dani, la artista que nos cautivó en plena cuarentena con el pop colorido de ‘veinte‘, su breve pero interesante debut, publica su nuevo disco hoy mismo. ‘Posdata’ ya está disponible e incluye los cinco singles que han venido adelantando el proyecto, entre ellos el destacado ‘Ceras rosas’.
La mayoría de temas de ‘Posdata’ están producidos por Aaron Rux, fiel colaborador de dani, a excepción de ‘Códigos’ y de ‘Nubes’. El primero recoge la firma de InnerCut y, el segundo, de Juan Izquierdo, y es la Canción Del Día de hoy.
‘Nubes’ es el enésimo single extraído de ‘Posdata’ y acompaña al lanzamiento del disco. Es un divertido tema de corte disco-pop y tecno-pop que invoca a Carlos Berlanga. En palabras de Daniela Díaz Costas, una canción «muy personal» en que «quise plasmar que, de la ilusión que trajo consigo el inicio de una nueva etapa, después se pueden llegar a vivir desilusiones grandes».
El tema habla de la ilusión de conocer un nuevo amor («no puedo esperar a que llegue mañana, que las nubes hablan para verte, otra vez desde mi ventana»), solo para cambiar de opinión al final, en busca de la propia independencia: «No puedo esperar a que llegue mañana… y mandarte a la mierda y hacer, esta vez, lo que me dé la gana», canta la gallega.
El videoclip de ‘Nubes’, dirigido por Silvia Coca, juega con esa misma dualidad: dani está a punto de casarse (por la boda se dejan caer sus amigas mariagrep y Kimberley Tell) pero opta por «mandarlo todo a la mierda», en una huida gore pero liberadora.
Os dejamos con la agenda de conciertos de dani, vía Girando por Salas:
16 febrero -León, EL Gran Café (GPS)
17 febrero – Oviedo, Tribecca (GPS)
23 febrero – Toledo, El Pícaro (GPS)
24 febrero – Granada, Aliatar (GPS)
17 marzo – Palencia, Universonoro (GPS)
21 abril – Tarragona, Sala Zero (GPS)
1 julio – Vida Festival
9-13 Agosto – Festival Sonorama
Karol G ha anunciado que su nuevo álbum ‘Mañana será bonito’ verá la luz próximamente. El cuarto álbum de la colombiana llegará dos años después de ‘KG0516‘, que incluía hits como ‘TUSA’ con Nicki Minaj, ‘BICHOTA’, ‘Ay DiOs Mío!’ o ‘EL MAKINON’.
Es de esperar que formen parte de ‘Mañana será bonito’ los singles que Karol G ha lanzado en los últimos meses. Hablamos de ‘PROVENZA‘, una de las mejores canciones de 2022, y también de ‘GATÚBELA‘ y ‘CAIRO‘.
La fecha de lanzamiento de ‘Mañana será bonito’ no se ha revelado de momento. Carolina Giraldo sí ha estrenado el tráiler del disco, que muestra a la cantante llamando a un número de teléfono en busca de apoyo emocional. Llega a una centralita infantil y le contesta un niño que le sugiere que haga cosas para sentirse mejor, como cantar ‘La Jeepeta’ o llamar a Santa Claus para que le traiga carbón y hacer un asado.
En una breve entrevista con Rolling Stone, Karol ha contado que el título de ‘Mañana será bonito’ proviene de una frase que se repetía a sí misma cuando se encontraba mal anímicamente. Cuenta que, aunque todo iba bien en su carrera, personalmente se sentía «desconectada de mí misma y de mis amigos, no era infeliz pero tampoco feliz, y cada día me decía a mí misma que mañana sería bonito».
La colombiana también ha explicado que ‘Mañana será bonito’ ha tardado en llegar porque quería que fuese perfecto. «Cada día encontraba pequeños detalles que quería cambiar o repensar». Entre las artistas involucradas en el proyecto se encuentra Carla Morrison. Así lo ha confirmado ella en Instagram.
Con solo tres largometrajes, el director iraní nacionalizado danés Ali Abbasi (tiene vetada la entrada en Irán) se ha convertido en uno de los cineastas más prometedores del actual cine europeo. Abbasi se dio a conocer en 2016 en el festival de Berlín y Sitges con el curioso filme de terror psicológico ‘Shelley’ (disponible en Filmin). Dos años después pegó la campanada con su bizarra fábula fantástica ‘Border’ (Prime Video), ganadora de la sección Un Certain Regard de Cannes y nominada a la mejor película europea de 2018 (también fue nominada al Oscar por su maquillaje).
Aunque no lo parezca por su temática, en su tercera película, Abbasi sigue muy ligado al cine de género. ‘Holy Spider’ recrea un caso real ocurrido en la ciudad santa de Mashhad, la capital espiritual de Irán (obviamente no está rodada allí). En 2001, un fanático religioso y veterano de guerra mató a 16 prostitutas por considerarlas depravadas e impuras. A pesar de lo horrible de los hechos, una parte de la sociedad defendió al asesino por juzgar que estaba haciendo “limpieza” en nombre de Alá, como un inquisidor islamista, un Jack el destripador evangelizador.
Misoginia, machismo, fanatismo religioso, pobreza… El director pone sobre la mesa todos estos temas para denunciarlos (el régimen iraní emitió un comunicado acusando al filme de “haber insultado las creencias de millones de musulmanes”). Pero no lo hace siguiendo los códigos narrativos y estilísticos del drama social o judicial, sino los del cine de asesinos en serie. Más que indignación, ‘Holy Spider’ provoca terror. La música inquietante, los ambientes urbanos degradados y nocturnos, la tensión narrativa y, sobre todo, unos asesinatos tan gráficos y sórdidos como el más sucio de los slashers neoyorquinos ochenteros, como ‘El asesino del taladro’ (1979) o ‘Maniac’ (1980).
Esta sorprendente mezcla de referentes, a la que hay que añadir a David Fincher (la periodista protagonista, obsesionada con identificar al asesino, recuerda al de ‘Zodiac’), puede desactivar un poco su discurso político, incluso ser algo problemática moralmente: ¿es ético denunciar un caso real de feminicidio recreándose visualmente en los asesinatos? Sin embargo, como thriller de psicokillers la película funciona de maravilla. Toda la primera parte, articulada a través de dos líneas narrativas paralelas, es hipnótica y escalofriante, con un crescendo dramático que explota en una secuencia magnífica, llena de tensión y angustia, gracias también a la interpretación de la pareja de actores protagonista.
‘Holy Spider’ ganó en Cannes el premio a la mejor interpretación femenina (magnífica Zar Amir-Ebrahimi, actriz que huyó de Irán ante la amenaza de ser condenada a 10 de prisión y 99 latigazos por filtrase un vídeo sexual) y ha entrado entre las 15 preseleccionadas al Oscar a mejor película internacional. Lo tiene complicado junto a favoritas como ‘Argentina, 1985’ (ganadora del Globo de Oro) o ‘Decision to Leave’ de Park Chan-wook, premiado en Cannes. El 12 de marzo saldremos de dudas. De momento, desde hace un par de semanas, podemos ver el último trabajo de Abbasi como director: ‘The Last of Us’ (HBO), la nueva serie de Craig Mazin, creador de ‘Chernobyl’.
Ya conocemos quiénes van a ser los jueces que puntúen las 18 canciones que sonarán en Benidorm Fest. A pesar de haber sido anunciado como el portavoz del jurado profesional, finalmente Nacho Cano ha sido sustituido por Nina, exdirectora de la Academia de OT. Al parecer, la caída de Cano de la plantilla se debe a «que el éxito de su musical ‘Malinche’ le impide asistir a Benidorm durante toda la semana». Las semifinales se celebrarán los días 31 de enero y 2 y 4 de febrero.
Respecto al resto del jurado nacional, estarán Irene G. Valiente, periodista de Radio 3, y José Juan Santana Rodríguez, presidente de OGAE Spain. En el ámbito internacional, RTVE ha elegido a Tali Eshkoli, jefa de la delegación israelí; Nicola Caligiore, jefe de la delegación italiana en Eurovisión hasta 2019; Katrina Leskanich, vocalista de la banda Katrina & The Waves y ganadora de Eurovisión 1997; Christer Björkman, responsable del Melodifestivalen hasta 2021; y William Lee Adams, fundador y director de Wiwibloggs.
El sistema votación de Benidorm Fest 2023 será igual que en la primera edición: el 50% estará en manos del jurado, mientras que la otra mitad será decidida por el público, que a su vez se dividirá a partes iguales entre el televoto y el jurado demoscópico. En caso de empate, ganaría la actuación con más nota por parte del jurado profesional.
Debería estar prohibido comenzar una crítica musical hablando de la edad de un artista, pero no puedo evitarlo: a los 80 años, yo quiero ser como John Cale. El que fuera miembro de la Velvet Underground mantiene más de medio siglo después el nervio artístico y la inquietud por el mundo que le rodea. Cuenta en Billboard que después de haber pasado en décadas pasadas por la adicción a los «Eminems, Dres y Snoops», ahora los ha cambiado por Earl Sweatshirt, Tyler the Creator y Vince Staples. Considera a Kendrick Lamar un «poeta magistral».
En lo lírico, el auge de la ultraderecha está en su punto de mira, pues no hay que olvidar que este ‘MERCY’ que publica esta semana, es su primer largo en 7 años. Su proceso creativo se ha ido dilatando por la pandemia, lo que se traduce en que esta es su primera obra desde ‘M:FANS’ (2016), desde que Donald Trump llegara al poder (principios de 2017) y desde el Brexit (2020). Como artista nacido en Gales pero identificado con la cultura underground de Nueva York, está claro a qué se refiere en su nueva canción ‘TIME STANDS STILL’, cuando recuerda «la grandeza que tuvo Europa, ahora hundida en el barro». John Cale se nos presenta en este álbum como un hombre desesperado contemplando el mundo desmoronarse, pero que a su vez intenta poner un granito de arena por impedirlo.
