Andy y Lucas han acudido a El Hormiguero esta noche para anunciar lo que a todas luces parece su separación. El motivo detrás de esta decisión es la salud de Lucas. El cantante ha explicado que padece un problema cardíaco y que el médico le ha aconsejado reducir el estrés.
«Hace cinco años tomé las riendas de Andy y Lucas, soy un psicópata de mi trabajo», ha explicado el músico. «Con el tiempo me empezaron a dar unos mareos, me decían que tenía la tensión bastante alta, eso me derivó en el cardiólogo, me pusieron una válvula. Así que lo mejor es bajar el ritmo».
El dúo gaditano no ha cerrado la puerta a la posibilidad de volver en el futuro y ha preferido decir que se «toman un descanso», pero ha añadido que «no sabemos si vamos a volver» y ha anunciado literalmente una «gira de despedida para nuestro público». Lucas ha agregado que «sin salud no somos nadie».
Muchos años después de ‘La vie en rose‘, la película que representaba la vida de Édith Piaf, protagonizada por una enorme Marion Cotillard que por este papel ganó el Oscar a Mejor actriz, un nuevo biopic se acerca sobre el gorrión de Francia. Y utilizará una novedad, la inteligencia artificial.
Con esta tecnología, la productora de la película, Seriously Happy, recreará la voz de Édith Piaf para que parezca que la propia cantante narra la cinta. También su imagen animada se recreará en esta película que, por cierto, ha contado con la aprobación de sus herederos, informa Variety.
‘Édith’, pues este es el título de la película, anunciada por Warner Music Group, estará ambientada en París y Nueva York en un arco de tiempo que recorrerá desde los años 20 hasta los 60 (Piaf falleció el 10 de octubre de 1963, hace justo 60 años). Su duración provisional será de 90 minutos.
En ‘Édith’, la «animación aportará una visión moderna a la historia» de la icónica cantante gala, mientras «la inclusión de imágenes de archivo, de sus actuaciones en el escenario y la televisión, y otras imágenes personales y de entrevistas, ofrecerán a la audiencia un vistazo realmente auténtico a los momentos más importantes de la vida de Piaf», ha informado Warner Music. Además, la cinta «destapará aspectos de su vida anteriormente desconocidos».
Este 2023, el nombre de Édith Piaf ha sido muy comentado a raíz del éxito de ‘Padam Padam‘ de Kylie Minogue, pues, hasta hace muy poco, el único ‘Padam Padam’ conocido por todos era el de Édith Piaf. Con él os dejamos.
Un tema que siempre ha perseguido a Billie Eilish desde sus comienzos es la sexualidad, del que siempre ha tratado de alejarse. Su música o hasta su forma de vestir han servido como perfecta reivindicación en contra de una industria que la examinó con lupa desde sus comienzos. Pese a que pocas veces ha hablado sobre ello en profundidad, ha visto la oportunidad perfecta para hacerlo en una entrevista concedida a Variety, de la que es portada.
Aunque ha pasado gran parte de su vida pensando que no le gustan las mujeres, Eilish reconoce que «nunca he sentido que pudiera sentirme tan bien con las chicas». «Las quiero mucho. Me encantan como personas. Me atraen como personas. Me atraen de verdad», añade. La artista cuenta que tiene «profundas conexiones» con «las mujeres de mi vida, mis amigas, mi familia». «Me atraen físicamente. Pero también me siento intimidada por ellas, por su belleza y su presencia», confiesa.
Con respecto a la sexualización que ha evitado por parte del público y los medios de comunicación, Billie Eilish explica que «no intentaba que la gente no me sexualizara, pero no quería que la gente tuviera acceso a mi cuerpo, ni siquiera visualmente». «No era lo bastante fuerte y segura para mostrarlo. Si lo hubiera mostrado en aquel momento, me habría quedado completamente destrozada si la gente hubiera dicho algo», cuenta a Variety.
Pero Eilish también se sincera con respecto a la feminidad: «Nunca me he sentido mujer, para serte sincera. Nunca me he sentido deseable. Nunca me he sentido femenina. Tengo que convencerme a mí misma de que soy una chica guapa». «Me identifico con los pronombres femeninos y cosas así, pero nunca me he sentido realmente una chica», comenta.
La artista también recuerda la primera vez que se atrevió a llevar una camiseta de tirantes en público a los 16 años. «Te pones algo revelador y todo el mundo te dice: «Pero, ¿no querías que la gente te sexualizara?». Ella muestra su claro enfado: «Soy literalmente un ser que a veces es sexual. ¡Que os jodan!».
Finalmente, Billie Eilish compara esta situación con la de los hombres, de los que afirma que «nadie dice nada» en alusión a sus cuerpos. «Si eres musculoso, guay. Si no lo eres, guay. Si eres delgado, guay. Si tienes cuerpo de padre, guay. Si eres regordete, ¡te encanta! A todo el mundo le gusta. ¿Sabes por qué? Porque las chicas son agradables. No les importa una mierda porque vemos a la gente tal y como es». Pese a estas declaraciones, se calcula que solo en Estados Unidos unos 10 millones de hombres sufren dismorfia corporal por las mismas razones que las mujeres.
“Nobody ever says a thing about men’s bodies,” says Billie Eilish. “If you’re muscular, cool. If you’re not, cool. If you’re rail thin, cool. If you have a dad bod, cool. If you’re pudgy, love it! Everybody’s happy with it. You know why? Because girls are nice. They don’t give a… pic.twitter.com/cyMA70F5ys
James Blake es el primer cabeza de cartel confirmado en el cartel del festival Vida, de Vilanova i la Geltrú (Barcelona). ‘Playing Robots Into Heaven‘ es el disco que traerá a James Blake a nuestro país.
Al cartel se suman, también, pablopablo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y las esenciales Adiós Amores, que acaban de publicar nuevo disco.
Anunciados previamente se encontraban los nombres de Guillem Gisbert, Alizzz, CANNONS, Standstill, La Ludwig Band y Mar Pujol.
Vida Festival celebrará su 10ª edición los días 4, 5 y 6 de julio, como siempre, en el recinto de La Masia d’en Cabanyes y apostando por la «descentralización cultural» y por un concepto de festival no masificado y ubicado en un entorno natural.
En los próximos días, Vida Festival seguirá anunciado los nombres de su cartel de 2024 a través de su canal de Twitch. Los abonos para Vida están disponibles en la web del festival.
Ha sido un año bastante irregular para Amaia Montero, después de varios ingresos en el hospital y su alarmante estado de salud. Pero los seguidores de la artista llevan preocupada por ella desde finales de 2022, cuando la artista publicara mensajes crípticos en Instagram: «Si la esperanza es lo último que muere y todavía no la he perdido, ¿de qué me sirve la vida?».
Pues parece que la tendencia negativa con respecto a las noticias sobre la cantante han cambiado en las últimas semanas. No solo ha estado más activa que de costumbre en redes sociales, donde de vez en cuando ha compartido canciones como ‘No me doy por vencido’ de Luis Fonsi, sino que ahora también se ha dejado ver públicamente.
Su primera aparición pública en meses ha sido, precisamente, en un concierto. Lo ha hecho en el de Manolo García, donde estaba de espectadora hasta que Manolo García se acercó a ella para saludarla. Entonces, ambos se abrazan y Amaia Montero se acerca al micrófono para acompañarlo en su interpretación de ‘Pájaros de barro’.
Aunque aún no hay noticias musicales de Amaia Montero desde que hace un año publicara un adelanto de una canción inédita, parece que la artista se encuentra mucho mejor y que se está recuperando. Que su primera aparición sea en un concierto se siente como un detalle muy significativo.
Amaia Montero aparece de sorpresa en el concierto de Manolo Garcia y por supuesto canto un trocito.
Son tiempos de tensión en nuestro país. Las manifestaciones provocadas a causa de la amnistía no han pasado desapercibidas por nadie, y hay famosos que empiezan a posicionarse. Una de ellas ha sido María Isabel, ganadora de Eurovisión Junior en 2004 por su ‘Antes Muerta Que Sencilla’, que publicó una foto de la manifestación de este domingo en Sevilla acompañada de un corazón y alegando que «España despierta».
