Hace poco informábamos que Panda Bear va a publicar nuevo disco junto al productor Sonic Boom, probablemente resultado de que ambos residen en Lisboa. Noah Lennox y Peter Kember ya habían trabajado juntos en varias ocasiones pero nunca habían publicado un álbum colaborativo como este ‘Reset’ que está fechado para la semana que viene, el viernes 12 de agosto.
‘Reset’ es un disco inspirado en los vinilos viejos de los años 50, 60 y 70 de Sonic Boom, lo cual quedó claro en el primer single, ‘Go On’, que samplea un tema de 1967 de los Troggs. El segundo single también se construye en base a un sample y es la Canción Del Día de hoy.
‘Edge of the Edge’ es una de las novedades que has podido escuchar estos días en la playlist actualizada de «Ready for the Weekend». Se basa en un extracto de ‘Denise’, tema de doo-wop de 1963 interpretado por Randy & the Rainbows y escrito por Neil Levenson, que alcanzó el top 10 en Estados Unidos. Es el único hit jamás logrado por este grupo que, por cierto, con diferentes integrantes, sigue en activo.
Panda Bear y Sonic Boom crean magia a partir de ‘Denise’ en ‘Edge of the Edge’. Los músicos envuelven el sample en texturas psicodélicas, agregan más melodías doo-wop (esos «bom bom bom bom»), también efectos de ruido parecidos a los de los viejos módems de internet, y obtienen una fresca producción de neo-psicodelia que remite a la época de ‘Person Pitch‘ de Panda Bear, pese a que este no es uno de los trabajos de Lennox en los que trabajó Kember.
La voz de Noah Lennox, tan reconocible, guía la canción hacia lo que parece un comentario sobre la adicción a la tecnología, algo en lo que incide claramente su videoclip, un desfile infinito de pantallas de móvil y emojis que sobrevuelan paisajes virtuales.
A la lucha por ser “Amaia de España” entre Amaia Romero y Amaia Montero se ha sumado estos días una nueva contrincante: Amaya (con y griega, como Letizia con zeta). Amaya es una mujer residente en Móstoles que, junto a sus vecinos de la Avenida de Portugal, lleva mucho tiempo aguantando el ruido de unos locales nocturnos. Según cuentan, llevan más de ocho años sin poder dormir en condiciones, y soportando “ruido, basura, delincuencia y peleas” a cuenta de unas licencias dudosas (o, como dice Amaya, “pornográficas”). Hasta aquí, todo «normal».
La cosa viene cuando, después de quejarse de esta situación a un reportero de El Programa del Verano (Telecinco), Amaya empieza a cantar en directo una versión de ‘Titanium’ (sí, la de Guetta y Sia) con la letra adaptada para la situación: “ayúdanos, difúndelo / basta ya, basta ya / esto no se puede aguantar / basta ya, basta ya / su ruido no se puede tolerar / y no nos callarán / su ruido no se puede tolerar / y no nos callarán”. Curiosamente existe una versión en español oficial de ‘Titanium’. Con otra letra, eso sí.
La presentadora de El Programa del Verano, Patricia Pardo (AKA una de las 200 AnaRosas entrenadas, que diría Victoria Martín), quiso saber si Amaya pensaba en una posible carrera artística para ese vozarrón, pero parece que es solo producto de las circunstancias: “nunca le he sacado partido de manera profesional, pero me vi en esta situación y decidí aprovechar este recurso”, explicaba. «Canto canciones protesta / con letra adaptada y un altavoz, fruto de la desesperación”.
Horas después de su emisión, Amaya había empezado a viralizarse, llegando a distintos medios de prensa digital por su original aparición en antena y recibiendo incluso la oferta de una conocida empresa para recibir gratis un curso de canto. Por supuesto, la arqueología cibernética ha encontrado su debut, una aparición en Telemadrid que pasó más desapercibida, donde cantó con mascarilla, claramente inspirada en aquella actuación de Gaga y Ariana.
Pero ojo, porque Amaya pronto tendrá material para sacar una mixtape: al día siguiente fue entrevistada en el programa Cuatro Al Día, y deleitó al personal con su segundo single, esta vez una cover del ‘Think’ de Aretha Franklin, donde el estribillo pasa de “freeeedooom, freeeedooom” a “hacen ruiiiidooo, ruiiiidoooo”. Porque Amaya es más abierta de miras que muchos indies, y lo mismo te canta por Aretha que por Guetta. Ojalá un tercer single de reggaetón con el que termine de poner el problema de su barrio en el mapa.
Lo mejor que he visto en la televisión nacional desde el desmayo de Sandrina. La cover de Titanium que emocionó a David Guetta y Sia pic.twitter.com/G1flfcEHgL
La hemos conocido ahora, pero Amaia debutó en televisión con el gran Masegosa en Telemadrid, un 1 de marzo de 2022. Ni la mascarilla le frenaba. pic.twitter.com/8IlIO1cboM
The Killers ha sido una de las bandas que ha decidido estrenar nueva música en estos primeros días de agosto. ‘boy’ en realidad no es una canción nueva, sino que pertenece a las sesiones originales de ‘Pressure Machine‘, su notable último disco. Sin embargo, es ahora cuando ha llegado a las plataformas de streaming, después de sonar por primera vez en directo en el Mad Cool de Madrid.
‘boy’ es otra composición de pop-rock explosiva de The Killers que hace uso contundente de sintetizadores. La canción arranca suspendida en una nube de teclado atmosférica, y se va creciendo poco a poco hasta liberarse en un final apoteósico.
En la suma de capas de ‘boy’ que va construyendo la épica de la canción emerge, en el segundo verso, una melodía de sintetizador extremadamente parecida a la de un conocido hit de los años 80. Se trata de ‘A Little Respect’ de Erasure. La melodía es tan parecida que ya hay quien se pregunta por qué Erasure no aparecen acreditados en la canción.
‘boy’, que habla sobre la adolescencia de Brandon Flowers en Utah, es decir, traza el que después será el concepto general de ‘Pressure Machine’ (se dice que por este motivo es descartada del disco), puede ser otro ejemplo de canción que navega la fina línea entre la «interpolación», el homenaje y el (supuesto) plagio, como antes ‘Bad Habits’ de Ed Sheeran con ‘Smalltown Boy‘, o ‘Malibu’ de Kim Petras con ‘Wanna Be Startin’ Something’ de Michael Jackson.
En estos días en que es requerido acreditar a personas que no han tenido absolutamente nada que ver con la composición de una canción para evitar demandas por plagio que, a veces, salen de debajo de las piedras, como le ha pasado a Dua Lipa, The Killers no escogen el camino de Beyoncé, quien ha acreditado a los autores de ‘Show Me Love’ de Robin S. en ‘BREAK MY SOUL’ pese a no samplear directamente aquel éxito de los 90. Más bien, los de Brandon Flowers optan por la libertad creativa y el homenaje.
SIMONA es una cantante argentina afincada en Barcelona que, en muy poco tiempo, está logrando hacerse un hueco en la industria musical. Os hablamos de ella con motivo de ‘MENTIRAS‘, la primera Canción Del Día de 2022 en el site, pero otras como ‘BALI’, ‘SHUT UP’ o ‘AMARILLO EN MI CORAZÓN’ valen también la pena.
Últimamente, la cantante mendocina ha presentado su proyecto en festivales como el Sónar de Barcelona, y ha publicado un nuevo EP llamado ‘MIMO’ con el que ha seguido esculpiendo su propuesta. Sus próximos conciertos serán el próximo 3 de septiembre en el festival Cala Mijas de Málaga y el 1 de octubre en el Festival B. Hace poco nos pudimos reunir con ella en una cafetería de Barcelona para hablar sobre sus diferentes proyectos.
¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en Sónar?
Súper bien. Es un festival increíble, estoy muy feliz de haber estado ahí. Me encantó el cartel y es un festival muy bien curado y muy bien organizado. Alcancé a ver a Sega Bodega, un poquito de Pongo, pero me tuve que ir pronto al estar de gira.
¿No tocas con banda?
Toco un live set. Mi compañero Aleix hace las produs del live, está en la parte de pistas, sintetizadores y guitarras, y Nano, en sintes y bajos. Y voy con dos bailarinas.
Ponéis bases pregrabadas.
Sí, pero es más live set. Están preparadas para el directo, pero tocamos otras cosas en vivo, las vamos disparando con los controladores. La voz sí es toda en directo.
Tu música suele sonar reconfortante, envolvente. ¿Es por esto que el EP se llama MIMO? ¿Qué significa para ti el título?
La selección de canciones es una caricia. Son las primeras que hice, nacieron como un mimo. Además, el EP se titula así porque mi sobrino, que nació en Barcelona, cuando estaba en la panza, yo empecé a hacer música y él cuando nació me llamaba «Mimo» en lugar de «Simo». Y ahora todo el mundo me llama así.
