Harry Styles ha cancelado la actuación que tenía prevista para este domingo 3 de julio en Copenhague, capital de Dinamarca, tras un tiroteo acontecido por la tarde en un popular centro comercial de la ciudad, cercano al recinto donde el concierto iba a tener lugar.
El cantante británico ha mandado sus condolencias: «Estoy conmocionado al igual que el pueblo de Copenhague. Adoro esta ciudad. La gente es tan acogedora y tiene un corazón enorme. Estoy devastado por las víctimas, por sus familias, y por todo aquel que esté sufriendo en este momento. Siento no haber podido estar juntos. Por favor, cuidaos los unos a los otros».
Tres personas han muerto y varias han resultado heridas durante el tiroteo, que ha tenido lugar en el centro comercial de Field’s, situado a escasos metros del recinto de Royal Arena. Las personas fallecidas son una chica y un chico daneses de 17 años, y una mujer rusa de 47 años. Un hombre danés de 22 años con antecedentes psiquiátricos ha sido detenido por los disparos. No obstante, la policía de Copenhague ha descartado que se trate de un acto terrorista.
Estos días, Styles se encuentra de gira presentando ‘Harry’s House‘, su nuevo álbum, si bien la gira que ha emprendido es la del disco anterior, que se hubo de posponer debido a la pandemia. El 5 de julio toca en París, y habrá que esperar hasta el 29 para verlo en Madrid. Es su única fecha en España.
La canción no ha llegado al top 100 de Reino Unido ni al de Estados Unidos, cuando los singles del anterior disco de Demi Lovato rondaron el top 40 (‘Anyone’) o el top 75 (‘Met Him Last Night’, ‘Dancing with the Devil’).
Alguien podría decir que no estaba esta especie de post-grunge hecho para las listas, pero lo cierto es que nadie sabe qué esperar de un guitarrazo después de lo de Måneskin o de que el mayor hit de Olivia Rodrigo haya sido ‘good for you’.
En todo caso, el camino hacia ‘Holy Fvck’, que se publica el 19 de agosto, continúa su curso y Demi Lovato ha avanzado en su Instagram un fragmento de su siguiente single, que se llama ‘Substance’.
‘Substance’, que sale el viernes de la semana que viene, 15 de julio, hablará sobre el consumo, sobre estar extunuadx, sobre salud mental y sobre el apoyo de los demás. Así se recoge ya en Genius.
Adele ha realizado este fin de semana los dos conciertos que tenía previstos en Londres con una serie de teloneras de lujo, lo que incluía nombres de primera fila como Gabrielle y Kacey Musgraves, que interpretó un generoso set, como podemos ver en Setlist.fm.
En cuanto a Adele, con excepción de algunas actuaciones televisivas, esta ha supuesto la primera presentación sobre un escenario de las canciones de ’30’, disco del que ha vendido 5 millones de copias, situándose como el álbum más vendido de 2021 en todo el mundo de manera oficial, si bien este año sus encantos se han extinguido antes de tiempo por la falta absoluta de promoción.
El show ha incluido por tanto la primera vez que se ha interpretado el single ‘Oh My God’ en vivo y se ha dejado que la preciosa ‘Love Is a Game’ sea la que cierre el concierto rodeada de fuegos artificiales, pero en verdad la noticia ha sido el poco caso que Adele ha hecho a ’30’. No ha interpretado siquiera el que parecía el single veraniego del álbum pero no lo está siendo en absoluto, ‘Can I Get It’, y en verdad han sonado más temas del disco ’21’ (seis canciones) y las mismas de ’25’ (cinco) que del propio ’30’ que se presentaba (cinco).
Adele ha aparecido en la prensa por abrazar la bandera del Orgullo Gay durante ‘When We Were Young’ en la última de las dos noches, y por adoptar una coreografía de Megan Thee Stallion durante ‘Under the Bridge’. Pero sobre todo por conceder una entrevista a la BBC en la que habla de lo devastador que ha sido para ella posponer los conciertos de Las Vegas, pero todavía sin dar una pista sobre cuándo se producirán los mismos.
Ha dicho: «Sentí la decepción de todo el mundo y estaba derrumbada y aterrada de decepcionar a todo el mundo», dando a entender también que el show no estaba listo. «No voy a hacer un concierto solo porque tenga que hacerlo o porque la gente se va a decepcionar o porque vamos a perder un montón de dinero», ha justificado sin dedicar ni una palabra al cuándo, cómo o incluso dónde se realizarán los shows aplazados de Las Vegas. Continúa, de momento, el momento agridulce para Adele, pese a que, al menos, ha podido sacar adelante estos dos conciertos.
Este jueves en el parque Enrique Tierno Galván tocaba jornada de rock, pero de dos tipos muy diferentes. Primero, el de Cala Vento. Segundo, el de Él Mató A Un Policía Motorizado. En esto consistió la penúltima jornada del Tomavistas Extra.
La salida de Cala Vento fue precedida por una castiza melodía de trompetas y recibida por un grupo de entre 20 y 30 personas de pie delante del escenario, mientras que el resto de la gente seguía en las gradas de piedra. Estos no tardarían en unirse al montón. Era el primer show de Cala Vento en Madrid desde octubre de 2019, por lo que para ellos no era un concierto cualquiera. La química entre Aleix y Joan se notó al instante, incluso para alguien que no estaba familiarizado con ellos. Uno de los primeros temas fue ‘Solo Sin Café’ y, para ser el comienzo del gig, el público ya estaba totalmente volcado, acabando las frases del tema a pleno pulmón.
La batería de Joan y la guitarra de Aleix parecían ser una sola mente pensante. Lo difícil, y lo que consiguen hacer estos amigos de L’Empordà, es sincronizarse a la perfección mientras suenan como si tocasen el doble de personas. Joan le daba con tanta energía a los bombos que creaba pogos entre el público él solito. Decidieron dejar los temas más conocidos, como ‘Gente Como Tú’, ‘Estoy Enamorado de Ti’ e ‘Isla Desierta’, para la recta final. Entre medias, tocaron tres canciones de su próximo disco, el cual sería el primero del dúo en tres años, desde ‘Balanceo’ en 2019. Sonaban francamente bien, y me quedé con una línea que referenciaba a «los seres de las redes». Cuando salga veremos de qué va eso.
‘Abril’, la canción más grande de su álbum debut homónimo, fue la canción final de la actuación de Cala Vento. Antes de retirarse, Aleix recordó que hay un nuevo LP en camino, y que su próximo concierto «seguramente será con un nuevo disco bajo el brazo». El turno de los catalanes terminó sobre las 21.15. 45 minutos después, Él Mató A Un Policía Motorizado traería de vuelta la música.
Santiago Motorizado, Doctora Muerte, Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán comenzaron con el rock lo-fi de ‘El Magnetismo’, la intro de ‘La Dinastía Scorpio’, de 2013. Antes de dar ningún respiro al público, tocaron los bucólicos acordes de ‘La Noche Eterna’, una de sus más queridas canciones.