Rápidamente llegaron los comentarios al respecto en X, donde muchos seguidores de la artista mostraron su disconformidad con la publicación. La cantante, que no fue capaz de ignorarlos, grabó un vídeo explicándose: «Cuando subes algo que no es del agrado de mucha gente, parece que te empieza a escribir todo el mundo a la vez». María Isabel resalta que «no lo he subido porque apoye a un partido o a otro. No apoyo a ninguno porque me parecen todos unos payasos».
En cuanto a su mensaje «España despierta», puntualiza que no quiere que «el país siga como está», pero que tampoco quiere «el otro extremo». «Lo único que pido es que venga alguien en condiciones que mire por España, por el país, y que se dejen de tantas tonterías. No se por qué se malinterpreta», finaliza.
El vídeo de María Isabel no contentó a todo el mundo, y hubo quien lo tachó de «peor que el post de las manifestaciones». Esto llevó a la artista a explicarse de nuevo, esta vez a través de un comunicado escrito, en el que se desvincula de cualquier relación con la extrema derecha: «Nunca jamás apoyaría a un partido que atenta contra los derechos fundamentales de las personas».
Durante el comunicado, María Isabel también aclara que siempre ha luchado por que «cada uno pueda expresarse y ser como quiera», que quiere afirmarse en su «descontento con la situación política actual» y que está «defraudada con la incongruencia política». Comenta que «que esté en contra de una decisión política» no la pone de forma inmediata «a favor del partido opuesto» y promete informase más «políticamente». «Y ya lo dije en una ocasión: antes muerta que fascista».
La explicación de María Isabel a la polémica. Vergüenza la caza de brujas que estáis haciendo, vergüenza como acosáis a artistas por dar su opinión. No os vale nada que no sea llamar facha a cualquiera que fuese pacíficamente a la manifestación. Les dais la razón, y qué pena. pic.twitter.com/6hwepSawGF
Dice PinkPantheress que ‘Boy’s a liar’, su mayor éxito hasta la fecha, le parece una “mierda”. Y su remix “también”. ¡Pobre Ice Spice! ¿Será que el público está equivocado y convierte en éxitos temas que no lo merecen? Dicho remix aparece cerrando ‘Heaven Knows’, el debut oficial de PinkPantheress, a modo de bonus track. Si lo que dice PinkPantheres es cierto, los 12 temas previos deben ser mucho mejores.
Pero la “pantera rosa” no tiene razón: ‘Boy’s a liar’ no es lo que ella dice que es. De hecho, puede ser su mejor canción. O, al menos, una de ellas. El único problema que puede haber con ‘Boy’s a liar’ es que en ‘Heaven Knows’ no pinta demasiado.
Lo cual solo habla favorablemente de este disco. ‘Heaven Knows’ es el debut largo de PinkPantheress y se nota. La sensación de mixtape, de mera colección de canciones, que dejaba ‘To Hell with It’ (2021) se ha disipado. En ‘Heaven Knows’ las canciones suenan más desarrolladas, incorporan nuevos instrumentos e incluso emergen vinculadas a un concepto introducido ya en el título del disco.
‘Heaven Knows’ juega con el título de ‘To Hell with It’, pasando del infierno al cielo, pero las canciones de este nuevo trabajo siguen preocupadas por la muerte. Abre el largo un tema directamente llamado ‘Another Life’, uno de los más elegantes, en el que Victoria Beverly Walker se despierta al lado de su novio, que parece haberse muerto, como mínimo, en su imaginación. Rema es el artista invitado -pobre- en este corte. Es extraño que una colaboración abra el debut largo de una artista del tamaño de PinkPantheress, pero esos sofisticados acordes de teclado no merecían otro lugar.
La muerte reaparece en otros puntos de ‘Heaven Knows’. En ‘Nice to Meet You’, el nuevo single, que samplea ‘Gold’ de Spandau Ballet aunque realmente es difícil saberlo, PinkPantheress está tan enamorada que reza por “morirse antes” que su chico. Mejor suerte corre Central Cee en este caso. Kelela, otra de las artistas invitadas, canta en un tema titulado ‘Bury Me’. Y la ‘Ophelia’ de Shakespeare también aparece en el imaginario de PinkPantheress: su chico la ha dejado tirada y ella solo quiere ahogarse en su propia pena.
Estos puntos en común líricos, unidos a la cohesión sonora de un disco que, sonando oscuro y nocturno, aún juega con los ritmos del UK garage y del drum ’n bass, pero que abre sus puertas a nuevos sonidos, dan empaque a un debut que convence a pesar de que el factor sorpresa y la frescura de aquella artista que conocimos en TikTok se ha desinflado. En realidad, el sonido de ‘Heaven Knows’ sigue siendo parecido al de ‘To Hell with It’. La diferencia es que las canciones suenan más desarrolladas. O desarrolladas, directamente.
Algunas son incuestionables. ‘Mosquito’, el primer single, es un clásico instantáneo (como el café) de PinkPantheress. Ahora, sonando ligeramente a bossa nova. ‘Capable of Love’ incluso añade guitarras eléctricas a la fórmula conocida por todos. Es una de sus composiciones más ambiciosas. Y esa ambición se traduce en otras producciones a las que han podido tener acceso Greg Kurstin y otros nombres implicados, como ‘True Romance’, que incorpora efectos de cámara y gritos de público, o ‘Nice to Meet You’, que navega cómodamente entre el garage, el drum n’ bass y el drill sin tropiezos.
Esa ambición es evidente en las producciones, no tanto en las canciones. En ‘Heaven Knows’ incluso las mejores pistas pueden acercarse al piloto automático, demasiado pronto en la carrera de esta artista que está debutando. ‘The Aisle’, jugando con el eurodisco, por primera vez en la carrera de Pink, es una de las más pegadizas, pero la sensación de revelación que dejaron ‘Just for Me’ o ‘Passion’ se echa de menos. Con ‘Nice to Meet You’ o ‘True Romance’ sucede lo mismo. Son buenas canciones de PinkPantheress, pero no está claro que estén a la altura de las mejores de verdad.
Después, el álbum continúa… pero realmente solo ansías que llegue ‘Boy’s a liar’. Porque la trapera ‘Bury Me’ no es exactamente la gran colaboración entre PinkPantheress y Kelela que podía haber sido. ‘Internet Baby’ se presenta como «interludio» porque evidentemente no está plenamente construida como canción. Y aunque ‘Ophelia’ incluya arpas y ‘Feel Complete’ explore las mieles del hip-hop de los noventa, las propias composiciones no logran hacerse notar, y solo emborronan el tramo final del disco.
Llegando finalmente a ‘Boy’s a liar’, es evidente que esta ligera y chula producción de Mura Masa no encaja dentro del universo de ‘Heaven Knows’, pero parece que no era una opción excluirla del debut oficial de PinkPantheress. Al fin y al cabo, sus elevados streamings llegan al mismo «cielo». Pero, mal que le pese a Pink, es uno de los momentos álgidos del disco. Quizá -solo quizá- una canción no es mejor cuanto más compleja o ambiciosa.
¿Sabías que hay un túnel bajo Ocean Boulevard? Quizás ahora sí que lo sepas, después de que Lana Del Rey publicara un disco con exactamente ese título. Pero lo cierto es que, efectivamente, ese túnel existe desde 1928. Sin embargo, lo tuvieron que clausurar en 1976 por motivos de seguridad, lo que hizo que mucha gente no supiera nada del mismo.
Pero Lana Del Rey se encargó de que ese desconocimiento desapareciera el pasado mes de marzo, con el lanzamiento de su noveno álbum de estudio. No solo le dedica el título, sino que además también llama así a la segunda pista del disco, que lanzó como single principal. Como era de esperar, el interés por ese túnel, el Jergins Tunnel, se disparó rápidamente.
Localizado en la ciudad de Long Beach, en Los Ángeles, la atracción generada en los últimos meses se traducirá en la apertura del túnel bajo Ocean Boulevard. Así lo ha anunciado el alcalde Rex Richardson, que ha detallado que construirán en ese lugar un nuevo Hard Rock Hotel para la segunda mitad de 2027. «El proyecto se inspira en nuestras raíces musicales», aclaró.
