Rita Payés visitó ayer La Revuelta y regaló una actuación sorpresa para terminar el programa. La artista catalana llevó un cuarteto de cuerdas al programa de Broncano para interpretar ‘Tantas Cosas’, sacada de su tercer disco, ‘De camino al camino’. El vídeo de la actuación puede verse en RTVE, en el minuto 6 de los 10 que dura su parte.
El invitado principal del espacio fue Marc Cucurella, defensa de la Selección Española, «primer futbolista de la temporada» y objeto de un meme que se viralizó hace unos meses gracias a un repetido cántico. Aquel que decía: «Cucu Cucurella, se come una paella».
No fue hasta el finalísimo del show cuando llegó el turno de la cantante. Esta se cruzó con el futbolista, tuvieron una conversación bastante insustancial y comenzó su sección del programa. Payés intentó que Broncano tocase un trombón de plástico que «suena muy bien en realidad», pero no hubo manera: «Me dijeron que tocara la de El Hormiguero, pero no me la sé», bromeó la cantante.
Mientras dirigía a los músicos, Rita exhibió su delicada voz, que causó el silencio total en el Teatro Príncipe. La solista de jazz y bossa presentará su último disco en el Teatro Circo Price de Madrid el próximo 10 de enero de 2025, como parte del nuevo ciclo de conciertos de Inverfest.
Coldplay no tienen suficiente con el número 1 mundial obtenido por ‘Moon Music’. Mediatraffic estima que han vendido casi medio millón de unidades en una semana. Nada mal para los tiempos que corren.
Tras pasar por Saturday Night Live, el grupo tiene un nuevo hito promocional que ya está dando la vuelta al mundo y descubrimos por la prensa extranjera. Se trata de una camiseta oficial con los colores del FC Barcelona, que lanzan de manera conjunta con Spotify. Por supuesto será benéfica, para los refugiados de UNHCR, y solo habrá 1.899 unidades en honor al año de fundación del club. La preventa comienza hoy.
El diseño contiene un logo inspirado en la era ‘Moon Music’. Toda la acción es un guiño al modo en que ‘Viva La Vida’ se convirtió en un himno oficioso del Barça durante la era Guardiola. El diseño lo portarán los jugadores en el clásico contra el Real Madrid el 26 de octubre, y las jugadoras en un partido posterior contra el Eibar. En la nota de prensa, Coldplay mencionan su relación especial con la ciudad. Hace no tanto llenaron 4 Estadios Olímpicos.
Hace poco León Benavente cuestionaban a cierto tipo de artistas españoles cuyas letras no se entienden entre un montón de supuesta poesía. Seguro que entre esos artistas NO están Alavedra. El cuarteto catalán formado por Dani (Daniel Belenguer), Xiri (Oriol Romaní), Ret (Albert Rams) y Genís Pena, que tiene un tema llamado ‘Jordi Pujol’ y otro sobre clichés llamado ‘Ada Colau’, ha sido siempre muy directo.
En sus primeros EP’s, si hablaban de cosas como ser famosos en Instagram titulaban la canción ‘La de Instagram’. En su primer disco destacó un tema sobre poliamor que llamaron ‘La jota del poliamor’.
Los temas en su segundo disco ‘Feliz a la fuerza’ son hijos de la cotidianidad, igual. En ‘Pase lo que pase’ se manifiestan «preparados para el desastre». En ‘Chamartín’ hablan sobre ser hallados muertos en los baños de esta estación. ‘La excusa perfecta’ es un absurdo listado de ídem. ‘Generación’ plantea conformarse con «ser un 5 y medio, aprobado por los pelos». ‘Barcelona’ rima «ciudad con ratas» y que huele a «cloaca», con que encima «no es barata». Y ‘Feliz a la fuerza’ habla de tenerlo todo, sentirse mal y pese a todo ponerse una careta para la galería.
Alavedra comunican todo esto con un sonido más profesional conseguido en el estudio de Paco Loco, con la autoproducción del propio Belenguer. Hay varios cantantes en la banda, no solo Genís y Dani (Ret se suma a ‘Generación’), lo que junto a la diversidad de estilos, da lugar a un sonido variado. Eso sí, siempre que haya guitarras, bajo y batería. Con esa misma paleta pueden recordar a los Strokes (‘La excusa perfecta’), Black Lips (‘Pase lo que pase’ con Diosssito de La Élite), Dandy Warhols (‘No me devuelvas la palabra’) Los Planetas (‘No sé’), o hasta Pignoise y Oasis a la vez (‘Personalidad’). Al fin y al cabo la letra de esta última va precisamente sobre ser chaquetero. «Si no te gusta mi personalidad, tengo otra».
Cada canción logra meterte en su pequeño mundo a través de su concreción, como sucede en el repertorio de las mejores formaciones de guitarras, bien sean punk pop, garage o power pop. Como con los Ramones y Alcalá Norte, pasando por Los Nikis, uno nunca esperará de Alavedra una enorme evolución musical, sino que sigan retratando su entorno, su desencanto, y también sus momentos felices con estribillos infecciosos. Alavedra en absoluto se conforman con un 5,5.
Alavedra actúan el 16 de noviembre en Zaragoza, el 30 de noviembre en Barcelona, el 14 de diciembre en Valencia y en 2025 aguardan Sevilla, Granada, Valladolid, Salamanca o Madrid. Detalles, aquí.
Alondra Bentley ha publicado esta semana su primer disco en español, que además supone su regreso a este formato tras 6 años, los que han pasado desde ‘Solar System‘. ‘La materia’ es un álbum que habla de la vida y de la muerte, inspirado tanto en su hija como en el fallecimiento de su madre. Por ejemplo, la canción titular, tan intrigante y fantasmal, es un Western que parece pulular entre dos mundos.
‘Marchar’, que escogemos hoy como Canción del Día, es una de las canciones más intimistas del álbum y también una de las más bonitas, narrando los últimos momentos de su madre.
De manera sencilla, Alondra Bentley se hace las grandes preguntas de la vida: “dónde estaba antes de nacer, qué sucederá al fallecer”. La gran diferencia frente a otras canciones existencialistas es su aceptación, o al menos, su lucha por la misma: “voy a desaparecer, es algo natural, intenta no pensar de forma tan occidental, haz todo lo que te gusta antes de marchar”, dice el estribillo.
Según la nota de prensa de Sonido Muchacho, Alondra está recogiendo algunas de las últimas palabras de su madre, pese a lo que se enfadó al oírlas: “No le quedaba mucho de vida y me lo dijo muy tranquila. Recuerdo que me enfadé y me puse a la defensiva, pero no podía tener más razón”, recuerda.
La producción acústica está muy ligeramente adornada por el clarinete de Pablo Borderías, mientras de la producción de todo el álbum se han encargado Gruff Rhys de Super Furry Animals y Bernardo Calvo. El vinilo está a la venta en la web de su sello.
LA CINC es la nueva sala de Apolo que cada sábado ofrece una programación diferente y diversa basada en DJ sets y diferentes actividades que no tendrán que ver necesariamente con la programación habitual de la sala. El tardeo irá de 17.00 a 23.30.
Así, por ejemplo, este sábado 19 de octubre, la CINC acogerá el DJ set de DJ Kosmos & Rho presentando The Muzic Box. A continuación, el sábado 26 de octubre, será el turno de Aka Inu & Junz, que traerán a la CINC su Tardeo Tropical. La programación de noviembre será anunciada próximamente.