John Cale no ha conseguido -no sabemos si ha intentado- un featuring de Lamar para este álbum. La buena noticia es que logra un elenco de vértigo, un poco más tipo «contracultura». Valores sobre todo procedentes de la electrónica «outsider», todos ellos despreocupados por toda forma de éxito o reconocimiento popular. Aquí no encontrarás a Phoebe Bridgers, y sí a Actress, Laurel Halo, Weyes Blood, Animal Collective, Sylvan Esso y Dev Hynes. Y lo divertido es que la marca de casi todos ellos hay que buscarla con lupa: ninguno ha querido ni podido oscurecer al artista principal de este disco.
Por poner algunos ejemplos, la voz de Weyes Blood es solo una sombra en ‘STORY OF BLOOD’, hasta el punto de que parece invitada por compartir apellido con el tema, «Sangre». Laurel Halo añade coros pero sobre todo «efectos y sintetizadores» al tema de apertura ‘MERCY’, y Actress ha realizado la producción adicional de ‘MARILYN MONROE’S LEGS’ llevándola a un terreno más ambient y lynchiano, casi como si fuera la banda sonora de ‘Blonde‘. Por su parte, Animal Collective aparecen tímidamente en ‘EVERLASTING DAYS’ porque a Cale le gusta su perversión de las armonías vocales de Beach Boys y le encajaban en el tema que ya tenía hecho previamente.
Es difícil adivinar dónde está cada invitado en realidad: habría jurado que Dev Hynes producía el R&B sofisticado de ‘NOISE OF YOU’. Y no, en realidad está detrás de ‘I KNOW YOU’RE HAPPY’, un tema que se ha ideado como un homenaje a Marvin Gaye y Tammi Terrell de la Motown, y está entre lo más accesible del álbum. Ese recuerdo de los artistas que amó repite en otras canciones. Si el vídeo de ‘NIGHT CRAWLING’ es una animación por la que se pasa a saludar David Bowie, ‘MOONSTRUCK’ recibe su sobrenombre de “Nico’s Song” de que tal composición recordaba a John Cale al estilo de alguien y no daba con quien. Solo para caer finalmente en que ese nombre era el de la musa de la Velvet con la que siguió trabajando en solitario.
Hay una mirada al pasado, nostálgica, en algunos de los sencillos textos. Es el caso de ‘EVERLASTING DAYS’, que se pregunta: «cuando intentamos escapar, cuando damos la espalda y sonreímos… ¿veremos el pasado que nos atrapa?». Hay diatribas sobre cuál es la manera de afrontar la vida (‘STORY OF BLOOD’ nos ordena «columpiar nuestra alma»), pero sobre todo preocupación por el futuro. Uno de los temas recibe su título del «estatus legal del hielo» en referencia al cambio climático, y ‘MERCY’ nos habla de gente que compra «armas» y de «vidas que no importan», en posible referencia al Black Lives Matter.
Entre canciones intrigantes, como ‘I KNOW YOU’RE HAPPY’, que podría hablar de la toxicidad social («sé que estás contento cuando estoy triste»), John Cale quiere dejarnos un mensaje optimista, muy sutil, muy poco ñoño, en diferentes formas. En una estrofa de ‘NIGHT CRAWLING’ proclama, sabio: «me pides que diga cómo la vida podría ser diferente / piensa en cómo te sientes y el modo en que vives hoy». Más lejos aún, la final ‘OUT OF WINDOW’ evita un suicidio en el último minuto, entre un piano sombrío que apuntaba a lo peor («si quieres irte, llévame contigo / Por favor, vuelve a casa»). En la gráfica nota de prensa, útil como todo lo que toca, nos recuerda que solo nos salvaremos del desastre, dejando atrás el pasado, ayudándonos los unos a los otros.
Hoy se ha confirmado la primera tanda de actuaciones para los Grammys 2023, cuya gala se celebrará el próximo 5 de febrero en Los Ángeles. Bad Bunny, Mary J. Blige, Brandi Carlile, Luke Combs, Steve Lacy, Lizzo, Kim Petras y Sam Smith son los nombres que actuarán en la entrega de premios.
El puertorriqueño está nominado en tres categorías, incluyendo la de Disco del Año, convirtiéndole en el primer nominado en esta categoría con un álbum íntegramente en español. Además, ya cantó ‘DÁKITI’ junto a Jhay Cortez en los Grammy de 2021. Mary J. Blige también está nominada a Disco del Año, aparte de cinco candidaturas más. Por otro lado, Steve Lacy opta a cuatro premios este año, gracias al exitazo de ‘Bad Habit’.
Lizzo tampoco es nueva actuando en los Grammys, tras realizar un medley de las canciones de ‘Cuz I Love You’ en 2020. Este año, ha recibido cinco nominaciones. Por último, Brandi Carlile tendrá 7 oportunidades para recibir la estatuilla, mientras que Sam Smith y Kim Petras solo han sido nominados en la categoría de Mejor Dúo/Grupo de Pop por ‘Unholy’. Luke Combs ha recibido tres nominaciones, incluyendo Mejor Disco de Country.
IBEROEXPERIA 2023 ya ha confirmado los primeros artistas que formarán parte del lineup de la segunda edición del festival, que se celebrará los días 19 y 20 de mayo en el Recinto Ferial de IFEMA Madrid. Así, Mala Rodríguez, Javiera Mena, Muerdo, La Dame Blanche y el dúo de DJs Guacamayo Tropical son las primeras confirmaciones de IBEROEXPERIA 2023.
Desde la organización prometen que es un evento «para disfrutar al máximo de la música, la gastronomía y la diversidad cultural de Iberoamérica» y además adelantan que habrá «muchas sorpresas» y no solo en el ámbito musical. Los abonos ya están a la venta, disponibles en See Tickets y en la web del festival.
‘MALA’, el último disco de Mala Rodríguez, salió en 2020 siendo muy bien recibido tanto por crítica como por público. Por otro lado, Javiera Mena publicó ‘Nocturna’, su quinto disco, a finales de 2022, con 11 canciones engendradas durante el Estallido Social de Chile y producidas durante el confinamiento y la nueva normalidad.
Slowthai ha anunciado la salida de su tercer disco, llamado ‘UGLY’. Para celebrar su lanzamiento el próximo 3 de marzo, el rapero británico ha compartido la agresiva ‘Selfish’ y ha decidido pasar el día encerrado consigo mismo en una habitación llena de espejos, ante los ojos de sus fans, en un directo de YouTube.
El británico, de nombre real Tyron Frampton, lanzó su último álbum en 2021 y por aquel entonces ya había expresado su amor por el rock y sus derivados, especialmente el punk rock. ‘Selfish’, el lead single de su nuevo disco, tiene mucho de esto último, siendo una caótica e interesante mezcla de rap industrial y post punk. Sobre la letra, Slowthai ha dicho que el hecho de no tener suficiente tiempo para sus seres queridos fue su inspiración.
El título del nuevo LP es un acrónimo de «U Gotta Love Yourself»: «En una época en la que me odiaba a mí mismo, crear este disco me salvó y me enseñó cómo quererme a mí mismo», escribía el de Northampton en un post de Instagram. ‘UGLY’ contiene las colaboraciones de Ethan P. Flynn, Taylor Skye de Jockstrap, el guitarrista Jacob Bugden y el batería Liam Toon. Además, según cuenta NME, Fontaines D.C. aparecen en el tema que da nombre al disco.
Aurora, autora de ‘The Gods We Can Touch’, ha sido confirmada como la nueva cabeza de cartel del festival Vida 2023. Este nuevo adelanto se suma a los grandes nombres internacionales ya anunciados de Suede, The Libertines, Franc Moody, Spiritualized, Alex Amor, Julieta Venegas, Jorge Drexler, L’Impératrice, Whitney o Tim Bernardes. El Vida 2023 se celebrará en Vilanova i la Geltrú del 29 de junio al 1 de julio.
El cartel del Vida Festival, también cuenta con un buen puñado de artistas nacionales como Lori Meyers, El Niño de Elche, Xoel López, Valeria Castro, dani, La Costa Brava, La Plazuela y Ghouljaboy, y muchos artistas de la escena catalana como La Casa Azul, Queralt Lahoz, Núria Graham, Julieta, Ernest Crusats, Killin’ Cactuz, Yaunest, Maria Hein, Hologramma, Habla de mí en presente, Galgo Lento, Rombo, Massaviu, Alba Morena y Selva Nua.
Desde el lanzamiento de su primera canción en 2015 con tan solo doce años, Aurora ha publicado cuatro discos y ha formado parte de bandas sonoras de películas de animación como ‘Frozen II’ y ‘Wolfwalkers’. Las entradas por día del Vida 2023 y los últimos abonos se pueden comprar en la web del festival.
2022 ha sido de Bad Bunny, de Rosalía, de Beyoncé, de Rigoberta… pero también ha sido de Phoebe Bridgers. Y eso que el año pasado, la cantautora estadounidense apenas publicó una canción propia, ‘Sidelines‘, una de las mejores del año, y un EP navideño (por el que se dejaba caer Fiona Apple). Cada vez más popular, no solo en el mundo de la música, sino también en la prensa del corazón a raíz de su relación (ya finalizada) con el actor Paul Mescal, a lo largo del último año, poco a poco, Bridgers se ha ido colando en el imaginario colectivo casi sin que nos hayamos dado cuenta. Hasta ha salido en el artículo viral dedicado a los «nepo babies» de Vulture, y eso que solo es hija de un montador.
