En algún momento de 2019, algunos medios publicaron que Ed Sheeran iba a escribir el tema principal de lo que iba a ser la nueva película de James Bond. El rumor era cierto, pero al final a quien escuchamos escribir y entonar la canción fue a Billie Eilish. El autor de ‘Thinking Out Loud’ acaba de explicar lo que ha pasado.
Edward Christopher sí se encontraba escribiendo el tema principal de la película de James Bond que se estrenó finalmente después del tramo duro de la pandemia. Pero hubo un cambio drástico de decisión. “Cambiaron a los directores y entonces cambiaron a los guionistas y eso fue todo. Habíamos hecho todas las reuniones, había empezado a escribirla… No voy a fingir que no me dolió no hacerlo”, ha declarado en un podcast. ¿Quizá sus acordes y melodías suelen ser demasiado luminosos para lo que se espera de las bandas sonoras de James Bond?
No fue tampoco 100% gratificante la experiencia para Billie Eilish, quien vio cómo la canción se estrenaba meses y meses antes que la cinta, debido a la pandemia. Para cuando ‘Sin tiempo para morir’ llegaba a los cines, el recorrido comercial de la canción ‘No Time to Die’ había terminado: hacía nada menos que un año y medio que el tema había salido. Eso sí, Billie Eilish puede presumir de haber ganado un Oscar con ella.
Tras la edición de ‘=‘, que no ha sido precisamente su disco más vendido -sin ser tampoco un “flop”-, Ed Sheeran lleva un 2022 de lo más entretenido entre colaboraciones con Taylor Swift, J Balvin, Lil Baby y ahora Pokemon. Con el juego de ‘Pokemon’ ha presentado el tema ‘Celestial’.
Sabíamos que The 1975 era un grupo muy querido en Reino Unido. Pues bien, lo sigue siendo aunque ‘Being Funny In A Foreign Language‘ no sea su trabajo más comercial. El 5º disco de The 1975 es el 5º número 1 para The 1975 en este país y lo es con cifras de lo más saludables.
‘Being Funny In A Foreign Language’ ha vendido en 1 sola semana casi 41.000 copias, lo que le asegura el disco de plata (60.000) y probablemente el de oro (100.000) si Radio 1 continúa radiando ‘I’m In Love With You‘ de aquí a la Navidad. De esas 41.000 unidades, 15.000 han sido vinilos, 12.000 han sido CD’s, 4.000 han sido cassettes y 1.000 han sido digitales. Además, hay que sumar 8.000 en puntos de streaming.
The 1975 se unen a la lista de bandas que han llegado al número 1 de las listas británicas con todos sus álbumes: The Beatles (11), Coldplay (9), Oasis (7), The Killers (7) y Arctic Monkeys (6, pronto 7 si Taylor Swift lo permite).
The 1975 han vendido más que el resto de todo el top 5 al conjunto, y eso se lleva por delante las modestas ventas del nuevo disco de Red Hot Chili Peppers. ‘Return Of The Dream Canteen’ queda en el número 2 con 12.000 copias, tan sólo. Es su peor dato desde que debutaran en 1991 con ‘Blood Sugar Sex Magik’. En 2006, llegaron a vender más de 200.000 unidades en sólo 7 días de ‘Stadium Arcadium’.
En Estados Unidos, teniendo en cuenta que los Red Hot son americanos, hay un pequeño cambio de tornas. Se espera según HDD que The 1975 lleguen al puesto 7 con “Being Funny” y los Red Hot al puesto 3. Pero quien se queda el número 1 es Lil Baby con las 210.000 unidades vendidas de ’It’s Only Me’.
Este mismo año Red Hot Chili Peppers debutaban en el número 1 de medio mundo (Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Alemania, Australia, largo etcétera) con ‘Unlimited Love‘. Parece que el público ha interpretado esta como una triste segunda parte, pues las canciones fueron grabadas durante las mismas sesiones.
Puede que Yeah Yeah Yeahs llevaran 9 años sin sacar disco, pero en su momento fueron un grupo muy querido en JENESAISPOP. ‘Zero’ fue número 1 de nuestro top, ‘Sacrilege’ quedó cerca (fue top 2 tan solo por detrás de un tema de ‘The Next Day’ de David Bowie), y ahora es el momento de ‘Wolf’, la canción más comercial de su última entrega ‘Cool It Down’. Es lo más votado de la semana, dejando a la mismísima Rigoberta Bandini en el número 2 con su último single.