Sin embargo, tus temas traen producciones bastante interesantes. Por ejemplo, la de VINO Y BLUNT. ¿Qué buscas a la hora de crear un beat?
Yo no soy de montarme en un beat, generalmente hago producciones en base a las canciones. Yo vengo de componer con guitarra y piano. Y va con lo que estoy escuchando en el momento, lo que me inspire la canción… ‘VINO Y BLUNT’ me la imaginé como una bossa, quería que tuviera esa rítmica del funky brasileiro, más rota y violenta, más salvaje…
En varios artículos sobre ti se menciona la influencia de la bossa en tu música.
La música de Brasil me gusta mucho. La música rioplatense en general, la música uruguaya… Yo vengo del Río de la Plata, no es tan tropical, y eso me ha influido. Argentina es el país no tropical de Sudamérica. Y Mendoza es todo montañas, nieve…
«El mundo es recapitalista y decir «no» es muy importante y muy sano»
Tus padres no tenían televisión y de que pequeña escuchabais música a todas horas. ¿Qué recuerdas escuchar de pequeña?
En mi casa nunca hubo tele, pero sí había un «soundsystem» enorme. Mis papás son refans de la música los dos. Mi mamá escuchaba música folclórica sudamericana, era fan de la música brasileira, la bossa, el jazz, las cantautoras latinas, Violeta Parra, Mercedes Sosa… Mi papá era más rockero y popero. Le gustaba el funk, Spinetta, Charli García…
Has dicho que los tiempos de la industria te resultan complicados, que tu eres de escribir sin prisa. ¿Te has acostumbrado a los tiempos? ¿Estás descubriendo que de la improvisación nacen buenas ideas?
Todo los procesos son de valor. Ahora estoy metiéndome en la industria y me tengo que adaptar a un ritmo que no es el mío, aprender a componer rápido, colaborar… En algún momento me gustaría poder trabajar a mi propio ritmo, como Rihanna o Rosalía, por ejemplo. Este año he empezado a juntarme con productores para componer, que antes me daba miedo, hacía todo sola…
¿Qué tal han ido esas sesiones?
He producido poco, pero han salido unas canciones súper lindas y especiales. Con Sr. Chen estoy planeando mi álbum. El estudio es un desafío.
En tus canciones percibo una temática compartida de desear vivir una vida tranquila, de deshacerte de aquello que ya no te sirve, de no querer preocupaciones innecesarias. ¿Esta es la gran lección que has aprendido últimamente, aprender a decir que no y priorizarte a ti misma?
Estoy aprendiendo a decir que no, lo cual cuesta, porque soy mucho de decir «sí»… El mundo es recapitalista y decir que no es muy importante y muy sano. Siempre estoy en una búsqueda de priorizarme a mí misma emocionalmente, incluso por delante de la búsqueda artística.
El pasado mes de mayo conocíamos la inesperada muerte de Andy Fletcher, miembro fundador de Depeche Mode. La noticia ha dejado devastados a sus seguidores, que se preguntan qué futuro aguarda al vocalista Dave Gahan y al compositor principal Martin L. Gore sin quien parecía el pegamento que los unía. Dedicamos uno de los capítulos de verano de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», a debatir su función dentro de la banda y a barajar qué futuro aguarda a Depeche Mode, que ya sufrieron antes momentos traumáticos como la partida de Vince Clarke, la de Alan Wilder en los 90 o aquellos 2 minutos en que Dave Gahan estuvo clínicamente muerto.
Pero sobre todo este podcast de casi 2 horas de duración es excusa para repasar toda la discografía de Depeche Mode, para la cual nos hacemos acompañar de nuestro amigo Eduardo Noeda, puntual colaborador de nuestra web sobre todo en sus inicios, y a quien muchos también leeríais en blogs como Electronauta o Discotraxx.
Recordamos el simpático debut de Depeche Mode, lleno de temas de synth-pop; el cambio drástico que supuso la partida de Vince Clarke; la remontada que se vio vislumbrando entre el tercer y el cuarto discos, camino a la que sería su primera obra maestra, ‘Black Celebration’. No pasamos por alto obviamente su «etapa imperial», en la que incluimos ‘Music for the Masses’ y ‘Violator’ pero también un poco el mismo ‘Black Celebration’, y comentamos si los años 90 de ‘Songs of Faith and Devotion’ y ‘Ultra’ fueron un pequeño bajón… o no. Terminamos con aquello que rescatamos del siglo XXI, recordando la polémica que suscitó entre nuestros comentaristas la crítica de ‘Spirit’, hasta ahora su último álbum.
El Santander Music ayer se despedía hasta el próximo año de la mejor manera, coronando con su día más multitudinario y con algunos de los conciertos más espectaculares de esta edición. Antes de llegar al festival se podía adivinar que iba a ser el día más lleno solo intentando aparcar el coche y dándose cuenta de los pocos sitios que había, alrededor del recinto, y más allá.
A las 21, el público ya estaba totalmente entregado durante el show conjunto de Los Estanques y Anni B Sweet. Me hubiese encantado disfrutar más de la impecable voz de Anni y la energía cruda de Los Estanques, pero el tener que aparcar no me lo permitió. Por suerte para mí, llegué a tiempo para disfrutar de ‘Buen Viaje’ y solo por esa repetiría. El resto de shows de la noche se fueron intercalando con las sesiones de DJ y los sets de la banda de Glassio, el compositor y productor irlandés-iraní que se encargó de amenizar los tiempos muertos con synthpop suave de los 80 y los 90. La música perfecta para disfrutar de las vistas al mar de la Magdalena. Tocaron tanto originales como versiones y, de estas, destacaría la que hicieron de New Order y su ‘Temptation’.
Las elegantes luces rectangulares del concierto de León Benavente se iluminaron por primera vez con ‘Líbrame del mal’ y ya desde el primer momento se podía intuir que este no iba a ser un show cualquiera. El control caótico que manejó la banda en todo momento fue admirable y consiguieron que solo pudieses estar en dos estados: bailando hasta caer redondo o totalmente perdido en las letras. ‘Ayer Salí’ y ‘Ser Brigada’ fueron de las mayores fiestas que se han vivido este año en el Santander Music, pero lo que no me esperaba para nada fue la increíble experiencia de ‘Mítico’ en directo, la cual en comparación deja a la corta versión de estudio por los suelos.
Abraham, con una voz que si no cantase estaría en la radio, fue el frontman perfecto. Algunos de los mejores momentos fueron cuando este se metió en el público en ‘Ayer Salí’, sin temblarle nada la voz entre el tumulto de gente, o cuando le estaba gritando a un hombre en primera fila las líneas de «¿Para qué?» en ‘Ser Brigada’, las cuales además fueron respondidas por el asistente. En resumen, un concierto difícil de olvidar y que repetiría una y mil veces más, aunque no me supiese ni una letra.
Lo malo de un concierto tan bueno es que el resto de la noche solo puede ir a peor. Al menos, eso pensaba yo ayer. Ningún otro set superó al de León Benavente, pero la cosa tampoco fue a peor. La primera evidencia de esto fue el siguiente concierto de la programación, los granadinos Lori Meyers, con su quinta aparición en el festival santanderino. Ayer el nivel de luces y gadgets estaba bastante alto y Lori Meyers lo mantuvieron ahí. ‘El Tiempo Pasará’ y ‘Emborracharme’ fueron de las más cantadas y celebradas por los asistentes y, naturalmente, dejaron ‘Mi Realidad’ y ‘Alta Fidelidad’ para el final del set. Fue un show bastante disfrutable y más relajado que el anterior, por lo que todo pudimos coger un poco de aliento.
Delaporte comenzó y acabó su actuación con la parte de «toda la noche» de ‘Toro’, de El Columpio Asesino, y entre medias hubo lo que definiría como una sesión de tecno melódico que se la recomendaría a cualquiera. La voz de Sandra brillaba cada vez que la usaba, pese a estar moviéndose a lo largo del escenario durante toda la actuación. ‘El Volcán’ y el mashup entre ‘Cariñito’ y la ‘Gasolina’ de Daddy Yankee fueron de los momentos más energéticos del set, que es lo que uno busca en un concierto de Delaporte.
La noche se fue terminando con el sobrio concierto de El Columpio Asesino, que actuaron sin absolutamente nada de fondo y con las pantallas aumentadas en blanco y negro. Si hubiese que definir el set en dos palabras, serían «bajo infinito». ‘Preparada’, ‘Babel’ y ‘Ballenas Muertas en San Sebastián’ fueron los temas que mejor sonaron y que consiguieron levantar los ánimos a un público que llevaba alrededor de ocho horas bailando. Hacia las 4:10 sonaron los inconfundibles acordes de ‘Toro’, que fue elegida para despedir esta edición del Santander Music por todo lo alto.
