Luis Garban es un productor venezolano residente en Barcelona que, bajo el nombre de Cardopusher, lleva años dedicado a refinar su electrónica oscura, entregando en el proceso technazos como ‘Regress to Nowhere’. Según el propio Garban, su intención es “traducir una subcultura en música, desde la escena electrónica y experimental de Caracas en los 90 pasando por un compromiso con el IDM y el breakcore”.
Pero el pelotazo lo empezó a dar el año pasado con el inicio de Safety Trance, un proyecto en el que quería explorar otros géneros, y que parece centrarse en ese reggaeton industrial que nos puede recordar un poco a ‘Bichiyal’ de Bad Bunny o ‘La Combi Versace’ de Rosalía, pero sobre todo al trabajo de Kelman Duran o Meth Math… y, por supuesto, a Arca. No es de extrañar que Garban coprodujese dos de los mayores hits de la autora de ‘Desafío’: ‘Prada’ y ‘KLK‘, la colaboración con Rosalía.
Arca le ha devuelto el favor siendo la voz principal de ‘El alma que te trajo’, la canción con la que Garban presenta Safety Trance en sociedad, y un absoluto temazo para dislocarte intentando bailarlo, lleno de rimas guarras y de ganchos que no dan respiro: “salpica, salpica / me moja, me pica”, el “psico-psico-psicopática” o por supuesto los “miau miau miau” (suena en mi cabeza). El resultado no ha podido ser mejor: con más de 7 millones de streams en Spotify, es todo un éxito para las cifras de Safety Trance, ¡pero también para la propia Arca! Ahora mismo, ‘El alma que te trajo’ es también su canción más reproducida, y probablemente haga sorpasso a las propias ‘Prada’ o ‘KLK’, ya que lleva unas cifras muy cercanas en mucho menos tiempo.
Y el futuro de Safety Trance pinta bastante bien: a ‘Noche de Terror’, el EP veraniego-y-no-veraniego donde se incluía ‘El alma que te trajo’, le seguirían a finales de año ‘Lágrimas’, donde había colaboraciones con Brodinski, Virgen Maria, o Iceboy Violet, artista queer de Manchester, y ‘Cruel Intentions’, un mini-EP junto a Brodinski, ‘Cruel Intentions’, que incluía un tema con el mismísimo Yung Beef – a quien, como puedes imaginar, esta producción le sienta como un guante. Mientras, ‘El alma que te trajo’ no parece tocar techo, y está llegando a público cada vez más mainstream, ajeno incluso a Arca. «¿Ustedes tienen idea o no tiene idea? De cómo lo estamos partiendo Luis y yo», profetizaban en la propia canción.
Alison Goldfrapp ha sorprendido estos días anunciando que este año publicará nueva música en solitario, sin la compañía de Will Gregory. Y el primer avance de esta nueva etapa en la carrera de Goldfrapp no ha tardado en llegar: ‘Digging Deeper’ es una de las novedades de la semana. Claro que la estrategia de Alison ha confundido a algunos, con razón.
Si es cosa de ponerse técnicos, ‘Digging Deeper’ no es exactamente el primer single en solitario de Alison Goldfrapp. Primero porque es una colaboración con el DJ y productor de house Claptone pensada específicamente para las discotecas. En segundo, porque con ‘Digging Deeper’ Alison no está haciendo otra cosa que volver a sus inicios.
Antes de formar el dúo con Will Gregory que le llevaría a la fama, la cantante británica ya prestó su voz a otros productores de electrónica. En 1994 apareció sola en el mítico álbum de Orbital, ‘Snivilization’, concretamente en el tema ‘Sad But True’. El año siguiente colaboró con Tricky en ‘Pumpkin’, que fue el tema que llevó a Gregory a proponerle formar el grupo.
Lo extraño de todo esto es que ‘Digging Deeper’ es, en palabras de Alison, la «versión» de un tema que publicará más adelante. No está claro si es el remix de un corte que ya había grabado en solitario, en cuyo caso no está claro por qué publicaría antes el remix que la versión original; o si es el mismo tema que saldrá con diferentes mezclas. Alison ha dicho que ‘Digging Deeper’ es una de varias colaboraciones de música dance que planea lanzar previamente a mostrar su trabajo en solitario, por lo que la última opción no parece probable.
Si algo queda (más o menos) claro de este lío es que ‘Digging Deeper’ es solo un adelanto de lo que está por llegar y no el verdadero PRIMER SINGLE en solitario de Alison Goldfrapp. Y qué fortuna porque ‘Digging Deeper’ no es exactamente la canción más inspirada que le hemos escuchado a la británica, porque tras esa melodía 100% Goldfrapp y esa letra que nos habla de cambios y de aprender a estar en contacto con tu corazón, lo que se impone es una producción de EDM que no puede sonar más genérica, y que seguramente tampoco buscaba ser otra cosa. ‘Digging Deeper’ -al menos la versión de Claptone- está hecha para funcionar en la discoteca. De Alison, claro, esperamos algo más.
Entre los discos que están pasando desapercibidos de las últimas semanas de 2022, el segundo que Red Hot Chili Peppers sacaban en un plazo de 6 meses. ‘Return of the Dream Canteen’ fue grabado en las mismas sesiones que el a su vez irregular ‘Unlimited Love‘, también bajo la supervisión del magnate Rick Rubin, últimamente más inspirado como productor ejecutivo y consejero de Kae Tempest.
En este «Regreso de la Cantina de los Sueños», la banda de Anthony Kiedis juega a alternar la eterna juventud con la sabiduría aportada por los conocimientos adquiridos. De un lado encontramos títulos tan adolescentes como ‘Fake as Fu@k’ o ‘My Cigarette’, junto a un cúmulo de experiencias vitales que incluye un montón de homenajes a una serie de leyendas. ‘Eddie‘, uno de los singles y una de las composiciones más dignas, no solo por su desbocado juego de guitarras eléctricas al final, es un sentido homenaje a Van Halen. «Por favor, no me recuerdes por lo que hice anoche (…) Es tan solo 1980, es tan solo 1983».
El otro single principal ‘Tippa My Tongue’ se escribió con George Clinton y Jimi Hendrix en mente. Hay una referencia a ‘Summer Wind’ de Frank Sinatra en ‘Bella’; a Henry Miller, a Hall & Oates y a Marlon Brando en ‘Roulette’; y el continuo «name-dropping» salpica lo mismo a Nat King Cole (‘My Cigarette’) que a The Clash (‘Shoot Me a Smile’).
Musicalmente, el grupo se encuentra como siempre confortable en ese registro p-funk que escuchamos en los mencionados sencillos o ‘Fake As Fu@k’, sonando mucho más perdido cuando intentan hacer una balada emocionante, pues no es el caso de la soporífera ‘La La La La La La La La’ ni de la final ‘In the Snow’, cuyas partes de «spoken word» no es que transmitan mucho. O cuando intentan hacer algo distinto: el añadido electrónico de ‘Bag of Grins’ es el que haría una banda tan sofisticada en sus producciones como La Oreja de Van Gogh.
Pero lo peor es el acabado de algunas canciones rockeras. Uno no se pasó media vida deseando que el supuestamente experimental John Frusciante volviera a Red Hot Chili Peppers para esto. En producciones como ‘Bella’ se echa de menos que pise un pedal o añada una doble textura que impida a las canciones sonar como si fueran maquetas. Esa nadería desde todos los puntos de vista que es ‘My Cigarette’ -solo de saxo incluido- hace sonar ‘Return of the Dream Canteen’ como un disco de rarezas más que como un disco de estudio de 75 minutos de Red Hot Chili Peppers.