El famoso túnel Jergins será reutilizado como parte del proyecto Hard Rock y se espera que sea un bar clandestino con música que «se vincule con nuestro ambiente local», según comentó el alcalde. Se trata de la primera gran construcción hotelera en el centro de la ciudad en más de 30 años, y será a lo grande: un hotel de 31 plantas dedicado a la música. Parece que pronto será difícil no saber que hay un túnel bajo Ocean Boulevard.
Más de 1 millón de copias vendía en 1 semana ‘La mujer que soy’, las memorias de Britney Spears. Sólo en Estados Unidos. La tutela que ha tenido a la artista presa de su padre, con quien nunca tuvo buena relación, durante 13 interminables años, ha terminado encogiendo el corazón del público. De alguna manera involuntario reflejo de la evolución de la sociedad, la tutela parecía una opción lógica en algún momento de la historia que queremos olvidar. A la postre, se ha terminado viendo como una auténtica película de terror y, sobre todo, una injusticia social. Ese es más o menos el relato al que se agarra Britney en este libro tan ligero, al que dedicamos el nuevo capítulo de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP.
El título genérico de nuestro podcast nos viene como anillo al dedo para hablar de los enormes momentazos que nos da este volumen, así como de las decepciones tras casi 2 años de hype en torno al mismo. Todo aquel que no se esperara una obra de alta cultura, un desarrollo de todo esto tan turbio y sórdido como una novela de Ottessa Moshfegh, se habrá encontrado con una narración entretenida de la que ha sido una de las historias más comentadas de las celebridades de los últimos tiempos. Si estás aquí porque eres fan de la música pop, además habrás topado con multitud de anécdotas y crossover que desconocías. Los cameos de gente como Madonna, Christina Aguilera, Colin Farrell u Olivia Newton-John no van a decepcionar a nadie.
Por el contrario, uno de los handicaps, es que el libro ha aparecido en tal cantidad de medios, incluso antes de su lanzamiento, que todos sus highlights más escabrosos (el aborto del bebé de Justin Timberlake, especialmente) han aparecido en cientos de titulares. En estos ya se han desvelado todos los secretos del libro.
En esta hora de conversación llena por supuesto de SPOILERS, tratamos de rescatar otras citas interesantes que nos hablan de quién es Britney Spears. A través de estas casi 300 páginas -con letra muy gorda y un gran interlineado- escuchamos la visión de Britney sobre el machismo en la industria musical, el body-shaming, la salud mental, la exposición mediática y en redes. Lo hace con el tono naíf que siempre se le otorgó, bromeando sobre el cuelgue de quedarse en los 16 años para siempre, Y recordando que al fin y al cabo siempre será la intérprete de ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’.
Aunque no de manera tan profunda ni rigurosa como nos gustaría, ‘La mujer que soy’ es también ocasión de conocer la visión musical de Britney sobre su propia carrera discográfica. En este libro habla de sus discos, giras, vídeos y canciones favoritos -de ‘Blackout’ al ‘Dream Within a Dream Tour’-, si bien sin desvelar absolutamente nada sobre qué piensa sobre otras obras perdidas, como por ejemplo el polémico ‘Britney Jean’. ¿Será cierto que pusieron en él a cantar a otra persona?
Podcast: Me equivoqué con Britney Spears
Podcast: Britney, biografía ilustrada y discografía, con Juan Sanguino
André 3000 de Outkast ha anunciado el lanzamiento de su primer disco en solitario. ‘New Blue Sun’ sale este viernes, pero no es lo que esperas.
‘New Blue Sun’ es un disco inspirado en «Laraaji, Brian Eno y Alice Coltrane» y centrado en el sonido de las flautas. Los títulos de las canciones son tan extensos que hay que frotarse los ojos para créerselos. El primero explica la razón misma del disco: «Os lo juro, quería hacer un disco de rap pero el viento literalmente me ha soplado por este lado esta vez».
Otra de las inspiraciones de ‘New Blue Sun’ ha sido un viaje de ayahuasca de André 3000 en el que el rapero «se convirtió en una pantera». Se trata ‘New Blue Sun’ de una colección de «improvisaciones a la flauta» que André 3000 ha trabajado con el percusionista Carlos Niño, el tecladista Surya Botofasina y el guitarrista Nate Mercereau.
‘New Blue Sun’ será el primer lanzamiento discográfico largo de André 3000 desde que el rapero publicara ‘Idlewild’ con Outkast en el año 2006. Hace 17 años de aquello. En los últimos tiempos, André ha lanzado singles sueltos, como ‘Me&My (To Bury Your Parents)’.
Tracklist de ‘New Blue Sun’:
01 I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time
02 The Slang Word P(*)ssy Rolls Off The Tongue With Far Better Ease Than The Proper Word Vagina . Do You Agree?
03 That Night In Hawaii When I Turned Into A Panther And Started Making These Low Register Purring Tones That I Couldn’t Control … Sh¥t Was Wild
04 BuyPoloDisorder’s Daughter Wears A 3000™ Button Down Embroidered
05 Ninety Three ‘Til Infinity And Beyoncé
06 Ghandi, Dalai Lama, Your Lord & Savior J.C. / Bundy, Jeffrey Dahmer, And John Wayne Gacy
07 Ants To You, Gods To Who ?
08 Dreams Once Buried Beneath The Dungeon Floor Slowly Sprout Into Undying Gardens
P!nk repartirá 2.000 libros censurados en escuelas de Estados Unidos en sus conciertos de este martes y miércoles 14 y 15 de noviembre en el estado de Florida, en las ciudades de Miami y Sunrise. P!nk se ha aliado con el grupo PEN America, dedicado a promover la libertad de expresión, para llevar a cabo esta acción.
En concreto, P!nk regalará al público copias de cuatro libros cuya lectura se ha prohibido en escuelas estadounidenses. Estos son ‘Libro de la Familia’ de Todd Parr, ‘Beloved’ de Toni Morrison, ‘Girl Who Code’ de Resha Saujani y ‘The Hill We Climb’ de Amanda Gorman.
P!nk ha declarado que «es aberrante que las autoridades la tomen contra libros que hablan de raza y de racismo o que están escritos por autores LGBTQ+ o autores negros». También ha dicho que tanto ella como sus hijos son «lectores voraces» y ha señalado que «no me cabe en la cabeza que los padres les digan a sus hijos lo que pueden o leer, mucho menos que esto lo hagan padres de otros hijos, mucho menos que lo haga alguien que ni siquiera tiene hijos y que está decidiendo lo que los míos pueden leer».
Desafiando a sus seguidores en redes sociales, P!nk ha compartido una lista de libros censurados en colegios de Florida, entre los cuales se encuentran ‘Matar a un ruiseñor’, ‘El guardián entre el centeno’, ‘1984’, ‘El diario de Anna Frank’ o ‘Bajo la misma estrella’. «Decidme cuáles de estos libros son pornográficos», ha escrito la cantante.
La web de PEN America clasifica en orden alfabético los libros en Estados Unidos cuya lectura no se ha permitido durante el año académico. La lectura de estos libros ha podido ser «restringida» o directamente «prohibida» durante «periodos breves de tiempo o de manera indefinida». Algunos de estos textos vuelven a estar disponibles en las bibliotecas escolares.
P!nk se encuentra de gira presentando su último disco, ‘TRUSTFALL‘.
Sleaford Mods han vivido recientemente un desencuentro con su público español, el cual asistía a su concierto en La Riviera de Madrid. Uno de sus integrantes, Jason Williamson, denunció que una persona del público había estado lanzando reiteradamente una kufiya (el pañuelo palestino al escenario. Sleaford Mods decidieron cortar su set antes de tiempo.
Horas después, Williamson pidió a su público que «no me hagáis elegir un bando por algo de lo que no tengo idea» y señaló que «mi trabajo es cantar; lo único que sé de la guerra es que estoy harto de que la gente muera prematuramente».
