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El nuevo disco de Zahara incluirá “canciones, relatos y objetos” y lo editará en su propio sello

Por
Raúl Guillén
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Sabíamos ya, desde que la entrevistáramos semanas atrás cuando publicaba el EP de versiones ‘Primera temporada’, que Zahara estaba ya inmersa en la preparación de su cuarto álbum de estudio. Y hoy, tras una entrevista con Efe que reproducen medios como El Diario, también sabemos que este nuevo disco lo publicará en noviembre, de nuevo bajo su propio sello, G.O.Z.Z. Records.

«Sentía que las cosas tenían que ser de una manera, pero me costaba decirle a una persona 20 años mayor que yo y con una discográfica que estaba equivocada», dice respecto a su insistencia en la autogestión discográfica. «Tienes que valorarte y aprender a defenderte, pero es muy difícil en una discográfica grande”. Una aventura empresarial en la que, además del tiempo que la ocupará su gestión, ha empleado sus ahorros y la ayuda de amigos y familiares y con la que podrá “hacer todo lo que quiero y que no lo pagaría ninguna discográfica”.

¿Y qué es eso que no “pagaría ninguna discográfica”? Pues, por lo que revela en la misma interviú, un formato físico muy especial, una caja con «canciones, relatos y pequeños objetos» que invitarán a indagar en la historia que lo articula, sobre la que no va a revelar obviamente nada, de momento. Lo que sí sabemos ya es que el «productor secreto» con el que se fue a grabar a Gales es Matt Twaites de The Electric Soft Parade, que también ha trabajado con Mystery Jets y Rose Elinor Dougall. «Me ha encantado cómo ha enfocado el disco, lo hemos grabado con la banda tocando en directo. Es mucho más orgánico que ‘Santa’, conecta un poco con ‘La pareja tóxica’ pero sin esa tristeza y esa melancolía”, dice Zahara a Efe.

Además, también revela algo muy interesante: en la próxima temporada televisiva la encontraremos al frente de un programa musical de #0 de Movistar+, Canciones que cambiaron el mundo, un programa del canal #0 de Movistar+ en la que ella misma y artistas invitados recuerdan y versionan temas que se han convertido en himnos de movimientos sociales como la lucha contra el racismo, por los derechos del colectivo LGTBI o el feminismo. Recordemos que ya tuvo una sección semanal en el programa Likes de la misma cadena.

La canción del día: Ximena Sariñana envía un mensaje de libertad en ‘¿Qué tiene?’

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Raúl Guillén
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Dice mucho de Ximena Sariñana que, a lo largo de los años la hayamos visto colaborar indistintamente con artistas mainstream –como Miguel Bosé, Jarabe de Palo o Ana Torroja– o independientes –como Little Jesus, Gepe o, muy recientemente, con la catalana Maria Rodés en el notable ‘Eclíptica’–. Esa amplitud de miras delata la posición ecléctica en lo artístico (y también en la industria) de la mexicana que, en todo caso, es una estrella del pop en su país.

Habían transcurrido ya cuatro años desde que publicara ‘No todo lo puedes dar’, un tercer álbum en el que sus canciones pop se adentraban en arreglos más contemporáneos. En esa línea, y habida cuenta del panorama actual en el que los sonidos R&B y hip hop copan el panorama musical, no es ninguna sorpresa que Sariñana, en su regreso musical, haya optado por contar con el tándem colombiano de productores Icon Music, que en los últimos tiempos han trabajado con la boyband CNCO, Juan Magán o Beatriz Luengo (en ‘Posturero’, del reciente ‘Cuerpo y alma’).

Hablamos de ‘¿Qué tiene?’, single lanzado días atrás por la artista norteamericana y que, con su ritmo caribeño, está en línea con recientes trabajos de artistas como Juanes, aproximando su estilo vocal al rap (aunque ella asegure en la letra que “no tiene flow”) e incitando al baile. Un estilo con el que la artista parece sentirse cómoda: próximamente la escucharemos hacer un featuring en el disco “cantado en español” del productor Dillon Francis.

La canción fue presentada con un vídeo en el que, aunque ella hace un cameo, está protagonizado por el bedel de un colegio, que da rienda suelta a sus dotes para la danza mientras pasa el mocho. Con ello, Sariñana potencia el mensaje de libertad, de ignorar el qué dirán («¿Qué tiene?», en este contexto, es un «¿a quién le importa?»), de una letra que pretende enviar un mensaje de libertad individual. Situando como protagonista a un señor de edad avanzada, pretende proyectarlo a un plano universal: “Quería encontrar un personaje que fuera muy opuesto a mí, para demostrar también que es un mensaje que cualquiera lo puede aplicar a su día a día, quitarle lo personal a la canción y que sea algo con lo que la gente se pueda identificar”, dice. Por el momento no se ha revelado si ‘¿Qué tiene?’ es parte de un nuevo álbum de Ximena Sariñana o será un single aislado.

Madonna aclara por qué fue así su polémico recuerdo hacia Aretha Franklin en los MTV VMAs

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Raúl Guillén
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Hace 24 horas, en la resaca de los premios MTV VMAs 2018, una de las cuestiones que más daba que hablar era el discurso con el que Madonna recordaba a Aretha Franklin, fallecida la pasada semana. En el mismo, Madonna estableció un paralelismo entre las vidas de ambas, que nacieron en Detroit y han dedicado la mayor parte de su vida a la música, para proseguir hablando de sí misma. No fue lo que el público entendía como un “homenaje” a la llamada Reina del Soul.

Horas después, conocedora ya de la controversia, Madonna publicaba, junto con una foto y una felicitación a Camila Cabello, un texto aclarando lo sucedido: “¡Me pidieron que entregara [a Cabello] el premio MTV a Vídeo del Año! Y entonces ellos me pidieron que compartiera cualquier anécdota que conectara mi carrera con Aretha Franklin. Compartí parte de mi viaje y agradecí a Aretha la inspiración constante. ¡No pretendía rendirle tributo! Eso hubiera sido imposible en 2 minutos y con el ruido y el oropel de una gala de premios. Nunca podría hacerle justicia en ese contexto y entorno. Desafortunadamente, la mayoría de la gente tiene corta capacidad de atención, y son muy rápidos juzgando. Amo a Aretha. R.E.S.P.E.C.T. 🙏🏼”.

En un texto opinativo publicado ayer por nuestro redactor Jordi Bardají, se apuntaba a la evidente improvisación del discurso, a la vez que se preguntaba por qué MTV no había apostado por un artista más próximo estilísticamente a Franklin, como Mariah Carey o Janet Jackson, para ese acto.