Las diferencias respecto al show de Cala Vento, crudo y sin filtro, fueron evidentes desde el principio. El juego de luces rojas y azules que fue el leit motiv del concierto y que emulaban las de, sorpresón, la policía; la relajada actitud de Santiago como vocalista y la tracklist llena de hits fueron las diferencias más notables. La iluminación era un verdadero espectáculo, ayudando a aumentar esa específica sensación de «dejarse llevar» que tan frecuente es en los estribillos de la banda.
Tocaron ‘El Perro’, ‘Chica De Oro’, ‘Más O Menos Bien’, ‘El Tesoro’, ‘Yoni B’ y ‘El Mundo Extraño’, entre muchas otras que, aún no conociendo, son imposibles de no disfrutar en directo. Tras volver al escenario después de un parón que parecía el final del show, pero que en realidad pareció un hiato para rellenar la bebida, sorprendentemente les quedaban varios hits para tocar. Entre ellos, ‘Ahora Imagino Cosas’ y ‘Fuego’.
Santiago es un hombre de rutina. Acaba una canción, lanza un calmado «gracias» y levanta el pulgar como diciendo: «Estamos bien». Y sin más dilación, la siguiente canción. Y así todo el concierto. Las únicas dos veces en las que Santiago se explayó un poco más fue para dedicar una canción a Jota, de Los Planetas, que se encontraba en el backstage y al que se refirió como «el mejor liricista de lengua hispanohablante», y para invitar, de nuevo a Jota, al escenario.
Cantaron juntos la última canción del show, ‘Mi Próximo Movimiento’, del cuarto proyecto de la banda, ‘Día de los Muertos’. Jota y Santiago consiguieron hacer que todo el público cantase las líneas «ahora estoy arriba de mi casa con un rifle», para acabar en un «pa-pa-pa-pa-pa-parara» multitudinario que significó el final de la noche eterna del parque Enrique Tierno Galván. Eterna, ojalá lo hubiese sido.
Soccer Mommy llega al difícil-tercer-disco (tras la aceptación de ‘color theory‘) con apenas 25 años. Y supera el reto con su obra más ambiciosa. Sophie Allison toma su fórmula de cantautora introspectiva que adora los 90 alternativos y la lleva más allá, con la ayuda de Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never. Lopatin se diluye para ponerse completamente a disposición de Sophie. Y ella no desaprovecha la oportunidad de acabar de erigirse en una digna sucesora de la primera PJ Harvey y de las luminarias de 4AD, con Slowdive y Lush a la cabeza: no en vano, los sintetizadores soñadores, las guitarras distorsionadas y la voz brumosa, marcas del sello, son una constante en el disco.
Con títulos como ‘Darkness Forever’, una puede esperar un festival de cortavenismo, pero Allison logra mantener el nervio para no hundirse en la depresión ni la languidez. ‘Sometimes, Always’ es una especie de diario, en el que Soccer Mommy pasea su malestar: sentimental, emocional, mental, y social. Que la dulzura de ‘Bones’, el primer tema, no lleve a engaño. La voz de Allison, aniñada, la guitarra queda y el precioso estribillo esconden la ansiedad de alguien que no cree merecer amor y, a su vez, piensa que el suyo tampoco puede durar. Todo esta confusión queda reflejada en una coda final de pura distorsión atmosférica.
La pieza mayor del álbum llega rápido: ‘Unholy Affliction’ es la tercera pista. Allison se enfunda el traje de la PJ Harvey de ‘To Bring You My Love’ en un tema sucio, de voz emborronada y bajo marcadísimo, donde Allison canta murmurando para sí misma, renegando de la fama y enunciando sus contradicciones: querer vivir de la música, pero odiar sus esclavitudes: “I don’t want the money / That fake kind of happy (…) But I want perfection / Tight like a diamond” (“No quiero el dinero, que da una felicidad falsa. Pero quiero la perfección, dura como un diamante”).
‘Shotgun’ es lo más parecido a un single, una canción pizpireta y de estribillo redondo, coronada por esos sintetizadores y redobles tan, efectivamente, 4AD. ‘newdemo’ es una pequeña epopeya ecologista y de crítica social donde cambia los 90 por los Beatles psicodélicos. ‘Darkness Forever’, dedicada a Sylvia Plath, rememora su suicidio y sí, es la pieza más ominosa del álbum. La dulce voz de Sophie contrasta con el fondo oscurísimo, esquinado, de bajo asfixiante y distorsión. Por suerte, ‘Don’t Ask Me’ recupera la garra más pop y ‘Fire in the Driveway’ la más melancólica.
‘Sometimes, Forever’ cierra con la preciosa ‘Still’, cercana en espíritu al baladón de 1995 ‘One of US’ de Joan Osborne. Sencilla y apenas sostenida en la guitarra, aquí Allison resume su zozobra existencial: depresión, el deseo de ser otra persona, una persona mejor, la angustia de ver que no lo consigues… Sí, todas las aflicciones e incertidumbres que nos atizaban en los 90, nos siguen arreando a día de hoy. Con más fuerza, quizás.
Soleá Morente no pierde la inspiración: si en 2020 publicó el estupendo ‘Lo que te falta‘, y solo hubo que esperar un año para su continuación, ‘Aurora y Enrique‘, ahora ha anunciado el fin de esta era para centrarse en su siguiente trabajo. Personalmente, considero ‘Aurora y Enrique’ el disco más logrado de Soleá, con joyas como ‘Fe Ciega’, y parece que ha decidido cerrar esta etapa por todo lo alto lanzando ‘Domingos’ como último single.
Escrita por Soleá, con la producción de Manuel Cabezalí y la masterización de Dany Richter, ‘Domingos’ sorprendió además por ser una colaboración con Isa Cea, de Triángulo de Amor Bizarro, y por lo bien que funcionó esta mezcla que pocos habrían previsto.
Con sonidos más cercanos a los de TAB (y unos deliciosos punteos que recuerdan a The Cure en la estrofa de Isa), ‘Domingos’ vuelve a incidir en un tema constante en el álbum: el escapismo y una visión inocente y pura del amor y la libertad. Esto se refleja por supuesto en el videoclip, que de nuevo viene con una interesante firma detrás.
Y es que Soleá vuelve a demostrar buen gusto escogiendo directores, escogiendo ahora al director de ‘La leyenda del tiempo’ y ‘Entre dos aguas‘, Isaki Lacuesta, que en unos meses estrena la esperadísima ‘Un año, una noche’, la película basada en el atentado de Bataclan con Noémie Merlant, Nahuel Pérez Biscayart o ¡C. Tangana!.
El vídeo muestra a Soleá e Isa vestidas de novia, paseando por parajes de bosques, pueblos y playas mientras huyen ¿de su boda?, ¿hacia su boda?, ¿hacia la libertad? En cualquier caso, desde Elefant se aseguran de ponernos los dientes largos puesto que, a la vez que despiden este disco, afirman tener “la convicción de que Soleá nos va a sorprender muchísimas veces más, nos va a emocionar hasta derretirnos”.
En una primera parte de este episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», repasábamos la discografía de Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama. La segunda parte la dedicamos a Fangoria, pasando de sus momentos de suicidio comercial y ruina a su gran época de gloria, pasando por su gran obra maestra, ‘Una temporada en el infierno’. Orden del día:
-El ‘Salto Mortal‘ de su primer disco fue literal: qué rescatar de él.
-Los EP’s de los Vulcano y su relación con Family.