La entrada más fuerte es la balada de The 1975, ‘I’m In Love With You’, directa al top 6. Un puesto por encima de lo nuevo de Christine and the Queens. Entran lo nuevo de SAULT, Ralphie Choo, Menta, mariagrep y Tegan and Sara. Pero también hay que hablar de la subida de Fred again… que tras 5 semanas de escalada, al fin lo encontramos en el top 20 con “Danielle”.
Entre los temas que hay que despedir esta semana está ‘SAOKO’ de Rosalía, que fue número 1 y ha durado 27 semanas en lista.
“Lo primero que viene a mi memoria es una luz sobrecogedora. Un resplandor repentino me sacude la mente y veo la sala devorada por su aura. Ya no estamos a oscuras. Ya no toca la banda. A mi alrededor, en el foso, hay cientos de personas, como yo, tiradas en el suelo. Mantienen la cabeza escondida entre los brazos y tiemblan. Muchos aún no son conscientes de lo que ocurre. Algunos morirán sin saberlo”. Ramón González, superviviente del atentado que el terrorismo islamista perpetró en la sala Bataclán el 13 noviembre de 2015, empezaba así su libro ‘Paz, amor y death metal’ (el atentado fue durante un concierto de Eagles Of Death Metal).
Tanto Isaki Lacuesta como Ramón Campos se emocionaron con la lectura del libro, y decidieron hablar con González para llevarlo al cine con algunas variaciones, dando como resultado ‘Un año, una noche’, cuya presentación en la Berlinale ya fue algo histórico para nuestro cine: era la primera vez en décadas que dos películas españolas (la otra fue, ejem, ‘Alcarràs‘) competían en Sección Oficial. Pudimos verla no en el Festival de Berlín sino en el Festival de San Sebastián, y la verdad es que hubiese sido tan digna ganadora del premio como la estupenda cinta de Carla Simón.
‘Un año, una noche’ viene generando hype desde hace bastante, tanto por la temática como por ser el regreso de Isaki Lacuesta tras su película más aclamada (‘Entre dos aguas‘ se llevó precisamente la Concha de Oro en el Zinemaldia de 2018) y por su ambicioso reparto: la pareja protagonista está interpretada por dos de los chicos de moda en el cine europeo, ambos de los mejores actores de su generación.
Se trata de Nahuel Pérez Biscayart y Noémie Merlant, protagonistas de las excelentes ‘120 pulsaciones por minuto‘ y ‘Retrato de una mujer en llamas‘, las dos sin duda obras clave del cine LGBT reciente. Pero a ellos se les unen tres valores seguros de nuestro cine como Quim Gutiérrez (brillante en un complicado papel), Natalia de Molina y Enric Auquer, la menos conocida pero igualmente estupenda Alba Guilera y, ojo, ¡C. Tangana!. ‘Un año, una noche’ supone también el debut en el cine de quien a estas alturas ya es una estrella de nuestra música, y ojo porque no es ningún cuadro: Antón sale bastante bien parado. Todos ellos se ponen a las órdenes de Lacuesta, aunque quienes llevan el peso del guión (obra de Lacuesta junto a Isa Campo y Fran Araujo) son Pérez Biscayart y Merlant.
Porque ‘Un año, una noche’ no va sobre los atentados del Bataclán. Al menos no en el sentido que esperamos si leemos que va a tratar de eso. Lo que le interesa a Lacuesta es lo mismo que contaba González en su relato autobiográfico: cómo tanto él como su pareja salieron ilesos de aquella sala en lo físico, pero muy tocados en lo psicológico. Cómo puedes luchar para no olvidarlo o luchar para no recordarlo. Cómo el terror puede hacerles replantearse sus vidas, su visión del mundo actual, sus ideas políticas, sus principios… y, sí, también su amor.
Isaki Lacuesta salta con maestría entre lo íntimo y lo histórico, lo personal y lo universal, y lo hace con la ayuda de las excelentes interpretaciones de sus protagonistas, muy basadas en la contención y que te arrastran cuando salen a flote y lo hacen a borbotones. Lo demuestra, por ejemplo, la larga escena de la discusión en su domicilio de París, que directamente contiene uno de los mejores planos vistos en 2022. Curiosamente, Lacuesta introduce pequeños toques de humor incluso en los momentos más intensos, como puede verse sobre todo en la visita española, o en los momentos de discusión sobre política de la pareja, que de alguna manera recuerdan a ‘Antes del anochecer’ y a ese vacío que conseguía vencer a la esperanza en Jesse y Céline. El relativismo moral que trae consigo el individualismo salvaje de nuestro tiempo.