Días después de la polémica, Williamson ha decidido aclarar sus palabras. «Hay que poner un poco de contexto a lo que pasó en Madrid. Estoy horrorizado por las atrocidades que se están cometiendo en Gaza y en Israel y estoy horrorizado por las atrocidades que se están cometiendo en otras partes del mundo y que no salen actualmente en las noticias. Me enfurece que los políticos, los medios, los agitadores de masas y las plataformas en redes sociales manipulen el duelo y la ira de los seres humanos para fomentar la separación, la deshumanización, la división y el odio».
A continuación, Williams explica su versión de los hechos ocurridos en Madrid. «En el concierto de Madrid, una persona me interrumpía constantemente gritando y arrojándome un pañuelo al escenario. Detuve el espectáculo para hacer un comentario, condené las muertes de civiles y pedí que no hubiera más muertes. Esto no fue suficiente, y la persona continuó interrumpiéndome. Así que después de 80 minutos de concierto, decidí retirarme del escenario porque solo me sentía distraído y frustrado».
Williamson aclara que el tuit que publicó inicialmente «fue un intento de disculparme con aquellos que estuvieron en el concierto, no de comentar en general lo que está pasando». Además, señala que él está «tan sobrepasado por lo que está ocurriendo como ustedes» y que «no tengo todas las respuestas; lo único que sé es que todos somos humanos y debe haber un alto al fuego, y las matanzas deben parar».
Las midweeks británicas han dejado un resultado ligeramente decepcionante para ‘Houdini’ de Dua Lipa. El primer single de su tercer disco no va a ser, en principio, número 1 directo, ni tan siquiera tras el enorme éxito de ‘Future Nostalgia’ y sus múltiples reediciones. El tema aparece en el top 3 con 12.405 unidades despachadas durante el fin de semana. Sí, por detrás de Jack Harlow, con quien se la vinculaba el año pasado. Tan probable es que los Beatles, número 1 de momento, caigan, como que el tema de cassö, RAYE y D-Block Europe sobrepase a Dua. Así están las cosas de momento, según el foro de Buzzjack.
1 The Beatles – Now and Then (14,843)
2 Jack Harlow – Lovin On Me (14,660) *
3 Dua Lipa – Houdini (12,405) *
4 cassö, RAYE & D-Block Europe – Prada (12,046)
5 Tate McRae – greedy (9,952)
Eso sí, hay esperanza para ‘Houdini’. El tema se mantiene hoy en el top 7 de Spotify UK: no se desploma, tras haber alcanzado el número 2 el día de salida. Y sobre todo, su equipo tiene una suculenta promoción de CD singles, en la estela de lo visto recientemente a Billie Eilish o a The Beatles.
En su web hay toda una colección de cassettes y CD singles que se venderán esta semana para intentar asegurar que ‘Houdini’ despegue. Se pueden comprar por 1 y 2 libras y contabilizarán siempre y cuando sean enviados antes de que cierren las tiendas el jueves. Se comenta que su equipo está calculando cuántas copias necesitarán enviar para garantizar ese número 1.
Respecto al funcionamiento internacional de ‘Houdini’, el tema sube en su 4º día al número 8 del Global de Spotify, tras haber entrado al puesto 2, haber bajado al 6 y después al 10. Es decir, tras el entusiasmo inicial del viernes, el tema se desinfló sábado y domingo, pero retoma el vuelo en lunes.
Irlanda, Bélgica, Suiza y Australia están entre los países más entusiasmados, mientras en Estados Unidos el top 10 del Billboard Hot 100 parece difícil de alcanzar. En España el tema es número 35 en Spotify tras haber entrado en el puesto 23, por lo que al menos el top 40 parece posible.
Casi dos meses después del lanzamiento de ‘GUTS’, Olivia Rodrigo sorprende con un nuevo proyecto: su canción original para la banda sonora de la nueva película de ‘Los juegos del hambre’. Se titula ‘Can’t Catch Me Now’ y desde hoy tiene nuevo videoclip. Es nuestra Canción del Día para este martes.
El vídeo sirve para relanzar el tema cuando la película está a punto de llegar a todos los cines. En él, primero aparece Olivia tocando el tema intimista a la guitarra, y después asistimos a las típicas imágenes promocionales de la cinta. Justo cuando estábamos asumiendo definitivamente a Rodrigo como rockera dado el sonido de su segundo disco, nos presenta una faz alternativa, más acústica, en la que su voz encaja por completo. La letra es tan oscura como propone la melodía, con sus referencias a las sombras, a la nieve y a la sangre; y luego el puente final ejerciendo la misión de pasar a la ofensiva: «No puedes atraparme, soy una tormenta acechando tu ciudad».
Daniel Nigro, co-autor del tema, es el colaborador de confianza de la artista. De hecho, es el principal productor de sus dos discos publicados hasta la fecha: ‘SOUR’ y ‘GUTS’. Además, ‘Can’t Catch Me Now’ también recuerda ligeramente a ‘Safe & Sound’, canción que Taylor Swift escribiera hace justo una década para la primera película de la saga.
La saga de ‘Los Juegos del Hambre’ continúa, pues con una nueva entrega este 17 de noviembre, con el estreno de ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’ en todos los cines del mundo.
La banda sonora de ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’ contará con hasta 17 temas, que incluirán a Rachel Zegler, Molly Tuttle, Billy Strings, Sierra Ferrell, Flatland Cavalry, Bella White y Charles Wesley Godwin. Saldrá, junto a la película, el 17 de noviembre.
A finales de la década de los 2000, los madrileños nudozurdo comandados por Leo Mateos se convirtieron en uno de los mayores revitalizadores del sonido new-wave y post-punk. Especialmente su álbum ‘Sintética’ es una especie de Biblia al respecto, reivindicando el legado de bandas de los 80 como Décima Víctima y Parálisis Permanente.
Publicaron más álbumes como ‘Tara motor hembra‘ o ‘Voyeur Amateur‘, hasta anunciar su separación en 2018. «Nos hemos vaciado por completo», indicaron antes de la pandemia. Desde hace unos días, han vuelto a tener cierta actividad, anunciando que hoy, 14 de noviembre, pasará algo en Madrid relacionado con ellos. La cuenta atrás de su web termina a las 20.00 horas, cuando se conocerá qué traman.
JENESAISPOP te invita hoy a este evento misterioso que se celebrará en Madrid y en el que ocurrirá algo relacionado con nudozurdo. Regalamos 5 entradas dobles a los primeros que escriban a jenesaispop@gmail.com indicando el título de su canción favorita del grupo, junto a su nombre y apellidos. Las primeras personas que escribáis seréis informadas a lo largo del día del lugar y la hora concretos.
Hace tan solo unos meses, Rels B actuó frente a 65.000 personas en el Foro Sol de México. Fue la hazaña más grande de un joven mallorquín que no ha dejado de ascender mundialmente gracias a la composición de sus canciones y su cada vez mayor impacto en el género urbano. Pero nada de aquello importó cuando, pese a que se encontraba ante una audiencia significativamente más reducida, anoche hizo su primer WiZink en la capital de su país con un lleno absoluto que definió como el “mejor concierto” de su vida.
La última parada de la gira de Rels B, que lo ha llevado a recorrer España, Latinoamérica y Estados Unidos, tenía reservado un gran espectáculo a la altura de la ocasión en Madrid. Desde el principio se podía intuir que el concierto sería una montaña rusa de emociones, intercalando momentos conmovedores con aquellos que eran de más júbilo y alboroto. No es para menos, pues el hecho de tratarse del cierre del tour hacía que el ambiente fuera festivo y melancólico a partes iguales.
“La gira más importante de mi vida termina aquí. No voy a negar que en algunos momentos ha sido muy duro, y que he echado de menos a mucha gente: amigos, hermanos, familia… Es lo que tiene luchar por tus sueños, ¿no? Y hoy puedo decir que todos mis sueños se han hecho realidad”, mostraba el rapero en una de las pantallas gigantes antes de aparecer encima del escenario. Cuando lo hizo, no había nadie que se quedara sin cantar ‘Afrolova’, pista con la que abre su último disco y que también sirve como bienvenida para el concierto.