Bajo el paraguas de CINC también cabe La Casa de Muñecas, una fiesta trans. Un jueves al mes en la Sala Apolo tiene lugar este evento que ha dado mucho de qué hablar en Barcelona en los últimos tiempos. Se trata de una fiesta que existe con el objetivo de dar voz, espacio y visibilidad a los talentos trans del underground. La Casa de las Muñecas se define como un «espacio de creación y exploración en el que se reinterpretan diferentes expresiones artísticas». En sus propias palabras, es un «colectivo artístico-musical sexo-disidente based in Barcelona formado por y para mujeres trans».
Pero que La Casa de las Muñecas sea un colectivo radicado en Barcelona no significa que solo acoja a artistas locales. Desde su creación en 2022, la Casa de las Muñecas abre sus puertas a artistas del underground tanto de Barcelona como del resto del mundo.
La Casa de las Muñecas, que se celebra entre 20.00 y 23.30, se incluye dentro de las actividades de LA CINC, el mencionado nuevo tardeo de Sala Apolo en su nueva sala inaugurada hace unos meses.
La edición de La Casa de las Muñecas del 17 de octubre cuenta con algunos de los talentos trans del underground que más están despuntando. En concreto, habrá dos live showcase, de LaSol y Anastasía Mía, y dos DJ sets, de Ciberpony y Manuelac0re. Cuatro artistas que juntas suman elementos de pop experimental, estética cyborg y performance drag. En este caso, la entrada está disponible en taquilla a un coste de 6 euros.
Tyler, the Creator ha mostrado un nuevo avance musical de lo que es su próximo proyecto, junto con un corto titulado ‘ST. CHROMA’. Después ha confirmado que ‘CHROMAKOPIA’, su nuevo álbum, saldrá el 28 de octubre. Un lunes.
No escuchábamos nada nuevo del artista californiano desde el lanzamiento de ‘Call Me If You Get Lost’ en 2021 y de su edición deluxe, en marzo del año pasado. Lo que podemos sacar del nuevo avance es que Tyler se va a adentrar en otra etapa experimental.
Podemos escucharle rapear en susurros en un beat compuesto principalmente por una marcha militar, que a su vez conecta directamente con la parte visual. En ella, dirige un grupo de personas en traje hacia un contenedor en el que se puede leer la palabra ‘CHROMAKOPIA’ pintada. Poco a poco, la música gira hacia un registro soul o R&B más ligero en el que aparecen diferentes voces. Sin duda, dejándonos con ganas de más.
Una de estas voces sería la de Daniel Caesar, que ha revelado su aparición en las Stories de Instagram: «Hice algunas voces para esto, estoy muy orgulloso. No puedo esperar a que escuchéis el disco completo», ha publicado. En la recta final del vídeo, y con todas las personas metidas dentro, alguien presiona un detonador y vuela el contenedor por los aires. Así, el vídeo pasa de blanco y negro a color.
La muerte de Liam Payne, con tan solo 31 años, ha conmocionado el mundo de la música. En las últimas horas, las redes se han llenado de mensajes de cariño, tanto de fans como de compañeros de profesión, recordando la figura del exintegrante de One Direction. Charlie Puth, Backstreet Boys, Paris Hilton o Liam Gallagher son solo algunos de los artistas que han dedicado unas palabras.
La noticia ha sido un shock para todo el mundo, y ha vuelto a resaltar la cara más insensible de la sociedad. De ahí, la cobertura de TMZ, que había acompañado la noticia con una fotografía del cuerpo de Liam tras caer del tercer piso de su hotel. Alessia Cara es la artista más famosa, y una de las primeras, en hacerse eco de esto: «Dais asco», escribió en X mencionando a TMZ.
Liam Gallagher, que poco tuvo que ver con Payne además de compartir nacionalidad, ha escrito uno de los tweets más sensatos que le hayamos visto: «La vida es valiosa niños y solo puedes vivirla UNA VEZ id con calma», ha compartido a modo de advertencia.
Incluso Paris Hilton ha mandado sus «condolencias» a la familia del artista británico. Flavor Flav, Juicy J o los Backstreet Boys tampoco se han podido creer la noticia: «Las palabras no pueden expresar las emociones que estamos sintiendo ahora mismo de manera colectiva, y parece que el resto del mundo está en el mismo barco», ha escrito la boy band en redes sociales.
Por supuesto, algunos colaboradores, como Zedd, Quavo o J Balvin han dedicado palabras de cariño al artista. De estas, la más dolorosa es la de Charlie Puth, que decide recordar a Payne en sus Stories de Instagram: «Estoy en shock. Liam siempre ha sido muy amable conmigo. Era uno de los primeros artistas grandes con los que pude trabajar. No me puedo creer que ya no esté».
Life is precious kids and you only get to do it ONCE go easy LG x
Love of Lesbian publica estos días su décimo álbum, ‘Ejército de salvación’, un trabajo que gira en torno al concepto de amistad. Para contar esta historia, Love of Lesbian cuenta con la colaboración de algunos de los artistas destacados del pop hispano, concretamente de Jorge Drexler, Amaral, Leiva, Zahara y Rigoberta Bandini. Es un disco lleno de esos himnos edificantes que Santi Balmes y compañía saben hacer tan bien: canciones como ‘Contradicción‘ o ‘Tesis’ se pueden contar ya entre las más destacadas de su carrera.
JENESAISPOP ha podido reunirse con Santi Balmes, Jordi Roig, Oriol Bonet y Julián Saldarriaga, que llega más tarde, pero llega; en las oficinas de RAC1 en Barcelona para comentar en profundidad el contenido de ‘Ejército de salvación’ y también para echar la mirada atrás a sus casi 30 años de trayectoria. Hablamos de sus artistas esenciales, esos que les «salvarían» la vida, de cuándo es idóneo colaborar con otro artista y cuándo no, o de la esclavitud de las redes.
¿Qué dice este disco de Love of Lesbian en 2024?
Santi: El álbum es una alegoría, en un 80%, de nuestra amistad, de nuestra convivencia y manera de entender la banda. Algunas bandas están montadas por supermúsicos, pero nosotros fuimos amigos antes que banda. Es un disco que habla de varias facetas de la amistad, desde su vertiente mas positiva, como ‘La hermandad’, hasta la más dolorosa, que sería la de ‘Una conversación pendiente’ o ‘Qué vas a saber’.
¿Y el 20% restante a qué se dedica?
Santi: Sería el amor romántico, la vertiente de ‘Tesis’, por ejemplo, que sigue la línea de canción de amor de toda la vida. En este disco, el amor romántico ha sido sustituido por una reflexión sobre la amistad. Aunque ‘Ejército de salvación’, la canción, está dedicada a una pareja, está enfocada desde el recuerdo de esas personas que forman la columna vertebral de la vida de una persona, que la sostienen, en referencia a la amistad o a la lealtad, dos factores que no son necesariamente pasionales.
El disco habla de “ese núcleo duro de amistad, hermandad y cariño tan necesario para esta vida”. ¿Se pone demasiado énfasis en el núcleo romántico y menos en el de amistad?
Oriol: Puede ser cierto que en el arte se le da más importancia a lo pasional, a la relación de pareja, pero creo que la vertiente de amistad es más rica porque conlleva una mayor responsabilidad. Nosotros como banda convivimos más que con nuestras parejas. Como canta Santi en ‘Ejército de salvación’, la pasión es un tiempo muy corto; lo bonito es saber cruzar la frontera entre lo pasional y lo que viene después, cuando de la pareja se pasa a la amistad, sin que acabe siendo rutinario. Se le da demasiada importancia al enamoramiento, pero es más importante lo otro. Cuando desaparece todo eso, ¿qué queda?