Por supuesto, la llegada de ‘RENAISSANCE’ al mercado se está haciendo notar en las listas de éxitos de todo el mundo, y el disco ha entrado en el número 1 de álbumes de países tan importantes como Francia o Reino Unido. En las islas, ‘BREAK MY SOUL‘ ha subido al número 2 de singles, dando a Beyoncé su mayor éxito desde 2008 en el mencionado territorio, y otros dos temas de ‘RENAISSANCE’ han entrado también en lista: ‘CUFF IT’ lo ha hecho en el 14, y ‘ALIEN SUPERSTAR‘ en el 16.
El público parece estar queriendo decir que estos son los siguientes singles claros de ‘RENAISSANCE’, y estamos de acuerdo. ‘ALIEN SUPERSTAR’ es el bombazo rupturista de Beyoncé que pocos esperaban y, en un lado opuesto, ‘CUFF IT’ es uno de sus momentos más clásicos, y también divertidos. Es la Canción Del Día de hoy domingo.
‘CUFF IT’ es una composición de disco clásico. Al menos, en apariencia. Tanto es así que, en esta producción de Beyoncé, The-Dream y Rapahel Saadiq, entre otros, los 80 todavía no han llegado. Están a punto de hacerlo porque Nile Rodgers aparece por aquí para tocar la guitarra y porque la melodía incorpora una revisión del «ooh la la la» de Teena Marie, publicado en 1988, y revisitada por los Fugees en 1996. Sin embargo, el sonido de baterías, cuerdas y vientos metales (por mucho que estén sintetizados, como es el caso de las cuerdas) de ‘CUFF IT’ nos llevan más bien a los años 70 de ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor o ‘Mr. Melody’ de Natalie Cole. La canción prácticamente nos da la «bienvenida a la música disco» como hizo un hit de la época.
Sencilla como es en su sonido de disco clásico, ‘CUFF IT’ logra ser una de las composiciones más finas (o «putifinas«) de Beyoncé. Es imposible no imaginar a Bey (o a cualquiera que la escuche) bailando la canción con un vestido de lentejuelas bajo una bola de espejos. No obstante, esa sofisticación también se refleja en la composición de la canción, en la que la melodía más potente («I wanna go where nobody’s been») emerge desde la misma estrofa previa al estribillo, pareciendo de hecho el estribillo. El supuesto estribillo («we gon fuck’ up the night») llega después pero parece el post-estribillo. Es decir, ‘CUFF IT’ parece no contener coro como tal, sin embargo, la canción melódicamente es un caramelo detrás de otro.
La finura de ‘CUFF IT’ sirve a Beyoncé para desmelenarse en la discoteca. La cantante pide a su amante que la «espose» (del verbo «cuff»), pero el título de la canción puede entenderse, también, como una inversión de la frase «fuck it», al menos, a tenor de la cantidad de veces que la palabra «fuck» aparece en la letra. Beyoncé quiere volar más alto que un cohete, «ir donde nadie ha ido», enamorarse y, a la vez, literalmente, «mandar todo a la mierda». En ‘CUFF IT’ se desinhibe y logra que el mundo lo haga con ella.
Con 15 álbumes publicados a sus espaldas, Sean Nicholas Savage es uno de esos artistas de culto que se caracterizan por su generosidad. A lo largo de su carrera, que arranca formalmente en el año 2008, el canadiense ha explorado una mina creativa de la que ha extraído canciones de todos los estilos, de la bossa nova al pop ochentero pasando por el folk-pop o la música disco.
Parte de la gracia de escuchar la música de Sean Nicholas Savage ha sido siempre afrontar grabaciones con un marcado carácter lo-fi, pues él es uno de esos artistas que reivindican el formato casete desde incluso antes de que se pusiera de moda. Hay que recordar que de Savage es la primera referencia oficial que publica el sello Arbutus, que después descubre a Grimes. Era una cinta.
Pero ha pasado mucho tiempo de aquello, y Savage no ha renunciado a madurar como artista ni a experimentar con diferentes formatos y valores de producción. ‘Shine’, su nuevo disco, es el más nítido y «profesional» de su carrera en ese sentido, un salto hacia la producción «glossy» que encontramos habitualmente en el pop comercial, solo que por parte de un artista con alma DIY. De hecho, de la producción de ‘Shine’ se ha encargado su amigo Mac DeMarco.
‘Shine’ es un trabajo que nace, como tantos otros, de la pandemia, una época de depresión y estancamiento creativo para Savage, que el canadiense transforma en una colección de canciones efectivamente llenas de luz y también de emotividad. En ‘Shine’, un disco eminentemente acústico, a guitarra y piano, se cruzan influencias como son el city pop de Tatsuro Yamashita, la canción autoral de Elliott Smith y el pop de Max Martin (‘Comet’ es una «copia» de Britney, en palabras de Savage) y el resultado es uno de los trabajos de Savage más íntimos, y también más deliberadamente sentimentales.
Tanto es así que ‘Feel Like a Child’, el bonito tema inaugural, no lleva tanto a los artistas mencionados como, de manera inaudita, a Antonio Flores y a su ‘Siete vidas’. El sonido del pop intimista más «cheesy» y sensiblero de los 90 inunda ‘Shine’ al completo, tanto que, a veces, a Savage se le desborda la emoción hasta lo paródico, como sucede en la lacrimógena ‘Poetry is My Only Chance’ -ya por el título- o en el falsete de ‘Between My Eyes’, próximo al llanto.
‘Shine’ es mejor cuando más logra equilibrar sensibilidad con buenas composiciones, a la manera de una Eva Cassidy. El tema titular conmueve con su descripción de una persona que encuentra la esperanza en el «brillo de los ojos de una gaviota», ‘Streets of Rage’ es una de las canciones más tiernas jamás escritas por Savage gracias a su estribillo «na, na, na, yo creo en ti», y ‘Comet’ estremece como lo haría el hallazgo de un nuevo amor, cuando menos lo esperas.
El viernes del Santander Music poco tuvo que ver con lo visto en su primer día. Había muchas más personas, de mayor edad y sí se le dio uso al escenario pequeño, que fue testigo de algunos de los mejores momentos de la noche. Lo de la mayor cantidad de asistentes se notó al instante, ya que en todos los sitios había cola, de lo cual no hubo ni rastro el jueves. Los artistas, siguiendo la dinámica de todo lo demás, tampoco tuvieron nada que ver con los del día anterior.
Grande Amore, el alias musical de Nuno Pico, fue la dosis perfecta de energía para afrontar todo lo que aguardaba. Desde el minuto 1 ya había gente poseída por los sintetizadores y las guitarras distorsionadas y bailando a tope al ritmo de himnos como ‘Perdón por Ser Tan Sexy’ o ‘Esta Pena Que A veces Teño’, la joya de la corona. En la programación, a este le seguía el DJ Don Gonzalo, quien en sus dos apariciones en el mini escenario pinchó desde el ‘Last Nite’ de los Strokes hasta el ‘Transmission’ de Joy Division, pasando por canciones como ‘Spanish Bombs’ de The Clash. Temas de siempre, como nunca los habías escuchado.
Le tocaba el turno a Guitarricadelafuente, uno de los más esperados. Se movió entre lo íntimo, como en ‘Ya mi mama me decía’, y lo grandioso, como en ‘A carta cabal’ y su piano, que de lo lleno que sonaba parecía que estaba producido por Mike Dean. Hasta la pantalla vibraba cuando Álvaro tocaba las teclas. Este ya tenía ganado al público desde el minuto 0, pero aun así, acertadamente cantó ‘Santander la Marinera’ y ya todos nos acabamos de enamorar de él. Naturalmente, terminó con ‘Guantanamera’, pero para mí el highlight fue la canción anterior, cuando los cuatro músicos que le acompañaban se acercaron al borde del escenario para tocarle las palmas en ‘A Mi Manera’, su particular versión del inmortal tema de Sinatra.
The Gulps, los protegidos de Alan McGee, fueron rock sin filtro y non stop con el frontman, Harry All, metiéndose en la piel de Joe Strummer. Incluso físicamente había un parecido. ‘King of the Disco’ fue bailada en todo el recinto. Xoel López, de quien ya se ha hablado una barbaridad, tomó el escenario principal y realizó el concierto más largo de la noche. Xoel demostró una maestría tremenda que solo se gana con los años, en uno de los shows que más disfrutó la gente. Sobre todo, la gente que conocía sus canciones. Quien no le conociese, bien podría haber pensado que era alguien haciendo versiones en español del ‘Graceland’ de Paul Simon.
‘Autocensura’ y ‘La Juventud’ fueron los dos primeros temas del set de Rocío Saiz y de su punzante batería, que casi no dejaba escuchar la voz de la cantante. Esta se vio obligada a ir acelerada, ya que solo disponía de media hora para su show. Si me preguntan a mí, la aprovechó al máximo. Le dio tiempo a hablar sobre el amor libre, el amor tóxico, la libertad sexual y todo lo que quiso. Al son de ‘Como yo te amo’, Rocío se subió a los hombros de su primo (sí, su primo) y llevó a cabo una tradición que lleva efectuando desde hace tres años, que es enseñar las tetas en su set del Santander Music. El ambiente de su show fue magnífico. En resumen, todo el mundo bailó sin preocupaciones. Poco más se puede pedir.
