos los tiempos, pero este no es el momento de criticar a la juventud, sino de escuchar. De actuar. No es momento de insultar. Ojalá nos hubieran escuchado cuando pedimos cambiar la canción (…) Me he equivocado y vamos a acabar con esta pista».
Esta nueva letra de Eminem no ha dejado indiferente a la prensa, pues llega demasiado poco tiempo después de que un niño de 9 años se haya suicidado por ser gay, como apunta DJ Booth; The Independent titula que si «usar insultos homófobos es la única manera de llamar la atención de los medios en 2018, Eminem debería retirarse ahora mismo»; y Billboard escribe un artículo en el que recuerda que Eminem no asocia la palabra «maricón» a «homosexualidad» sino que la usa como «zorra» o «capullo» (Elton John le defendió en aquella declaración de 2013), y recuerda que sí, Tyler the Creator se llama a sí mismo «maricón», pero apunta que lo hace en un contexto completamente diferente, no como «letra escarlata».
Eminem y nadie más es responsable de sus raps. No Justin Vernon. Pero sí cabe preguntarse qué esperaba exactamente el responsable de Bon Iver de un rapero que ha sido tan criticado por lo irreverente de sus letras, y parece no haberse preocupado demasiado de averiguar qué mensaje contenía la canción en la que ha insertado su estribillo. El historial con letras políticamente incorrectas de Eminem y su reiterado uso de la palabra «faggot» es demasiado largo como para que el discurso de Vernon el día de salida de la canción sea este en lugar de otro abogando por la libertad de expresión de los raperos, o la huida de lo políticamente correcto, que -ojo- también está de actualidad e incluso podría haber sido algo enriquecedor.
Quiero pensar que le ha podido la inexperiencia y no sus ansias de dinero, porque Vernon siempre ha sido muy modesto e incluso conservador a la hora de insertar sus canciones en anuncios o colaborar con otros (en los Grammy, por ejemplo), y aquí algunos podrían percibir que está cayendo un mito. ¿De verdad nunca se le ocurrió que, al colaborar con Eminem, podía encontrarse oficialmente como co-autor de letras que tuvieran connotaciones sexistas u homófobas? ¿Acaso ha estado más tiempo del que pensamos recluido en la cabaña de ‘For Emma, Forever Ago‘? ¿De verdad no es lo suficientemente famoso, después de colocar dos álbumes en el top 2 de Estados Unidos, como para firmar un contrato que obligue a la supervisión de dónde termina metida su voz a estas alturas de la película?
Anna Calvi nos espera en el recibidor de un hotel de Madrid. Se encoge lánguidamente, como un ovillo envuelto en una blusa de seda roja que le ha servido también en sus fotos de promo, mientras mantiene un cabello perfectamente desordenado. “Vamos a dejarla descansar un poco”, nos dice su responsable de prensa mientras la británica bebe una sencilla taza de té y mira vídeos en YouTube con los casos puestos.
Hablar de Anna Calvi es hablar de movimiento queer; ese que no diferencia entre sexo ni género. Espíritu y alma confinados en un envoltorio físico capaz de sentir, padecer y amar. En ‘Hunter’, tercer trabajo de la británica que se edita hoy, esta filosofía alcanza su cénit con temas que transitan entre lo melodioso del pop y lo inquietante del rock, con letras compuestas para arrancar sentimientos encontrados y, sobre todo, en torno a un amor puro, casi religioso, hacia algo o alguien demasiado inasible e invisible y a la vez cercano y palpable. El oyente se enamora al mismo tiempo que lo hace Calvi, transmitiendo esos retortijones estomacales propios de la adolescencia a través de riffs lánguidos y gemidos de introspección. Un disco intelectual, pero a la vez relajante y armonioso que no deja de marcar una pequeña huella de duda en el receptor. Una vez Calvi ha descansado, se nos permite sentarnos con ella en el sofá. Con una voz suave, tremendamente bajita, y una energía contenida que casi es capaz de ponernos la carne de gallina, hablamos con ella sobre música, género y feminismo. Foto: Maisie Cousins.
