Sin novedades en el frente, ‘Capaz (Merengueton)’ de Yorghaki y Alleh continúa en el número 1 de la lista de singles española, certificada como triple platino. El top 10 continúa siendo el mismo de la semana pasada, con hasta 5 temas del disco de Bad Bunny.
La entrada más fuerte de la semana es ‘Deseo’ de JC Reyes con Sky Rompiendo, directa al número 17. Quizá en medio del huracán de reggaeton y música urbana, la novedad sea que dos canciones ajenas a estos estilos han logrado llegar al top 100 de singles aunque por los pelos. Milagrosamente.
‘Dolor y gloria’ de Viva Suecia logra situarse en el puesto 85 de singles en España. Animada por el éxito de su disco anterior, el tema aparece en esta posición entre sendos temas de Bad Bunny.
Por su parte, Guitarricadelafuente logra aparecer en el número 97 con ‘Full Time Papi‘, que a pesar de dicho título, tiene un marcado carácter experimental. Al menos más que el resto de novedades de la lista.
La lista de novedades de la semana se completa con ‘La plena’ de W Sound, Beéle y Ovy on the Drums en el puesto 27 (que seguirá subiendo en próximos días); ‘111’ de Yan Block en el puesto 31 y ‘Nueva Season’ de Delaossa (puesto 78). Destacamos también la fuerte subida de ‘Más que tú’ de Ozuna y Kapo, del puesto 72 al 42 en su segunda semana.
Bad Bunny continúa en el número 1 de los discos más populares en España una semana más con el excelente ‘Debí tirar más fotos’, que camina hacia el triple platino a pasos agigantados.
La entrada más fuerte la protagoniza Tate McRae con el notable ‘So Close to What’, que llega al número 3 de nuestro país. El disco mejora el top 21 que había conseguido por aquí su anterior trabajo, pero lo importante es que ‘So Close to What’ es número 1 en Estados Unidos, Australia, Irlanda, Noruega y Nueva Zelanda, además de número 2 en Reino Unido, Alemania o Suecia. Es decir, estamos ante uno de los éxitos internacionales de la temporada.
Zahara es número 4 con ‘Lento ternura‘, pese a los problemas de distribución de su edición física, que aún no ha podido a llegar a los grandes almacenes. Debido al retraso en la fabricación, la artista no logra igualar el top 2 de ‘PUTA’ o el top 3 de ‘Santa’, pero sí ser el número 1 de vinilos esta semana en España por las copias de la pre-venta y las distribuidas en la firma de Marilians (Madrid).
Destacamos también la resistencia de Amaia en el número 5 con ‘Si abro los ojos no es real‘ (4ª semana); la de Carolina Durante en el número 14 con ‘Elige tu propia aventura‘ (18ª semana); y la de Rels B con ‘A new star 1 9 9 3‘ en el número 32 (44ª semana). Se nota que los tres han estado actuando en el Movistar Arena estos días.
Sam Fender, actual número 1 en Reino Unido con ‘People Watching’ y cifras estratosféricas, llega al puesto 80 en España. El álbum es top 2 en Irlanda y Holanda y top 4 en Alemania, pero su alcance internacional es limitado: puesto 17 en Australia, puesto 51 en Italia y puesto 129 en Francia.
La lista de entradas se completa con ‘Money + Enemies’ de Skinny Flex (puesto 44), ‘Concreto’ de L’Haine (puesto 58) y ‘Mr Fino Riddim. The Mixtape’ de 8Belial (puesto 95).
La hibridación del k-pop con la industria estadounidense es ya total, de manera que ‘Alter Ego’, el debut de LISA, integrante de BLACKPINK, es un trabajo plagado de nombres muy conocidos en el pop anglosajón. Todos ellos en el disco se reparten hooks sin parar, optimizando cada canción al máximo, con resultados desiguales.
La buena noticia que deja ‘Alter Ego’ es que es un disco más divertido que el de Rosé. Para empezar, LISA no ha engañado al mundo sacando un single que no tiene nada que ver con el disco, sino que ha acertado adelantando un trabajado variado, pero cohesionado en su enfoque rítmico y urbano. La mala es que LISA es un lienzo en blanco y nunca llena sus canciones de una personalidad definida.
Esto se hace evidente en colaboraciones como ‘Born Again‘, donde Doja Cat y RAYE resaltan por encima de la tailandesa, o el afrobeat de ‘When I’m with You’ con Tyla, que suena sobre todo a Tyla. Cuando LISA canta sola, la explosiva producción la engulle por ejemplo en ‘BADGRRRL’, y en ‘Lifestyle’ la adopción de jerga americana («she an icon») suena forzada.
Es difícil que no suene forzado y ultraprocesado un disco en el que participan tantísimas personas que han podido desde cambiar una coma hasta escribir un estribillo pasando simplemente por conceptualizar una canción. Pero, cuando estas personas hacen los deberes, les salen temas tan potentes como el single ‘Rockstar’ o ‘New Woman‘ con Rosalía, una pieza no tan matemática de Max Martin (la parte de Rosalía suena metida con calzador) pero trufada de ganchos que el público se ha zampado encantado.
Aunque los hooks no son la mejor parte de ‘Alter Ego’ porque canciones como ‘Lifestyle’ suenan más vistas que el tebeo y, al final, son los productores los que terminan poniendo imaginación al asunto, por ejemplo, en los abrasivos beats de ‘Thunder’ o en la burbujeante ‘Elastigirl’, que habría gustado a la Christina Aguilera de ‘Bionic‘ (2010), que había titulado una canción de ese disco casi de igual manera.
Así, al final, termina destacando la simpática recreación de ‘Kiss Me’ de Sixpence Non the Richer en el otro pop-disco del álbum, ‘Moonlit Floor (Kiss Me)‘, y tampoco es desdeñable la labor de la catalana -de Cambrils- Carly Gibert en el bedroom-pop de ‘Rapunzel’, con Megan Thee Stallion en el papel de estrella invitada.
Aunque algunos temas urban funcionan mejor (‘Fxck Up the World’ con Future) que otros (con ‘BADGRRRL’ habría hecho maravillas FKA twigs, pues la produce su colaborador Ojivolta), LISA puede presumir de haber cuidado un repertorio de ritmos dinámicos e intensos que se gana darse un respiro en la final ‘Dream’. O casi final, porque el disco podría estar mejor redondeado: empieza con el trío de ‘Born Again’, como si LISA no mereciera en su debut abrir el álbum con un tema cantado por ella sola; y acaba con dos versiones en solitario de ‘Fxck Up the World’ y ‘Rapunzel’ que nadie pedía.
Low Festival, que como siempre se celebra el último fin de semana de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, tiene una nueva confirmación de lujo para este lunes. Se trata de Pet Shop Boys, que visitará el festival con su exitosa gira «Dreamworld: The Greatest Hits Live», que ha pasado por Glastonbury y Hyde Park.
La nota de prensa recuerda que «la icónica banda británica, formada por Neil Tennant y Chris Lowe, ha marcado generaciones con himnos atemporales como ‘West End Girls’, ‘It’s a Sin’ o ‘Always on My Mind’, y llegarán a Low Festival con su inconfundible puesta en escena y con su último trabajo discográfico, «Nonetheless», publicado en 2024, en el que continúan demostrando su talento para reinventarse y adaptarse a los tiempo modernos, sin perder su esencia».
Pet Shop Boys se suman a así a otros confirmados pomo Zahara, Amaia, rusowsky, Empire of the Sun, Bomba Estéreo, Viva Suecia y Carolina Durante. Además, la organización informa de que el cartel no está cerrado. Los últimos abonos de tres días generales, VIP y VIP POOL están disponibles a 67,99€ hasta el domingo (o agotar cupo) en entradas.com y la web oficial del Low.
Este viernes 7 de marzo se publica ‘Surgery and Pleasure’, el nuevo disco del trío de post-punk Vundabar. Se trata del 6º álbum de la banda de Boston, una de esas afortunadas que ha logrado situar un viral en Tik Tok, en concreto ‘Alien Blues’, compartido decenas de miles de veces asociado a diferentes momentos. El tema extraído de su disco de 2015, ‘Gawk’, suma 600 millones de streams, recordando que en esta red social no solo circulan canciones latinas o pop. Que se lo pregunten a Beach House y a Cigarettes After Sex.