El protagonismo por supuesto no lo tienen los terroristas (a quienes ni siquiera se llega a ver), y de hecho los flashbacks que sí se usan son una decisión arriesgada. Personalmente me hubiese funcionado mejor, o bien no mostrar nada, o bien mostrar todo al principio y dejar el aftermath de ahí en adelante. También entiendo que no es para dosificar morbo (eso sí me hubiese parecido muy incoherente con lo que se cuenta), sino que es una manera de adentrarnos en la psique de ellos, especialmente del personaje de Merlant.
En cualquier caso, problemas menores dentro de la que es una de las mejores películas que ha dado nuestro cine este año, y eso son palabras mayores porque 2022 es ya uno de los mejores años que se recuerdan de nuestro cine: ‘Alcarràs‘, ‘Cinco Lobitos‘, ‘El Agua’, ‘La Maternal’, ‘La Consagración de la Primavera‘, ‘Mi Vacío y Yo’, ‘As Bestas’ y esta ‘Un año, una noche’ (y probablemente tengamos que sumar en breve ‘Mantícora’ de Vermut). Decía Isaki Lacuesta hace poco “si quieres hacer un cine que tenga capacidad de llegar al público pero que no pierda intensidad personal ni vocación artística hacen falta presupuestos equivalentes a los europeos”, agradeciendo que él sí los había tenido para rodar ‘Un año, una noche’. Pues adelante porque desde luego esto es, como se suele decir, “dinero bien gastado”. Al igual que el de nuestra entrada.
The Afghan Whigs prosiguen con su feliz regreso sin dar ninguna muestra de fatiga. No sólo eso, sino que es probable que este ‘How Do You Burn?’ sea el mejor disco de esta especie de “trilogía de retorno” y el que más les acerca a su época dorada en los 90.
Como toda la obra de los Whigs, se sitúa en un marco atemporal de rock y soul. Esta vez le han dado una pátina aún más brillante, más pop respecto a ‘In Spades’ o ‘Do the Beast’. El sonido de ‘How Do You Burn?’, obra de Greg Dulli y de Christopher Thorn, es más nítido y clásico respecto a discos anteriores. No en vano, Fleetwood Mac es uno de los nombres más invocados en su web. Esta factura también hace destacar (aún más) la portentosa voz de Dulli, que aumenta su ya importante carga dramática para narrar unas canciones cinematográficas, puros thrillers de carreteras abiertas y polvorientas.
Y además está la voluntad de querer mostrar alguno de los temas más pegadizos y accesibles de su carrera. La tríada inicial es de aúpa. ‘I’ll Make You See God’ es un pepinazo que muerde, lleno de furia y cataratas de guitarras hard rock, cercano a los Queens of the Stone Age. En ‘The Getaway’ asoman unos sutilísimos arreglos orquestales y nos retrotraen los Beatles psicodélicos, con el plus de poder escuchar al añorado Mark Lanegan de segunda voz. En ‘Catch a Colt’ los coros de Susan Marshall, que ya participó en ‘1965’, llenan de furia y brillo extra esta pieza de pop poderoso y dramático que haría palidecer de envidia a los U2.
Luego los Whigs se toman el disco con más calma. Las películas oscilan entre el blues de los Gutter Twins (‘Jjya’), la balada tierna ribeteada de órgano Hammond en que Dulli se quiebra (‘Please, Baby, Please’) o la épica bien llevada (saludos a U2 de nuevo) en ‘A Line of Shots’. Pero para pieza mayorcísima, ‘Domino and Jimmy’, donde recuperan a Marcy Mays, voz de la legendaria ‘My Curse’ en ‘Gentleman’, que abre de manera emocionantísima esta torch song expansiva. Marcy prácticamente se come con patatas a Dulli, lo que ya dice mucho y bueno de su capacidad vocal y expresiva.
El cierre es quizás un poco demasiado más suave de lo esperable tras tremenda sacudida emocional, pero ninguno de los tres temas finales contradicen la capacidad de The Afghan Whigs de parir diez canciones recias, clásicas y sexys en solo cuarenta minutos. No necesitan más para sentar cátedra.
Hemos visto muchas campañas virales de Bilbao BBK Live. El viejo eslogan «nivel Bilbao» era como sexy. Después, idearon un «que viene el lobo» para dejar caer que llevarían a Depeche Mode al festival. Los vídeos «Festivaleros» de Pantomima Full fueron muy graciosos… Y la campaña de este año parece estar clara.