Im with the Winner!! The beautiful @camila_cabello ! So proud of her! 🌈💕🎉. And just to clarify: I was asked to present video of the year by MTV! And then they asked me to share any anecdotes I had in my career connected to Aretha Franklin! I shared a part of my journey and thanked Aretha for inspiring me along the way. I did not intend to do a tribute to her! That would be impossible in 2 minutes with all the noise and tinsel of an award show. I could never do her justice in this context or environment. Unfortunately most people have short attention spans, and are so quick to judge. I love Aretha! R.E.S.P.E.C.T. 🙏🏼. I Love Camilla! Congrats! I LOVE my dress! AND. I love-L O V E!! ♥️ and there is nothing anyone can say or do that will change that. #vmas #postivevibes

Una publicación compartida de Madonna (@madonna) el

Ariana Grande y ‘Sweetener’ destrozan el récord de Cardi B en Spotify

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Raúl Guillén
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Según reportaban ayer la cuenta de Twitter de Chart Data, confirmadas luego por Forbes, Ariana Grande y su nuevo disco, ‘Sweetener’, han arrasado con el récord de streamings en Spotify para una artista femenina durante la primera semana que, hasta ayer, ostentaban Cardi B y el debut que publicaba meses atrás, ‘Invasion of Privacy’.

‘Invasion of Privacy’ acumuló 102 millones de streamings durante los primeros 7 días de su lanzamiento a nivel global, que la llevaron a ser número 1 de álbumes en Billboard 200. Sin embargo, ‘Sweetener’ alcanzaba este martes más de 109 millones de streamings ¡tan sólo 4 días después de su publicación! Lo cual quiere decir que la nueva marca que establecerá de aquí al viernes será realmente histórica, con canciones como ‘Breathin’ y ‘Everytime‘ que, sin ser singles, se aproximan a los 20 y superan los 10 millones de escuchas, respectivamente. Más que probablemente, esas cifras combinadas con las de ventas físicas y digitales tendrán como resultado que Ariana Grande –que ayer presentaba el álbum en los MTV VMAs– alcance el número 1 de Billboard 200, sucediendo a ‘Astroworld’ de Travis Scott. A Nicki le daría un parraque… si no fuera porque son amiguis.

Además del éxito comercial, ‘Sweetener’ está recibiendo también un notable respaldo crítico, acumulando un 79 de 100 en Metacritic gracias a las notas altísimas de medios como Entertainment Weekly o Variety, pero también de otrso más “alternativos” como The Line of Best Fit o Pitchfork. Sólo medios como The Guardian, Exclaim o The Independent han calificado el álbum con notas tibias. En nuestra evaluación lo valorábamos con un 6,8 sobre 10.

Asia Argento niega las supuestas acusaciones de Jimmy Bennett y dice que sólo le «ayudó»

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Raúl Guillén
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Tras el terremoto que el lunes sacudía a la industria del cine, al movimiento feminista Me Too y a buena parte de la sociedad, después de que The New York Times revelara una documentación que prueba, supuestamente, que Asia Argento pagó para tapar un escándalo sexual con un actor menor de edad, Jimmy Bennett, la actriz ha respondido.

Lo ha hecho remitiendo un escrito al periodista de New York Magazine Yashar Ali, que este ha hecho público en Twitter. En su texto, Argento niega «todo» lo explicitado en la demanda de los abogados y, aunque reconoce que se reunió ese día de 2013 con un Bennett que entonces contaba con 17 años de edad –El País ha comprobado que la actriz conserva una imagen de ese día en su Instagram, mientras que el joven la ha eliminado–, dice que no mantuvo ninguna relación sexual con él y que estuvo ligada durante años a él con una relación de amistad.

Y explica que el pasado noviembre, poco después de que ella denunciara públicamente el comportamiento de Harvey Weinstein hacia ella, recibió esa demanda de 3,5 millones de dólares por parte de un abogado de Bennett. Ella, segura de que no tenía fundamento, pretendía no hacer nada, pero fue su pareja, el fallecido chef televisivo Anthony Bourdain, el que abogó por acallar el posible escándalo al temer que afectara a su carrera profesional. Así, y conociendo que Bennett pasaba por dificultades, se acordó entregarle la cantidad de 380.000 dólares a modo de «ayuda económica».

C. Tangana se define como el “Jay Z español” en ‘Spanish Jigga Freestyle’

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Raúl Guillén
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Como es habitual, Antón Álvarez no da puntada sin hilo en lo que se refiere a su carrera como C. Tangana y, a menos de 24 horas de actuar en el Starlite 2018 (un certamen musical celebrado en Marbella que congrega a artistas de corte comercial como Pet Shop Boys, Jamiroquai, Sting, Texas o Pablo Alborán), ha lanzado un nuevo tema.

Se titula ‘Spanish Jigga Freestyle’ –aunque su clara estructura estribillo-verso-estribillo no encaja exactamente en la improvisación que implica el “freestyle”– , puesto que se trata de un vídeo en directo en el estudio, auspiciado por Vevo. El clip fue lanzado por Pucho en redes sociales destacando una línea de la letra en la que se autodenomina como el “Spanish Jay Z” que, obviamente, implica que él es el rapero más poderoso, influyente y adinerado del país, como se encarga de extender en su letra. Aunque también habla de ansiedad («desayunando Xanax en el Duty Free») y algún guiño emocional a una “morena” a la que se parecen las chicas con las que está. La base es del dúo de productores LivingLargeInVenus, que ya colaboraran en ‘Ídolo‘, y, de momento, no parece que el tema vaya a subir a plataformas de streaming.

Lo que está al caer, al parecer, es una colaboración entre C. Tangana y Becky G que, dado el potencial comercial actual de ambos, ha despertado muchísima expectación. Y no nos sorprendería nada que se convirtiera en un éxito instantáneo, después de que Becky G y ‘Sin pijama’, su hit con Natti Natasha, haya sido número 1 de singles en España durante todo el verano (doble platino), y C. Tangana haya visto cómo ‘Bien duro’ alcanzaba cifras de disco de oro y ‘Llorando en la limo’, disco de platino. Curiosamente, las encantadoras Cariño mostraban ayer en su Stories una adaptación punk-pop de este tema que hicieron en directo, transformado en ‘Llorando en Vespinos’ y empleando «tontipop» y «Family» en la línea «Dios bendiga al reggaeton, Dios bendiga a Daddy».