«Creo que hay algo sobre la necesidad de categorizar las cosas que va en contra de la realidad de lo que es realmente el ser en este mundo»
En este nuevo trabajo has partido directamente del género y la teoría queer para componer tu música. Supongo que la pregunta más obvia que podemos hacerte es: ¿por qué y por qué ahora?
Creo que el género es un espectro, hay tanto espacio en medio donde puedes existir sin ser definido por esas definiciones tan limitantes… Creo que es realmente gratificante sentir que no tienes que definir nada. Tan pronto como te defines a ti mismo como uno, hay tanto equipaje, hay tanta presión para cumplir el rol de ese género y todas las cosas que se supone que eres cuando eres una mujer o un hombre… Solo me pregunto cómo sería no estar tan restringidos por estas cosas. Me siento más feliz sin sentir la presión de definirme a mí misma.
¿Se podría decir que has dejado de restringirte a ti misma, entonces?
Sí, creo que es una buena manera de decirlo, porque hay muchos matices en la experiencia humana. Creo que hay algo sobre la necesidad de categorizar las cosas que va en contra de la realidad de lo que es realmente el ser en este mundo. No es posible categorizar algo y tener estas limitaciones. No es realista.
Entonces, en el momento en que tienes que componer con esta idea en tu cabeza, ¿cómo lo haces? ¿Hay algo así como que un acorde de fa es más masculino o una clave de sol que es más femenina? ¿Cómo se aplica la teoría queer a la música?
Creo que mi música es valiente porque yo soy valiente, ¿sabes? Siento que la forma en que mi mente funciona y la forma en que veo el mundo es realmente el camino de alguien que no encaja en esas cajitas, esas definiciones. No hubo una cosa consciente como: «Voy a hacer música queer». Es solo lo que me queda solo por ser quien soy, y por lo que soy y por lo que siento apasionadamente, esto es lo que sale a la luz. Solo quiero que sea una expresión íntima y muy personal de lo que significan estas palabras para mí y cómo siento mi vida y lo que veo.
«Patti Smith puede ser algo áspero y sucio, y eso es realmente inspirador»
¿Tuviste a algún otro artista en mente a la hora de enfrentarte al reto de quitarle el género a la música, por así decirlo?
Diría Patti Smith, quizás, porque me gusta el hecho de que ella se define puramente como una mujer heterosexual, pero no parece estar restringida por lo que supuestamente significa. Es como una energía. Si fueras a resumir lo que ella es, ella es energía. No tiene este tipo de etiquetas. Ella no tiene miedo de ser fea. Hay mucha presión, y no me refiero a una apariencia fea, me refiero a la energía. Puede ser algo áspero y sucio. Eso es realmente inspirador.
También he leído que recogiste un poco del flamenco, aunque no se represente en una expresión musical en este disco.
A ver… me encanta la música flamenca. Me encanta el sonido del canto en la música flamenca, porque siento que siempre me ha inspirado para dejarme llevar, es una emoción pura y cruda de una manera apasionada y honesta. En cuanto a la guitarra, siempre he estado tan fascinada con la técnica… Es algo muy expresivo.
«Siempre he estado fascinada con la técnica de la guitarra flamenca. Es algo muy expresivo»
Podrías aprender a tocar flamenco.
¡Creo que podría ser un poco tarde para mí! (Risas) Tal vez pueda fingir. Sí, algunas cosas. O una colaboración en el futuro, sería increíble.
Es curioso, porque el flamenco no deja de ser una expresión de un pueblo marginado. Tu música de alguna manera es muy underground, pero a mucha gente le encanta al mismo tiempo. ¿Cuál es la diferencia entre la corriente principal y la clandestinidad si se habla de cosas, digamos, poco comunes?
Creo que si haces música que sea realmente honesta y en la que realmente crees, siempre habrá alguien que sienta lo mismo, aunque solo sean tres personas. Lo único que puedo hacer es ser honesta sobre lo que me apasiona. Me gusta la idea de que la música, e ideas como éstas de las que estamos hablando, sean más comunes. Me gusta la idea de que las voces se vuelvan más convencionales en lugar de marginadas, como las voces de las mujeres.
