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Vida Festival agota abonos y anuncia últimas entradas de día

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Vida Festival, que se celebra el último fin de semana de este mes, como siempre en Vilanova i la Geltrú, anuncia que se han agotado los abonos. También anuncia que quedan “las últimas entradas de día”, que están disponibles en su web.

Os recordamos que el jueves 28 de junio será el día en que actúen Los Planteas, Calexico, Curtis Harding, Novedades Carminha o J Bernardt; el viernes 29 de junio el de Franz Ferdinand, St Vincent, Joe Cepúsculo, Nick Mulvey, The New Raemon con McEnroe o Tulsa; y el sábado 30 de junio Iron & Wine, They Might Be Giants, of Montreal, Elvis Perkins, Josh Rouse, Maga, Mourn, La Plata, etcétera. También hay algunos conciertos el domingo, como es habitual.

¿Este es el futuro de alt-J? El grupo colabora con Pusha-T y Twin Shadow y se los lleva a la tele

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Como todo lo que tocan, alt-J se han tomado la nueva versión de su single ‘In Cold Blood’ 100% en serio. El tema más exitoso de su último álbum ‘relaxer’ presenta una nueva remezcla hoy en las plataformas de streaming, pero no es una remezcla cualquiera.

Se trata de un remix de voces robotizadas que, no obstante, no renuncia a su icónico recitar de código binario, pero suma nuevas ideas y colaboraciones. Por un lado, está Twin Shadow, que acaba de editar un nuevo álbum llamado ‘Caer’, y por otro, hay un rap de Pusha-T, que acaba de editar también disco corto, el polémico ‘Daytona’.

Por si fuera poco, la nueva remezcla se ha presentado en un late-night estadounidense, nada menos que en el programada de Stephen Colbert. ¿Y cuán difícil habrá sido cuadrar todas estas agendas en este momento? ¿Cuán importante era para alt-J? ¿Acaso nos quieren decir que pueden ir por aquí los tiros de su próximo álbum? ¿O quedará este vídeo en anécdota de lujo para los anales?

A lo largo de la historia, la lista de grupos de pop-rock que ha decidido incluir un rap en una canción suya ha salpicado incluso a Coldplay (con Jay-Z) o a U2 (con Kendrick Lamar). El contacto con Pusha-T no tiene por qué ser una señal de futuro si pensamos en la deriva que después han seguido Coldplay. Eso sí, conociendo el carácter de culo inquieto de alt-J y la falta de prejuicios que les ha llevado a colaborar con Miley Cyrus, cualquier cosa nos puede traer su futuro…

Sidonie sacan ‘Maravilloso’, un single situado abiertamente «entre Georgie Dann y Nacho Vegas»

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La nueva canción de Sidonie se llama ‘Maravilloso’, empieza en plan ‘Ritmo de la noche’, sigue como un tema disco-funky con pre-estribillo Autotuneado y en su estribillo se acerca a un tema tipo ‘Será maravilloso viajar hasta Mallorca’. Foto: Noemí Elías.

Líricamente, la composición se enfrenta a la gentrificación (“no caben más guiris, me echan del barrio”) y a la dificultad económica (“me lees un verso de Biedma en voz alta, yo te recito el recibo el agua”), pero las afronta con buen humor y diversión. “Modernismo, sexo y fiesta”, celebra, añadiendo: “nunca estaremos más cercanos, en 20 metros cuadrados de amor”.

La guitarra de fondo en el estribillo no puede ser más Johnny Marr, pero la canción tiene un inequívoco aroma pachanguero, que reafirma Marc Rós en la nota de prensa, que también incluye ese punto reivindicativo: «Nos ha salido una canción de chiringuito. Hay que escucharla comiendo fritanga, bebiendo sangría y quitándose la arena del culo. El verano ya llegó y la fiesta empezó. Por una vez que nos ponemos reivindicativos va y nos sale una canción de chiringuito que huele a salitre y a crema solar: ¿de qué nos quejamos? Este chiringuito podría estar en tu pueblo o en tu ciudad, pero nosotros estamos pensando en el barrio de Poblenou de Barcelona, nuestro barrio. Llegamos aquí hace 20 años y con el paso del tiempo hemos visto cómo el modelo de gentrificación ha expulsado a los vecinos de toda la vida, cómo el comercio de proximidad está muriendo en favor de las franquicias y cómo la construcción sin medida de hoteles está llenando las calles de turistas irrespetuosos y despedidas de soltero. Estamos hartos y cuando nos indignamos nos entran ganas de cantar y bailar, igual que hace 20 años. Es algo innato en Sidonie. Disfrutad de esta mezcla inaudita de Georgie Dann y Nacho Vegas ¡Feliz Verano 2018!».

Sin duda para algunos, habremos perdido a Sidonie para siempre, tan alejados de sus inicios psicodélicos que ahora parecen gastar el humor de Los Inhumanos, ¿pero podría estar siendo más divertido? ¿No hay que celebrar esta derrota tan clara de los prejuicios?

Alessia Cara canta sobre los males de madurar en ‘Growing Pains’

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Alessia Cara ha conocido el mejor y el lado bueno de la fama. Su música ha triunfado, y de hecho este año ha ganado un Grammy a Artista revelación, pero precisamente por este premio la canadiense ha sido objeto de numerosas críticas, ya que Cara es conocida desde hace varios años y contaba con varios éxitos a sus espaldas antes de ganar el gramófono de oro.

No debe ser fácil hacerte famosa en todo el mundo cuando todavía no has cumplido 20 años ni mucho menos madurar a ojos de millones de personas, y de eso precisamente irá el nuevo álbum de Cara, ‘The Pains of Growing’, del que la artista ha desvelado este viernes su sencillo principal, ‘Growing Pains’. Un tema producido por Pop & Oak, dramático, con violines y distorsionada base rítmica, un tanto hip-hopera, sobre esos “problemas” que vienen al hacerse mayor y que “no dejan dormir” a Cara por la noche. En él, la artista llega a clamar: “no puedo ver la luz, cuando la juventud debería ser divertida”.

En Billboard, Cara ha explicado que ‘The Pains of Growing’ será un álbum más “maduro” y “conceptual” que su debut, y ha afirmado que se titula así porque quería que diera la sensación que el álbum va a contar una historia, “como si fuera un libro de cuentos”.

Portadón para ‘Nasir’, el nuevo disco de Nas producido por Kanye West, que sale esta noche

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Nas publica esta noche ‘Nasir’, su nuevo disco, que es a su vez otro de los varios proyectos que ha ocupado en los últimos tiempos a su productor, Kanye West. ‘Nasir’, como ‘ye‘ y ‘KIDS SEE GHOSTS‘, contendrá siete pistas y será breve, y además, como al menos el álbum conjunto de West y Kid Cudi, vendrá con portadón, que es el que ilustra este post. Una instantánea que retrata a cinco niños afroamericanos, algunos de los cuales portan escopetas de juguete. Quedará por salir el álbum de Teyana Taylor.

Esta noche ha tenido lugar en Nueva York la presentación oficial de ‘Nasir’, en una “listening party” que se ha retransmitido en directo por Youtube (igual que ‘ye’ y ‘KIDS SEE GHOST’) y que ya puede verse en esta misma plataforma. Por tanto, el álbum ya puede escucharse en su totalidad a través de este vídeo, si bien todavía no se ha publicado de manera oficial en ninguna plataforma de streaming. Debajo encontraréis los títulos de las canciones incluidas en ‘Nasir’, sacadas de una imagen que ha compartido Kanye en Twitter.

‘Nasir’ será el primer disco de Nas en 6 años. El autor de ‘Illmatic’ ha sido noticia este año después que su ex mujer, Kelis, le acusara de haberla maltratado psicológica y físicamente durante su relación.

Everything
Bonjour
Not for Radio
Adam and Eve
Simple Things
Cops
I Can Explain

Luis Fonsi te dará “1, 2, 3, calypso” (en tres idiomas) en su nueva apuesta a canción del verano

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Es imposible, como mínimo, no sentir curiosidad por la música que está lanzando Luis Fonsi actualmente, después que el puertorriqueño triunfara el año pasado con ‘Despacito’ con Daddy Yankee (y Justin Bieber), que fue un éxito sin precedentes y ya se cuenta entre las canciones más exitosas de todos los tiempos. No, no fue el primer hito en la carrera de Fonsi, pero sí fue el mayor.

Este año, Fonsi ha vuelto a encontrar el éxito con ‘Échame la culpa’ junto a Demi Lovato, y ahora vuelve a probar suerte junto a la rapera Stefflon Don en ‘Calypso’. Es la nueva apuesta a canción del verano de Fonsi, tiene naturalmente influencias del calypso y el gancho numérico de su letra “1, 2, 3, calypso” (¡en tres idiomas!) es un recurso mnemónico infalible, como bien sabe Ricky Martin.

Tan veraniego como ‘Calypso’ es, claro, su videoclip rodado en Fajardo, Puerto Rico y que presenta escenas de un Fonsi bailando en una isla con camisa hawaiana y más tarde una fiesta en casa que, si nos dicen es la continuación del vídeo de ‘Just Dance’ de Lady Gaga, nos lo creemos. Canción y vídeo entran como un mojito, y qué queréis que os digamos… si Fonsi vuelve a triunfar con esto, bienvenido sea.