Robyn, top 1 en JNSP; entran Kiesza, The Goon Sax, Allie X, Charli XCX, Ella Mai, Mura Masa y Jake Shears

Por
Sebas E. Alonso
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Robyn es el nuevo número 1 del top 40 semanal de JNSP con su nuevo single ‘Missing U’, mientras Róisín Murphy con ‘Plaything’ y ‘Fast Slow Disco’ de St Vincent pasan al top 3. También entran los temas de Kiesza, The Goon Sax, Allie X, Charli XCX, Ella Mai, Mura Masa y Jake Shears. La movilización de los fans de Robyn (recordemos que son pocos pero muy apasionados) provoca interesantes cambios en la lista y alcanzan un nuevo máximo temas de Christine and the Queens, Let’s Eat Grandma, Arctic Monkeys y SOPHIE, entre otros. Por el contrario, toca despedirse de ‘Brillo’ de J Balvin con Rosalía, ‘This Is America’ de Childish Gambino, ’Solo’ de Clean Bandit con Demi Lovato y ‘bitches’ de Tove Lo. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 3 1 2 Missing U Robyn Vota
2 18 2 4 Plaything Róisín Murphy Vota
3 14 3 8 Fast Slow Disco St Vincent Vota
4 4 2 15 Hunger Florence + the Machine Vota
5 11 2 19 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
6 25 6 6 Girlfriend Christine and the Queens Vota
7 32 7 6 It’s Not Just Me Let’s Eat Grandma Vota
8 5 5 2 Ya no quiero ná Lola Indigo Vota
9 1 1 3 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
10 2 1 11 Malamente Rosalía Vota
11 12 1 19 Anna Wintour Azealia Banks Vota
12 23 12 3 Tranquility Base Hotel & Casino Arctic Monkeys Vota
13 17 13 7 Immaterial SOPHIE Vota
14 20 7 7 All for You Years & Years Vota
15 16 2 24 IDGAF Dua Lipa Vota
16 8 1 17 No Tears Left to Cry Ariana Grande Vota
17 10 1 15 Accelerate Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz Vota
18 31 13 10 Lost My Mind Lily Allen Vota
19 7 2 5 God Is a Woman Ariana Grande Vota
20 34 20 4 Level Up Ciara Vota
21 6 5 11 Brillo J Balvin, Rosalía Vota
22 – 22 1 Phantom of the Dance Floor Kiesza, Philippe Sly Vota
23 13 5 14 This Is America Childish Gambino Vota
24 9 6 9 Dance to This Troye Sivan, Ariana Grande Vota
25 19 18 8 Bien duro C. Tangana Vota
26 – 26 1 Make Time for Love The Goon Sax Vota
27 – 27 1 Not So Bad In L.A. Allie X Vota
28 22 6 6 Gitanas Mala Rodríguez Vota
29 – 29 1 Girls Night Out Charli XCX Vota
30 15 17 13 Solo Clean Bandit, Demi Lovato Vota
31 RE 31 4 you should see me in a crown Billie Eilish Vota
32 24 11 9 Ataraxia La Casa Azul Vota
33 29 13 6 Internationally Bad Gyal Vota
34 36 34 2 Más raro Bad Gyal Vota
35 – 35 1 Boo’d Up Ella Mai Vota
36 – 36 1 Complicated Mura Masa, Nao Vota
37 33 10 10 bitches Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA Vota
38 21 8 8 Apeshit The Carters Vota
39 28 3 6 Kream Iggy Azalea Vota
40 – 40 1 Big Bushy Moustache Jake Shears Vota
Candidatos Canción Artista
– Golden Child Say Lou Lou Vota
– Two Slow Dancers Mitski Vota
– Woman Cat Power, Lana del Rey Vota
– Locura Alex Anwandter Vota
– Normal People Fucked Up Vota
– Midnight Black Honey Vota
– Uh Huh Jade Bird Vota
– Tried Up Ama Lou Vota
– Drown Cuco, Clairo Vota

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Black Honey: del brit rock al disco pasando por Lana Del Rey

Por
Raúl Guillén
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¿Qué narices podría unir conceptos tan dispares como el brit rock –es decir, el de grupos como The Joy Formidable o Sons & Daughters–, la música disco o Lana Del Rey? Dos palabras: Black Honey. Este cuarteto radicado en Brighton, comandado por la carismática Izzy B. Philips, a menudo comparada con Lana del Rey por su estilo vocal a lo starlette, debutaba sonoramente en 2014 con un EP homónimo- En él, canciones como ‘Corrine’ o ‘Madonna’ daban cuenta de su carácter aguerrido en lo sonoro, pero contrapuesto a cierta dulzura melódica.

Una línea que proseguirían en ‘Headspin’, EP de 2016, en el que algunos arreglos twang en las guitarras aportaban un carácter retro que, de nuevo, rememora algunos ambientes blues y retrorock (aún más acentuado en la estética 40s y 50s de muchos de sus vídeos) empleados frecuentemente por Lizzy Grant, como en el corte titular. Black Honey no han dejado de evolucionar en su camino, con canciones de tintes post-Madchester –como los de ‘Hello Today’–, épica rock –‘Somebody Better’– o seducción de medio tiempo country –‘Dig’–.

Aunque el gran salto en cuanto a diversidad estilística, el más ambicioso, se ha dado en este 2018, cuando ya se ha conocido la publicación de su debut homónimo, el próximo 21 de septiembre. En él tendrán cabida singles como el pseudo-hip hopero (aunque sin perder el toque “noir”) ’Bad Friends’, la sofisticación con toques surf de ‘I Only Hurt the Ones I Love’. Y también la última (o penúltima) sorpresa que nos tenían preparada: ‘Midnight’ es un sorprendente tema de inspiración disco, claramente bailable, que realmente pocos podían esperar en aquellos inicios.

Además, cuenta con un llamativo clip, tan violento como colorido, que enlaza con una historia de relaciones a tres bandas y celos que ya comenzaron a narrar vídeos atrás, siempre con el máximo cuidado estético y con Izzy como indiscutible frontwoman. En apenas unas semanas, podremos despejar la incógnita de si esta curiosa amalgama de influencias es coherente en todo un álbum.

Julien Baker, Lucy Dacus y Phoebe Bridgers se unen en Boygenius

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Raúl Guillén
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Es realmente llamativa la cantidad de cantautoras de perfil rockero que han surgido en los últimos años, especialmente en Estados Unidos. Mujeres como Mitski, Molly Burch, Torres, Waxahatchee, Snail Mail, Phoebe Bridgers, Lucy Dacus o Julien Baker han alcanzado repercusión mundial basándose en sus composiciones y sus interpretaciones, a menudo descarnadas y con la electricidad del rock como elemento frecuentemente común.

Por eso es sólo una relativa sorpresa que las tres últimas citadas, Baker, Dacus y Bridgers hayan decidido unir sus caminos artísticos en una suerte de supergrupo. Se llaman Boygenius –toma nombre irónico– y ya tienen listo su primer EP. Un disco homónimo que se publica el próximo 9 de noviembre y que nació como un 7” promocional para una gira que las tres realizan este otoño en EEUU. Pero se han encontrado con tanta confianza mutua que han terminado reuniendo hasta 6 canciones, en cada una de las cuales se reparten los roles. Hoy han dado a conocer tres de ellas: ‘Bite The Hand’, con Dacus a la voz y las guitarras; ‘Me & My Dog’, con Bridgers relatando una ruptura; y ‘Stay Down’, uno de esos volcánicos y emotivos números de Baker.

De momento esta gira de Julien y Pheoebe con Lucy como telonera no saldrá de Norteamérica, pero la primera Baker sí estará en Europa –no en España– a finales de año, presentando ‘Turn Out The Lights’, uno de los mejores discos de 2017. Este año se publicaba el segundo largo de Lucy Dacus, el notable ‘Historian’, mientras que Bridgers debutaba el pasado año con ‘Stranger In The Alps’.