Santi: Me parece interesante tratar una decepción desde el punto de vista no de una pareja, sino de una amistad. De eso habla ‘Qué vas a saber’ con Amaral. Ahora mismo hay personas de 15, 16, 17 años encerradas en su habitación, desgarradas por una amistad, porque se han discutido con un amigo. Si lo piensas fríamente, hay muy pocos discos o canciones que hablen de la amistad. De esto nos hemos dado cuenta después de escribir las canciones, que había un tema común.
¿Qué áreas de la amistad exploráis en este disco?
Jordi: Las hemos vivido todas. Hemos vivido evidentemente mucho confort dentro de la banda, pero también desolación, soledad…
Santi: Conflictos no resueltos…
Jordi: En la pareja siempre tienes el comodín de la pasión. La pasión ayuda a suavizar las cosas después de una pelea. Entre amigos toca hablar y resolver las cosas.
La comunicación ha sido clave en Love of Lesbian, ¿no? Para manteneros como amigos y banda.
Jordi: Ha sido un aprendizaje de años, hemos crecido como personas… A veces el diálogo ha sido difícil. Hay una parte emocional que no te permite tomar decisiones empresariales con la frialdad necesaria, se mezclan cosas… Muchas veces toca separar ser amigos de ser empresarios.
Santi: Estar en una banda como Love of Lesbian implica estar abierto emocionalmente, por ejemplo en un concierto o en un proceso creativo y, a continuación, estar en un aeropuerto tomando decisiones frías. Pasamos de la frialdad absoluta a momentos muy emocionales que solo podemos explicar nosotros porque los hemos vivido en un escenario. Es una mina riquísima para echar mano de ella en un disco.
¿El disco se piensa desde la idea de traer artistas invitados, o estos vienen después? No son canciones escritas con voces invitadas en mente.
Santi: Nunca me he puesto a escribir algo con una intencionalidad comercial o de colaboración, pero durante el proceso creativo te empiezan a surgir nombres, en esa voz que podría pegar en determinada canción… Nunca trabajas haciéndote un encargo a ti mismo. A mí me ha pasado que editoriales me han escrito para proponerme una colaboración con un «artista del mundo mainstream que necesita un tema downtempo que hable de desamor con referencias estilísticas a la música urbana mezclando con pop”. Yo no puedo trabajar así. Lo he intentado, pero tengo que conocer antes a la persona, llevarme bien con ella y, a partir de ahí, saber lo que quiere haciendo un ejercicio de empatía.
Me quedo con ganas de saber qué artista te propusieron…
Santi: Te hablo de mails que envían agencias dirigidos a muchos compositores a la vez, en los que a veces ni te dicen el nombre del artista en cuestión. Una vez me llegó una propuesta para componer una canción para Sergio Dalma e hice la prueba, me puse a escribir una canción una mañana, pero siempre me pasa lo mismo: escribo una canción, me mola mucho y me la acabo quedando. Con Sergio Dalma -con todo el respeto que le tengo- no llegué a ningún lado porque ya estaba condicionado a hacer algo más comercial y no me encontré a gusto. Si desde el principio me proponen quedar con él, comer con él, conocerle y averiguar cuáles son sus inquietudes actuales, aún puedo escribir algo que lleve su esencia. Lo que no puedo hacer es intentar escribir una canción para Sergio Dalma, sin conocerle, basándome en su hit de hace 30 años. Estas propuestas tan frías que llegan por mail, por mi parte, van directamente a la papelera.
En otro escalón mas mainstream, gente como Taylor Swift o Lana Del Rey trabajan continuamente con Jack Antonoff por una cuestión de afinidad creativa, pero también porque comparten una amistad y se encuentran cómodos trabajando juntos. Da la impresión de que ya no se reúnen dos artistas en un estudio para estar incómodos, y que de ahí pueda salir algo interesante. ¿No os da miedo caer en ciertos vicios componiendo desde ese lugar de amistad?
Oriol: Lo que pedimos a una colaboración es que se dé con una persona que admiramos y que sume a la canción, con una persona que sabemos que va a hacer algo que nosotros no podríamos hacer. Las colaboraciones en este disco, además, nacen desde un lugar de agradecimiento, porque con Eva, Leiva, Zahara… hemos compartido escenario. Para nosotros era bonito capturar en un disco la esencia de esos momentos que hemos vivido juntos.
«Santi: Con Sergio Dalma no llegué a ningún lado porque, a la hora de componerle una canción, ya estaba condicionado a hacer algo más comercial y no me encontré a gusto»
¿Fue pan comido conseguir las colaboraciones?
Santi: No fue fácil encontrar fechas. Eva vive aislada prácticamente; Jorge Drexler está que medio planeta es su casa. Trabajar con Rigoberta ha sido fácil, porque ha grabado en Barcelona, pero cuadrar con el resto de artistas ha sido más complicado. Nos hemos adaptado a sus agendas. Yo, por ejemplo, me he pillado unos cuantos AVEs para ir a Madrid.
Jordi: El disco se empieza a grabar en principios de 2023, entre junio y septiembre se continúa la grabación en Barcelona y, después, ha sido todo viajes a Madrid para cerrar las colaboraciones. Ha sido un año aproximadamente de grabación. En el caso de Eva, ella prefiere trabajar en su zona de confort, que es su estudio de grabación propio, en el que trabaja asiduamente. Así que nosotros hemos ido a trabajar con ella, y no al revés.
Santi: Yo he visto a Eva trabajar en la canción con el setlist de su gira de verano delante, porque estaba ocupada con eso al mismo tiempo.
¿Y cómo ha sido compartir estudio con Jorge Drexler?
Santi: Ha sido muy curioso ver su proceso, ver cómo analiza una canción, cómo la disecciona. Él ha estudiado medicina y parece que aplica un método parecido a la composición: primero hace un análisis muy matemático de la melodía de la canción y, cuando tiene computada la secuencia de notas, le insufla su humanidad y su personalidad, rompe con esa perfección matemática, y empieza a proponer cambios. Hace un proceso 360.
¿Y Leiva?
Santi: Con Leiva hemos trabajado más por WhatsApp. Él es muy intuitivo y grabó su parte casi en la primera toma. El nombre del disco ha sido una propuesta de él.
Jordi: El titulo lo teníamos, porque es el de una de las canciones del disco, pero él vio que el disco se tenía que titular así.
Santi: El disco se iba a llamar ‘Mis vecinos los humanos’. No descarto usarlo algún día. Pero Leiva vio que en la canción ‘Ejército de salvación’ está la columna vertebral del álbum. Es la primera vez que una persona externa propone el titulo de un trabajo nuestro.
¿Qué me podéis decir de ‘Tesis’ con Zahara?
Santi: En esa cancion canto la peor frase que puedo cantar en una canción, que es “Ya no siento nada”. Te puede doler alguien, puedes amar a alguien, pero no sentir nada es lo peor que te puede pasar.
¿Cuál sería vuestro ejército de salvación musical? Esos artistas esenciales en vuestra vida. Decidme tres cada uno.
Santi: Johnny Marr, Robert Smith y Jonny Greenwood. Os jodéis porque no podéis repetir, comeos un poco la cabeza (NdE: se pelean por el vocalista de The Cure).
Jordi: Ian Curtis, Liam Gallagher y Bruce Springsteen. Yo, últimamente, he hecho un camino de retorno con Bruce y ahora le defendería hasta el final. Antes, si escuchabas a Springsteen, estabas desactualizado. Pero asistí a uno de sus últimos conciertos, descubrí parte de su repertorio de los 70 y 80 y estuve de rodillas ante él todo el rato.
Oriol: Te digo tres de España: Antonio Vega, Enrique Bunbury e Iván Ferreiro.