El día de salida de ‘The Car’ de Arctic Monkeys, el festival sitúa un coche aparcado en el recinto del festi en una foto compartida en redes sociales. Exactamente al modo del Toyota Corolla 90 de la portada del disco de la banda de Alex Turner, que retrata un extraño aparcamiento en un tejado de Los Ángeles. Pero es que hay más: Arctic Monkeys acaban de tocar en Cala Mijas, festival organizado por la misma promotora Lastour.
Finalmente, hoy 27 de octubre, Bilbao BBK Live ha anunciado que Arctic Monkeys es efectivamente el primer artista confirmado en su cartel y, por supuesto, también, el primer gran cabeza de cartel. La de Bilbao será la única fecha de Arctic Monkeys en España de 2023, como lo ha sido la de Cala Mijas en 2022.
Os recordamos que, a partir de hoy, habrá una preventa de abonos desde las 10 de la mañana, y que la venta general se activará el 2 de noviembre. Bilbao BBK Live se celebra entre los días 6 y 8 de julio de 2023.
Azkena Rock Festival, que se celebra en Mendizabala del 15 al 18 de junio, ofrece su primera tanda de confirmados. Además, se informa de que quienes hayan acudido antes al icónico festival de rock, podrán acceder a la compra de entradas a un precio especial de 110 euros desde el lunes 24 de octubre. El resto tendrá que esperar hasta el día 28 de octubre, cuando los bonos valdrán 130 euros.
Iggy Pop, Lucinda Williams y Rancid son los primeros cabezas de cartel. Y también se han confirmado grandes nombres como Steve Earle (en acústico), Melvins, Calexico, Queensrÿche, Monster Magnet y El Drogas con repertorio de Barricada. Iggy Pop ya estuvo en Azkena en 2003 y 2006 y la organización asegura que vuelve ahora «en su mejor estado de forma». Lucinda Williams también vuelve tras su paso en 2016 y Rancid actuarán en Mendizabala por primera vez con motivo de su 30º aniversario.
En cuanto a nuevos valores se apuesta por Brigade Loco o Pasadena, el nuevo proyecto de Jon Basaguren y Libe García de Cortázar. Para apoyar a la gente joven, se va a poner a la venta el llamado Bono Gaztea, un ticket a precio reducido de 100 € para personas de 15 a 23 años. El acceso para los menores de 14 años (inclusive) será gratuito como en las anteriores ediciones. Esta es la lista de confirmados.
IGGY POP
RANCID
LUCINDA WILLIAMS
BONES OF MINERVA
BRIGADE LOCO
CALEXICO
STEVE EARLE
EL DROGAS (BARRICADA – 40º)
GWAR
LUCERO
MATCHBOX
MELVINS
MONSTER MAGNET
OS MUTANTES
PASADENA
QUEENSRYCHE
Y MUCHOS ARTISTAS MÁS…
Hoy viernes coinciden dos de los lanzamientos discográficos más importantes del año, los de Taylor Swift y Arctic Monkeys, cuyo ‘The Car‘ reseñamos ya en portada. Además publican nuevos discos Carly Rae Jepsen, el «hype» británico Dry Cleaning, Meghan Trainor, Parade o Tegan and Sara, y Burial lanza EP por sorpresa.
En cuanto a sencillos, Ellie Goulding publica el primer avance de su nuevo álbum, Kelela por fin nos da el tema rítmico que queríamos, Phoenix siguen desgranando su disco, y vuelven Petite Meller, Çantamarta, Bonobo, Jeremih, la revelación alemana CATT… Por otro lado, los eurovisivos Rosa Linn y Duncan Laurence presentan tema conjunto tras el éxito de sus respectivos temas.
En la playlist encontrarás, a su vez, novedades de Alice Boman, Röyksopp, la también eurovisiva Amanda Tenfjord, Rocio Saiz, Anna of the North, Biig Piig, Crawlers, Architects, Paula Koops, sunking, Alien Tango, Devon Cole, Safree, Vistas y muchos más.
Kelela engañó a sus fans con su primer single en 5 años. Después de «hypear» su regreso lo más grande en las redes sociales, recopilando mensajes de fans que se preguntaban dónde diantres se había metido, la cantante estadounidense lanzaba ‘Washed Away’, una canción ambiental. Ese no podía ser el gran regreso de Kelela que anhelábamos.
Y no lo era. Kelela prometía que su segundo single sería un «banger» para los clubs y, efectivamente, ‘Happy Ending’ se parece más a lo que esperábamos de su regreso tras un lustro.