En Jenesaispop hemos hablado todo lo que había que hablar de Alizzz. Es un show que se puede disfrutar perfectamente sin conocer las canciones y que no falla nunca. Además de todo su ‘Tiene que haber algo más’ y ‘Antes de Morirme’, también cantó ‘Un Buen Día’, de los Planetas, como viene haciendo últimamente en todos sus conciertos. Qué decir, Alizzz es un acierto seguro.
A eso de las 3 y pico de la mañana, todavía quedaba muchísima gente en pie para la última actuación de los desenfadados Varry Brava. El público no paró de mover el cuerpo en ningún momento, con temas como ‘No Gires’ o ‘Playa’, y hasta hubo momentos verdaderamente inspiradores. El mayor de estos fue cuando Óscar, el vocalista, contó cómo hace 10 años se les ocurrió la melodía de ‘Calor’, cómo hicieron «mil conciertos en salas donde no nos veía nadie» y cómo 10 años después siguen con la misma melodía, pero en el Santander Music. Esta vez, sí que les estaban viendo.
Cuco, la superestrella del bedroom-pop, acaba de lanzar su segundo disco. ‘Fantasy Getaway‘ es, como su título indica, un álbum escapista, conceptualizado a modo de viaje espacial, en el que el cantante estadounidense entrega algunas de sus composiciones más logradas, como la que hoy nos ocupa.
‘Time Machine’ es, efectivamente, una canción sobre viajar en el tiempo, en concreto, al pasado (¿dónde si no?), con la intención de gestionar mejor una relación romántica que ha llegado a su fin. Cuco anhela poder «congelar» el tiempo con la persona amada y nunca más hacerla llorar. Quiere, simplemente, «abrazarla y ocuparse de todos sus miedos».
Musicalmente, ‘Time Machine’ también propone un viaje. Se nota que Cuco es fan de Tame Impala no solo por las texturas psicodélicas que suele emplear en su música y, en concreto, en esta canción, sino también por el modo en que construye sus composiciones. Desde que empieza, ‘Time Machine’ avanza hacia adelante sin mirar atrás y, como si fuera un avión, al final despega hacia el cielo con una melodía de «la la las» que logra ser igualmente envolvente y escalofriante.
Cuco cuenta que, cuando escribió la canción, se encontraba en uno de los momentos más vulnerables de su vida. «Estaba sentado en la cama, grabando un mensaje de audio, en un momento muy bajo de mi vida», explica. El artista plasmó sus sentimientos en ‘Time Machine’ y los trasladó a «un mundo de hiperrealismo y de viaje a través del espacio y el tiempo».
Jessie Ware logra su 5º número 1 en el top 40 de JNSP con ‘Free Yourself’ tras haber entrado la semana pasada al puesto 2. Anteriormente alcanzó la cima de nuestra lista con ‘Want Your Feeling’, su gran hit ‘Say You Love Me’, ‘What’s Your Pleasure’ y la balada ‘Remember Who You Are’.
La entrada más fuerte es la de ‘Despechá’ de Rosalía, que es puesto 2, seguida muy de cerca por Sophie Ellis-Bextor y su regreso a las pistas de baile. Entran en torno al top 10 Billie Eilish y Stromae y en posiciones más modestas US Girls y Villano Antillano.
Beyoncé ha publicado un nuevo remix de ‘BREAK MY SOUL’, su reciente éxito, que es más que un remix, pues se trata de un mash-up con ‘Vogue’, la mejor canción de Madonna, que incluye pistas vocales nuevas de Beyoncé en su papel de «matrona de la casa». Entre ellos se esconde un recitado parecido al de ‘Vogue’ en el que Beyoncé nombra a muchas de sus artistas negras favoritas… además de a la propia Madonna.
En el listado, Beyoncé cita a Aaliyah y a Grace Jones (invitada en su disco) dos veces, tampoco olvida ni a sus compañeras en Destiny’s Child ni a su hermana Solange, de los 90 recuerda a Sade o a Lauryn Hill y, cuando viaja lejos en el tiempo, es para reivindicar a la pionera Sister Rosetta Tharpe, a Bessie Smith o a Betty Davis (que no la Bette Davis a la que mencionaba Madonna originalmente en ‘Vogue’), pero también a Nina Simone o a Aretha Franklin.
Pero Bey no peca de nostálgica, y en el mash-up de ‘BREAK MY SOUL’ con ‘Vogue’ sorprende citando a algunas artistas contemporáneas a las que admira como Santigold, Tierra Whack, Lizzo, Rihanna, Nicki Minaj o sus queridas Chlöe & Halle. Entre el resto de nombres citados se encuentran Roberta Flack, Toni Braxton, Janet Jackson o Diana Ross.
Beyoncé sigue dispuesta a convertir ‘BREAK MY SOUL’ en un clásico de las pistas de baile -como manda el concepto de su disco- y el mash-up con ‘Vogue’ es solo uno de varios remixes del tema que ha publicado recientemente, junto a otros de will.I.am. o Honey Dijon. ‘RENAISSANCE‘ es el Disco de la Semana en estas páginas.
‘BREAK MY SOUL’ acaba de alcanzar el número 2 de singles en Reino Unido. Es el single de Beyoncé que más alto llega en la lista de singles británica desde 2008, año en que ‘If I Were a Boy’ alcanzó el número 1. En Estados Unidos se espera que ‘BREAK MY SOUL’ suba al número 1 el próximo martes.
Por su parte, Madonna acaba de publicar una revisión de ‘Material Girl’ en clave hyperpop. Se titula ‘MATERIAL WGORRLLLLLLLL!’ y es en colaboración con el rapero Saucy Santana.
Apenas tres meses separan el anterior disco de Jack White y este ‘Entering Heaven Alive’. Ambos proceden de la misma cosecha creativa post-pandemia que dejó al músico con 30 canciones orbitantes alrededor de dos polos: el rock futurista con menos aciertos que excesos de ‘Fear of the Dawn’ y la sensibilidad más acústica y “roots” de esta nueva entrega. Editar dos discos en vez de cribar lo mejor tentaba mucho a White (a fin de cuentas su disco favorito de los Beatles es el ‘White Album’), así que a finales de 2021 la maquinaria de Third Man se puso manos a la obra rápidamente (no hay retrasos ni colas cuando el dueño de la fábrica de vinilos eres tú).
Otra referencia Beatle-esca: McCartney es su Fab Four favorito. Por eso no sorprende descubrir que su espectro, su filosofía de trabajo, sobrevuelan buena parte de este curioso disco. Sobre todo la de los McCartneys ‘I’, ‘II’ y ‘III’, es decir, los del músico con ganas de experimentar fuera de su estilo más reconocible, movido por la curiosidad, el aburrimiento, las ganas de explorar, en un “yo me lo guiso yo me lo como”. A veces la referencia es literal: en ‘Help Me Along’ no es ya que la melodía de voz recuerde a Macca, sino que la forma de cantarla es casi una imitación. Con su piano Wurlitzer tan 70s, es uno de los momentos más memorables de un disco… caprichoso.
Otros momentos brillantes son el comienzo con ribetes y piano country rock de ‘A Tip from You to Me’ (en el que toca el batería de Soledad Brothers, Ben Swank), la fantasía con Mellotron de ‘If I die tomorrow’ o ese ‘Please God Don’t Tell Anyone’ tan southern soul (o Dylan en la época ‘John Wesley Harding’). La letra de esta última destaca también de entre una media justita, con su humorística variación moderna de la temática gospel: “por favor Dios, no le cuentes a nadie lo que he hecho / Cuando mi padre suba al cielo ahórrale todos mis pecados, desde el primero”.
En los momentos más puramente acústicos, como en la bonita ‘All Along the Way’, White nos recuerda que siempre fue una suerte de “one-man Led Zeppelin”, Jimmy Page y Robert Plant reunidos en una sola persona. Por otro lado ‘Love is Selfish’ referencia consciente o inconscientemente una joya mayúscula de la psicodelia acústica de finales de los 60 (‘Can’t Find My Way Home’ de Blind Faith) sin salir demasiado mal parado.
Debido a ese tono general más acústico y espacioso del álbum, incluso las canciones menos memorables resultan satisfactorias, especialmente si el extremismo sónico de ‘Fear of the Dawn’ te rayó. Se perdona la irrelevancia con pianos jazz y fuzz de ‘I’ve Got You Surrounded’ por sus texturas, y la fiesta de aires ragtime y marimbas de ‘Queen of the Bees’ excita poco melódicamente, pero de alguna manera transmite diversión. La canción también desvela con humor algunas de las obsesiones de Jack, como su sensación de que cae mal (“Y qué importa si soy incomprendido…”), que también se dejaba ver en ‘Please God…’ (“¿es que no he probado mi valía a nadie?”).
