Renovamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional o en castellano. Abre la secuencia Sr. Chinarro con su guitarrero single recién publicado ‘Sexo, mar y sol’. Además, Sen Senra entrega ‘Aroma’, tema que ha venido presentando durante su gira por festivales, por ejemplo en Mallorca Live.
La medalla a mejor título se la lleva ‘Dame un beso, idiota’ de Íñigo Soler y GUINEU (foto), un tema que invita a a «actuar, a movernos, a bailar, rozarnos y encontrar los motivos por los que sonreír» a través de su acelerado ritmo de pop-rock bailable.
La sorpresa la da dani, que entrega un tema de sonido inesperado. ‘Lento’ incorpora arreglos que remiten al flamenquito chill-out de los 2000. Eso sí, con su manera suave de cantar, muy francesa, dani lleva el tema a su propio terreno. También sorprenden los matices psicodélicos y western de ‘Ojalá no sea verdad’, el nuevo single de Maren.
Más cosquillas provoca la producción de ‘No me dejan’ de Iusillón y Ganges, de influencias bossa. Y, hablando de producción, el genio del urban nacional ODDLIQUOR (que ha trabajado con Nathy Peluso o Alba Reche) entrega un tema de ritmo garage y atmósferas envolventes que nos hacen querer recuperar su formidable último álbum.
La playlist no puede quedar más variada con el hip-pop con guitarras acústicas de valverdina, el hyperpop acelerado de PEDRAXE, el bedroom-pop del chileno Rob Ram y el reggaetón de Ms. Nina con Marcianeke. Finalmente, pablopablo hace acto de presencia con uno de los temas destacados de su interesante debut.
The 1975 ha confirmado que su nuevo disco existe y que lleva el título de ‘Being Funny in a Foreign Language’. El grupo no ha concretado fecha de lanzamiento del álbum, pero sí del primer single, ‘Part of the Band’, que sale el 7 de julio. También han desvelado la letra de este tema a través de una imagen promocional publicada en sus redes.
En la letra de ‘Part of the Band’, Matty Healy recuerda los tiempos en que vivía sumido en su propia imaginación. Salía con una chica de las «fuerzas aéreas» y después imaginaba que era Rimbaud y que salía con un chico que era Paul Verlaine. La letra incluye referencias a varias drogas, a la cultura de la cancelación y al término «woke» y cuestiona la fina línea que separa el ego de la imaginación.
Por otro lado, The 1975 ha revelado la secuencia de canciones oficial de ‘Being Funny in a Foreign Language’ a través de cartas enviadas a sus fans. El disco incluirá 11 pistas, la mitad que el anterior. Los discos de The 1975 se han solido cerrar en torno a las 15 o 20 pistas, por lo que ‘Being Funny in a Foreign Language’ será el más conciso de todos.
‘Notes in a Conditional Form‘, el último álbum de The 1975, supuso un fracaso comercial para la banda que no logró sostenerse en listas. Sus continuos retrasos y cuestionables singles pueden explicar que el disco no funcionara comercialmente ni siquiera en Reino Unido, mercado principal de la banda. A día de hoy ninguno de sus singles sobrevive entre los 10 temas más escuchados de The 1975 en Spotify.
01 The 1975
02 Happiness
03 Looking for Somebody (To Love)
04 Part of the Band
05 Oh Caroline
06 I’m in Love With You
07 All I Need to Hear
08 Wintering
09 Human Too
10 About You
11 When We Are Together
R. Kelly ha sido condenado a 30 años de prisión por crimen organizado, abuso y tráfico sexual. El intérprete de ‘I Believe I Can Fly’ fue declarado culpable de estos delitos el pasado mes de septiembre, en un juicio que duró seis semanas.
Decenas de personas han testificado en contra de Robert Sylvester Kelly durante el proceso, entre ellas siete mujeres que han sufrido los abusos del cantante y que alegan continuar lidiando con los problemas psicológicos que estos abusos les han acarreado.
También han acudido a tribuna 45 testigos que han presentado «cientos de pruebas, incluidas pruebas escritas, grabadas en vídeo y grabadas en audio del abuso al que el acusado, con la ayuda de sus empleados y asociados, sometió a sus víctimas».
El miércoles, la juez Ann Donnely denegó el último intento por parte de la defensa de R. Kelly para absolver al cantante y, en su sentencia final, sintetizó que «el acusado fue acusado de usar su fama y su organización para atraer a jóvenes a relaciones sexuales abusivas: una empresa de crimen organizado que, según el Gobierno, duró unos 25 años».
La dura condena a R. Kelly se ajusta a la solicitada por la Fiscalía, que pedía una sentencia superior a los 25 años y una multa entre 50.000 y 250.000 dólares «a la luz de la gravedad de los delitos, la necesidad de que sirva como disuasión y la necesidad de proteger al público de nuevos delitos del acusado». La defensa, por contra, pedía que no superara los diez años refiriéndose a la «traumática infancia del acusado, incluidas las evidencias de una historia de abusos sexuales por miembros de la familia y no familiares».
La jueza declaró que el trauma sufrido por R. Kelly puede «explicar, en parte, lo que llevó a tu comportamiento, pero desde luego no lo excusa».
Tenemos que tener paciencia con los discos post-pandemia de los artistas: es normal que todos o casi todos tengan algo que expresar ante tan turbulento período de nuestras vidas, y que vayan llegando poco a poco, dosificados, en lugar de todos durante la misma semana o el mismo mes. Suelen tener mucho que ver además con nuestro propio sentir, por mucho que el tema a estas alturas esté ya muy visto, como es el caso. La idea de Foals ha sido grabar un disco en el que hablan de lo que han echado de menos la pista de baile. En muchos sentidos, ‘Life Is Yours’ es su álbum más pop y colorido en ese sentido, hasta hacernos olvidar sus momentos más rockeros y turbios para aproximarse más bien a gente como Two Door Cinema Club.
Ahora sus referencias expresas son gente como The Rapture y Caribou, y hasta puede que te acuerdes de Human League en los primeros instantes del tema llamado ‘Under the Radar’. Paradójicamente llegan a este sonido justo en el primer álbum que construyen tras la marcha de su teclista, Edwin Congreave, que ha dejado la música por un Grado en Económicas, al que parecen sustituir con un plantel de productores más variado que nunca, en el que figuran John Hill, Dan Carey, A. K. Paul y Miles James. Algunos de ellos han trabajado con nombres como Kae Tempest y Fontaines D.C., como es el caso de Dan Carey. Otros tienen un perfil más pop, como John Hill, al que lo mismo le da M.I.A. que Shakira.
Sin embargo, las tareas aparecen bien repartidas en pos de la coherencia interna y ha sido Dan Carey quien ha convertido la maqueta «lenta y aburrida de ‘2am‘», según las propias palabras del grupo, en algo mucho más divertido. Las ansias de bailar referidas son también muy perceptibles en ‘2001’, el tema en el que se han inspirado en ‘House of Jealous Lovers’. En él recuerdan los tiempos en que se mudaron de Oxford a Brighton, vivían todos juntos y solo pensaban en salir… que es lo mismo que les ha pasado en la pandemia. «Llevo esperando todo el día dentro, esperando por el cielo estival…»
También recuerda a The Rapture el single ‘Wake Me Up’, del que surgió una coda que ha terminado convertida en el tema que abre el álbum, ‘Life Is Yours’. Por ahí las guitarras y las baterías nos sitúan también a finales de los 70 y principios de los 80 y nombres como Chic, Talking Heads y Prince pueden venir a la mente ahora escuchando a Foals. Lejos los tiempos de ‘Spanish Sahara’, ¿verdad?
El registro les sienta muy bien, porque de hecho ya habíamos bailado de lo lindo con Foals, hasta el punto de que la espléndida ‘My Number’ -una de las mejores canciones de 2013– ha terminado siendo en verdad la canción más popular de toda la carrera del grupo, seguramente gracias a la fiesta que se solía formar siempre durante su interpretación en vivo. Y la gran pega es que ‘Life Is Yours’ viene a demostrar que no es tan fácil hacer buena música de baile durante un disco al completo, y el ánimo decae hacia la mitad con composiciones más anodinas como ‘Flutter’ o incluso con el desarrollo de algún tema que apuntaba más alto. Por suerte, todo remonta al final con el ritmazo de ‘The Sound’ y sobre todo el principio de ‘Wild Green’, donde no sé si se alcanza la maestría de Caribou, pero sí desde luego el nivel de unos Hot Chip.