(Llega Julián Saldarriaga). Faltas tú.
Julián: Me gustan mucho Broken Social Scene, The War on Drugs y Twin Shadow.
Son más contemporáneos que el resto de opciones.
Julián: Hombre, Broken Social Scene tienen sus años.
Santi: Yo he descubierto ahora a Ca7riel y Paco Amoroso. Ahora con el Tiny Desk han explotado. Drexler, por lo visto, es súper colega de ellos. Y hay unas chicas de Barcelona que se llaman Marala que son muy jevis. Combinan música tradicional con electrónica a dolor y son muy buenas.
«El “hype” ahora está no en nosotros sino en Arde Bogotá o Viva Suecia, que son los que están recibiendo los palos»
En ‘La Hermandad’, Santi canta “Como nunca estuvimos de moda / De moda no podremos pasar”. ¿Nunca habéis sentido que estáis de moda?
Santi: Siempre hemos tenido complejo de banda anómala que no encaja en la escena. Pero se te quitan las manías cuando descubres que ‘Out of Time’ es el álbum con el que R.E.M. lo petaron, a pesar de que ellos decían que en medio de la eclosión del grunge no pintaban nada. Muchas bandas tenemos un complejo de no estar de moda, de ser odiosos y odiables.
¿Y os sentís así por lo que leéis sobre vosotros o ya de base?
Santi: En el infausto año 2012 todo se convirtió para nosotros en una oleada de admiradores y odio, sucediendo al mismo tiempo. Ahora ya no nos pasa tanto porque todo se ha asentado más para nosotros, nos hemos ganado esa medalla de respeto dentro de la escena. El “hype” ahora está en Arde Bogotá o Viva Suecia, que son los que están recibiendo los palos. Los haters son como estorninos: vuelan hacia donde huelen sangre fresca. Nosotros ya no tenemos sangre fresca por ningún lado (ríe)
Pero tiene que ser reafirmante mantenerse en el tiempo.
Oriol: Nosotros tenemos la sensación de ser una banda atemporal. Es verdad que con ‘1999‘, no sé si estuvimos de moda, pero lo petamos mucho. Pero ahora en un bolo tocamos una canción de ‘Maniobras de escapismo’ (2005) y se lleva fantásticamente bien con una cancion que está en este nuevo disco. Esto abarca toda la trayectoria discográfica de Love of Lesbian, y que nuestras canciones se lleven bien las unas con las otras, nos da la razón en este aspecto.
En ‘1999’ estabais en todos lados.
Santi: No podemos decir que no estuvimos de moda, lo estuvimos, pero era tentador expresar esa frase en una canción. A veces son concesiones…
¿Alguna canción que retiraríais de vuestra discografía para siempre?
Santi: (piensa) ‘Radio Himalaya’, aunque la escuché hace poco y no está tan mal…
Oriol: Quizá no las retiraría, pero hay canciones que, con el paso del tiempo, las habríamos resuelto de otra manera.
Santi: A ‘Psiconautas’ le cogí manía porque Ricky Falkner (su productor) me la hizo odiar. Decía: “pero cómo puede ser que a la mejor canción melódica que has escrito en tu vida le metas esa letra”.
«Antes vendíamos 3 Razzmatazzs con un tuit; ahora el trabajo en redes es un desgaste severo»
¿Algo que decir sobre la separación de Leire Martínez y La Oreja de Van Gogh?
Santi: Yo no quería decir que voy a ser el nuevo cantante de La Oreja de Van Gogh, pero las cosas se han precipitado.
Julián: A mí me parece más noticia que Carmen Boza haya entregado las armas. Carmen ha puesto en redes que está hasta el coño de tener que crear contenido todo el rato, que esa necesidad le ha provocado un quiebro mental, que está agobiada teniendo que estar siempre sacando música, y que se retira de los escenarios.
Desde fuera parece que es un poco lo que hay, que son las reglas del juego y quien quiere las acepta, jugando a su manera, y quien no, no. ¿Cómo lo veis vosotros?
Santi: Yo no quiero hacer demagogia con este tema, porque Love of Lesbian tiene ya mucho ganado. Te tienes que poner en la piel de una persona que está empezando.
Julián: Nosotros venimos de MySpace, hasta hace poco llevamos las redes nosotros y es un desgaste severo: no va solo de colgar cosas, de informar, y de usar las redes como te apetezca, que es la parte divertida; es que también va de subir anuncios, carteles, de comunicar información sobre entradas, de contestar a los fans… Eso es un agobio y tiene que llevarlo alguien externo. Nosotros tenemos un community manager desde hace un par de años. Es muy diferente al contexto de hace unos años. En otra época, nosotros colgábamos un tuit y con ese tuit vendíamos todas las entradas.
Santi: Vendimos 3 Razzmatazzs con un tuit.
Oriol: No colgábamos pósters en la calle porque ya lo teníamos todo vendido.
Jordi: Antes de MySpace el artista dependía de aparecer en un fanzine, en una revista, de que le pinchasen en Radio 3. Pero nada de eso dependía de nosotros. Las nuevas plataformas quitan poder a los de siempre pero, a su vez, usarlas se ha convertido en una especie de esclavitud, y perdón que use esta palabra, pero usar las redes hoy en día es un esfuerzo y un trabajo constantes. Y destacar es difícil porque en las redes hay mucho ruido.
Santi: Además, la imagen se homogeneiza mucho. Ahora desde el escenario el grupo se hace un selfie con el público detrás y, en la leyenda de la imagen, escribe una frase tipo “intentando asimilar lo que ha sucedido hoy”, y te das cuenta de que todos los grupos suben lo mismo. Al final estás consumiendo el mismo contenido todo el rato. Ahí vale la pena pensar si existe alguna alternativa a lo que ofrecen las redes hoy en día, porque tú puedes currarte un post de Instagram, y la realidad es que la gente lo va a leer sentada en la taza del váter, y si te enrollas mucho, hace scroll para arriba y a seguir mirando…
En 1978 el músico canadiense Mort Garson lanzó el álbum ‘Mother Earth’s Plantasia’, un disco de música ambiental diseñado «para que las plantas lo escuchen». En JENESAISPOP, Natalia Ferviú lo recomendó en su momento. El disco pasó desapercibido en su época pero, en los últimos años, ha ganado estatus de culto y se ha convertido en una pieza de colección para muchos melómanos que decoran sus hogares con plantas. Es decir, es un icono del postureo. Seguro que lo has visto en algún vídeo de decoración de Instagram y, si no, lo verás tarde o temprano.
El mundo natural ha inspirado grandes obras musicales a lo largo de la historia, algunas tan polémicas como «The Secret Life of Plants» de Stevie Wonder, y Ozoyo es uno de los últimos artistas que se basan en ella para crear su propia música.
Ozoyo es el alias de un músico y productor radicado en Estambul que factura una música electrónica de corte naturalista. Su música se inspira en las «texturas ricas de la naturaleza» y sus composiciones reciben títulos como ‘Dragonfly’ o ‘Distant Solace’.
Las primeras producciones de Ozoyo, como las contenidas en su álbum ‘Motel Lazy’ (2019), se alienaban en el chill beats y el lo-fi, y nunca adivinarías que Ozoyo cuenta a leyendas del jazz como Chet Baker entre sus primeras influencias. Sin embargo, su sonido actual es muy distinto, pues parece Aphex Twin su principal referencia, en su vertiente más rítmica y abstracta. Aunque la música de Ozoyo se inspira de manera más directa en los sonidos orgánicos de la naturaleza, tanto que su próximo disco, ‘Worm’, está enteramente dedicado al mundo de los gusanos y las larvas.