-El punto de inflexión que fue ‘La lengua asesina’.
-Por qué Fangoria no tienen especial apego por ‘Una temporada en el infierno’.
-El disco de oro de ‘Naturaleza Muerta’ y la muerte de Carlos Berlanga.
-‘Arquitectura Efímera’: el regreso a la fama total. Elsa Pataky, Marta Sánchez, Pablo Rivero.
Estéticamente un cruce entre Tegan & Sara y The Corrs, compositivamente en la escuela melódica más bien de Taylor Swift, MUNA llegan a su tercer disco como favoritas de los seguidores del pop-rock desprejuiciado y como voces fundamentales de la comunidad LGTB+. Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson se reconocen como «queer» y la última además como no binarix.
Esto puede ser importante o no, pues el single ‘Silk Chiffon’ con Phoebe Bridgers -ahora que forman parte del sello de esta, Saddest Factory- es una celebración del amor queer («That’s how it feels, oh, when she’s on me» es el estribillo); como ‘What I Want’ expresa un deseo de evasión en «un bar gay» («cuando vuelva a salir, voy a beber un montón, voy a tomarme un chupito, porque eso es lo que quiero»). Esto no es una visita ocasional y jocosa a un ‘Gay Bar’ de Electric Six, sino una reflexión sobre las cuestiones sociales que han llevado a la comunidad LGBT+ a buscar espacios seguros, de la manera que fuese.
El mundo está necesitado de canciones de amor entonadas por chicas o personas no binarixs para otras chicas y personas no binarixs, pero es la universalidad y la contundencia de las composiciones de MUNA su mayor as en la manga. A los dos sencillos ya mencionados hay que sumar ese tiro de euforia llamado ‘Anything But Me’ reservado para el final del álbum, o ese ‘Home By Now’ que parece inspirado en los sintes de pop sintético de la Robyn más bailable.
Como Haim cuando deciden desplegar su vena más pop e incluso realizar alguna que otra coreografía, hay algo de humor y hedonismo en los beats, pero también profundidad. ‘MUNA’ es un disco no exento de drama, que a menudo nos habla de rupturas, decepciones amorosas y la búsqueda de una misma. Y lo mejor es que la banda ha madurado en este importante tercer álbum, pues cuando no se trata de hacer singles, ofrecen cosas muy enriquecedoras también.
Si en ‘Saves the World‘ ya destacábamos entre lo mejor de aquel segundo álbum los experimentos de ‘It’s Gonna Be Okay, Baby’ y ‘Stayaway’, aquí son reivindicables varias producciones diferentes, no tan inmediatas. La batería desbocándose cíclicamente en el desarrollo de ‘Runner’s High’, un tema post-ruptura, es mi debilidad personal. También la intervención de Mitski en los créditos de ‘No Idea’, cargada de detalles y efectos que colorean un tema sobre los distintos tipos de sexualidad, sobre lo que proyectamos y sobre lo que se percibe sobre nosotrxs.
Más que la baladita country ‘Kind of Girl’, es interesante ‘Handle Me’, con muchos más matices y cierta llamada de atención al cariño ajeno («no soy una nueva bicicleta… no soy un pétalo de rosa»). Además del guiño a Prince de ‘Solid’, ‘MUNA’ se cierra con un par de canciones distintas, entre las que destaca la ambiciosa ‘Loose Garment’, en la que, entre esas cuerdas que se van abriendo paso, se niegan a ahogarse en su propia pena, sino que tratan de establecer una relación diferente con ella, algo habitual en terapia. Muy bien equilibrado entre hits y otras cosas que ofrecer, no es de extrañar que Katie, Josette y Naomi hayan decidido llamar todo esto simplemente ‘MUNA’.
‘Break My Soul’ es top 4 en Reino Unido y se mantiene fuerte a nivel global. Lo nuevo de Beyoncé va a ser su mayor hit en solitario en bastante tiempo y así lo ha reconocido también nuestro público. ‘Break My Soul’ es el 5º número 1 de Beyoncé en nuestro top. Antes lo logran canciones tan históricas como ‘Run the World (Girls)’, ‘XO’, ‘Formation’ y ‘Freedom’ con Kendrick Lamar.
También entran en el top 10 Rosalía con su último viral, Taylor Swift con una banda sonora, Natalia Lacunza con su drum&bass y Gorillaz con su single con Thundercat. En posiciones más modestas llegan Phoenix, Shygirl, Delafé y las Flores Azules y Nevver.
Río Babel pasará a la historia por haber traído a Madrid a Bad Bunny antes de la pandemia (a. de P.). Elena Rosillo nos contaba en su amplia crónica titulada «Río Babel perrea con Bad Bunny«, por aquel entonces de 2019, que el concierto «pareció intentar convertirse en una orgía colectiva durante ‘I Like It'», y que ya sonó ‘Callaíta’ tres años antes de terminar en ‘Un verano sin ti‘. Concluía que sus temas «dan en el clavo con rimas certeras y sencillas que hacen empatizar a una audiencia joven y ávida de experiencias al más puro YOLO, con un artista que les habla del éxito con la misma intensidad y verdad que del fracaso».
No me atrevo a cuestionar la diversidad del cartel de Río Babel después de tan histórico hallazgo en la historia del pop: apostar por Bad Bunny para un festival de verano, como también lo había hecho Arenal Sound, mucho antes que Coachella. Lo cual no quiere decir que la fórmula no siga sonando arriesgada a oídos de 2022. Río Babel, que se abrió el jueves con Dani Martín como cabeza de cartel, contará hoy sábado con Residente como gran reclamo latino de este año, mientras anoche fue el turno de los autores de los dos mejores discos de 2021 para nuestra redacción, Zahara y C. Tangana.
La macedonia de estilos a que me refería propició que antes de Zahara, actuara gente tan dispar como Tanxugueiras y Tu Otra Bonita, en dos escenarios lejanos, perpendiculares y alternos, siempre sin solapes. También una serie de comediantes en un innovador escenario llamado Babel Comedy, con Goyo Jiménez, Ignatius Farray y un largo etcétera en el que no pude integrarme demasiado por razones de deformación profesional. Por cada chiste sobre las Spice Girls -y el racismo de que hubiera una negra, como si tal cosa fuera un rasgo de la personalidad- que me invitaba a quedarme, escuchaba a lo lejos gritar a una Tanxugueira reclamando mi atención.
Ainhoa Laucirica
Tanxugueiras se manifestaron muy enfadadas por los mensajes de odio que en estos tiempos a todos nos ha tocado vivir, narraron cómo unos «gilipollas» las acababan de piropear en un descampado ese mismo día, sacaron una bandera del Orgullo Gay, proclamaron que «Viva el amor» y alternaron temas más rítmicos y bailables, guiados por los percusionistas sobre las tablas, con otros más íntimos y tradicionales, como ‘O querer’. El público se entregó a su show -sobre todo en las primeras filas- en todo momento, si bien fue con la final ‘Terra’ cuando miles de personas se pusieron a bailar como si tuvieran idea alguna de la tradición gallega o de ritmo en absoluto. Algo que no hubiéramos adivinado en cualquier festival hace unos años, pero quizá justo sí en Río Babel.