Si añadimos a los logros del álbum ese contundente medio tiempo de ‘A Tree on Fire from Within’ (un tipo de ritmo que los White Stripes bordaban en temas como ‘Dead Leaves And The Dirty Ground’) con su atmosférico piano, o el excelente country funk a lo Tony Joe White de ‘A Mad Man from Manhattan’ -un rollo que a este otro White le encaja perfectamente pero que consigue cantar de forma muy personal- estamos ante un disco a ratos algo incoherente, pero que apunta a una dirección mucho más interesante y rica a la que dirigirte cuando quizá has agotado ya la inspiración para componer otro nuevo y brillante riff de guitarra, o simplemente has comprado (e inventado) demasiados pedales de efectos. Ojalá no se quede en un simple capricho anecdótico.
La primera jornada, y la más corta, del Santander Music 2022 se celebraba ayer bajo las inclemencias del tiempo, típico de Cantabria, y con medio cartel formado por talento local. La Península de la Magdalena, hogar del palacio de Alfonso XIII y uno de los lugares más bellos de la ciudad, no vivió anoche su momento más favorecido. Era difícil disfrutar del paisaje y el entorno natural mientras chispeaba más fuerte de la cuenta. Por suerte, sobre las 23 de la noche el tiempo nos dio un descanso y los asistentes salieron de sus escondrijos. A las 20 y pico de la tarde, otro gallo cantaba.
Antes de la actuación de DEVA, exponente del R&B en Cantabria, el lugar estaba prácticamente vacío. Había algunas personas refugiándose en las carpas y luego estaban los valientes, en primera fila y sin ningún tipo de protección. Había tan poca gente que casi todos los que estaban donde el escenario se encontraban en primera fila. Una pena, porque la actuación de DEVA fue de lo mejor de la velada. Esta salió acompañada de su productor de confianza, Mumbai Moon, un guitarrista y una bajista. Fue el único show con música en directo y me agradó comprobar que el R&B de DEVA suena mejor en vivo que en las versiones de estudio. ‘A. Cupido’, ‘After’ y ‘Black & Proud’, su colaboración con Ergo Pro, fueron de las más cantadas por el público.
A las 22 era el turno de Mentaguay, un dúo cántabro de pop azucarado que, junto con el «itañol» Manu Cort, intuyo que deberían haber actuado en el escenario pequeño del evento. En algún momento en el que la lluvia se puso más seria, el festival emitió un comunicado en redes avisando de que pasaban todas las actuaciones al escenario principal. Para artistas más modestos como Mentaguay y Manu Cort, esto fue un flaco favor, ya que no disponían de ningún banner para la pantalla de fondo, lo cual se reemplazó por el logo del Santander Music, ni se molestaron en sacarles en las pantallas aumentadas. Aún así, no dejaron que las inconveniencias pudiesen con ellos y sacaron su show adelante, como debe ser.
Santander Music
En teoría, el plato fuerte del jueves era el almeriense RVFV, autor de grandes éxitos como ‘Mirándote’ o ‘Prendio’, temas que no van a faltar en ninguna fiesta de pueblo. En la práctica, y bajo todo pronóstico, Kidd Keo salió del festival como caballo ganador. Mientras que tanto el show como la actitud de RVFV desprendían sosez por todos los costados, Kidd Keo desprendía carisma, flow y energía en la misma medida. Yo conocía solo una canción del alicantino, pero fue el concierto que más disfruté de lejos. El «engagement» con el público fue incomparable a cualquier otra actuación de la noche y, simplemente, fue un espectáculo. ‘Superstars’, ‘Trap Life’, ‘VAMONOS’ y ‘Lollypop’ fueron los highlights del set, esta última descrita por Keo como «una historia de amor».
De hecho, ayer no se detectó ningún atisbo de fanatismo hasta que llegó el show de Keo. Este no había salido todavía y ya se oían entre el público peticiones tan singulares como «que me pise la cara Kidd Keo», gritadas a pleno pulmón. Este interactuaba constantemente con el público. Como anécdota, una chica tenía un cartel en el que estaba escrita la letra de una de sus canciones. Keo lo vio y dijo que ese tema no lo tenía en el set, pero que el siguiente iba dedicado para ella. El grito que dio la chavala se debió escuchar en todo el recinto. Un poco más tarde, FLACA despidió la noche con su set de DJ, que no fue nada especial, pero sí lo suficientemente bueno como para hacer que la gente se quedase a bailar un poco más sobre el húmedo suelo.
Carly Rae Jepsen ha anunciado que publica disco el 21 de octubre, un ‘The Loneliest Time‘ que prometía ser introspectivo… hasta que la canadiense ha lanzado el single ‘Beach House’, uno de los más bobos de su carrera. En el buen sentido.
‘Beach House’ es una de las novedades que ha dejado la jornada de lanzamientos de hoy, y no, no es un tema dedicado a tu grupo favorito. La «casa de la playa» a la que alude el título ni siquiera es propiedad de Carly, sino que pertenece a uno de los muchos hombres que le han roto el corazón, después de prometerle la luna o pasar un día de ensueño en su apartamento vacacional.
En ‘Beach House’, Carly enumera a los hombres que le han decepcionado hasta que pierde la cuenta. El primero organizó un picnic pero la comida la cocinó su madre, el segundo estaba casado y la «mujer tenía un gusto impecable», el decimosegundo «recordó a su ex y empezó a llorar, y me dijo que estaba enamorado de mí en la primera cita».
No es fácil hacer una canción que haga reír, pero Carly lo consigue gracias a una letra llena de humor costumbrista, nada impostado o exagerado. Carly solo pide honestidad y, al final, son esos mismos hombres los que por fin dejan de engañarse a sí mismos: «tengo grandes planes de cuidarte, pero necesito que me prestes 10.000 dólares» es una de sus confesiones.
‘Beach House’ es un tema situado a medio camino entre la gracia y la autoparodia. Las voces masculinas del final inclinan la balanza hacia lo segundo. Sin embargo, Carly entrega un tema fresquito de electro-pop cuyo sentido del humor incluso recuerda al de ‘Call Me Maybe’. No se sabe dónde puede encajar ‘Beach House’ en un disco que también incluirá ‘Western Wind’, pero parece que va a ser entretenido averiguarlo.
Calvin Harris publica hoy el esperado segundo volumen de su proyecto ‘Funk Wav Bounces’ en el que explora ritmos veraniegos de funk, boogie y post-disco con la ayuda de artistas amigos como Justin Timberlake, Dua Lipa, 21 Savage o Tinashe. El primero fue uno de los mejores discos de su año gracias a colaboraciones estelares como las de Frank Ocean o Nicki Minaj.
‘Funk Wav Bounces Vol. 2’ ha contado ya con varios adelantos como han sido ‘Potion‘ con Dua Lipa, ‘Stay with Me’ con Halsey, Justin Timberlake y Pharrell Williams y ‘New to You’ con Normani, Tinashe y Offset. Ninguno ha hecho arder las listas de éxitos pero sí han ido perfilando un álbum que puede entrar muy bien en estos calurosos días de verano. ‘Obsessed’ es el siguiente «focus track» y hoy la Canción Del Día.
Charlie Puth es una de las estrellas invitadas en ‘Obsessed’. Su colaboración con Calvin Harris se conoce desde el año pasado. El autor de ‘Voicenotes‘ y del inminente ‘CHARLIE’ se acompaña, además, de la rapera jamaicana Shenseea, conocida por éxitos como ‘Sheng Yeng Anthem’ o ‘Blessed’ con Tyga.
En ‘Obsessed’, Puth suena totalmente «despechao» por una chica que estuvo enamorada de él, pero que ahora le ignora. Vocalmente utiliza una afectación inaudita en él, como si cantase con la cara tristona. «Te echo de menos cada día, pero ni siquiera miras a mi dirección, ni te acuerdas de mi nombre» es la penosa conclusión a la que ha llegado, pero la canción no suena triste en absoluto. Más bien su sonido parece partir del de ‘Slide’ para aportarle una dimensión incluso más chill, más luminosa, más desenfadada.
Por su parte, Shenseea deja uno de sus habituales versos en criollo, representando a esa chica a la que Puth ha perdido. Ella ha «reemplazado los sentimientos», eso sí, no con un nuevo amor, sino con un nuevo bolso y kilos de marihuana. «Todos los chicos sois perros», clama, dejando claro que prefiere ir a su bola. «Tengo mis propios juguetes».
En la primera semana de agosto de 2022 sale el esperado nuevo disco de Calvin Harris con colaboraciones de Dua Lipa, Charlie Puth, Halsey, Justin Timberlake y más. Además, Lauv saca su segundo álbum, sobre el que recientemente hemos podido hablar con su autor.