Llamar Soccer Mommy a tu proyecto musical puede inducir a error. Es un nombre quizás naíf, quizás irónico, que retrotrae a punk pop y dulces melodías. Pero Sophie Allison, la persona tras el alias, ofrece un mundo personal oscuro y atormentado, aunque no exento de un humor esquinado. ‘Sometimes, Forever’, su ya tercer álbum, cuenta con nada menos que con Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never, como productor. La querencia por los sonidos de los 90 de Allison se hace más patente, así como una inmersión en las tinieblas de la mente, la angustia social y la zozobra de los sentimientos. Sophie nos atiende por teléfono para hablar sobre el álbum, la escritura de canciones y terrores ficticios y reales.
Tus influencias musicales vienen principalmente de los 90, y en este disco son aún más patentes. Especialmente se notan las de My Bloody Valentine o bandas de 4AD como Lush. Tú naciste en 1997. ¿De dónde vienen estas influencias? ¿Cómo te hiciste fan de estos sonidos?
Crecí escuchando todo tipo de música, pero también veía un montón de programas de los 90 cuando era pequeña, sobre todo mi serie favorita, ‘Buffy Cazavampiros’ que, claro, contenía mucha música de los 90. Pero cuando realmente me metí en esa música fue cuando empecé a ir al instituto: My Bloody Valentine, Slowdive, especialmente su disco ‘Souvlaki’… También Lush. Qué puedo decir… toda la música de los 90, empezando por el grunge, pasando por el rock alternativo, hasta a los cantantes… toda la música de esa época me parece realmente “cool”.
¿Crees que es tu disco más experimental hasta la fecha? Suena más oscuro, más duro que tus álbumes anteriores.
Sí, totalmente. Empecé a grabar este disco queriendo expandirme más, llevar más allá un montón de ideas que ya había usado antes. Y teniendo a Dan [NdR: Daniel Lopatin], sentí que era la ocasión perfecta para hacerlo.
En tus canciones es remarcable la diferencia entre la música y las letras, muy crudas en muchas ocasiones. ¿Crees que esta vez forma y contenido se han acercado más que en otros discos?
Uhm, es posible. En el pasado he escrito letras muy oscuras, con un sonido también muy oscuro. Pero esta vez creo que las canciones tienen letras mejores, con un sentimiento más intenso. También hay una bonita suavidad, belleza y ligereza. Algunas canciones tienen una ligereza… No exactamente una ligereza, pero un contenido tanto musical como lírico más suave, más emocional.
¿Cómo empezó la colaboración con Daniel Lopatin?
Me encantó trabajar con él. Es maravilloso. Empezamos a hablar de hacer este disco cuando yo todavía estaba escribiendo las canciones. La discográfica me propuso trabajar con él, yo ya era muy fan y él estaba interesado. Empezamos a hablar y a intercambiar ideas. Cuando terminé el disco, sentí que había estado en perfecta armonía con alguien que comprendía totalmente lo que yo quería, que estaba en mi longitud de onda, que me dio ideas para ir más allá, para llegar donde yo necesitaba estar.
Si pienso en Daniel, pienso en Oneohtrix Point Never y en sus producciones, especialmente las de The Weeknd. Tiene una fuerte personalidad. Sin embargo, escuchando el disco, parece que sea él quien se ha adaptado a ti, no al revés.
Sí, sí. Definitivamente. Amo su trabajo con The Weeknd, sus bandas sonoras y su trabajo en solitario. Pero él es simplemente un fan del rock como de otros géneros, así que se sintió feliz de probar sus ideas.
¿Y qué introdujo en tu música que no existiera antes?
Cogió todas sus ganas de experimentar y lo plasmó en hacer la música algo más electrónica, con sintetizadores, y la llevó al siguiente nivel.
«Toda la música de los 90 me parece realmente “cool”»
Leyendo las letras del disco, se siente como un diario. ¿Era esta la idea?
Hummm. No. No específicamente. Las canciones fueron escritas en momentos concretos, claro. Algunas se escribieron hace bastante tiempo. Me gusta sentir que las letras son una oportunidad para poner muchos de tus pensamientos y sentimientos en una página. Pero también me gusta añadirles algo de creatividad. Así que el disco no estaba pensado para ser leído como un diario. Pero es una idea bastante razonable porque, definitivamente, son un tipo de canciones muy confesionales y personales.
Uno de los temas que más aparece en el disco es la salud mental. Hay referencias a estados mentales y emocionales, a la depresión, al suicidio de Sylvia Plath… ¿Era para ti importante poner el foco, llamar la atención sobre este tema?
No era mi intención, realmente. No creo que no sea importante: pienso que es importante concienciarse sobre este tipo de cosas. Pero nunca ha sido mi objetivo. Simplemente, es que me gusta hablar, escribir, sobre cualquier cosa en que esté pensando o que esté sintiendo. Para mí no existe otro objetivo que, simplemente, escribir canciones.
«Esa sensación de que hay un asesino o algo acechando, de estar en el filo de las películas de terror… quería que estuvieran en el álbum»
Bueno, a los oyentes (y a los críticos) nos gusta creer que todas las canciones son autobiográficas. Sin embargo, leí en Stereogum que también te habías inspirado en películas de terror. ¿En qué películas concretamente?
No tenía ninguna película de terror concreta en mente mientras escribía el disco, pero sí que me encantan las películas de terror, y me encanta el sentimiento que te puede generar una buena película de terror como, por ejemplo, una energía gótica espeluznante. O esas en que hay un asesino o algo acechando, que generan sentimientos de ansiedad, de estar en el filo. O la sensación de que hay algo justo detrás de ti, trepando por tu espalda… Sin duda, quería conseguir esas sensaciones para algunas de las canciones.
Otro de los temas recurrentes del disco es la no permanencia de los sentimientos, de los estados emocionales. ¿Tus canciones pretenden, pues, capturar el momento, el sentimiento de un instante concreto?
Oh, bueno, depende. Para ser sincera, pienso mucho en canciones, en capturar esa versión concreta de un momento o un sentimiento que es efímero y que sabes que no durará. Hago eso muchas veces. Pero también hay canciones que tienen razones completamente diferentes, que son más para explicar una historia, hacer hincapié en algo o describir cosas sobre ti, para hacer un retrato de quién eres. Pero sí, hay muchas canciones que tratan de capturar un momento o un sentimiento.
¿Descartaste alguna buena canción porque entre el momento de la composición y el de grabación, cambiara tu sentimiento, tu punto de vista?
No creo. Me gusta suponer que hay veces que escribes para tratar de expulsar algo, para dejar atrás o aceptar algo. Pero hay otras veces que simplemente escribes porque tratas de capturar algo hermoso. O porque quieres hacer una canción que puedas bailar o cantar. Es divertido y emocionante, el amar escribir.
‘Unholy Affliction’ es probablemente la canción más experimental. Se entiende como una canción contra la industria o al menos contra la idea de la fama y la exposición en redes sociales.
Un poco ambas. Creo que la canción va de la lucha entre tus deseos personales, las cosas que amas y que te interesan y en las que quieres triunfar, contra las cosas que odias y que desearías no tener que hacer nunca más. Y en todas las posiciones en que acabas cuando consigues un tipo de éxito en el que no quieres estar.
Contra las redes sociales… Sí, contra la atención en general. Que la gente te trate diferente o las cosas que tienes que hacer por trabajo y que no son las cosas que amas, como venderte a ti misma, vender tu personalidad para intentar gustar más, conseguir más likes, cosas así.
‘newdemo’ en cambio es una canción social. Criticas la codicia de empresas y multimillonarios y hablas del cambio climático. ¿Es para ti un asunto importante?
Sí, es algo que me preocupa. Quise más bien crear un mundo futurista y fantástico, donde hay monstruos y maldad, catástrofe y apocalipsis. Y quise contrastar esta espiral de oscuridad con las ideas de esperanza. Pero sí: me preocupa el cambio climático. Todo el mundo debería preocuparse. Es un asunto muy importante. Y es difícil porque hay muchísimas industrias destruyendo por completo el planeta. Y a veces parece que te enfrentes a una fuerza imparable.
El pasado 24 de junio, el Tribunal Supremo de Estados Unidos ha revocado la sentencia Roe v Wade, que consagraba el derecho al aborto en el país, lo que ha sido un auténtico mazazo para todas nosotras. ¿Cómo te sientes al respecto?
Es horrible. Es una situación horrible. Un shock. Algo que, de alguna manera llevábamos temiendo mucho tiempo y que ahora está aquí. Y es terrible. Y te sientes en plan: “¿Qué más van a hacer ahora? ¿Qué más cosas vamos a perder?”. Están poniendo en riesgo la vida de muchas personas. Vamos para atrás, hacia algo mucho más horrible de lo que teníamos antes.
Hemos vivido dos años convulsos socialmente: la pandemia, el confinamiento, el final del gobierno Trump… ¿Cuánto de todo esto te afectó/inspiró a la hora de componer el disco?