En base a títulos como ‘Slow Worm’ o ‘Hornworm Metamorphosis’, entre los cuales destaca, necesariamente, ‘Worms on Acid’, Ozoyo entrega una serie de interesantes diseños electrónicos que se debaten entre el ambient y el puro ritmo abstracto. ‘Bearded Fireworm’, uno de los singles de este ‘Worm’ que se lanza el 25 de octubre, es la Canción Del Día.
‘Bearded Fireworm’ es una de esas composiciones electrónicas que saben llamar la atención desde el segundo cero y que no podrás evitar ponerte en bucle. En un primer lugar su parecido con el estilo de Aphex Twin se hace evidente pero, después, la canción empieza a diferenciarse por su componente naturalista lleno de texturas líquidas y viscosas. ‘Bearded Fireworm’ es un festín de ritmos, melodías y efectos que hacen cosquillas a los oídos. En los 90 habría hecho las mieles de Björk y del sello Warp. En 2024, seguro que también las harían.
Liam Payne, cantante británico conocido por ser uno de los integrantes de One Direction, ha muerto a los 31 años. Acorde con las primeras informaciones, Payne se ha precipitado desde el tercer piso del hotel en el que se alojaba en Buenos Aires, Argentina. Se desconocen las causas de la caída.
Según la prensa argentina, la policía había sido llamada al hotel durante la tarde del miércoles por un empleado que alertaba de la presencia de un «hombre agresivo que podría estar bajo efectos de drogas o alcohol». Según TMZ, Payne había estado «actuando de manera errática» durante la tarde «en el vestíbulo del hotel» y había tenido que ser «llevado a cuestas a su habitación». El SAME ha constatado el fallecimiento.
Nativo de Inglaterra, Payne alcanzó la fama a los 16 años tras ser elegido para ser miembro de One Direction junto a Harry Styles, Zayn Malik, Louis Tomlinson y Niall Horan, en la séptima edición de la versión británica de X Factor. Hace unos días, Horan y Payne habían coincidido en Argentina, en la gira del primero.
Inmediatamente después del debut de One Direction en 2010, con el single ‘What Makes You Beautiful’, One Direction pasó a convertirse en un fenómeno de masas internacional y en la boy band más popular del mundo. Ni Payne ni el resto de integrantes de One Direction participaron en la composición de algunos éxitos de One Direction, como el citado ‘What Makes You Beautiful’ o ‘You & I’, pero sí en la de otros, sobre todo de la última etapa, como ‘Night Changes’ o ‘Steal My Girl’. One Direction comunicó su separación en 2016 y, desde entonces, cada uno de sus integrantes ha desarrollado su propia carrera en solitario.
Mientras el resto de sus compañeros de banda elegían las guitarras o un papel de artista serio, Payne no renunciaba al pop. ‘Strip that Down’, su single con Quavo, supera los mil millones de reproducciones en Spotify, y también son asombrosas las cifras de sus lanzamientos con Zedd (‘Get Low’), Rita Ora (‘For You’) o J Balvin (‘Familiar’). En solitario, ‘Bedroom Floor’ se encuentra entre las canciones más escuchadas de Liam.
El álbum debut de Payne, ‘LP1‘, publicado en 2019, no fue el más exitoso de los vinculados a One Direction ni a nivel de ventas (quedó en un puesto 17 en Reino Unido) ni a nivel de críticas, a pesar del correcto nivel de sus singles. Por otro lado, uno de sus cortes, ‘Both Ways’, fue criticado por convertir la bisexualidad en un fetiche.
Solo la semana pasada había sido noticia que Payne había decidido posponer el lanzamiento de su segundo álbum. ‘Teardrops’, el primer single, se lanzó en marzo.
En el aspecto personal es oportuno mencionar que Payne era padre de un hijo con Cheryl, integrante de Girls Aloud. El bebé nació en 2017, y Liam y Cheryl se separaron en 2018. Últimamente, Payne afrontaba acusaciones de acoso por parte de su ex-prometida, Maya Henry.
Hidrogenesse, últimamente de actualidad por haber co-escrito y producido ‘El destello‘, el tema de Juanjo Bona y Martin Urrutia que acaba de debutar en el top 100 oficial español, anuncian dos conciertos especiales. Se trata de dos shows en los que conmemoran los 25 años que han pasado desde la edición de su EP ‘Así se baila el siglo XX’, es decir, sus inicios.
La primera fecha será el 8 de marzo de 2025 en la Sala BUT de Madrid y la segunda el 14 de marzo de 2025 en Apolo 2 en Barcelona. Las entradas para ambos conciertos están ya disponibles y se pueden adquirir a través de Fever en el caso de Barcelona, y de Ochoymedio en Madrid.
Además de discos tan importantes para el pop español como ‘Animalitos’ o ‘Un dígito binario dudoso’, inspirado en la vida de Alan Turing, Hidrogenesse han publicado recientemente el disco ‘Ciutat de sorra’. Se trata de un proyecto de nueve microcanciones que comparten un mismo estribillo, creadas a partir de noticias, titulares y fotos de Barcelona publicadas en La Vanguardia entre 1977 y 2011. También han compuesto el mini LP de Stella Maris para ‘La Mesías‘, la exitosa serie de Los Javis.
Entre las sorpresas que nos dejaban las listas británicas esta semana, no podemos hablar de Sabrina Carpenter, que no solo mantiene el número 1 con ‘Taste’ sino que sigue con sus 3 singles en el top 5. Pero sí de Milli Vanilli.
La música del malogrado dúo, derribado por la industria tras descubrirse que no cantaban sus canciones, vuelve a estar de moda. ‘I’m Gonna Miss You’ reentra en el top 40, mientras ‘Blame It On the Rain’ lo hace en el puesto 47. Y la culpa de todo la tiene Ryan Murphy.
Hay gente en redes sociales que cree que Milli Vanilli estarían volviendo a las listas tras desvelarse cómo los trató la industria en su documental. Sin embargo, tal documental se ha ido conociendo desde el año pasado, y la verdadera razón de este retorno a la actualidad es el uso de Milli Vanilli en la serie de Netflix ‘Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez’.
Según el libro ‘The Menendez Murders: The Shocking Untold Story of the Menéndez Family and the Killings that Stunned the Nation’, Lyle Ménendez eligió ‘Girl I’m Gonna Miss You’ para el funeral de sus padres y eso es algo que se ha respetado en la producción, devolviendo el tema a las listas de éxitos.
Según Spotify, los países en que más ha calado esta resurrección son Irlanda, Lituania, Islandia, Noruega y Reino Unido, aunque no lo suficiente para revivir el tema en listas globales.
Con todo, otra resurrección para los que se llamaron “falsos Milli Vanilli”, en concreto para su miembro superviviente Fab Morvan. Este año le entrevistamos y le vimos actuar en Mallorca Live. Este fue su resumen de lo que pasó con Milli Vanilli:
«Es una historia de explotación, poder, avaricia, de dos muchachos que no sabían lo que hacían, de los entresijos de la industria musical. Cuando te metes en la industria crees que todo el mundo es tu amigo, pero no, es un negocio. Cuando un artista no les vale le tiran a la basura. Te usan y no te das cuenta. Crees que eres parte de la familia. Las cosas van bien hasta que dejan de hacerlo. Para mí fue un proceso de aprendizaje: nadie sabía que Milli Vanilli tendría tantísimo éxito. Sacamos un single y pensamos que la cosa acabaría ahí, pero no, el éxito vino, la fama vino, y la fama nos sedujo. Rob era adoptado, yo venía de una familia de padres divorciados, el amor que recibíamos del público era increíble y no queríamos perderlo. Así que seguimos… Rob y Fab cometieron un error delante de todo el mundo. Cuando la gente comete errores lo hace en la privacidad de su casa, a nadie le importa, pero nosotros estábamos expuestos. Y aunque se supone que los jueces deben investigar todos los aspectos de una historia, eso no fue lo que pasó. Se nos culpó a nosotros de absolutamente todo».