Centrándonos en el nuevo álbum de Vundabar, conocemos 4 adelantos del disco. ‘I Need You’ y ‘Spades’, en torno a los 6 minutos de duración, presentan desarrollos que van a interesar a seguidores de los primeros Radiohead o The Horrors, pero para comenzar por el principio, vamos a recomendar ‘I Got Cracked’, editada el año pasado, como Canción del Día.
‘I Got Cracked’ es un señor tiro de 3 minutos y medio de duración, tan buenos que parecen 2, incitando a la escucha en modo «repeat». Y esa urgencia tiene una explicación. El tema, como gran parte del álbum, habla del «sentido de anhelo» por parte del cantante Brandon Hagen. Así lo explica: «en un periodo de 6 semanas que solo podría describir como un aterrizaje forzoso, una relación de larga duración que mantenía implotó, mi padre murió y me rompí un brazo en un hotel mientras estaba de gira. Una semana después del funeral, estaba grabando esta canción en Los Ángeles».
Continúa: «Me estaba tambaleando ante la conexión entre todo lo que había pasado, muchas de esas fracturas que no se veían comenzaban a estar arraigadas en la rotura física de mi cuerpo. Esta rotura física dictó las partes más flotantes de la canción, porque además estaba haciendo música determinada por las limitaciones de mi propia lesión».
Melódicamente estamos ante uno de los mejores pre-estribillos y uno de los mejores estribillos de la historia de Vundabar, el primero de los cuales es tan explícito como: «se me rompió el corazón, me rompí el brazo, y después esparcí unas cenizas». Haciendo de tripas corazón, Vundabar saben hacer un himno divertido con toda esta desgracia, lo cual se nota en lo musical, pero también en la letra, que en un momento asegura ya que no puede «parar de reír» (suponemos que por no llorar); y en el videoclip. El grupo define el próximo álbum como «una síntesis más madura de todo lo que hemos explorado antes».
Entre su manera de cantar ‘Esa diva’ sin parar en la alfombra roja de los Goya, la forma en que Melody se merienda cada entrevista o aparición pública que realiza, su arrollador carisma y la pegada de ‘Esa diva’ en discotecas y bares gay de España, Melody está consiguiendo convertir ‘Esa diva’ en otro momento icónico de Benidorm Fest.
Ahora, RTVE da los detalles de las renovaciones que se implementarán a ‘Esa diva’ de cara a su presentación en Eurovisión y que afectarán tanto a grabación como a puesta de escena.
En primer lugar, ‘Esa diva’ renovará su sonido gracias al trabajo de Rick Parkhouse y George Tizzard de Red Triangle Records, dos productores de Reino Unido que han trabajado con nombres como Green Day, Camila Cabello o Charlie Puth. La nueva grabación de ‘Esa diva’ aún contará con la participación de un nombre español, Guillem Vila Borras, que desarrollará su «parte clásica española».
La nueva producción de ‘Esa diva’, en palabras de RTVE, es «prueba del amplio abanico de posibilidades artísticas de Melody». Se describe como «un viaje a través de referencias musicales»: «En cada fase de la canción se puede escuchar un matiz diferente en la voz de Melody, a una diva distinta. El resultado de este trabajo es un tema cuyo ritmo aumenta progresivamente de principio a fin, con unos coros muy potentes y que muestra la sensibilidad, la garra y la potencia vocal e interpretativa de Melody».
Por otro lado, la dirección artística de ‘Esa diva’ la asumirá Mario Ruiz, quien ha trabajado con Enrique Iglesias o Manuel Carrasco y, además, fue responsable de la puesta en escena de Almácor en la edición de Benidorm Fest de 2024. Además, Melody preparará una coreografía más «dinámica y fresca» con Mónica Peña y Alex Bullón, dos profesionales que han trabajado con Charli xcx, Katy Perry, Britney Spears o Jennifer Lopez.
Completan el equipo ‘Esa diva’ Maxi Gilbert en el diseño de iluminación, la realizadora Mercè Llorens como supervisora de RTVE, y Raúl Amor en vestuario.
Camille ha ganado el Oscar a Mejor canción original por ‘El mal’, la canción principal de la banda sonora de ‘Emilia Pérez‘, en realidad una de las grandes perdedoras de la ceremonia, pues aspiraba a 13 estatuillas y solo se ha llevado 2. Camille comparte el premio junto al compositor Clément Ducol -su pareja y padre de sus dos hijos- y el director de la cinta, Jacques Audiard.
Ha sido curioso ver a la parisina Camille Dalmais recoger el Oscar de mano del mismísimo Mick Jagger: cuando su nombre parecía olvidado hace rato, y lo estaba, ha remontado a lo grande.
Y es que de Camille se oyó hablar mucho a principios del presente siglo, tanto por sus apariciones en el querido debut de Nouvelle Vague (2004) como, sobre todo, por su innovadora carrera en solitario como artista vocal y de pop experimental. Sin duda, Camille era más que otra de las nuevas Björks que emergieron en la época, junto a -por ejemplo- la también francesa Émilie Simon.
El debut de Camille de 2002, ‘Le sac des filles’, contribuyó a poner el pop francés de nuevo en el mapa, gracias a singles como ‘Paris’ o ‘1,2,3’, el mismo año en que Carla Bruni lanzaba su exitoso segundo disco; pero fue ‘Le fil’ (2005) el que conquistó a crítica y público con su innovador concepto, basado en un «hilo» o tono vocal que recorría de fondo todas las canciones del álbum. En medio del festival de gruñidos, eructos y beatboxing que proponía ‘Le fil’ -que este San Valentín ha celebrado su 20º aniversario- destacaban singles tan divertidos como ‘Ta douleur’ -que llegó a sonar en un gag de Saturday Night Live- o el festín de palmas de ‘Au port’. ¡Y qué bonita era ‘Pour que l’amour me quitte’!
‘Le fil’ llegó al puesto 4 de ventas en Francia en 2005 y está certificado con un Doble Platino. Después, en 2008, ‘Music Hole’ se anotó un top 5 y otro Disco de Platino, aunque, sobre todo, destacaba por llevar los experimentos vocales y sonoros de Camille al siguiente nivel, en pistas como la inolvidable ‘Money Note’. Antes, en 2007, Camille ya se anotó un éxito vinculado al cine interpretando ‘Le festin’, canción que forma parte de la banda sonora de ‘Ratatouille’: es su mayor éxito en streaming, con 127 millones de reproducciones.
Los siguientes álbumes de Camille llegaron más alto en la lista de ventas de Francia que los anteriores: ‘Ilo Veyou’ (2011) al 3 y ‘OUÏ’ (2017), de hecho, es el único álbum de Camille que ha alcanzado el número 1. Ambos largos sumaron nuevas canciones al repertorio de Dalmais hechas con el mismo buen gusto y la misma originalidad de siempre, como la preciosa ‘Que je t’aime’ o ‘Fontaine du lait‘. Sin embargo, Camille no ha publicado nuevo disco en ocho años: pocos imaginaban que dirigiría su carrera a trabajar en el estudio con Selena Gomez y, finalmente, a ganar la estatuilla más preciada de Hollywood.
Kalorama Madrid, que celebra su segunda edición los días 20 y 21 de junio en la Caja Mágica, ha revelado su cartel distribuido por días.
Encabezan la edición de Kalorama Madrid de 2025 Pet Shop Boys, Jorja Smith, Azealia Banks, Father John Misty, The Flaming Lips y Scissor Sisters. JENESAISPOP es medio colaborador.
En primer lugar, la jornada del 20 de junio contará con las actuaciones de Father John Misty, The Flaming Lips presentando ‘Yoshimi Battles the Pink Robots‘, Alizzz, BADBADNOTGOOD, L’Impératrice, Bloodstein, Irenegarry y La Plata.
En segundo, la jornada del 21 de junio regalará los shows de Pet Shop Boys, Azealia Banks, Scissor Sisters, Boy Harsher, Maria Arnal, Model/Actriz, El buen hijo, Laura Sam y PUTOCHINOMARICÓN.
Los bonos y entradas de día para la segunda entrega de Kalorama Madrid están disponibles desde hoy 3 de marzo en la web del festival.