‘Happy Ending’ se mira en los 90 del UK Garage, y se sustenta en una base de breaks rotos que nos llevan directamente a las raves de la época. Sin embargo, los sintetizadores y la voz de Kelela llevan la canción definitivamente hacia lo etéreo. En algún universo paralelo, ‘Happy Ending’ ya está sonando a las 3 de la mañana en alguna discoteca.
En medio de todo este baile sudoroso y delirante, en ‘Happy Ending’, Kelela no se saca de la cabeza a una persona. Con ella podría haber tenido algo, pero las circunstancias no lo han permitido. Sin embargo, ella todavía no se rinde y sigue dispuesta a vivir esa experiencia que es «más profunda que la fantasía».
Para el videoclip de ‘Happy Ending’, Kelela no ha hecho otra cosa que irse a una discoteca. La estética no puede ser más noventera, y nada objetaremos si esta es la dirección que el disco toma al final.
Taylor Swift publica hoy su nuevo disco, ‘Midnights‘. Además, durante la mañana, ha lanzado una versión extendida con 7 pistas nuevas. Esto significa que, desde hoy, tenemos 20 canciones nuevas de Taylor Swift que descubrir y degustar.
Después de dos álbumes de folk, ‘Midnights’ supone el regreso de Taylor a un synth-pop que ya habíamos escuchado en ‘1989’ o ‘reputation‘. Sin embargo, esta vez las canciones son más discretas e íntimas que explosivas. Parecen «album tracks» perdidos de ambos discos.
Las expectativas empiezan a regularse en ‘Lavender Haze’. Para ser la primera pista no es especialmente impactante, y esta sensación prevalece en el disco. Destaca el single ‘Anti-Hero’, cuyo vídeo ya está disponible, pero, en general, las composiciones se conforman con resultar dignas y monas sin más. No hay revelación. Pueden ser «growers» pero, de momento, parecen simplemente medianías.
Gran parte de la responsabilidad de que ‘Midnights’ no resulte una sorpresa como ‘folklore’ la asume por supuesto Jack Antonoff, que vuelve a producir un álbum de Taylor y a emplear trucos que ya le conocemos. En lo lírico, Taylor canta sobre sus temas favoritos, el amor y la fama, pero cuando alude al escrutinio o al «karma», la «vieja Taylor» que se vengaba del mundo parece volver de repente.
La misma sensación parece estar dejando ‘Midnights’ en nuestros foros. AdriEv opina: «El disco está guay y se agradece el cambio de sonido, que parece un poco la continuación de la segunda mitad de Reputation (King of my Heart, Dress, Call It What You Want, etc). Que sea cortito juega mucho a su favor, entra estupendamente y debe ser uno de sus discos con menos relleno evidente». »
Y añade: «Como principal pega, en letras me parece un paso atrás respecto a las maravillas que se sacó de la manga en folklore/evermore». No hay obras maestras en ese sentido como the last great american dinasty, peace, champagne problems o ivy. También juega un poco en contra la estética de la era, no pega nada con lo que luego es el disco. Y echo en falta un poquito más de ambición en general. En resumen, no creo que esté a la altura de sus mejores discos (Red, 1989, folklore, evermore) peeero sigue estando lleno de canciones estupendas que llevan su marca».
En un marco parecido, Frikomid apunta: «Igual las canciones ganan mucho por separado (Me puedo imaginar Karma por ejemplo como una de las más llamativas) pero en general el álbum se me ha hecho largo al sonar casi todas las canciones igual. Es un álbum con un sonido demasiado coherente hasta tal punto que si te gusta este sonido el álbum te va a encantar pero si no eres fan te va a costar digerirlo. Veo el álbum como un conjunto de lo más característico de casi todos sus trabajos pasados, 0 innovación, pero ya a estas alturas Taylor Swift solo busca divertirse y yo que me alegro».
Por otro lado, a Victornoe el disco le ha parecido «un Lover sin cringe o sin rellenos», y apunta que «esperaba más con esa estética, y me parece un album casual de pop, muy agradable pero no lo veo trascendiendo como sus anteriores trabajos».
Si en otros foros como el de Popjustice hay quien habla maravillas del disco (aunque las opiniones son mixtas), solo hay que atender a las críticas de medios profesionales para asimilar que ‘Midnights’ está llamado a dividir: por cada reseña de 5 estrellas que emerge, como la de Rolling Stone, lo hace otra mucho más tibia, como la de The Line of Best Fit. ¿Obra maestra o álbum menor? Seguramente la respuesta se encuentre en un punto medio.