Locomía pierden a Santos Blanco, con tan solo 46 años

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Según ha informado Tarré Management, agencia que dirige los pasos profesionales de Locomía en la actualidad, ha fallecido uno de los miembros del grupo en su etapa de mayor popularidad. Se trata de Santos Blanco y tenía tan sólo 46 años. Su fallecimiento se ha debido a causas naturales, según ha averiguado El País tras conversar con los representantes del grupo-franquicia en la actualidad. «No se despertó. No sabemos más», ha añadido citando como fuente de la información a la familia del finado. Santos, que actualmente vivía en Gijón y no trabajaba en nada relacionado con la música,

La página oficial del grupo, que no ha dejado de estar en activo con diferentes formaciones desde el año 1984, ha despedido a Santos con un emotivo mensaje y una imagen de su época en el grupo. «SANTOS llegó a LOCOMIA en un momento álgido y de gran éxito del grupo. Su aparición fue clave para brillar como nadie en ese inolvidable festival de Viña del Mar, en 1992. Su rostro angelical y su cuerpo apasionado por la danza le hicieron inolvidable en este concepto. Por mala suerte, hoy toca despedirnos de un ser único que dejó una huella imborrable. El cielo se viste de gala para recibir a un ángel que danzará y brillará con luz propia».

Como indica el comunicado, Blanco se incorporó a este curioso combo que combinaba el pop con el house y la performance, inolvidable por sus estratosféricas hombreras y sus danzas con abanicos, y que tuvo un especial auge cuando la fiebre del acid house llegó a Ibiza.

Garnier, Niño de Elche, Putochinomaricón y Mueveloreina, entre lo mejor del primer día de Sónar 2018

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La edición número 25 de Sónar ha empezado este jueves en Barcelona dejando una actuación absolutamente memorable de Niño de Elche junto al bailaor Israel Galván. Las actuaciones de Putochinomaricón, Mueveloreina, Daedelus y Laurent Garnier también se encuentran entre lo mejor de un jueves en el que el tedio ha venido de mano de Rainforest Spiritual Enslavement (solo en parte) y sobre todo de Jenny Hval en una performance surrealista, y no en el buen sentido.

La música que nos ofrece Óscar Mulero parece de thriller, las proyecciones de Monochrome, como su nombre indica, en un glacial blanco y negro. Paisajes gélidos, cementerios, bosques… todo muy de terror gótico. Arranca Óscar con suave cadencia marcial, amenazante, con los bpm bajados, EBM calmado y extrañamente acogedor. Poco a poco, se anima sin dejar lo misterioso hacia lo orientalizante. Pero a mitad de set, Óscar decide que se ha acabado la bonhomía y nos ametralla para sumergirnos, si no en el horror, si en la inquietud, aunque precisamente esta parte acaba siendo la más monótona. Cuando se calma, aumenta la amenaza, pero acaba acercándose a terrenos más pop y llevaderos. Gran viaje para iniciar el jueves. Mireia Pería

Sin apenas continuidad con Absolut Terror, el barcelonés Undo agarra el micro, canta con voz robotizada y tira de ritmos old school y synthpop en el Sònar Village, sin ningún otro aderezo. Suena encantadoramente retro y muy sabrosón, melódico y adictivo. El sol, mucho más amable esta edición, ayuda al baile. Undo nos regala un subidón perpetuo de electro que, llegado un momento, parece se hace un poco repetitivo. Pero falsa alarma; remata con electroclash zapatillero y arreglado. Mireia Pería

Como parte de la iniciativa We Are Europe, la sueca Katarina Barruk y la noruega Maja S.K. Ratkje estrenaron en Sónar su espectáculo ambiental, “Avant Joik”, que trasladó al espacio de SónarComplex sonidos inspirados en la naturaleza escandinava. Fue un espectáculo de contrastes entre la brutalidad de la distorsión electrónica de Ratkje y sus vocalizaciones imposibles (grandes agudos, chillidos, graves guturales propios del canto inuit) y las melodías y cantos folclóricos de Barruk. Aunque en el escenario se veía a dos mujeres haciendo música, lo que se oía -de los sonidos y el diálogo vocal entre ambas- era a dos hechiceras invocando a los dioses de la naturaleza impía de Escandinavia, sus ríos e incluso su fauna, desde una visión de vanguardia y unión con la tecnología. Impresionante. Jordi Bardají

Lo del Yuzo Koshiro x Motohiro Kawashima disparando una versión hardcore de videjuegos con unos audiovisuales muy ad hoc y piscodélicos es sumamente excitante, pero los tengo que abandonar porque tocan KOKOKO! en Sònar Village. Su cantante llega entre el público, con pasmosa agilidad salta la valla de seguridad dirección al escenario, se sienta en una mini batería y empieza la música. Los congoleños, acompañados del francés Débruit aparecen ataviados con monos amarillos y un montón de instrumentos caseros; percusiones a base de latas y botellas de plástico y unos bajos extrañísimos. Arrancan con un pop africano alegre, muy clásico y tropical. Pero enseguida adquieren velocidad sin freno, con invitaciones hip hoperas, coreo masivo del nombre del grupo. El cantante abandona la batería y ejerce de frontman dinámico y eléctrico, y la música entra en terrenos más duros y energéticos, una especie de funk repetitivo y poco melódico que invita al frenesí. Frenesí del que la primera víctima es su cantante, que acaba en mitad del público del Village cantando, bailando y haciendo participar a los presentes. Excitante. Mireia Pería

Con la cara maquillada en estilo Geisha y un chaleco de “se compra oro”, Putochinomaricón sale al escenario XS rebosando carisma y desde el segundo cero queda claro que es una estrella. En directo, el mensaje reivindicativo de temas como ‘Tú no eres activista’, ‘Gente de mierda’ o ‘Puto Chino Maricón’ eleva por 100 su impacto y el momento más emocionante (y cuando digo emocionante, lo digo en serio) del concierto se produce durante el reggaetón ‘MarikaPikaPika’, cuando Chenta aprovecha una pausa instrumental de la canción para felicitar el Orgullo y pedir mayor visibilidad lésbica en esta importante fecha. Su grito “¡más bolleras, coño!” justo antes de que entre el estribillo final nace de un deseo real y vehemente, y se nota. En sintonía con este mensaje de inclusividad, Chenta termina el concierto haciendo un nuevo llamamiento: “necesitamos más artistas irreverentes, más minorías, más maricones, más bolleras, es nuestra puta hora de molestar”. Jordi Bardají

Jenny Hval presentó en SónarComplex un nuevo espectáculo para la iniciativa We Are Europe acompañada de dos músicos. La exquisita música de Hval, que presentó temas de su propio repertorio, y su voz de seda fueron el punto fuerte de un “show” que lamentablemente tuvo un componente realmente ridículo debido a la presencia inexplicable en el escenario de un sillón de plástico hinchable con forma de concha marina. Los tres músicos usaban este elemento de “atrezzo” (nótese las comillas) de manera totalmente “random” a lo largo del show, como cuando la colaboradora de Hval se sentaba en él, se lo ponía de capa o hacía como que se metía dentro cual molusco, produciendo momentos de verdadera vergüenza ajena. Durante un punto del espectáculo, Hval y sus músicos se sentaron juntos en el sillón y reprodujeron música ambiental desde sus teléfonos móviles, ampliándola a través del micrófono. Pareció que se estaban haciendo selfies. Además, los visuales de fondo eran realmente cutres, casi de Power Point. Si el concierto fue improvisado, desde luego lo pareció. Jordi Bardají

Rainforest Spiritual Enslavement es el proyecto experimental de Dominick Fernow, acompañado de Philippe Hallais y Silent Servant. Detrás de la mesa, ambos colaboradores parecen más bien personal de mantenimiento arreglando los portátiles. Arrancan con un ambient new age lluvioso, remedando la atmósfera de la selva que llevan en su nombre. Los audiovisuales son mínimos, apenas una oscilante mancha amarilla. Y la música pide algo más trabajado, para acabarnos de sumergir en ella, aunque el ambiente sonoro ya dibuja bastante el paisaje. Pero tras unos minutos empieza a resultar aburrido. Afortunadamente, sin abandonar el tapiz lluvioso, van introduciendo percusiones más atronadoras. Fernow nos arenga de vez en cuando levantando su brazo. Abandonan el ambient, elevan los bpm, se van hacia un techno marcial y a un tribalismo pasado de revoluciones. Y bailamos al fin. Mireia Pería

El impresionante espectáculo de Daedelus en SónarHall, ‘Panoptes’, conjugó tecnología avanzada (presentes en el escenario, cuatro proyecciones de luz en forma de columnas giratorias) con música bailable contundente y exquisita. Hubo drum ‘n bass, house robusto y bases de hip-hop industrial que embestían como fieras, pero también guiños pop: durante un punto del show, el californiano incorporó un sample de ‘Let’s Go Crazy’ de Prince y tuvo el buen gusto de pinchar ‘1991’, posiblemente la mejor canción de Azealia Banks, eso sí, fusionada con un ritmo house disonante. El show tuvo un punto amenazante, incluso apocalíptico, pero la música era tan buena, los visuales tan espectaculares, que podía haberse acabado el mundo allí mismo y habría dado igual. Hubiéramos seguido bailando y flipando, no necesariamente en este orden. Jordi Bardají

Mueveloreina arrancan a zapatilla limpia en el SònarXS. Sólo Joaco en el escenario tras la mesa, mientras Karma se hace de rogar hasta que emerge con ‘Cheapqueen’, su tema anticapitalista. Flaquísimos y atléticos, no escatiman en energía, especialmente Karma, que es una frontwoman carismática y de potente vis cómica. Y quizás el desparpajo de ambos, sus letras de contenido social, tienen algo muy estudiado, pero son igualmente efectivos. Y con calado, porque ‘Paradiso’ todo el XS corea eso de “I wanna live in Benidorm!”. Una fiesta, porque siguen con un tema nuevo, ‘Postureo’, y consiguen que en nada cantemos sus “¡postureo!”. Karma ejerce de animadora, a ratos parece que estemos en una fiesta mayor. Dedican su ‘Brotherthon’ al 25 aniversario del Sònar, haciéndonos gritar “¡Sònar!” en cada “Brother!”. Cumbia-trap festiva que parece fastidiarse cuando, a los 15 minutos de show, se les va el sonido de los micros. Afortunadamente, la zozobra dura poco y pueden atacar una dinámica ‘Voy’. A partir de ‘Colateral’, por eso, su show se convierte en un non-stop de mákina y, claro hasta acaban cantando eso de “esta sí, esta no”. Hacen coñas a costa de Urdangarín, recuerdan a los raperos en procesos judiciales y Karma parafrasea a C. Tangana (“¡el rey nos come a todos los cojones!”) antes de atacar ‘Shoot My Head’. Poco trap y reggateon . Ellos bromean al respecto y nos dicen que no nos preocupemos, que nos lo van a dar para cerrar. ‘Vivas’, su himno feminista, tiene de eso y más. Porque Karma, cuando canta “ siendo alarmista/por ver un pezón“ se baja el top y nos enseña los pechos y ya no los guarda más, en un acto de desafío. Fiesta y conciencia. Mireia Pería