No mucho, realmente. Por supuesto que todo esto me afectó, y que hay muchas cosas de mi vida que cambiaron, especialmente con la pandemia. Pero no creo que me afectara personalmente a la hora de componer. Fue más deprimente que inspirador. Muchos de estos temas sociales son terribles, y todo lo que quieres hacer es ver en qué puedes ayudar. Pero también es deprimente ver que hay pocas cosas que puedas hacer en estos casos. Así que no, no fue para mí ninguna fuente de inspiración.
Calvin Harris acaba de anunciar en sus redes sociales con un vídeo promocional la fecha de lanzamiento y la lista de artistas invitados de la continuación de ‘Funk Wav Bounces Vol. 1’, lanzado en el verano de 2017. ‘Funk Wav Bounces Vol. 2’ saldrá el próximo 5 de agosto y algunos de los artistas que estarán presentes en él son 21 Savage, Dua Lipa, Young Thug, Charlie Puth, Normani, Lil Durk, Halsey, Offset, Justin Timberlake, Swae Lee, Pharrel Williams y algunos más.
En el vídeo-anuncio que ha colgado el DJ británico también podemos escuchar un trocito de uno de los temas, presumiblemente el tema de Swae Lee, a quien se le escucha armonizar al principio del clip antes de la aparición de un psicodélico solo de guitarra. El único adelanto que hemos podido escuchar de este LP es ‘Potion’, la veraniega y sexual colaboración de Harris con Dua Lipa y Young Thug
La lista completa de artistas invitados está formada por 21 Savage, Dua Lipa, Young Thug, Stefflon Don, Chlöe, Charlie Puth, Pusha T, Shenseea, Tinashe, Normani, Lil Durk, Halsey, Offset, 6lack, Justin Timberlake, Coi Leray, Busta Rhymes, Donae’o, Latto, Pharrell, Swae Lee, Jorja Smith y Snoop Dogg.
Ayer por la noche en Barcelona se celebró La Orgullosa, la culminación del Día Internacional del Orgullo LGTBI, con un concierto multitudinario en el Anillo Olímpico de Montjuic. Algunos de los protagonistas esperados fueron Putochinomaricón, Maruja Limón y Samantha Hudson, pero la que nadie esperaba que se hiciese con el escenario fue la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau.
Durante el set de DJ de Samantha Hudson, con el que se daba fin a La Orgullosa, Colau se subió al escenario junto a todos los invitados y bailó y cantó y volvió a bailar orgullosa hasta que fue hora de irse. Le dio a todo: electrónica, el pop de Madonna, y hasta bailó el himno antifascista de ‘Por España’, de la propia Hudson. Ya para cuando la rave estaba llegando a su fin, Colau inclusó grabó un Tik Tok con Jorge Garay, conocido en la red social como @jeyjeygardi.
Ese mismo día, antes de la primera edición de La Orgullosa de Barcelona, Ada Colau colgó la bandera arcoíris en el balcón del Ayuntamiento de la ciudad para reivindicar que «la diversidad es la única normalidad» y para recordar La Orgullosa, describiendo la jornada como «un día de reivindicación para celebrar nuestros cuerpos y deseos diversos».
Metallica han cancelado el concierto que iban a efectuar hoy en Suiza, en el Frauenfeld Rocks, por un caso de COVID en la banda, a falta de cuatro días para actuar en Bilbao y de una semana para estar en el Mad Cool. El mítico grupo ha anunciado hoy a través de redes sociales la cancelación del show suizo, pero no ha dado más información respecto a las fechas próximas. Un caso positivo de coronavirus en Metallica podría poner en peligro sus conciertos en el Bilbao Bizkaia Rock Day el 3 de julio y en el festival Mad Cool en Madrid el 6 de julio.
Este viernes 1 de julio, dos días antes de su show en San Mamés, Metallica tendría otro concierto en el festival Werchter de Bélgica. Según un comunicado en Twitter, el equipo del evento ha confirmado que están «en contacto con el equipo de Metallica» y que estos «tienen la esperanza de tocar este viernes en el Werchter».
#Update A quick note as many of you reach out to us. We are in contact with @Metallica's team. They are hopeful to play at Rock Werchter this Friday.
Según Live Nation, la organizadora del Bilbao Bizkaia Rock Day, siguen trabajando para que todo vaya tal y como estaba previsto. El 3 de julio, Metallica será la banda principal del evento, compartiendo cartel con Weezer, The Hellacopters, Nothing But Thieves y The Regrettes.
Os hablamos sobre Franc con motivo del lanzamiento de su single ‘La festa de la teva mort’. El cantante y compositor barcelonés lleva unos años en activo como miembro de varias bandas pero ha sido, este año, cuando ha arrancado su carrera en solitario.
Tras pasar de cantar de inglés a catalán, Francesc Abril está desarrollando un sonido más sofisticado que el de sus primeros sencillos con el apoyo de la comunidad musical Acqustic y, si ‘La festa de la teva mort’ apostaba por un tipo de folk-pop atmosférico cargado de detalles, su nuevo single es igual de envolvente o más.
‘Tot el que no va passar’ («todo lo que no pasó») es una de las novedades que has podido escuchar este fin de semana en «Ready for the Weekend«. En él, Franc se deja querer por las mieles del llamado lounge-pop o sophisti-pop, aquel supuesto género musical al que asociamos a artistas como Sade o, recientemente, Westerman. Nubes de sintetizador, delicados punteos funky, melodía serena… ‘Todo lo que no pasó’ es un tema diseñado para reconfortar, objetivo al que también aspira su letra.
En ‘Todo lo que no pasó’, Franc se dirige a una persona que se siente insegura de sí misma para ayudarle a encontrarse mejor. El título parece aludir a aquellos pensamientos que nos crean miedo y nos paralizan y, en el estribillo, Franc sugiere la necesidad de buscar «un plan para vaciar, todo aquello que no pasó». Un plan para dejar ir esos miedos.
Pero no es tan fácil. La persona a la que se dirige Franc «no puede respirar» y lucha contra una «fuerza que no (le) deja ir». Sin embargo, él llega para cantarle cosas bonitas y renovar su energía. «Naciste en las flores», «paso a paso, pisa bien fuerte», «vuelve a volar», «confía en ti, y en todo lo que haces» son algunas de las frases que deja la canción, sin olvidar lo malo, porque «la vida es bonita pero a veces hace daño».
Pablo Drexler es uno de los artistas que se están cubriendo de gloria durante la gira ‘Sin cantar ni afinar‘ de C. Tangana. Le has visto, por ejemplo, cantar ‘Bizarre Love Triangle’ con voz procesada en el tramo final del concierto. Casualmente, la parte de Pablo en la gira de ‘El Madrileño’ da una pista de lo que encontramos en su debut largo.
¿Cómo ha llegado Pablo a la gira de Pucho? Pablo es hijo de Jorge Drexler, con quien C. Tangana colabora en ‘Nominao’ y en ‘Tocarte‘. Es en las sesiones de composición de esta segunda canción cuando Pablo comparte estudio con Antón por primera vez. El autor de ‘Todo se transforma’ necesita a un ingeniero de urgencia porque su ingeniero de confianza está ausente, y le propone a Pablo asumir el rol. Él acepta. Ya en el estudio con Pucho, en un momento en que este se ausenta, Pablo empieza a componer una canción al piano. Pucho la escucha, le gusta, y le sugiere publicarla oficialmente. El resto es historia.
‘Azul Zafiro’ fue el primer single que dio a conocer el artista conocido por el alias de pablopablo, un tema intimista, recogido, que devaneaba entre el piano de salón, las armonías corales de los años 50, el autotune cristalizado y las ilusiones electrónicas del primer James Blake. Todo ello para contarnos la historia de un amor al que Pablo vuelve una y otra vez, «como una ola».
El debut de pablopablo sigue la misma línea pero suma matices nuevos. Por ejemplo, la pócima de beats electrónicos, palmas, efectos de cuchillo y voces enturbiadas de ‘Números rojos’ da lugar a un tema que trae a la mente inevitablemente ‘El mal querer’ de Rosalía. Por otro lado, ‘Perfume’ directamente usa un beat próximo al reggaetón, eso sí, deconstruido a su manera.
El sonido de pablopablo es nítido como el cristal, pero la combinación de melodías de piano impresionistas y voces enturbiadas con efectos vocales -mientras su voz suena en primer plano- produce una sensación de desacoplamiento, como si la música fuera en realidad un reflejo. Hay que aplaudir a pablopablo por haber sido capaz de desarrollar una visión musical tan específica y clara en su primer disco.