Para entender la insistencia con la que la industria de la música está vendiendo a Bridgers no hace falta irse demasiado lejos en el tiempo. Solo en la última semana se ha confirmado que Bridgers será artista invitada en los próximos discos de The National y de Arlo Parks. En el de los primeros, la autora de ‘Kyoto’ aparecerá en hasta dos canciones. Por si fuera poco, en las mismas fechas se ha anunciado también el debut largo de boygenius, el supergrupo formado por Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker. Y hay muchísimo más.
La lista de artistas con los que Bridgers ha colaborado en el último par de años es larga y transversal. Solo en 2022 ha participado en el disco de Marcus Mumford (con quien ya cantó una versión de Radiohead en 2018), en el de MUNA (en el hit de synth-pop ‘Silk Chiffon‘) y también en uno tan insospechado como ‘SOS‘ de SZA, actual número 1 de álbumes en Estados Unidos. También era la artista invitada de ‘I Felt a Funeral, in My Brain’, el último single de Andrew Bird, y hasta se animaba a firmar un texto para la reedición del segundo disco de Bon Iver por su décimo aniversario. Antes, en 2021, Bridgers aparecía nada menos que en la versión regrabada de ‘Red‘ de Taylor Swift (en el tema ‘Nothing New’), en el disco de los Killers, ‘Pressure Machine‘ y, aunque ya casi se nos haya olvidado, porque solo grabó coros, en ‘Solar Power’ de Lorde. Si llegamos a 2020 la encontramos hasta en un disco de Kid Cudi, rapero que ha trabajado con Travis Scott y Kanye West, entre otros.
La omnipresencia de Bridgers en el mundo del pop también ha llegado a discos más especiales. Bridgers ha grabado versiones en ‘The Metallica Blacklist‘, el mastodóntico álbum de versiones de Metallica (grabadas por otros artistas, Bridgers se quedaba ‘Nothing Else Matters’) y en el último álbum de remixes de Paul McCartney. Y en una última vuelta de tuerca, Bridgers versionaba ‘Goodbye to Love’ de los Carpenters… ¡para la banda sonora de ‘Los Minions’! Tampoco el público infantil puede huir de su influencia.
La estrategia es de las clásicas: en un intento por acercar su nombre a un público lo más variado y transversal posible y aprovechar el «hype» que existe en torno al lanzamiento de su próximo disco, el sello Dead Oceans parece haber decidido que Bridgers debe participar en los discos de todos los artistas posibles, y ella ha aceptado encantada. Miedo da la lista de artistas a los que se ha atrevido a decir «no» en los últimos meses. Desde el lanzamiento de ‘Punisher‘ en 2020, Bridgers se ha convertido en una estrella, y no está dudando en jugar sus cartas para que su tercer disco sea un éxito comercial absoluto. Esperamos que lo sea.
Esta semana os hemos hablado de Biig Piig, una de las artistas revelación de 2023 por las que apostamos en el Anuario, y hoy volvemos al libro para recuperar a Hemlocke Springs. Su single viral ‘Girlfriend’ es uno de los temas de pop más divertidos que hemos escuchado en los últimos meses, y la artista suma y sigue.
Otro de sus temas adelantados en TikTok, ‘stranger danger!’ se publicaba oficialmente hace unas pocas semanas y sigue convenciendo del genio de Hemlocke para el pop. De corte más «peligroso» y oscuro, pero igual de electrizante que el single anterior, hay un precedente de su sonido en los B-52’s de los 80: a ellos no pueden sonar más esos «shake your boo thang, baby, shake your boo thang, baby» que Springs canta en el puente… si es que esta frase no está sacada de ‘Shake Your Groove Thing’, el single de Peaches & Herb de 1978.
En un estilo decididamente «amenazante», con sintes ásperos e incluso gritos de terror asomando por aquí y por allá, ‘stranger danger!’ entiende los 80 también como lo entendían muchas bandas indie de mediados de siglo: Ting Tings, New Young Pony Club, Ladyhawke… todos ellos vienen a la mente, en mayor o menor medida, al escuchar este nuevo hit de Hemlocke Springs, en el que los teclados ochenteros de corte cósmico guían el tema hacia un feliz final.
El «peligro» del que nos habla Hemlocke pueden ser los «buitres» que le rodean, pero también ella misma que, con sus canciones, es considerada una amenaza. En ‘stranger danger!’, Springs nos da la bienvenida a su «infierno» y nos asegura que no va a perder un minuto en «capitalizar» sus demonios y lágrimas. A las discográficas parecen dirigirse varias líneas de la canción, como «si quieres una parte de mí, no olvides pagar una comisión» o ese genial «he enviado toda mi información en un archivo .xml».
Los medios cinematográficos americanos informan de lo que era un secreto a voces: el biopic de Madonna ha sido descartado, ya no es un proyecto en marcha de Universal Pictures. Madonna iba a dirigir ella misma la cinta, sobre un guión que había empezado con Diablo Cody y terminado con Erin Cressida Wilson. Lo último que se había sabido al respecto es que M había contado en el late-night de Jimmy Fallon que le estaban obligando a acortarlo, pero ella se veía incapaz de elegir «qué extremidad cortarse».
Con el anuncio de una gira de más de 60 conciertos en Norteamérica y Europa, que ha empezado a preparar ya, se extenderá toda la segunda mitad de este año, y que de hecho acaba de añadir más fechas en Lisboa, Berlín y Colonia debido a la alta demanda de entradas pese a su elevado precio; era evidente que la película estaba paralizada. El proyecto, que iba a estar protagonizado por Julia Garner, queda aparcado. Eso sí, con la certeza de que hay un guión ya escrito que quizá se retome algún día.
Ahora ha presentado la versión en movimiento de dichas fotos, una suerte de videoarte llamado ‘The Enlightment’, dirigido por Luigi & Iango. Se compone de imágenes muy vinculables a la era ‘Rebel Heart’ (los corazones ensangrentados, la Última Cena, las toreras), pero de canciones extraídas de otras épocas: suenan ‘Like a Prayer’, ‘Justify My Love’, ‘Isaac’ y una versión a piano de ‘The Power of Goodbye’, que en los últimos meses ha tenido un minúsculo revival en Youtube. Se desconoce si es un anticipo de lo que veremos en la gira que la traerá a Barcelona los días 1 y 2 de noviembre.
Justin Bieber se suma a la creciente lista de artistas multimillonarios que han vendido los derechos de sus canciones por sumas monstruosas. El canadiense ha vendido la totalidad de su catálogo publicado antes del 31 de diciembre de 2021, el cual abarca 290 canciones, por una suma que ronda los 200 millones de dólares (183 millones de euros).
El catálogo de Bieber, en concreto sus derechos editoriales y de grabación, pasa ahora a manos de la empresa Hipgnosis Songs Capital, la misma que, en el pasado, ha adquirido los derechos del catálogo de otros artistas como Neil Young, Fleetwood Mac, Justin Timberlake o Shakira. Universal, la discográfica de Bieber, seguirá siendo propietaria y administradora de los masters del cantante.
Entre las canciones de Bieber incluidas en el acuerdo -que se rumoreaba ya el pasado mes de diciembre- se encuentran éxitos del tamaño de ‘Baby’, ‘Sorry’, ‘Love Yourself’, ‘Yummy’ o ‘Ghost’ y discos como ‘Purpose‘ (2015) o ‘Justice‘ (2021), solo dos de los seis que ha publicado Bieber en 14 años de carrera. Bieber se encuentra entre los artistas más exitosos del siglo XXI, por lo que es una apuesta segura.
El caso de Bieber es excepcional, pues él apenas cuenta 28 años, mientras la mayoría de artistas que han tomado la decisión de vender su catálogo, como Bruce Springsteen, Bob Dylan, Sting o Neil Young, se encuentran en la etapa final de sus carreras y venden sus derechos por razones de planificación patrimonial. Mientras, empresas como Hipgnosis invierten en el valor seguro de los catálogos clásicos.
Después de 2021, Bieber ha seguido publicando música, en concreto, colaboraciones con Don Toliver (‘Honest’) o con Omah Lay (‘Attention’). Su lanzamiento más reciente es el single ‘Beautiful Love’, dirigido al videojuego ‘Free Fire’. Recientemente, el artista ha sido noticia por sus problemas de salud, que le han llevado a posponer su gira.
Thomas Bangalter, exmiembro de Daft Punk junto con Guy-Manuel de Homem-Christo, ha anunciado un disco en solitario. ‘Mythologies’ estará disponible el próximo 7 de abril y será el primer trabajo orquestal independiente de Bangalter. El proyecto fue ordenado en 2021 por el coreógrafo Angelin Preljocaj para el ballet del mismo nombre, estrenado al año siguiente en la Ópera Nacional de Burdeos.
Descrito como una producción sobre «los mitos fundadores que dan forma a la imaginación colectiva», ‘Mythologies’ se trata de una banda sonora de 90 minutos de duración en la que Bangalter se aleja de la música electrónica y «abraza la historia de la música orquestal de ballet». Su último disco en solitario, con un sonido más tradicional, fue lanzado en 2003 bajo el nombre de ‘Outrage’.
En 2021, Daft Punk anunció su separación. Desde entonces, han lanzado una reedición en vinilo de ‘Homework’, uno de los discos que cambiaron el rumbo de la música electrónica para siempre.