Angie Stone, cantante de neo-soul conocida por sus éxitos ‘Wish I Didn’t Miss You’ y ‘No More Rain (In this Cloud)’ y, antes, por formar parte del grupo de rap The Sequence, ha muerto este 1 de marzo a los 63 años en un accidente de tráfico en Montgomery, Alabama. El vehículo viajaba hacia Atlanta cuando volcó y fue golpeado por un camión. Stone murió en el acto.
Stone fue una de las vocalistas icónicas del neo-soul desde que en 1999 debutara con su primer álbum en solitario, ‘Black Diamond’. El single principal de ese disco, ‘No More Rain (In this Cloud)’, fue un enorme éxito en las emisoras de R&B de Estados Unidos, y después el single ‘Wish I Didn’t Miss You’, del álbum ‘Mahoganey Soul’ (2001), se convirtió en su mayor éxito internacional.
Stone se había dado a conocer a los 16 años como parte del pionero girl group de hip-hop The Sequence, cuyo éxito ‘Funk You Up’ (1979) fue una de las muchas canciones que inspiraron ‘Uptown Funk‘ de Mark Ronson y Bruno Mars; The Sequence demandaron a ambos por plagio. ‘Funk You Up’ es recordada por ser la tercera canción de hip-hop que entró en el top 50 de singles de Billboard.
En 2000, Stone apareció como co-autora en cuatro cortes de ‘Voodoo’ (2000), el influyente segundo álbum de D’Angelo, considerado uno de los mejores discos de la historia. Stone y D’Angelo salieron durante cuatro años; cuando se conocieron, ella tenía 31 años y él, 19. Stone colaboró también con Lenny Kravitz, Macy Gray, Moby, Raphael Saadiq, Blue, Groove Armada o KDA.
En su carrera como artista de neo-soul, Stone se anotó otro hit en Europa con ‘I Wanna Thank Ya’ con Snoop Dogg, extraído de su tercer álbum, ‘Stone Love’ (2004), y en cuyo videoclip aparecía un joven Idris Elba, y publicó 10 álbumes en total. El último, ‘Love Language’, se editó en 2023.
‘Anora‘ ha sido la gran triunfadora de la noche en la gala de los Oscar celebrada en el Dolby Theatre de Los Ángeles al llevarse cinco estatuillas, estas son las de Mejor película, Mejor director a Sean Baker, Mejor guion original a Sean Baker, Mejor montaje y Mejor actriz principal a Mikey Madison.
‘The Brutalist‘ se ha llevado tres premios, los de Mejor actor principal a Adrien Brody, Mejor fotografía y Mejor banda sonora original. Esta última categoría ha dado la victoria a Daniel Blumberg, conocido por haber liderado la banda de indie-rock Yuck hasta 2021.
‘Emilia Pérez‘, la película más nominada de la noche, pues aspiraba a 13 premios, apenas ha arañado dos, los de Mejor actriz secundaria a Zoe Saldaña y Mejor canción original por ‘El mal’: este último premio lo han recogido sus compositores Camille, Clément Ducol y el director de la película, Jacques Audiard. O, dicho de otra manera, Diane Warren ha vuelto a quedarse sin Oscar.
A ‘Emilia Pérez’ se le ha escapado incluso el Oscar a Mejor película internacional, que se lo ha agenciado la brasileña ‘Aún estoy aquí’.
Si Saldaña ha ganado el Oscar a Mejor actriz secundaria, su homónimo masculino lo ha recogido Kieran Culkin por su trabajo en ‘A Real Pain’.
También se ha llevado dos Oscar ‘Dune: Parte Dos‘, uno por Mejores efectos visuales y otro por Mejor sonido.
‘No Other Land’, la película sobre la ocupación de Cisjordania dirigida por los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal y los israelís Yuval Abraham y Rachel Szor, ha ganado el Oscar a Mejor documental, aunque la película todavía no se distribuye en Estados Unidos.
Karla Sofía Gascón, presente en la ceremonia, ha esquivado la alfombra roja, pero no las bromas del presentador Conan O’Brien, que ha aludido a los ofensivos mensajes de la madrileña imaginando el estrés que ha podido pasar su publicista en medio de la polémica. Además, O’Brien ha pedido a Sofía Gascón que, si va a tuitear sobre él, recuerde que su «nombre es Jimmy Kimmel».
"Little fact for you, "Anora" uses the F word 479 times. That's three more than the record set by Karla Sofia Gascon's publicist" – Conan at the #Oscars2025pic.twitter.com/YBYnDGI3UE
Tampoco se han llevado ningún premio Timothée Chalamet por su trabajo en ‘Un completo desconocido‘ encarnando a Bob Dylan, ni Cynthia Erivo y Ariana Grande por sus respectivos roles en ‘Wicked‘, película que sí ha arañado dos Oscar en las categorías de Mejor vestuario y Mejor diseño de producción. ‘La sustancia‘ ha logrado uno por Mejor peluquería y maquillaje.
Cynthia Erivo y Ariana Grande han abierto la ceremonia de los Oscar cantando a dueto ‘Defying Gravity’, la icónica canción de ‘Wicked’.
Además, LISA, RAYE y Doja Cat se han subido al escenario del Dolby Theatre no para cantar su single conjunto ‘Born Again’, sino para realizar un homenaje a James Bond, cada una por separado: LISA ha cantado ‘Live and Let Die’, Doja Cat ‘Diamonds Are Forever’ y RAYE ‘Skyfall’.
Mejor Película ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘A Complete Unknown’
‘Cónclave’
‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘Aún estoy aquí’
‘Nickel Boys’
‘La sustancia’
‘Wicked’
Mejor Dirección Sean Baker, por ‘Anora’
Brady Corbet, ‘The Brutalist’
James Mangold, ‘A Complete Unknown’
Jacques Audiard, ‘Emilia Pérez’
Coralie Fargeat, ‘La sustancia’
Mejor Actriz Principal
Cynthia Erivo por ‘Wicked’
Karla Sofía Gascón por ‘Emilia Pérez’ Mikey Madison por ‘Anora’
Demi Moore por ‘La sustancia’
Fernanda Torres por ‘Aún estoy aquí’
Mejor Actor Principal Adrian Brody, por ‘The Brutalist’
Timothée Chalamet, por ‘A Complete Unknown’
Colman Domingo, por ‘Las vidas de Sing Sing’
Ralph Fiennes, por ‘Cónclave’
Sebastian Stan, por ‘The apprentice’
Mejor Actriz de Reparto
Monica Barbaro, por ‘A complete Unknown’
Ariana Grande, por ‘Wicked’
Felicity Jones, por ‘The Brutalist’
Isabella Rossellini, por ‘Cónclave’ Zoe Saldaña, por ‘Emilia Pérez’
Mejor Actor de Reparto
Yura Borisov, por ‘Anora’ Kieran Culkin, por ‘A Real Pain’
Edward Norton, ‘A Complete Unknown’
Guy Pearce, ‘The Brutalist’
Jeremy Strong, por ‘The Apprentice’
Mejor Guion Adaptado
‘A Complete Unknown’ ‘Cónclave’
‘Emilia Pérez’
‘Nickel Boys’
‘Las vidas de Sing Sing’
Mejor Guion Original ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘A Real Pain’
‘September 5’
‘La sustancia’
Mejor Película Internacional ‘Aún estoy aquí’, Brasil
‘La chica de la aguja’, Dinamarca
‘Emilia Pérez’, Francia
‘La semilla de la higuera sagrada’, Alemania
‘Flow, un mundo que salvar’, Letonia
Mejor Película de Animación ‘Flow’
‘Del Revés 2’
‘Memorias de un Caracol’
‘Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas’
‘Robot Salvaje’
Mejor Documental
‘Black Box Diaries’ ‘No Other Land’
‘Porcelain War’
‘Soundtrack to a Coup d’Etat’
‘Sugarcane’
Mejor Fotografía ‘The Brutalist’
‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘María Callas’
‘Nosferatu’
Mejor Banda Sonora Original ‘The Brutalist’
‘Emilia Pérez’
‘Cónclave’
‘Wicked’
‘Robot salvaje’
Mejor Canción Original ‘El mal’, de ‘Emilia Pérez’
‘The Journey’, de ‘Seis triple ocho’
‘Like a bird’, de ‘Las vidas de Sing Sing’
‘Mi camino’, de ‘Emilia Pérez’
‘Never Too Late’, de ‘Elton John: Never Too Late’
Mejor Sonido
‘A Complete Unknown’ ‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘Wicked’
‘Robot Salvaje’
Mejores Efectos Visuales
‘Alien: Romulus’
‘Better Men’ ‘Dune: Parte dos’
‘El reino del planeta de los simios’
‘Wicked’
Mejor Montaje ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘Cónclave’
‘Emilia Pérez’
‘Wicked’
Mejor Maquillaje y Peluquería
‘A Different Man’
‘Emilia Pérez’
‘Nosferatu’ ‘La sustancia’
‘Wicked’
Mejor Diseño de Vestuario
‘A Complete Unknown’
‘Cónclave’
‘Gladiator II’
‘Nosferatu’ ‘Wicked’
Mejor Diseño de Producción
‘The Brutalist’
‘Cónclave’
‘Dune: Parte dos’
‘Nosferatu’ ‘Wicked’
Mejor Cortometraje de Ficción
‘A lien’
‘Anuja’ ‘I’m not a robot’
‘The last ranger’
‘El hombre que no pudo permanecer en silencio’
Mejor Cortometraje Documental
‘Death by numbers’
‘I am ready, Warden’
‘Incident’
‘Instruments of a Beating Heart’ ‘The Only Girl in the Orchestra’
Mejor Cortometraje de Animación
‘Beautiful Men’ ‘In the shadow of the cypress’
‘Magic Candies’
‘Wander To Wonder’
‘Yuck!’