Ayer tuvimos que frotarnos los ojos cuando Brandi Carlile anunciaba en The Daily Show que Joni Mitchell iba a ofrecer un concierto completo. ¿Esta era la manera de anunciar el primer concierto como cabeza de cartel en 23 años de la autora de ‘Blue’? Pues sí, esta ha sido.
Joni Mitchell ha confirmado a través de sus Stories de Instagram que el próximo 10 de junio se subirá al escenario del Anfiteatro Gorge de Washington para ofrecer un concierto de cabeza de cartel, en compañía de la propia Brandi Carlile, que actuará en solitario un día antes.
El evento recibe el nombre de Echoes through the Canyon y también Joni Jam II. La Joni Jam I sucedió cuando Mitchell apareció por el festival de folk Newport junto a Brandi este mismo verano de 2022. Joni se presentó por sorpresa, sin avisar, por eso Brandi Carlile está vendiendo esta nueva cita como «la primera vez que se van a poder comprar entradas para ver a Joni Mitchell en más de 20 años».
El pasado mes de julio, en Newport, Joni Mitchell llegó a interpretar 13 canciones según Setlist.fm. Lucius (emocionadísimas, al borde de las lágrimas) y Marcus Mumford estuvieron entre los artistas invitados.
En 2015, Joni Mitchell sufrió un aneurisma cerebral, del que se ha venido recuperando muy poco a poco. Os dejamos con unos vídeos profesionales de Newport, en los que se ve a Joni Mitchell cantar en un sofá, pero también tocar la guitarra.
Hoy viernes se publica ‘Midnights‘, el nuevo álbum de Taylor Swift, y uno de sus cortes más esperados era ‘Snow on the Beach’. Lana Del Rey canta en esta canción, como la propia Taylor había anunciado en redes con una sonrisa cómplice… pero el «featuring» ha resultado ser un tanto engañoso.
En ‘Snow on the Beach’, un atmosférico medio tiempo que no habría desentonado en ‘folklore’, Lana se limita a hacer coros en la ultima frase del estribillo. Suyos son esos inequívocos «snow on the beach, snow on the beach» que llevan la canción definitivamente a un terreno dream-pop. Sin embargo, Del Rey no canta ningún verso entero, ni siquiera canta una frase que no sea la del título de la canción, lo cual ha decepcionado a algunos fans de ambas… mientras otros se ríen de la situación mediante memes.
«Lana» esperando en una esquina a que Taylor le deje cantar, «Taylor» mandando a callar a Lana como Lorde a sus fans, quitándole el micro en lugar de darle otro, eliminando sus partes en el ordenador cual Shakira sentada en el escritorio… las reacciones al «featuring» de Lana en Taylor dan a entender que muchos fans esperaban una colaboración más sustancial. Por otro lado, se ha confirmado que ‘Midnights’ será un álbum visual, es decir, todos sus cortes contarán con videoclip… ¿Mejor ni esperamos a Lana en el de ‘Snow on the Beach’?
En 1997, ‘No Surprises’ fue uno de los singles clave de ‘OK Computer’. A pesar de ser el tercero, su icónico vídeo protagonizado por un Thom Yorke en primer plano que se ahogaba dentro de un casco de astronauta, aguantando la respiración y finalmente tratando de sobrevivir, la situaron rápidamente como una de las composiciones fundamentales de Radiohead y de los 90 en general. En la era del streaming, ahora mismo es la 2ª canción más popular de la banda de Oxford, tan sólo por detrás de la sempiterna ‘Creep’.
La letra de ‘No Surprises’ era muy crítica con el poder, con frases como «no hablan por nosotros», la crítica de «un trabajo que te mata lentamente» o cuestiones aspiracionales como «un bonito jardín y una bonita casa» en propiedad. El mismo día en que la primera ministra británica Liz Truss ha dimitido -siendo la 5ª mandataria de los conservadores en 12 años-, Thom Yorke ha explotado en Twitter.