‘Gary’ de Blossoms ha sido recientemente número 1 en las listas de álbumes británicas. Aunque el disco haya durado solo 2 semanas en todo el top 100, puede presumir de ser su cuarto top 1 en la tabla de discos, muestra de que tienen un público muy fiel.
Y se debe a cosas como esta. Si el vídeo del tema propiamente llamado ‘Gary’, dedicado a un gorila que se perdió, contó con Rick Astley como artista invitado, ahora han llamado de nuevo al mismísimo Rick Astley para una sesión en la BBC. Tiene bastante gracia porque Blossoms no habían revelado que el intérprete de ‘Together Forever’ estaba con ellos.
En ella, Blossoms han interpretado una versión de ’360’ de Charli xcx tras asegurar que también han pasado un “Brat summer”. El tema es llevado a la música disco, con una interpolación de ‘Music Sounds Better With You’ de Stardust de la que se encarga el bueno de Rick. No, no habría quedado nada mal en el disco de remixes de ‘brat’, en sintonía con su vertiente más pop, la de Lorde o Billie Eilish.
Las malas críticas y el boca a boca en su contra han condenado ‘Joker: Folie à deux’ y la película es uno de los batacazos comerciales de 2024. Después de años de teasers, en los que cada imagen o cada tráiler era una noticia de orden mundial, el público no ha respondido. Que sea un musical pero no se haya promocionado como tal para este target es una de las razones principales.
La cinta, que costaba 200 millones de dólares, está teniendo dificultades para alcanzar la rentabilidad, pues según Variety, su “break-even” serían unos 450 millones de dólares. El primer ‘Joker’ costó sólo 65 millones y recaudó más de 1.000.
En principio, Boxoffice Pro anticipó que la cinta debutaría con unos 100 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, superando los 96 millones con que debutó el primer ‘Joker’. Después, redujo la previsión a 70 millones, luego a 55, después a 45 y finalmente la cinta debutó con algo menos de 38 millones de dólares en estos territorios.
También han sido malos los datos de la segunda semana, con un desplome en torno al 70% y 80% en la taquilla, dependiendo del país. En total, se han recaudado 52 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y 113 millones en el resto del mundo. Los 166 millones totales están muy por debajo de las expectativas, lejos del mencionado «break-even» y ya se ha anunciado que la cinta podrá verse en streaming en muy pocas semanas: el 29 de octubre, este mismo mes.
Aunque parece muy difícil que con su llegada a Max, la película o las canciones inspiradas en ella recogidas en ‘Harlequin’ puedan remontar el vuelo, Lady Gaga no tiene nada de qué preocuparse. Su dúo con Bruno Mars ‘Die With a Smile’ lleva 52 días en el número 1 global de Spotify, sumando 600 millones de streams en tan solo 2 meses. Puede ser el mayor éxito de su historia. El single que anticipa su nuevo disco continúa previsto para este mes, a estas alturas de semana, entendemos que ya para el 25 de octubre.
Leo Rizzi no llega a su disco de debut de cualquier manera. Le precede un monstruoso viral llamado ‘Amapolas’ que en nuestro país pasó por ‘Operación Triunfo’ y cuyo alcance es internacional. Nacido en Ibiza y criado en Uruguay, el artista volvió a España para estudiar Bellas Artes en Valencia -acaba de terminar el TFG-, y actualmente vive en Madrid. Sin embargo, sus mayores fans están principalmente en México, Colombia, Guatemala y Perú, por lo que junto a su sello Warner Music trabaja ya en una larga gira que trascenderá fronteras.
De edad aparentemente indefinida, estética y voz andrógina, lo primero en la estela de Bowie y Camilo Sesto, lo segundo en la de gente como Alice Wonder y Damien Rice; Leo Rizzi se ha reconocido en diversos momentos influido por gente como James Blake, Kings of Leon o Luis Alberto Spinetta.
‘Pájaro azul’ es el resultado de todo eso: un disco de pop-rock, con una gran presencia de guitarras eléctricas y baterías, sin miedo a incorporar elementos electrónicos, como es el caso de ese drum&bass producido por Chill Chicos al que invita a Zahara, ‘MOVIMIENTO NATURAL’.
Lo que más va a recordar el público, en cambio, son sus baladas, especialmente ‘REVOLUCIÓN AZUL’, hija demasiado evidente de Coldplay, y ‘MALVAS’ entonada junto a Paty Cantú, que comienza con punteos y acaba como canción de rock. Por su parte, las letras dejan de lado el cuento de Rubén Darío que le hizo llorar e inspiró el título del álbum, para centrarse en el desengaño amoroso. Leo Rizzi se ha enamorado 20 veces en el último par de años y su relato es uno de búsqueda y frustración. «Buscamos la subida, no vimos la caída» es el sencillo estribillo de ‘RAYO’. En ‘claridad’ -ligeramente más grunge- dice no poder dormir. «Llueve cada septiembre» en la mencionada ‘MALVAS’.
Estos clichés post-adolescentes encuentran mejor hogar en las producciones que suenan más alegres y optimistas. En ‘invierno’ quita hierro a la intensidad, reconociendo sobre una melodía luminosa: «Sé que no soy tan importante / Pero el invierno es frío / Quizá me esperes allí». ‘2mil horas’ también funciona estupendamente como medio tiempo synth-pop nostálgico y un tanto ochentero. Te gustará si te gustan los últimos hits de The Weeknd.
Mejor aún es el modo en que se crece ‘ALGO ESPECIAL’. Parece inspirarse en la canción de los 60 y 70 y ese estribillo ha nacido para ser cantado en grupo como si fuera un hit de Perales, ‘Hey Jude’ o ‘Eres tú’ de Mocedades. Y es que los cambios melódicos en la voz parecen su fuerte, como se aprecia en el estribillo de ‘rompe esquemas’ o en la final ‘ZEPPELIN’. Fiel al título del disco, según el cual el «pájaro azul» representa la liberación del proceso creativo, ese sacar lo que uno tiene dentro de manera terapéutica, Leo Rizzi se despide por ahora con un amuleto con el que afrontar su gran año. Lo dicen las últimas palabras del álbum: «Hoy me siento mejor, hoy me siento mejor, hoy me siento mejor…»
Britney Spears sigue retirada de la música… pero parece que le ha cogido el gusto a la industria literaria, porque acaba de anunciar que se encuentra «escribiendo una novela». Eso sí, lo ha hecho al final de un largo texto en el que se dedica sobre todo a elogiar a otras artistas femeninas, como si pensara que la frase en cuestión va a pasar inadvertida.
«Estoy retirada escribiendo mi novela y aprendiendo sobre mí misma» es la escueta frase que ha publicado Spears en su cuenta de Instagram. Spears, que en 2023 publicó sus exitosas memorias, ‘La mujer que soy‘, podría preparar una segunda parte, u otro tipo de narración.
Precisamente, ‘La mujer que soy’ formará la base de una nueva película sobre Spears anunciada por Universal Pictures que se encuentra en proceso de desarrollo. Jon M. Chu, a punto de estrenar ‘Wicked’, va a dirigir la cinta, que cuenta con el beneplácito de la cantante.