«Siento que tienes que decir todo tres veces para que te escuchen, mientras que si eres un hombre, solo tienes que decirlo una vez»
Dijiste: «me pregunto por qué se espera que las mujeres se comporten más como hombres para ser escuchadas». O que hay que actuar como un hombre para ser escuchado en la industria de la música a veces.
Siento que tienes que decir todo tres veces para que te escuchen, mientras que si eres un hombre, solo tienes que decirlo una vez. Siempre con este sentimiento de… (resopla) es frustrante y, por suerte, está cambiando.
¿Crees que tu carrera sería más exitosa si fueras un hombre, por ejemplo?
Mmm… entiendo lo que quieres decir… tal vez, tal vez.
Viendo el recorrido de tus tres discos anteriores a este, ¿cómo comenzaste con esta idea de introducir cosas fuera de lo común, como gemidos, al componer?
Creo que siempre ha estado en mi música, ha estado ahí más sutilmente y siento que la gente que necesitaba algo así probablemente lo haya encontrado. Pero otras personas probablemente no lo percibieron. Esta vez fui más directa con eso y dirigí mis sentimientos hacia ahí. Supongo que al igual que comencé a escribir, simplemente sentí que… Bueno, imagino que esa parte de la composición es lo último que haces. Como, ¿qué es lo que quería decir? ¿Qué debo agregar al discurso de las mujeres en la conversación entre mujeres y hombres? Y esta es una de las cosas que siento con más fuerza. Es interesante. Creo que es realmente emocionante cuando la gente, incluso por un segundo, deja su sonambulismo y se despierta y mira lo que hace. Que la sociedad haga preguntas, como: «¿es realmente ese el tipo de mundo en el que quiero estar?». Siento que eso es lo que está sucediendo en este momento. Y realmente, ¡lo necesitamos! Gracias a Dios.
También dijiste hace tiempo que tu música «se trata de sentirte como un extraño e intentar encontrar un lugar que te haga sentir como en casa». ¿Cómo lo encontraste?
Creo que realmente ayuda hablar con personas que entienden por lo que estás pasando, y sentir que tu voz se escucha y que te entienden. Para mí, la idea de estar en casa es que podría estar en cualquier parte, pero es la persona que amas.
Finalmente Lana Del Rey no actuará en Israel, al menos de momento. La cantante había confirmado una fecha en el festival Meteor de Tel Aviv, suscitando una gran polémica entre los defensores del boicot cultural a Israel debido a su conflicto con Palestina, a la que Del Rey había contestado con una primera carta en la que defendía su neutralidad, y más tarde en una segunda misiva en la que prometía tocar también para los “chavales” palestinos tras su paso por Israel.
Ahora, Del Rey ha decidido posponer su concierto en Israel, por lo que su concierto en Meteor Festival queda cancelado, aparentemente por razones logísticas, al no haber podido encajar Del Rey conciertos tanto en Israel como Palestina, tal y como deseaba. La cantante explica en un nuevo comunicado que es importante para ella “actuar tanto en Palestina como en Israel y tratar a mis fans con equidad”. Continúa: “Desafortunadamente no ha sido posible encajar ambas visitas en un periodo de tiempo tan corto, por lo que he de posponer mi aparición en el Meteor Festival hasta que encuentre el momento de poder programar fechas tanto para mis fans israelíes como palestinos, así como en otros lugares de la región”.
La noticia no será del todo satisfactoria para los defensores del boicot cultural a Israel, entre ellos Roger Waters de Pink Floyd, que escribió una carta a Del Rey explicando los motivos por los que Israel merece este boicot. Sin embargo, sí les dará algo de esperanza. Radiohead no lo habrían hecho. Por otro lado, la caída de su cabeza de cartel supone un duro varapalo para Meteor Festival, que de hecho ha criticado la cancelación de Del Rey en Facebook, agradeciendo irónicamente a la cantante “por habernos escogido para ser parte de su truco publicitario”. Con ella ya son al menos 13 los artistas que han cancelado su aparición en el festival.