Ese mismo impresionismo da lugar a canciones emotivas pero modestas, que se conforman con ocupar un espacio de expresión honesta y experimental. Destaca, por ejemplo, la preciosa ‘París’, que suena como un serpentwithfeet perdido en el mar (esa voz trémula), y también ‘Mandala Place’, muy obviamente inspirada por Blake en el tipo de sintetizadores que despegan, en el uso excitante del procesamiento vocal y, por supuesto, en el hecho que no deja de ser una canción de pop-soul clásica en el fondo.
‘pablopablo’ es un álbum bonito, hecho con gusto y mimo, que reconfortará a quien se deje abrazar por sus sonidos acuáticos y resplandecientes. Las letras contienen un punto lorquiano («pregúntale al mar por qué en tu cueva de ácido revolotea mi nombre») aunque a veces pueden caer en comparaciones extrañas como «son las 2 pero ya no tengo ganas de salir, me rajaste los planes con tu piel de bisturí». Sin embargo, Pablo puede presumir de haber cultivado su propio sonido que se sitúa a medio camino entre Blake y el piano español, ya en su disco número uno.
Río Babel es otro de los inminentes festivales que vuelven este verano tras dos años de parón. «Babel» se celebra en la Caja Mágica los días 30 de junio y 1 y 2 de julio y el cambio de recinto tiene que ver con que el festival casi triplica las asistencias respecto a su última edición, celebrada en 2019. JENESAISPOP puede confirmar que, este año, Río Babel acogerá a 60.000 personas a lo largo de tres días, frente a las 25.000 que se dejaron caer en su última edición.
Son varias las razones que explican el crecimiento de Río Babel. Por ejemplo, en el cartel encontramos nombres tan potentes como los de Residente, un Dani Martín entregado más que nunca a la vida festivalera, Zahara o, por supuesto, C. Tangana. Nadie se quiere perder la gira de ‘El Madrileño’ pero se da la circunstancia que Antón fue el primer cabeza de cartel confirmado de Río Babel -en septiembre de 2021- cuando dicha gira ni siquiera había empezado, ni nadie sabía lo que se avecinaba.
‘Sin cantar ni afinar tour’ daba su pistoletazo de salida en febrero de 2022, habiendo agotado entradas en Madrid y Barcelona a horas de su lanzamiento. Es más que probable que, quienes se quedaron sin entradas para ver a C. Tangana en el Wizink Center de Madrid, corrieran raudos y veloces a la web de Río Babel para asegurarse una nueva oportunidad de asistir a la gira por fin. Sin embargo, C. Tangana no es, ni mucho menos, la única razón por la que valdrá mucho la pena asistir a «Babel» este año.
Residente
Cada single nuevo que lleva publicando Residente de un tiempo a esta parte ha sido un absoluto evento. De la emotiva ‘René‘ pasamos a su tema contra J Balvin y de este, a su respuesta a ‘This is America’ de Childish Gambino. En todo caso, el rapero portorriqueño ha dado que hablar. No cabe duda, por tanto, que su concierto como «headliner» en Río Babel es uno de los más esperados, tanto como ese nuevo disco que lleva años preparando, y que se espera para algún momento de 2022.
C. Tangana
La gira de ‘El Madrileño’ ya ha pasado por varios festivales como Sónar o Mallorca Live, lo que no significa que haya perdido ni un poco de gracia. A cada nuevo pase del show queda más claro que C. Tangana está haciendo historia. Por su ópera latina se pasean cantantes y guitarristas invitados, un barista con muchas ganas de fiesta y varios litros de alcohol, todo ello rodado en formato de película «blockbuster». Quien se la pierda se va a arrepentir el resto de sus días.
Zahara
Tras publicar en 2021 el disco del año, Zahara se enfrenta a una gira diferente: la PUTA Rave llevará las canciones de ‘PUTA‘ a un formato más bailable y electrónico que conecta directamente con el concepto de uno de los singles del álbum, ‘berlin U5’. El tema acaba de ser reeditado con la participación de Alizzz, otro artista entregado a la decadencia de la noche (y del día siguiente), y podrá encontrarse en la reedición del álbum que verá la luz el 23 de septiembre y que contará con ilustres artistas invitados.
Molotov
Uno de las cabezas de cartel que mejor representa la línea editorial de Río Babel, festival que suele hacer hincapié en las músicas populares latinoamericanas, es Molotov, banda mexicana que lleva cerca de 30 años en activo y que hará una única parada en Europa dentro de su gira mundial, en el festival madrileño. El grupo presentará clásicos de su repertorio tan trascendentes como ‘Frijolero’ o ‘Gimme the Power’, y se espera que también empiece a desgranar las canciones de su nuevo álbum. Será el primero en cinco años.
Tanxugueiras
El paso de Tanxugueiras por Benidorm Fest ha supuesto que el trío de cantareiras se haya convertido, casi de la noche a la mañana, en reclamo principal de un festival como Río Babel. Sin embargo, el grupo lleva muchos años en activo tocando por todo el mundo, por lo que su éxito ha sido paulatino. El éxito de ‘Terra’ en listas ha allanado el camino también hacia el nuevo álbum de Tanxugueiras, que sale el 29 de julio. ‘Seghadoras’ es su single más reciente.
Dani Martín
Pocos habrían adivinado, hace unos años, que Dani Martín sería cabeza de cartel de festivales como SanSan y que, además, su concierto dejaría tan buen sabor de boca recordando los éxitos de El Canto del Loco. Pero sí, Martín es un «performer» consumado y su confianza y seguridad férreas encima de las tablas solo pueden ser motivo de admiración. Ayuda, claro, que su público recuerde clásicos como ‘Insoportable’ como si hubieran salido ayer. En Río Babel no cabe duda que volverá a sorprender a los presentes.
Parov Stelar
Pondrá un punto electrónico y bailable en Río Babel el concierto de Parov Stelar. El proyecto de Marcus Füreder ha triunfado gracias a hits de electro-swing como ‘Booty Swing’ u ‘All Night’ y, por supuesto, también gracias a sus divertidos directos. Este año presentará en vivo un nuevo álbum llamado ‘Moonlight Love Affair’ que salía el pasado mes de abril.
Macaco
No es la primera vez que se deja caer por primera vez Macaco. El autor de ‘Coincidir’ (su tema más popular hoy muy por encima de ‘Moving’), tan entregado a la fusión de sonidos como el reggae, el funk o las músicas hispanoamericanas, presentará en el festival nuevo álbum, ‘Civilizado como los animales’, que incluye colaboraciones de Niño de Elche, Raül Refree, Jorge Drexler o Silvia Pérez Cruz. Por si fuera poco, su último single cuenta con la participación de Ana Mena y Bejo.
Rayden
Otro de esos artistas cuyo paso por Benidorm Fest siempre recordaremos, en su caso, también, porque básicamente llevó una de las mejores shows del evento con la vivaz ‘La calle de la llorería’, es Rayden. El rapero de Alcalá de Henares visitará Río Babel para traer a Madrid la gira que celebra sus 20 años de carrera, en la que se espera que presente también las canciones de su reciente trilogía de discos, ‘Homónimo’ (2021), ‘Sinónimo’ (2019) y ‘Antónimo’ (2017).
Carolina Durante
Con solo dos discos en el mercado, Carolina Durante se ha convertido en el grupo de toda una generación. En Río Babel desgranará las canciones de su notable álbum ‘Cuatro chavales‘, también las del primero y también aquellos hits que no cupieron en aquel debut, pero que hoy son indispensables.
Esta semana se cierra el ciclo #KeepWalking de Johnnie Walker, dedicado a talentos emergentes, con dos últimas paradas: hoy 29 de junio Confeti de Odio actúa en el Tempo Club de Madrid y mañana jueves 30 lo harán Sevilla Distorsión en el Theatro Club Málaga de Málaga. Podéis conseguir las entradas aquí.
Confeti de Odio, autor de ‘Tragedia española‘, uno de los mejores discos de 2020, ya ha avanzado 2 singles del que será su segundo largo, en primer lugar la compleja ‘El malo final’, extendida hasta los 5 minutos de duración, y este mismo mes ‘Estrella’, representante de la faceta más pop de Confeti de Odio. Ejerce hoy como «Canción del Día» en JENESAISPOP.
Dominada tanto por guitarras en modo quintas, como por unos teclados de sintetizador tipo New Order, ‘Estrella’ suena como la típica canción de ánimo y afirmación hacia alguien en su estribillo: «Eres una estrella, eres un héroe del pop, hago lo que quieras, con tal de que cantes tu canción».