Mueveloreina

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Ilusionada por el clamor del público, yaeji realizó un divertido DJ set en SónarVillage con el que demostró que el lo-fi house puede llenar festivales. ‘raingurl’ fue obviamente la canción estrella, pero al presentar una sesión, había curiosidad por comprobar si el estilo de house distorsionado de yaeji también se trasladaba a su selección de ritmos, y efectivamente, en su set la música sonaba siempre o bien como si procediera de la radio, o como si procediera de un búnker. Y no en el mal sentido. yaeji hace house con el punto justo de suciedad, y quizá de manera más importante, como sus propias canciones, sigue resultando cálido: da la sensación de que está hecho con amor. Jordi Bardají

Lo de el Niño de Elche con el bailaor Israel Galván nos deja absolutamente anonadados. Poco de recital, mucho de performance artística, el suyo es un show basado más en la palabra recitada que en el cante, sin apoyo instrumental de ninguna clase, sólo los taconeos de Galván marcando el ritmo a las palabras y sonidos que emergen de la garganta de Francisco Contreras, El niño de Elche. Paranoias cacofónicas, ecolalias… apenas un recuerdo de su disco ‘Antología del Cante Flamenco Heterodoxo’, como mucho ese “¿A qué hora llega el tren de Barcelona?”, acompañado por Israel taconeando sobre una plancha de metacrilato. Parte del público empieza a huir, pero los que nos quedamos estamos fascinados por comprobar hasta qué punto pueden estirar este formato tan chocante y surrealista. Contreras da pocas concesiones, nos escatima su canto; como mucho un breve ‘María de la O’ o un “hasta Valencia”. A ratos también llega a resultar irritante. Sin Israel, con Contreras tocando durante un buen una sola nota con una especie de gusli, llega un momento que el público rompe a aplaudir, quizás pidiendo el regreso del bailaor.

La actuación llega al paroxismo hacia el final. Primero, cuando Contreras agarra su ya icónico transistor, empieza a salmodiar en idioma extraño y se desata una locura infernal de gritos y taconeos frenéticos. Segundo, cuando El niño sube a una máquina de gimnasio vibratoria, se despoja de la parte superior de su peto y canta aprovechando la vibración. Israel mira hasta que decide que es hora de volver a golpear fieramente su placa de metacrilato, en un crescendo dramático rematado por flashes de luces epilépticas. Tercero, cuando, vestido de nuevo, Contreras se autosamplea e Israel acompaña pegando patadas a un bombo hasta desatar un infernal ritmo makinero, industrial, casi apocalíptico. Y cuarto y final, cuando, ambos sentados en unos cajones, con un micro que amplifica todos los sonidos, se dedican a juguetear con un vibrador y los sonidos que producen con sus cuerpos: golpes en los dientes, golpecitos… y abrazos. Porque la performance acaba así, ambos abrazándose fraternalmente, nosotros escuchando cómo se abrazan. Alucinante. Mireia Pería

El broche de oro del jueves en Sónar lo pusieron, en primer lugar, George Fitzgerald con su amable house-pop, y finalmente el legendario Laurent Garnier, que como acostumbra ofreció un set de house y trance galáctico y espectacular que pudo haber durado horas. Siempre es garantía de sesionaza cuando es Garnier quien se encuentra tras los platos, y no decepcionó. Jordi Bardají

Lotto Boyzz logran que el nuevo afrobeat triunfe en Reino Unido

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En un acto de relativa justicia poética –en un plano estrictamente cultural, no social, claro– la música pop de origen africano está experimentando una ascensión, tan sorprendente como coherente, en muchos países europeos. En Francia, Portugal o Países Bajos la presencia de artistas africanos es muy habitual, gracias al arraigo de varias generaciones procedentes de sus ex-colonias, y allí han tenido origen y auge fenómenos como el del afrotrap, capitaneado por nombres como MHD, cuyo eco ha alcanzado incluso a España, con la presencia de los revoltosetes Afrojuice 195.

Ahora este fenómeno del nuevo afrobeat está implantándose de lleno en Reino Unido. Tras el exitazo de Not3s, un MC británico de origen nigeriano que ha triunfado junto a Mabel en ‘Fine Line’, los siguientes en esa ascensión son Lotto Boyzz, un jovencísimo dúo de Birmingham (Ash y Luke, 21 y 22 años) que, aunque proceden de familias de origen caribeño, también se nutren de sonidos afro. Desde que comenzaran a llamar la atención en 2016, temas como ‘Hitlist’ o ‘Bad Gyal’ ya dejaban claras sus ideas: combinar con total naturalidad R&B norteamericano, grime, pop y dancehall.

Esa mezcla se fue consolidando con los meses en canciones como ‘No Don’, su primer gran éxito –alcanzó el top 45 en la lista británica de singles–, incluida en su EP debut ‘Afrobbean (The Genre Definition)’, en el que también destacaban temas como ‘FaceTime Me’ o ‘Birmingham (Anthem)’. Ya en 2018, su popularidad no para de crecer gracias a singles como el adhesivo ‘Bim Bam’ y, sobre todo, ‘Bad Vibe’, un tema colaborativo con el trío femenino M.O y Mr. Eazi que llegó a ser nada menos que top 18 –y esta semana se mantiene aún en el 25– en el chart de Reino Unido. Precisamente hoy, dentro del certamen This Is Hardcore de la sala Razzmatazz, Lotto Boyz estarán en el club Fuego presentando estos éxitos junto a Yxng Bane, otra prominente figura del nuevo panorama urban británico.

Meister of the Week: Carlo de Runa habla de la posible caída de uno de los últimos oficios del underground, el mundo del tattoo

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Runa son un power trío de Barcelona formado por antiguos miembros de Los Tiki Phantoms. Este año han editado un álbum en BCore llamado ‘Rito estacional’, llamado a convertirse en uno de los discos de punk de la temporada gracias al empuje de canciones como ‘Revoluciones fugaces’ o la pegajosísima y casi pop ‘Espíritu mesetario’. Carlo Pavía es uno de sus integrantes y, aprovechando que es conocido como «El Carlo» en el mundo del tatuaje, es el nuevo invitado de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. Sus opiniones son tan enriquecedoras como incendiarias, alertando de cómo se están perdiendo algunas de las claves del oficio o revelando qué tipo de cosas se niega a tatuar.

¿Cómo te introduces en el mundo del tatuaje y qué te hizo ver que podías dedicarte a eso?
Pues fue todo muy natural, dibujo desde que tengo uso de razón y ya incluso al llegar a la adolescencia, mucho antes de decidir que quería tatuar, algunos amigos me empezaron a pedir dibujos para hacerse tatuajes. A mí el tattoo como idea me resultaba fascinante pero nunca me acababa de convencer lo que veía por ahí en vivo y en directo. Sentía una atracción pero no acababa de tomar forma del todo, debía de haber, a la fuerza, mucho más de lo que a mí me llegaba. Con el tiempo fui viendo más cosas y metiéndome más y mejor en la cultura visual del tatuaje (dentro de mis escasas y torpes posibilidades del momento) hasta que lo acabé de ver claro: había todo un mundo de tatuajes guapísimos (que iba mucho mas allá de esos primeros tatuajes tímidos que se hacían los colegas en la segunda mitad de los 90) ¡y yo quería formar parte de él!

«Mi primer tatuaje fue ya con 20 años. La «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme»

Me hice mi primer tatuaje a una edad tardía (para lo que venía a ser habitual), ya con 20 años. Fue una suerte no haberlo hecho antes, la «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme. Me tatuó Monga en el Aloha (cuando aún estaba en la calle Travessera de Gràcia) y salí de ahí aún más convencido de que tatuar era lo mejor que podría pasarme en la vida. No había duda, quería tatuar y quería aprender con Monga. Me llevó casi dos años poder entrar como aprendiz, durante ese tiempo hice lo posible por mostrar todo el interés y las ganas que tenía. Cada vez que iba a tatuarme llevaba mis dibujos de «tattoo», dibujos jodidos y precarios pero llenos de ilusión, así, tan cursi como suena.

Al parecer no había lugar para mí, yo iba preguntando si sería posible aprender en el estudio, pero la respuesta era siempre la misma: Monga tenía ya un aprendiz. Así que al final me decidí a empezar por mi cuenta. Le pedí consejo a Monga y, muy amablemante, me hizo una lista de todo el material que necesitaba para empezar (la información aún era difícil de encontrar por aquel entonces), la lista parecía un mensaje encriptado y salí de ahí tan agradecido como confundido. Fue Teodoro de la banda de punk OTAN quién cayó del cielo fortuitamente y me brindó la posibilidad de adquirir todo ese material de un tipo cuyo hermano tatuador había fallecido repentinamente. No cabía en mí de la alegría: ¡¡en menos de un mes había conseguido todo lo que había en esa encriptada lista por un precio irrisorio!! OK, sí, fue suerte, pero bien podía tomarse como un mensaje de ultratumba, ¿no? A Monga debió de parecerle así, ya que el mismo día que me presenté en el Aloha con todo el material entré finalmente como aprendiz. «¿De dónde has sacado todo esto?», me preguntó. «De un muerto», dije yo. ¡Y ahí empezó todo!

«Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse!»

¿Cuántos años hace que te dedicas al tattoo? ¿Es un medio de vida tan guay como pueda parecer?
Pasó un tiempo entre que decidí que tatuar sería una idea estupenda hasta que la cosa empezó a materializarse. Entré como aprendiz en Aloha Tattoos en el año 2004. En estos años he tenido la oportunidad de percibirlo de muchas maneras y, sobre todo, de ver cómo ha llegado a cambiar la percepción que se tiene del tatuaje desde fuera. ¿Es guay? Sí, claro, ¡rotundamente! ¡siempre y cuando te guste de verdad! Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse! ¿Has fracasado como ilustrador? ¿Tu prometedora carrera de diseñador gráfico se ha ido a la mierda? ¿Estudiaste automoción y te quedaste en paro? ¡No pasa nada! Los Dioses del Olimpo de lo cool (y los ipads) ponen el tattoo al alcance de cualquiera, ¡una profesión de futuro! Total, a todo el mundo le gustaba dibujar de pequeño ¿no?

«La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia»

A mí me gusta el tatuaje, me gusta tatuarme y me gusta tatuar y me llena de orgullo ganarme la vida con ello pero debo admitir que todo está yendo hacia un lugar extraño que no acaba de gustarme, lleno de gente que ya no maneja los códigos que yo manejaba y que se anima a tatuar motivado por razones incomprensibles para mí. De algún modo siento que hemos sido testigos de la caída de uno de los últimos oficios del underground. La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia, meras anécdotas que se fundirán a negro para dar paso a «LAS ACADEMIAS DEL TATTOO».

La vida es así, no hay que resistirse a los cambios, hay que fluir y esas cosas que se dicen, pero bueno, da pena. Estoy contento de haber podido vivir este impás, de haber podido aprender de los que tuvieron que esforzarse aún más que yo, la verdad es que eso no tiene precio. Lo que me queda por delante (hasta que me muera o me canse) a veces me motiva más y a veces menos. Como dije antes, esto está cambiando mucho y muy deprisa y a veces, bajo el prisma apocalíptico y derrotista, lo único que me apetece hacer es desaparecer, olvidarme de instagrams y suputamadre y dedicarme a hacer muebles. Afortunadamente, a estas alturas, he encontrado mi sitio y tengo la suerte de poder trabajar rodeado de mis mejores amigos en un espacio la mar de agradable que nos hemos construido a medida.

Pocas cosas son tan guays como puedan parecer, la mayoría de veces nos subimos al carro de lo guay y lo guay deja de parecernos guay o el carro vuelca y lo saquean un montón de gilipollas sin criterio que solo quieren ganar dinero o hacerse «famosos», en esos casos depende de nosotros que lo que nos parecía guay nos siga pareciendo guay. Hay que currárselo, hay que trabajar por construirse un hogar y estar listo para abandonarlo, destruirlo y construir otro nuevo o aprender a vivir debajo de un puente o lo que sea. Si te gusta de verdad lo que haces, encontrarás el modo, cada día.

El tatuaje es algo que durante mucho tiempo ha estado asociado a lo marginal, al lumpen. Ahora es algo no ya socialmente aceptado sino digno de admiración, casi de estatus social o cultural. ¿Tienes alguna teoría sobre a qué se debe esa evolución?
A los programas de la tele y al fútbol, ¡como todo lo malo!

«Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas»

¿Alguna vez te has negado a tatuar algo o a alguien?
Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas. Esto último es totalmente subjetivo, está claro, pero creo que es importante poder anticiparse un poco y no participar de según que cosas: si tienes 16 años y quieres tatuarte el nombre de tu novia en el cuello me parece estupendo pero no cuentes conmigo. De hecho, si tienes 16 años, no cuentes conmigo para nada. Tengo mi propia ética profesional y me acojo a ella, si no lo veo claro, no lo hago.

¿Alguna vez has visto un cuerpo tatuado y has dicho «mira, esto es demasiado»?
Sí, y creo que es saludable, es decir, mola tener la mente abierta y estar al día, empatizar con todo y esas cosas pero hay un momento en el que aunque tú te resistas, va a haber cosas que no vas a pillar, que se te van a escapar lo quieras o no. En esos momentos, bajo mi punto de vista, hay dos posibilidades:
1. reconocerlo, plantarte y decir: «ok, llego hasta aquí, eso ya no lo pillo, me parece demasiado»
2. Intentar seguir con el flow contra viento y marea (a pesar de no pillarlo a todas luces) y exponerte a que un joven normcoretrapero o lo que sea te trate de carroza.

Cuando llega un tatuador ravero y se inyecta no se qué mierda en el globo ocular para teñir el blanco del ojo de otro color y luego va y se amputa falanges del dedo yo escojo plantarme y decir: «ok, no lo pillo, ¿qué pasa ahora si un día el chaval descubre que quiere ser en nuevo Yngwie malmsteen?». Y es que es cierto, ¡no lo pillo! Sé que para él es tan «normal» y molón como lo es para mí petarme de tatus, que solo es un paso más (y va acompañado además de todo un discurso, buscad «little swastika») pero por extraño que parezca yo ya lo veo demasiado. Ni conecto con ello ni tengo ganas de hacer el esfuerzo. Igual de extremo veo yo eso tan normal para él como mis padres vieron lo que yo hice con mi piel. Es ley de vida. Evidentemente, no voy a marginar al chaval ni le voy a partir la cabeza, simplemente observo mis propias limitaciones y las acepto sin más.

Los artistas del tatuaje a menudo hacéis pequeñas residencias en estudios de todo el mundo. ¿En qué países has estado tatuando y qué has aprendido de la profesión en esos viajes?
Pues tengo dos niños pequeños y nunca me he permitido hacer viajes muy largos así que principalmente he viajado por Europa: Londres, Liverpool, Newcastle, Estocolmo, Helsinki, Berlín, Hannover, Zurich, Berna, Bruselas, Roma, Milán, Florencia, Boloña… La verdad es que viajar es siempre estimulante a todos los niveles, pero a nivel creativo y profesional para mí ha sido fundamental. Entrar en contacto con tantas maneras distintas de entender y de vivir la profesión me ha parecido siempre lo puto más y me ha ayudado siempre mucho a abrirme y enriquecer mis puntos de vista. A pesar de que responda entrevistas como si fuera un abuelo… ¡Imagínate de no haber viajado!

¿Cuál es el primer tatuaje que te fascinó? ¿Un tatuaje memorable relacionado con el mundo del rock, quizá?
Pues la verdad es que sí. Da un poco de vergüenza admitirlo, pero yo de chavalín era muy fan de Guns’N’ Roses y el tatuaje de la cruz que lleva Axl en el antebrazo me parecía increíble. El dibujo es de Billy White Jr, que no era tatuador, aunque fue concebido en primer lugar como tatuaje y usado después como alternativa a la portada censurada de Robert Williams. En Google se pueden encontrar fotos del tatuaje de la época y de su estado actual, vale la pena buscarlo.

¿A cuántos músicos conocidos has tatuado? ¿Quizá a alguno de tus compañeros en Runa?
Tanto Kike como Llubet llevan tatuajes míos, aunque no sé si se les puede considerar músicos conocidos. Así, conocidos, pocos, tatué al batería de Placebo hace años y casi tatúo a Brian Fallon de The Gaslight Anthem, que vino al estudio a buscarme pero no me pilló ahí. Creo que he tatuado a DJ’s famosos pero como no me entero mucho de ese rollo no recuerdo ningún nombre. Puesto así suena todo muy decadente, la verdad es que he tatuado a muchísimos músicos pero todos bastante del underground.

Desde la ignorancia, ¿el «autotatuaje» es una opción o siempre es mejor que te lo haga alguien?
Bueno, cuando estás aprendiendo, más que una opción debería ser una obligación. Primero te jodes un poco a ti mismo antes de empezar a joder a tus colegas. Una vez lo tienes más por la mano y ya no es una cuestión de necesidad, entra en juego el aspecto ritualista o lúdico, cada uno que haga lo que quiera, vaya, faltaría más. Yo me he tatuado a mí mismo varias veces a lo largo de los años así que para mí es una buena opción y una bonita experiencia. Aunque en general prefiero que trabajen otros.

¿Cuál es tu tatuaje favorito de un artista musical? ¿Y cuál, si te atreves a decirlo, has visto y has pensado «qué crimen»?
Creo que he visto más crímenes que otra cosa. El mundo debe de estar lleno de músicos con buenas piezas pero ahora no me viene a la cabeza ninguno en especial, mas allá del tatuaje kwakiutl que lleva Anthony Kiedis en la espalda, seguro que debe haber cada vez más pero no tengo en mente ninguno famoso.

Daniel Higgs revolucionó el mundo del tattoo y fue una de las figuras más influyentes de los 90

¿Conoces a otros tatuadores o tatuadoras que se dediquen también a la música, como tú? Que ahora recuerde, yo sólo caigo en la chilena Tomasa del Real, que ha dejado de tatuar en cuanto ha podido vivir de la música. Es significativo…
¡¡Daniel Higgs!! Revolucionó el mundo del tattoo, una de las figuras más influyentes de los 90. Creo que fue mil veces más influyente como tatuador que como músico. Aun así se retiró del tatuaje y se dedicó solo a la música y a la pintura. Este es el caso más destacable por el peso que tiene para nosotros. Hay más, como el del cantante de The Gallows, Frank Carter, que también dejó de tatuar para dedicarse a la música. En su caso la pérdida no fue tan dramática, no destacaba mucho que digamos y tampoco es que me flipe mucho lo que hace como músico. Hay ejemplos más locales (aunque sea chipriota), como el de Tas que tatuaba hace años en LTW y estuvo tocando el bajo en Electric Wizzard. También hay casos de músicos que tatúan, como Rogelio de Aullido Atómico. Conozco muchos tatuadores que también tocan pero la mayoría de nosotros somos más tatuadores que músicos. Yo no sé qué haría si tuviera la oportunidad de vivir de la música, supongo que dependería de la situación, si me dijeran que puedo vivir de Runa igual me lo pensaba y todo. Aunque supongo que seguiría haciendo tatus, estaría bien poder hacerlos por puro hobby, a ver qué se siente.