Lo único bueno que puede decirse de este álbum en el mejor de los casos es que algunas de las canciones suenan cucas, como es el caso del estribillo de ‘The Drummer’ o de las armonías vocales tipo The Mamas and the Papas de una parte de ‘Shoot Me a Smile’. Y que nos da una lectura sobre lo que pasa por la cabeza de Anthony Kiedis después de tantas décadas de carrera: sus anhelos, sus miedos, sus arrepentimientos. Entre un sinfín de frases ininteligibles marca de la casa, ‘Handful’ dice: «hay un capítulo de mi libro que no quiero que leas / hay un capítulo en mi vida en el que no conseguí tener éxito». Sus seguidores especulan en Genius sobre si está hablando de esa parte de su autobiografía en que reconoció haber tenido sexo con una chica de 14 años.
¿Con qué carrera de Ryuichi Sakamoto te quedas? ¿Con la de las bandas sonoras? ¿la synth-pop con Yellow Magic Orchestra? ¿La trip-hop de ‘Smoochy’? ¿La electrónica? ¿La ambient? ¿Todas a la vez? Son tantas las facetas artísticas exploradas por Sakamoto a lo largo de más de cuatro décadas que, dependiendo de la obra con que te topes, te parece estar escuchando a un artista completamente distinto. Como Franco Battiato, Sakamoto ha basado su carrera en una maravillosa inconsistencia, en un hambre musical voraz que le ha llevado por sitios siempre insospechados. El nexo común ha sido la libertad de experimentar.
Un artista capaz tanto de contribuir al desarrollo del synth-pop, la electrónica y el hip-hop como de ganar un Oscar por una banda sonora (de las cuales ha compuesto cerca de cincuenta, las bandas sonoras abarcan la mayor parte de su discografía), tan capaz de componer música para los Juegos Olímpicos de Barcelona como de cederle un single a Michael Jackson, tan capaz de colaborar tanto con Brian Wilson como con Alva Noto, tanto con David Sylvian (no os perdáis ‘Bamboo Houses’) como con Taylor Deupree, es un artista atípico. Qué afortunados somos de vivir en el mismo tiempo que Sakamoto y poder seguir descubriendo su obra. Con motivo de ‘12‘, el Disco de la Semana, recomendamos siete de sus trabajos esenciales firmados en solitario.
Thousand Knives (1978)
Al joven Ryuichi Sakamoto le interesan tanto la electrónica como las músicas tradicionales. En ‘Thousand Knives’, su primer disco, publicado solo un mes antes de la edición del primero de Yellow Magic Orchestra, convergen muchos de sus intereses, en una obra divertidísima que es todo un espectáculo. El corte titular mezcla electrónica, reggae y sonidos orientales y se convierte en uno de sus grandes clásicos, ‘Island of Woods’ experimenta ya con la banda sonora, y ‘Grasshoppers’ es un primer acercamiento a su obra pianística. ‘Thousand Knives’ avisa ya de que la carrera de Sakamoto va a ir en mil direcciones.
B-2 Unit (1980)
Con Yellow Magic Orchestra convertida ya en una banda de éxito internacional gracias a la repercusión alcanzada por ‘Firecraker / Computer Game’, Sakamoto encuentra tiempo para grabar un segundo disco en solitario que se parece muy poco al primero. En ‘B-2 Unit’ la melodía da un paso atrás y la experimentación con ritmos, tonos y texturas prevalece, lo cual da como resultado una obra que se adelanta por pocos años a lo que después se conocerá como electro, tecno e IDM. Gracias a producciones tan influyentes como la apoteósica ‘Riot in Lagos’, ‘B-2 Unit’ suena a Aphex Twin mucho antes de que este nos empiece a sonar.
Hidariude no Yume (1981)
A Sakamoto le interesan tanto las músicas del mundo que, antes de empezar su carrera musical, considera dedicarse a la etnomusicología. En el colorido ‘Hidariude no Yume’ («sueño zurdo») se cruza su faceta investigadora con la pop. Con la colaboración de Robin Scott de M., ‘Hidariude no Yume’ es otro viaje por la fascinante mente musical de Sakamoto, donde el pop de los 80 (‘Boku no kakera’) se encuentra con marimbas (‘Tell ‘Em to Me’), percusiones tribales (‘The Garden of Puppies’) o grabaciones de campo de animales de granja (‘Relâché’). Un disco contaminado por diferentes culturas que ha sido reeditado recientemente, eso sí, en su versión original, no la adaptada al inglés.
Merry Christmas, Mr. Lawrence B.S.O. (1983)
La película de Nagisa Ōshima proporciona a Sakamoto su primera oportunidad de componer una banda sonora y también de protagonizar una película. Lo hace junto a otro músico, David Bowie. La canción principal de ‘Merry Christmas, Mr. Lawrence’ es un clásico que se adapta después al formato pop con un título nuevo, ‘Forbidden Colours’, y la actuación vocal de David Sylvian, de Japan, y la banda sonora completa vuelve a demostrar el buen hacer de Sakamoto en el arte de crear atmósferas con instrumentos electrónicos.
El último emperador B.S.O. (1987)
Si la banda sonora de ‘Merry Christmas, Mr. Lawrence’ le da a Sakamoto un BAFTA, la de ‘El último emperador’ directamente le hace ganar el Oscar a Mejor banda sonora en los premios de la Academia de 1987. En la pieza principal de ‘El último emperador’, Sakamoto vuelve a volcarse en su fascinación por la música tradicional china, y compone una pieza imposible de olvidar. La banda sonora incluye también composiciones de David Byrne y de Cong Su, y otras grabaciones de campo.
Beauty (1989)
No se puede entender la carrera de Sakamoto sin comprender su interés por que los sonidos de diferentes territorios se contaminen unos con otros. Para él la apropiación cultural no puede ser un debate cuando cuenta que el propio Debussy, su mayor influencia, bebía de la música tradicional asiática para componer sus piezas (como su uso de la escala pentatónica). ‘Beauty’ es otro gran ejemplo de la visión global de Sakamoto, un disco «geográficamente promiscuo» en sus propias palabras, en el que caben sonidos de todo tipo, desde la bossa nova al tecno, desde el pop al folk japonés, desde la música africana al flamenco. Hasta Brian Wilson y Youssou N’Dor se pasan por aquí.
async (2017)
Es amplio también el catálogo ambient de Sakamoto, y aunque son igual de recomendables sus trabajos de piano glitch con Alva Noto o Fennesz, vamos a reivindicar el penúltimo. ‘async’ es el primer disco que Sakamoto publica después de recuperarse de un cáncer de garganta, y el compositor lo concibe como banda sonora de una película de Tarkovski, quien tanto reflexiona sobre la mortalidad en sus propias obras. También lo hace ‘async’ («Preocupación sobre la muerte» es uno de los apartados del disco en la Wikipedia) en un disco que crea una enorme belleza mediante pianos desafinados, sintetizadores, sonidos de cristales, grabaciones de campo, recitados de spoken word… Un trabajo conmovedor que, por suerte, no ha resultado ser el último, como él mismo pensaba.
Beyoncé ha ofrecido su primer concierto en 5 años en la inauguración del hotel Atlantis the Royal de Dubái, en los Emiratos Árabes Unidos. En el evento, que era privado, Knowles ha cantado un repertorio de clásicos, sin concesiones a ‘RENAISSANCE’, su último disco. Beyoncé ha recuperado ‘Beautiful Liar’ por primera vez en 15 años, y también varias pistas de ‘Lion is King‘.