Soft Cell estrenan ‘Northern Lights’, su primera canción en 15 años

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Jordi Bardají
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Soft Cell, el famoso dúo compuesto por Marc Almond y Dave Ball, autor de canciones míticas del synth-pop de los 80 como ‘Say Hello, Wave Goodbye’ o ‘Torch’, e intérprete por supuesto de la versión más famosa de ‘Tainted Love’ de Gloria Jones, había anunciado un concierto de despedida para conmemorar el 40º aniversario del grupo. El concierto tendrá lugar el próximo 30 de septiembre en el O2 de Londres.

Por suerte para los fans de Soft Cell, el dúo no se despedirá de sus fans sin antes publicar música nueva y esta tarde ha llegado a The Guardian, en exclusiva, el estreno de ‘Northern Lights’, su nuevo tema, que llegará a las plataformas de streaming el miércoles a medianoche. ‘Northern Lights’ es el primer adelanto del nuevo recopilatorio de Soft Cell, ‘The Singles – Keychains and Snowstorms’, que sale 28 de septiembre, y no será la única canción nueva que incluya el disco, ya que junto a ella el dúo estenará otro tema llamado ‘Guilty (Cos I Say You Are)’.

El grupo ha explicado a The Guardian que ‘Northern Lights’ es una “celebración de nuestras raíces en el northern soul”. Como su versión de ‘Tainted Love’, que también era una canción de northern soul, ‘Northern Lights’ es una modernización de esa corriente del soul británico que surgió en los 60, brillando en un estribillo muy clásico y pegadizo, que casi pide a gritos una versión “de raíces”.

Disclosure revisten de ritmo house la música popular de los 40 y 50 en sus 2 nuevos singles

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Jordi Bardají
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Disclosure habían dicho que su nuevo saldría en 2019, pero el pasado mes de mayo sorprendían estrenando canción con la maliense Fatoumata Diawara, una bailable ‘Ultimatum’ que presentaba sonoridades propias del funk y el jazz, revestidas como siempre por los prominentes ritmos house de los hermanos Lawrence.

Meses después de aquello llega a la red no una sino dos canciones nuevas de Disclosure que tienen mucho que ver entre ellas, y poco con aquella colaboración con Diawara. ‘Moonlight’ y ‘Where Angels Fear to Tread’ destacan por sus elegantes y densos ritmos house, pero también por utilizar ambas fragmentos de canciones muy antiguas para su melodía principal, canciones de los 40 y 50 que pertenecen al repertorio de la canción popular americana. Esto se debe a que Disclosure han estado “completamente obsesionados últimamente con los grupos de jazz vocal a capela”, como han reconocido en Twitter.

Precisamente el grupo vocal a capela sueco The Real Group está presente en ‘Moonlight’, ofreciendo sus armonías al servicio de ‘When I Fall in Love’, una canción de 1952 que popularizaron, entre otros, Doris Day y más tarde Natalie Cole. Por su parte, ‘Where Angels Fear to Tread’ directamente samplea la versión de The Four Freshmen de ‘Fools Rush In’, el clásico de 1940 que, entre otros, popularizaron Frank Sinatra y Ricky Nelson.

Amaia inaugura, triunfal, la quinta edición de Flamenco on Fire

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Jordi Bardají
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Este mediodía, Amaia Romero ha inaugurado la quinta edición del festival Flamenco on Fire de Pamplona con una actuación gratuita en el balcón del Ayuntamiento. Diario de Navarra ha retransmitido el concierto -de casi 40 minutos- a través de Youtube en un vídeo que ya puede verse al completo, aunque avisamos que la calidad no es la mejor.

Congregando a miles de personas ante el consistorio, Romero, quien por cierto es de Pamplona, ha cantado junto a Pepe Habichuela, José Miguel Carmona y Marta Robles, que le han acompañado a la guitarra, canciones populares de flamenco como ‘Ay pena, penita, pena’, ‘Mi risueñor’ o ‘Dos cruces’. Cualquier punto del vídeo de su actuación, que adjuntamos abajo, sirve para descubrir cuán emocionada estaba el público al ver a Amaia, hasta el punto que por momentos se oyen gritos de emoción realmente espeluznantes.

Esta es la primera actuación que realiza Romero tras su exitoso concierto en el Teatro Real. Antes el público la ha podido ver en el Universal Music Fest de Madrid o en el Primavera Sound de Barcelona. Puedes recordar nuestra entrevista a Amaia y Alfred, previa a su actuación en Eurovisión, aquí.

The Coral / Move Through The Dawn

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Raúl Guillén
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La propia portada de ‘Move Through The Dawn’, noveno álbum de estudio de The Coral, ya anticipaba que estábamos ante una nueva revisión del grupo inglés, con colores ácidos, kanjis nipones y un león acompañado una imagen del quinteto con camisas hawaianas y viseras, cual veinteañeros. Una reencarnación confirmada por los dos primeros avances del disco, ‘Sweet Release’ (un agitado rock pseudo-garajero acompasado por una caja de ritmos, muy Super Furry Animals) y ‘Eyes Like Pearls’ (con la E.L.O. y Frankie Avalon como probable inspiración), donde el rock de inspiración 60 sonaba liberado de la oscuridad a la que Geoff Barrow (Portishead) sometió al grupo en ‘Distance Inbetween’, su regreso tras 4 años de parón.

Esos singles que, junto con la vibrante ‘Reaching Out for a Friend’, llevan a imaginar a The Kinks producidos por Jeff Lynne, están situados estratégicamente en el arranque del largo, empujándonos ya de entrada a sonreír, bailotear y empaparnos de luz. Y, de paso, conforman el espíritu primordial de ‘Move Through The Dawn’: es su disco más directo, incisivo y ambicioso en cuanto a vocación popular desde su sobresaliente debut. La producción, compartida por el grupo y Richard Turvey (Blossoms), está claramente entre lo más fresco y desenfadado de su carrera, con ciertos efluvios del AOR de los 80 y unas armonías vocales (siempre con James Skelly como líder) próximas a los Beach Boys más obvios. Y así lo refrendan también números tan certeros, desde el punto de vista melódico, con tiros tan seguros como ‘Love or Solution’, ’She’s A Runaway’ o ’Strangers In The Hollow’, que retrotraen a unos Fleetwood Mac o Eagles envueltos en sintetizadores sintéticos, valga la redundancia.

Pero eso no significa que The Coral rehuyan –o no del todo– a esa parte más psico-folk-rock y enraizada que ha venido marcando su última etapa, como demuestra el hecho de que la bonita balada acústica ‘After The Fair’ haya sido escogida como tercer single del disco y, muy apropiadamente, cerrándolo. Su perfil más clásico pervive en la segunda mitad del disco, con las estupendas ‘Eyes of The Moon’, ‘Undercover of The Night’ o unas ‘Stormbreaker’ y ‘Outside My Window’ entre The Troggs y Arctic Monkeys –quién sabe si no lograrán pescar algún nuevo fan entre los seguidores decepcionados con estos últimos–.