Sin embargo no lo es, pues como advierte la nota de prensa, el tema está tan «cargado de ternura como de cinismo», esto último más que presente en las estrofas de la canción, en verdad llena de dolor y rencor: «No es a mí a quien pides fuego / me sobra con ser tu cenicero / Te regalo mis pulmones / para que fumes más». Otro tema contagioso en la carrera del autor de ‘Muchísimo’ y ‘Hoy será un día horrible’, a la par que abierto a las dobles lecturas. Algo a lo que contribuye su vídeo de ritos mágicos y superstición, que Lucas Vidaur abre con una venda en los ojos.
Baz Luhrmann es una figura extraña en Hollywood, un director que ha sabido complementar su extravagante estilo con enormes presupuestos, trabajando con estrellas de primera línea desde su segunda película ‘Romeo + Julieta’ en 1996 hasta hoy. El cine del australiano no es para todos los gustos, y sin embargo, se las apaña para encontrar, generalmente, una cálida acogida del público medio. ‘Elvis’ es su sexto largometraje, tras su incursión fallida en el terreno televisivo con ‘The Get Down’, y si alguien podía hacer un biopic del rey del rock and roll, este era, sin duda, Baz Luhrmann.
La película narra el ascenso y caída del mito manejando dos puntos de vista, el del propio cantante y, sobre todo, el de su mánager, un personaje de moralidad cuestionable que descubrió a Elvis y estuvo representándolo a lo largo de toda su carrera. Este último está interpretado por Tom Hanks, con kilos de maquillaje detrás, en la que es una de las decisiones menos acertadas de la película, ya que su interpretación en muchas ocasiones se queda en la caricatura. Sin embargo, Austin Butler sorprende con una recreación de Presley no tan preocupada por imitar al milímetro a su icónico personaje, sino comprometida siempre en expresar lo que suponía ser él.
Como cabía esperar, ‘Elvis’ está plagada de los excesos marca de la casa. Excesos que siempre son un arma de doble filo en la filmografía de Luhrmann, y esta no es una excepción. La cinta recoge lo mejor y lo peor de su cine, ofreciendo en ocasiones un espectáculo vívido y lúcido de los mitos americanos y, en otras, simplemente ahogándose en su propia desmesura.
El director, por fortuna, se empeña en no caer formalmente en las fórmulas del biopic busca-premios, siendo especialmente solvente en las partes en las que se muestra lo que supuso Elvis para una sociedad americana que estaba despertando. En la secuencia más brillante de la película, y una de las mejores que haya filmado el director nunca, Elvis está a punto de ser descubierto por su mánager mientras actúa para un público reducido, antes de ser famoso. Cuando comienza a hacer sus particulares movimientos pélvicos, todas las chicas enloquecen progresivamente. Aparte de ser una escena realmente divertida, es la representación perfecta del comienzo de la libertad sexual femenina en una sociedad opresiva.
Sin embargo, cuando el guion se centra en la vida personal de Elvis, la película se viene abajo, principalmente porque choca con ese intento de escapar de lo convencional que la puesta en escena ofrece. Al final, ‘Elvis’ acaba siendo víctima de ese convencionalismo y de la superficialidad de las biografías de Hollywood. Un personaje como Priscilla, el gran amor de Elvis, podría haber sido desarrollado con mucha mayor precisión, pero no se profundiza en absoluto, desperdiciando la buena interpretación de Olivia DeGonje. También, su excesivo metraje, que supera las dos horas y media, resulta un lastre, principalmente por el empeño de filmar actuaciones completas que no aportan demasiado más allá de agotamiento en el espectador.
Luhrmann ha creado una obra absolutamente suya en la que los fans de sus anacronismos musicales (aquí tan pronto suena Elvis Presley como Doja Cat) y su extravagancia visual a buen seguro encontrarán aspectos interesantes en la narrativa de la película. En cambio, los que detesten su cine, mejor que ni se acerquen pues van a encontrar más de lo mismo. ‘Elvis’ es Baz Luhrmann en estado puro con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva. Celebremos, eso sí, que haya directores haciendo superproducciones de Hollywood con tanta personalidad como él.
Hudson Mohawke regresa oficialmente para anunciar su próximo álbum, ‘Cry Sugar’, que saldrá el 12 de agosto en todas las plataformas. El anuncio llega junto con los dos nuevos singles, ‘Cry Sugar (Megamix)’ y ‘Bicstan’, más un caótico visualizador para el primer de estos, dirigido por kingcon2k11.
En ‘Cry Sugar (Megamix)’, Hudson toma varias partes del álbum completo para ofrecer una ventana a la paleta sónica completa del proyecto antes del lanzamiento. De este próximo LP, Mohawke ha revelado que está profundamente inspirado por «partituras de películas apocalípticas y bandas sonoras de todos» y ha citado los «acordes mayores del John Williams de los 90» como una de las numerosas influencias del disco.
Hudson Mohawke lanzó su último álbum en septiembre de 2020, titulado ‘Airborne Lard’, como parte de una serie de tres proyectos que lanzó entre agosto y septiembre de ese año. Las dos entregas anteriores llevaban el nombre de ‘Poom Gems’ y ‘B.B.H.E.’.
Es uno de los grandes lugares comunes del audiovisual musical: el rapero multimillonario que hace un vídeo rodeado de “su gente”, dándose un baño de multitudes callejero porque “no olvida de dónde viene”. Benito Antonio Martínez Ocasio viene de una familia de clase obrera de Puerto Rico. Y así empieza ‘Tití me preguntó’: con una evocación de su infancia, cuando su “tití” (tita) le preguntaba cuántas novias tenía.
Bad Bunny tiene muchas. O de eso presume en el vídeo. También de que no se le caen los anillos por ir al súper Juanitos a comprar algo de beber (en taxi, eso sí), o a cortarse el pelo en una pelu de barrio (ya le arreglará el estropicio su estilista) rodeado de simbología portorriqueña y con una señora medio desnuda amenizando la espera de los presentes.
Por medio de un montaje muy dinámico, con mucho corte brusco y mezclando todo tipo de recursos formales –barridos, acelerones, vídeo en baja definición, foto fija, selfies-, el cantante perrea-perrea con sus fans por las calles de Nueva York, como si fuera un portorriqueño de barrio más.
La última parte del vídeo es la más narrativa. A Bad Bunny lo secuestran. Pero no para pedir un rescate millonario, sino para que deje de mariposear y se case como dios manda: en el altar y con su novia, la mocatriz Gabriela Berlingeri, que baja de los cielos cual Inmaculada Concepción. Aunque también admite otra lectura: Benito, deja de hacerte el chico de barrio, que te vas a casar en una mansión señorial vestido con un traje de firma. Como diría su tití: “¡que te doy chancletazo!”.
El fenómeno K-Pop de BLACKPINK se acaba de convertir en el primer acto musical en llegar a la marca de los 75 millones de suscriptores en YouTube. Ya en septiembre de 2021, la agrupación de Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa superó a Justin Bieber como artista con más suscriptores de la plataforma, superando la marca de los 65,5 millones y destronando al canadiense.
Por aquel entonces, BLACKPINK dieron las gracias a sus fans por ayudarles a conseguir ese logro y prometieron continuar trayendo «positividad y energía a través de los vídeos». En estos momentos, Bieber sigue en segunda posición con 69,3 millones de suscriptores acumulados. En tercer lugar BTS le pisa los talones con unos 68,7 millones. En el resto del Top 5 están Marshmello y Eminem, con 55,4 y 52,5 millones de seguidores respectivamente.
Tras su debut en 2016, BLACKPINK se convirtió en el primer proyecto de K-Pop en llegar a los 20 millones de suscriptores en marzo de 2019. Un poco más de un año después, en julio de 2020, se convirtieron en el sexto acto musical en llegar a los 40 millones, para llegar a lo más alto del ranking en septiembre del año siguiente. Otro sorprendente récord del que pueden fardar es que en noviembre de 2019 se coronaron como el primer grupo de K-Pop en llegar a los millones de reproducciones en un videoclip, en el de ‘DDU-DU DDU-DU’, ahora cerca de los 2 mil millones.
La tercera y última jornada de Mallorca Live cae en domingo, lo cual supone que pierda la noción del tiempo pues rara vez un festival termina en el día de descanso. Estoy seguro que mucha gente se quedó hasta el final del evento… pero también que mucha gente abandonó barco sin disfrutar del DJ set de Justice, ni mucho menos del de The Blessed Madonna, esa persona a la que solo llaman para que pinche en torno a las 4 o 5 de la mañana. No estoy seguro, lo sé: después del concierto de Muse salió mucha más gente del festival que cualquiera de los dos días previos.