Volver resultó anoche la banda ganadora del concurso de talentos BDCODER, lo que les llevará a actuar el próximo sábado 8 de septiembre en Madrid junto a gente como Imagine Dragons, Bastille, Triángulo de Amor Bizarro, Izal, Jorja Smith, etcétera. JENESAISPOP ejerció de jurado junto a miembros de Radio 3 (Julio Ruiz), Mondo Sonoro, El País o Live Nation. El proyecto de Miriam y Luis formado a finales de 2016 actuó en último lugar y, pese a que sus sintetizadores en principio se negaron a sonar, lograron despuntar al ser la única propuesta electrónica, sin duda la más siglo XXI, y a lo tonto la más peculiar.
Hay un poso de London Grammar en su música, pero en algunas de sus composiciones los sintes se desbocan más bien a lo Jamie xx en solitario (Luis aporrea percusiones de manera muy similar), mientras las letras en castellano sobre bases tan pronto R&B como electropop nos hacen recordar a los olvidados Cassino. El control de sus voces, la incorporación de alguna guitarra puntual y su uso de los silencios y el minimalismo fueron bastante exquisitos para tratarse de una banda novel, y da la sensación de que podrían pegar un pelotazo de mediano tamaño similar al de Delaporte, si están en el lugar adecuado en el momento adecuado.
También despuntaron Gole Yaika, muy evidentemente -quizá demasiado- producidos por Grises, si bien sus canciones fueron las más coreadas de la noche (y una cosa es que te vayan a ver tus amigos, y otra que estos se aprendan de pe a pa tus letras); o Go Cactus, que hicieron un enérgico concierto como de rock británico de canciones cortísimas y urgentes. Leon Coeur habían abierto la noche con el folk amable de temas como ‘Cigarettes’ y ‘Charlotte’ (también tocaron un tema en castellano), y también se habían clasificado unos Ayer de los que llegamos a estrenar el vídeo de ‘Salvaje’. Un show este último algo perjudicado por la dificultad de entender la voz del cantante, aunque a la postre uno de los más rítmicos: aunque no quisieras se te iban los pies. A fin de cuentas, una noche muy entretenida en un concurso que en otras ediciones ha visto como ganadoras a Cintia Lund o Marem Ladson y por el que ha pasado gente tan talentosa como St Woods o Ganges.
Aretha Franklin murió el 16 de agosto en Detroit, tras años luchando contra un cáncer. Hoy finalmente es su funeral, que será privado pero al que tendrán acceso las cadenas americanas CNN y Fox News y se retransmite para el mundo a través de Youtube. Aunque estaba previsto que el evento comenzara a las 16.00 (hora española), una voz en off ha indicado a las 16.20 que la familia está «a 5 minutos de llegar» pidiendo a los asistentes, entre los ya hemos visto a Bill Clinton, Hillary Clinton y Ariana Grande, que tomen asiento. El funeral comienza, pues, en torno a las 16.30.
El funeral de Franklin cuenta con varias personalidades célebres invitadas. Ofrecerán actuaciones musicales Stevie Wonder, Faith Hill, Ronald Isley, Chaka Khan, Fantasia, Jennifer Hudson y Yolanda Adams, mientras Bill Clinton, Smokey Robinson, el reverendo Jesse Jackson y Clive Davis recordarán a la cantante mediante discursos, tal y como ha informado The Detroit Free Press. También se ha dicho que podría actuar Ariana Grande, presente en el funeral, aunque no está entre las actuaciones confirmadas en el sumario de Youtube.
Con la muerte de Franklin se fue para siempre la Reina del Soul y uno de los mayores iconos del pop de los 60, que sin embargo ha trascendido generaciones y épocas, como demostró la larga y variada lista de celebridades que la recordaron tras su fallecimiento, entre ellas Paul McCartney, Mariah Carey, Carole King, Brian Wilson, Missy Elliot, Christina Aguilera o Ariana Grande. Una artista que además cuenta con innumerables actuaciones icónicas, de las que JENESAISPOP recordó 10.