A continuación, Tu Otra Bonita, una de esas bandas de gran éxito en las salas de Madrid, ideales para el buen rollo de una fiesta mayor. El cantante recordó que se estaban repartiendo un montón de condones a la entrada y en la zona VIP, animando al sexo seguro con ciertas reminiscencias hippies, mientras sus canciones citan a Los Piratas (‘El equilibrio es imposible’), y a Los Planetas (‘Algo que ya’), solo que sin parecerse en nada a ninguno de los dos. Tu Otra Bonita son más rumberos y pachangueros, si parecidos a alguien sería un poco a Estopa, con el mismo apego por una adaptación de ‘Alegría de vivir’ de Ray Heredia que por una melodía que podría haber sonado en una sitcom noventera tipo ‘Los ladrones van a la oficina’. Podrían ir a Eurovisión el año que viene… y terminar en la misma posición que Miki.
Ainhoa Laucirica
Ya explicamos en un podcast por qué entendemos que ‘PUTA’ tiene más valor histórico y más méritos que ‘El Madrileño’, pese a que este último es obviamente un disco mucho más popular. Han pasado 69 semanas de su lanzamiento y continúa en el número 4 de las listas españolas, certificado como triple platino. C. Tangana es quien arrastra masas, como se ha visto en semanas pasadas en grandes estadios, en el Sónar, en Mallorca Live y anoche en Río Babel frente a 27.500 personas que habían agotado toda forma de localidad (abonos y entradas de viernes, aún quedan para el sábado, no se agotaron el jueves). Esta es la 4ª vez que JENESAISPOP reseña el mismo show y la 3ª semana consecutiva; si bien creo que va ser la última según nuestros cálculos.
Para evitar esta circunstancia de ofrecer al público 65 veces lo mismo y en el mismo orden, Zahara ha cambiado el show de ‘PUTA’ para este verano. Ahora se llama ‘LA PUTA RAVE’, se centra en su vena electrónica (‘Berlin U5’ dura como 15 minutos al cierre del show), ahoga la más acústica (desaparecen del set ‘SANSA’ y ‘negronis y martinis’, por ejemplo) y parece realmente un concierto de su grupo paralelo, _juno, en cuanto a experimentación y formato: a duras penas distinguimos en la lejanía a Zahara y a Martí de bailarinas y resto de miembros, porque lo importante es la música.
El show comienza con una versión techno, o por lo menos bailable, de ‘Taylor’, seguida de un remix de la propia Taylor Swift. ‘Toxic’ de Britney Spears y ‘Summertime Sadness’ de Lana del Rey han hecho también sendas apariciciones en ‘LA PUTA RAVE’, en momentos algo desconcertantes para todos aquellos que preferimos -por mucho- la música de Zahara a la de Taylor o Britney.
Los resultados son más curiosos que eficientes: mi impresión es que Zahara ha abandonado el formato anterior un poco antes de tiempo, antes que pudiéramos cansarnos de verdad de él, ofreciendo un show que a la postre tiene ciertos altibajos. Muy chocante por su carácter techno, entre el concierto de Tu Otra Bonita y ‘El Madrileño’, por un lado ‘LA PUTA RAVE’ parece que habría funcionado mejor a las 3 de la madrugada. Por otro, ni la primera parte más espiritual de ‘La gracia’ ni ‘Dolores’ encajan tanto en el concepto de rave (sobre todo después de las nuevas versiones electrónicas de ‘El fango’, ‘El deshielo’, ‘Crash’…), por lo que es mejor que el show se quede a eso de las 22.00, hora a la que fue. Lo mejor es, eso sí, la traca final con la genial y sucia ‘Joker’, el tipo de canción que sí disfruta este formato; ‘MERICHANE’, pese a que pareció ralentizada (?); ‘Hoy la bestia cena en casa’, pese a que fue recortada; y finalmente la explosiva -ahora sí que sí- «Berlín».
Alizzz acaba de subirse a una versión de esta canción de Zahara para la reedición ‘REPUTA’, lo cual nos permite pasar a comentar el show de ‘El Madrileño’, disco del que es co-productor, pese a que no forma parte de su presentación en vivo. La presentación en vivo del ‘Sin cantar ni afinar Tour’ consiste en una pantalla cinematográfica, como todo el mundo sabe ya, y en una combinación de éxitos de rap y españoletes, como todo el mundo sabe también. Respecto a aquella primera vez que presencié esta gira en vivo, se perciben las cuerdas y metales mucho mejor engrasados, integrando mucho mejor el paso de ‘Demasiadas mujeres (intro)’ a ‘Still Rapping’, por ejemplo; y ahora, en formato festival, fuera de un recinto cerrado tipo Palacio de los Deportes, los fuegos artificiales explotan tras el escenario cada vez que C. Tangana dice «tranquilísimo» en ‘Tranquilísimo’ o en varios puntos de ‘Llorando en la limo’.
Dado al elevado número de entradas vendidas, se hubiera agradecido la inclusión de una segunda pantalla hacia la mitad del recinto, y una torre de sonido que ampliara también el mismo. En La Caja Mágica no pareció haber ningún problema de aforo; el problema fue que todo el mundo se quiso acercar tantísimo a Puchito para ver y oír bien que casi 30.000 personas se apiñaron a un único lado del recinto, con el consiguiente colapso absoluto de las barras y los accesos en las inmediaciones de dicho escenario.
Lo bueno es que el número de hits no dejaba tregua ni tiempo para pensar dónde podías estar mejor que escuchando ‘Ateo’ o ‘Antes de morirme’ con Rita Payés o Marina Carmona; a destacar de nuevo el Tiny Desk con Antonio Carmona en ‘Me maten’, el popurrí de clásicos populares tipo ‘Corazón partío’ o ese momento en ‘Tú me dejaste de querer’ en que tanto brilla la voz de Niño de Elche. El set se cierra con ‘Un veneno’ y el tiempo justo para el desplazamiento al último metro. Un detalle de la organización escalonar la salida de esta forma, diversificando el abandono del recinto entre metros, taxis, buses y finalmente lanzaderas, pues a la 1.15 comenzaba además el show del DJ Parov Stelar, por lo que otra opción de hecho era quedarse allí.
Ethel Cain nos ha enamorado este año con ‘Preacher’s Daughter‘, su debut, un álbum conceptual sobre una joven que escapa de casa tras perder la fe. Es un trabajo atravesado por temas como la religión, el amor tóxico, el abuso sexual, el trauma o incluso el canibalismo, ambientado en la América profunda, llena de iglesias y robles, y compuesto por canciones que exploran sonidos como el dream-pop, el slowcore o el rock de estadios.
‘American Teenager‘ es el hit de ‘Preacher’s Daughter’, pues suena al Bruce Springsteen más comercial o incluso a Taylor Swift. Pero, de manera paralela, otro de los temas incluidos en el álbum se está acercando al millón de escuchas en Spotify sin haber sido single. ‘Hard Times’ es uno de los momentos más conmovedores de ‘Preacher’s Daughter’, y hoy es la Canción Del Día.