Hablando de mujeres tatuadoras… Como en otras áreas, la mujer está cada vez teniendo más visibilidad en la creación de tatus, pero imagino que es un ambiente generalmente muy dominado por hombres, ¿no es así? ¿Tienes tatuadoras favoritas?
Eso es algo que está cambiando a pasos agigantados, cada vez hay más tatuadoras y mujeres que organizan convenciones. Yo mismo solo he enseñado a dos personas a tatuar y las dos son mujeres. Aún hay más presencia masculina pero creo que no tardará mucho en quedar equilibrado. Totemica (que vendrá a trabajar unos días con nosotros en septiembre), Laura Yahna, Alex Matus, Rion, la Dolores, Arianna Fusini, Claudia De Sabe, Lucia Arnau, Anana y Luz son algunas de mis favoritas, pero vaya, ¡que hay muchísimas!

«Quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagaría por un tatu no debería tatuarse»

A alguien que no tiene tatuajes o que ha tenido malas experiencias, ¿qué le recomendarías antes de hacerse un tattoo?
Que se empape de tatu, que vaya a varios estudios y se mire los books, que aprenda la diferencia entre un tatuaje de calidad y uno malo, que no busque lo barato porque lo barato sale caro (quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagarías por un tatu no debería tatuarse) que invierta tiempo en Instagram si hace falta. Para bien o para mal, hay muchísima información al alcance de la mano de cualquiera hoy en día, tatuarse mal es casi un pecado.

Lidia Damunt se vuelve loca de la mano de Hidrogenesse en ‘El túnel’, con toques de rap y urban

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“Más peligrosa que la cocaína, haces que me suba la dopamina, de mi enfermedad eres la medicina, parece que me han dado calocaína porque sólo digo la verdad”. Así de potente comienza ‘El túnel’, el sorprendente nuevo single de Lidia Damunt, justo antes de volverse aún más loca, en este tema/aventura lleno de cambios de ritmo, subidas y bajadas, raps, efectos sonoros delirantes y coros femeninos.

Como ya hicieran en el gran ‘Vigila el fuego’, Carlos Ballesteros y Genís Segarra vuelven a producir a la artista murciana que diera sus primeros pasos musicales en el singular trío punk Hello Cuca. Damunt, tras haber recuperado su perfil rock más “convencional” (si es que algo de lo que haya hecho alguna vez puede calificarse así) en ‘Telepatía’, vuelve a apostar por el dúo barcelonés para la producción de este single que se publica Austrohúngaro en su colección Golden Greats. El 7” se publica oficialmente, con un remix de los propios Hidrogenesse en su cara B, el día 29 de junio.

Ese mismo día Lidia Damunt lanzará el videoclip que ha filmado Stanley Sunday para la canción, y que por el teaser mostrado promete ser tan desconcertante (en el buen sentido) como la propia canción, con la aparición de un coro griego integrado por, entre otras, Laura Antolín de Doble Pletina, además del trío protagonista.

Clint / El camino de la mano izquierda

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“Con el primer disco nos fue guay, pero después aprendimos que quizá nuestro lugar era otro”. Este ejercicio de honestidad brutal es la reflexión –en una entrevista de César Luquero para el número de junio 2018 de Rockdelux– de Harry El Sucio sobre la deriva de Clint, el grupo de rock instrumental que junto al resto de “Harry”s (El Ejecutor, Callahan y El Fuerte) forma desde hace casi 15 años, surgido tras la desaparición de su primer proyecto en la era del indie primigenio, The Umbrella-Hating Generation. Tras dos álbumes publicados en el esquivo sello Siesta, logrando con ellos cierta repercusión, el mundo se convirtió en un lugar inhóspito para la música sin vocales (ni consonantes). Ellos, tozudos, persistieron y en 2012, contra viento, marea y finanzas, se embarcaron en su disco más ambicioso, contratando al británico Guy Fixen (Laika) para la producción de ‘Asuntos internos’.

Por supuesto, en un mundillo en el que apenas grupos como Los Coronas o Los Tiki Phantoms han logrado pervivir, Clint no lo han tenido fácil. Máxime cuando, lejos del espíritu surf-twanguero de aquellos, más festivo y bailable, los madrileños recorren mucho más diversos parajes del rock instrumental, a menudo inspirados por las bandas sonoras –sobre todo de cine negro, a modo de homenaje al personaje interpretado por Clint Eastwood que les da coartada, pero no sólo de aquel–. En ese sentido, este insospechado cuarto disco del grupo, ‘El camino de la mano izquierda’, parido con muchos menos medios que su predecesor –produce Jorge Navarro, con la colaboración de Brian Hernandez (El Guincho, Los Punsetes) en la mezcla y máster– puede no ser su disco más poderoso o brillante –aunque sí que contiene un par de hitos en su carrera–, pero sí es un encomiable ejercicio de romanticismo y, por encima de todo, fidelidad a su manera de entender la música.

Arropados por la espectacular sección de metales ya presente en su disco anterior y en muchos de sus directos más una cellista y un contrabajista, ‘El camino de la mano izquierda’ remite a logros precedentes, resultando su disco más compacto y menos variado en cuanto a estilos hasta la fecha. Con todo, Clint aún logran sorprender en este cuarto esfuerzo en un par de ocasiones. La primera es la genial ‘Fémur dislocado’, en la que lanzan un órdago en forma de funk setentero rematado por unos “shabadabas” memorables, el mejor gancho de su carrera. La segunda está en la maravillosa mezcla de doo wop (sin “doo”s ni “wop”s) y blues con aires mediterráneos de ‘Suave es la noche’, con su fantástica y discreta alternancia de solos de clarinete, trompa, guitarra, cello…

Pero la falta de sorpresa, en su caso, implica que estamos ante otra colección de vibrantes ramalazos rock que se impregnan inopinadamente de surf, ska y psicobilly, remitiendo a Nino Rota (‘Fortuna no es suerte’), a R.E.M. (‘Amor nocturno’, ‘Raleigh tenía razón’) o a The Specials (en la grandiosa ‘Aprieta fuerte el gatillo’, por ejemplo) con perfecto sentido. Con regusto agridulce, hay que decir además que, en lo sonoro, el acabado de esta grabación tiene muy poco que envidiar a la de ‘Asuntos internos’. Más bien al contrario, resulta espectacular, como lo es también el trabajo gráfico del propio Harry El Sucio (reconocido artista de lettering bajo el nick Dirty Harry). En suma, no importa tanto que sus palabras suenen a constante derrota, al caramelo amargo del que sabe que ha hecho un buen trabajo que no demasiado público querrá apreciar. Lo que importa, lo que queda, es que pueden presumir de una carrera impecable, única, y del que este ‘El camino de la mano izquierda’ es un buen compendio, el resumen de lo mejor aprendido en este viaje.

Clint presentan ‘El camino de la mano izquierda’ este sábado, 16 de junio, en la Sala Moby Dick de Madrid.

Clasificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Fémur dislocado’, ‘Aprieta el gatillo’, ‘Suave es la noche’, ‘Raleigh tenía razón’
Te gustará si te gustan: Los Coronas y Los Tiki Phantoms, pero más las BSOs de cine negro de los 60 y 70 o los primeros Calexico.
Escúchalo: Spotify

‘En tránsito’: Christian Petzold falla en su intento de trasladar la II Guerra Mundial a la actualidad

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Estrenada en la Berlinale hace tan solo unos meses, la nueva película del alemán Christian Petzold (‘Phoenix’, ‘Bárbara’) está basada en ‘Transit’, una de las novelas más célebres de Anna Seghers, escrita en 1944. En palabras del director, este libro ha marcado toda su trayectoria como cineasta, por su manera de plasmar el continuo tránsito en el que vivimos, ya sea como individuos, en nuestras relaciones, etc. La lectura de este, fue una recomendación del también cineasta, íntimo amigo y co-guionista habitual de Petzold, Harun Farocki, quien falleció en 2014. De hecho, la película está dedicada a él a modo de homenaje.

‘En tránsito’ se sitúa en Marsella durante la Segunda Guerra Mundial, donde refugiados de toda Europa huyen de la ocupación nazi. El protagonista, un joven alemán, suplanta la identidad de un escritor muerto para usar su visado y refugiarse en México. Pero en Marsella su camino se cruzará con el de Marie, de la que se quedará prendado, una mujer que no está dispuesta a marcharse hasta que no encuentre a su marido. La novedad de Petzold con respecto a la novela de Seghers es que el director traslada la Segunda Guerra Mundial a la actualidad, estableciendo así una suerte de símil con el problema de los refugiados en Europa.