Varios artistas siguen avanzando sus próximos lanzamientos. Es el caso de Carly Rae Jepsen, que publica un simpático adelanto de ‘The Loneliest Time‘ llamado ‘Beach House’. Además, The 1975 cantan a la «felicidad» en un nuevo single de corte disco, Hot Chip lamentan sentirse atrapados en el mundo entre vocoders a lo Kraftwerk, WILLOW entrega otro de sus tiros pop-punk y Panda Bear sigue poniendo los dientes largos con su próximo proyecto con Sonic Boom.
Entre los singles sueltos que tienen cabida hoy en la playlist, The Killers editan un tema pensado para ‘Pressure Machine‘ pero finalmente descartado titulado ‘boy’. Además, Duncan Laurence vuelve con ‘Electric Life’, Planningtorock exige que «retires tus malditas leyes de mi cuerpo» en su nuevo single de house, y Tokischa y Eladio Carrion se dicen «hola».
En estos primeros días de agosto también publican propuestas leyendas como The Mars Volta y artistas de culto como Teen Suicide. Otros artistas que ponen su grano de arena musical hoy son YUNGBLUD, Rels B, Omar Apollo, Mr. Eazi, Mall Grab con Nia Archives, KAYTRANADA con Anderson .Paak, moren o Paulo Londra.
Entre las curiosidades del día hay que mencionar la revisión de ‘Material Girl’ de Madonna y Saucy Santana en clave de trap. Se titula ‘MATERIAL WGORRLLLLLLLL!’ y sale una semana después de lo esperado.
Lady Gaga ha confirmado su participación en la secuela de ‘Joker‘, tras meses de rumores. Lo ha hecho con un post subido a sus redes en el que confirma que la cinta llevará el título de ‘Joker: Folie à Deux’ y que se estrenará el 4 de octubre de 2024.
No se conocen demasiados detalles acerca de ‘Joker: Folie à Deux’. Se sabe que Todd Phillips dirigirá la película tras el éxito de la primera, y que Joaquin Phoenix volverá a asumir el papel protagonista. El rumor principal apunta a que Gaga interpretará a Harley Quinn, aunque su personaje se diferenciará del de Margot Robbie. Además, la película sería un musical.
Así, Gaga continúa dando pasos en el mundo de la interpretación, después de su comentada actuación protagonista en ‘House of Gucci‘. Estos días se encuentra desarrollando la gira de ‘Chromatica’, que próximamente visitará Toronto, así como varias ciudades de Estados Unidos.
Es difícil no afrontar un lanzamiento de Beyoncé con cierto grado de cinismo. ‘RENAISSANCE’ apuntaba a ser un disco bailable, espontáneo, liberado. Bailable es. Liberado también, pero espontáneo no tanto cuando incluye aproximadamente 100.000 créditos entre autores, co-autores, samples, interpolaciones y demás contribuciones. Y, aún así, el mero hecho que Beyoncé haya entregado un proyecto ambicioso, de título épico que promete un cambio de paradigma, parece ser suficiente para ponerlo por los altares. Críticas como las de Rolling Stone o Pitchfork, más que valoraciones musicales, parecen notas de prensa. Tanto es así que Beyoncé parece haberlas predicho. Y algo que en ‘RENAISSANCE’ sucede continuamente es que ninguno de sus elementos parece dejado al azar. Todo suena pensado y medido al milímetro. Es un disco que busca ser carnal, humano, pero que tampoco deja de ser un proyecto empresarial. Y se nota.
Con ‘RENAISSANCE’ vuelve a ser obligado escribir ríos de texto, investigar más en sus créditos que en la universidad, escribir reseñas bíblicas como la que se avecina. En parte se agradece. En un contexto musical donde manda, precisamente, la espontaneidad, en el que canciones compuestas y grabadas en 20 minutos y que duran 2 se convierten en instantáneos números 1 globales, en el que artistas de su misma talla como Drake improvisan discos y los sacan como si fueran churros sin medir el mercado porque saben que van a triunfar igualmente, Beyoncé entrega un plato denso, lleno de sabores que se complementan pero que también se contradicen, y que degustar con tiempo. Es exactamente lo que se espera de ella y, a la vez, no.
Lo primero que llama la atención de ‘RENAISSANCE’ es la falta de estribillos o singles. En este sentido, ‘BREAK MY SOUL’ no es representativo del disco. Es un tema magnífico de piano house (o «diva house», como he leído por ahí) que invita a dejar atrás el estrés y entregarse al baile. Pero tampoco se puede obviar que suena demasiado familiar y diseñado para sonar exactamente como lo hace desde que incluye una melodía muy parecida a la de ‘Show Me Love’ de Robin S, tanto que sus autores aparecen acreditados en los créditos por requisitos de la industria. Es un clásico, pero no ha cambiado el mundo ni ha hecho «renacer» la música disco dos años después que Dua Lipa, Lady Gaga, Jessie Ware y Kylie Minogue recuperaran este sonido cuando más tocaba. Sí se ha apuntado el tanto de samplear un tema de Big Freedia que pedía a todas luces ese trato. El sample de ‘Explode‘ es, sin duda, lo mejor de ‘BREAK MY SOUL’, especialmente cuando «explota» en un final completamente desbocado que debería durar más. De los mejores momentos que ha dejado el pop en 2022.
Si ‘RENAISSANCE’ llega demasiado tarde a la moda disco como para capturar el «zeitgeist», pues de hecho tampoco es un álbum que suene especialmente moderno, por lo menos sí planta su bandera de otra forma, al ser un trabajo específicamente centrado en celebrar la cultura de baile desde una perspectiva afro y queer. En este sentido, Beyoncé está diciendo a las Duas y a las Gagas que todo lo que han hecho se lo deben a los negros que vinieron antes. Y no solo tiene razón, también tiene la capacidad de hacerlo.
Cuando Beyoncé hace reggaetón, como en la tremebunda ‘I’M THAT GIRL’, que inaugura el álbum entre gruñidos, cambios de tempo y un sample insólito de Princess Loko, rapera pionera de Memphis que murió en 2020 sin que prácticamente nadie se acordase de ella, no suena a otra cosa que a la reina del mundo. Cuando hace disco, suena deliberadamente clásica como en ‘CUFF IT’, una canción tan fina y glamurosa como esa Teena Marie a la que hace referencia. Cuando se pone un vestido jamaicano, como en ‘COZY’, no lo hace de manera edulcorada: nos lleva directamente a las sudorosas discotecas de épocas pasadas. En ‘MOVE’ hasta invita a la fiesta a la mismísima Grace Jones… y esta acepta. El homenaje de Beyoncé pasa incluso por el Detroit industrializado de los años 80 cuando, en la abstracta ‘THIQUE’, se atreve a coquetear con beats prestados del deep-house y el techno. Si ‘RENAISSANCE’ no es un «renacimiento», sí es una enciclopedia de géneros, subgéneros, samples y referencias que, en opinión de Beyoncé, no deben caer en el olvido. Ella los hace renacer.
‘RENAISSANCE’ arranca fuerte. Además de algunas de las pistas mencionadas, en la primera mitad del álbum suena ‘ALIEN SUPERSTAR’, una bestia de gqom sudafricano aplicada a la pasarela de voguing que, en este caso sí, apunta a las discotecas del futuro. Rompe con todo lo que se está haciendo en el pop mainstream actual, incluida la propia Beyoncé. Hay que destacar también el dancehall brutote de ‘ENERGY’ con Beams, que ya ha pasado a la historia por su polémica con Kelis, pero que sigue sumergiendo el disco con ímpetu en el underground. El paso de ‘ENERGY’ a ‘BREAK MY SOUL’, además, es el mejor desde aquella transición de ‘Chromatica’ que volvió loco a medio Twitter. Y después, ‘CHURCH GIRL’ es lo más parecido a un single de radiofórmula que incluye ‘RENAISSANCE’. Un tema de R&B contemporáneo, sustentado en un sample de las Clark Sisters, que remite a la época de ‘B’Day’ a la vez que Beyoncé defiende que puede ser una chica religiosa y a la vez mover el culo y desnudarse si le apetece, porque ha «nacido libre».
La fiesta de «grooves» -que no de singles formulaicos- de ‘RENAISSANCE’ se enfría pasada la visita a la iglesia del twerking en el momento en que las canciones se empiezan a difuminar. ‘PLASTIC OFF THE SOFA’, la única producción del disco carente de samples, es la típica cancioncilla de «chill disco» que toca la banda de jazz invitada para amenizar el ambiente mientras el público se retira al baño o a pedir bebidas. Beyoncé aprovecha la ocasión para celebrar su longeva relación con Jay-Z y, como consciente de que a nadie le interesa, lo hace en el «filler» más evidente del largo. A continuación, ‘VIRGO’S GROOVE’ calienta el ambiente de nuevo con seis minutos de liberación disco, pero nunca alcanza el estado de «éxtasis» al que refiere la letra, aunque sea provocado por el amor porque sabemos que Beyoncé no se droga. El mayor delito lo comete ‘SUMMER RENAISSANCE’, que recrea ‘I Feel Love’ de Donna Summer y Giorgio Moroder pero nunca suena igual de embriagadora. Más bien parece la canción que suena al final en los créditos de una película.