‘Hard Times’ es el tema de ‘Preacher’s Daughter’ en el que el personaje de Ethel Cain confronta los abusos sexuales que sufrió por parte de su padre, el pastor más querido del pueblo, cuando era solo una niña. «Era demasiado joven para saber que ciertos tipos de amor pueden ser malos» es una de las frases que deja la canción, iluminada por recuerdos bonitos, como el cumpleaños de Ethel, que quedan oscurecidos por la sombra de la pederastia. «Creía que las buenas personas podían ser felices», canta Ethel. «Pero yo no soy feliz, soy veneno en el agua y soy infeliz, y soy una niña que necesita demasiado a su padre».
Este último pasaje resume el significado de ‘Hard Times’. En ella, Ethel explora la complicada relación que le une a su padre. La canción termina con el mantra «estoy cansada de que estés atado a mí», que puede significar dos cosas. Por un lado, Ethel no ha podido dejar de querer a su padre pese a todo pues ha sido una figura importante en su vida. Por el otro, la joven alude al trauma provocado por tan dolorosa vivencia.
Ethel nos cuenta la historia de ‘Hard Times’ a través de una sencilla composición baladesca, folki, un poco Mazzy Str, que emociona especialmente con la primera entrada de la batería. Da la sensación de que, tras permanecer un tiempo inmovilizada por el trauma, Ethel se levanta del suelo y emprende el camino hacia un lugar mejor. Desgraciadamente, la historia de ‘Preacher’s Daughter’ no tiene final feliz pero, escuchada ‘Hard Times’ aparte, cualquiera puede sacar sus propias conclusiones.
Ingmar Bergman, uno de los directores de cine más importantes de todos los tiempos, ha servido y sirve de inspiración para cientos de artistas de cualquier nacionalidad. Su legado permanece intocable y su influencia innegable.
La francesa Mia Hansen-Love, pese a lo que pueda parecer por su título, no rinde un apasionado homenaje al maestro sueco en ‘La isla de Bergman’ -al menos no del todo-, sino que su obra le sirve como excusa para contar la historia de una pareja de directores de cine que van a la isla de Faro, donde Bergman filmó gran parte de sus películas, a encontrar inspiración para sus siguientes proyectos. Con esta premisa, la cineasta divaga sobre la cinefilia, se cuestiona la separación entre autor y obra y, finalmente, ofrece una cinta que es profundamente personal, que lleva indudablemente su sello.
La película propone un entramado narrativo complejo del que sale casi siempre airosa. Hansen-Love plantea dos líneas argumentales: la ficción y la metaficción, esta segunda introducida hacia la mitad del metraje. Hay un ligero desequilibrio entre ambas partes pero se compensa gracias a los progresivos paralelismos que van surgiendo y a la delicada mirada femenina con la que la directora plasma los conflictos.
De esta manera, pese a la entrega del resto del reparto, destacan particularmente las cuidadas interpretaciones de las mujeres protagonistas. Vicky Krieps, cuyo personaje podría interpretarse como una suerte de alter ego de la propia Hansen-Love, sigue demostrando que es una de las actrices europeas más interesantes de la actualidad. Por otro lado, en la ficción de la ficción, Mia Wasikowska ofrece una de esas actuaciones que desde la mesura iluminan la pantalla con una fuerza radiante.
‘La isla de Bergman’ por encima de rendir tributo al legado del cineasta, es sobre todo una carta de amor al cine, llena de referencias para cinéfilos. Es un tour por los caminos del proceso creativo, y en definitiva, una celebración del amor. No sin cuestionarse las dificultades de todo lo que esto conlleva.
Como contrapunto a la obra de Bergman, Hansen-Love ha realizado un film luminoso pero no totalmente exento de oscuridad. Las dudas, las inseguridades y la insatisfacción se combinan con la pasión descontrolada y el placer de encontrar la felicidad en lo ya conocido. La película se erige como un imperfecto –no podría ser de otra manera- canto a la vida y al arte. A pesar de no ser siempre todo lo concisa que podría o que en ocasiones escoja caminos alternativos más largos para llegar a un sitio, ‘La isla de Bergman’ funciona gracias a la sutileza y gracia con la que su directora elabora una puesta en escena elegante, prestando atención a pequeños detalles que cuentan grandes cosas.
Dan Snaith, la persona que se esconde detrás de Caribou, ha anunciado nuevo disco de Daphni, su otro proyecto. ‘Cherry‘ sale el 7 de octubre y será el tercer largo de Daphni tras los lanzamientos de ‘Jiaolong’ (2012) y ‘Joli Mai’ (2017). En 2019 llegó el EP ‘Sizzling‘, que nos dejó el brillante corte titular.
‘Cherry’ se compondrá de un total de 14 temas, entre los cuales se incluye el titular, que se dio a conocer hace un mes, y el segundo single, que acaba de llegar a las plataformas. ‘Cloudy’ es una de las novedades que puedes escuchar hoy en la playlist «Ready for the Weekend«. Y es la Canción Del Día.
Si ‘Cherry’ se caracterizaba por su sonido bailable y dislocado y por el machaque de una percusión parecida a un clavicémbalo, ‘Cloudy’ busca un efecto más atmosférico, lo que no significa que renuncie a la pista de baile. De hecho, Snaith ha declarado su sorpresa por lo bien que funciona ‘Cloudy’ en las discotecas.
‘Cloudy’ se compone de una ligera base de house que se puede emparentar con el llamado «lo-fi house» actual. Sobre esta base, Daphni toca una preciosa melodía de piano que se va topando, poco a poco, con una serie de susurros que van emergiendo a lo largo de la grabación. Con sus diversos cambios, los seis minutos de ‘Cloudy’ se pasan volando.
En nota de prensa, Snaith ha explicado que «la esencia de esta canción es que se mantenga en el aire, como si empujara ocasionalmente un globo que es solo un poco más pesado que el aire, para mantenerlo a flote». Así, ‘Cloudy’ nos deja «en las nubes».
‘Suddenly‘, el último álbum de Caribou, vio la luz en 2020. Desde entonces le hemos visto presentarlo, por ejemplo, en Pirmavera Sound. La semana que viene, Caribou actúa en Bilbao BBK Live.
La historia de La La Love You es carne de biopic, y no solo porque alcanzasen la fama tras ser recomendados por Amaia en una entrevista de ‘La Resistencia’, sino por lo que significó ese empujón tras una primera década de carrera nada fácil. La banda se presentó en 2009 para ir a Eurovisión, perdiendo y llevándose incluso una reprimenda, y en 2013 lanzaban un homónimo segundo disco que, pese a estar cargado de temazos, no fue el boom que debió haber sido.
Para colmo, en los años siguientes su batería recibió una paliza por parte de la policía y fue condenado a dos años de cárcel, y la banda se quedó sin sello. La La Love You siguieron publicando canciones autoeditadas como ‘No’ o ‘Susana’ hasta ese golpe de suerte feat. Amaia Romero, y la explosión en plena pandemia que tuvo ‘El fin del mundo’.
Y es que ahora son una de las bandas con más tirón en nuestro país, y esto quedó claro en el concierto que han ofrecido recientemente en Sevilla, en la Sala Caramelo, dentro del ciclo de conciertos #KeepWalking organizado por la marca de whisky Johnnie Walker, y del que ya os hablamos con motivo de los conciertos de Mafalda o Amante Laffón. El bolo que nos ocupa acaparó sin duda mucho más interés que el de Mafalda: si aquel estaba más desangelado (aunque los allí congregados lo disfrutasen), en éste no se cabía.