En las últimas semanas había circulado un rumor según el cual Beyoncé planeaba ofrecer una actuación musical en un hotel de lujo de Dubái. El rumor propició un alud de críticas negativas a la ex integrante de Destiny’s Child porque Emiratos Árabes Unidos es un país que criminaliza la homosexualidad y Beyoncé acaba de sacar el disco más gay de su carrera.
El tabloide The Sun dio primero la información el pasado mes de enero, que se confirmaba en las últimas horas. El equipo de Beyoncé invitaba a influencers y periodistas a un «viaje con todo pagado» de fin de semana al hotel Atlantis the Royal de Dubái, que celebraba su gran inauguración el sábado 21 de enero, la fecha indicada en la noticia que The Sun publicó el mes pasado.
Picthfork era uno de los medios invitados y citaba el documento recibido: «Beyoncé te invita a un fin de semana en el que tus sueños se convierten en tu destino». La invitación prometía lujos de todo tipo y confirmaba que durante el fin de semana tendría lugar en el hotel una «actuación que solo puedes ver una vez en la vida». No se especificaba el artista que ofrecería esta actuación privada, pero finalmente ha sido la intérprete de ‘Crazy in Love’.
Knowles, que habría recibido 24 millones de dólares por su performance en Dubái, no es la primera artista que ofrece un concierto en Emiratos Árabes Unidos. Jay-Z, Paul McCartney, Prince, Eminem, Kylie Minogue, Justin Bieber, Aerosmith, Tom Jones, Elton John o Madonna también han actuado en el país árabe en el pasado. De hecho, Kylie lo ha hecho este fin de año.
Beyoncé delivering a flawless performance in Dubai.
Yaeji, la productora de house que nos regaló la ¿ya podemos decir? histórica ‘raingurl’, y también otros hits como ‘what you sippin’ o ‘One More’, prepara el lanzamiento de su primer disco largo. ‘With a Hammer’ saldrá en abril y sí, es el debut propiamente dicho de Yaeji, pues el disco que sacó en 2020, ‘WHAT WE DREW 우리가 그려왔던‘, era una mixtape.
El primer adelanto de ‘With a Hammer’ es un single de pop en toda regla, eso sí, en la forma que puede entender Yaeji el pop, porque ‘For Granted’ es interesante a su manera. La melodía vocal, cantada con ese hilillo cálido que caracteriza a la artista americano-coreana, es pegadiza como la de un hit de R&B, y se repite a lo largo de una canción que prescinde de estribillo. ‘For Granted’ opta por el efecto mantra… hasta que un beat de drum ‘ n bass irrumpe cual huracán para volarlo todo por los aires.
En esta producción que ya no tira tanto por el house como por un sofisticado beat de matices electro y hip-hop que va añadiendo capas poco a poco, Yaeji plantea lo sorprendida que está por su éxito. «Cuando lo pienso, no sé cómo ha pasado», canta. Kathy Yaeji Lee se pregunta si, por lo menos, es capaz de disfrutar de lo que está viviendo en lugar de pensar. Es cuando por fin deja de darle al coco y se deja llevar cuando el beat de drum ‘n bass emerge de repente.
‘For Granted’ será la pista 2 de ‘With a Hammer’, un disco que contará con 13 pistas y con colaboraciones de varios artistas, entre ellos la de la productora británica Loraine James, autora de ‘For You and I‘.
01 Submerge FM
02 For Granted
03 Fever
04 Passed Me By
05 With a Hammer
06 I’ll Remember for You, I’ll Remember for Me
07 Done (Let’s Get It)
08 Ready or Not [ft. K Wata]
09 Michin [ft. Enayet]
10 Away X5
11 Happy [ft. Nourished by Time]
12 1 Thing to Smash [ft. Loraine James]
13 Be Alone in This
Mientras Miley Cyrus y Shakira se disputan el número 1 global de Spotify, y puede que en unos días, también el español, en JNSP han de conformarse con los puestos 2 y 3. Najwa es lo más votado tras un llamamiento realizado a través de las redes sociales, y muy bien que nos parece, pues ‘Esquiando’ es una de las producciones más divertidas y frescas que Nimri nos haya entregado nunca. Es el primer número 1 histórico de Najwa en nuestra lista, que lleva casi 17 años de tradición.
Las entradas más fuertes tras ‘Flowers‘ y «Session 53» son las de Vicco y Everything But the Girl. Hacia la mitad de la tabla encontramos Chico y Chica, Belle and Sebastian y Sam Smith, y entre los últimos puestos, unoa de las cancioens de lo nuevo de Iggy Pop.
Aritz Aren, el autor de ‘Flamenco’, está dando mucho que hablar antes de las semifinales de Benidorm Fest. Si recientemente él formaba parte de una polémica centrada en el periodista Fede Arias tras una entrevista en RTVE Play, ahora el propio Aritz es el centro de otra discusión a raíz de unos comentarios sobre sus compañeros Agoney y Blanca Paloma en La Red Room, el programa del influencer Malbert, conocido por sus duras críticas. Además, hoy la de ‘EAEA’ respondía elegantemente a la polémica.
En el adelanto del programa que subía Malbert a redes este le preguntaba a Aritz sobre cómo ve él a la competencia del Benidorm Fest, a lo que Aren responde que le «gustan los temas», aunque concreta que «todos no». Tras un corte, Malbert le pregunta al candidato a Eurovisión si le gusta la canción de Agoney, ‘Quiero Arder’, a lo que este responde: «No me encanta. Creo que también el estilo Agoney no es el estilo que yo suelo escuchar».
Malbert sigue insistiéndole, preguntándole si la canción no le parece «ruido», a lo que Aren contesta que le parece «satánica», lo cual es precisamente el concepto de la propuesta del artista canario, como apunta el propio Aritz. Malbert coincide con él, aunque matizando que es «literalmente satánica» porque «te destroza hasta el infierno».
Aritz siguió sincerándose sobre las canciones de sus compañeros, alabando las propuestas de Fusa Nocta y Blanca Paloma, aunque Aren también tenía sentimientos encontrados con la de ‘EAEA’: «Me pasa un poco lo mismo, que Blanca Paloma ha cogido una canción movida sabiendo que ella… Pues no… Creo, ¿no? Es que no lo sé», comentaba el valenciano, refiriéndose a que no cree que algunos concursantes puedan defender de la mejor manera canciones tan bailables. En cuanto a la puesta en escena, también dudaba: «Hay como mucha base, ¿no? Y ella se queda en medio… ¿Haciendo qué?».
Hoy, Blanca Paloma abordaba la polémica causada en redes en una entrevista con Héctor Alabadí y Almudena M. Lizana de Fórmula TV, aclarando que a ella no le había ofendido ninguna palabra de Aritz: «El chico se ha expresado con total sinceridad y quizá no ha estado tan acertado con las palabras. A mí no me ha ofendido para nada». Además, contó que Aritz le escribió rápidamente para disculparse y que sigue habiendo «buen rollo». Paloma también dio su opinión sobre ‘Flamenco’ de Aritz Aren: «Pues yo pensé que iba a ser más flamenco, pero guay».
🔥LA RED ROOM🔥 Aritz opina sobre la competencia en el #BenidormFest
“La canción de Agoney no me encanta. Veo temas que son bailables pero yo no veo a la artista que pueda defender eso.”
En noviembre de 2022 el flamenco vivió una revolución total y no lo sabíamos. A algunos les habrá venido a la cabeza el lanzamiento de ‘Flamenco. Mausoleo de Celebración, Amor y Muerte’ de Niño de Elche, pero no es exactamente a lo que me refiero. Una semana después de la salida de este, Omar Montes lanzaba su segundo disco, ‘Quejíos de un Maleante’, con esperanzas de convertirlo en “un movimiento” y de que “se estudie dentro de 50 años”, tal y como comentó al diario El Mundo.