A la «peña resacosa de domingo» dedicaron Biznaga una de sus canciones, ‘Domingo especialmente triste’. Desconozco cuán cansada estaba la audiencia que se había plantado en Mallorca Live a eso de las 20.00 de la tarde para disfrutar de la última jornada de festival, pero los autores de ‘Bremen no existe‘ lo dieron todo, especialmente su cantante Álvaro García, que bramaba al micrófono con la fuerza de un auténtico líder generacional… aunque, por alguna razón, sospecho que él no se identificaría con esta denominación. García no cantaba las canciones de Biznaga, las sentía en lo más hondo de su ser, y canciones como ‘La escuela nocturna’ de repente cobraban nueva vida. Con varios integrantes vestidos de blanco, el grupo bromeó con que los «Backstreet Boys nunca defraudan» y, siguiendo con la línea popera capitalista, García agradeció al público haberse pasado por su concierto «entre tanta oferta a la carta». Finalmente animó a la gente a «juntar sus cuerpos sudaditos» antes de los conciertos que se avecinaban.
Otro de los reclamos del día fue Guitarricadelafuente, que trajo a Mallorca Live su propuesta folclórica millennial. Sobre el escenario los músicos de Álvaro tocaban contrabajo, cajas de percusión, guitarras… mientras el autor de ‘La cantera‘ devaneaba entre cantar de pie o sentadico en un taburete pequeño de esos que has solido ver acumulando polvo en el patio de la casa de tu pueblo. A Álvaro Lafuente no le vino grande el escenario principal del festival mientras interpretaba canciones como ‘La Filipina’ o ‘Agua y mezcal’ para un público ensimismado con su voz y melodías de guitarra. Vestido con una camiseta azul de Adidas ajustada y un pantalón tejano de campana de tiro alto, Guitarricadelafuente no dudó en pedir ánimos del público y supo aunar presente y pasado en un set que logró poner los pelos de punta con ‘El conticinio’, que sonó incluso más emotiva al ser coreada por los presentes.
Xavi Torrent
Muchísima más timidez sobre las tablas transmitió Sen Senra, a quien rara vez -o nunca- le verás interactuar con el público… o siquiera mirarlo de frente. Cuando Cristian Senra apunta la mirada hacia la audiencia se nota (o es mi impresión) que no está mirando a nada ni a nadie en concreto. El destino de su mirada es el horizonte. Eso sí, sus canciones llegan al corazón -cromado o no- aunque al concierto le cueste arrancar motores. El público recibe mucho mejor sus canciones más recientes que las incluidas en su primer disco largo, aunque a Senra le toca en Mallorca un público complicadillo, al menos, desde mi posición, que no puede dejar de mantener conversaciones súper importantes ni siquiera desde las primeras filas cuando el artista ya está tocando.
El set arranca simbólicamente con ‘Nos dará alas’, la canción que «dio alas» a la carrera de Sen Senra hace unos años. El gallego visita ‘Sensaciones’ varias veces durante el show -para algo es su primer disco- pero es a partir de ‘Tumbado en el jardín viendo amanecer‘ -su composición más épica y ambiciosa- cuando la audiencia empieza a responder con verdadero entusiasmo. Un entusiasmo que se mantiene en ‘Globo‘ y ‘Perfecto’ y que llega a su clímax con la interpretación de ‘Ya no te hago falta’, tristemente enturbiada por el sonido del concierto que Metronomy están ofreciendo en el escenario de al lado. Una pena porque es su canción más popular y también la más íntima: merecía algo mejor. Mallorca deberá, en el futuro, mejorar el problema de sus solapes de sonido.
Quienes no tienen en absoluto ningún problema de sonido precisamente son Metronomy. Los de Joseph Mount suenan crespos y nítidos como de costumbre, mejor que cualquier otra banda que haya visto, a excepción, quizá, de LCD Soundsystem. Tan nítidos suenan que ciertas líneas de piano o sintetizador incluso las puedes visualizar en la mente. Vuelve a ser espectacular verlos en acción, ocupando todo el escenario, que es enorme, y llenando el festival con sus alegres temas de pop electrónico, como ‘Everything Goes My Way’ o la pegadiza ‘Right on Time’. En algunos casos suenan a los The Cure de ‘Head on the Door’ actualizados, por lo que no me extraña toparme con varias camisetas de The Cure durante el show de Metronomy, casualmente. Vivir ‘The Look’ en directo, con tan buen sonido, con unos músicos tan contentos de estar ahí, es una de las experiencias más agradecidas del festival. También lo es ver mareas de gente cantando y bailando sus canciones en la pista, muestra de que un mundo mejor es posible.
Xavi TorrentAsistir a un concierto de Muse es esperar un espectáculo ambicioso e impresionante que no va a dejar indiferente. Los de Matt Bellamy son conscientes de que su audiencia exige espectacularidad, un montaje inolvidable, y eso es exactamente lo que los británicos llevan ofreciendo desde hace varios años. Aún tengo clavado en la memoria el arranque de su gira de 2009 con ‘Uprising’, durante el cual los integrantes de Muse emergían desde tres torres que proyectaban imágenes del concierto.
Más de una década después debe ser una locura presentarse a las reuniones donde se decide qué va a pasar en el próximo concierto de Muse. No me quiero ni imaginar las ideas que se han descartado. Las que sí han llegado a flote son varias y muy buenas, aunque quizá no estén tan bien aprovechas como quepa esperar. Preside el escenario una corona de fuego que reproduce las siglas de ‘Will of the People‘ y que es espectacular, pero que es retirada enseguida del escenario. Los integrantes de Muse aparecen vestidos como en el vídeo de la citada canción, con máscara y capucha, pero no tardan en descubrir sus rostros ya en la siguiente. Y solo en el tramo final del concierto emerge una efigie gigante que reproduce esa misma cabeza enmascarada y encapuchada que vemos por doquier en el vídeo de ‘Will of the People’. La estatua se mueve de un lado a otro e impresiona, pero da la sensación que sale demasiado tarde.
De un punto al otro del concierto suceden varias cosas. Las pantallas reproducen los esperados visuales de ese Matt Bellamy convertido en un Ozymandias moderno que emerge desde las arenas del desierto varios siglos después. Desde el escenario una lona gigante reproduce la imagen de esas mismas arenas, delante de la cual tocan Muse canciones de toda su discografía. Es un concierto largo pero Muse lo dinamizan de diversas maneras. Por ejemplo, hacen repetido uso de los típicos lanzallamas y, en un momento que no se repetirá, salen disparados desde el escenario chorros y chorros de tiras kilométricas de papel de colores que parecen sacados de la portada de ‘The 2nd Law‘. Es tan inesperado este disparo de confeti que casi me da un infarto, pero me calmo cuando observo, desde la pista, a una mujer usándolos para bailar gimnasia rítmica, completamente sumida en su mundo.
Matt Bellamy, una persona por la que no parecen pasar los años, actúa varias veces desde la pasarela, y él mismo vuelve a convertirse en un personaje de ficción cuando aparece en el escenario con una especie de teclado/sintetizador que le abraza el antebrazo (como si fuera un brazo biónico), y una chaqueta que emite luz. Llama mucho la atención el outfit de Matt, tanto que cuando devuelves la mirada a la estatua gigante instalada en el escenario descubres que, de repente, su gigante mano sostiene un explosivo de dinamita casi igual de grande.
En cuanto al repertorio, además de los clásicos esperados, Muse consiguen que suenen a hit otros temas como ‘Compliance’ o ‘Won’t Stand Down’, recuperan ‘Nishe’ de su EP de 2000 ‘Unintented’, refrescan al personal con la electrónica de ‘Madness’, y no hacen nada de caso a su próximo disco, que sale en agosto. Claro, la gente no está familiarizada con él aún. Por tanto, Muse se entregan a la «voluntad del pueblo» y le da exactamente lo que quiere.
‘Tití Me Preguntó’ sigue liderando la lista de singles semanal de nuestro país. El hit de ‘Un Verano Sin Ti’ hace que Bad Bunny lidere el ranking por séptima semana consecutiva.
Polimá Westcoast y Pailita protagonizan la mayor subida de la lista respecto a la semana anterior, ascendiendo desde el puesto 17 al número 9 con ‘ULTRA SOLO’ tras estar ocho semanas en lista. En el Top 10, ‘Tarot’, la colaboración de Bad Bunny y Jhay Cortez que tanto recuerda a ‘DÁKITI’, sube al puesto 6, desplazando a ‘PROVENZA’, de Karol G, al séptimo puesto.
El single que ha entrado con más fuerza en la lista es ‘Las 12’, la anticipada colaboración electro-pop entre Ana Mena y Belinda. La versión en español de ‘Mezzanotte’ se ha quedado a las puertas de debutar en el Top 20, apareciendo en el puesto 21.