La La Love You apostaban fuerte soltando nada más empezar la bomba de ‘Big Bang’, su estupenda colaboración con Delaporte, y recorrían luego temas de su debut y de su disco de 2013, como ‘Alucina vecina’, ‘Lo siento nena’, ‘El momento perfecto’, ‘Palomitas para dos’, ‘Irene’ o ‘Laponia’, donde los más coreados por el público fueron estos dos últimos, sin duda dos de sus canciones más divertidas, con rimas a medio camino entre Los Nikis y La Casa Azul. Hubo tiempo también para otros singles que han ido sacando en este tiempo, como sus colaboraciones con RENEE (‘Quiero quedarme para siempre’) o dani (‘El día de Huki Huki’), y por supuesto la versión de ‘Tenía tanto que darte’ de Nena Daconte, en directo sin Mai Meneses (amiga de la banda), pero igual de efectiva.
El grupo no dejó de interactuar con el público, desde dar las gracias en numerosas ocasiones por apoyar la música en directo o comentar que la canción del verano favorita de Celia era el ‘Yo quiero bailar’ de Sonia y Selena antes de entonar su propia ‘La canción del verano’, a ese gag con “estuvimos hace poco en Sevilla por el Festival Interestelar… a quienes estuvisteis allí, lo sentimos”, y por supuesto el momento en que subieron al escenario a dos fans con pompones para ‘La pócima del amor’.
El cierre vino de la mano de ‘Más colao que el colacao’, quizás la más querida de sus canciones “antiguas”, y ‘El fin del mundo’, sin duda el mayor hit de las actuales, y ya todo un símbolo del pop español de estos años: estoy seguro de que no habrá en el futuro lista de “canciones asociadas a la época de pandemia” en la que no se encuentre esta colaboración con Axolotes Mexicanos. El público de la sala, aunque entregado durante todo el concierto, se volvió especialmente loco aquí.
Aún les queda sacar su tercer disco – y primero tras este renacimiento-, pero muy mal tendrían que darse las cosas para que la historia de Ave Fénix de La La Love You no continuase o fuese incluso a más.
Después de un disco de remixes de corte ochentoso a pocos le puede apetecer una obra experimental por parte de Perfume Genius, pero ‘Ugly Season’ no es un disco al uso. Se trata de la música de ‘The Sun Still Burns Here’, el espectáculo de danza interpretativa de Mike Hadreas y Kate Wallich, grabada en disco. Hadreas consideraba que la música que compuso para ‘The Sun Still Burns Here’ valía demasiado la pena como para que no quedase registrada, y ‘Ugly Season’ es el resultado.
El proyecto teatral de Perfume Genius viene de largo. De hecho, la música de ‘The Sun Still Burns Here’ se compuso antes incluso que ‘Set My Heart on Fire Immediately’, el último álbum de Hadreas, viera la luz en primavera de 2020. En ‘The Sun Still Burns Here’, Hadreas, Wallich y la diseñadora escénica Amiya Brown utilizan el contexto del escenario y de la danza interpretativa para explorar temas como el «deterioro, la catarsis y la trascendencia del cuerpo».
‘Ugly Season’, el álbum que cobija la música que suena en aquel espectáculo, es previsiblemente oscuro e incluso incómodo. La sensibilidad melódica de Hadreas penetra todas las piezas, que suenan íntimas, melancólicas y engañosamente inocentes, pero los instrumentos crean paisajes que, no por bellos, son menos turbios. La tensión de ‘Just a Room’, por ejemplo, trae a la mente aquella banda sonora que Björk creó para Matthew Barney, y ‘Hellbent’ se recrea en la disonancia y en la distorsión de guitarras.
Hay preciosismo en ‘Teeth’, que, con su colchón de xilófonos, clarinetes y otros instrumentos, advierte del atractivo que se esconde tras la deconstrucción de una canción de Perfume Genius. La fluidez del jazz -y del baile- está muy presente también en ‘Herem’, que mezcla un poco de esoterismo, un poco de gagaku japonés y un poco de ‘Twin Peaks’ antes de meter beats electrónicos en la mezcla. ‘Eye in the Wall’ es una fantasía tribal que supera los 9 minutos.
‘Ugly Season’ no es un álbum que vaya a encandilar a quienes han seguido de cerca la evolución de Perfume Genius desde su primer disco hasta el último. Lo más parecido a una canción pop lleva el título de ‘Pop Song’ por una razón: se diferencia claramente del resto. Su tarareable (y tarareada) melodía se pega, pero en ‘Ugly Season’ habita dentro de un esbozo. El dub de ‘Ugly Season’ tampoco está particularmente inspirado pero es de esperar que, en el contexto de la obra teatral, cobre más sentido, como todo el disco.
Kanye West es noticia por aparecer en ‘Hot Shit’, el nuevo single de Cardi B, y también por otro motivo más espinoso. Marshall Jefferson, autor del hit de house primigenio ‘Move Your Body‘, ha demandado al rapero por samplear esta influyente producción sin permiso.
Este año, ye ha publicado ‘Donda 2‘, la segunda parte de ‘Donda‘, y uno de los temas incluidos es ‘Flowers’. Jefferson defiende que ‘Flowers’ samplea ‘Move Your Body’ hasta en 22 ocasiones, y añade que el propio equipo de ye le comunicó que el tema sería sampleado. Sin embargo, ‘Flowers’ ha salido sin que Jefferson esté siendo compensado económicamente por él.
En la denuncia aparecen apelados también Universal Music Group y Kano Computing Ltd (la empresa que ha desarrollado el Stem Player, el reproductor musical de Kanye a través del cual ‘Donda 2’ ha visto la luz). Jefferson busca llevar a West a juicio o, en su lugar, obtener una compensación de 150.000 por infracción.
En declaraciones recogidas por The Guardian, Jefferson se muestra decepcionado con West porque ambos son dos artistas negros procedentes de Chicago. En sus palabras: «Me han sampleado miles veces. Hay una forma correcta de hacerlo y otra que no lo es. Que otro artista que, como yo, es negro y es de Chicago, me la juegue de esta manera, es decepcionante».
Específicamente, a Jefferson no le cuadra que Kanye se las dé activista por los derechos de los artistas dentro de la industria musical pero luego utilice una canción ajena sin hacer uso de los cauces legales. «Por un lado , West lucha por los derechos de los artistas pero, por el otro, no tiene ningún reparo en quitarle el derecho a otros de sus compañeros», señala. ‘Donda 2’ salió a través de un reproductor musical de precio prohibitivo para asumir el control pleno de las canciones y «liberar a la música del sistema opresor» que es la industria musical.
‘Move Your Body’ se lanzó en 1986 a través de Trax Records, y es conocido ser uno de los primeros temas de house que utilizaron una melodía de piano.
«¿Las has visto?», se preguntaba ALMA en el título de su álbum debut, publicado en 2020. Y eso mismo nos estábamos preguntando últimamente sobre ella: ¿dónde está ALMA? La cantante finesa se encontraba preparando su segundo disco, del que hoy lanza un primer adelanto.