El riesgo conceptual al que se somete la película, trata de solventar de forma más o menos efectiva, muchas de las carencias que el guion va acarreando a lo largo de sus cien minutos. Es, sin duda, lo más interesante de la propuesta, ya que sirve como una reflexión cercana del horror que supone vivir una guerra. Sin embargo, ‘En tránsito’ no es una película bélica, sino un retrato de personajes que están “atrapados” en una ciudad de paso, donde las casualidades y los encuentros fortuitos se producen con frecuencia, estableciendo así vínculos entre desconocidos. Petzold entra en su protagonista e intenta transmitir su angustia y sus pensamientos, pero siempre hay una distancia emocional que impide que se pueda establecer una conexión con él. La sugerente interpretación de Franz Rogowski ayuda a acercarnos a su personaje, pero no resulta suficiente dado que la manera en la que está escrito es demasiado fría. Es ahí donde reside uno de los principales problemas de la película, que acaba siendo víctima de su propia temática: el film no es más que un mero tránsito que no parece llevar a ninguna parte. Y no es algo intencionado, ya que su vocación es la de ser una obra cerrada y profunda.

Otro riesgo que toma Petzold es la inclusión de una voz en off en tercera persona a modo de narrador omnisciente, que añade un halo novelístico, pero que se siente más como un capricho que como una propuesta narrativa pensada. Según el propio director, este recurso se le ocurrió cuando fue al Camp Nou, y según entraba al estadio una voz en su cabeza iba haciendo de narrador describiéndole lo que veía. Tras esta anécdota, casi se puede confirmar que esto es algo “porque sí”, sin mayor explicación lógica. No sería un problema si funcionara, pero no es el caso.

No se puede acusar a ‘En tránsito’ de no ser atrevida, pero más allá del concepto de su planteamiento, hay poco donde rascar. El tramo final es un completo desvarío, lleno de giros absurdos, que emborronan aún más el sentido de la película. Es de agradecer ver a cineastas jugar con los tiempos o los recursos narrativos, pero aunque duela decirlo, este experimento de Christian Petzold es bastante fallido. 5,5.

Publicado ‘Liberation’ de Christina Aguilera, con Kanye West, MNEK, Julia Michaels, Anderson .Paak…

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Tras años de espera y meses de anticipación, los fans de Christina Aguilera ya tienen entre sus virtuales o reales manos ‘Liberation’, el nuevo álbum de la diva pop. Casi 6 años habían pasado desde que publicara su anterior álbum, ‘Lotus’, por lo que había una enorme curiosidad por saber qué se había traído entre manos la artista norteamericana. Gracias a sus adelantos, sabíamos que en él busca explorar “la belleza más cruda” –como da cuenta su portada, una foto en blanco y negro en la que, aparentemente, se muestra sin maquillaje (o casi)–, lo cual incluía también su música.

No lo pareció en ‘Accelerate’, el fabuloso buzz-single con el que confirmó el lanzamiento: su producción, ultratratada y retorcida como sólo Kanye West podría hacer, no terminaba de encajar exactamente en lo que cabía entender por cruda. Sí se ajustaban más a esa preconcepción el pianístico baladón ‘Twice’ y ‘Fall In Line’, su dueto con Demi Lovato, en buena medida decepcionante pero enmarcado en un rhythm & blues más purista. Más tarde, ‘Like I Do’, producida por Anderson .Paak –que vuelve a intervenir en el número soul-rock ‘Sick of Sittin´’– y con versos de Goldlink mostraba también un afán más contemporáneo, aunque destacaba sobre todo por su calidez.

Al fin hoy, con su publicación, descubrimos algunos de sus hasta ahora secretos. Por ejemplo, comprobamos que ‘Accelerate’ no es el único tema producido por West, que también es responsable de la espectacular base (creada en torno a un sample de Jackson 5) de ‘Maria’. Finalmente, y pese a su performance dramaqueenesca, MNEK sí figura en los créditos del álbum: produce, co-escribe y canta en la balada ‘Deserve’, en la que también ha colaborado Julia Michaels. La joven compositora e intérprete, autora de alguno de los últimos hits de Justin Bieber además del suyo propio, ‘Issues’, también participa (junto a su socio Justin Tranter) en ‘Right Moves’.

Otros artistas –habitualmente en la sombra, pero omnipresentes en el pop contemporáneo– que figuran en los créditos del disco son Ricky Reed, que produce la balada que cierra el disco, una ‘Unless It’s With You’ que han co-escrito Erik Hassle y “Lunchmoney” Lewis entre otros, Tayla Parx –la co-autora de buena parte de ‘Dirty Computer’ de Janelle Monáe interviene en varios temas– o Nicholas Britell: el compositor nominado al Oscar por la BSO de ‘Moonlight’, sirve el pasaje instrumental que abre el álbum y le da título. Degusten ‘Liberation’, que tiene mucha miga.

Vetusta Morla y la importancia de hacer camino: el grupo agota las 38.000 entradas para su próximo concierto en Madrid

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Cuando en 2017 publicábamos el artículo “la llegada del indie-mainstream” después del fichaje de Vetusta Morla por Sony como distribuidora de su catálogo, celebrábamos el hito absoluto que había supuesto para un grupo nacido desde la independencia haber sido capaz, hasta ese momento, de llenar “una Riviera tras otra” y de incluso actuar en el Palacio de los Deportes ante 15.000 personas.

Un año después, nadie había preparado al grupo para lo que acaba de conseguir: agotar las 38.000 entradas para su concierto en la explanada exterior de la Caja Mágica, en Madrid, el 23 de junio. El País ha confirmado la noticia, y además ha entrevistado a Pucho sobre el acontecimiento, quien declara: “Veníamos de tocar en el Palacio de los Deportes y teníamos las cuentas más o menos pensadas. Había duda, claro, aunque calculábamos bastante gente. Lo importante es ir llegando a estas cifras, es ir haciendo camino”. Pucho asegura estar “emocionado” por haber agotado casi 40.000 localidades, y celebra que aunque en el pasado el grupo ha actuado para más gente en festivales, esta es la primera vez que el grupo lo consigue por cuenta propia.

Como indica El País, un aforo de 38.000 personas no está al alcance de muchos artistas nacionales. En España, Héroes del Silencio han llegado a vender 65.000 entradas; Alejandro Sanz 50.000, pero ninguno de ellos es exactamente “independiente”, y la realidad es que en España este tipo de aforos suele reservar a nombres de gran envergadura como U2, Madonna, Bruce Springsteen o los Rolling Stones. Pero Vetusta Morla no solo ha conseguido lo que no consiguió ningún grupo indie en los 90, sino que ahora actúa para más gente que artistas tan populares como Pablo Alborán, Malú o David Bisbal, y todo desde la independencia (en los últimos meses, eso sí, con el empujón de Sony) y sin mostrar signo de conformismo en ninguno de sus discos. “Hemos hecho un esfuerzo para que el oyente no se sienta cómodo escuchando este disco”, nos decían en una reciente entrevista sobre su último disco ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ que, también, fue uno de los más vendidos el pasado año incluso editándose bien entrado el otoño.

Habrá a quien le parezca una pequeña trampa que Vetusta Morla haya agotado localidades en una explanada exterior y no en un pabellón cerrado, pero si algo demuestra este histórico “sold-out” es que el grupo de Tres Cantos ya puede ir organizando conciertos en estadios como el Vicente Calderón de Madrid o el Lluís Companys de Barcelona (donde están a punto de actuar Beyoncé y Jay-Z). Vetusta Morla se ha convertido en un grupo de estadios como U2, y lo mágico de todo este asunto es que solo se lo pueden agradecer a una cosa: a su música.

L Kan dedican ‘Animal en extinción’ a uno de ellos: las carteras de Correos

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Un año tenemos que remontarnos para recordar la última novedad de L Kan, cuando lanzaban aquella ‘Ay Marie Kondo‘, que dedicaban al método para ordenar la leonera de cada cual de esta famosa youtuber nipona y les supuso un hito particular. Y justo mañana, 15 de junio, regresan con un flamante nuevo single titulado ‘Animal en extinción’. Un tema de su reconocible electropop-naif-de-escuela-Stereo-Total que, en este caso, sirve de homenaje para uno de esos seres destinados a desaparecer al que alude el título: las carteras (o carteros) de Correos.

Como no podía ser de otra manera, ‘Animal en extinción’ tiene un simpaticorro videoclip marca de la casa Kan que hoy, en JENESAISPOP, tenemos el honor de estrenar. Realizado y producido por Producciones Y Punto, la pieza repleta de humor muestra el periplo de B Kan como cartera de Correos, penando por las calles de la gran orbe y pugnando con la evolución de su especie: los repartidores de compras online y los mensajeros. Sin embargo, el vídeo, que cuenta con un loco cameo de Putochinomaricón, tiene más cuerda de la que parece en la superficie, y cabe esperar hasta su último segundo para ver el homenaje a ‘Thriller’.

Por el momento L Kan no nos revelan si este nuevo single es un lanzamiento único y tendremos que esperar otro año por más, o si formará parte de una obra más extensa. Porque, con la tontería, su último disco de estudio, aparte del «grandes éxitos regrabados» más algún tema inédito que fue ‘Lo nuevo y lo viejo‘, data de 2007 (‘Somos otra cosa’).

Belako actúan gratis en la presentación de San Miguel MusicExplorers Conectados, que busca artistas emergentes

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Hoy se abre el plazo para que artistas emergentes se apunten a San Miguel MusicExplorers Conectados en Málaga. La iniciativa pretende «explorar la realidad musical de Málaga para empujar al público a descubrir bandas emergentes y hacerles disfrutar de la experiencia de vivir la música en directo». En concreto se buscan teloneros para conciertos de Sexy Zebras (13 de septiembre), Airbag (29 de septiembre) y Hora Zulú (18 de octubre). También se buscarán DJ’s emergentes en otro evento por determinar durante el mes de julio. Las inscripciones de artistas noveles pueden hacerse ya a través de sanmiguel.es, y durante las próximas cuatro semanas.