Róisín Murphy es el nuevo top 1 de JENESAISPOP tras los persistentes votos de sus seguidores, volcados con ella tras sus polémicos tuits por la falta de apoyo de medios. Esta semana hay varias entradas, destacando la de Anja Garbarek al top 3, la de Javiera Mena al número 8 y la de Empress Of al top 10. También damos la bienvenida a los temas de LOONA, Disclosure, Death Cab for Cutie, Art Brut, Dounia, Emma Louise y Ximena Sariñana. Toca a su vez decir adiós a varios temas que cumplen 10 semanas o más en la mitad baja de la tabla. Son tan viejos conocidos como ‘No Tears Left to Cry’, ‘Accelerate’, ‘Dance to This’, ‘Bien duro’ y ‘Apeshit’, es decir varias de las canciones del año que quieren ya dejar paso a otras nuevas. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
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A finales del pasado año una periodista de The Guardian 
Según ha confirmado el propio grupo australiano en sus redes sociales, Conway Savage, que fuera miembro de Nick Cave & The Bad Seeds durante casi 3 décadas (se incorporó al grupo australiano en el año 1990, para la promoción de ‘The Good Son’), ha fallecido a la edad de 58 años. El año pasado le 
Una año más, el Ministerio de Cultura (por medio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música –INAEM– siendo entidad colaboradora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares –FCMP, integrada por diversas asociaciones profesionales del mundo de la música como APM, UFI o PROMUSICAE) abre convocatoria para el circuito Girando por Salas, en la que será ya su 9ª edición. Como sabréis, GPS tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes de todos los estilos, tanto solistas como bandas, ofreciendo ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español. Dichos conciertos se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma.
El perpetuo trío de indie rock 
Cuando quedan tan sólo cinco días para que se celebre en el Paraninfo de la Ciudad Universitaria de Madrid una nueva edición del festival 
No hay tercer single oficial anunciado para 
Parece mentira pero ‘My My My!’, el primer adelanto del nuevo disco de Troye Sivan, un esperado ‘Bloom’ que ha salido finalmente este viernes 31 de agosto, llegó a nuestras vidas… ¡¡¡en enero!!! 
Tras el pelotazo dado por ‘This Is America’, a todas luces una de 
Quizá suene a lugar común lo de “qué injusto y reduccionista ha quedado el recuerdo histórico del Britpop, ahora parece que sólo había grupos de tíos”. Puede que las revisiones que se hacen dos décadas después no estén tan mal, al menos en los medios 
U2 actuaban este sábado en un estadio de Berlín como parte de su última gira, pero lamentablemente no pudieron concluir el concierto. Tan pronto como después de la 5ª canción, que era ‘Beautiful Day’, Bono hubo de abandonar por problemas con su voz, reduciendo el show a un 20-25% de lo que se había visto la noche anterior en la misma ciudad (era la segunda cita consecutiva en la capital alemana). En uno de los vídeos se ve a Bono diciendo que se siente como en un «cigarro gigante» (en algunas zonas del recinto se podía fumar), que ha perdido su voz y que no sabe qué hacer. Dice que “10 minutos antes estaba cantando como un pájaro” pero que no puede más. El grupo termina ‘Beautiful Day’ con la participación del público, pero después decide no continuar. Bono dice que se va a ausentar 10 o 15 minutos pero finalmente no puede volver.
Pedrina se dio a conocer en España como parte de Pedrina y Río, el dúo que vio cómo su tema ‘Enamorada’ aparecía en el taquillazo de Paco León ‘
Parte de la redacción evalúa el que es el número 1 en España desde hace un mes, ‘Teléfono’ de Aitana Ocaña.
La cancelación de tintes más desagradables del verano fue la de David Guetta en Santander a última hora, alegando un fallo en su avión. La organización 
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