ALMA se dio a conocer hace unos años con los hits de pop tropical ‘Chasing Highs‘ y ‘Phases’ con French Montana. Después su colorido single ‘Cowboy‘ fue Canción Del Día en estas páginas, así como ‘Bad as the Boys‘, su tema con Tove Lo.
Conocida por su rasposa voz y por su pelo de color fluorescente, ALMA editaba su primer disco largo en plena pandemia. ‘Have You Seen Her?’ dejaba singles como ‘Bad News Baby’ que reincidían en un pop contemporáneo no demasiado original y, aunque alcanzaba el número 1 de álbumes en Finlandia, pasaba desapercibido en el resto del mundo.
Hoy, ALMA vuelve y además lo hace con nuevo sonido. ‘Everything Beautiful’ ya no es tan pop ni tan electrónica, sino que apuesta por el revival 60s guitarrero de gente como Cults o Best Coast, solo que menos lo-fi, y llegando a durar también 2 minutos. De melodía pop clásica, ‘Everything Beautiful’ incluso trae a la mente a unas Pipettes menos recargadas.
‘Everything Beautiful’ habla sobre las «penurias de hacerse mayor, sobre ya no ser adolescente y tener todas esas responsabilidades», pero ALMA no se regodea en la miseria. Al contrario, busca simplemente «pasarlo bien con los amigos» porque, como reza el estribillo, «todo aquello que es bello muere, y llevamos siendo jóvenes mucho tiempo, así que perdónanos esta noche».
En un comunicado oficial, ALMA apela a esa generación que «debe tener buen aspecto, tener éxito, preocuparse por el medio ambiente, ser político, tener talentos, ser divertido y ser social», y le manda un mensaje rotundo: «a veces es mejor mandar todo a la mierda por un segundo». O, en este caso, dos minutos.
Feliz día de Jason Derulo. Hoy 1 de julio es el día en que se editan los nuevos álbumes de Paolo Nutini, Imagine Dragons, Guided By Voices, Moor Mother, Momma o Nick Cave. Este último lanza ‘Seven Psalms’, un disco de miniaturas recitadas a los que se suma una pista instrumental de 12 minutos.
Son varios los lanzamientos sueltos destacados del día. Cardi B publica su nuevo single con Kanye West y Lil Durk, y Charli XCX se une a Tiësto en un tema que apunta a hit. Además, vuelven ALMA y DELLAFUENTE, Najwa estrena corte trap y RAYE se estrena como artista independiente con un single que habla abiertamente sobre sus dificultades en la industria musical.
La playlist deja varias noticias y curiosidades. Ya puede escucharse la nueva canción oficial de Estrella Damm 2022 interpretada por Santi Balmes y Renaldo i Clara, y producida por Esteban Navarro, productor de Rigoberta Bandini, quien cantó la sintonía del año pasado. Además, Sarah de Kero Kero Bonito se lanza en solitario con un proyecto al que ha decidido llamar Cryalot, «lloro mucho», y Phoebe Bridgers versiona a los Carpenters.
Siguen avanzando sus inminentes proyectos Rina Sawayama, Hudson Mohawke, Mabel, Broken Bells, Bicep, Superorganism, Steve Lacy, y la playlist deja interesantes novedades también por parte de Men I Trust, Maren, MENTIRA, Sabrina Carpenter, Sudan Archives, Karen Harding, Sr. Chinarro, Fred again con Four Tet, Anna of the North o vangoura, entre muchos otros.
Cardi B ha publicado su anunciado nuevo single, ‘Hot Shit’, y los artistas invitados son de alto calibre. La primera canción de la artista neoyorquina desde ‘Bet It’, lanzada el pasado noviembre como parte del soundtrack de la película ‘Bruised’, es una colaboración con Kanye West y Lil Durk. Lo malo es que tendremos que esperar un poco más para el videoclip.
‘Hot Shit’ es un tema de rap puro y duro. El tipo de beat asemeja los de ‘WAP’ y ‘Up’ y los versos de Cardi B están llenos de referencias a la riqueza de la artista. Los de Lil Durk y Kanye van por el mismo camino, pero ye aún tiene de tiempo de hacer referencia a los tabloides. ‘Hot Shit’ supuestamente ha de allanar el camino hacia el segundo álbum de Cardi pero, después de tantos singles que cumplían el mismo propósito, este último no es el más arriesgado ni interesante.
Cardi B dio más información respecto a la salida del single en un Espacio de Twitter junto con sus fans en el que confirmó que ‘Hot Shit’ existe «desde hace ya tres años» y que es «el favorito de todos». También reveló que su próximo álbum está en camino y que está trabajando en ello, pero dejó bien claro que la llegada de su nuevo proyecto «no va a ser en un par de meses».
Cardi también hizo un directo en Instagram en el que explicó por qué casi cancela la salida del single, debido a no haber un vídeo acompañándolo: «Esta vez no pienso hacer un gran lanzamiento porque estoy agotada de todo el mundo. Estoy cansada de la gente que no hace su puto trabajo correctamente… Estoy cansada de que la gente haga las cosas a su manera… Simplemente, estoy agotada. Voy a lanzar la canción y si va bien, va bien».
#CardiB says she wanted to cancel the release of her new song because people “dropped the ball” but she says it’ll arrive on time just without the music video. pic.twitter.com/qQoOfrLzAs
MUNA han publicado estos días su tercer álbum, que es homónimo. Es el Disco de la Semana en JENESAISPOP vista la pegada de singles como ‘Silk Chiffon‘ con Phoebe Bridgers o ‘Anything But Me’, y del disco en su totalidad, que reseñaremos próximamente.
Otro de los singles certeros de ‘MUNA’ que tanto invitan a escuchar el álbum entero es ‘What I Want’. Naomi McPherson, guitarrista de la banda, se encarga de producir el animado tema, que se sitúa a medio camino entre el synth-pop de los 80 y los arpeggios de una Robyn. Es otro acierto de las estadounidenses, de los cuales ya van unos cuantos.
El tema habla sobre salir de fiesta, liarse con medio bar y beberse hasta el agua de los floreros, pero tiene más trasfondo que ese. En realidad, la narradora de ‘What I Want’ desea compensar tiempo perdido tras pasar toda su adolescencia confundida, sin «saber ni lo que quiero, ni cómo conseguirlo, ni cómo vivirlo».
Es una experiencia común en la comunidad LGBTQ+. Tantas son las dudas que nos asaltan en la adolescencia en torno a nuestra orientación sexual o a nuestra expresión de género que pasamos buena parte de nuestra vida encerrados en nosotros mismos, incapaces de disfrutar de la vida.
Por suerte, de todo se sale menos de la muerte, y MUNA entregan una canción llena de celebración. En ‘What I Want’ las medias tintas no valen. Hay que vivir a tope. Ellas quieren drogarse, bailar «en medio de un bar gay» y, básicamente, ser felices. Están preparadas para vivir, y ‘What I Want’ inspira a hacer lo mismo.