Parafraseando la letra de ‘No Surprises’, en concreto «bring down this (UK) government, they do not speak for us», Yorke ha hablado en esta red social de “derrocar a este gobierno del Reino Unido, no hablan por nosotros, ahora mismo». Continúa: «No tienen autoridad, ni mandato, ni idea. Gatos en una bolsa haciéndose pedazos a sí mismos, mientras el país sufre una extrema angustia. Basta de esta mierda. Qué vergüenza dan». Thom Yorke está pidiendo claramente unas elecciones generales y según las últimas encuestas, habrá una enorme mayoría laborista, ahora mismo con un 60% de intención de voto.
bring down this UK government, they do not speak for us, right the fuck now .. they have no authority, no mandate, no clue, cats in a bag tearing themselves to pieces while the country suffers in extreme distress. enough of this shit. shame on them. #GeneralElection2022
Vuelve el debate de cuán políticamente correctas han de ser las canciones del pop. Antes de que Mecano defendieran el uso de “mariconez” en ‘Quédate en Madrid’, muchas viejas letras de Loquillo, Siniestro Total o Antonio Flores fueron cuestionadas por su machismo, misoginia, violencia, etcétera.
El nuevo nombre en tela de juicio es el de Hombres G, una de las bandas más populares de los años 80. ‘Devuélveme a mi chica’ fue su mayor hit. Hoy se acerca a los 400 millones de streamings en Spotify, doblando a cualquier canción de Mecano, quizá porque no hace tanto que decidieron llenar un estadio como el Calderón o realizar giras de reunión.
Esta semana, ‘Devuélveme a mi chica’ ha aparecido en Pasapalabra, pero a la presentadora Ana Morgade se le ha ocurrido decir que, aunque le gustaba la canción, y la canta y la baila, no apoya ni el uso de la palabra “marica” en la letra (“voy a vengarme de ese marica”) ni tampoco la visión de la mujer como un objeto a merced del hombre.
El presentador Roberto Leal le da la razón, indicando que el tema “ha envejecido mal” (¿quizá nunca estuvo «bien»?), y la gota que ha colmado el vaso es que el propio programa Pasapalabra ha emitido su juicio ético: “Damos la razón completamente a Ana Morgade en su reflexión sobre la letra de la canción”.
Esto ha sido demasiado para David Summers, autor principal de Hombres G, artista en solitario, y autor de una de las mejores canciones de 1997, también. Así se ha justificado en Twitter: “la canción fue escrita hace 40 años, sabéis perfectamente que es una broma y que no pretende ofender a nadie, pero, si tanto os ofende, ¿por qué la ponéis en vuestro programa?”. Al fin y al cabo, nadie en serio se venga de nadie lanzando «polvos pica-pica».
Manuel Jabois, escritor y columnista de El País, ha comentado irónicamente: “la ponen, la cantan, la bailan a todo trapo, el público se viene arriba y luego dicen que está mal. Les pasa por no poner ‘Matar jipis en las Cíes’».
Una usuaria llamada Silvia defiende en el hilo de Twitter que “en el año 2022 hemos progresado”, a lo que Edu Galán ha comentado: “hemos progresado, sí. No distinguimos una canción pop del manifiesto comunista”. Niño de Elche apunta: “estas gentes pasan de las palabras, del lenguaje, de la literatura, del contexto y de su ironía. Peor que los materialistas marxistas o los conservadores de la censura franquista diciendo lo que está bien o mal según su interpretación. Envejecer mal, ejem… Ana, Ana…»
La canción fue escrita hace 40 años, sabéis perfectamente que es una broma y que no pretende ofender a nadie, pero, si tanto os ofende, ¿por qué la ponéis en vuestro programa…?🤔 https://t.co/f3fwdiyXXj
Young Fathers, autores de discos como ‘Dead‘ o ‘White Men Are Black Men Too‘, el primero de los cuales recibió el prestigioso Mercury Prize a Álbum del Año, anuncian nuevo disco.
El sucesor de ‘Cocoa Sugar‘ (2018) se llama ‘Heavy Heavy’ y viene hoy presentado por un single llamado ‘I Saw’. Antes habían dado a conocer un tema llamado ‘Geronimo’ que también estará en el álbum.
Pese al título del largo, ‘I Saw’ no es una producción tan «heavy» como una canción continuista respecto a la maraña de rock y rap que ha solido identificar a Young Fathers. De hecho el álbum habla de «dejar los demonios salir, lidiar con ello y tratar de darle sentido a posteriori». Para escuchar ‘Heavy Heavy’ al completo habrá que esperar al 3 de febrero.
01 Rice
02 I Saw
03 Drum
04 Tell Somebody
05 Geronimo
06 Shoot Me Down
07 Ululation
08 Sink or Swim
09 Holy Moly
10 Be Your Lady
Estos días está teniendo lugar en Barcelona el ciclo San Miguel On Air Barcelona, el cual apoya el talento emergente. En el último mes, grupos como Echando Leña o Lessus han presentado sus propuestas en locales tan interesantes de la ciudad como El Paraigua o El Pumarejo y, este sábado 22 de octubre, será el turno de Garza, que presentará su «electrónica evocadora» en Espai Niu, donde también está confirmado Gigi D’Amico.