Dentro de 50 años, veremos si las ambiciones de Montes se hacen realidad. De momento, el exreggaetonero, a diferencia de Niño de Elche, parece que tiene de su parte a los puristas: “Muchos de ellos me han dicho que es el mejor disco que se ha hecho hasta la fecha y otros me han dicho que es que no se lo pueden creer que de mí venga esa obra de arte y que va a revolucionar el flamenco”, declaró Omar a Zona Pop CNN. Lo de la revolución no lo digo yo, lo dicen los puristas.
Teniendo en cuenta la amplia influencia de Omar Montes en la actualidad, ‘Quejíos de un Maleante’ no parece haber tenido una gran acogida por parte del público, debutando en el número 23 de la lista de Discos España y siendo superado en ventas en su semana de salida por reediciones de Ilegales, Víctor Manuel y The Cure. Aparte de los singles ‘La Llama del Amor’ (el mayor éxito del disco), ‘Una y Mil Veces’ y ‘Patio de la Cárcel’, que cuentan con millones de escuchas, ninguna de las demás canciones supera el medio millón de reproducciones en Spotify.
Y yo me pregunto, si iconos del flamenco de la talla de Farruquito, Duquende, Estrella Morente, Juan José Suárez “Paquete” o Capullo de Jerez han confiado tan profundamente en Omar Montes para este disco, ¿por qué el de Pan Bendito no es igual de respetado por el público?
Omar ha conseguido que Duquende, cantaor oficial de Paco de Lucía y a quien Camarón de la Isla le tocó la guitarra con tan solo 8 años, cante sobre un riff a lo ‘Lose Yourself’ con hi-hats a doble tiempo en ‘Metío en un Lío’. Esto no es moco de pavo. Por no hablar del surrealista final de ‘No Tengo Cura’, en el que Capullo de Jerez nos canta qué ocurrió en “el pedimento” con una base a medio camino entre el trap de Atlanta y el drill. Y ya está. Tal y como apunta el Tito Capu al principio del tema: “Señores, que esto es un Grammy”.
Más allá todavía, en este disco hay una canción con Malú. Ella no tiene la culpa, pero ha dado la casualidad de que además es el peor corte del proyecto. Simplemente, por lo genérica que es, aunque hay un breve solo de flauta que salva totalmente la canción. La intervención de Malú no tiene nada de especial. ¿Por qué está en un proyecto de Omar Montes? Porque al de ‘Alocao’ le gustaba «su flow».
Ahora bien, ¿qué es lo peor de ‘Quejíos de un Maleante’? Pues lo peor es que mola. Tengo la sensación de que Omar Montes suele ser objeto de ligera burla o mofa, ya sea por sus formas o su pasado en la farándula televisiva, y no se le suele tomar en serio en cuanto a su producción musical. Incluso en esta crítica ha habido una pizca de ello. Obviamente, ‘Quejíos de un Maleante’ no es la revolución a la que aspiraba Montes, pero si no te adentras en un proyecto con esa mentalidad, ¿para qué lo haces?
‘Bulería de los Maleantes’ se trata de la canción más tradicional del proyecto, pero destaca porque la letra sigue recordándote muy eficazmente que esto es un disco de Omar Montes, el hombre que alcanzó la fama a través de canciones como ‘La rubia’ o ‘Prendío’, y por tanto, es normal que las bulerías que canta él no traten los mismos temas que las que cantaba Camarón («Un vestido de Versace le compré pa’ mi concierto»).
En la singular ‘Placa Alemana’ encontramos la mejor mezcla de producción moderna con flamenco clásico, traído por la heladora y magnífica voz de Israel Fernández. Por otro lado, ‘Armadura de Cartier’ incluye las mejores letras del LP, adornadas con un distorsionado riff digital que aumenta la tensión considerablemente, hasta que esta se libera totalmente en lo pegadizo del estribillo («Pa’ los malos tiempos una Armadura de Cartier, no toda mi fortuna tiene forma de papel»).
En cuanto a ‘La Llama del Amor’, ‘Una y Mil Veces’ y ‘Patio de la Cárcel’ -la cual trae de vuelta la letra de ‘Patio de Godella’- no extraña que sean los éxitos del disco, ya que suenan exactamente a eso, y no tiene absolutamente nada de malo. Le pese a quien le pese, ‘Quejíos de un Maleante’ es un álbum bastante decente, sobre todo si disfrutas de los extremos más pop de la fusión flamenca.
Azealia Banks ha concedido una entrevista a The Guardian en la que habla sobre un poco de todo, en el contexto de su regreso a una discográfica grande tras haber actuado como artista independiente durante los últimos años. Banks ha tratado su presencia en redes, los recientes comentarios antisemitas de su examigo y excolaborador Kanye y el próximo lanzamiento de ‘New Bottega’, la canción que ha definido como su posible «debut en el Hot 100».
Los fans de Azealia Banks estarán familiarizados con ‘New Bottega’, ya que la propia artista la filtró el pasado septiembre y estuvo disponible durante menos de un día. Aun así, consiguió colarse en la lista de ‘Mejores Canciones de 2022’ de Pitchfork (#63): «La gente va a estar en plan: ‘Joder, ¿esta es Azealia Banks? ¿Qué ha estado haciendo mientras nosotros dormíamos?», comentó Banks sobre su nuevo tema, descrito como «una oda al lujo italiano».
‘New Bottega’ será el primer tema de Azealia Banks en su nueva discográfica, Parlophone, tras haber estado lanzando música como artista independiente. Para la estadounidense, la razón de este cambio es simple: «Merezco respeto». Banks ha hablado sobre su reputación en Internet y la percepción de los usuarios sobre ella, pese a que es consciente de que «Internet no es un lugar real»: «Si me diesen un dólar por cada fan de Lady Gaga o Lana del Rey que me ha llamado ‘negrata’ en Twitter, sería billonaria».
Banks también ha revelado que hizo una canción de Hanukka, ‘Queen of Sheba’, pero que nunca saldrá a la luz por culpa de los últimos comentarios de Kanye, que han contribuido a la difusión de teorías conspiratorias antisemitas. Posteriormente en la entrevista, describió al de Chicago, con quien trabajó en 2012 en una serie de temas nunca publicados, como un «estafador».
Al parecer, Banks empezó a tener problemas con Kanye en 2020, cuando mencionó en un acto electoral que él y Kim Kardashian consideraron abortar a North, su primera hija: «Kanye, eres un gilipollas abusivo y un cobarde por tomarla con esa niña pequeña». Respecto a si ella cree que Kanye puede recuperarse de esta, Banks no dudó ni un momento: «Espero que no. Se merece cosechar lo que siembra. En el futuro, cuando estés andando por Times Square y veas a Kanye West bebiendo Sprite en un vaso del McDonald’s sacado de la basura, podrás rastrearlo todo hasta este momento».
Muse han anunciado que añaden una nueva fecha a su gira 2023, fecha que recae en España. El próximo 4 de julio, Matt Bellamy y los suyos estarán actuando en los Campos de Sport del Sardinero, en Santander, dentro del programa de actividades de celebración del Año Jubilar Lebaniego. Será la única fecha de Muse en España en 2023 y Royal Blood serán los teloneros de lujo. Las entradas estarán a la venta el próximo martes 31 de enero a las 12 horas en los puntos de venta habituales.
‘Will of the People‘ será el trabajo que Muse presenten en Santander, el noveno de su carrera, que recoge el sonido épico que les caracteriza, con influencias que abarcan de Marilyn Manson al synth-pop o la banda sonora de terror. Muse lo presentaron el año pasado en Mallorca Live Festival en uno de los shows más espectaculares visualmente que les hemos visto, y ya es decir.