Tracklist:
1 Premiers Mouvements
2 Le Catch
3 Thalestris
4 Les Gémeaux I
5 Les Amazones
6 L’Arrivée d’Alexandre
7 Treize Nuits
8 Danae
9 Zeus
10 L’Accouchement
11 Les Gorgones
12 Renaissances
13 Le Minotaure
14 Eden
15 Arès
16 Aphrodite
17 Les Naïades
18 Pas de Deux
19 Circonvolutions
20 Les Gémeaux II
21 Icare
22 Danse Funèbre
23 La Guerre
Panic! At The Disco ha llegado al final de su recorrido tras 19 años de carrera, tal y como anunciaba esta tarde Brendon Urie, el único miembro original que quedaba del grupo. Urie ha anunciado que él y su mujer están esperando un bebé, por lo que el cantante estadounidense ha decidido terminar este capítulo de su vida y poner su «atención y energía» en crear una familia: «Ha sido un viaje tremendo», comenzaba Urie el comunicado.
«Tanto si habéis estado aquí desde el principio como si nos acabáis de encontrar, ha sido un placer no solo compartir el escenario con gente tan talentosa, sino también compartir nuestro tiempo con vosotros», concluía Urie el sentido comunicado que ha compartido en redes. Panic! At The Disco llevarán a cabo una última gira europea que comenzará en febrero, por la salida del último LP de la banda, ‘Viva Las Vengeance’.
Brendon Urie se unió a Ryan Ross, Spencer Smith y Brent Wilson mientras todavía iba al instituto, y de ahí surgió Panic! At The Disco. Lanzaron su álbum debut en 2005 bajo el nombre de ‘A Fever You Can’t Sweat Out’ y ya consiguieron su primer hit masivo con ‘I Write Sins Not Tragedies’. Al año siguiente, el bajista Brent Wilson dejó la banda, siendo sustituido por Jon Walker.
Un año después del lanzamiento de su segundo LP, ‘Pretty. Odd.’, Ross y Walker dejaron el grupo por «diferencias creativas». Spencer Smith, el batería fundador de Panic! At The Disco, finalmente dejó el conjunto en 2015, dejando a Urie como el único miembro original de la banda. Este consiguió lanzar cinco discos más, desde el ‘Vices & Virtues’ de 2011 hasta el ‘Viva Las Vengeance’ del año pasado.
Este martes se han anunciado las nominaciones a los Óscar 2023, cuya gala tendrá lugar en Los Ángeles el próximo 12 de marzo y será presentada por Jimmy Kimmel. El actor Riz Ahmed y la actriz Allison Williams se han encargado de anunciar las nominaciones de este año.
‘Todo a la vez en todas partes’ se alza como la gran favorita con 11 nominaciones, seguida de cerca por ‘Almas en pena de Inisherin’ y ‘Sin novedad en el frente’, empatadas con 9 candidaturas. ‘Elvis’, de Baz Luhrmann, se coloca en tercera posición con 8 nominaciones. También han sido nominadas a Mejor Película: la secuela de Avatar, ‘Los Fabelman’, ‘Tár’, ‘Top Gun: Maverick’, ‘El triángulo de la tristeza’ y ‘Ellas Hablan’.
Además, Ana de Armas ha sido nominada por primera vez en los Óscar, nada más ni nada menos que en la categoría de Mejor Actriz, por su actuación en ‘Blonde’. El comentado biopic de Andrew Dominik recibía esta semana ocho candidaturas en los Premios Razzie, alzándose como la película más nominada del evento, pero ninguna para la actriz cubano-española.
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En cuanto al apartado musical de la gala, Rihanna (‘Black Panther: Wakanda Forever’) y Lady Gaga (‘Top Gun: Maverick’) se tendrán que enfrentar a la sorpresa de ‘Naatu Naatu’, escrita para la película india ‘RRR’, que ya se alzó sobre ambas cantantes en los Globos de Oro. Sin embargo, una que no se tendrá que preocupar por los Óscar es Taylor Swift, que finalmente no ha recibido ninguna nominación por ‘California’, la canción que había escrito para la cinta ‘Where the Crawdads Sing’.
MEJOR PELÍCULA
Sin novedad en el frente
Avatar: El sentido del agua
Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
Tár
Top Gun: Maverick
El triángulo de la tristeza
Ellas hablan
MEJOR DIRECCIÓN
Martin McDonagh (Almas en pena de Inisherin)
Dan Kwan, Daniel Scheinert (Todo a la vez en todas partes)
Steven Spielberg (Los Fabelman)
Todd Field (TÁR)
Ruben Östlund (El triángulo de la tristeza)
MEJOR ACTOR
Austin Butler (Elvis)
Colin Farrell (Almas en pena de Inisherin)
Brendan Fraser (La Ballena)
Paul Mescal (Aftersun)
Bill Nighy (Living)
MEJOR ACTRIZ
Cate Blanchett (TÁR)
Ana de Armas (Blonde)
Andrea Riseborough (To Leslie)
Michelle Williams (Los Fabelman)
Michelle Yeoh (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jamie Lee Curtis (Todo a la vez en todas partes)
Angela Bassett (Black Panther: Wakanda Forever)
Hong Chau (La ballena)
Kerry Condon (Almas en pena de Inisherin)
Stephanie Hsu (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Brendan Gleeson (Almas en pena de Inisherin)
Brian Tyree Henry (Causeway)
Judd Hirsch (Los Fabelman)
Barry Keoghan (Almas en pena de Inisherin)
Ke Huy Quan (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
Eo (Polonia)
Argentina, 1985 (Argentina)
Sin novedad en el frente (Alemania)
Close (Bélgica)
The Quiet Girl (Irlanda)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Pinocho, de Guillermo del Toro
Marcel the Shell with Shoes
Red
El gato con botas: El último deseo
El monstruo marino
MEJOR GUION ORIGINAL
Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
TÁR
El triángulo de la tristeza
MEJOR GUION ADAPTADO
Sin novedad en el frente
Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion
Top Gun: Maverick
Living
Ellas hablan
MEJOR CORTO ANIMADO
El niño, el topo, el zorro y el caballo
El marinero volador
Vendedores de hielo
My Year of Dicks
An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe it
MEJOR CORTO
An Irish Goodbye
Ivalu
Le Pupille
Night Ride
The Red Suitcase
MEJOR SONIDO
Sin novedad en el frente
Avatar: La forma del agua
The Batman
Elvis
Top Gun: Maverick
MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
Sin novedad en el frente
Babylon
Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Applause (Tell It Like a Woman) – Música y letra de Diane Warren.
Hold My Hand (Top Gun: Maverick) – Música y letra de Lady Gaga y Bloodpop.
Lift Me up (Black Panther: Wakanda Forever) – Música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler y Ludwig Goransson. Letra de Tems y Ryan Coogler.
Naatu Naatu (RRR) – Música de M.M. Keeravaani y letra de Chandrabose.
This is a Life (Todo a la vez en todas partes) – Música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski. Letra de Ryan Lott y David byrne.
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Sin novedad en el frente
Avatar: el sentido del agua
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Top Gun: Maverick
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Babylon
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
Todo a la vez en todas partes
El viaje a París de la señora Harris
MEJOR FOTOGRAFÍA
Sin novedad en el frente
Elvis
TÁR
El imperio de la luz
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades
MEJOR MONTAJE
Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
TÁR
Top Gun: Maverick
MEJOR DOCUMENTAL
All that Breathes
La belleza y el dolor
Fire of Love
A House Made of Splinters
Navalny
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Sin novedad en el frente
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
La Ballena
Este fin de semana Ralphie Choo ofrecía un concierto en Madrid con el cartel de «sold out» en la puerta. No era la primera vez que el artista actuaba en la capital, pero algo me decía que este show iba a ser especial. En los últimos meses, su canción ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’ ha aparecido en Pitchfork y ha llamado la atención de la mismísima Caroline Polachek, quien la ha metido en una de sus playlists.
Sin aún un álbum encima de la mesa, el artista también está siendo confirmado en numerosos festivales de renombre, como Lollapalooza Argentina, Sónar o Mallorca Live Festival. Por lo que todo este contexto nos hacía pensar que los que nos reunimos en la sala Copérnico estábamos ante el despegue de una estrella.
El sonido de Ralphie Choo es tan experimental y lleno de elementos de producción digital que es natural acudir a uno de sus directos con cierto escepticismo. Todos estamos ya muy acostumbrados a ver propuestas sobre un escenario de todo tipo, sin necesidad de que haya una banda tocando en riguroso directo. Pero desde luego no esperas que alguien que hace “pop progresivo” o coquetea con el “flamenco computerizado” según Pitchfork, acompañe su set con un cuarteto de cuerda. Cuatro chicas arropaban a Ralphie sentadas con sus instrumentos y con una linterna de montaña en la frente. Detrás, DRUMMIE lanzando las bases, y a su lado un bajista. Una puesta en escena sencilla y bizarra que anticipaba lo que nos íbamos a encontrar a lo largo de los 60 escasos minutos de show.
El setlist se dividía en dos partes, la primera llena de canciones inéditas y la segunda, de sus hits más que conocidos. Ralphie salía al escenario prácticamente de incógnito, con un gorro y unas gafas puestas. Entre los saltos que pegaba de un lado a otro y la a veces cuestionable iluminación, resultaba complicado cazarle e identificarle. Pero el madrileño comenzó a dejarse ver conforme la cosa avanzaba, enganchando tema tras tema sin pronunciar apenas palabra entre ellos. Dos nuevas canciones abrían la noche antes de dar paso a ‘BULERÍAS’, su tema más internacional y, por lo tanto, coreado por un público muy entregado desde el minuto cero. La voz del artista se mezclaba con los que nos encontrábamos en la pista, a veces perdiéndose entre el coro popular.