Lo cierto es que el show es una clara demostración del brillante desarrollo que ha experimentado Rels B a lo largo de su carrera. Cuanto más se acerca al presente, mejor es el resultado de su interpretación. Esto quizás lo sabe el propio Rels, que confesó que “odia” ‘Lejos de Ti’ con “toda” su “alma”, tema perteneciente a su ‘Flakk Daniel’s’ de 2018. Esto, no obstante, apenas se apreciaba por el recibimiento del público, que estaba dispuesto a gritar lo que se le pusiera por delante. “Estamos cantando canciones muy viejas y están respondiendo con energía”, llegaría a reconocer el cantante. Dara Chriss
Aun así, su no tan necesario repaso a los orígenes pero que la ocasión justificaba hacía que aumentara el aprecio por el Rels B más reciente. Las actuaciones de ‘La Última Canción’ o ‘Sonríe’ fueron, sin duda, de lo mejor del concierto, mientras que la interpretación a piano de ‘Shorty Que Te Vaya Bn’ hizo destacar su lado más profundo e intimista. Sin embargo, fue la entrega de los asistentes lo que elevó el espectáculo a otra dimensión. Ya sea porque el rapero callaba en partes de algunas canciones para que la audiencia las protagonizara, o porque el furor que causaban sus grandes himnos hacía que resultase difícil escucharle, fue ese impresionante entusiasmo el que dejaba patente cómo su música había conseguido conectar con toda una generación.
A la fiesta también se unieron otros tres artistas: RVFV, Nicki Nicole y Dellafuente. Cada uno de ellos estuvo al lado de Rels B cuando tocó el turno de sus respectivas colaboraciones: RVFV durante la actuación de ‘Mi Luz’, Nicki Nicole para cantar ‘qué le pasa conmigo?’ y Dellafuente para hacer lo propio con ‘Buenos Genes’. No faltaron fuegos, cohetes o robots gigantes. Por faltar, no faltó ni el champán, del que Rels se sirvió una copa “por vosotros, por nosotros, por el sueño cumplido esta noche” para compartir después la botella con el resto de la pista.
El último concierto del rapero coincide con su llegada al estrellato internacional. Siendo testigo de su propia evolución artística, la gira ha acompañado al cantante durante tres años que han sido de auténtica escalada. En este 2023, Rels B ha llenado su primer estadio muy lejos del país que lo ha visto crecer. Pero su merecida coronación estaba esperándolo en Madrid, donde ya anoche logró consagrarse como una de nuestras voces más importantes. Dara Chriss
Benidorm Fest ha movido ficha con el anuncio de sus 16 candidatos para la edición 2024. Se había dicho que el festival trataría de recuperar audiencia dedicándose al público más hetero, y a la mujer. Ninguna de las candidaturas de 2023 tuvo el impacto social de las propuestas de Rigoberta Bandini o Tanxugueiras en 2022. Solo el éxito comercial a posteriori de ‘Nochentera’ de Vicco, que ni siquiera ganó o quedó segunda, ha conseguido salvar la 2ª edición del festival del olvido.
Estos 16 nombres confirman que Benidorm Fest se resiste a convertirse en un reducto LGTB+, por mucho que hayan invitado a Miss Caffeina. La mayoría de propuestas es más pachanguera que entrar en un bar español de los 90 con ‘Salomé’ y ‘Chiquilla’ sonando a todo volumen. Huelga decir que para opinar hay que escuchar las 16 canciones y ver las 16 puestas en escena: la primera impresión que dejó Vicco y la definitiva no tienen nada que ver. Y no me refiero a sus memes pro-Ayuso y anti-Sánchez, sino a que se ha construido un nombre haciendo pop ochentero, cuando lo primero que vimos de ella fue una versión de ‘Memoria de pez’ en acústico. Lo que intuimos y lo que fue al final se parecían tanto como un huevo a una castaña. Pero solo por diversión, elucubremos con lo que podría ser este Benidorm Fest a tenor de lo que sabemos de estos 16 artistas.
Pop 80’s: Miss Caffeina, Nebulossa
Miss Caffeina son uno de los grupos clave del mundo festivalero español, sobre todo desde el éxito de ‘Mira cómo vuelo’. Con el álbum ‘Oh Long Johnson’ se superaron y últimamente han publicado un EP también notable, ‘Shangai Baby’. Habían anunciado una retirada temporal de los escenarios, tras 5 fechas repartidas por todo el país. Paradójicamente, su participación en Benidorm Fest podría suponer un reinicio para ellos, como lo fue para sus amigos de Varry Brava. Tienen muy buen directo, Alberto tiene buenos porte y voz, y si el tema que han escogido es de sus mejores, pueden ser una opción. Diría que tienen el pase a la final asegurado.
No es el caso de Nebulossa, porque no tienen un público tan fiel: antes de ser anunciados para el festival tenían 2.000 oyentes mensuales en Spotify. El dúo formado por María Bas y Mark Dasousa podría concurrir con ‘Me ha dado porno’, un simpático juego de palabras, pues en realidad debería llamarse «me ha dado por no», pero también recomendamos temas pasados como ‘GLAM’. Alguien en JENESAISPOP comentó que son «los reyes del Synthware retro en castellano». Ciertamente su participación puede ser un descubrimiento para los nostálgicos de aquellos años.
El flamenco: María Peláe
Entre los nombres que más están dando que hablar, el de María Peláe, que acaba de publicar su disco ‘Al baño María’, por lo que 2024 podría ser definitivamente su año. Antes había publicado otras obras como ‘Hipocondría’ y ‘La folcrónica’, fusionando géneros, y siendo reconocida por el Ministerio de Igualdad por su defensa de los derechos LGTBIQ+. ‘La Putukita’ y ‘Letra menúa’ están entre sus singles recientes. Tras el fracaso de Blanca Paloma en el televoto, no hay muchas ganas de mandar folclore a Eurovisión, pero al menos estos temas son más festivos.
Mundo latino: Almácor, Lérica, Dellacruz, St Pedro, Jorge González
Uno de los comentarios más habituales en el mundo eurofán es que es insólito que España casi no haya llevado a Eurovisión canciones de reggaeton o de corte latino. Al buen resultado de ‘Slomo’ de Chanel me remito. Una de las opciones de este año son Lérica, el dúo formado por Tony Mateo y Juan Carlos Arauzo, que ha colaborado con artistas como Gente de Zona, Belinda, Abraham Mateo, Beret, Mau y Ricky, Omar Montes, Juan Magán o Cali y El Dandee. La web de RTVE pone como ejemplo de su éxito ‘Flamenkito’, ‘De tranquilote’ e ‘Hijos contigo’, respectivamente colaboraciones con Belinda, Danny Romero y Mau y Ricky. ¿Se esconde detrás de esta candidatura un sonado featuring?
Entre los artistas que más están sonando, destaca Almácor, un joven de 26 años de Villena que te gustará si te gusta Quevedo. Parece que a falta de grandes nombres entre los aspirantes, debido a las condiciones leoninas que tienen que firmar los aspirantes, de cara a los compromisos con RTVE, alguien novel «que se parezca a» es la opción más realista. Almácor puede ser la gran sorpresa dada la pegada de temas como ‘Pop Tech’, que además ha salido en octubre, es decir, dentro del plazo permitido para representar a España en el festival.
Hablando de Quevedo, también son canarios Dellacruz, que acaba de lanzar un tema con Álvaro Hernández y Pepe Bernabé, y St. Pedro, un fichaje internacional de Interscope, por tanto una de las grandes apuestas de Universal. El tema ‘No es lo que toca’, que pasa de la bachata al reggaeton, ha sido editado a finales de octubre, por lo que también respetaría las normas de Eurovisión.
Más pachanguero es el sonido de Jorge González, que ha pasado por Operación Triunfo, La Voz y Tu Cara Me Suena. Te gustará si te gusta lo mismo Pablo Alborán que Chanel.