El quinto disco de Trevor Powers bajo su alias Youth Lagoon se adentra de lleno en el territorio de los recuerdos, en esas experiencias vividas que el paso del tiempo ha transformado en imágenes y sensaciones imposibles de trasladar a verdades absolutas. La memoria nunca es completamente fiable, sino un vehículo que utilizamos para construir nuestra historia, recogiendo las partes que creemos que nos van a resultar más valiosas y amoldándolas para enfrentarnos al mundo.
En 2023, el artista de Idaho encontró en casa de sus padres una serie de grabaciones caseras de cuando él y sus hermanos eran pequeños. Este hallazgo sirvió como inspiración para ‘Rarely Do I Dream’, un trabajo que no pretende avasallar con nostalgia, sino construir un paisaje onírico, lleno de enigmas y mitos, en el que Powers nos acerca a su mundo interior, mostrándonos la persona que fue y la persona que es.
A lo largo del proyecto, escuchamos parte del contenido de esas cintas, que no solamente sirven de introducción o cierre para las canciones, sino que a menudo se integran en los propios versos. ‘Neighborhood Scene’ traslada al oyente directamente a una zona residencial a las afueras de la ciudad, entremezclando recuerdos lejanos con una acogedora sensación de comunidad. No exenta de misterio, la canción se mueve sinuosa entre armónicas percusiones y una inquietante línea de piano.
Inmediatamente después, ‘Speed Freak’ abre la paleta sonora del álbum con elegantes sintetizadores, conformando un sugerente synthpop a fuego lento. Mientras que el delicado indie-pop de ‘Football’ pinta un cuadro decadente que equipara la religión al deporte. Esto último, está retratado como una forma de conexión, como un lenguaje universal unificador.
Powers emplea una escritura poética y libre, describiendo escenas inconexas y alternando terceras y primeras personas, consiguiendo plasmar un interesante retrato entre lo familiar y lo fantástico. En ‘Gumshoe (Dracula from Arkansas)’, nos lleva a una infancia feliz en la que jugaba con sus hermanos y donde, en su mundo de imaginación, todo era posible. Es uno de los momentos más mágicos en la secuencia, donde brillan las guitarras acústicas y la preciosa melodía.
La voz susurrante y rasgada tan característica del artista funciona como el conductor perfecto para estas canciones, narradas con gran sentimiento, pero siempre desde un bienvenido sosiego. Como en el indie-rock de ‘Seersucker’, o en el dream pop de ‘Lucy Takes a Picture’, una pista que ejemplifica el talento de Youth Lagoon para las melodías envolventes y cuyos últimos versos consiguen encoger el corazón.
La segunda mitad del álbum, aunque algo menos espectacular, también cuenta con numerosos momentos valiosos. Sobre todo, gracias a la delicadeza y buen gusto en la producción que el propio Powers y su frecuente colaborador Rodaidh McDonald demuestran, con aciertos como esa mutación de ‘Perfect World’, que pasa de ser una composición minimalista, con apenas una caja de ritmos, a emborronarse con unas exuberantes guitarras eléctricas. Destaca también ‘Canary’, una canción que inevitablemente recuerda al Sufjan Stevens de ‘Illinois’, y que sorprende con un bonito crescendo impulsado por una fina sección de vientos. El álbum culmina con ‘Home Movies (1989-1993), una pieza instrumental donde se escuchan las voces de aquellas grabaciones, cerrando este viaje a la memoria en el mismo punto familiar en el que empezó.
‘Rarely Do I Dream’ es un trabajo maduro y sólido, donde el artista hace gala nuevamente de sus habilidades como letrista y de su buen oído para construir composiciones humildes y poderosas. El resultado es tan personal como abstracto, como un recuerdo.
Desmelenao ha celebrado el Día de Andalucía con una canción para los andaluces que emigran a la capital. ‘Andaluz’ es una rumba portuguesa con toques de electrónica y R&B en la que el malagueño de 22 años farda de tener más «compás» y «sabor» que los madrileños. Es la Canción del Día.
La carrera de Samuel Sarrión se podría contar desde que empezase a patear garitos en 2016, pero lleva formándose toda la vida. En 2023, decide reimaginar el mito del Don Juan en su álbum debut, ‘El Niño Ciego y Alado’, consiguiendo un modesto viral en Tik Tok con ‘Queriendo flojito’.
Aunque en aquel proyecto también mostraba muchas influencias de la música latina, especialmente del bolero cubano, Desmelenao siempre se ha mantenido fiel a sus raíces andaluzas. Como prueba, este último single. «Te falta el compás, te falta sabor, para ser la mitad de vacilón, la mitad que yo», canta en las primeras líneas.
Sarrión aprovecha para sacar a relucir su chulería mientras se ríe del trato que reciben los andaluces al llegar a Madrid y los estereotipos que van asociados a esta comunidad: «No te olvides que soy andaluz / Tengo más arte, más clase, más guasa y más raza que tú», canta en el estribillo.
David Johansen, líder y cantante de los New York Dolls, banda precursora del punk e icono del glam, ha fallecido este viernes a los 75 años en su casa de su Nueva York, según ha informado su hija. Johansen llevaba años con un cáncer metastásico, un tumor cerebral y una fractura de espalda.
Johansen, que había cumplido 75 años el pasado 8 de enero, nació en Staten Island en 1950 y se unió a los New York Dolls en 1971 con Arthur Kane, Billy Murcia, Johnny Thunders y Sylvain Sylvain. Dos años más tarde llegaría su debut, en el que ya mostraban una estética drag muy marcada. Llegaron a lanzar dos discos, pero a pesar de ser aclamados por la crítica, recibieron muy poco éxito comercial.
En 1976, el grupo se separó y Johansen perisguió una carrera en solitario, a la vez que continuaba con su trabajo como actor. A finales de los ochenta empezó a usar el nombre de Buster Poindexter, llegando a actuar con la banda de Saturday Night Live. En 2004, los New York Dolls se reunieron gracias a Morrissey, gran fan del grupo, y lanzaron otros tres discos. En 2023, Martin Scorses llevó a Johansen a la gran pantalla con el documental ‘Una noche con David Johansen’.
Charli xcx ha teñido de verde los BRITS, literalmente. De las cinco nominaciones que había recibido, se ha llevado las cinco, incluidas Canción del año (por ‘Guess’ con Billie Eilish), Artista del año y Disco del año. Para este último galardón, la estatuilla fue pintada del verde característico de ‘BRAT’.