Después de una canción aún sin fecha de salida pero con un título que ya atrae (‘Tangos de una moto trucada’), apareció el primer invitado: mori. Ambos unieron fuerzas para interpretar lo que parecía otra canción inédita. A pesar de que la gente no se supiera su letra y su ritmo fuese más lento, la atención estaba puesta en ambos.
A continuación, fue el turno de ‘SANTO ÁNGEL’, quizás la canción más Frank Ocean de su catálogo, responsable de protagonizar uno de los momentos más tiernos e íntimos del set, con un Ralphie invitando a todos a abrazar y besar al de al lado. Pero la locura no tardó en llegar de la mano de ABHIR, con quien cantó otra canción aún por estrenar. Los beats de hip-hop, mezclados con el R&B más melódico, siguen estando presentes en estas nuevas joyas que pronto verán la luz y formarán parte del que será el primer álbum del artista.
Hasta este momento había sido todo un lujo poder escuchar de primera mano los nuevos sonidos que Choo lleva cocinando todos estos meses, pero apetecía cantar y mover el cuerpo al ritmo de algo conocido. Y así fue. La parte final del concierto fue una sucesión de hit tras hit, subiendo la energía cada vez un poco más hasta llegar al pogo máximo. La presencia de Barry B daba paso a una espectacular ‘ROOKIES’ al más puro estilo Travis Scott, para después dejarnos engañar con las palmas de una más chill ‘Lamento de una supernova’.
Pero la traca final llegó con rusowsky junto a Ralphie Choo, quienes interpretaron primero la sensible ‘Dolores’ para coger carrerilla y terminar por todo lo alto con ‘VALENTINO’. La cerveza volaba por los aires entre un círculo de personas que lo daban todo en el foso, con el escenario lleno de artistas y colaboradores que salieron para grabar tal escena. Un final que nos dejó a todos con ganas de más, con el subidón metido en el cuerpo. Quizás la intención de Ralphie Choo fue precisamente esa: la de dejarnos bien arriba deseosos de presenciar un concierto suyo más largo (también algo mejor pulido) y en un recinto más grande. Llegará, todo apunta que más pronto que tarde. 7.
A Pedro Luis Domínguez Quevedo se le nota -al menos en las entrevistas- que el descomunal éxito de su colaboración con Bizarrap le ha dejado descolocado. Nadie podía esperar semejante éxito a nivel internacional: hasta entonces las «Sessions» del productor argentino habían funcionado muy bien, pero nunca hasta ese punto. Quevedo, que hasta el verano de 2022 llevaba tiempo sumando varios logros consecutivos en su carrera de manera más bien discreta, y llegaba por primera vez al número 1 de Singles España en febrero de aquel año con el atestado remix de ‘Cayó la noche’, en el que el canario era solo uno de ocho artistas implicados, de repente alcanzaba un éxito prácticamente inasumible, sin que a nadie le diera tiempo a procesarlo.
El éxito y los dilemas que plantea son temas recurrentes en el discurso de muchos artistas urbanos, y Quevedo no es una excepción. De soñar con sacar el «disco del año» en la intro y alentar el éxito de los artistas canarios (aparecen por aquí Cruz Cafuné) a recordar sus orígenes y tiempos más sencillos en el corte titular, que cierra el álbum con percusiones de hip-hop de corte industrial; ‘DONDE QUIERO ESTAR’ es otro disco que habla de fama, amor y familia sobre bases de reggaetón facilonas y efectivas que no buscan transgredir códigos sino simplemente hacerlo pasar bien. Como dice el propio Quevedo, ya hay otro tipo de músicas para eso.
¿Es ‘DONDE QUIERO ESTAR’ el disco del año? En lo artístico no, ni por ambición, ni por resultados. Quevedo no es un renovador de las músicas latinas ni pretende serlo, tampoco su ambición parece pasar por ahí, y el disco se conforma con darnos una generosa colección de canciones que funcionan por lo que son, ni más ni menos. Cuando funcionan, eso sí.
No es baladí que ‘DONDE QUIERO ESTAR’ cuente varios singles de éxito dentro de su secuencia, todos ellos aún presentes en los primeros puestos de la lista de singles española: la caribeña ‘PLAYA DEL INGLÉS‘ ha sido número 1 en España con la colaboración de Myke Towers, el reggaetón melancólico de ‘VISTA AL MAR’ se acerca a los 200 millones de reproducciones en Spotify, ‘SIN SEÑAL’ es otro pelotazo que se crece gracias a la producción de Ovy on the Drums, conocido por su trabajo con Karol G, y a esa letra dedicada a la búsqueda de uno mismo en medio del caos; y ‘PUNTO G’ es el hit actual de Quevedo, también efectivo.
Todos estos singles de Quevedo cumplen perfectamente su función. Después, el disco tiene otras cosas que ofrecer, para bien y para mal. En el lado positivo hay que comentar las trompetas triunfales de ‘AHORA QUÉ’, que solo pueden ser una respuesta al ‘INDUSTRY BABY‘ de Lil Nas X; o el instrumental de ‘YANKEE’, que, entre sonidos hipnóticos de xilófono, cambios de ritmo varios y una melodía de deje aflamencado, guía hacia una dirección que podría explorar Quevedo en el futuro, con la calma que encuentre cuando «desaparezca» en 2024, como canta precisamente en ‘AHORA QUÉ’, después de haber «coronado 2023».
No reinará este año si depende del sonido genérico de cortes como ‘DAME’, que recuerda demasiado a Bad Bunny cuando este ha publicado ya 800 discos de lo mismo; o esa canción que rima «muñeca» con «jaqueca» no de la manera más lograda; pero ‘DONDE QUIERO ESTAR’ convence menos cuando decide meterse en terrenos alejados del reggaetón. Loable la intención, en cualquier caso, pero las guitarras nu-metal de ‘LUCES AZULES’ apetecen muy poco, la composición orquestal de ‘ME FALTA ALGO’ digamos que no es tan emotiva como pretende, y los ritmos house de ‘CUÉNTALE’ tampoco andan cargados de gracia e inspiración.
‘DONDE QUIERO ESTAR’ es claramente un disco creado en torno a una serie de singles de éxito que mantiene el ritmo pero hace aguas en conjunto. Sin embargo, no es el despropósito que podría haber sido cuando llega tan poco tiempo después del fenómeno de la sesión 52 con Bizarrap. Quevedo no se podía permitir entregar un primer disco que fuera abominable, y en su debut demuestra que ese hit no tiene por qué definir su carrera.
La entrada más fuerte es la de los surcoreanos Enhypen con ‘Border Carnival – Hype’, directa al puesto 17. No podemos dejar de destacar la llegada del disco sorpresa de Belle & Sebastian, ‘Late Developers’, al número 60. Ha habido edición en vinilo, que en la tabla de LP’s ha llegado al puesto 18. En listas británicas este lanzamiento de Belle & Sebastian ha sido número 30, sin igualar el top 10 conseguido en muchas ocasiones de su carrera.
La subida más fuerte corresponde a ‘Plastic Hearts’ de Miley Cyrus. En su semana 55 en lista, el último álbum de Miley hasta ahora asciende del 66 al 20 con motivo de la gran acogida de ‘Flowers’, su nuevo single, anticipo de un próximo álbum.
Otra entrada destacada ha sido la de ‘Neon Noir’ de VV en el puesto 34, gracias en parte al puesto 14 en vinilos. Se trata del proyecto de Ville Valo, a quien recordarás por haber liderado la banda finesa HIM a finales de los años 90.
Por otra parte, el ‘Concierto de Año Nuevo 2023’ de Franz Welser-Möst llega al puesto 39 y ‘Resistencia’ de Yandel al 42. Este es el álbum que incluye una de las canciones más exitosas en este momento, ‘Yandel 150‘ junto a Feid.
Cerramos la lista de novedades con ‘Minisode 1 Blue Hour’ de los surcoreanos Tomorrow x Together en el número 78’; y ‘Claustrofobia’ del gallego Rodrigo Ramos en el número 100.
Dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO a analizar la carrera de Klaus&Kinski. Siempre venerado en esta web, el dúo murciano anunciaba su separación en 2013, hace casi 10 años. Celebrando más bien los 15 años que este 2023 cumplirá su debut ‘Tu hoguera está ardiendo‘, recordamos una trayectoria inmaculada de 3 discos formidables, capaces de sumergirse en la influencia noise pop de «My Bloody» y Los Planetas, pero también en el folclore. Pasodobles, boleros, habaneras y flamenco-antes-de-Rosalía pasaron por un repertorio en el que también cupieron la música disco o el country. En este episodio analizamos también sus letras mordaces y debatimos sobre los más y los menos que el grupo tuvo con nuestra web y, sobre todo, nuestra sección de comentarios.
Alejandro Martínez y Marina Gómez Carruthers han podido participar en el podcast desde la distancia respondiendo a nuestras preguntas mediante WhatsApp de voz, gracias a lo cual hemos podido conocer su visión de aquellos años. Marina nos ha revelado que su disco favorito es ‘Herreros y fatigas’ porque en él tuvieron la oportunidad de crecer, por mucho que la gente siempre se aferre al primer álbum de un grupo. Alejandro coincide: «El primero al fin y al cabo fue una recopilación de lo que íbamos haciendo en maquetas, mezclado un poco mejor, pero no se hizo pensando en hacer un disco. Ocurrió de casualidad a base de recopilar el material que habíamos ido almacenando. Con el segundo había conciencia de hacer un disco y recuerdo pensar “voy a intentar hacerlo bien de verdad” porque como con el primero nos fue relativamente bien… Tampoco ocurrió demasiado (risas) Tuvimos nuestro éxito indie, pero tampoco pasó mucho más».