Además, habrá un concierto gratuito de presentación de esta iniciativa en la Fábrica San Miguel de Málaga el próximo 21 de junio, en el que tocarán Belako y pinchará EME DJ. Las invitaciones a todos los conciertos y sesiones de DJ’s se podrán conseguir de forma gratuita a través de la misma web. Una vez dentro tienes que escoger el concierto al que quieres asistir, si eres artista clicar en «actúa con ellos» y si eres público en «consigue tu entrada».

El jurado para artistas emergentes estará compuesto por los miembros de las bandas consagradas, representantes de San Miguel y de Mondosonoro. Además del premio de ser telonero de Sexy Zebras, Airbag y Hora Zulú, los ganadores emergentes recibirán un premio en metálico y una de las bandas será elegida para tocar en el escenario San Miguel en WAU Festival.

C. Tangana a Yung Beef: «no estás haciendo revolución, simplemente no tienes ni puta idea de cómo se aprovechan de ti»

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C. Tangana y Yung Beef continúan con su disputa -medio en broma medio no-. Después de haber comparecido juntos en una rueda de prensa en Primavera Sound, en la que C. Tangana se metía con el rey y su familia, Tangana lanzaba un tema llamado ‘El Rey Soy Yo / I Feel Like Kanye’. Yung Beef publicaba poco después en respuesta ‘I Feel Like Kim’, y la respuesta de C. Tangana a ese «HAY COSAS QUE NO SE COMPRAN CON DINERO, MAJESTAD»… vale 20.000 euros si es en forma de canción, ironizando con su propio sentido mercantilista. Eso sí, si es en forma de texto es gratis.

Por un lado, C. Tangana ha dicho que por menos de 20.000 euros no va a sacar «diss track». Para conseguirlos, ha sacado a través de la tienda de su web una camiseta roja como ella sola, en la que se ve a Yung Beef caracterizado como Che Guevara. Desconocemos si pretende vender 1.000 unidades a 20 euros o tendremos que esperar a que se saque los 20.000 euros descontando gastos de fabricación y envío. Por otro lado, lo interesante de verdad ha sido una carta abierta que C. Tangana dirige a Yung Beef (le llama por su verdadero nombre, Fernando). En ella le pide que cuente qué pasó de verdad con el contrato de PXXR GVNG con Sony (actual sello de C. Tangana), le acusa de hacer apología de la ignorancia y le dice que se están aprovechando de él.

En el texto le dice a Yung Beef que “le están haciendo el lío” porque tener un sello propio como La Vendición es algo que él ya lo experimentó con Agorazein “pero con un deal mejor”: “Por aquel entonces el boom del streaming no había llegado y el porcentaje para el artista con una distribuidora indie era bastante mejor que ahora. Luego me di cuenta de que la mayoría de empresas de distribución pertenecían a las multinacionales, que el precio de mi música lo acordaban entre la distribuidora digital y la empresa de streaming y que además era secreto”.

Continúa (las negritas son nuestras): “Fernando, no estás haciendo revolución, simplemente no tienes ni puta idea de cómo se aprovechan de ti. Te la están haciendo igual que César cuando te puso un contrato delante que era de risa. Y el problema no es de Cesar ni es de Sony, el problema es tuyo. La culpa es una mierda que se inventaron los cristianos para tener a la gente mansa (…) Has elegido la ignorancia, quedarte en un lugar en el que no sabes lo que cobras ni por qué lo cobras y en el que no puedes ni ponerle precio a lo que tú mismo haces. Gente que no conoces decide cuánto vales y te dan tu parte de vez en cuando. Elige eso para ti pero no le vendas esa idea a los chavales. Yo quiero que los chavales sean poderosos. Yo quiero un país de reyes. No quiero que la gente esté dominada por el poder, quiero que usen el poder para liberarse. Y esto no tiene nada que ver con firmar o no para una multi, tiene que ver con el poder. Y el poder no solo es el dinero”.

Sigue: “Toda España sabe que eres más listo de lo que nos haces creer. Eso es lo único que no respeto de ti. Fernando, eres buen rapero pero la apología de la ignorancia hace a la gente imbécil y fácil de manejar. Diles la verdad, diles que aprendan, que si no saben algo busquen alguien que les enseñe. Cuéntales lo que te pasó. Si tú hubieras sabido qué significaba lo que estabas firmando con Sony hubieras podido decidir mejor si eso te interesaba o no. Elegiste tirar palante sin saber qué iba a pasar y cuando todo te salió mal empezaste con el argumento del artista».

Justifica así el uso de la imagen del Che en su camiseta: “Te ha pasado como a la imagen del Che, el sistema ha sabido aprovecharse de ti para sacar partido a todos tus followers y ya solo te queda el discurso, no hay nada que puedas cambiar desde esa postura. Vas a la guerra con piedras y palos”. Termina: “una vez me dijiste que el enfrentamiento no era malo, que las mejores cosas que habías hecho como artista fueron cuando alguien te quería tirar. Gracias por esa la estoy usando”.

Yung Beef ha escrito después en Twitter cosas como «El que tenga más cosas cuando muera, gana» o «La avaricia rompe el saco».

Low Festival refuerza su apuesta por la electrónica

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Low Festival sigue sumando a su apuesta por la electrónica, llamada «Beats by Low». Hoy llegan 23 nuevas confirmaciones de electrónica que se unen a gente ya anunciada con anterioridad como The Chemical Brothers o Vitalic. Entre ellos está el responsable del French Touch Alan Braxe, colaborador de Thomas Bangalter (Daft Punk) y Fred Falke, que ha producido remixes para Björk, Justice o Britney Spears.

También está Louisahhh, una de las DJ’s y productoras clave de la escena club norteamericana y residente de BBC Radio 1; Alex Metric, Yahaira, Miqui Brightside o Dani Less. Esta es la programación completa de Beats by Low:
The Chemical Brothers
Vitalic ODC Live – Vive La Fête
Moullinex – Alan Braxe – Louisahhh – Alex Metric
Elyella – DJ Coco – Yahaira – Dani Less – Miqui Brightside
Flash Show DJs – Club Gordo Sociedad Ilimitada – Tinglao Showcase
Menta! Showcase -Stereo Old School – Jes Set – Difenders
Freazer – Hal9000 – Nando Costa – Isma El – Basstianz – DJ Pegatas
Rêve Disco Club – Kutxu – J-Ribes – Nat Vegas – Miss Deep’In

En las próximas semanas se darán a conocer las últimas bandas confirmadas para Low Festival 2018, que se sumarán a estos y otros artistas «no electrónicos» como Phoenix, Editors, Los Planetas, Izal… Serán conciertos que tendrán lugar tanto en el recinto del festival como en las preparties oficiales en el Hotel Oficial del certamen, Benidorm Celebrations. Las entradas para el festival, disponibles desde 40 euros, subirán de precio esta noche.

Aciertos y misterios en el primer concierto de aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’ de Los Planetas

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Anoche se celebraba en Joy Eslava, Madrid, el primer concierto de XX Aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’, uno de los mejores discos de Los Planetas. Había ganas de ver a la formación granadina en un show diferente al habitual tras años viéndoles hacer más o menos lo mismo: interpretar las canciones densas en una primera mitad (que si ‘Señora de las Alturas’, que si ‘Ya no me asomo a la reja’) dejando los principales hits para la segunda o el final (‘Un buen día’, «Pesadilla», ‘De viaje’).

Los Planetas interpretaban anoche ‘Una semana en el motor de un autobús’ al completo y en orden, sin Eric a la batería ni Banin a los teclados, sustituidos por un quinteto de cuerda y un piano. Sin la base rítmica habitual, el quinteto tejía un manto en el que recostar las canciones, creando cierta base en algunas de ellas y normalmente provocando un crescendo hacia el final, cerrando algunas de las pistas con el momento de mayor brío. El procedimiento habitual de cada canción era el siguiente: el público, muy respetuoso pidiendo silencio constantemente -algo que hay que celebrar, pues a veces los eventos gratuitos patrocinados son lo peor en ese sentido- comenzaba cantando muy bajito hasta la llegada de un gancho, de un estribillo popular, donde la participación popular se desmadraba imposibilitando la apreciación de detalle. Algunas veces procedía, como en el entonar colectivo de «seremos cientos por cada uno de los vuestros» de ‘Ciencia ficción’, muestra del carácter generacional del disco, pero otras era una pena porque la ecualización y el sonido de Joy Eslava han terminado siendo estupendos si el técnico que acompaña es bueno, pero no había manera de apreciar los momentos más intimistas de un concierto muy trabajado, que daba, por ejemplo, un final de ensueño nuevo a ‘Laboratorio mágico’.

Después, hubo problemas demasiado visibles y mal disimulados. Desde la segunda canción, se vio a un Jota algo torpe, olvidando parte de las letras de las canciones. Y si eso pasaba en la popular ‘Desaparecer’, qué no iba a pasar en otras, como así fue. Es un verdadero misterio que en 25 años el artista no haya sido capaz de averiguar cuál es la manera más disimulada de leer una letra que no te sabes. Optó por una muy digna y elegante, casi solemne, un atril, pero como desconociendo que hay atriles más altos, más bajos, y que se regulan, Jota optó por agacharse él mismo, con toda la cara de despiste posible, cada vez que se le iba un texto. También se le cayó una pandereta durante la cumbre de ‘Cumpleaños total’. Nada grave, no hubo ningún «meltdown», pero el show careció de ese esperado carácter de hito por este motivo.

Tampoco acompañó parte del público. Hubo mucho respeto y mucha petición de silencio, también un fan en primera fila que no paró de mover los brazos en éxtasis tocaran lo que tocaran Los Planetas. Pero también hubo gente preguntando a gritos dónde estaba Eric solo por tocar los huevos, pidiendo que tocaran alguna eléctrica (¿se habían leído el programa? ¿por qué no dejar tu lugar para los muchos fans que se habían quedado fuera si no te interesaba el formato orquesta?) o jaleando en mitad de ‘Línea 1’ a Floren porque se pillaba un mini. Bizarro -en los dos sentidos de la palabra, el castellano y el anglosajón- si recordamos de qué va ‘Línea 1’.