Chappell Roan ha sido el nombre estadounidense triunfante de la noche, llevándose los BRITS a Mejor canción internacional (‘Good Luck, Babe!’) y a Mejor artista internacional. Por otro lado, Dua Lipa, que contaba con cuatro nominaciones, se ha ido a casa de vacío.
En su lugar, JADE se ha llevado el BRIT a Mejor artista pop y ha demostrado cuánto se lo merece con una de las mejores actuaciones de la historia de los premios. ‘Angel Of My Dreams’ es así convertida en todo un número dividido en cinco actos en el que cabe de todo: un mini teatro, cambios de vestuario, coreografías, exhibición vocal… Una auténtica maravilla.
El resto de las actuaciones son protgonizadas por Sabrina Carpenter, Sam Fender, Teddy Swims, The Last Dinner Party, Myles Smith, Lola Young y Ezra Collective con Jorja Smith.
Palmarés de los BRITS
Disco del año Charli XCX – ‘Brat’
The Cure – ‘Songs Of A Lost World’
Dua Lipa – ‘Radical Optimism’
Ezra Collective – ‘Dance, No One’s Watching’
The Last Dinner Party – ‘Prelude To Ecstasy’
Artista del año
Beabadoobee
Central Cee Charli XCX
Dua Lipa
Fred Again..
Jamie xx
Michael Kiwanuka
Nia Archives
Rachel Chinouriri
Sam Fender
Grupo del año
Bring Me The Horizon
Coldplay
The Cure Ezra Collective
The Last Dinner Party
Artista revelación
English Teacher
Ezra Collective The Last Dinner Party
Myles Smith
Rachel Chinouriri
Canción del año
Artemas – ‘I Like The Way You Kiss Me’
The Beatles – ‘Now And Then’
Bl3ss with Camrin Watsin ft. bbyclose – ‘Kisses’
Central Cee ft. Lil Baby – ‘BAND4BAND’ Charli XCX ft. Billie Eilish – ‘Guess’
Chase & Status ft. Stormzy – ‘Backbone’
Coldplay – ‘feelslikeimfallinginlove’
Dua Lipa – ‘Training Season’
Ella Henderson ft. Rudimental – ‘Alibi’
JADE – ‘Angel Of My Dreams’
Jordan Adetunji – ‘KEHLANI’
KSI ft. Trippie Redd – ‘Thick Of It’
Myles Smith – ‘Stargazing’
Sam Ryder – ‘You’re Christmas To Me’
Sonny Fodera with Jazzy and D.O.D – ‘Somedays’
Artista internacional del año
Adrianne Lenker
Asake
Benson Boone
Beyoncé
Billie Eilish Chappell Roan
Kendrick Lamar
Sabrina Carpenter
Taylor Swift
Tyler, The Creator
Grupo internacional del año
Amyl And The Sniffers
Confidence Man Fontaines D.C.
Future and Metro Boomin
Linkin Park
Canción internacional del año
Benson Boone – ‘Beautiful Things’
Beyoncé – ‘Texas Hold ‘Em’
Billie Eilish – ‘Birds Of A Feather’ Chappell Roan – ‘Good Luck, Babe’
DJO – ‘End Of Beginning’
Eminem – ‘Houdini’
Hozier – ‘Too Sweet’
Jack Harlow – ‘Lovin On Me’
Noah Kahan – ‘Stick Season’
Post Malone ft. Morgan Wallen – ‘I Had Some Help’
Sabrina Carpenter – ‘Espresso’
Shaboozey – ‘A Bar Song (Tipsy)’
Taylor Swift ft. Post Malone – ‘Fortnight’
Teddy Swims – ‘Lose Control’
Tommy Richman – ‘MILLION DOLLAR BABY’
Mejor artista alt/rock
Beabadoobee
The Cure
Ezra Collective
The Last Dinner Party Sam Fender
Mejor artista hip hop/grime/rap
Central Cee
DAVE
Ghetts
Little Simz Stormzy
Mejor artista dance
Becky Hill Charli XCX
Chase & Status
Fred Again..
Nia Archives
Mejor artista pop
Charli XCX
Dua Lipa JADE
Lola Young
Myles Smith
Mejor artista R&B
Cleo Sol
FLO
Jorja Smith
Michael Kiwanuka RAYE
La última vez que Rels B estuvo en el Movistar Arena -Wizink Center, por aquel entonces- fue para celebrar el fin de gira de ‘AfroLOVA’ 23′. Ayer, en el Día de las Islas Baleares, el mallorquín presentó la gira mundial de ‘a new star (1 9 9 3)’ en un show que rebosaba nostalgia por todos los costados.
La conmovedora intro con ‘1 de Enero, Puntacana’ fijó el tono de todo el concierto, más bonito que espectacular, y antes de que Rels B apareciese agachado en una plataforma cantando ‘Caída del cielo’ ya conocíamos algunas de las novedades del tour, descrito como «el más ambicioso hasta la fecha». Entre estas, seis maravillosxs coristas que acompañaron al cantante durante prácticamente todo el concierto y que cobraban protagonismo en las outros, interpretadas a cappella junto al artista. Por supuesto, en estas el público ponía mucho de su parte. En realidad, había más de 15.000 coristas.
Manu Pasik
Los asistentes son un elemento clave en los conciertos de Rels B. Él mismo no para de recordarlo durante todo el set: «Sin público no hay show». Y a él le sobraba. ‘pa quererte’, ‘Un Rodeoooo’, ‘Sin Gato’ y ‘cómo dormiste?’ se sucedieron ante un público entregadísimo para cantar cada letra y ovacionar al cantante entre canciones, pero tranquilito. Quien prefiere bailar sin el riesgo de un pogo no tiene de qué preocuparse.
Y no es que el repertorio de Rels B no valga para ello. En 10 años da tiempo para hacer un poco de todo y ayer se aseguró de que sonase tanto «lo viejo» como «lo nuevo». Para él, el show es todo un viaje a través de los recuerdos. Gracias a la inmensa, y única, pantalla que acompaña el espectáculo, el artista puede rememorar toda su carrera a través de diferentes vídeos. «Qué pequeñitos éramos, quién iba a decir que íbamos a llenar este tipo de salas», exclamó antes de cantar ‘Tienes el Don’, una de las más antiguas de su catálogo.
Rels B es el centro de todo el concierto, transmitiendo una gran energía y una soltura, sobre todo al recorrerse la pasarela de lado a lado, envidiable. Su actitud es de: «Esto es la hostia y lo sabéis», pero a la vez agradecido. Cada vez que el público se arranca a cantar con él, da las gracias. Si es con los temas del nuevo disco, con los que no había una respuesta tan uniforme, todavía más. «¿Estáis dormidos o qué?», exclamó varias veces el cantante.
Manu Pasik
De alguna forma, es refrescante ver a un artista que tiene tantas ganas de cantar las canciones de su último disco, y en este sentido, Rels B fue insistente, aunque significase «parar el ritmo del show»: «Tengo que cantar mi favorita de ‘a new star'». Así, «se apaga // me apago» fue uno de los momentos más sobrios y efectivos del show, pero del nuevo álbum las que más brillaron fue, obviamente, ‘La Vida Sin Ti’ y ‘Detrás del DJ’.
Esta última fue el centro de un momentazo digno de cualquier concierto blockbuster de pop. Al final de la pasarela, y con una mesa de mezclas en el centro, Rels B hizo de maestro de ceremonias para una genial exhibición por parte de los bailarines y bailarinas, que aparecieron en momentos contados. Todo, mientras el cantante lanzaba camisetas al público.
Más secciones como esta no habrían venido nada mal. Por otro lado, el concierto va sobrado (quizás demasiado) de momentos calmados y emotivos. ‘Te Regalo’ dio lugar a una bonita interpretación acústica a ras de suelo junto a J Abecia, único invitado de la noche, y Omar Alcaide a la guitarra. ‘La Prisión’, descrita por el propio Rels B como «la favorita» de su carrera, dio lugar a una reflexión que también define su trayectoria: «A mí me gusta hacer música, no las cosas raras de la industria».