Recordando aquellos años, Alejandro Martínez habla de una «mezcla de añoranza y descorazonamiento. Hay algo que recuerdas con afecto y mucha intensidad. Ocurrieron muchas cosas durante los años que estuvimos en activo, pasaba todo muy rápido». Apela a unos años especiales en que estás en la madurez, pero aún eres muy joven. Curiosamente, quita hierro al carácter pionero del dúo en su aproximación al folclore español, y recuerda que por aquella época ya estaba en activo Lorena Álvarez: «Es cierto que teníamos cierta querencia folclórica, que podía llamar la atención, y luego se ha puesto de moda inspirarse en el folclore, un poco más ortodoxamente y luego también de manera superficial, aunque no lo digo de manera peyorativa. Tampoco es que nosotros nos inspiráramos en el folclore, lo veíamos de manera bastante lúdica, que nos divirtiera. Tampoco había tanto de folclore estrictamente. Lo único realmente folclórico que hicimos fue un homenaje al Súper 8 de Los Planetas, una versión de ‘Qué puedo hacer’, como si fuera unas parrandas murcianas».
Marina nos ha contado que se reconcilió con la música de Klaus&Kinski el verano pasado: «Durante mucho tiempo había sentido pudor respecto a los discos y no los había escuchado desde que los ensayaba. Hasta el verano pasado que me reconcilié, a nivel técnico e interpretativo. No puedo ser objetiva, estuve ahí cuando se compusieron y conozco todos los detalles, pero creo que sí que puedo decir que muchísimas canciones me siguen pareciendo preciosas, como ‘Autovía de Albacete’, mi favorita desde siempre. De otras me siento orgullosa a nivel técnico, como ‘Sacrificio’. En otras no me gusta cómo lo hice o cómo quedó la producción, aunque la canción sea chulísima, como ‘Flash-back al revés’. Ahora la oigo y pienso que no está bien».
Alejandro recuerda que «Autovía» era favorita de Marina, aunque él tiene otras preferidas: «‘Mengele y el amor’, por la letra, por ser una canción de amor retorcido y tener elementos que luego fueron constantes: la historia, el humor negro, el amor y la pasión, pero desde el polo opuesto de lo que suele ser convencional. También ‘Nunca estás a la altura’ me gustaba mucho aunque Marina la odiaba. Como éramos pareja me decía «esto me lo estás diciendo a mí» (risas) Era complicado distanciarse de eso, por mucho que le expliques que cuando escribes hay una parte de ficción. Si te ciñeras solo a la realidad serías un psicópata. Y si te ciñeras solo a la ficción, pues todo estaría vacío, porque no habría nada. Marina se lo tomaba muy personal, pero por otro lado es normal».
Continúa seleccionando favoritas: «Rey del Mambo», por el rollo coplero: a Marina también le gustaba, nos parecía muy entrañable. ‘Ojo por Diente’ pretendía ser de amor sincero. ‘In the Goethe’, por el mundo literario que hay detrás de ella, un romanticismo sarcástico pero que no dejaba de ser honesto… Aunque siempre me escondo en un muro de humor negro, me considero romántico, pero no de Antena 3 por la tarde, sino del siglo XIX».
Alejandro: «Aunque siempre me escondo en un muro de humor negro, me considero romántico»
Martínez también recuerda el éxito de ‘Mamá, no quiero ir al colegio’ aunque no la seleccionaron como single. «Es la más escuchada en streaming. Tampoco elegíamos los singles con mucho criterio. Es representativa de mezclar la ternura con el catastrofismo y la angustia existencial». Finalmente, reivindica su último EP ‘A cuatro reinas moras’, por su punto coplero y de música de cámara. «Se alejaba un pelín de lo más obvio y comercial, y pasó desapercibido». Curiosamente, en ese abarcar estilos y géneros musicales, Alejandro no cree que se hubieran adentrado en el reggaeton o en el trap, de haber continuado en 2015 o 2020. «No lo creo. Aunque a Marina algo más sí le habría podido tirar. No creo que hubiera salido jamás, no por aversión a lo latino, todo lo contrario. Me interesa lo latino pero lo más antiguo. Me ha pasado toda la vida, no es que me pase ahora porque sea un «carlanco». Ya nací viejo, me interesaba lo antiguo y tenía cierta distancia con el presente».
Con Marina hemos recordado el día en que anunció, improvisadamente, la separación del grupo durante un concierto en Moby Dick: «Sobre el día que dije que ya se había acabado, Alex y yo ya teníamos hablado que no íbamos a hacer más discos, que terminaríamos la gira que teníamos a medias, pero que no íbamos a seguir. No recuerdo si se lo habíamos contado a alguien o era una cosa que sabíamos nosotros, pero estaba claro. Aquellos días sentía que ya no podía más, lo dije y ya estaba. Alejandro siempre me ha apoyado y conté con su cariño y comprensión. No estoy arrepentida, fue el final de una etapa de mi vida y no recuerdo ese hecho concreto como algo muy traumático».
En aquella decisión tuvieron mucho que ver los comentarios negativos recibidos en webs como la nuestra y redes, pese a las excelentes críticas que acumulaba la banda. Gómez no ha esquivado el tema: «Con respecto a -no sé cómo llamarlo- «acoso» de entonces, igual es que yo era muy confiada. Compartía demasiado de mí en mi Facebook y el Facebook del grupo. Y eso trascendía a sitios que yo no me esperaba, y me sentía muy mal. A veces las cosas se malinterpretaban. Me sentía muy mal cuando la gente decía que yo caía fatal, gente que yo no sabía ni cómo se llamaba, con la que ni siquiera había hablado nunca. ¿Cómo te puedo caer mal? Eso me generaba inseguridad. Por otra parte, no es ningún secreto que las críticas, especialmente en JENESAISPOP, las llevaba muy mal. No las críticas de los conciertos, sino lo que iba más allá de lo profesional. Me refiero más a ataques personales. Me sentía muy sola porque cuando yo me desesperaba por esto, la gente me decía: “no leas los comentarios”. Y yo pensaba: “es que aunque no los lea, están ahí” y pensar que cualquiera podía verlos, me hacía sufrir bastante. Habría agradecido un montón que esos comentarios los moderara a alguien o incluso que se baneara a gente que insultaba o amenazaba”.
Marina: «No es ningún secreto que las críticas las llevaba muy mal, no las de los conciertos, sino las que iban más allá de lo profesional»
Preguntada sobre si cree que sufrió machismo cuando no se hablaba tanto ni de este tema ni tampoco de salud mental, respondía: «En su momento yo no percibía que las críticas estuvieran centradas en mí por ser mujer, sino en mi falta de talento musical o mi físico, mi manera de ser o de vestir. Me comparaba con otras artistas del momento y, para mí misma, yo siempre era peor. Sin embargo, los comentarios me dolían un montón. Igual estaba pasando por alto que ninguno de mis compañeros solían sufrir este tipo de ataques y que las otras chicas con las que me comparaba, pues sí. Esto puedo percibirlo ahora que el mundo ha cambiado para mejor».
Sin embargo, se queda con lo positivo y no descarta alguna reunión futura de la banda: «Claro que sí que pienso en juntarnos, pero lo que más echo de menos es extramusical: la furgo, las bromas, el tiempo que pasaba con Pili (violinista del grupo), vivir aventuras y alguna que otra desventura. Ahora me siento más responsable y creo que no podría subirme a un escenario sin haber ensayado todo muchísimo y estar más segura de lo que hago. Creo que estamos mayores para hacer esas cosas. No sé si tiene sentido ya la música en directo o igual es una percepción que tengo yo. Ya no me apetece tanto ir a conciertos».
Por último compartimos una playlist de mejores canciones de Klaus&Kinski llamada «This Is Klaus&Kinski» aprovechando que no hay ninguna todavía llamada así, para todos aquellos que no los conocíais o que os equivocasteis y no os rendisteis a su talento.
John Cale publica esta semana su primer álbum en 7 años bajo el nombre de ‘MERCY’. Se trata de un disco de 71 minutos en el que aparecen en segundo plano colaboradores clave del underground actual.
Weyes Blood es invitada en el single ‘STORY OF BLOOD’, pero es que en otros tracks hallamos a Animal Collective, Laurel Halo, Actress, Sylvan Esso o Dev Hynes. Ya solo por semejante elenco y porque no sabemos cuándo saldrá el próximo álbum interesante de John Cale (tiene 80 años), ‘MERCY’ será nuestro Disco de la Semana. Lo reseñaremos y aprovecharemos también para recuperar su clásico ‘Paris 1919’.
Es aquella obra de principios de los 70 la referencia de la pista final del disco, la menos escuchada en Spotify pero la más indicada para comenzar con el álbum. Un intensísimo piano nos adentra en esta tenebrosa historia en que escuchamos a John Cale repetir “por favor, no te vayas” y “por favor, ven a casa”.
En esta composición de apoyo a alguien, Cale asegura que te recogerá si “saltas por la ventana”. “Yo detendré tu caída, te abrazaré fuerte y te mantendré en calma, allá donde decidas ir”, indica entre una narración de tan espeluznante escena: “vi una silueta en el tejado, y corrí para subir la escalera hacia ti”.