Cierto es que, en ese marasmo de influencias tan a priori ajenas, la sombra del pastiche sobrevuela en ocasiones a ‘Move Through The Dawn’ que, desde luego, no brilla por una especial originalidad. Sin embargo, se impone el fondo a la forma, la calidad de las canciones a cómo sean tratadas en lo sonoro. Y, desde ese punto de vista, estamos ante un disco que se escucha con gusto de cabo a rabo, repleto de buenas canciones que, sin duda, revitalizan la carrera de The Coral y les vuelve a hacer apetecibles.

The Coral realizarán una gira de presentación que tendrá 4 paradas en nuestro país: el 13 de noviembre estarán en Barcelona (Sala Sidecar), el 15 en Zaragoza (Las Armas), el 16 en Madrid (Changó Club) y, por último, el 17 de noviembre en León (Espacio Vías).

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Eyes Like Pearls’, ‘Strangers In The Hollow’, ‘Eyes Of The Moon’, ‘Reaching Out for a Friend’, ‘Sweet Release’
Te gustará si te gustan: The Kinks y E.L.O., The Beach Boys y los Arctic Monkeys de ‘A.M.’, Super Furry Animals
Escúchalo: Spotify

Visor Fest suma a Cat Power a su cartel, con The Flaming Lips, Saint Etienne, Ride…

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Jordi Bardají
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Ante el éxito de macro-festivales multitudinarios como Primavera Sound o Mad Cool surgen otros que buscan ofrecer una experiencia de festival más cómoda, tranquila y sin solapamientos. Fue el caso de Vida Festival y es ahora el caso de Visor Fest, un nuevo festival que tendrá lugar en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm (donde se celebra el Low Festival) los próximos 2 y 3 de noviembre.

El cartel de Visor Fest, que buscará evocar la experiencia de festival de los 90, se centrará en “bandas y artistas que nacieron en las décadas de los 80 y los 90, pero que sin embargo siguen teniendo un discurso fresco y actual”. Los primeros nombres confirmados son Cat Power, que acaba de anunciar disco y estrenar single con Lana Del Rey; The Flaming Lips, Saint Etienne, Ride, Chameleons Vox y Addictive TV.

Explica Visor Fest que permitirá “disfrutar de todos los conciertos sin solapamientos y con conciertos completos”, con la intención de “ofrecer a su público una experiencia similar a estar en una sala; huyendo de la locura que a veces supone ir corriendo entre escenarios y perdiéndose muchas de las bandas y actividades que se ofrecen”. La oferta de abonos a precios reducidos (15 euros) ya está disponible hasta agotar existencias.

¿Por qué Madonna se sigue prestando a elogiar a artistas muertos en las galas?

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Jordi Bardají
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En un extraño giro de los acontecimientos, Madonna, que acaba de cumplir 60 años, ha protagonizado la mayor polémica (bueno, “polémica”) de la última edición de los MTV Video Music Awards tras ser encargada de realizar un discurso en memoria de Aretha Franklin (puedes leer la transcripción íntegra del discurso en Rolling Stone). En él hubo escasa mención a la propia Aretha y Madonna se dedicó sobre todo a hablar de sí misma y de los inicios de su carrera, mencionando de paso la influencia indirecta que Aretha ejerció en el devenir de su trayectoria profesional cuando, mucho antes de sacar su primer disco, falló una audición de ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’ que le llevó hacia otras oportunidades profesionales. Si en el discurso de Madonna se intuyó algo parecido a un mensaje feminista o de empoderamiento, este terminó totalmente tapado por la historia de Madonna sobre Madonna, que por supuesto gustó entre poco y nada en las redes sociales.

La tendencia de Madonna a hablar de sí misma durante los homenajes que realiza a otras personas no es novedad. Todo el mundo recuerda el gran momento “Michael Jackson nació en agosto de 1958, como yo” de su discurso en homenaje a Jackson en ese mismo escenario de los VMA, poco después de morir el cantante (un discurso que, en realidad, no estuvo tan mal). Pero quizá la pregunta no es tanto por qué Madonna habla siempre de sí misma en sus elogios a artistas muertos en las galas sino por qué Madonna se sigue prestando a elogiar a artistas muertos en las galas, sobre todo si estos no tienen tanto que ver con ella, como es el caso de Aretha Franklin.

Sí, Madonna tiene cosas en común con Aretha Franklin. Ambas son de Detroit y ambas son las “reinas” de sus respectivos géneros. Además, a mediados de los 80 incluso fueron contemporáneas, cuando Aretha protagonizó un “comeback” en las listas de éxitos gracias a singles como ‘I Knew You Were Waiting for Me’ con George Michael. Por supuesto, la autora de ‘Vogue’ tiene también mucho que ver con Michael Jackson y también con Prince y precisamente a Prince realizó otro homenaje en los premios Billboard junto a Stevie Wonder que también fue criticada, aunque no tanto. ¿Pero por qué Madonna tiene que hacer todos estos homenajes? ¿Por qué se los proponen y por qué ella acepta? ¿Para recordarnos que ha sobrevivido a todos estos artistas? Y aunque Madonna hubiera hablado de Aretha Franklin en el homenaje a Aretha Franklin en lugar de sobre sí misma, en serio, ¿a quién le interesa oír a Madonna hablando sobre Aretha Franklin?

El maquillador de Madonna, Aaron Smith Henrikson, que esta semana ha estado con la artista en Marruecos, cuenta en Instagram que no ha dormido para poder ir a los VMA y que ha estado “en 4 países en 24 horas”, de lo que se entiende que quizás la visita de Madonna a los premios ha sido improvisada, realizada a último minuto. Esto explicaría el extraño discurso de Madonna sobre Aretha, pero no explica por qué los MTV han tenido que recurrir a ella para realizar este homenaje en lugar de a artistas a los que probablemente ha influido más, como Mariah Carey o Janet Jackson. ¿Ni siquiera han podido llamar a Lionel Richie o a Jennifer Hudson? Hubiera tenido menos gracia que ver a Madonna vestida de bereber en la tele, hablando sobre cómo Aretha le “ayudó” a salir del cuchitril en el que vivía en Nueva York, pero por lo menos habría tenido un poco más de sentido…

La canción del día: Fucked Up invocan al fantasma de David Bowie en la atractiva terapia de ‘Normal People’

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Raúl Guillén
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Como sabemos, Fucked Up regresan a la actualidad musical con el lanzamiento, el próximo 5 de octubre, de un nuevo álbum. ‘Dose Your Dreams’ es el quinto disco de su carrera, que parecía llegar a un punto de inflexión tras ‘Glass Boys’, disco publicado en 2014 que no satisfizo a los fans del grupo de Toronto y que hoy tampoco ellos pueden defender: “‘Glass Boys’ era como “hagamos sencillamente un disco rock”, pero había problemas en él; no sonaba con confianza”, dice hoy Mike Haliechuk a Billboard. “‘Glass Boys’ era un poco “demasiado real” (…). Pero, si yo fuera un fan de Fucked Up, pensaría “no me importa lo que penséis de la cronología del punk: poned putos saxofones en vuestra canción y sed raros”.