Manu Pasik
Ya en la recta final, ‘lo que hay x aquí’ mostró el verdadero poder de Rels B y lo que es capaz de conseguir un artista independiente. Es un momento de pura comunión entre los asistentes y en el que es complicado no notar los pelos de punta. Él mismo lo dice: «Mi show favorito de mi vida era el Wizink del año pasado, pero lo estamos superando». Hoy, 2 de marzo, es la segunda fecha del mallorquín en el Movistar Arena. ¿Se volverá a superar?
Hace 20 años, James Mangold estrenó ‘En la cuerda floja’, el biopic de Johnny Cash con Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon. Posteriormente, la carrera del cineasta americano se ha movido en superproducciones tan dispares como ‘Logan’, la comedia de espías con Tom Cruise y Cameron Diaz ‘Noche y día’ o ‘Indiana Jones y el dial del destino’. Con ‘A Complete Unknown’, regresa a la biografía musical volviendo a interesarse en otra de las figuras más importantes para el arte del siglo XX: Bob Dylan.
Ya existían muchos documentales sobre él, como los realizados por Martin Scorsese ‘No Direction Home’ y ‘Rolling Thunder Revue’, e incluso ficciones, como ‘I’m Not There’ de Todd Haynes, pero hasta el momento Hollywood no se había acercado al cantautor en su forma predilecta: el biopic académico. Para ello, Mangold recurre a una de las estrellas del momento, un Timothée Chalamet que ha estado preparándose para interpretar este papel durante cinco años. Sus esfuerzos se notan, ya que el actor muestra una entrega total, cantando él mismo las canciones de Dylan de forma más que solvente.
‘A Complete Unknown’, pese a ser una película que no se avergüenza en estar diseñada para ganar premios, muestra cierta personalidad, algo no tan habitual en este tipo de narraciones, y es ahí donde reside una de sus mayores virtudes y también algunos de sus puntos más débiles. El cineasta propone contar la historia de los primeros años de fama de Dylan no tanto indagando en las acciones de sus personajes, sino reflejando sus conflictos a través de las canciones. A lo largo de la cinta, hay multitud de escenas donde vemos al cantante actuando en directo, muchas más de lo que cabría esperar para este tipo de cine. Este recurso narrativo funciona especialmente bien hacia la mitad, donde las conexiones entre los personajes se describen mediante sus comportamientos en los escenarios.
Por otro lado, es inevitable sentir que hay una parte importante en el mundo interior de los protagonistas que queda sin explorar, o que resulta simplemente desaprovechado. Esto se evidencia sobre todo con los personajes secundarios, que rodean continuamente a Dylan, pero cuyos arcos quedan a veces desdibujados. Elle Fanning aparece en varios de los mejores momentos de la película, y está realmente bien interpretando a Sylvie, pero sus apariciones son demasiado breves para un personaje que tenía mucho más potencial. Algo parecido puede decirse de Monica Barbaro en el papel de Joan Baez. Se echa de menos más matices en la relación supuestamente tumultuosa -según los rótulos finales- entre ella y Dylan. La actriz, sin embargo, sí hace un gran trabajo, transmitiendo con facilidad ese encanto y carisma propios de la cantautora.
Precisamente, lo que impulsa a la película y la mantiene a flote son las interpretaciones de un reparto muy sólido (y, por supuesto, las brillantes canciones de Dylan). Edward Norton también encarna a Pete Seeger con solvencia. Aunque por encima de todos, brilla un Chalamet que captura muy bien la energía del artista, especialmente en la segunda parte de la película, donde el cantante está experimentando las consecuencias de la fama.
El trabajo de Mangold en la dirección es irregular, pero efectivo. En ocasiones repite excesivamente los mismos recursos visuales, pero en otras, consigue transportar al espectador al frenético ambiente que rodeaba a Dylan en los años 60, como en algunos logrados planos secuencia con steadicam.
Pese a querer aportar una visión diferente a la clásica biografía Made-in-Hollywood, ‘A Complete Unknown’ nunca consigue distanciarse lo suficiente del molde establecido. Aunque sí deja algunas bonitas secuencias, buenas interpretaciones y, lo más importante, muchas ganas de escuchar la discografía completa de Bob Dylan.
Saya Gray es una de las estrellas emergentes del indie anglosajón del último lustro. Llamó la atención de revistas y oyentes el innovador sonido indie-rock de su álbum debut, ’19 Masters’ (2022), evidente en cortes tan originales como ‘If There’s No Seat in the Sky (Will You Forgive Me??)’. Antes, Gray había sido bajista profesional y tocado en giras de artistas mainstream como Daniel Caesar (que es canadiense como ella) o el tristemente fallecido Liam Payne.
No se puede pasar por alto el linaje musical de Gray: su madre, Madoka Murata, japonesa, es fundadora de Discovery Through the Arts, una de los mayores colegios de música independientes de Toronto, y su padre, canadiense, es Charlie Gray, que ha tocado para grandes del jazz como Ella Fitzgerald.
‘SAYA’ no en vano lleva el apellido de esta artista fichada en Dirty Hit, el sello de Matt Healy de The 1975, porque, después de entregarse a diversos experimentos en su debut y epés anteriores, Gray ha decidido escribir canciones más disciplinadas y clásicas. El objetivo ha sido superar una ruptura. El medio, empollarse los discos de los Beatles, Led Zeppelin y Joni Mitchell durante un road trip por todo Japón que emprendió para despejarse. En el asiento de copiloto llevaba una guitarra para cuando brotara la inspiración.
No extraña que las letras de ‘SAYA’ ahonden en la psicología de su autora: en la inicial ‘Thus is Why (I Don’t Spring For Love)’, Gray avisa del riesgo de establecer una relación sentimental demasiado pronto y, en ‘Exhaust the Topic’, la frase «quizá he estado buscando un amor que yo nunca he dado» de repente pone en contexto todo el disco. En varias pistas, como ‘Shell (Of a Man)’ o ‘Puddle (Of Me)’, SAYA se compara con una «muñeca de vudú» con la que esa persona juega a su antojo.
Las canciones de ‘SAYA’ equilibran melodía clásica y experimentación sonora. A su lado, su hermano, Lucien Gray, produce las pistas y las envuelve en capas de instrumentación y efectos psicodélicos profundos y dinámicos. El sonido es crudo, pero rico. Las ideas sonoras son inusuales para canciones inspiradas en el folk, el country o la Americana y la riqueza instrumental favorece piezas como ‘Lie Down’, rica en percusiones. Aunque las producciones a veces presumen más músculo que las melodías.
Hallan equilibrio las canciones country de ‘SAYA’, como el bluegrass de ‘Shell (of a Man)’ o la balada ‘How Long Can You Keep a Lie’. El sentido melódico de Gray es original y su dinámico rango vocal eleva canciones como la guitarrera ‘Thus is Why (I Don’t Spring for Love)’ o la folk ’10 Ways to Lose a Crown’. Aunque, quizá, si las melodías fueran mejores, no necesitarían el exceso de producción al que las somete su autora: por ejemplo, la coda metal de ‘Exhaust the Topic’ suena forzada.
El potencial de las canciones de ‘SAYA’ es evidente, pero a las piezas rítmicas, como ‘Puddle (Of Me)’, les hace falta melodías más memorables, y la forma pesa sobre el fondo en el experimento trip-hop de ‘H.B.W.’ o el vals de ‘Line Back 22’, que, de nuevo, finaliza con una coda experimental sin mucho interés. Al final, en ‘SAYA’, destacan las canciones desnudas, como ’10 Ways to Lose a Crown’ y, sobre todo, un sentido de la composición muy peculiar que puede seguir creciendo.
Si alguien tenía dudas de la creatividad y el carisma único de Ca7riel y Paco Amoroso, de seguro han desaparecido con el primer lanzamiento después de su debut. ‘#TETAS’ es a la vez una hilarante radiografía a la cultura pop del siglo XXI y una oda a la autenticidad sin reservas. Es la Canción del Día.
Como ya demostraron en el trap experimental de ‘Ola Mina Xd’ y en menos medida en la viral ‘EL ÚNICO’, Ca7riel y Paco Amoroso están totalmente conectados con su tiempo. El del Internet. Es por eso que en los primeros segundos de ‘#TETAS’ no paran de sucederse términos como «glow up» o «vibe check», antes de que la canción se convierta en una reivindicación total del dab. Son ellos riéndose de lo absurda que es la época en la que vivimos.