Además de ‘La mujer que soy’, Spears ya había publicado dos libros junto a su madre, Lynne Spears, que quizá no recuerdes; estos libros son ‘Heart to Heart’ (2000) y ‘A Mother’s Gift’ (2001).
En cuanto a las artistas que Britney menciona en su texto, la cantante no menciona a Ariana Grande, que acaba de imitarla en Saturday Night Live, pero sí a Camila Cabello, a Natalie Portman y a la modelo Kendall Jenner. Además, Spears comparte palabras de cariño para Selena Gomez y Drew Barrymore, dos personas que asistieron a su boda con su ahora ex-marido, Sam Asghari.
Últimamente, Spears ha sido noticia por la filtración de cuatro canciones inéditas extraídas de las sesiones de ‘In the Zone’ (2003), su cuarto álbum de estudio. Spears ha comunicado recientemente que «nunca» volverá a la industria de la música.
Godspeed You! Black Emperor ha anunciado tres conciertos en España que tendrán lugar en marzo de 2025, en presentación de su nuevo disco, ‘NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD‘.
Las fechas sitúan a la banda canadiense de post-rock el 3 de marzo en Madrid, el 4 de marzo en Bilbao, y el 5 de marzo en Barcelona. Las entradas están a la venta ya en la web de Aloud Music.
‘NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD’ es otro trabajo notable de Godspeed You! Black Emperor. Su título alude a las víctimas de Gaza. En palabras de nuestra colaboradora, Mireia Pería, «el asco moral que genera el genocidio en Gaza se plasma en este nuevo disco de los canadienses… pero no es un disco eminentemente triste ni particularmente furioso, sino que, a ratos, parece querer reflejar la parálisis que genera tanto horror».
Olly Alexander, conocido por haber sido el cantante de la banda Years & Years, ha vivido este año uno de los momentos más importantes de su carrera al subirse al escenario de Eurovisión para representar a su país, Reino Unido. Aunque al final quedó en un discreto 18º lugar, Alexander siempre podrá presumir de haber presentado un tema muy pintón, ‘Dizzy’.
En una entrevista que concedía Alexander previamente a su paso por Eurovisión, el cantante adelantaba que ‘Dizzy’ formaba parte de un nuevo disco que se encontraba preparando junto a Danny L. Harle, uno de los nombres más representativos del hyperpop. Estos días se ha anunciado que este disco, ‘Polari’, se pondrá a la venta el próximo 7 de febrero.
‘Polari’ es un trabajo en que Alexander echa la vista atrás a los tiempos en los que el amor queer ha sido un «amor prohibido». En él, Alexander ha «imaginado un mundo más libre, uno en el que pudiera inspirarme en Odiseo, mi novio, Kylie y Derek Jarman».
En concreto, ‘Dizzy’ será la pista 6 de un álbum que incluirá 13 composiciones nuevas, entre ellas el nuevo single, ‘Cupid’s Bow’. Se trata de una co-producción de Danny L. Harle y Finn Keane que apunta al synth-pop y al eurodisco más machacón de los años 80. Aunque podría ser más machacón.
‘Cupid’s Bow’ apunta a la pista de baile de New Order y del eurodisco de los ochenta, en concordancia con una letra que habla de dos amantes que «no saben lo que quieren» pero que aún así se entregan a la pasión y al deseo. ‘Cupid’s Bow’ representa una evolución en el sonido de Alexander aunque como canción nunca termina de crecerse. Se agradece el intento.
Rufus Wainwright es el último damnificado por el uso de su música en un mítin de Donald Trump. Su versión de ‘Hallelujah’, una canción original de Leonard Cohen, ha sonado durante un evento de la campaña de Trump celebrado en Pensilvania, y Wainwright se ha mostrado «mortificado» por la situación. En su opinión, es «el colmo de la blasfemia».
En un comunicado, Wainwright critica el uso de ‘Hallelujah’ por Trump y razona que la letra de la canción no se alinea con los valores ni con las políticas promovidas por el candidato republicano.
«La canción se ha convertido en un himno dedicado a la paz, el amor y la aceptación de la verdad», escribe Wainwright en su mensaje. «Durante los años me he sentido tremendamente honrado por estar conectado a esta oda a la tolerancia, y ver a Trump y a sus seguidores comulgar con esta música me parece el colmo de la blasfemia. Por supuesto, en absoluto estoy de acuerdo con esta situación y me siento mortificado. Sin embargo, la buena persona en mí espera que, quizá, al escuchar la letra de ‘Hallelujah’, Trump pueda sentir un atisbo de remordimiento por lo que ha causado».
En el texto, Wainwright informa de que la editorial de Leonard Cohen ha tomado acciones legales por el uso de Trump de ‘Hallelujah’ mandando a la campaña de Trump un cese y desista.
Wainwright es el último artista que tiene problemas con Trump y que critica públicamente el uso de su música en la campaña republicana, tras Beyoncé, ABBA, Foo Fighters o Céline Dion. En el mensaje, Wainwright respalda oficialmente a Kamala Harris.
Universal Music Group (UMG) ha comprado PIAS, uno de los sellos independientes más grandes de Europa. Tras adquirir el 49% de la compañía en 2022, la multinacional ya se ha convertido en el mayor accionista de PIAS.
PIAS Recordings fue fundada en 1983 por Kenny Gates y Michel Lambot, llegándose a convertir en una de las discográficas más expansivas del indie en Europa. De esta manera, tras la compra de Universal, PIAS ha anunciado que Gates mantendrá su puesto como CEO y que todos sus sellos seguirán siendo totalmente autónomos. «Estoy vendiendo mis acciones, no mi alma», ha aclarado Gates en un comunicado de prensa.
Lambot, cofundador de PIAS, ha admitido que tenía «algunas preocupaciones respecto a si era posible» trabajar con Universal Music Group. Sin embargo, ha expresado su tranquilidad: «Estoy feliz de decir que estaba equivocado y nuestras dos compañías tienen mucho en común», ha declarado.
Gates también ha añadido que «nada va a cambiar cultural o comercialmente para nuestros clientes y socios». Sin embargo, según recoge Pitchfork, al ser preguntados por si la adquisición significaría la pérdida de trabajos, los representantes de PIAS y UMG han decidido no ofrecer comentarios.
Taylor Swift ha anunciado por primera vez el lanzamiento en físico de la versión más completa de su último disco, ‘The Tortured Poets Department: The Anthology’, tanto en CD como en vinilo. Este solo estará disponible en Target a partir del próximo 29 de noviembre. Además, también ha anunciado la llegada del libro oficial del Eras Tour.
«Esta gira ha sido la experiencia más maravillosa y sabía que quería conmemorar los recuerdos que hemos creado juntos de una manera especial. Bueno, de dos maneras, en realidad», ha escrito la cantante estadounidense en sus redes sociales junto al anuncio de la nueva edición y del libro. Además, explica que este incluye «mis propias reflexiones personales» y «fotografías entre bastidores nunca antes vistas».
Hasta ahora, solo estaba disponible la versión digital de ‘The Anthology’, ya que los vinilos y CDs solo existían para la versión estándar del disco, con 16 canciones. Esta nueva versión física incluirá los 31 temas que se pueden encontrar en plataformas digitales y 4 canciones bonus acústicas, por lo que en total el disco constará de 35 canciones.
Swift ha aclarado que la información internacional, ya que solo estará disponible en Target de momento, «llegará pronto». Por otro lado, se ha revelado que el libro tendrá 256 páginas y alrededor de 500 fotografías de la gira, «desde el inicio hasta el final».