Os dejamos con la agenda europea de la gira de Muse, que antes de pasar por Santander visitará Reino Unido, Austria, Países Bajos, Burdeos, París… hasta finalizar en Milán el 22 de julio:
27 MAYO 2023 – REINO UNIDO – PLYMOUTH HOME PARK
3 JUNIO 2023 – WIENER NEUSTADT – AUSTRIA – STADION OPEN AIR
7 JUNIO 2023 – LA HAYA – PAÍSES BAJOS – MALIEVELD
9 JUNIO 2023 – COLONIA – ALEMANIA – RHEINENERGIE STADION
15 JUNIO 2023 – LYON – FRANCIA – GROUPAMA STADIUM
20 JUNIO 2023 – REINO UNIDO – HUDDERSFIELD JOHN SMITH’S STADIUM
23 JUNIO 2023 – GLASGOW – BELLAHOUSTON PARK
25 JUNIO 2023 – REINO UNIDO – MILTON KEYNES THE NATIONAL BOWL
29 JUNIO 2023 – BURDEOS – FRANCIA – MATMUT ATLANTIQUE
4 JULIO 2023 – SANTANDER – ESPAÑA – CAMPOS DE SPORT DEL SARDINERO
8 JULIO 2023 – PARIS – FRANCIA – STADE DE FRANCE
12 JULIO 2023 – BERNA – SUIZA – OPENAIR BERNEXPO AREAL
15 JULIO 2023 – MARSELLA – FRANCIA – ORANGE VELODROME
18 JULIO 2023 – ROMA – ITALIA – STADIO OLIMPICO
22 JULIO 2023 – MILAN – ITALIA – STADIO SAN SIRO
La trayectoria festivalera y de premios de ‘Decision to Leave’ empieza a parecerse a la de otros éxitos recientes del cine oriental como ‘Parásitos’ (2019) o ‘Drive My Car’ (2021): premio en Cannes (Mejor director), nominación a los Globos de Oro y presencia en todas las listas de premios de cine independiente y de la crítica. En contra tiene que, por ahora, no ha ganado ninguno importante. A favor, que este año el premio al mejor filme internacional está siendo muy variado: ‘Argentina, 1985’ (Globos de Oro), ‘El acontecimiento’ (Gotham), ‘Close’ (National Board of Review), ‘RRR’ (Critics Choice), ‘La peor persona del mundo’ (British Independent)…
Otro punto a favor de ‘Decision to Leave’ es que su director, Park Chan-wook, es muy conocido en Hollywood y la industria anglosajona: en 2013 dirigió la (muy reivindicable) producción estadounidense ‘Stoker’, Spike Lee hizo un remake (muy poco reivindicable) de su obra maestra ‘Old Boy’ (2003), ‘La doncella’ (2016) ganó el Bafta a la Mejor película en habla no inglesa y en 2018 realizó la estupenda serie de la BBC ‘La chica del tambor’. Además, este año el director estrenará una nueva serie de producción americana (de A24 para HBO): ‘El simpatizante’, adaptación de la novela homónima de Viet Thanh Nguyen sobre la guerra de Vietnam (publicada en España por Seix Barral).
Pero más allá de los premios, la gran noticia es el regreso, seis años después, de Chan-wook y su guionista habitual, Chung Seo-kyung. Desde ‘La doncella’, no presentaban un título juntos. ‘Decision to Leave’ es una obra muy reconocible para cualquiera que haya seguido la trayectoria de la pareja. La película comienza como un noir clásico –un muerto, un policía y una femme fatale- y termina derivando, tras muchos giros, saltos temporales y cambios de puntos de vista (algunos algo reiterativos y poco sustanciosos desde un punto de vista dramático), en un arrebatador melodrama con ecos visuales y argumentales tanto de Hitchcock (‘Vértigo’, sobre todo) como de Almodóvar.
Detective y sospechosa, coreano y china, mar y montaña, verdad y mentira, amor y muerte… La película juega con estas dualidades, con conceptos y significados opuestos, como forma de insuflar tensión dramática y potencia lírica a la historia. Una romántica trama criminal sublimada por la deslumbrante puesta en escena de Chan-wook. Este aspecto, el estilístico, es sin duda lo mejor del filme. El director demuestra una vez más que es un superdotado en la creación de imágenes. Su inventiva es prodigiosa. Sutiles movimientos de cámara con gran peso dramático, elegantes zooms, imaginativas rimas visuales, sofisticados cortes de montaje… todo un arsenal de recursos expresivos que convierten a ‘Decision to Leave’ en una lección maestra de caligrafía fílmica.
‘Música ligera’ es uno de los mayores éxitos de Ana Mena. Adaptación de ‘Musica Leggerissima’ de Colapesce y Dimartino, el tema suma cerca de 40 millones de reproducciones en Spotify, y muestra a Mena como pez en el agua en un registro de pop clásico. No extraña que, después, la malagueña se atreviera a competir en San Remo, aunque el sueño durara poco.
Alternando su éxito en España con el que disfruta en Italia desde antes incluso que en su propio país, Mena publicará en 2023 un nuevo disco, que posiblemente traerá ‘Las 12’, una de las mejores canciones de 2022 recogidas en el Anuario. El single que estrena hoy repite la fórmula de ‘Música ligera’, empezando por su título, también metamusical.
‘Un clásico’ es una versión al español de ‘Superclassico’, el éxito del cantante y rapero italiano Ernia, que supera los 100 millones de streamings en Spotify. Un balada pop-rock que suena mejorada en la aireada voz de Ana Mena, que tampoco duda en aplicar la técnica del «belting» cuando toca, y consigue por tanto dejar el final de la canción bien arriba.
‘Un clásico’ versa sobre las diferentes fases de una relación, desde el enamoramiento hasta ese momento en que los implicados se separan e intentar olvidarse el uno del otro, «como si todo lo vivido no pasó jamas». Las palabras esdrújulas inundan el estribillo, sombreado también con un poco de «shade» por parte de Mena hacia la novia de su ex: «Lа сhіса соn lа quе vаѕ / mе hа rесоrdаdо а mі ех / quе еrа un сарullо gаláсtісо» es la frase más sonora de la canción.
‘Un clásico’ se nos presenta a partir de hoy con un videoclip dirigido por Willy Rodríguez en varios ambientes naturales. Ana Mena y Luis Martínez protagonizan el clip.
Hoy 20 de enero ve la luz el esperado álbum de Måneskin, el primero después de la victoria de la banda italiana en Eurovisión, y el primero en inglés. Otro lanzamiento destacado es el de Quevedo: el canario publica al fin su debut tras el sonado éxito de su Session con Bizarrap. Además, Ladytron, Mac DeMarco, REYKO, Låpsley, Miya Folick y Núria Graham lanzan sus respectivos nuevos trabajos. Estos días ha salido también el álbum de Ryuichi Sakamoto, el Disco de la Semana.
Entre los lanzamientos sueltos destacados del día hay que comentar el single de Kim Petras, de producción muy SOPHIE; el debut en solitario de Alison Goldfrapp de la mano de Claptone, el estreno de Ed Sheeran dedicado a su amigo, el empresario Jamal Edwards, fallecido recientemente; o el esperado regreso de Ana Mena con ‘Un clásico’… ¿que será tal?
Por otro lado, en los últimos días hemos asistido a varios regresos, como el de Kali Uchis, que presenta su próximo disco en inglés. Han anunciado nuevo disco boygenius, The National, yaeji, Arlo Parks, Fall Out Boy o Noel Gallagher’s High Flying Birds, cada uno con su respectivo single de adelanto; y A$AP Rocky ha soltado un single sorpresa.