Esta escena de suicidio bien podría ser una metáfora de la deriva del mundo, pues esta es la temática oficial del álbum según informa su sello en España Music As Usual, lo perdido que está el mundo… pero nuestra posibilidad de salvarlo. Dice la interesante nota de prensa:
«Los escritos y grabaciones que dieron forma a MERCY se acumularon durante años, mientras Cale observaba cómo la sociedad se tambaleaba al borde de la distopía. Trump y Brexit, Covid y el cambio climático, derechos civiles y extremismo de derecha: Cale dejó que las malas noticias del día se filtraran en sus líneas, ya sea que eso significara contemplar la soberanía y el estado legal del hielo marino que se derrite cerca de los polos o el armamento desquiciado de americanos. Las lecciones de una vida (todavía siendo) ricamente vivida flotaron en primer plano, también asintieron con la cabeza en el NIGHT CRAWLING. Si siempre estamos lamentando nuestro pasado, ¿no nos estamos reclutando para una decepción permanente? Y al final, como considera junto a Weyes Blood durante “STORY OF BLOOD”, ¿no somos más capaces de salvarnos unos a otros que un dios que nunca conoceremos?«.
Por un lado, este es un gran momento para recordar que Carolina Durante publicaron uno de los mejores discos de 2022. Así fue reconocido en nuestro Anuario, en las páginas de Rockdelux (top 3 nacional) o entre las nominaciones al Premio Ruido, donde por cierto se enfrentará a la misma ‘MOTOMAMI’. Pero además, Carolina Durante se han anotado últimamente otro hit, en concreto la edición de un single conjunto con la revelación Orslok, popularizado en Youtube, que también ha trabajado con gente como Rojuu. Se trata del tema ‘Casa Kira’, que como parte de ‘Cuatro chavales‘ (‘Granja escuela’, sobre todo), nos hablaba del consumo de drogas en una juventud alienada y perdida.
‘Casa Kira’, nuestra «Canción del Día» hoy y ya por encima del millón de escuchas, dice en su estribillo «Quedamos y bebemos y nos drogamos / Y nos queremos y nos quedamos y bebemos». Su estrofa había empezado presentando «la casa del terror / Siempre con los mismos monstruos / Una pista de baile en el salón / Diez metros cuadrados otra dimensión». Orslok añade más de lo mismo: «Queda tiempo, ponte otra, el sol no va a salir / Está tocando la vecina, yo no puedo abrir / Voy con una mierda encima que me da miedo dormir / Me la sudan esas luces, no me pienso ir».
La novedad es que la voz de Diego está pasada por un filtro tipo Autotune, lo que le da un aire renovado a Carolina Durante, sin renunciar a su filosofía punk pop. De hecho, serán Los Nikis quienes telonearán al cuarteto esta semana en tan decisiva fecha en Madrid.
Por otro lado, la recomendación de Rosalía de una banda de este estilo ha sido recibida con sorpresa, y hay quien especula con una posible relación entre su hermana Pilar -que suele trabajar con ella y a la que está muy unida- y el cantante de Carolina Durante, como es el caso de Europa.FM. No es ajeno Diego Ibáñez, también actor en ‘Cardo‘, a las páginas de la prensa rosa, pues antes fue relacionado con Carlota Cossials de Hinds y con Amaia. De hecho, hay hasta quien se ha entretenido realizando un croquis al respecto que ni aquellos cuadros explicativos sobre quién era quién en ‘Twin Peaks’. Os recordamos que en este caso, en base a especulaciones.
El bombazo de Bizarrap y Shakira sigue coronando la lista de Singles España. El «diss» a Gerard Piqué ya acumula unas impresionantes 185 millones de visitas en YouTube, frente a las casi 120 millones de escuchas en Spotify, postulándose como el primer gran fenómeno pop del año. Sin embargo, directamente en el número 2 ha debutado otro absoluto exitazo, ‘Flowers’ de Miley Cyrus.
A día de hoy, que una canción en inglés debute tan alto en la lista de singles española es una anomalía. La última canción de Miley que se posicionaba tan alto en el Top fue ‘Wrecking Ball’, que llegó al número 1 del ranking en 2013, antes de la llegada de la fiebre reggaetonera. Hits tales como ‘Malibu’, ‘Prisoner’ y ‘Midnight Sky’ fueron Top 20, Top 26 y Top 52, respectivamente. Eso sí, aunque no haya conseguido el oro en nuestro país, ‘Flowers’ lleva ya unos día en el Top 1 Global de Spotify, por delante de Bizarrap y Shakira.
Por otro lado, Myke Towers y Justin Quiles firman el segundo debut en lista más fuerte de la semana, aterrizando ‘Whiskey y Coco’ en el puesto 34. Tini, Steve Aoki y La Joaqui entran en el puesto 76 con ‘Muñecas’, mientras que SZA se ha colocado en el número 80 con ‘Kill Bill’, que además ocupa el tercer puesto en el Top 50 Global. Shakira también ha posicionado dos antiguos éxitos a raíz de su nuevo tema: ‘Waka Waka’ (#85) y ‘Hips Don’t Lie’ (#93).
Sila Lua es una de las revelaciones nacionales que nos ha dejado el año 2022 a través de su disco de debut ‘ROMPE’. Una historia conceptual en la que se conjugan diferentes géneros vinculados tanto a lo urbano como a lo alternativo, sobre la que hemos querido profundizar con la artista. Nos encontramos en un barrio céntrico de Madrid a la caza de un bar no demasiado ruidoso en el que poder grabar la conversación.
Es un placer escuchar el origen de la historia de este complejo álbum, su visión sobre el mismo o el porqué de contar con una banda sobre el escenario únicamente compuesta por mujeres, incluso en cuanto a técnica de sonido. Podréis comprobarlo este sábado 28 de enero en Madrid como parte de la programación de Inverfest, y posteriormente en Salamanca (10 de febrero), Ourense (11 de febrero), Murcia (17 de febrero), Valencia (18 de febrero), Bilbao (9 de marzo), Pamplona (10 de marzo), Donosti (11 de marzo), Sevilla (17 de marzo), Granada (18 de marzo) y Barcelona (21 de abril). Además, JENESAISPOP invita -junto a un acompañante- al concierto de Conde Duque a los 5 primeros que enviéis un mail a jenesaispop@gmail.com con el asunto SILA LUA MADRID, indicando vuestros nombres y apellidos.
‘ROMPE’ es un disco conceptual, ¿puedes presentarlo para quien todavía no te conozca?
Nace de la imagen de un barco rompiendo las olas: por eso se llama ‘ROMPE’. Toma como hilo conductor el mar, su cultura, esa poesía, esa inmensidad. Yo quería transmitir ese empuje tanto en la producción como en las letras. También es un primer viaje para mí, como si me subiera a un barco yo sola buscando aventuras.
En el disco también hablas de una historia que le pasó a tu abuela, ¿no?
La primera canción, ‘La hija del capitán’, es la única en tercera persona. Cuento -con un poco de imaginación- la historia de mi abuela y su padre, que murió en un naufragio, al lado del Sáhara. La canción es un requiem. Es una despedida y tiene algo de militar en las percusiones. Digo que le echo imaginación cuando esa niña, tras la muerte de su padre, también decide lanzarse al mar como su padre. El resto del disco ya es en primera persona y es la historia de esa niña que ya ha crecido.
Y que eres tú…
Uso esa historia de mi abuela y su padre para encarnarme y poder contar la mía. Siempre hay ciertas metáforas, pero todo es autobiográfico. Son cosas que me han pasado, pero ordenadas de manera bella. Quería que el viaje fuera de más convulso a menos convulso. ‘ROMPE’, al principio del disco, es una canción muy violenta, llena de dudas. Las primeras canciones son más como preguntas, de escupir más. Y luego hay una parte que empieza con ‘Makara’ y sigue con ‘Viaje al fin de la noche’ que es como más juguetona. El disco termina con ‘Xoias novas’ y ‘Mi nombre’, que ya son canciones más del corazón, más comprensivas, menos convulsas.
¿Te has agobiado con que todas las canciones encajasen en ese concepto o en esa narrativa?
Todas tienen una palabra o una referencia al mar. En ‘Viaje al fin de la noche’ no hay nada marítimo, pero viene de un libro que cuenta aventuras. También es un «viaje». Para mí era importante, a nivel lírico, usar el mar para contar una historia. No que todo fuera sobre el mar. ‘La hija del capitán’ puede ser la canción más obvia, pero otras usan el mar como metáfora para contar algo distinto.
‘Tanta vida’ es una canción anterior, para una serie, ‘La edad de la ira’, que pensé que quedaría peor encajada, pero resulta que es de las que más usan el mar como metáfora.
«Guardo mares desbordados»… Es verdad que la hice por y para la serie, pero al escribirla, yo ya estaba envuelta en este concepto. Entonces salió así. Me dijeron que la pusiera al final, pero me encajaba en el número 9. Pienso que ahí va muy bien.
¿Has tenido dudas sobre qué te podía encajar y qué no, de las canciones que ya habían salido previamente?
He escrito todo, palabra por palabra, por y para el disco. No hay nada reciclado. Hay cosas antiguas que saldrán o no. Me parecía bonito hacerlo al revés, como debe ser: primero pensar el concepto y luego crear todo a partir de ahí. Me ayuda a mi creatividad tener clara una dirección. Antes ya había hecho un EP de arquetipos femeninos, porque estuve una época obsesionada con la mitología griega. Aunque luego abrí el concepto y metí a Rosalía de Castro.
«Con ‘ROMPE’ quería sentar las bases de mi proyecto, que la gente entienda de qué voy»
En la industria es muy habitual meter luego bonus tracks para añadir streamings y demás… Como Bad Bunny recuperando ‘Callaíta’ para ‘Un verano sin ti’.