Es en la segunda mitad de ‘RENAISSANCE’ donde más se percibe la intención de Beyoncé de centrarse en trabajar estructuras centradas en el baile y no en otras más convencionales y pop. ‘MOVE’ crea un escenario de diversión y desafío en la pista. Dentro del meollo, Beyoncé demanda «espacio» para que sus amigas y ella puedan bailar como quien exige que no se pisen sus derechos. La idea es excelente, pero parece mentira que Grace Jones aparezca por aquí y ni se note. Después, el electro-trap oscuro de ‘ALL UP IN YOUR MIND’ hace echar de menos la sensibilidad melódica de BANKS. Y lo más interesante de ‘AMERICA HAS A PROBLEM’ es su título, sacado del single de Kilo Ali de 1990 ‘America Has A Problem (Cocaine)‘. En la canción de Beyoncé, la cocaína es ella porque es igual de adictiva para su hombre.
En este tramo de ‘RENAISSANCE’ sí se incluyen algunas pistas especialmente efectivas o interesantes. ‘HEATED‘ funciona pese a que no deja de ser otra de esas canciones que Drake es capaz de escribir dormido. El final con megáfono es otro momento álgido del disco. Por su parte, la tenebrosa ‘THIQUE’ -voluptuosa como el cuerpo de Beyoncé, al que va dedicada- se crece gracias a un desarrollo que pasa de lo abstracto a lo pegadizo y perverso. Y ‘PURE/HONEY’ es directamente la joya de la corona, otro homenaje a la cultura del ballroom que samplea a dos iconos de este mundo como Kevin Aviance y Jevin JZ Prodigy y que representa lo mejor que ‘RENAISSANCE’ es capaz de ofrecer, al menos, en esta primera parte de la prometida trilogía.
En la última década, Beyoncé se ha convertido en una estrella dedicada a celebrar la cultura negra desde un punto de vista abiertamente politizado, como ha demostrado en sus últimos pasos artísticos, desde su actuación en Coachella hasta el disco de ‘El rey león’. Sin embargo, su reticencia a conceder entrevistas de manera libre a los medios sigue alejándola de la posibilidad de hacernos comprender su obra mejor, desde un punto de vista más personal y político. En ese sentido, ‘RENAISSANCE’ suena divertido pero también calculado, alejado incluso de la propia realidad de Beyoncé. Quizá es ingenuo esperar otra cosa de una artista que representa toda una institución, y lo cierto es que ‘RENAISSANCE’, en el fondo, no deja de ser un disco de pop fantástico. Quizá no vale la pena pensar las cosas tanto.
La expresión “pop perfection” tiene mucho sentido cuando hablamos de Tove Lo. A lo largo de sus cuatro discos, la sueca ha demostrado cómo su inteligencia a la hora de crear bops va de la mano con unas letras confesionales que rebosan autenticidad. En sus letras y en su imagen se mezclan momentos guarros y de humor (como en el videoclip de ‘disco tits‘) con el dolor y la vulnerabilidad (los videoclips-cortos de la etapa ‘Lady Wood‘). Y en sus directos hace justicia a todo esto, como comprobamos recientemente en Mad Cool, donde Tove repasó su discografía mientras presentaba sus nuevas canciones, entre ellas la por entonces inédita ‘2 Die 4’… que ya está entre nosotros.
Producida por OZGO (con quien ya colaboró en ‘Flashes’), ‘2 Die 4’ es el complemento perfecto a ‘True Romance’, su anterior single: de aquel viaje lleno de intensidad pasamos a un escapismo puro y duro en el que Tove se deja llevar por el deseo y la pasión hacia alguien que acaba de conocer. La frase “no eres como en la foto” carece aquí del significado negativo que se le suele dar, porque enseguida remata con “eres más guapo”: “ojalá me lo hubieses dicho / porque habría puesto más empeño”. Así empieza esta canción, y así empieza esta cita tras la que Tove ansía un segundo encuentro, porque “cuando pienso en ti, el mundo es un poco menos feo”, y quiere “arrastrarte fuera a medianoche, bailar entre luces brillantes y enrollarnos bajo la lluvia”. Casi ná.
El subidón que siente Tove al pensar en esta persona se refleja a las mil maravillas en el tema, que incorpora en el estribillo un sample de ‘Popcorn’, el instrumental compuesto por Gershon Kingsley en 1969, popularizado por Hot Butter en 1972 y, en los dosmiles politoneros, con la versión de Crazy Frog. ‘2 Die 4’ acaba siendo uno de los temas más accesibles de Tove Lo para el público general que solo conozca ‘Habits’ y, tras haber estado funcionando en TikTok el último mes, es una firme candidata a “canción del verano” alternativa, ya que el puesto mainstream parece adjudicado a titanes como Bad Bunny, Beyoncé o nuestra Rosalía con ‘Despechá’.
‘2 Die 4’ supone además el tercer adelanto de ‘Dirt Femme‘, el quinto disco de estudio de Tove, que se publicará en otoño y del que la autora de ‘stranger’ ha dicho lo siguiente: “son todos mis sentimientos, pensamientos y preguntas mezclados en menos de 50 minutos, sin ninguna respuesta. Pero siempre encuentro alivio cuando una canción conecta con mis emociones aunque no me diga qué hacer respecto a ellas. Así que espero que este disco alcance ese pequeño hueco en vuestros corazones, donde lo verdaderamente real se esconde”. ¿Nos morimos de hype? Puede ser.
El nombre de Lauv puede no ser aún muy familiar para algunos; no así sus canciones. Sin tener que irnos a sus colaboraciones con Troye Sivan, BTS o Anne-Marie, ‘I Like Me Better’ es una de esas afortunadas en tener mil millones de reproducciones en Spotify. Y, en el improbable caso de que no hayas oído ninguna, ahí va un dato que te hará sentir curiosidad: fue uno de los compositores de ‘Boys’ de Charli XCX. Hablamos con él de todo esto, del disco que sacó justo al empezar la pandemia, y del que está a punto de publicarse, ‘All 4 Nothing’.
¿Qué sensaciones tienes respecto a este lanzamiento?
Estoy muy, muy emocionado de que por fin ocurra, aunque también algo nervioso. Hace ya un tiempo que lo hice, pero espero que la gente conecte con él, que les llegue. Dices que hace un tiempo, ¿entiendo que lo hiciste cuando estábamos confinados?
Exacto… hice la mayoría de canciones en la segunda mitad del confinamiento.
Tu anterior álbum, ‘how i’m feeling‘, se publicó también en pleno confinamiento, aunque imagino que lo escribirías antes. ¿Qué diferencias encuentras entre ambos lanzamientos y ambos discos?
Diría que este disco es bastante más crudo en muchísimos sentidos. Cuando empecé a escribirlo estaba en un lugar lleno de ansiedad, y sintiéndome desconectado del mundo, de todas las personas, por la pandemia y todo eso. Con el disco intenté encontrar paz en el hecho de encontrarme a mí mismo de nuevo, porque es como si todo lo relacionado con Lauv, con mi música, mi carrera, etc, me hubiese hecho perder la vista sobre quién es Ari, sobre quién soy yo. Y al final este disco ha sido el proceso de encontrar eso de nuevo.
El disco se publica en agosto, en pleno verano, así que la gente va a poder bailar muchas de las canciones, que es algo que no pudieron hacer con el anterior.
¡Sí! Y no puedo tener más ganas… hay un par de canciones muy bailables en el disco, y me emociona pensar que ahora sí puedan disfrutarse al máximo esas canciones.
¿Fue algo que tuviste en cuenta mientras producías? Porque es cierto que el disco es, por lo general, más uptempo que el anterior.
Qué va, fue como muy natural, cada vez me inspiraba más un sonido que tiraba a lo upbeat, mientras que en otras ocasiones me iba más a lo midtempo o a canciones más lentas. Creo que también tiene que ver con lo que he ido escuchando este tiempo… he quemado ‘Future Nostalgia‘, por ejemplo.
Nos pasó a muchos en el confinamiento…
(ríe) Es que es un disco tremendo. Y no es que tenga canciones en mi disco que suenen a ‘Future Nostalgia’, pero sí que es un álbum que me ha inspirado para hacer éste.
«He quemado ‘Future Nostalgia’. Es un disco tremendo»
‘Modern Loneliness’ es una de tus mejores canciones en mi opinión, y es casi profético que saliese justo antes de la pandemia. Después de estos años tan complicados, ¿dirías que el problema del que hablas en esa canción ha mejorado o ha empeorado?