Pasando la mitad de la lista, en el número 59 ha entrado ‘NASA’, de Camilo y Alejandro Sanz. El último single debutante es ‘Tremendo Culón’, el dembow de Bad Gyal, que se ha posicionado en el número 92 de la clasificación. Por otro lado, vuelven a entrar en lista ‘La Inocente’, de Mora y Feid, y el exitazo de Duki y KHEA de 2017, ‘She Don’t Give a Fo’. Revisitan la lista en los puestos 73 y 95, respectivamente.
Bad Bunny se mantiene en el número 1 de álbumes en España con ‘Un verano sin ti’, en el que promete ser el disco más popular del año salvo sorpresa esta Navidad.
El disco deja en el puesto 2 ‘Mimétika’ de Mónica Naranjo, que en este caso no puede repetir el número 1 logrado por la artista en numerosas ocasiones. Mónica ha sido número 1 en España con ‘Minage’, ‘Tarántula’, ‘Lubna’, ‘4.0’ o ‘Mes Excentricités vol. 1‘. Este nuevo número 2 sabe a ‘Palabra de mujer’ que quedó en dicha posición retenido por ‘Más’ de Alejandro Sanz durante meses, pero al menos puede decir que fue un sleeper de proporciones bíblicas. Además, Mónica sí ha arañado el número 1 en vinilos con ‘Mimétika’.
En nuestro país, Drake queda en el puesto 6 con ‘Honestly, Nevermind’, una posición exacta a la conseguida en las vecinas Francia e Italia y alejada del número 1 logrado en Estados Unidos. El disco ha sido top 2 en Reino Unido.
Otra entrada interesante es la de ‘A Light for Attracting Attention’ de The Smile, la nueva banda de Radiohead, que llega al puesto 16 en España coincidiendo con su edición física. De hecho, es número 4 en vinilos. Este lanzamiento ha sido número 3 en Holanda, número 5 en Reino Unido, número 6 en Alemania y número 19 en Estados Unidos.
Otras entradas en la lista son ‘El grito del hambre’ de Parabellum en el 17, ‘En una sola palabra’ de Demarco Flamenco en el 21 y ‘Life Is Yours’ de Foals en el número 74 (número 24 en vinilos).
En cuanto a la subida más fuerte, corresponde a Luz Casal. Su concierto con La Real Filharmonía… pasa del 48 al 11 gracias a su edición en vinilo. En su momento, llegó a ser número 5 por la edición CD.
Kase.O ha anunciado que dejará los escenarios por un tiempo indefinido a partir de marzo de 2023, cuando concluye su actual gira con Jazz Magnetism (la página web del rapero solo incluye fechas hasta noviembre de 2022), la cual le acaba de traer a Mallorca Live.
En Twitter, el zaragozano ha comunicado: «Aunque es súper bonita la energía que me dáis, acuso un gran agotamiento físico, mental y espiritual. Por ello he decidido que a partir de Marzo, cuando acabe la presente gira, me retiraré un tiempo indefinido de los escenarios. Lo necesito». El artista da las gracias «a tod@s los que ya habéis traído vuestro amor y disfrutado con nosotros esta gira».
Kase.O había dado pistas sobre su parón, aunque entonces no las supiéramos ver. Durante su recital en Mallorca Live, el autor de ‘El círculo’ confesó a la audiencia no encontrarse en su «mejor momento a nivel personal». Sin embargo, el artista se enfrentó su concierto con intención de «rapear mejor que nunca», y agradeció el entusiasmo de su público.
Javier Ibarra Ramos lleva casi 30 años en activo. Se dio a conocer en 1998 al formar parte de Violadores del Verso, con la que publicó siete discos, y después emprendió su carrera en solitario. ‘El círculo’, su disco de 2015, obtuvo un Disco de Oro y fue nominado a un GRAMMY Latino. En 2021 lanzó con SFDK una de las mejores canciones del año, la divertida ‘Ringui Dingui‘.
Javiera Mena ha publicado este mes un anticipo del nuevo álbum que sacará el próximo mes de septiembre. Se llama ‘La isla de Lesbos’, lo cual seguramente pienses que era una canción que ya existía en la carrera de Javiera, si bien el nombre de aquella canción no era ‘La isla de Lesbos’ en realidad sino ‘Espada’.
Bromas aparte, esperar que Javiera Mena solo tenga un himno lésbico en su carrera es como pedirle a Bad Bunny o a Drake que sólo tengan uno hetero, es decir, lesbofobia. Motivo por el cual aprovechamos hoy el aniversario de las revueltas de Stonewall para reivindicar la existencia de esta grabación. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Javiera Mena ha explicado el tema de la siguiente manera: «Quisimos estrenar este video en luna llena para estar bajo esta energía con la que las mujeres nos sentimos tan conectadas. Somos influenciadas por la luna, personas intuitivas y en línea con el cosmos”. En cuanto al sensual videoclip, Javiera explica: “La isla de Lesbos es una experiencia premium que pocas veces se ve asociada al mundo lésbico. Quisimos presentar a las lesbianas como un grupo de profesionales de alta calidad. La idea no era ponerlas en una gruta, con telas, mientras se tocan entre ellas. Es algo más real: una fiesta de lesbianas donde todas se conocen”.
Es además una llamada a la diversidad en toda su realidad, como explica la directora Michelle Gualda, que ha querido reunir aquí a mujeres muy diferentes, no hegemónicas: “Las lesbianas para el consumo son mujeres jóvenes y hegemónicas; para nosotras fue importante poder mostrar diversidad. Mujeres más grandes, mujeres bisexuales. Es como reapropiarse del término lesbiana y ensalzarlo. Decir «somos lesbianas, mira qué buena está ‘La isla de Lesbos’, una fiesta en la que también te gustaría estar”.
‘La isla de Lesbos’ es una producción de carácter tropical de Javiera Mena. Más que una continuación de la noventera ‘Culpa’ con que se presentaba a Eurovisión por España en el Benidorm Fest, o uno de sus temas más electro, supone un regreso a los ambientes y percusiones de sus temas más playeros, como ‘Sufrir’ o ‘Luz de piedra de Luna’. No habría factor sorpresa, pues, en esta canción que grita «obvia» por todos lados… de no ser porque realmente no se había hecho antes. Busca «Isla de Lesbos» en Spotify… y Spotify te sugerirá escuchar una canción de Enrique Iglesias con Juan Luis Guerra (???)
Conocimos a Cristina Quesada entre ukeleles y casiotones en un EP y posterior LP debut editados por Elefant y ya descatalogados. Su tercer disco, ‘Dentro Al Tuo Sogno’, continúa el camino del segundo ‘Think I Heard A Rumour’, que ya grabó junto al autor y productor Joe Moore, muy querido por estos lares por su proyecto de culto The Yearning.
‘Dancing Tonight’ del álbum anterior apareció en la banda sonora de ‘Élite‘ y por tanto en las correspondientes playlists, lo que ha dado a Cristina Quesada su pequeño hit. Este nuevo álbum continúa esa misma senda italodisco, pero sin sobresalto alguno, ni siquiera necesidad de desperezar. Las composiciones son tranquilas y no llegan a explotar, aunque por momentos alguna como ‘Take Me In’ parezca que vaya a hacerlo en clave HI-NRG. Estamos ante un italodisco quedo y lineal que no tiene tanto que ver con los guiños sintéticos en los últimos años de un The Weeknd, sino más bien con conceptualistas tan ajenos a la comercialidad como Sally Shapiro.
En este nuevo álbum no hay composiciones de La Bien Querida ni Single como en el anterior, sino que son todas de Joe Moore y la propia Cristina Quesada, lo cual produce una obra mejor unificada y concisa. ‘Estar a tu lado’ -muy BienQue- y la popi ‘Bailar conmigo’ fueron dos curiosidades en la carrera de Cristina. Sin embargo, ‘Dentro Al Tuo Sogno’ opta por un ejercicio más puramente italo, con guiños constantes a Moroder y Cerrone, desde la intro instrumental; tanto, que hasta hay temas en italiano y una canción con forma de declaración de amor a Italia, idónea para los fans de este país que queden tras el éxito de la derrumbadora novela ‘La ciudad de los vivos’.
Cristina Quesada continúa entregando eficientes composiciones en inglés, como es el caso de ‘Why Don’t You Call Me?’, ‘The Only One’ y ‘Take Me In (To Let Me Go)’, alguna de las cuales podría haber sido un hit en la época dorada de Saint Etienne, si bien su registro resulta más original y encantador en su idioma materno. Así lo prueban ‘Ya nada es igual’ y sobre todo ‘Primavera’. Extendiéndose sin ninguna prisa hasta casi los 5 minutos de duración, es una preciosa recreación en el género musical al que aluden, en la que la belleza de pianos y sintetizadores está por encima de cualquier urgencia. Un himno primaveral que utiliza su propia calma para escapar de la «oscuridad» y la «ansiedad», como se propone.