El día viene cargado de curiosidades. Ojo al single que reúne a Dolly Parton, Belinda Carlisle, Cyndi Lauper, Gloria Estefan y Debbie Harry bajo la pluma de Diane Warren. Se usará en la película ’80 for Brady’. Además, a una semana de que salga su disco, Sam Smith presenta su himno coral queer de 1 minuto y 50 segundos; Björk estrena un remix de ‘Ovule’ con Shygirl y Sega Bodega, y Oliver Heldens lleva el «Oops» de Britney al dance con la ayuda de Karen Harding.
En la playlist puedes escuchar también novedades de CMAT, Chica Sobresalto, Future Utopia con Kae Tempest, Kelela, María Escarmiento, Sleaford Mods, Miranda!, Aiko el grupo, Overmono, Valeria Castro…
Weekend Beach Festival Torre del Mar ya confirmó hace unos días a Maluma, anunciando una de las dos únicas fechas que hará en nuestro país, una de ellas siendo en el festival malagueño, que se celebrará del 5 al 8 de julio. Hoy en FITUR, el marco turístico más importante por estos lares, la organización ha adelantado un nuevo avance artístico compuesto por 18 nombres y encabezado por todo un icono nacional, DELLAFUENTE.
El granadino es a día de hoy uno de los artistas urbanos con mayor éxito, haciendo soldout allá por donde pasa, tal y como demostró el pasado octubre al vender todas las entradas para sus dos primeros conciertos en tres años en menos de cinco minutos. Junto a él y en el apartado electrónico se confirman los DJs internacionales Carl Craig y Nic Fanciulli.
También se aportan nombres importantes en indie-pop nacional como La Casa Azul, Marc Seguí y la autenticidad de grupos como Morgan. Otros artistas y bandas que se anuncian son Narco, Mr Kilombo, Tu Otra Bonita, Anier, Elena Salguero, Volante de la Puebla y We Are Not Dj’s.
No olvidemos que en el anterior avance se confirmaron nombres como Chef’Special, Fangoria, Sidecars, Delaossa y Dani Fernández. Además, también estarán Mala Rodríguez, Kiko Veneno con su 45 aniversario, Cera Khin, Seb Zito, Héctor Oaks, Alisha, Miguel Bastida, Muerdo, Dremen, El Niño del Albayzin, La Regadera, José de las Heras, Love Yi y Oliver Gil. Todo esto y más en la 9ª edición de Weekend Beach Festival. Entradas disponibles en la página web del evento.
En una entrevista emitida en 1969, David Crosby, Joni Mitchell y los integrantes de Jefferson Airplane (¿es Grace Slick la hermana lejana de Katy Perry?) comentan, sentados en círculo, el recién celebrado festival de Woodstock, en el que acaban de tocar, y hablan por encima sobre política o sobre las críticas. Cuando el presentador Dick Cavett les pide que digan algo que siempre han querido decir en televisión, Crosby aprovecha para denunciar que «el aire que respiramos no está limpio» e incita a las principales empresas automovilísticas de Estados Unidos a cesar sus negocios.
En los últimos días, nada había cambiado tanto para Crosby. El músico californiano había compartido en Twitter su apoyo a la activista Greta Thunberg. A la vez, se recreaba en su admiración por ‘Eleanor Rigby’ de los Beatles. Crosby ha fallecido este jueves 19 de enero después de una larga enfermedad, ha confirmado su mujer, Jan Dance. Tenía 81 años.
La estampa de la entrevista de Cavett es icónica porque captura un momento en el tiempo, la ola hippie de los 60, de la cual Crosby fue uno de sus grandes protagonistas. En 1965 fundó los Byrds junto a Gene Clark y Roger McGuinn, que se convertiría en una de las bandas de rock más influyentes de la historia. Conocidos por sus armonías cristalinas y por el sonido ruidoso de la guitarra de 12 cuerdas de McGuinn, Byrds sentaron las bases del folk-rock combinando las melodías poperas de los Beatles con instrumentos y sonidos tradicionales. Después, en discos como ‘Fifth Dimension’, agregaron un toque psicodélico a su sonido. Y, en 1968, los Byrds publicaron uno de los álbumes clave del country-rock, ‘Sweetheart of the Rodeo’, por muchos considerado el mejor de su, por otro lado, breve carrera.
Aunque Crosby escribió algunas de las canciones más queridas de los Byrds, como ‘Lady Friend’, ‘Everybody’s Been Burned’ o ‘Eight Miles High’ (no así sus mayores éxitos, ‘Mr. Tambourine Man’ y ‘Turn Turn Turn’, que eran versiones), el músico fue despedido del grupo por desavenencias personales. En el documental de Netflix ‘Echo of the Canyon’, Crosby recordó que se le había subido la fama a la cabeza y que sus compañeros le despidieron «por gilipollas». Lo cual no le impidió seguir haciendo historia.
En 1968, el hijo del oscarizado Floyd Crosby formó el supergrupo Crosby, Stills & Nash con otros músicos que habían dejado recientemente sus bandas originales, Stephen Stills de Buffalo Springfield y Graham Nash de los Hollies. Juntos, en 1969 publicaron un primer disco que siguió influyendo en el desarrollo del folk-rock y que produjo los éxitos ‘Suite: Judy Blue Eyes’ y ‘Marrakesh Express’. Con la suma de Neil Young a la formación, el ahora cuarteto vendió 8 millones de copias de su disco ‘Dèja vu’, dejando uno de los discos más queridos de los 70, pese al titubeo inicial de la crítica, y el histórico single ‘Our House’, una «oda a la felicidad doméstica de la contracultura».
Mientras Crosby, Stills & Nash (con o sin Young) siguieron publicando discos y tocando, Crosby también desarrolló su propia carrera en solitario, publicando cinco álbumes de estudio separados en el tiempo por décadas. El primero, ‘If I Could Only Remember My Name’, no recibió grandes halagos a su edición en 1971, pero el revival «freak folk» de los 2000 lo puso en mejor lugar. Crosby lanzó discos hasta hace muy poco: ‘For Free’, su álbum final, vio la luz en 2021.
Fue ese mismo año cuando Crosby anunció que había decidido vender su catálogo musical a un fondo de inversión con el propósito de proteger su patrimonio y el futuro de su familia, en el contexto de una industria musical enormemente perjudicada por la pandemia, en especial el sector del directo. «No puedo trabajar, el streaming me ha arrebatado el dinero que obtengo de las grabaciones, y tengo una familia a la que cuidar y una hipoteca que pagar, de modo que es mi única opción», eran entonces sus palabras.
Kali Uchis ha lanzado su primera canción de 2023, la tranquilizante ‘I Wish you Roses’. Después del lanzamiento de ‘NO HAY LEY’ en 2022, que además fue incluida en nuestra lista de ‘Mejores Canciones de 2022’, ‘I Wish you Roses’ llega como el segundo single en solitario de Kali Uchis desde el lanzamiento del aclamado ‘Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios)’.
En abril de 2022, Uchis reveló que sus siguiente dos discos estaban terminados, y que uno sería en español y otro en inglés. La lógica dice que ‘NO HAY LEY’ estaría incluida en el disco en español, mientras que este último sencillo pertenecería al disco en inglés, aunque no tenemos confirmación por parte de la artista estadounidense-colombiana.