La habilidad de los argentinos para equilibrar el humor con la calidad musical brilla en esta canción, que empieza con un beat cercano al funk más suave y se transforma en la segunda parte en un pop salido directamente de los 2000. Hasta hay una referencia muy sutil hacia el final del tema del icónico violín de ‘A Thousand Miles’ de Vanessa Carlton.
Sobre todo, la canción trata sobre confiar en la autenticidad de cada uno. «Mira mi cuerpo, siente mi botox / Ni siquiera necesito filtro en fotos», ironiza Paco en las primeras líneas. El estribillo lleva esto al siguiente nivel: «Si quieres ser alguien, no puedes ser tú / Tienes que ser alguien que no seas tú». La lección de todo esto es que, si ellos son alguien, es precisamente porque siempre han sido fieles a sí mismos.
Las capas continúan en el videoclip, que recuerda mucho a las parodias musicales de The Lonely Island, cosa que no puede ser casualidad. Mientras las referencias a los 2000 continúan con ambos artistas estilados como los Backstreet Boys, también se intuye una leve crítica a la industria y al consumo musical en la actualidad.
Suena la sintonía de ‘The Office’, llega el «ascensor» y aparecen esos cuatro chavales. Diego Ibáñez se equivoca en la primera frase de ‘Joderse La Vida’, que abre el set. Es el resultado esperable después de encontrarte de repente ante 15.000 personas. Hasta sus rivales más cercanos estuvieron ayer en el Movistar Arena. La última vez que Carolina Durante tocó en el recinto fue en 2023, delante de la mitad de asistentes. «En el primero lo mejor fue la gente, como siempre», recuerda Ibáñez.
Aquel concierto poco tuvo que ver con este. El decorado era prácticamente inexistente. Ahora, la producción es considerable. En la oficina de Carolina Durante puedes encontrar archivadores corporativos, amplificadores y aviones de papel infinitos. También te puedes subir a donde te de la gana. Obviamente, puedes tomar todo el café del mundo. Cuanto más, mejor. Hay que asegurarse de tener la energía apropiada para resistir las reacciones de un público, en su mayoría veinteañeros, que se mata y se ama en cada canción.
Ainhoa Laucirica
Porque detrás de la locura instantánea (y posibles codazos) que desata ‘Aaaaaa#$!&’, hay mucho amor. Puede que en canciones como ‘TOMÉ CAFÉ’ o ‘Monstruo’, que paró el show brevemente para dejar hueco a los pogos, no se note tanto, pero los fans de Carolina Durante en realidad son tan blandos como el turrón. La nostalgia de una adolescencia reciente, y que hay que dejar escapar, es la que los mueve. Por eso ‘El Parque De Las Balas’, rescatada exclusivamente para la ocasión junto a ‘Moreno de contrabando’, y ‘San Juan’ resultaron tan emocionantes. Todo lo que era tangana, ahora es abrazo.
Sin embargo, el proceso mental de Ibáñez parece otro. En la entrevista con JENESAISPOP, el vocalista contaba que, con este último disco, era la primera vez que se veía afectado por el contenido de las canciones encima del escenario: «Es guay que me rompa cantando la canción que he escuchado 257.000 veces». Mientras el público se vuelve loco con ‘Tempo 2’ o ‘Verdes Césped’, Diego, con su camisa blanca de volantes, está totalmente serio.
Su actitud, entre derrotada y errática a más no poder, no es nueva, pero sentir que estás en un momento clave de tu carrera seguro que le añade una capa de emoción. Así, ‘Colores’ parecía humedecerle levemente los ojos. Bueno, y a todos. Uno de los momentos más emotivos del concierto y un nuevo significado para eso de «elijo que esto no me duele».
Ainhoa Laucirica
Si el concierto de Carolina Durante fuese como el periplo del héroe, ahora llegaría el abismo. Durante el resto del set, el sonido no había sido el mejor. Costaba oír la voz de Diego, la batería se lo comía todo y se echaba mucho en falta la claridad del disco en los instrumentos. Y entonces, crisis: «Os explico lo que pasa, se nos ha roto la mesa de monitores y no oímos nada», cuenta Martín Vallhonrat. Diego entonces intenta ganar tiempo hablando con el público. Destaca un chaval que no estudió para selectividad por ir a la Wurlitzer a ver a Carolina Durante. «De la Wurli al Movistar Arena», suelta Ibáñez. Y en el mismo año.
Una chica les pide tocar ‘Necromántico’, que no estaba en el set. Deciden tocarla «por las risas», sin oírse a ellos mismos. Ole, porque además no suenan nada mal. De hecho, mejor que ayer. Después de una tensa pausa de dos minutos para resolver el embrollo técnico, ‘Elige tu propia aventura’, con violines y trompeta, fue hasta poético. Las cuerdas y vientos se quedaron para ‘La Noche de los Muertos Vivientes’, su primer lanzamiento, y ‘Probablemente Tengas Razón’, el clímax musical de la noche.
Ainhoa Laucirica
Un fallido ‘Interludio’, en el que se tenía que intuir la melodía, dio lugar al «momento montaña rusa», bautizado así por Ibáñez. Barry B y Gará Durán, sustituyendo a Amaia, intervinieron en unas disfrutonas ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’ y ‘Perdona (Ahora sí que sí)’ antes del colofón final. Qué bonito fue cantar ‘Hamburguesas’ junto a tantos miles de personas, a las que seguro que el grupo ya considera amigos. ‘Normal’, sin «la número 1», y el dulce pogo final de ‘Las Canciones de Juanita’ terminaron la noche sin ningún tipo de bis.
Sin fallos técnicos y con un sonido más claro, este concierto habría sido la consagración final del grupo… pero a quién le importa. Consagración o no, sea lo que sea que eso signifique, Carolina Durante están bendecidos. El repertorio es tan sólido, y las emociones tan auténticas, que en sus mejores momentos es como estar viendo la revolución. El sold out de Carolina Durante ha coincidido con la alineación de los planetas del sistema solar, algo que no se volverá a repetir hasta 2040. Para entonces, todavía nos seguiremos acordando.
Cuando en enero se anunciaron las nominaciones a los Oscar, parecía claro que la película ganadora saldría de las dos más nominadas: ‘Emilia Perez’ (13 nominaciones) o ‘The Brutalist’ (10 nominaciones). Casi todas las apuestas apuntaban hacia la segunda, con la cinta de Jacques Audiard como segura ganadora en la categoría de Mejor película internacional. La victoria en los Globos de Oro de los dos filmes refrendaba aún más esa sensación.
Sin embargo, en apenas un mes han ocurrido muchas cosas: el pasado se le ha echado encima a Karla Sofía Gascón con el peso de un mamotreto brutalista y el presente sionista ha vuelto antipático el discurso histórico de la película de Brady Corbet. La gran beneficiada ha sido ‘Anora’, que de forma discreta no ha parado de ganar premios en las últimas semanas. En realidad, da un poco igual: las tres son estupendas. Gane la que gane, se merecen todos los premios que les den.
El problema es que hay una amenaza creciendo en el horizonte. El 10 de febrero ocurrió una desgracia de dimensiones bíblicas: la mediocre ‘Cónclave’ triunfó en los Bafta compitiendo contra las tres películas mencionadas. Aunque es cierto que la nacionalidad –era la única producción británica de las cinco nominadas- pudo haber jugado a su favor, los pronósticos empezaron a tambalearse como la credibilidad de Gascón pidiendo disculpas por sus mensajes. Para más inri, hace unos días se reprodujo la tragedia: ‘Cónclave’ volvió a repetir triunfo en los premios del Sindicato de Actores. ¿Dará la sorpresa el domingo, el día del Señor?
‘Cónclave’ es un poco ‘El discurso del rey’ de este año (¿alguien se acuerda de ella?). Un entretenimiento eficaz, bien interpretado y con una tensión dramática muy medida, muy correcto todo, academicista, pero bastante limitado desde un punto de vista estético, narrativo o dramático, sobre todo si lo comparamos con sus tres rivales en los Oscar. El alemán Edward Berger (‘Sin novedad en el frente’) echa mano de una puesta en escena ampulosa (esos planos aéreos con todos los cardenales con sus paragüitas blancos) para vestir de seda un guion con más jirones que un sayo franciscano. Mucha pompa para tan poca sustancia.