En ‘Callaíta’ creo que tuvo que cambiar la instrumental y la metió en el disco para que la gente se diera cuenta… Yo quería sentar las bases de mi proyecto, que la gente entienda de qué voy. Yo creo que es distinto cuando estás entre álbumes, lanzando singles… puedes hacer movimientos más inteligentes a nivel márketing. Para mí los álbumes son importantes. Puedes hacer un concepto para una canción pero un álbum siempre va a brillar más, es un concepto más complejo.
La canción que más me llamó la atención del disco en principio fue ‘Patrón’ y me sorprendió ver que no estaba entre las que tenía mejores números…
Yo tampoco lo entendí mucho, pero era muy rara. Cuando la saqué pensé que era súper buena, pero supongo que es difícil (risas).
Es un tema feminista, contra el patriarcado, y la producción es muy interesante. ¿Qué me puedes contar sobre ella?
Esta canción la empezamos mi productor y yo. Yo quería hacer como un trip hop y tenía la letra, con una métrica rara. Luego pensé que sería interesante meterle cuerdas. Con este álbum he aprovechado para hacer cosas que no había podido, como grabar con un cuarteto de cuerdas. Las cuerdas tienen una cosa desgarradora y el mensaje encaja muy bien. Invité a LaTorre, una cantante ecuatoriana, a que la cantara conmigo, y su parte le da luminosidad. Si no, habría sido muy dura, porque uso palabras muy fuertes, como «guerra», «aborten», «suiciden»… y ella es más melódica y la abrió mucho. ‘Patrón’ también es por el patrón del barco… Pero es verdad que habla sobre mujeres y sobre el machismo como problema transversal. Hablo de nosotras y sobre ellos.
«‘Patrón’ es sobre el machismo como problema transversal (…) pero no me interesa la política»
¿Para ti es importante que la música tenga un mensaje?
No, me divierte también la música que no. No tiene por qué. Me gusta la poesía, no me interesa la política. De hecho me aburre la gente que es muy «mensajera». Lo que pasa es que inevitablemente hay cosas que salen. Para mí es imposible no hablar de algo que me importa o me interesa.
‘Viaje al fin de la noche’ tiene esta frase «si consigues que me corra, me caso contigo». No sé si aquí hay algo de reivindicación, si va de que hay gente que es un paquete follando…
(risas) Cada vez que la canto en directo, ya sale la risita… Pero en este caso no era en plan feminista sexual. Lo que digo es que «voy tan ciega, que si aun así consigues que me corra, me caso contigo». Está basada en una historia real y esta persona me llamó cuando se dio cuenta. Me dijo: «¡pero Sila!». Y dije: «pues ya lo siento» (risas). Me dijo: «no, si me gusta…» Y vino a la presentación del disco. Me apetecía hablar de las profundidades del mar, figurando un after. Tuve esta experiencia, y quedaba perfecto.
¿Qué podemos esperar de tu gira?
Actúo en Inverfest, son 11 fechas por toda España, se irán añadiendo más. ¡Espero que todo el mundo compre tickets! Voy con una percusionista y una DJ. La DJ lleva la cabeza de conejo del vídeo, queremos hacer una historia performática, más que conciertos. Habrá partes urbanas, partes tecno… Busco crear ese viaje con luces y canciones, vestuario, y con diferentes géneros. Que haya de todo.
¿Ha sido buscado que todas las músicas seáis mujeres?
Mi DJ, Greta, lleva un año y medio conmigo, me la presentó mi productor, es la hostia. Sí he buscado una teclista femenina. También voy con técnica de sonido mujer, me ha costado encontrarla. En la presentacion quería 4 percusionistas y rollo tribal, pero no encontré 4 percusionistas mujeres.
En el contexto político actual, me parece un mensaje político potente, abiertamente feminista, aunque decías que no te interesaba la política…
Sí, pero bueno. Para mí es algo poético. Yo soy mujer y represento ciertas cosas, me gusta rodearme de otras mujeres talentosas. Si tocaran mal, no las llevaría.
Bueno, estáis empezando. Todo el mundo toca mal al principio. Las bandas de chicos, también.
Yo soy solista, ¡si les pago es para que toquen bien! (risas)
«‘REDUXER’ de alt-J fue una inspiración. Como si yo fuera una indie que quiere ir de rapera o una rapera que quiere de ir de indie»
¿Has trabajado con referentes concretos en lo musical?
Nos hemos dejado llevar por la música, sí había «drums» concretos y a veces pensaba: «vamos a hacer algo parecido». Pero cuando haces música, todas tus referencias están reflejadas. Me gusta mucho la música urbana y yo vengo de ahí. Pero me siento más alternativa, y hay un disco de alt-j que sí ha podido ser una referencia. Hicieron un disco de remixes llamado ‘REDUXER’, a partir de su disco ‘relaxer’, en el que invitan a raperos y productores de urban. Fue una inspiración, pero más en lo conceptual. Como si yo fuera una indie que quiere ir de rapera o una rapera que quiere de ir de indie. Como no atarse a ningún sonido concreto. Que en el disco pueda haber un poco de todo.
Ahora que dices lo de alternativa, en el disco hay cosas que suenan deliberadamente desagradables, como sucias y oscuras…
Este disco ha sido una experimentación. Mi sonido ya era oscuro. Yo empecé estudiando producción musical, hice mis beats, y luego me di cuenta de que me gustaba más hacer canciones que producir. Empecé a colaborar con más gente. Pero para mí es importante estar delante en todo el proceso. Yo no canto la letra y otra persona hace los arreglos. He estado un año y medio en el estudio con mi productor. Las canciones han pasado por ritmos distintos. Ha sido una búsqueda de ver qué le iba a cada canción. Hay algo de mi sonido que tiene cierta oscuridad, suciedad… pero la mezcla es súper limpia, súper pop. La mezcla es como si fuera de Ariana Grande (risas)
¿Te ha llevado un año y medio grabar este disco, entonces?
Ha pasado por diferentes procesos. Estuve en Brasil con Duda Brack y comparábamos hacer un disco con un embarazo. Nunca he estado embarazada pero nos reíamos mucho diciendo que es como hacer un álbum: primero estás toda contenta, y luego a los 3 meses empiezas a vomitar. Entras con energía, pero luego dices: «Dios mío, pero si no tengo nada, ¿cómo voy a hacer este castillo?». Y a la mitad ya te empiezas a sentir bien, ya te dicen si está sano, puedes verlo… Hay altibajos, pero cuando tienes 3 o 4 canciones vas viendo que puedes continuar. Y vas teniendo fe de que el concepto es bueno. He crecido mucho como música, he tenido la oportunidad de seguir creciendo, como con el cuarteto de cuerda. Hay guitarristas, pianistas, percusionistas… Han sido sesiones y experiencias inolvidables. Y eso te «crece» como artista.
Antes de grabar, me comentabas que habías hecho unas sesiones con Marcel Bagés. ¿Y eso?
Hace un año. Cuando escuché ‘Clamor’ flipé, hablé con él, y me dijo que pinchaba ‘Quiero llorar‘ en algún festival. Le dije: «Voy a Barcelona». Estuvimos 2 días en el estudio, pero no acabó de salir nada. ¡Pero es muy majo!
¿Cuándo das el trabajo por acabado?
Hice muy bien en ponerme una deadline… Siempre puedes regrabar voces pero ya tenía las 11 canciones, sabía el orden y hemos estado 1 o 2 meses con arreglitos de última hora. Con esos arreglitos me podía haber tirado otros 6 meses…
«Yo pensaba que si la segunda canción que había hecho, había gente que la buscaba en Shazam en Brasil, Rusia, Ucrania… es que iba por buena dirección. Ahí me puse a hacer el álbum»
¿Sirve de algo sonar en ‘Élite’? Está muy bien entrar en playlists, pero tengo la teoría de que eso no lleva a la gente a tus conciertos…
Sí sirve. Fue un empuje emocional. Cogieron 2 canciones antiguas. ‘Nada’, que fue una de las que escogieron, fue la segunda canción que hice en mi vida. Antes tenía 3.000 o 5.000 plays. Los plays vienen de Shazam, no de las playlists. Yo pensaba que si la segunda canción que había hecho, había gente que la buscaba en Shazam en Brasil, Rusia, Ucrania… es que iba por buena dirección. Ahí me puse a hacer el álbum. Si hubiera lanzado el álbum al mes se hubiera traducido más… pero bueno. Hasta ‘Élite’ yo tenía 8.000 o 10.000 oyentes, no me escuchaba nadie. Llegué a 200.000. Ahora he bajado obviamente, pero esa gente que me escucha ahora es la que está medio pendiente.
¿Cómo te ves en 5 años años? ¿Qué inquietudes tienes? ¿Te agobian los números?
Los números no me importan. Me gustaría hacer la música que me gusta, con buenos medios. Los buenos profesionales cuestan dinero. Me interesa seguir desarrollando mi proyecto y aportar mi visión. Si resulta en un hit, pues muy bien. Me gustan los artistas de álbum, de conceptos, los que van creciendo, más que los que tienen un hit. Aunque un hit siempre viene de puta madre (risas).
Creo que este disco no está muy preocupado por un hit. No sé si es lo que buscabas con ‘ROMPE’ o ‘Viaje al fin de la noche’, pero no me ha dado esa sensación.
Estoy sentando las bases, es lo que quería con este álbum: empezar a sacar singles, explorar… Estoy con la gira, esto no ha hecho más que empezar. Yo quería que fueras a una plataforma y que la gente tuviera claro de qué va Sila.
Te compararán mucho con FKA twigs, pero veo una chulería más tipo Luz Casal en cómo cantas por ejemplo ‘Eres para mí’.
¡Me lo han dicho! Me lo decía una amiga gallega. Creo que es por el tono de voz, lo tiene grave como yo. Luz Casal y FKA twigs… ¡me gusta ese mix!