En una entrevista con Zane Lowe en Apple Music 1, Uchis contaba que ‘I Wish you Roses’ estaba inspirada por el sentimiento de una separación amistosa: «Una de mis grandes inspiraciones era una canción que solía escuchar de pequeña, ‘I Wish You Love’ de Joe Bataan, y desde entonces siempre he pensado que era algo precioso porque escuchamos demasiadas canciones sobre eso, el rencor o el deseo de venganza o el deseo de que las cosas hubiesen funcionado».
El videoclip que acompaña el tema está dirigido por Cho Gi-Seok, un artista surcoreano, e incluye numerosas imágenes florales, totalmente acordes tanto a la música como a la letra de la canción, en la que Uchis canta: «Te deseo rosas, mientras las puedas oler».
Tras los biopics de Elvis Presley (‘Elvis’) y Whitney Houston (‘I Wanna Dance With Somebody’), Deadline ha confirmado que Antoine Fuqua dirigirá uno de los proyectos más ambiciosos en cuanto a estrellas de la música se refiere, el biopic de Michael Jackson, titulado simplemente ‘Michael’.
La película estará producida por Lionsgate y respaldada por Graham King, uno de los productores de la galardonada ‘Bohemian Rhapsody’. Por otro lado, John Logan -guionista de ‘Gladiator’, ‘La Invención de Hugo’ y ‘El aviador’- se habría unido al equipo de la película junto al director Antoine Fuqua, conocido por los thrillers ‘El protector’ y ‘Training Day’. Su última película se trata de ‘Hacia la libertad’, el drama sobre la esclavitud protagonizado por Will Smith.
Según fuentes de Deadline, la película recibiría el apoyo de la familia Jackson y narraría desde sus días al frente de los Jackson 5 hasta su etapa adulta como la estrella musical más grande del mundo. Al mismo tiempo, también tratará las acusaciones de pedofilia que surgieron en la última parte de su carrera. La previsión de Lionsgate es que ‘Michael’ se empiece a rodar a finales de año. En cuanto a quién interpretará al mismísimo «rey del pop», todavía no hay noticias.
Los últimos años no han sido nada fáciles para Ryuichi Sakamoto. El veterano compositor japonés, miembro de Yellow Magic Orchestra, fue diagnosticado con cáncer de faringe en 2014, hecho que le llevó a plantearse su forma de ver el mundo y a no dar nada por sentado. Aproximadamente un año más tarde, anunciaba que lo había superado, pero desgraciadamente, en 2021 un nuevo tumor volvió a sacudir el rumbo de su vida. Esta vez se trata de un cáncer de recto que, según él mismo ha anunciado, tendrá que acompañarlo el resto de sus días, ya que se encuentra en estadio 4, la fase más avanzada de la enfermedad. Pese a la severidad de la noticia, Sakamoto no ha dejado de componer, habiendo realizado en los últimos años múltiples bandas sonoras para películas y series. ‘12’, su nuevo álbum-diario, está formado por una docena de piezas a piano y sintetizadores organizadas cronológicamente, cuyo orden solamente se altera en la última pista.
El artista comenzó con el proyecto poco después de salir del quirófano. Cuando aún estaba convaleciente de su operación, cogía sus instrumentos y grababa fragmentos cuando podía. Las doce composiciones que conforman este nuevo trabajo son sombrías y meditativas. En ‘20210310’, la primera de sus pistas, los sintetizadores expresivos y ominosos nos introducen en la tragedia personal de Sakamoto con sobriedad y elegancia.
El autor reflexiona sobre su propia muerte y sobre su incierto futuro, aferrándose a la vida hasta el último aliento. No obstante, la densidad temática y la intensidad del álbum siempre están retratadas desde la quietud. No hay grandes aspavientos ni ornamentaciones recargadas en sus canciones, sino que opta siempre por la sutileza. Son los pequeños detalles los que construyen la parte más emocional de un trabajo intencionadamente discreto pero repleto de significado. En muchas canciones se puede oír la respiración rítmica y constante de Sakamoto, camuflada como un elemento más, siendo especialmente conmovedora acompañando al piano en la preciosa ‘20211201’. Seguir respirando es lo único que le queda antes de enfrentarse a lo inevitable, cuya llegada, aunque impredecible, siempre estará acechándole a la vuelta de la esquina.
El disco puede dividirse orgánicamente en dos: las primeras siete piezas son más largas y oscuras, las otras cinco más cortas y ligeras. La primera parte está inundada de resignación y dolor, donde, en ocasiones, Sakamoto prescinde del piano y lo sustituye por siniestros drones, como a largo de los más de 6 minutos de ‘20220202’. Las respiraciones, y los ruidos de fondo también tienen más presencia en este lugar de la secuencia, haciéndola la más reflexiva del proyecto.
A partir de la bellísima ‘20220302 – sarabande’, la única canción que indica el estilo al que pertenece, puede interpretarse que el artista ha asumido su estado, invitando al oyente -o simplemente a sí mismo- a bailar y disfrutar mientras pueda. Quizá por eso, en esta segunda parte, deja atrás la turbulencia de los sintetizadores y da paso al sonido dulce y apacible del piano.
‘12’ es un trabajo denso y elegíaco, donde Sakamoto se abre en canal para exponer los miedos y las dudas de alguien que sospecha que no le queda mucho tiempo. También es una oda a la belleza de encontrar placer en las pequeñas cosas: una respiración profunda y constante, un suspiro, una simple melodía de piano. La hermosura de lo mundano solo puede documentarse estando vivo. No hay mayor certeza ni nada más importante.
Hoy es un día de cambios para Fall Out Boy. Menos de 24 horas después de anunciar la salida de un nuevo disco y de lanzar el primer adelanto del proyecto, Joe Trohman -guitarrista fundador del grupo- ha revelado en un post de Instagram que dejará la formación temporalmente para centrarse en su salud mental. Por otro lado, ‘So Much (For) Stardust’ estará disponible el próximo 24 de marzo y el primer sencillo, ‘Love From The Other Side’, ya puede ser escuchado.
«Sin centrarme en los detalles, debo revelar que mi salud mental se ha deteriorado rápidamente durante los últimos años», escribía el guitarrista en la cuenta oficial de Fall Out Boy. «Me tomaré un descanso del trabajo, que lamentablemente incluye alejarme de Fall Out Boy. Me duele tomar esta decisión, especialmente cuando vamos a lanzar un disco que me llena de orgullo», continuaba.
En las siguientes líneas, Trohman aclara que «absolutamente, cien por cien» volverá en algún momento al grupo. Sin embargo, también ha dejado claro que ahora la prioridad es recuperarse, «lo que significa ponerme a mí y a mi salud mental lo primero»: «Gracias a todos, a mi familia y a mis compañeros de banda, por entender y respetar esta difícil, pero necesaria decisión», concluía el comunicado el guitarrista.
El noveno disco de Fall Out Boy es el sucesor de ‘MANIA’, lanzado en 2018, y llegará el próximo 24 de marzo. Además, la noticia de su salida ha llegado acompañada del lanzamiento de ‘Love From The Other Side’, el primer single, cuyo videoclip también está disponible. «A veces tienes que hacer explotar todo lo que eras y volver a colocar las piezas de otra forma. Lo mismo, pero diferente», publicaba la banda en redes a modo de teaser del disco.
La Femme hicieron sold out antes de anoche en el Razzmatazz. En gran parte, por la nutrida presencia de franceses (¡no se podía saber!). Lo que también se podía saber era el ambientazo festivo que se vivió desde el primer momento. Ya incluso con la telonera Sam Quealy, que pegó fuerte con sus bases pregrabadas, como una auténtica diva de Technoclash.