Y eso es lo que, dicen, se han permitido hacer en ‘Dose Your Dreams’, un álbum en el que su carismático vocalista Damian Abraham –que en un momento dado aseguró que ‘Glass Boys’ sería su último disco con la banda– ha dado un paso atrás y ha reducido sus trifulcas con Haliechuk, dejando que este lleve la voz cantante. Y el resultado es un álbum que rompe las convenciones del hardcore punk incluso más que el aclamado ‘David Comes To Life’, con algunos cortes dream pop o incluso directamente disco, como el titular. O, como en el nuevo adelanto que hoy nos ocupa, próximos al glam del David Bowie de ‘Diamond Dogs’, los Primal Scream de ‘2013’ o los Pulp de ‘Common People’. Y no, no es sólo porque se titule ‘Normal People’.

Como asevera el propio guitarrista y compositor de la banda, en ella introducen esos matices por medio de un ruidoso saxofón, pero también con llamativos riffs de guitarra y su ritmo de boogie, derivando en uno de los temas más uptempo y atractivos del grupo desde ‘Queen of Hearts’. En contraposición a ese espíritu aperturista, la letra de ‘Normal People’ –que no está cantada íntegramente por la gutural voz de Abraham, sino que comparte tareas vocales con Haliechuk– es un desolador retrato de la soledad y el aislamiento que propician las tendencias depresivas del hombre y la mujer moderno.

Versos como “consiguió un trabajo al salir de la facultad, su casa es pequeña / pero tiene piscina, está sólo a un par de paradas / Siente una tristeza que no puede explicar / Para él es difícil divertirse: perdió a su madre cuando era joven” o “Ayer tenía una vida, tenía un hogar, lucía una sonrisa para vender mi alma / Mi corbata es azul y mi camisa es blanca, así que ¿por qué no puedo arreglármelas para sentirme bien?” definen los sentimientos diarios de muchas personas. Como también lo hace el vídeo oficial de la canción, en el que los seis músicos canadienses pervierten, con un papel insólito, la aparente cotidianidad de la vida del occidental medio.

Nicki Minaj, dispuesta a dar hostias, y otros memes y GIFs de los VMA 2018

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Jordi Bardají
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No ha habido actuación histórica, ni un poco polémica, este año en los MTV Video Music Awards, que se han celebrado esta noche en Nueva York, dando como gran ganadora de la noche a Camila Cabello y en los que han actuado también Ariana Grande, Nicki Minaj, Shawn Mendes, Post Malone o Jennifer Lopez, quien ha recibido el Video Vanguard Award por sus contribuciones al mundo del videoclip.

Pero no hay ceremonia musical que no produzca memes y los MTV Video Music Awards no han sido una excepción, empezando por varios que destacan la ausencia en la gala de artistas tan importantes como Beyoncé y Jay-Z, que estaban nominados y han ganado un par de premios (Mejor cinematografía, Mejor dirección artística) o Taylor Swift, que estaba nominada pero no ha ganado nada.

El extraño discurso centrado en sí misma de Madonna sobre Aretha Franklin también ha generado bromas en la red, así como la mirada miope de Ariana Grande. Ella misma aparece contando algo a Nicki Minaj en un GIF que se ha hecho viral por la reacción de la rapera, que parece dispuesta a repartir tortazos, y también ayudándole con el vestido cuando Minaj sube al escenario para recoger una estatuilla.

Uno de los inesperados protagonistas de la noche ha sido Max, el hijo de Jennifer Lopez, cuya reacción ante la mención de su madre durante su discurso de agradecimiento por el Video Vanguard Award es imperdible. La propia J Lo es protagonista de bromas por su premio, como la que ilustra este post.

Más sobre los VMA y sus protagonistas, en nuestros foros.

Camila Cabello gana el premio a Vídeo del año en los VMA 2018

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Jordi Bardají
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Esta noche ha tenido lugar en el Radio City Music Hall de Nueva York una nueva entrega de los MTV Video Music Awards. El premio más importante de la ceremonia, el de Vídeo del año, ha ido a parar a Camila Cabello por ‘Havana’. Se lo ha entregado Madonna, quien previamente ha realizado un discurso en recuerdo a la recientemente fallecida Aretha Franklin que ha sido duramente criticado en las redes sociales. En su discurso, Madonna ha explicado cómo una fallida actuación de ‘(You Make Me Feel Like) A Natual Woman’ en los albores de su carrera cambió el curso de su vida, haciendo escasa mención a la propia Aretha, hasta el punto que hay quien opina en Twitter que Madonna ha convertido la muerte de Aretha en una nueva oportunidad para hablar de sí misma.

Otra de las grandes protagonistas de la noche ha sido Jennifer Lopez, quien ha recibido el Video Vanguard Award y ha realizado una actuación de 10 minutos en la que ha metido todo lo que ha podido, desde ‘Waiting for Tonight’ a ‘All I Have’ pasando por ‘On the Floor’, ‘Get Right’, ‘Love Don’t Cost a Thing’, ‘I’m Real’ e incluso ‘Ain’t Your Mama’. Aunque, tras su actuación, el mundo se debe haber quedado preguntando “¿E ‘If You Had My Love’ pa cuándo?”

Entre las actuaciones destacadas de la noche se encuentran la de Ariana Grande, que ha montado una especie de “última cena” con sus bailarinas para ‘God is a Woman’, y Travis Scott, que ha sacado al mismísimo James Blake (!!!) a los VMA para cantar ‘Stargazing’ y ‘Trying to Be God’. Por su parte, Nicki Minaj ha hecho un “medley” de su disco ‘Queen’, Shawn Mendes ha cantado ‘In My Blood’, Maluma ‘Felices los 4’, Logic y Ryan Tedder se han acompañado en ‘One Day’ de familias inmigrantes y Post Malone ha compartido escenario con Aerosmith (?) para cantar ‘Rockstar’ y ‘Dream On’, entre otras.

Precisamente ‘Rockstar’ se ha llevado el premio a Canción del año, mientras Cardi B, que ha inaugurado la gala haciendo como que daba de mamar a su bebé (no era su bebé), haciendo su primera aparición pública tras dar a luz, ha ganado el premio a Mejor artista nuevo y también el de Mejor colaboración por ‘Dinero’ junto a J Lo y DJ Khaled y Canción del verano por ‘I Like It’ con J Balvin y Bad Bunny. ‘No Tears Left to Cry’ de Ariana Grande ha sido el Mejor vídeo pop, ‘Chun Li’ de Nicki Minaj el Mejor vídeo de hip-hop, ‘APESHIT’ de The Carters Mejor cinematografía
y Dirección de arte, ‘Mi gente’ de J Balvin y Willy William el Mejor vídeo latino, ‘All the Stars’ de Kendrick Lamar y SZA el vídeo con Mejores efectos visuales, ‘Lemon’ de N.E.R.D. y Rihanna Mejor montaje, y ‘This is America’ de Childish Gambino el Mejor vídeo con mensaje y Mejor coreografía. La prometedora Hailey Kiyoko se ha llevado a casa el Premio “Push”.