Pop-rock: Angy, Noan, Marlena, MANTRA, Yoly Saa, Roger Padrós
Cuesta imaginar el pop-rock típico español triunfar, hacerse entender en el festival. El Sueño de Morfeo quedaron en muy mala posición. Sin embargo, es una de las apuestas de Benidorm Fest con la presencia de Angy, que ha despertado la simpatía del público por ‘Física o química’ o recientemente con la extraña ‘Dualidad’; o Noan, claramente inspirados en el pop-rock de los años 2000. Queremos pensar que, guitarras mediante, puedan atraer al fan medio de Olivia Rodrigo y Måneskin, pero dependerá del tema y de la apuesta en concreto.
Inspiradas por una canción justamente de Måneskin, Ana Legazpi y Carolina Moyano decidieron llamar a su proyecto MARLENA. La épica ‘RED FLAGS’ es su nuevo single tras el pelotazo de ‘Me sabe mal’, que suma más de 35 millones de streamings en Spotify.
Algo más pop, pero en el sentido Morat de la palabra, es el trío MANTRA, formado por Carlos Marco (ex Auryn), Paula Pérez y Charly Weinberg. Tienen cortes más country, otros más electropop y otros más latinos, por lo que cualquier cosa podría pasar con su propuesta.
En este punto podemos hablar también de Roger Padrós, que canta sus temas a menudo en catalán. ‘El Buit’ es un tema de pop-rock que se va creciendo a medida que avanza.
Cercana al punto anterior por temas de corte latino como la balada ‘Mal de altura’, y más al punto siguiente por temas más R&B como ‘Todo contigo’, Yoly Saa es una cantautora gallega asentada en Madrid que ha escrito para gente como Luz Casal o Malú. Desconocemos si el tema tirará más hacia lo latino, la balada o el pop atemporal.
Sonido anglo: Sofia Coll, Quique Niza
Entre las propuestas que ya habían tenido cabida en JENESAISPOP, el R&B de Sofia Coll, a quien conocíamos por canciones como ‘Tú mente y yo corazón’ o ‘The Way You Make Me Feel‘. Esta última tuvo un remix en el que colaboró Rakky Ripper.
Quique Niza, en Spotify Quique González, viene del mundo del teatro musical. De momento apenas conocemos un tema entre la balada y el medio tiempo llamado ‘Ardo’, con algunos arreglos electrónicos. Con su selección, Benidorm Fest ha de estar pensando en las canciones de Holanda que se han viralizado en los últimos años.
SZA es la artista más nominada de cara a los próximos Grammy que se celebrarán el 4 de febrero. Su equipo ha estado muy hábil jugando con las diferentes posibilidades que ofrecen las subcategorías de R&B y rap. Lo que han hecho es presentar hasta 5 canciones diferentes del disco a distintas categorías. Así, además de ‘Kill Bill’ en Canción y Grabación del Año y ‘SOS’ obviamente en Álbum del Año, han conseguido colar lo siguiente:
-‘Kill Bill’ en Mejor Actuación R&B
-‘Ghost in the Machine’ con Phoebe Bridgers en Mejor Dúo de Pop
-‘Love Language’ en Mejor R&B Tradicional
-’Snooze’ en Mejor Canción R&B
-‘Low’ en Mejor Rap Melódico
-’SOS’ en Mejor Disco R&B Progressive
Pese a esta hazaña, Taylor Swift se posiciona como favorita. Phoebe Bridgers, Serban Ghenea y Victoría Monét han conseguido 7 nominaciones, una más que Taylor, que aparece igualada con otros artistas como Olivia Rodrigo, Jon Batiste, boygenius, Miley Cyrus y Billie Eilish. Sin embargo, todas las miradas están puestas en Taylor porque de hecho ya es la única persona que ha ganado 3 veces el premio a Disco del Año. Lo consiguió con ‘Fearless‘ (2008), ‘1989‘ (2014) y ‘folklore‘ (2020). La Academia tiene que decidir si le otorgan el 4º, mientras otros artistas absolutamente fundamentales para la cultura pop estadounidense como Beyoncé, Kendrick Lamar o The Weeknd no tienen ninguno. De manera extraña, los Grammys se quitaron ese tufo racista reconociendo en cambio el amable ‘We Are’ de Jon Batiste.
Ahora, la Academia se enfrenta a una nueva disyuntiva. De un lado, los Grammys tienen el riesgo de empezar a parecer el club de fans de Taylor Swift. Lucir como una swiftie más. De otro, sí que ha sido un gran año para una artista que ya estaba en la cima, y ahora suma los récords de recaudación con ‘The Eras Tour‘ e incluso con la película en que se proyecta en cines sobre el concierto. ¿Aunque lo ha sido gracias a ‘Midnights’? Pues no tanto.
El disco ha sido un enorme éxito comercial y de crítica. Mediatraffic estima que ha vendido 9 millones de copias en todo el mundo, una salvajada para los estándares de 2022 o 2023. Es el álbum más vendido de 2023 en el globo terráqueo. Eso sí, si nos ceñimos a Estados Unidos, ‘SOS’ de SZA fue más semanas número 1 del Billboard 200 y ha vendido algo más en el país de los Grammy, si bien ambos discos lucen igualados en popularidad en EE UU. Hasta el momento ‘SOS’ ha despachado 2.831.000 copias y ‘Midnights’ 2.796.000 unidades. Ambos álbumes superados por ‘One Thing at a Time’ de Morgan Wallen, que se acerca a los 5 millones de copias. Si los Grammy fueran un concurso de popularidad -que no deberían serlo en absoluto- ese disco sería el verdadero Álbum del Año, pero por suerte ni siquiera está nominado, más allá de en Mejor Canción de Country (‘Last Night’).
Sin embargo, la campaña de ‘Midnights’ se ha visto algo entorpecida por el propio autoboicot de Taylor, que ha programado este año hasta dos «Taylor’s Version» de viejos álbumes: ‘Speak Now’ en verano, y ‘1989’ en otoño. Entre esto y el viral de un tema viejo como fue ‘Cruel Summer‘, no queda más que una canción del disco ‘Midnights’ entre las 10 más escuchadas de Swift ahora mismo: el primer single ‘Anti-Hero’. Da la sensación de que, incluso hablando siempre de números monstruosos, ha faltado que más temas del álbum conquisten las listas de éxito por sí mismos. A falta de que ‘You’re On On Your Own, Kid’ se viralice en 2042 en el TikTok del futuro, los streamings de ‘Lavender Hze’, ‘Midnight Rain’ o ‘Karma’ superan los 500 millones, pero ninguna parece haber igualado el impacto cultural de ‘Blank Space’ o ‘Style’. El disco en sí no era revolucionario precisamente, y el público swiftie parecía demasiado ocupado convirtiendo en un nuevo éxito ‘Cruel Summer’, ‘Is It Over Now?’ o viralizando por enésima vez ‘Blank Space’.
Con 85/100 en Metacritic, ‘Midnights’ también tendría el respaldo de la crítica pese a las reticencias de algunos medios. Pitchfork lo puntuó con un 7/10 -como The Line of Best Fit- y lo excluyó de sus listas de lo mejor de 2022. Nada menos que el New York Times le otorgó un 5/10 asegurando que era “una concesión a la vieja y segura idea de Taylor Swift”. La web Sputnikmusic incluso lo suspendió. De nuevo, ‘SOS’ sería el favorito de la crítica con un 90/100 en Metacritic. Aunque el álbum no se editó a tiempo de llegar a las listas de lo mejor del año, pues se publicó en diciembre del año pasado, la nota más baja que encontramos para ‘SOS’ es el 6/10 que le dio The Observer. Ningún medio lo ha suspendido.
No son, sin embargo, los Grammy un reflejo de la crítica especializada más exquisita, como muestra el reconocimiento el año pasado de ‘Harry’s House’ de Harry Styles, un álbum notable, pero no mejor que ‘Renaissance’ de Beyoncé, con el que competía. Lucen últimamente los premios muy interesados en acercarse al público joven y más popero, y de ahí quizá el reconocimiento hacia Harry Styles, Olivia Rodrigo o Billie Eilish en los últimos tiempos. Sería extraño que en este caso se decantaran por Miley Cyrus u Olivia Rodrigo, pues la primera ha despuntado sobre todo en Singles y la segunda no ha superado el impacto de su debut. También está la opción de reconocer el talento más underground de boygenius, en una jugada que recordaría a los años de Beck, Mumford and Sons y Arcade Fire -más que al año Daft Punk-; y a Lana del Rey. Ojalá este fuera el caso, pues Lana es una de esas artistas que duele ver sin un premio AOTY. Ahí va un dato: el 41% de los lectores de JENESAISPOP cree que Taylor Swift triunfará en los Grammys, pero el 45% cree que merecería ganar Lana. Sin embargo, si los premios no reconocieron ‘Norman Fucking Rockwell‘, sería raro que se decantaran ahora por ‘Did You Know…?‘.