El sábado el madrileño Paraíso Festival, centrado en la música electrónica, celebró su 2ª y última jornada. Sumando viernes y sábado se contaron 16.200 asistencias, adivinamos que unas 6.000 o 7.000 el viernes y 9.000 o 10.000 el sábado, cuando se percibió el festival mucho más lleno sin que se registrasen más incidencias que la inexistencia de tinto de verano desde primera hora del primer día. Alguien debió de repartir una botella por barra y ya. Que todo sea eso, en cualquier caso, pues algo ha debido de hacerse bien cuando no se nos ocurre otra pega que ponerle a la logística del festival, bien nutrido de áreas de descanso y barras. ¿Quizá algún baño más para las chicas?
El cartel del sábado nos trajo la variedad que habíamos demandado el viernes, comenzando por lo que pudo ser el concierto más rupturista de las dos jornadas. Natalia Lacunza está segura de que las producciones derusowsky son el futuro y después de ver su actuación, podemos entender por qué lo piensa, con su punto bueno y su punto malo. Para mal porque escondido tras un pañuelo atado a la cabeza, tipo Doña Rogelia, rusowsky no desplegó tanto carisma sobre las tablas. Solo la presencia de Ralphie Choo y en algunos temas de un animadísimo Barry B mantuvo el show arriba, llevando al público a bailar, a agacharse y saltar, etcétera. Para bien, porque los miles de personas que se desplazaron a la Complu tan pronto como a las 7 de la tarde para ver a rusowsky, seguramente comulguen con la idea de que ese carácter retraído y tímido es parte de la gracia, el adecuado para su música, de alguna forma vinculada con el bedroom pop y el DIY. Aunque decir eso es quedarse corto.
El DJ de rusowsky no fue el mejor técnicamente, ni calificaría su música como «futurista» exactametne, pero sí hay algo diferente e inquieto en su capacidad para atravesar géneros musicales de una canción a otra o incluso muy a menudo dentro de la misma canción. No faltan piezas maravillosas en su clasicismo, como la mágica ‘Dolores’; tampoco la que considera su grabación favorita, ‘Mwah :3’, con un pequeño beat de reggaetón. Pero lo que realmente puede marcar la música de 2030 es su falta de prejuicios y entrega a un repertorio que tan pronto contiene drum&bass como hyperpop, como R&B, como funky, resultando en una especie de post-todo en el que cabe cualquier cosa excepto rock’n roll. También se desafían los tempos y las estructuras: algunas pistas apenas parecen sumar 1 minuto de largo, lo cual significa que nunca tienes tiempo de aburrirte en un show en el que hacia el final ‘VALENTINO’ ejerce de gran celebración.
Chico Blanco, junto a su DJ, quien también se animó a hacer algunas tomas vocales, apareció mucho más concentrado en los beats 90’s, y eso que también sonaron los ritmos latinos de su ‘Bachata’ junto a Soto Asa. Pero en verdad su concierto sonó como una celebración de los ritmos house, que habría ido mejor adentrada la noche. La imposibilidad de seguir las letras -demasiado interpretadas hacia dentro o en un volumen demasiado bajo- nos hace intuir que de momento lo de Chico Blanco lucirá mejor en un club tipo Razzmatazz o Apolo, que en el escenario más grande que había en todo el festival, lo cual es lógico pues este es uno de los artistas que no ha podido desarrollarse en vivo aún al haber surgido casi a la vez que la pandemia. Mención especial para la gran cantidad de público LGTB+, no binarix, etcétera, vista en estos 2 primeros conciertos de la tarde, generando un ambiente similar al del «finde marica» del Primavera Sound.
Todo lo contrario de lo que le ocurrió a Baiuca, con graves problemas de visibilidad en el Escenario Jardín, más bien pensado en principio para las sesiones de DJ’s. En su caso, la visibilidad nula de lo que estaba aconteciendo en el escenario dificultó la conexión con el repertorio del artista, que contaba con sus momentos puros, aderezados por dos cantantes en representación de la tradición gallega, y otros más bailables que nos recuerdan que sí, lo suyo es un set de música electrónica también, en concreto uno en la línea de la folktrónica primigenia de Four Tet. Las primeras filas parecieron comulgar; para las últimas fue muy difícil.
Mientras Bradley Zero, inmediatamente antes de Baiuca, había decidido terminar su set en ese mismo Escenario Jardín con una gran fiesta de samba y ritmos brasileños, Kamma & Masalo convirtieron el mismo espacio en una gran fiesta disco en la que no faltó el clásico ‘I Feel Love’ de Donna Summer ligeramente adulterado. Fue la cumbre de un fin de semana que había recogido numerosos clásicos de finales de los 70 y principios de los 80 en el mismo escenario que ni el Shazam quiso reconocer. Es la gracia de una sesión, que sea capaz de producir momentos únicos e irrepetibles (cuando no se suben las sesiones tipo Boiler Room al correspondiente canal de Youtube).
Si fue habitual escuchar música disco en las sesiones del Escenario Jardín, el Escenario Club mantuvo su gusto por el techno y el house durante todo el fin de semana, y también con el set de John Talabot B2B Pional. Dos de los talentos más internacionales de nuestro país -uno de Barcelona y otro de Madrid, para mayor gracia- que aportaron un poquito de variedad introduciendo sutiles notas de clásicos del pop, sin dejarlos apabullar en todo su esplendor. ¿Lo mejor? Ese cruce de unas pocas notas de ‘Papa Don’t Preach’ de Madonna con unas pocas notas de ‘Billie Jean’ de Michael Jackson. Una actuación muy comentada en las redes oficiales del festival, que lo defiende como un B2B histórico, con sus haters en busca de más tralla por un lado o sutileza por el otro, y sus fans pidiendo que la sesión sea compartida en Soundcloud.
Había pedido variedad en las sesiones de última hora, y Flaca nos la dio pinchando todo el latineo procedente de las calles durante los últimos tiempos. Tras una sobredosis de techno, house y música disco, ya se echaba de menos un poco de perreo, y la noche y el festi lo cerramos hasta que nos echaron, con su divertidísima selección de Bad Gyal, Bad Bunny, Daddy Yankee, Lorna…
Los Premios BET 2022 se entregaron este domingo y estuvieron marcados por la reciente decisión de la Corte Suprema en Estados Unidos sobre el aborto, con varios presentadores referenciándolo en sus discursos, y por la celebración de la carrera de uno de los artistas más importantes de la historia del hip hop, Puff Daddy. Lizzo abrió la velada con su hit ochentero, ‘About Damn Time’, y de esta manera dio comienzo la celebración anual de la excelencia negra en música, cultura y deporte.
El premio a Mejor Artista Femenina en R&B/Pop se lo llevó Jazmine Sullivan, autora de la mixtape ‘Heaux Tales’, lanzada el año pasado. En la versión masculina del mismo premio el ganador, no de forma sorprendente, fue The Weeknd. Los ganadores a Mejor Artista de Hip Hop fueron Megan Thee Stallion y Kendrick Lamar, cada uno con su respectiva versión del premio.
Bruno Mars y Anderson .Paak han triunfado totalmente como Silk Sonic, recibiendo el premio a Mejor Grupo, gracias a su último proyecto colaborativo, ‘An Evening With Silk Sonic’, el cual también fue galardonado como Álbum del Año. Estos también se llevaron a casa el reconocimiento a Mejor Vídeo del Año, por ‘Smokin Out The Window’, y .Paak también fue nombrado Mejor Director de Vídeos del Año. Una noche de estrellas para el nuevo dúo.
Finalmente, ‘Essence’ de Wizkid, Justin Bieber y Tems se llevó el premio a Mejor Colaboración y Latto salió de la gala como Mejor Nueva Artista. Para los más cinéfilos, Will Smith y Zendaya fueron nombrados Mejor Actor y Mejor Actriz, por ‘King Richard’ y ‘Spiderman: No Way Home’ respectivamente.
El público de la velada pudo disfrutar también de las actuaciones de Fireboy DML, Giveon, Muni Long, Chance The Rapper (con Joey Badass), Ella Mai (con Babyface y Roddy Ricch), Chlöe Bailey, Doechii, Kirk Franklin & Maverick City Music, Latto (con Young Dirty Bastard y Mariah Carey) y Jack Harlow (con Brandy y Lil Wayne). Antes de recibir el premio por toda una carrera de éxito, Sean ‘Diddy’ Combs protagonizó un medley de más de 10 minutos con sus mayores canciones y con invitados de la talla de Mary J. Blige, Lil’ Kim y Busta Rhymes.