Lele Pons, la estrella de Instagram que puede ser estrella del pop gracias a ‘Celoso’

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Raúl Guillén
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Aquellos muy metidos en el universo de influencers e instagrammers, esa estirpe, conocerán sobradamente a Lele Pons, una joven venezolana afincada en Miami que comenzó a ser popular por sus vídeos –pequeños gags cómicos– en Vine (R.I.P.), que la llevó a ser calificada por Time como una de las jóvenes latinas más influyentes del mundo. De ahí, trasladó su base de fans a Youtube, donde la siguen más de 11 millones de personas, y sobre todo a Instagram, red social en la que, además de acumular 26 millones de seguidores, ostenta una marca que no es ninguna broma: sus Stories acumulan más visualizaciones al año que los de Kim Kardashian, Maluma o Ariana Grande, por ejemplo.

Con esos méritos, no sorprende (bueno, un poco sí, pero no mucho) que La Voz México la haya elegido para presentar su próxima edición, ni que Universal le haya ofrecido un contrato discográfico sin haber publicado aún ningún single. Aunque sí que había hecho sus pinitos en el mundo del pop: si recordáis (seguro que sí) el clip de ‘Havana’ de Camila Cabello, Lele hacía de “hermana” de la cubana; y también hacía una aparición en el clip de ‘Downtown’, el single conjunto de Anitta y J Balvin lanzado el pasado año.

Con estos antecedentes, la pasada primavera Lele debutaba en ‘Dicen’, un dueto con un cantante neoyorquino adolescente llamado Matt Hunter. Si Hunter se estaba haciendo famosillo en su país por sus canciones de urban pop en español, su espaldarazo definitivo ha llegado con esta canción con Pons que, con más de 35 millones de reproducciones en Spotify, prácticamente triplica su mayor éxito anterior. ¡Y su vídeo suma ya 114 millones de streamings! La multinacional tenía que estar muy ciega para no ver el filón, y ahora Lele ha publicado su primer single en solitario, ‘Celoso’.

Se trata de una canción producida por DVLP –que recientemente trabajaba con C. Tangana en ‘Bien duro’, por ejemplo– que parece ir de cabeza a por el hallazgo del pop disfrutón con coartada empoderada y feminista á là ‘Lo malo’ –“te pones celoso si me ves con otro (…) yo no soy de ellos ni tuya tampoco (…) hago lo que quiero, sólo me la gozo”–. Y funciona: desde que se lanzara su clip oficial el viernes, ya acumula más de 22 millones de visitas –por acotar el orden de magnitud, el clip de Janet Jackson estrenado el mismo día suma algo más de 12–. Su tirón en redes sociales tendrá su parte de responsabilidad, es evidente, pero la verdad es que ese “rom-popom-popopom” es bastante magnético.

Bejo se «apropia» del ‘Work’ de Rihanna en ‘El Tupperware’

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Raúl Guillén
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Tras un aparente paroncillo que siguió a la edición de ‘Hipi Hapa Vacilanduki’, su álbum debut oficioso, el rapero canario Bejo ha pasado este año lanzando singles en su línea a medio camino de lo surrealista, lo humorístico y lo lisérgico, como ‘Onomeatropella’, ‘Helarte’, ‘Una papa pal kilo’ o ‘Perogrullo’. Y este fin de semana, manteniendo una frecuencia de lanzamientos de un single cada dos semanas, ha llegado un nuevo episodio titulado ‘El tupperware’.

Tras varios trabajos con horror.vacui, Nico Miseria o Lativo, ‘El tupperware’ está producida por DJ Pimp, con el que se ha compenetrado tras convertirse en su escudero instrumental más fiel en los directos que ha venido ofreciendo en el último año. Una base abiertamente funk, colorida y muy bailable, en la que, anticipándose a lo efímera que puede resultar su relación con alguna de sus conquistas, le pide “al menos déjame una teta en un tupper”.

Esto deriva en el principal gancho de la canción, que nace de la segunda parte del nombre de ese contenedor de plástico, que Bejo repite con la melodía del hit ‘Work’ de Rihanna, dejándonos uno de sus momentos más chorras/hilarantes. Como no podía ser de otra manera, un imaginativo clip del habitual Cachi Richi que, protagonizado por jirafas tricéfalas, peces-gallo y, claro, tetas en tápers, redondea la obra y lo sitúa, como es frecuente en ellos, en la lista de tendencias de Youtube (el número 15, en este momento). Bejo acometerá el próximo septiembre un nuevo tour por América Latina, con shows ya confirmados en México y Argentina.

Kiesza habla sobre su fracaso multinacional: “vi a gente en la que confiaba transformarse en monstruos”

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Raúl Guillén
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Hace unos días destacábamos el regreso de la canadiense Kiesza, la delirante y cómica ‘Phantom of the Dance Floor’. Un single que, como advertíamos, supone su regreso a la independencia tras su paso por Island Records, subsello de Universal Music (en el que, por ejemplo, publican artistas y grupos como U2, Justin Bieber, Shawn Mendes, Demi Lovato…). Un paso que sólo puede calificarse de fracaso y sobre el que la artista pelirroja da ahora buena cuenta en una entrevista para Music Business Worldwide, en la que no se guarda, aparentemente, nada.

En ella, Kiesza destaca que ‘Hideaway’, su monster-hit del año 2014 (en estos momentos suma más de 700 millones de streamings entre Spotify y Youtube) fue creado íntegramente desde la independencia, incluido aquel memorable clip en una solo plano-secuencia, escrita por ella junto a su productor Rami Samir Afuni que, además, era A&R de Island. La canción creció por el boca a oreja de blogs y su vídeo se hizo viral, lo cual, aprovechando a fuerza promocional de Universal, la llevó a ser número 1 en Reino Unido, donde fue disco de platino (igual que en Alemania, mientras que en Italia y su país fue incluso multi-platino), y llegando a ser disco de oro en EE UU. “A partir de ahí, todo cambió”, cuenta Kiesza: “cuando tienes éxito en este negocio, la gente empieza a cambiar –hay codazos, y empiezan a mostrar su verdadero yo. (…) Vi gente en la que realmente confiaba transformarse en monstruos, prácticamente de la noche a la mañana. Toda la experiencia fue muy estresante y aterradora”.