Parece que los ojos están puestos en la batalla SZA-Taylor y las primeras casas de apuestas sitúan a Swift en cabeza. Debe de ser por probabilidad. Cuesta imaginar a ese tipo de miembros de la Academia que siempre la votan, votar ahora por SZA, dado el estatus actual de Taylor Swift. El 4 de febrero saldremos de dudas.
Sobre ‘Nothing Lasts Forever’, el último de Teenage Fanclub, iba a escribir que es otro bonito disco más de los escoceses, etc. Lo que suena bastante condescendiente, la verdad. Pero después de que la canción final, ‘I Will Love You’ haya decidido instalarse a vivir en mi cabeza estos últimos días, he tenido que replantearme la crítica. No es solo “otro bonito disco de Teenage Fanclub”. Es otro bonito y memorable disco de Teenage Fanclub, sin condescendencias y sin que tengamos que apelar a su brillante pasado para disfrutarlo.
Teenage Fanclub hablan en su bandcamp sobre los temas: el final del verano, el sonido Laurel Canyon… “Norman Blake y Raymond McGinley descubrieron que estaban tocando los mismos temas, fue mera coincidencia”. Otro asunto es envejecer: “No somos personas extraordinarias, y las personas normales envejecen. Hay mucho que escribir sobre lo mundano”, explica Norman.
El marco atemporal por el que se suelen mover las canciones de Teenage Fanclub esta vez está muy anclado en el pop de los 60 y es más atemporal que nunca: este álbum podría ser de 1973 o de 1993, perfectamente. Las voces de Norman Blake y Raymond McGinley se entrelazan y es muy difícil adivinar de quién es cada canción, a no ser que mires los créditos. ‘Foreign Land’, el primer tema, rememora a los Byrds psicodélicos, gracias al delicioso fuzz de la guitarra con un levísimo toque de órgano y las melodías vocales. En las siguientes canciones, de preciosa y precisa factura, como es habitual, se les nota la pesadumbre, aunque contengan estribillos estupendos, como ‘Tired of Being Alone’ o ‘I Left the Light On’.
Pero a partir de ‘See the Light’ (la luz es otro de los temas sobre los que gira el ‘Nothing Lasts Forever’) hay un cambio aparentemente leve, pero definitivo. A pesar de que las voces sigan sonando tristonas, la energía instrumental convierte ‘See the Light’ en otra cosa, sobre todo el saxo que dibuja la base rítmica en segundo plano, discreto pero efectivo. Y de repente, en la segunda parte de la canción, cambia la atmósfera: hay más reprise y las voces de Blake y McGinley se animan. Y es justo ese cambio positivo de humor lo que infusiona el resto del álbum. Aunque el título sea “nada dura para siempre”, precisamente lo que anima el disco a partir de su cuarto tema es el Carpe Diem.
‘Falling into Sun’ tiene una magia estival aparentemente sencilla y de hondo calado, y un muy disfrutable puente creado gracias a un efecto entre voces sintéticas, órganos y un riff de guitarra proveniente de algún verano californiano eterno. ‘Self-Sedation’, a pesar del título, es una beatleniana declaración de amor, alegre y soleada, en que se dibuja el negro panorama del que Norman Blake se ha salvado gracias a la persona amada. ‘Back to the Light’ es un subidón, por la alegría que desprende su melodía, la fuerza que vuelve a otorgarle el saxo y sus coros, tan tópicos y, a la vez, tan efectivos.
Y claro, ‘I Will Love You’, la pieza más larga del disco: siete minutos. Una introducción morosa nos lleva hasta un estribillo infalible, atemporal y estupendo, de canción de autor de los 70. Un estribillo que esconde muestras de humor (y reivindicación): “te querré hasta que los fanáticos desaparezcan / después de haber pedido perdón por todo el daño que han hecho”. Al final, reaparece la melancolía: “Te querré hasta que los planetas colisionen”. Y, poco a poco, la canción se va apagando. Pero no hay que estar tristes: precisamente, este ‘Nothing Lasts Forever’ habla de las alegrías de la madurez, de saber que aún hay mucho presente a pesar de tener tanto pasado, de saborear lo que se tiene. De vivir.
La canción final de los Beatles, ‘Now And Then’, no ha pasado desapercibida en la industria musical. El legendario grupo ha decidido despedir su carrera con el lanzamiento de una canción que tenían en un cajón y que han podido finalizar para publicarla. Y el impacto de su notable recibimiento se ha visto reflejado en las listas de éxitos mundialmente, donde destaca España con su debut en el puesto 54.
Rozando el top 50 con una canción en inglés en una lista donde es muy difícil posicionarse si no es en español, los Beatles hacen que su ‘Now And Then’ sea la segunda entrada más fuerte de la semana en nuestro país. En el resto del mundo, destaca su número 1 en Reino Unido, el que es el 18º del grupo y su primero en 54 años. Esta hazaña también la ha repetido, sorprendentemente, en Alemania, mientras que ha alcanzado el top 5 en Irlanda, Países Bajos y Suiza. En Estados Unidos logra el número 1 si se tratase únicamente de ventas digitales, así como la séptima posición en el Hot 100.
El tema que en nuestro país ha privado a ‘Now And Then’ de ser la entrada más fuerte es ‘La Original’, colaboración entre Emilia y TINI que ha tenido un buen recibimiento en TikTok en su semana de lanzamiento. Esto la ha llevado a debutar en el 14 en la lista de singles española.
Por otro lado, la inteligencia artificial también hace su aparición (y no nos referimos a la ayuda que recibió ‘Now And Then’). Pese a las quejas de Bad Bunny y su enfado ante quienes escuchaban ‘Nostalgia’ de la ficticia discográfica Flow GPT, la canción entra directa al puesto 56. El tema imita con la IA las voces de Bad Bunny, Justin Bieber y Daddy Yankee, fingiendo cómo sonaría una colaboración entre el trío de artistas.
Por último, Chayanne entra por los pelos en la lista con su debut en el top 100 con ‘Bailando Bachata’, canción que fue publicada el pasado verano pero que se ha empezado a popularizar de manera discreta recientemente.
Tras su disco debut en 2022, The Smile está preparado para escribir un nuevo capítulo con ‘Wall of Eyes’. El álbum que sigue a su anterior ‘A Light For Attract Attention’ verá la luz el 26 de enero del próximo año y estará compuesto por 8 canciones.
‘Wall of Eyes’ ha sido grabado entre Oxford y Abbey Road Studios. Además, ha sido producido y mezclado por su colaborador anterior Sam Petts-Davies y cuenta con arreglos de cuerdas de la London Contemporary Orchestra.
El grupo ha aprovechado el anuncio para lanzar ‘Wall of Eyes’, el tema que abre y pone título al disco y que, aunque se trata ya del segundo adelanto que escuchamos (pues la séptima pista, ‘Bending Hectic’, salió en junio), sirve como carta de presentación del nuevo proyecto del grupo.
En la canción, The Smile vuelve a optar por un instrumental tranquilo que trate de enfatizar la producción, aunque sin esta vez conducir a los sonidos inquietantes que ponían fin a ‘Bending Hectic’. Ambas, no obstante, guardan en común su larga duración: ‘Wall of Eyes’ alcanza los cinco minutos, mientras que ‘Bending Hectic’ llega hasta los ocho.
El grupo también ha compartido, junto al lanzamiento de la nueva canción, el videoclip de la misma, que ha sido digirido Paul Thomas Anderson. Asimismo, ha desvelado que prepara una gira europea para marzo de 2024, con fechas en Reino Unido que incluyen Londres, Manchester y Glasgow.