Godspeed You! Black Emperor han titulado su último disco con el número de muertos en Gaza a 13 de febrero de 2024. En el momento de escribir esta crítica, el estado genocida de Israel ya ha asesinado a más de 42.000 palestinos en la Franja. Cifras estimatorias, pues se calculan 10.000 desaparecidos. Hay más de 92.000 heridos y el 90% de la población gazatí está desplazada (1,9 millones de personas), según datos de Amnistía Internacional. A día de hoy, Israel ha extendido sus ataques al Líbano, donde están causando también numerosas víctimas. Todo ante la impasibilidad, si no directamente con la aquiescencia, del mundo occidental, del que nosotros formamos parte, del que forman parte Godspeed You! Black Emperor.
Todo el asco moral que genera el genocidio en Gaza se plasma en este nuevo disco de los canadienses. Pero no es un disco eminentemente triste. Al menos, no de entrada. Ni siquiera particularmente furioso. Más bien a ratos parecen querer reflejar la parálisis que genera tanto horror: no te puedes angustiar o indignar más porque el estupor que genera que todo esto pueda estar sucediendo de manera impune es aún mayor. La nota de prensa del disco reza: “el sol poniéndose sobre lechos de ceniza / mientras nos sentábamos juntos, discutiendo. / al viejo orden mundial apenas le importaba. / este nuevo siglo será aún más cruel. / se acerca la guerra. / no te rindas. / elige un lado. / Aférrate. / ama”.
Como para reflejar este viaje del estupor a la parálisis, y los vanos intentos de encontrar algo de esperanza, los seis temas del disco se articulan en torno a una primera parte, formada por las tres primeras canciones, una canción bisagra y las dos finales. La primera, ‘SUN IS A HOLE SUN IS VAPORS’, funciona como una introducción. Es expansiva y arenosa gracias al sonido que consigue los platillos y la ganzá. Avanza expectante, sin cambios abruptos, para llevarnos a ‘BABYS IN A THUNDERCLOUD’, la segunda pista de más de 13 minutos. Es desértica. El viento sopla. Los platillos están en primer plano. Hay aire, aire. Hay un crescendo dramático, sostenido pero sin aspavientos, hasta que llega su épico final. Se mueve algo conmovedor en la guitarra y estremece cuando entra el violín cabalgando, ora suavizando las guitarras y la batería marcial.
Hasta este momento, el material es paradójicamente muy poco denso. Tiene su continuidad en la tercera, ‘RAINDROPS CAST IN LEAD’, que también supera los 13 minutos. Juega con algo de épica progresiva, una épica que resulta ligera, a pesar de la pesadez de la batería, gracias a la melodía que dibujan las guitarras. Las palabras de Michele Fiedler Fuentes, hablando de asesinados en alguna represión violenta, ejerce de puente a una segunda parte dominada por el violín, algo western de entrada, que de repente se acelera y llega a terrenos de la Velvet Underground.
Luego la breve y fúnebre ‘BROKEN SPIRES AT DEAD KAPITAL’ nos lleva a las dos canciones finales. ‘PALE SPECTATOR TAKES PHOTOGRAPHS’ es larga y ominosa. Hay una línea amenazante construida con el violín, la guitarra y la batería. De vez en cuando se eleva el nivel de intimidación un buen rato, hasta que se exaspera, sube el malestar y la ira deja paso a la congoja. Hay campanas sonando como alarmas anti áreas, el bombo resonando, los violines también suenan amenazadores… Y la última, ‘GREY RUBBLE – GREEN SHOOTS’ ya es dramática, oscura. Suena a casi rendición, aunque brille algún fugaz destello de esperanza.
Puede parecer que Godspeed You! Black Emperor hacen siempre el mismo disco. Pero no. Porque un grupo como Godspeed You! Black Emperor es necesario. Insobornables a las modas, siempre denuncian lo peor del ser humano. Su música es para meterse dentro de uno mismo y reflexionar, incluso cuando solo tenemos la escucha y no tengamos el impacto visual de las imágenes que les acompañan en directo. Ante una actualidad que demanda respuestas fáciles y rápidas, Godspeed You! Black Emperor te demandan que actúes tú mismo.
Carmen Boza ha anunciado su retirada de los escenarios en un comunicado en redes sociales con el objetivo de «priorizar, atender y sanar» su salud mental respecto a las exigencias de la industria musical de hoy en día. La cantautora gaditana se encontraba en mitad de la gira de su último proyecto, ‘Encore’.
Este mismo año, Vetusta Morla también hablaban de la nueva industria musical como uno de los motivos para anunciar su pausa, describiéndola como una «picadora humana». Boza comparte el sentimiento en su comunicado, que comienza «sin rodeos»: «He decidido retirarme de los escenarios».
La artista enseguida empieza a enumerar las razones por las que esta retirada es tan necesaria. Entre estas, la exigencia de la industria de hacer contenido y «estar permanentemente activa» en redes para promocionar la música y los conciertos, lo cual habría abierto «una profunda herida» en la salud mental de Boza.
Boza siente que la industria se ha transformado «en un entramado sumamente complejo y completamente atravesado por el capital donde el espacio para la autenticidad, la artesanía e incluso la música en sí misma, tristemente, es cada vez más pequeño». Para ella, la música ha quedado relegada «a un segundo plano» y diluida en todo «el contenido» que se publica en redes.
Crear música es una tarea exigente en sí misma, por lo que Boza no concibe que también exista «la obligación de producir contenido para simplemente existir entre tanto ruido»: «Lejos de estimularme o motivarme, me deprime, me angustia y me ha alejado de la música, que una vez fue el centro de todo esto», comenta.
La artista termina el comunicado aclarando la cancelación del concierto de este jueves 17 de octubre en la sala Fundición de Logroño. Además, asegura que se pronunciará en los próximos días «sobre las fechas que quedan por delante de la gira». Zahara, Travis Birds, Vega, Rozalén o David Otero son solo algunas de las compañeras de profesión que han comentado el post y apoyado a Boza en su decisión.
Ganges, el proyecto de pop electrónico de Teresa Gutiérrez, publica esta semana su nuevo disco, ‘SORA’. Es el primero que lanza en vinilo.
El álbum se ha presentado con singles como ‘Un llavero’ y con títulos tan llamativos como ‘Igual hemos roto y no me he enterado’. El focus track es ‘Techno triste’, que podría ser un poco también el título de ‘Fotolog Nostalgia’, un track perdido que escogemos como Canción del Día hoy.
El tema empieza a piano para pronto derivar en un trance enloquecido que nunca deja, en cambio, su aire celestial. Cada vez que la producción parece recular, va y estalla una vez más. Moby, Faithless y Fred again.. podrían estar entre sus referentes, aunque ella prefiere hablar de Shygirl o Sega Bodega.
‘Fotolog Nostalgia’ es un recuerdo de hábitos que ya han caído en desuso, unos tan comunes como la Nintendo metida en un bolso, los Sims o las Supernenas, y otros más raros como “subir textos a Fotolog y fotos a Tuenti”.
Ganges se aproxima a aquellos tiempos con la nostalgia del título o de la frase «me empiezo a olvidar un poco de todo aunque no quiera». Pero también con la conciencia de que todos aquellos amigos online se esfumaron. Desde la madurez de que presume el texto porque «ya nada es tan importante»: “No quiero olvidarme de todos vosotros, los muchos amigos que había en el mundo… aunque yo solo quise a unos pocos”.
Ganges actúa el 23 de noviembre en Sevilla como parte de Alhambra Monkey Week 2024 y el 30 de noviembre en Murcia, en la Sala Ciclogénesis. También acaba de ser seleccionada como AIEnRuta 2025.