Claro que, con un disco como el trasnochado y divertidísimo ‘Teatro Lúcido’, no esperábamos menos que jolgorio y desenfreno. Los integrantes de La Femme salieron bien guapos, prácticamente de uniforme blanco, aunque gran parte de la ropa no les durara mucho. El concierto me recordó al de otros colectivos como Metronomy, pero en sexy. Su show exudó eso: fiesta y sexo, sin pausas.
La Femme fueron una máquina imperturbable y sincopada que se dedicó más a los éxitos pretéritos que a su disco en español. Apenas la introducción de saeta sintética de Semana Santa ‘Fugue Italianne’, la coreadísima ‘Sácatela’, que tuvo el tratamiento de “great hit” y ‘No pasa nada’. Pero ni rastro de las muy ebrias ‘El Tio del Padul’ o ‘El Conde-Duque’, sniffff.
‘Sácatela’ no fue el único punto álgido. Algo antes, en ‘Où va le monde’ desplegaron la letra cual karaoke para ayudar al público a cantarla (¡como si les hiciera falta!), o la juerga montada con ‘Sur la planche 2013’ o ‘Elle ne t’aime pas’ y sus “ciao, bella!’, momento que Sacha Got aprovechó para pavonearse descamisado con su sinte portátil. Todo un festival de calculado desmadre.
La única pega fue que resultó menos orgánico de lo que ‘Teatro Lúcido’ ofrece. Y sí, insisto: eché de menos el componente “guiri-borracho-canta/chapurrea-en-español” que les otorga tanto encanto. Pero también nos dieron una hora y media de fiesta hedonista y sexy. Con la fría y ventosa noche que nos esperaba en la calle, fue agradable volver calentita a casa.
Tras actuar con todo agotado en Madrid y Barcelona, La Femme actúan hoy en Bilbao, concierto para el que sí quedan entradas aquí.
Cuando está a punto de cumplirse un año del lanzamiento de ‘MOTOMAMI‘, el mejor disco de 2022 y sobre el que podéis leer una crítica alternativa en nuestro Anuario 2022 (este mes gastos de envío gratis), Rosalía ha dado la sorpresa avanzando un nuevo single en su cuenta de TikTok. Y la sorpresa es doble porque parece que será un tema interpretado en inglés.
‘LLYLM’, siglas que corresponden a la frase «lie like you love me», llegará el próximo 27 de enero, como acaba de compartir en Instagram. Rosalía canta esta frase en el estribillo de la canción, que presenta un sonido de flamenquito y rumba similar al de ‘Juro que’, ese single que quedó descolgado del repertorio de Rosalía tras su lanzamiento a principios de 2020. Por otro lado, la cantante ha revelado que actuará en el desfile de Louis Vuitton en París hoy mismo, 19 de enero.
Por supuesto, ‘LLYLM’ no será el primer single posterior a ‘MOTOMAMI’ que publica Rosalía. Desde el lanzamiento de su tercer disco, la cantante ha estrenado ‘Besos Moja2‘, una colaboración con Wisin y Yandel, y también ‘El Pañuelo‘ con Romeo Santos. Recientemente, Vila Tobella se ha animado a remezclar ‘DESPECHÁ‘ con la compañía de Cardi B.
Lo comentamos en uno de los artículos de nuestro Anuario: el fenómeno más destacado de Hollywood en 2022 fue el de las películas de terror. Ocho títulos entre los más taquilleros y rentables del año (algunos han multiplicado por diez su presupuesto) y seis de ellos originales, no pertenecientes a ninguna franquicia. Un hecho insólito teniendo en cuenta que las diez películas más taquilleras de 2022, tanto en EEUU como en España, pertenecen a algún “universo extendido”.
A juzgar por la repercusión que está teniendo su estreno, ‘M3GAN’ parece que va a continuar con esta tendencia. La película ha debutado en 2ª posición en la taquilla (3ª en España), solo por detrás de ‘Avatar: El sentido del agua’. Y de nuevo es una propuesta original, en este caso de la mano de Blumhouse, quien triunfó el año pasado con ‘Black Phone’ y ‘Halloween: El final’ (curiosamente se la pegó con una de las que tenía más esperanzas, ‘Ojos de fuego’).
En ‘M3GAN’ hay varios nombres que sonarán a los aficionados al género: el neozelandés Gerard Johnstone en la dirección, quien ya demostró su habilidad para combinar terror y comedia en ‘Housebound’ (2014); la guionista Akela Cooper, autora del loquísimo libreto de la polémica ‘Maligno’ (2021); la actriz Allison Williams, quien después de saltar a la fama con ‘Girls’ ha protagonizado cintas de terror como ‘Déjame salir’ (2017) o ‘La perfección’ (2018); y el conocido James Wan como productor.
‘M3GAN’ sigue la tradición de películas con muñecos chungos que ya amplió el propio James Wan en ‘Silencio desde el mal’ y en las franquicias de ‘Expediente Warren’ con el personaje de Annabelle. Lo que ha hecho Gerard Johnstone en su filme es quitarle a la muñeca el polvo de caserón gótico y convertirla en una atractiva mezcla de muñeca de porcelana, ginoide con un alto grado de efecto “valle inquietante”, cíborg asesina y bailarina tiktoker (sus coreografías se han hecho virales en la red social).
Una combinación, una mezcla de tonos, que funciona muy bien. La muñeca es tan aterradora como petarda. Por un lado, es capaz de tirar de las orejas a un niño hasta arrancárselas o asesinar implacablemente como una Terminator. Por otro, puede sorprendernos cantando el ‘Titanium’ de David Guetta & Sia, tocar al piano una versión de ‘Toy Soldiers’ (Martika) o marcarse un bailecito previo a desatar una orgía de sangre.
Aunque ‘M3GAN’ es puro terror lúdico, sin más aspiraciones que atemorizar un poco y divertir mucho (de hecho su componente slasher está bastante rebajado de gore), el filme incluye un discurso que tiene cierto interés: la tecnología como “niñera”, la muñeca como metáfora de los dispositivos inteligentes utilizados como recurso fácil pero peligroso por padres con poco tiempo/ganas de atender a sus hijos. Un toque satírico de distopía social a lo ‘Black Mirror’ insertado en medio de una gran celebración del terror más gozoso y estiloso.
Arlo Parks publica esta primavera su segundo disco, tras el éxito del primero, ‘Collapsed in Sunbeams‘, que fue capaz de hacerse con el más prestigioso premio que conocemos en Europa, el Mercury Prize. El 26 de mayo será la fecha en que nos llegue ese esperado segundo álbum, que recibirá el nombre de ‘My Soft Machine’.
El primer single se llama ‘Weightless’ y es nuestra «Canción del Día» hoy. Según la propia Arlo Parks, habla sobre «la penosa experiencia de preocuparse en profundidad por alguien que solo te da pequeñas migajas de afecto. Es sobre de repente darte cuenta de que una persona ha sobrepasado tus límites y embarcarte en un lento viaje de regreso para ser una versión más brillante de ti misma». La letra dice: «estoy hambrienta de tu cariño, pero te ahoga la presión, y no cambiarás, no cambiarás», repitiendo el estribillo -no sin cierta contradicción- «no quiero esperarte, pero te necesito, así que no me marcharé».
Mientras la producción pulula entre la balada synth-pop, el trip hop y el R&B, el vídeo presenta a la artista en la parte trasera de un coche, un automóvil que se incendia al final. Se está retratando esa relación «accidentada» a que apela el texto.
Arlo Parks ha anunciado una gira otoñal por Europa, incluyendo Dublín, Ámsterdam, Bruselas, Berlín, Milán y París, pero no España. Os dejamos con el tracklist del álbum, el cual incluye el tema ‘Pegasus’ junto a Phoebe Bridgers, quien acaba de anunciar y compartir los singles de su disco con boygenius.
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