Hubo bis, como dejaba claro el hecho de que los músicos no se movieran de su sitio cuando lo que había de Los Planetas abandonaba el escenario tras la celebradísima «Copa de Europa». El grupo quiso añadir dos temas que no pertenecían a «Una semana» pero que pegaban totalmente en este formato: una espléndida versión de ‘Los poetas’, con un Jota mucho más concentrado -se nota lo que le gusta hacer ahora mismo- y una ‘De viaje’ que no dudaría en coronar como la cumbre del set por encima incluso de la inicial ‘Segundo premio’, de ‘La playa’ o de ‘Toxicosmos’. Teniendo en cuenta el disco que se presentaba, una paradoja más que sumar a la lista. 7.

Como teloneros, Pájaro Jack hicieron un bonito concierto en formato trío (acústica, eléctrica y teclados/percusión), con un sonido también estupendo que permitía perfectamente seguir las letras, recordando musicalmente a CRAG, a Los Brincos y en algún punteo a Johnny Marr. Estupendas sonaron canciones como ‘David Luiz’ o ‘El segundo huracán’. Una pena que el público no escuchara demasiado… eso sí que era una jauría y no lo de Màxim Huerta

Fotografías cedidas por TIDAL

Sigue Sónar 2018 en directo: Gorillaz, Diplo, Rels B…

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Sónar 2018 está ya en marcha, como os estamos contando a través de nuestro Instagram. Si estáis en casa este fin de semana, podréis seguir el festival en directo a través del player que gentilmente la organización ha compartido con JENESAISPOP. El seguimiento puede hacerse gracias a la plataforma cultural online de la televisión pública francesa Culturebox.

Entre los shows que se retransmitirán están más de 40 actuaciones, entre las que destacan Gorillaz, Diplo, Laurent Garnier, Rels B, Bonobo, Daedelus, Little Simz, George Fitzgerland, Henry Saiz & Band, Tokimonsta AV Live, Yung Lean, y Goldlink, entre otros. Puedes consultar todos los horarios bajo estas líneas y debajo del player.

Jueves 14
13.00-14.30 Ivana Ray Singh
14.30-15.35 Absolute Terror
15.35-16.35 Undo
16.40-17.20 Kokoko!
17.20-18.30 King Doudou
18.30-19.30 Little Simz
19.30-20.30 Undo – Re-broadcast
20.40-21.55 George Fitzgerald

Viernes 15
Sónar by Day
13.00-14.30 Atzar
14.30-15.00 King Doudou – Re-broadcast
15.00-16.00 Daedelus Re-broadcast
16.00-17.30 Jamz Supernova
17.30-18.30 Kampire
18.30-19.30 Distruction Boyz
19.30-20.10 Mr Eazi
20.10-20.55 Diplo

Sónar by Night
20.30-21.55 DJ2D2
22.00-23.30 Gorillaz
23.30-00.30 Yung Lean
23.40-01.10 Young Marco
00.40-01.15 Benjamin Damage
01.20-02.35 Bonobo
02.45-03.45 Alizzz
03.55-05.10 Diplo
05.30-07.00 TBC

Sábado 16
Sónar by Day
13.00-14.15 YDVST
14.15-15.30 Olde Gods
15.30-16.20 Henry Saiz & Band – Re-broadcast
16.20-17.25 Dre Skull
17.30-18.15 Rels B
18.15-20.00 Jarami
20.00-20.30 Maribou State
20.55-21:40 Diplo

Sónar by Night
20.30-21.55 Bawrut
22.00-23.20 C.E.E Shepherds
23.30-00.30 Tokimonsta
00.05-01.10 Call Super
00.35-01.45 Joe Kay
01.55-02.55 Goldlink
03.05-04.15 Objekt
04.15-07.00 Laurent Garnier
05.45-07.00 Charlotte De Witte

Vídeo: medley de hits y peineta de Robbie Williams en la inauguración del Mundial

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Robbie Williams ha sido el protagonista de la inauguración del Mundial de Fútbol de Moscú, como se había anunciado, pero no ha interpretado, pese a encontrarse en el país pertinente, su single ruso ‘Party Like a Russian’. Las canciones estrella de su show han sido viejos hits de su discografía como ‘Let Me Entertain You’, ‘Feel’, ‘Angels’ y ‘Rock DJ’. Su actuación ha sido cuestionada y hay quien ha criticado que actúe «para el dictador Putin», como han sido las palabras de Bill Browder.

También ha sido noticia por marcarse una peineta ante millones de espectadores. Como ya dijo M.I.A. después de la Super Bowl (acompañándolo de pruebas), nada que los aficionados al rugby o al fútbol no estén acostumbrados a ver. 

Robbie ha interpretado fragmentos de estos 4 hits a lo largo de unos 10 minutos, si bien durante ‘Rock DJ’ -la canción con la peineta- algunas televisiones han pasado a publicidad. ‘Let Me Entertain You’ ha sonado mientras Robbie se acompañaba de bailarinas y decenas de personas jugando con pelotas de fútbol en un show horterilla muy alejado de la sofisticación que suele verse en la Super Bowl. La soprano Aida Garifullina, que aparecía a bordo de un animal alado recordando a la Katy Perry de ‘Roar’, ha colaborado ya al inicio de ‘Feel’ pero sobre todo ha tenido su protagonismo en ‘Angels’, abiertamente un dueto de tintes surrealistas en algún momento, en este entorno futbolero.

Dcode ha vendido ya el 75% del aforo, no será más «mainstream» en el futuro y responde una crítica por la poca paridad

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Dcode, que tendrá lugar el 8 de septiembre en Madrid, ha celebrado su tradicional acto de presentación en la Piscina de la Complutense de Madrid, tras haber tenido lugar el mes pasado Dcode Lab (un ciclo de conferencias y mesas redondas) en las aulas de la universidad. Roberto Grima, director de Dcode, ha hablado de nuevo de la importancia de la conciliación a través de la celebración de Dcode Kids, con conciertos durante la mañana del mismo día 8 de septiembre, y ha informado de que se tomarán medidas contra el acoso a través de un punto de información, en sintonía y colaboración con otros festivales.

Nacho Córdoba, de booking, ha ofrecido novedades sobre el cartel, pese a que ya se conocen casi todos los grandes nombres, lo que incluye a Imagine Dragons, The Vaccines, Bastille o Albert Hammond Jr. A principios de septiembre se confirmará a una gran banda nacional (antes no se puede anunciar por compromisos contractuales) y ojo porque para entonces es muy posible que las entradas ya se hayan agotado. Ya se han vendido 18.000, el 75% del aforo. Seguro que Imagine Dragons y sus recientes sold-outs en estadios de cerca de 20.000 personas en Madrid y Barcelona han tenido mucho que ver.

Además de confirmarse hoy a Berri Txarrak, la organización ha podido responder las preguntas de los asistentes. Javier Herrero de EFE ha puesto sobre la mesa la escasa paridad del cartel de este año cuando otras veces Dcode ha sido un gran ejemplo de la misma. Nacho Córdoba ha respondido que siempre se plantean que haya un 50% de artistas femeninas, y en concreto ha apelado a 3 o 4 artistas que querían para este cartel, pero finalmente sucumbieron a las ofertas de otros festivales. La organización ha insistido ante varias preguntas en que este cartel 2018, más mainstream, no es necesariamente un avance de lo que será Dcode en el futuro, sino que se busca la coherencia de unas cosas con otras en cada edición.

Finalmente Viva Suecia, Nat Simons e Izal, presentes en esta edición y en la presentación de hoy, han tenido unas palabras. Mikel de Izal ha dicho que Dcode suele estar en la «hoja de ruta» del grupo, ha recordado que tocaron a las seis de la tarde cuando no eran famosos y ha indicado que es un gusto ir «en autobús» a tocar en un festival en su ciudad.

La Canción del Día: Troye Sivan y Ariana Grande son más de Netflix & Chill (y de follar en la encimera)

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Troye Sivan está yendo a más con los adelantos de su próximo disco. Al principio se habló de una estrategia a lo Lorde con ‘Melodrama’, lo cual no le benefició en nada: ‘My My My!’ (lanzada hace ¡cinco meses!) era un tema simpático, y ‘The Good Side’ una bonita balada, pero, evidentemente, no se acercaban a ‘Green Light’ y ‘Liability’. Pero ha coincidido el cese de las comparaciones con la neozelandesa con el lanzamiento de dos temazos como el corte ‘Bloom’ que da nombre al álbum y ahora este ‘Dance to This’.

Ese título, y el hecho de que fuese una colaboración con Ariana Grande, ha hecho que muchos esperasen un non-stop a lo ‘Me Against The Music’ y se hayan sorprendido con el resultado. Evidentemente no se trata de una balada, pero el single está más cerca de los sonidos de The XX, Noonie Bao (no en vano, co-autora de la canción) o incluso el ‘Passionfruit’ de Drake. Las voces de Ariana y Troye combinan muy bien, y ella demuestra de nuevo lo bien que defiende un medio tiempo que se deja querer por lo dance, recordando a su no-single ‘Thinking About You’.

Y es que, para ejemplificar su significado, esta canción está más cerca de ‘Thinking About You’ que de ‘Into You’. La carga sensual de la pareja que esa noche pasa de salir de fiesta no es de un nivel evidente, pero tampoco pone mucho empeño en ocultarse, con esos momentos soy-sutil-pero-no, como “we don’t need no place to go / just put on the radio / you know what I wanna do” o el gancho “I don’t wanna sleep tonight-night-night-night-night, I just wanna take that ride”. O la que es desde YA una de las grandes frases del pop de este año: “under the kitchen lights / you still look like dynamite”.