Este es el tracklist de ‘Wall of Eyes’:
1. Wall Of Eyes
2. Teleharmonic
3. Read The Room
4. Under Our Pillows
5. Friend Of A Friend
6. I Quit
7. Bending Hectic
8. You Know Me!
Rufus T. Firefly ya no es la única banda que conoces del madrileño pueblo de Aranjuez. Bum Motion Club han publicado este mes un debut llamado ‘Claridad y laureles’, tras dos EP’s previos amparados en estilos como el shoegaze, el dreampop y, en menor medida, el post-rock. ‘April’ del primero y ‘Niebla’ del segundo están entre sus primeros pequeños éxitos.
‘Claridad y laureles’ ha sido presentado por el single ‘Casi un buen día’, en el que hablaban de «la inestabilidad, la precariedad, la inmediatez de la información y los sentimientos plásticos de usar y tirar». Es decir, el tema podría ser una referencia al tema de Los Planetas, pero esta canción no habla de fútbol, drogas y desamor:
«Algo no funciona
está lejos de estar bien.
(…)
Quizá sea el miedo
la autoestima o la ansiedad,
todo el peso por la espalda
de esta trampa generacional».
Ahora nos ha llamado la atención otro de los temas del álbum. ‘La muerte del mañana’ es nuestra «Canción del Día» para este lunes. El tema que abre el álbum tiene un protagonismo mucho más decidido de los teclados, y además suma un puente con un punteo en el que la referencia parece el indie pop de los años 80. My Bloody Valentine y nudozurdo pueden venir a la mente, pero también bandas más aptas para las masas, como La Dama Se Esconde.
El tema presenta una temática oscura, más abstracta, conteniendo la pregunta sin respuesta que da título al álbum: «¿Quién me dará claridad y laureles en la eterna noche?». Una estrofa suena más pesimista («el futuro castiga cuando todo está oscuro») que la otra («si los puentes colapsan (…) volvería a casa»), de la misma manera que los teclados ofrecen una visión más esperanzada que las guitarras eléctricas distorsionadas.
El título del tema no es que albergue mucha esperanza, pero la melodía claramente sí o, como mínimo, logra que esa «muerte del mañana» suene resignada y poética. También podría caber alguna connotación político-social: «antes morir que ser parte, que ser uno de ellos».
Bum Motion Club actúan el 17 de noviembre en Palma, y el 22 en la Sala El Sol de Madrid. En diciembre estarán en Santander (día 1), en Oviedo (día). El año que viene aguardan Vic, Barcelona, Zaragoza, Pamplona, Bilbao y Salamanca, de momento. Detalles, aquí.
Pedro Almodóvar ha escrito una nueva columna para El Diario. Esta vez ha elegido como tema la manifestación del PP convocada en cada plaza de capital de provincia del país, contra la inminente ley de Amnistía que previsiblemente aprobará el nuevo gobierno. La columna de Almodóvar versa sobre un paseo por la ciudad este domingo, con tintes por momento terroríficos («Y respiro a fondo, cuando estoy dentro de mi portal») y con cierto toque de humor (la señora que le sonríe y le dice «ten cuidado»).
Pero lo más llamativo es su párrafo dedicado a la presidenta de la Comunidad de Madrid, que ha declarado que España es «una dictadura». Critica Pedro el «estilo delirante y monótono de Isabel Díaz Ayuso, en el que además insiste en su idea “estrella” de que vivimos en una dictadura (ella no cae en que en una dictadura era imposible salir a las calles y llenar las plazas, a no ser que la manifestación fuera convocada por el poder franquista)».
Continúa Almodóvar: «En el barullo de su soliloquio he creído entender algo como que “devolveremos golpe por golpe”. ¿A qué golpes se refería Ayuso? No he llegado a entenderlo. Creo que Ayuso necesita un profesor de dicción, que sepa colocarle la voz para que sus discursos transmitan la épica tremendista que yace en sus palabras, de momento las palabras se le amontonan en la boca, de un modo caótico y monótono».
Pedro considera «masiva» la respuesta a la llamada del Partido Popular y califica a las personas que ve por la calle como «gente normal, enfadada pero no violenta». También apostilla: «Si tuviera que rodar una película que ocurriera durante los disturbios de los últimos nueve días en el cruce de la calle Ferraz y Marqués de Urquijo empezaría por un plano general de unos energúmenos lanzándole contenedores a la policía antidisturbios, entre bombas de gases lacrimógenos, que le daría a la escena un aire estilizado y onírico, movería hacia atrás la cámara para mostrar que la imagen está siendo vista a través de un agujero elíptico y al final del plano descubres que se trata de una bandera rojigualda, a la que le falta el contenido de ese agujero».
En la frase que da título al artículo, Almodóvar cuestiona la apropiación de esa bandera por una mitad de la población: «es mi calle. Y mi bandera».
La jornada del sábado en MIRA ha contado con dos nombres destacados: Mura Masa y Evian Christ. Los dos productores británicos han venido a presentar sus recientes lanzamientos discográficos, aunque con resultados desiguales.
A eso de las 19.30 arranca el set de Lanark Artefax, cuya mezcla de borrascas digitales y visuales estroboscópicos me recuerda vagamente a lo que suele ofrecer Alva Noto (o cualquier artista ligado al sello Noton) en sus directos. El set es por otro lado un viaje mucho más emocional de lo que parece en un primer momento.
A continuación, Aisha Devi ofrece un set de vocales y sonidos programados desde el ordenador que destaca por el componente extraño de sus visuales, que juegan con símbolos del hinduísmo tanto como exploran la idea misma de lo grotesco. La música de Aisha Devi puede sonar tan amenazante que sus violentas ráfagas de sonido reflejan el efecto del fuego y sus percusiones parecen golpeadas por auténticas bestias.
Alba Rupérez
El colorido ‘demon time’ de Mura Masa es un espectáculo de producción, pero Mura Masa no logra trasladarlo al directo de la manera más emocionante. A pesar de los esfuerzos de la cantante Fliss por animar el ambiente de todas las formas posibles, bailando, haciendo twerking, marcándose unas sentadillas cósmicas que ni Madonna o dejándose los pulmones, en momentos contados, como si fuera Whitney Houston, el set de Alex Crossan no termina de despegar.
Por un lado, el público no está demasiado familiarizado ni siquiera con las canciones más populares de Mura Masa, como ‘Firefly’. Es inevitable pensar que en Reino Unido la situación sería diferente. Allí, ‘Boy’s a liar’ habría hecho colapsar el recinto. Aquí, la emoción es menor. A duras penas una fan que tengo al lado canta ‘bbycakes’ con el entusiasmo que merece. Crossan, extremadamente reservado, desaparece detrás de las máquinas. Una segunda vocalista emerje y pide un aplauso para este “chico tan tímido y talentoso”.
‘Hollaback bitch’ insufla una necesaria energía en el ambiente, pero ‘tonto’ demuestra que los ganchos de Mura Masa pueden ser eso mismo, demasiado “ton ton tontos”, como dice la letra de la canción. La verdad que revela el concierto de Mura Masa en MIRA es que el festival parece ser otra cosa. Las sesiones electrónicas más libres de MIRA funcionan mejor porque no se apoyan en canciones de pop ajustadas a una fórmula y duración determinados.
Alba Rupérez
Por eso, el set de Evian Christ convence. Presentando ‘Revanchist’, su debut oficial después de 10 años de espera, Evian ofrece un set épico por las razones que no esperas: su sesión está marcada por la promesa continua de una liberación, una explosión, que nunca ocurre.
Las ráfagas de sintetizador de Evian Christ, tan afiladas, se dedican a construir tensión… y a dejarla en el aire en el momento en que parece va a explotar. Las bases rítmicas son muy escasas y, cuando aparecen, Christ les pone la zancadilla, las rompe, para que bailar de manera convencional nunca sea una opción ni una posibilidad.
El set de Evian Christ está marcado por la continua expresión de una promesa no cumplida. Es el trance como medio y como fin. Y funciona, deja al público de MIRA flotando, en suspensión. Y, de paso, se sale de la norma de lo que una sesión de tecno debe ser.
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