El festival más grande de Madrid, el Mad Cool, acaba de publicar los horarios de este año y, con una cantidad de conciertos de esta magnitud, es inevitable que algunos artistas actúen a la vez y que tengamos que sacrificar el ver uno de ellos en directo. Otra de las novedades de última hora en el evento es la cancelación del concierto de Stormzy, uno de los artistas de peso del lineup. El Mad Cool volverá a la capital del 6 al 10 de julio y estas son las coincidencias en los horarios que tendrás que tener en cuenta para organizar lo mejor posible tu festival.
El primer día, miércoles 6 de julio, ya empiezan los problemas. Metallica, uno de los headliners, comienzan a tocar a las 21.30, coincidiendo con el concierto de Carly Rae Jepsen a las 22.20. Esto seguramente haya sido planeado pensando en las diferentes bases de fans de ambos actos, pero si eres un amante del metal y del pop más pop lo vas a pasar mal eligiendo. Más tarde en la jornada, sobre la medianoche, coinciden prácticamente a la misma hora Twenty One Pilots y Cvrches.
El jueves 7 hay un solapamiento total entre Imagine Dragons y Sigrid, a eso de las 23 de la noche, y no es el último de la jornada. Sobre las 00:30, The Killers estarán tocando en el Main Stage al mismo tiempo que St. Vincent en el escenario 3, bautizado como Region of Madrid. La noche del jueves acaba con una triple coincidencia entre Four Tet, Tove Lo y Foals, entre la 1:20 y las 3 de la mañana. Si te organizas bien puedes ver un trocito de cada uno.
El viernes 8 de julio, tras terminar el concierto de Haim, tendrás que tomar una dura decisión, y rápida, porque no tendrás mucho tiempo para pensar antes de que uno de los shows empiece. Phoebe Bridgers o The War On Drugs, ambos comenzando sobre las 21.20. Sobre las 00:20 también comparten tiempo Muse y Parcels… y Nina Kraviz.
Kings of Leon y Zara Larsson se repartirán el público el sábado 10, ya que ambos comienzan su show entorno a las 22:50. Y a las 23:15 le toca a la ibicenca Aleesha. Si eres fan, otro dolor de cabeza más. Si llega el último día del festival y estás resentido por haberte perdido a algún artista, todavía te queda una jornada para sufrir.
El domingo 10 Natos y Waor coinciden exactamente a las 22 de la noche con Two Door Cinema Club, y con Tinashe en el escenario 6. El festival acaba con un problema triple, y bastante duro. En torno a las 23:30 tendrás que elegir entre las guitarras de Jack White, el folk de LA M.O.D.A. y el trap de Recycled J. Está difícil. La buena noticia es que a partir de esto ya no tendrás que preocuparte más, porque el Mad Cool habrá terminado oficialmente.
Beyoncé ha revelado la portada de ‘RENAISSANCE‘, el nuevo disco que publica el 29 de julio. La cantante de Houston se sigue refiriendo a este trabajo con el adjetivo de «acto 1» por lo que, o bien piensa publicar el disco por partes, o bien hay un segundo disco en camino del que nadie ha oído hablar.
En la cubierta, Beyoncé aparece a lomos de un caballo de hielo o cristal que emite luz en su interior, mientras ella apenas se cubre con un bikini que asemeja el esqueleto de un animal marino. La portada pretende reflejar el contenido de un trabajo que alternará música dance con country: modernidad y tradición.
En redes, Beyoncé ha explicado el concepto del álbum. «Crear este disco me ha permitido entrar en un lugar en el que soñar y en el que escapar durante un momento en el que el mundo pasó miedo», ha señalado. «Me ha permitido sentirme libre y aventurera en un momento en que poco más en el mundo estaba en movimiento».
A continuación, la cantante asegura que su intención con ‘RENAISSANCE’ ha sido «crear un lugar seguro, un lugar en el que no existen juicios, un lugar en el que liberarse del perfeccionismo y en el que no pensar las cosas demasiado». El disco, dice, le ha llevado por un «hermoso viaje de exploración» y espera que, quien lo escuche, baile y se sienta «único, fuerte y sexy».
La curiosidad por escuchar nuevo material de Beyoncé, y su cambio a un sonido abiertamente bailable y noventero, ha supuesto que ‘BREAK MY SOUL‘, el primer single del disco, se haya convertido en un éxito inmediato… aunque no en España. En el top 50 global de Spotify, el tema saluda desde el número 16.
Danny Brown, el rapero autor de discos tan aclamados por la crítica como ‘XXX’ o ‘Atrocity Exhibition’, ha revelado que uno de los miembros de Die Antwoord, Ninja, le agredió sexualmente en una fiesta en París.
En una entrevista en el podcast ‘2 Bears, 1 Cave’, Brown cuenta que Ninja se acercó a él en una fiesta tras uno de sus conciertos, se sentó en su regazo e intentó liarse con él. Brown relata que, en un momento, Ninja le besó el cuello repetidas veces sin su consentimiento.
El rapero de Detroit recuerda que Ninja también tenía pensado meter a la otra mitad de Die Antwoord en ello, a Yolandi: «Ninja estaba en plan «¿Entiendes lo que digo? Mi puta está lista para…», yo era un hombre soltero y me gustaba experimentar pero él era demasiado agresivo». Brown recuerda que, cuando Ninja le preguntó en qué hotel se estaba quedando y este no le quiso responder, el de Die Antwoord le contestó: «No te preocupes, te encontraré».
Durante su relato, Brown se suma explícitamente al movimiento MeToo. «Yo también les podría haber cancelado. Ninja me agredió sexualmente. ¡Él sabe que no estoy mintiendo!»
Por suerte, el rapero ahora lo cuenta entre risas, pero se encargó de dedicarles a ambos miembros unos cuantos «que les jodan» antes de cambiar de tema en la entrevista.
No es la primera vez que Ninja es acusado de agresión sexual. En 2019, tanto la australiana Zhenai Sparkes como la estadounidense Dionna Dal Monte le acusaron de lo mismo, por casos ocurridos en 2013 y 2014, respectivamente. En 2019, Die Antwoord fueron retirados de varios festivales tras viralizarse un vídeo de 2012 en el que propinaban insultos homófobos a Andy Butler de Hercules and Love Affair.
Broken Bells, el proyecto colaborativo entre Danger Mouse y James Mercer, líder de los Shins, han anunciado la llegada de un nuevo LP, tras la salida de ‘After The Disco’ en 2014. Sin una fecha a la que aferrarnos todavía, conocemos cómo se llamará el nuevo disco, ‘Into The Blue’, y cómo suena su primer single, ‘We’re Not In Orbit Yet…’.
El dúo ya dio pistas de su regreso en 2018 con el lanzamiento de ‘Shelter’, y en 2019 con ‘Good Luck’. Desde entonces, los dos artistas han estado ocupados con sus otros proyectos. Danger Mouse ha estado preparando su esperadísimo álbum colaborativo con Black Thought, miembro de The Roots, mientras que Mercer tiene el punto de mira en una próxima gira que hará con los Shins por el 21 aniversario del álbum debut del grupo, ‘Oh, Inverted World’.
‘We’re Not In Orbit Yet…’ viene acompañado de un videoclip, bastante trippy, pero muy acertado para acompañar el sonido del sencillo. Con la superposición de imágenes en movimiento y los brillantes colores, da la impresión de que Broken Bells quiere lavar la mente del espectador, y lo cierto es que es complicado dejar de mirar.
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