No puedo hablar por todo el mundo, pero… en mi caso personal, diría que yo he mejorado en ese aspecto. Me siento más cercano a mis amigos, y presto más atención a mi vida real, lo cual es muy importante para mí como persona. Y estoy agradecido por eso, porque la verdad es que llevaba un tiempo sintiéndome muy, muy desconectado.
Tengo que preguntarte por ‘Boys’: el mayor hit de Charli XCX en solitario lo escribiste tú, y ella suele componer sus canciones, así que debió gustarle mucho. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Entregaste el material y ya, o hubo intercambios de mensajes y feedback con Charli?
Buah, eso fue muy loco… yo estaba casi empezando, y ni siquiera la conocí. Yo estaba trabajando con varios amigos, y creo que ella acabó oyéndola, le encantó, y siguió construyendo a partir de ahí. Pero nunca la conocí.
¿Después de aquello tampoco?
Bueno, con los años sí es verdad que he coincidido con ella un par de veces y hemos hablado, pero muy brevemente. Pero me encantaría ser su amigo, es una de las artistas más guays que existen.
Me hace gracia que el título de tu anterior disco fue ‘how i’m feeling’, y como un par de meses después Charli XCX sacó ‘how i’m feeling now’, no sé si lo escuchaste.
(ríe) Sí, me encanta Charli y la escucho mucho. Estoy obsesionado con ‘Crash‘, su último disco, es buenísimo.
En tu último álbum fueron otros artistas quienes colaboraron contigo. Por ejemplo, pudimos oír a Phoebe Bridgers en los créditos de ‘Canada’. ¿Qué tal fue trabajar con ella?
Maravilloso. Es una persona encantadora y muy talentosa, en ese momento yo estaba obsesionado con su música también, empezamos a hablar… y acabamos haciendo una demo con otra persona, que dio lugar a esa canción cuando le enseñé la demo a Alessia Cara.
También está en ese disco ‘i’m so bored’, con Troye Sivan, que ha acabado siendo uno de tus mayores éxitos. Vuestras voces empastan muy bien en esa canción, ¿habéis pensado en colaborar de nuevo?
Pues no hemos hablado de ello, pero me encantaría. Troye es uno de mis artistas favoritos, tiene un talento tremendo y además es un chico muy dulce. Estaría genial.
«Rosalía se ha convertido en un punto de referencia en cuanto a lo desinhibido que puede ser un artista con su música»
Última pregunta sobre otros artistas: ¡como español te quiero preguntar por ‘MOTOMAMI‘!
(ríe) Ese disco es una pasada… me encanta Rosalía, y ese disco me voló la cabeza, ‘HENTAI’ creo que es mi favorita, es muy salvaje lo que hace ella. Me parece que se ha convertido en un punto de referencia en cuanto a lo desinhibido que puede ser un artista con su música.
Decías que ‘Drugs & The Internet’ era la canción de tu anterior disco que más lo definía. ¿Cuál lo sería aquí?
Diría que ‘Bad Trip’. Es también mi favorita… es muy distinta a lo que suelo hacer, pero creo que funciona muy bien. Es como que tiene una vibe en la que no me veía, pero que a la vez me recuerda a la música con la que crecí y que me encantaba. Estoy muy orgulloso de cómo ha quedado esa canción.
‘Hey Ari’ es otro de los momentos más distintos del disco. ¿Qué nos puedes decir sobre ella?
La primera vez que la oí, acabé llorando. Te lo juro. Los ojos se me caían. Creo que esa canción es un poco una carta a mí mismo… (traga saliva) Es intensa, sí.
¿Qué ha sido lo más complicado a la hora de sacar adelante este disco? A nivel de composición o producción de algún tema.
Diría que ’26th’… no me costó sacar la letra, el problema es que las letras me salían de dentro, y es muy triste, fue complicado para mí todo el proceso de esa canción.
Me has dicho antes que el disco lo compusiste en pleno confinamiento. Como hace un tiempo de eso, no sé si has ido escribiendo nuevos temas, ya fuera del disco.
Sí, sí, he escrito un montón. Creo que voy a poner algunas en la edición deluxe del disco. De todas formas, he estado pensando en tomarme un pequeño descanso en cuanto a escribir. Ahora que el mundo ha vuelto un poco a la normalidad, voy a intentar vivir un poco, ¿sabes? En lugar de estar todo el rato en el estudio.
En una entrevista has dicho que, de pequeño, escribir una canción era para ti una manera de escapar cuando te sentías solo. Ahora tus canciones llegan a muchísima gente, y quizás provocan lo mismo en ellos… ¿qué sientes al respecto?
Es loquísimo. Intento no pensar demasiado en eso, ¿sabes?, intento mantener la música lo más pura posible, pero a veces sí que cruza mi mente la cantidad de personas que pueden escucharla. Pero intento no caer en eso, sobre todo en este disco he intentado mantenerlo todo lo más puro posible.
Resulta sorprendente ver al director ruso Lado Kvataniya, autor de la aplaudida ‘La ejecución’ (se presentó en Sitges y acaba de estrenarse en Filmin), dirigiendo el nuevo videoclip de Cardi B. ¿Tendrá algo que ver la invasión de Ucrania, a la que se ha opuesto públicamente? ¿O la cancelación de su película en algunos festivales por haber recibido financiación del gobierno ruso?
Sea como fuere, lo cierto es que la rapera neoyorquina lo ha acogido en su seno. Sin embargo, no parece haberle dejado mucha libertad. Kvataniya ha realizado un clip bastante rutinario y funcional que, por momentos, hace honor a su título. Una fantasía futurista, con más derroche de CGI que de imaginación, al servicio de sus tres protagonistas (aunque el personaje de Kanye West, vestido de motero enmascarado, tiene toda la pinta de ser un doble).
‘Hot Shit’ combina cuatro escenarios principales. Una gran metrópoli, donde Cardi B aparece en lo alto de un rascacielos como una enorme King Kong(na) o emulando la imagen icónica de los superhéroes “vigilando” la ciudad al amanecer. Las aguas de un rio, donde hay varios coches hundidos y tiroteados bajo un puente tipo el de Brooklyn. Un desierto con una gran estatua femenina que recuerda a la iconografía de ‘The Fall: El sueño de Alexandria’. Y, por último, una extraña laguna donde rapea (el doble de) Kanye West ataviado como una mezcla de motero y hombre del saco.
Madonna ha expresado en una entrevista a Variety que no tiene ninguna intención de vender los derechos de su catálogo musical, que significaría vender los derechos de 14 álbumes de estudio desde 1983. La autora de ‘Madame X’, su último disco, confirmó las declaraciones de su mánager Guy Oseary, en las que dijo que Madonna nunca vendería su parte de los derechos de su larga discografía.
Al ser preguntada el por qué de esto, la superestrella respondió sin ninguna duda: «Porque son mis canciones. La propiedad lo es todo, ¿no? O sea, por eso Oseary está comprando monos». Oseary firmó el año pasado para representar a la compañía de NFTs Bored Ape Yacht Club, que se dedica a elaborar NTFs de monos con diferentes vestimentas y características, de ahí la última línea de las declaraciones de Madonna.
Siguiendo la línea de su opinión en cuanto a los derechos sobre su música, la cantante también declaró la semana pasada que había decidido elaborar ella misma su propio biopic para evitar que «hombres misóginos» se encargaran del proyecto. Esta cinta será dirigida por Madonna y coescrita por ella y por la guionista de Juno, Diablo Cody. El pasado junio se reveló que se le había ofrecido el papel principal a Julia Garner, actriz de la serie ‘Ozark’.
Según fuentes de Deadline, Selena Gomez y 20th Century estarían colaborando para realizar un reboot de ‘Working Girl’, una de las películas clásicas de los 80, en la que Gomez desempeñaría el rol de productora. Ilana Peña es la encargada de adaptar el guion a los nuevos tiempos y la película se prevee que se estrene en Hulu.
Los detalles del argumento son desconocidos por el momento. La película original de 1988 estaba protagonizada por Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Harrison Ford y Joan Cusack y trataba sobre una ambiciosa secretaria de Nueva York que aprovecha la rotura de pierna de su jefa para hacerse pasar por él. La cinta fue un éxito rotundo: fue uno de los mayores hits del año, recaudando más de 100 millones de dólares, y fue alabada por la crítica, consiguiendo seis nominaciones para los Oscar, entre las que se incluían los premios a Mejor Película y Mejor Actriz.
Este movimiento de 20th Century llega a partir del éxito de ‘Top Gun: Maverick’, otro reboot de los 80, el cual más que probablemente ha hecho que varios estudios de Hollywood revisen su colección de éxitos de los 80 y 90 para lanzar una nueva versión adaptada a los tiempos actuales. Mientras tanto, Selena Gomez está centrada en su papel de actriz protagonista y productora ejecutiva en la comedia de Hulu ‘Only Murders in the Building’, que está actualmente emitiendo su segunda temporada, también disponible en Disney+.
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