La película no es más que una resultona intriga palaciega, beneficiada por un estupendo reparto (mención especial para Ralph Fiennes e Isabella Rossellini) y unos escenarios vaticanos muy llamativos, pero perjudicada por una banda sonora que subraya en vez de enriquecer, un discurso simplón y un golpe de efecto final que no hay por dónde cogerlo, mas risible que sorprendente. Es como decir misa en latín: da igual lo que digas, suena muy bonito, solemne y profundo.
Lady Gaga mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Abracadabra’, aunque es verdad que cada vez con un porcentaje más ajustado de votos, esta vez tan solo el 42% de los votos frente al 24% de Rigoberta. Veremos qué ocurre la semana que viene.
Entre las novedades de la semana, hay que hablar de la fuerte entrada de Marina y Addison Rae en el top 10, aunque lejos de competir por la primera plaza. Squid y La Plata entran a la zona media de la lista. En los últimos puestos encontramos a dos artistas españoles: Cupido y María Yfeu.
Después del fiasco que supuso ‘The Idol’, muchos pensábamos que la carrera de Lily-Rose Depp en Estados Unidos iba a tener menos futuro que la de Milei como criptobro. Sin embargo, un año después llegó ‘Nosferatu’ y nos calló la boca a todos. ¿Pasará lo mismo con Abel Tesfaye –horroroso en la serie- cuando se estrene ‘Hurry Up Tomorrow’, dirigida por el muy prometedor Trey Edward Shults (‘Krisha’, ‘Waves’)?
A falta de ver la película, solo con el tráiler, parece claro que ‘Open Hearts’ no es un mero reciclado de imágenes del filme: es un videoclip en toda regla. Por lo que se explica al principio, el clip está rodado para ver con las Vision Pro de Apple. Yo lo he visto con mis gafas de Ópticas Fernández. Y la sensación es un poco como cuando ves una película antigua rodada en 3D, tipo ‘Los crímenes del museo de cera’ (1953): hay muchos planos cuya única función es la de facilitar un efecto inmersivo para el dispositivo.
‘Open Hearts’, filmado en un formato de 180 grados y con una narrativa muy cinematográfica, está lleno de exteriores con planos aéreos con dron e interiores con muchísima profundidad de campo. Más allá de esta caligrafía visual al servicio de la tecnología, el clip presenta una trama protagonizada por The Weeknd tumbado en una camilla de una ambulancia. Mientras los paramédicos le atienden, vemos unas figuras negras con ojos brillantes que parecen un guiño al cartel de ‘Holy Motors’. Unas apariciones que funcionan como avance del tono onírico que irá impregnando el relato.
Tras un plano de una puesta de sol sobre unos rascacielos que parecen sacados del ‘Megalópolis’ de Coppola, el vídeo termina con el cantante metiéndose por un… ¿túnel de luz, como el que se ve en las experiencias cercanas a la muerte? The Weeknd pasa al “otro lado”, a un más allá donde parece reinar como un ídolo del pop en un escenario.
La primera película de ficción de RaMell Ross, tras su documental nominado al Oscar ‘Hale County This Morning, This Evening’, continúa explorando las heridas raciales de Estados Unidos. Adaptando la novela homónima ganadora del Pulitzer de ficción en 2020, narra la historia de amistad entre dos adolescentes en un reformatorio de Florida, históricamente conocido por sus métodos abusivos y denigrantes.
Desde el deslumbrante comienzo, donde la pantalla se inunda de una catarata de bellísimas imágenes (grandiosa la fotografía de Jomo Fray), Ross demuestra no solo ser un hábil narrador visual, sino también una sensibilidad y personalidad notables. El estilo poético y profundamente melancólico se acentúa con la atrevida propuesta formal que presenta el cineasta, quien compone toda la película desde la primera persona, contando la historia siempre en plano subjetivo.
La rigurosidad de la puesta en escena y el impresionante despliegue de ideas visuales son más que admirables, sobre todo considerando que se trata de su primera incursión en la ficción y tan solo su segunda película en total. Pese a -o en consecuencia de- ello, su enorme ambición artística se ve dañada por la barrera emocional que inintencionadamente acaba construyendo. A nivel narrativo, la cinta va perdiendo potencia conforme avanza, y la distancia entre el espectador y la historia se va haciendo progresivamente más grande, hasta el punto de que los temas tan impactantes que abarca terminan convirtiéndose en algo casi secundario.
Se agradece enormemente, eso sí, que Ross apueste por un cine de denuncia racial que no te grite a la cara, ni caiga en didactismos y obviedades. En su lugar, ‘Nickel Boys’ ofrece una visión absolutamente triste y enfadada pero exenta de esa literalidad tan molesta del cine comercial hollywoodiense. Por ello, su nominación al Oscar a mejor película sorprende -para bien-, por la radicalidad de la propuesta y su profunda vocación autoral, en donde se puede apreciar cierta influencia del Malick de ‘El árbol de la vida’.
Por supuesto, Ross aún está lejos del nivel de madurez de la obra magna de Malick, y su película nunca alcanza ese impacto filosófico-divino, pero sí deja la impresión de que estamos ante un cineasta valioso. Hay muchas cosas por pulir, pero nada que no parezca indicar que, con un equilibrio más sólido entre forma y contenido, Ross pueda convertirse en una figura clave para el cine independiente norteamericano. ‘Nickel Boys’ es una de esas películas que, aunque no entusiasmen, son toda una muestra de talento en bruto.
Ichiko Aoba es una de las superestrellas de ese género musical llamado ambient folk. Sus discos han encandilado al público por su minimalismo: su cristalina voz y el sonido de su guitarra acústica han sido suficientes para ennubilar a la audiencia. Y las portadas de discos como ‘Origami’ (2011) han exhibido un concepto minimalista radical que envidiaría hasta Kanye West.
A medida que la música de Aoba se ha popularizado, su investigación musical ha ganado enfoque. No han sido tan oníricos ni abstractos álbumes como ‘Windswept Adan’ (2020), que, escrito en torno al paisaje del archipiélago Ryukyu, proponía la banda sonora de una película imaginaria protagonizada por una niña que se muda a la fantástica isla de Adan. ‘Luminescent Creatures’ es la secuela de esa película, y ahora cuenta qué acontecería si la protagonista de ‘Windswept Adan’ «desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla», por culpa del cambio climático.
Es ‘Luminescent Creatures’ un álbum preocupado por el folclore y la protección de las culturas remotas. Inspirado en la isla Hateruma, al sur de Okinawa, la pista ‘24° 03′ 27.0″ N 123° 47′ 7.5″ E’ se titula con las coordenadas que localizan el faro de la isla, y la melodía recupera una canción tradicional del lugar.
Pero ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más surrealista u onírico. ‘Lucifèrne‘ es una fantasía inspirada en las bandas sonoras de Studio Ghibli, una danza submarina como sacada de ‘Fantasia’ (1940), y ‘Coloratura’ abre el álbum imaginando una «escena de apertura en la que un barco pirata es engullido por las aguas tormentosas» y que da pie al nacimiento de un nuevo mundo lleno de luz y paz.
Aunque la Ichiko Aoba clásica, la que solo tira de guitarra y voz, no se va a ninguna parte en ‘Luminescent Creatures’, y su voz sigue sonando a la más pura calma y serenidad en pistas como ‘Flag’, el álbum experimenta con texturas electrónicas en dos de las pistas que se zambullen en el océano, ‘Sonar’ y ‘Pirsomnia’, que se inspiran en la vivencia de Aoba nadando junto a ballenas.
Los interludios con sonidos de caja de música, como ‘Cochlea’, empujan el álbum hacia el sueño total, por lo que ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más animados sus arreglos: en ‘Tower’ el oyente danza junto a la fauna abisal que inspira el álbum, en paz y armonía: ‘Luminescent Creatures’ es un disco que imagina un mundo maravilloso al que el cambio climático no ha llegado. Björk lo llamó ‘Utopia‘, pero ella voló a los cielos y Aoba se sumerge en el mar.
Ichiko Aoba presenta ‘Luminescent Creatures’ el próximo 10 de marzo en Barcelona en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia.
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