Habla particularmente de cómo “todo el mundo se quedó aterrorizado” cuando, tras firmar un acuerdo millonario por un EP y dos álbumes, presentó su segundo single tras ‘Hideaway’, ‘Giant In My Heart’. Mientras que ella apostaba por un crecimiento más “orgánico”, más paulatino, la compañía deseaba un single que sonara de inmediato en las radios norteamericanas. La canción obviamente fracasó en ese propósito y, de inmediato, “tan rápido como empezó”, comenzó a comprobar cómo el apoyo se esfumaba. Kiesza detalla cómo ella y su coreógrafo se embarcaron por su cuenta en la tarea de promocionar ‘Giant In My Heart’ en clubs de Londres y Nueva York, apoyándose en ‘Hideaway’. “Cuando alcanzó el nº 4 en Reino Unido, todos en el sello querían llevarse la gloria por el éxito”, revela.

Pero los sinsabores continuaron cuando se publicó ‘Sound of a Woman’, con Island negándose a aceptar la balada que daba título al disco como single y, luego, a promocionar el álbum, con el consiguiente batacazo comercial. Después de que sustituyeran a su A&R, Kiesza dice que un día, en el estudio, recibió el mensaje definitivo: “no creemos que tu visión de ti misma concuerde con la nuestra”, que la rompió el corazón. La artista también hace después un interesante análisis sobre cómo los empleados de la compañía no actúan por maldad, sino por simple miedo cuando había incertidumbre, y cómo sentía que la trataban como una muñeca o una niña pequeña, porque “también tienen miedo de ti. Por suerte para ella, la salida del ya ex-director director de Island, David Massey, hacia Arista, ha propiciado su desvinculación del contrato y le da al fin la posibilidad de volver a trabajar con libertad. Tras cambiar también de manager, Kiesza revela que Massey le presentó a Stuart Price y que actualmente está trabajando con él en su nuevo material, incluido su reciente single house-operístico.

Marilyn Manson cancela un concierto tras desvanecerse por “envenenarse de calor”

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Raúl Guillén
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Ese tour de ensueño para los amantes del metal más teatral que es ‘Twins of Evil: The Second Coming’ y que reúne a Rob Zombie y Marilyn Manson, está resultando más pesadillesco, incluso, de lo que sus fans querrían. Si hace unas semanas Manson cancelaba su actuación poco antes de celebrarse, poniendo a los seguidores en el brete de quedarse para ver únicamente a Rob Zombie y su banda, o marcharse para tener derecho a reclamar el abono de la entrada, el show que se celebraba anoche en Houston fue cancelado después de su comienzo.

La razón fue que Manson sufrió un desvanecimiento mientras interpretaba con su banda su versión del hit de ‘Eurhythmics ‘Sweet Dreams (Are Made Of This)’, tal y como se puede ver en un vídeo difundido por The Guardian. No fue, en todo caso, una sorpresa, puesto que Zombie ya había alertado de la indisposición del autor de ‘Heaven Upside Down‘ cuando comenzaba su concierto (“Ahora mismo debe estar en su autobús sintiéndose hecho una mierda”, dijo Zombie según el diario británico).

Sin embargo, Marilyn salió a actuar según lo previsto aunque confirmó que no se encontraba bien por lo que él llamó un “envenenamiento por calor” (“heat poisoning”, literalmente; lo que aquí se conoce comúnmente como “golpe de calor” o tabardillo), aunque no tomó medidas como, por ejemplo, quitarse la camiseta. La indisposición le hizo estar algo errático durante su actuación, como puede verse en otros vídeos, hasta hincar la rodilla en el momento antes narrado. Más tarde volvió a escena para interpretar desde su célebre atril ‘Antichrist Superstar’ para luego dar por finalizado el concierto definitivamente. Por el momento, parece que este incidente no afectará a las seis fechas que restan para finalizar esta gira por Norteamérica.

‘Thriller’ ya no es el disco más vendido de la historia (en Estados Unidos)

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Jordi Bardají
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En 2015, La Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos (RIAA) anunció que ‘Thriller’ de Michael Jackson había alcanzado las 30 millones de copias vendidas en Estados Unidos, un hito al alcance solo de Eagles, cuyo ‘Their Greatest Hits 1971-1975’ ocupaba la segunda posición con ventas muy cercanas, en torno a los 29 millones.

Gracias a la combinación de ventas y streaming, como explica la RIAA a The Associated Press, los Eagles superan ahora a ‘Thriller’ y ‘Their Greatest Hits 1971-1975’, su famoso recopilatorio de éxitos, se posiciona como el disco más vendido de la historia en Estados Unidos, sumando un total de 38 millones de copias vendidas (es 38 veces Disco de Platino). ‘Thriller’ es el segundo con 33 Discos de Platino. Pero que no os engañen los titulares “Eagles tienen el disco más vendidos de todos los tiempos” que se están leyendo por medios anglosajones (probablemente americanos), ya que ‘Thriller’ sigue siendo el disco más vendido de la historia, pues sus ventas globales se estiman en torno a los 100 millones de copias. Eso sí, Eagles firman a su vez el tercer disco más vendido en Estados Unidos con ‘Hotel California’, que es 26 veces platino.

Eagles han agradecido el éxito en un comunicado, expresando gratitud a su familia, equipo, la “gente en la radio” y a sus fans, “que han estado con nosotros en lo bueno y en lo malo durante 46 años”.

Teenage Fanclub anuncia la marcha de Gerard Love, su bajista original y autor de ‘Sparky’s Dream’

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Jordi Bardají
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En un comunicado, el grupo británico Teenage Fanclub anuncia que Gerard Love, su bajista original, abandona la formación. La marcha de Love se debe a diferencias entre Teenage Fanclub y él en relación a los planes de gira de la banda, y se efectuará una vez esta haya terminado su próxima gira en Reino Unido el próximo mes de noviembre.

Este es el comunicado: “Después de varios meses hablándolo entre el grupo, existe una diferencia de opinión entre nosotros, lamentablemente irresoluble, en cuanto a si el grupo debería proceder con sus planes de gira propuestos, de modo que después del concierto en Londres, Gerry abandonará la banda, y Teenage Fanclub seguirá sin él. La banda desea a Gerry todo lo mejor en sus aventuras musicales futuras”. Los primeros conciertos de Teenage Fanclub sin Love tendrán lugar en Asia y Oceanía.

Love fue, en 1989, uno de los miembros fundadores de Teenage Fanclub, y como Norman Blake y Raymond McGinley, contribuyó numerosas canciones al grupo, entre ellas su canción más popular en las plataformas de streaming, ‘Sparky’s Dream’, incluida en su quinto álbum, ‘Grand Prix’ (1995), además de su mayor éxito comercial en Reino Unido, ‘Ain’t that Enough’, que fue top 17 y el single principal de ‘Songs for Northern Britain’ (1997). Love compuso también ‘Star Sign’ del disco ‘Bandwagonesque’ (1991), ‘Hang On’ y ‘Radio’ de ‘Thirteen’ (1993), ‘Don’t Look Back’ del mencionado ‘Grand Prix’ y ‘I Need Direction’ de ‘Howdy!’ (2000), entre otras.

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