Garza es el proyecto de Adrián Charlín, joven músico que, tras tocar la batería en varias bandas de rock alternativo gallegas durante años, por fin ha cumplido su sueño de emprender una carrera en solitario como productor de electrónica.
La música de Garza aborda estilos como el ambient, el trip-hop o la IDM y es tan atmosférica, preciosista y emocional como lo puede ser la de artistas como Bonobo, Pantha du Prince o Boards of Canada. Por otro lado, en directo utiliza baterías, teclados y sintetizadores, por lo que sus conciertos no son una sesión de electrónica sin más.
Garza, cuyo nombre proviene del de un ave típica de Galicia, publicó su primer EP en 2021, ‘Alborada’, una «pequeña historia de mi infancia en clave de música instrumental» que recoge «mi propio imaginario de una Galicia de mar y tierra». Y, este año, ha llegado ‘Interferencias’, su primer larga duración, en el que Garza profundiza en su propuesta.
El gusto de Garza por las atmósferas y las texturas es evidente en cortes como ‘Bin Jip’, que recuerda ligeramente a los olvidados Télépopmusik, pero el artista tampoco tiene miedo de visitar la pista de baile, como sucede en ‘Arien’. Entre cortes más Boards of Canada (‘Crisálida’) y otros más ambientales (‘Mare’ podría ser de Sigur Rós), ‘Interferencias’ resulta un producto muy emotivo y cuidado.
Filmin ha anunciado su tercera serie original tras ‘Doctor Portuondo’ y ‘Selftape’ y hay sorpresa para el mundo musical underground. ‘Autodefensa’, que se estrenará en noviembre, ha sido creada por Berta Prieto, Miguel Ángel Blanca (Manos de Topo) y Belén Barenys, más conocida por su irreverente proyecto MEMÉ, y más conocida aún por ser corista y prima de Rigoberta Bandini.
La serie está protagonizada por las dos creadoras, Berta Prieto y MEMÉ. Ambas “nos abren las puertas de su casa, su intimidad y sus vidas para mostrar sin complejos los altibajos de la juventud, la dificultad de encontrarse a uno mismo y el descontrol como escapatoria”. La serie la han rodado en casa de sus dos protagonistas y en los garitos reales que frecuentan. Desde Filmin la describen como una mezcla «entre la serie ‘Girls’ y la película ‘Kids’, sólo que dirigida por Lars von Trier».
Berta Prieto es escritora y dramaturga y el director Miguel Ángel Blanca se nos presenta en este proyecto como «un cineasta cuya filmografía incluye títulos como ‘Quiero lo eterno’ o ‘Magaluf Ghost Town'», pero por aquí le recordaremos siempre como líder de Manos de Topo.
La serie consta de 10 episodios de entre 10 y 20 minutos de duración, autoconclusivos. Además, cada capítulo está concebido, grabado y editado con un estilo particular y distinto a los demás. Según la sinopsis oficial, la serie va «de tener veintitantos, vivir en Barcelona y querer pisar todas las líneas rojas emocionales posibles para descubrir quién eres realmente. Va de las aventuras de dos locas descaradas que no quieren que nadie les diga cómo hacer las cosas, y que han creado su propio mundo para ser las reinas. En realidad, Autodefensa va de dos chicas que están muy asustadas y que se divierten en defensa propia. Dicen que lo sienten, que todo ha sido en defensa propia, solo es que tenían mucho miedo».
Cineconn da más detalles sobre la creación de ‘Autodefensa’, cuya idea salió después de la pandemia. Dicen Prieto y MEMÉ: «Empezamos a salir de fiesta a lo loco, con la ansiedad de que nos pudieran volver a encerrar. Y sí, vale, noches de fiesta, drogas y sexo casual, pero… ¿qué teníamos nosotras de bueno, aparte de ser jóvenes? ¿Y, joder, es eso suficiente? Enormes resacas de zorras, hombres patéticos a nuestro alrededor, ansiedad, contradicción vital».
Ellas publicaron un vídeo en Instagram sobre sus vacaciones. «Unas declaraciones nuestras muy fumadas montadas sobre imágenes trash de Peñíscola». Y el vídeo online llamó la atención de Miguel Ángel Blanca: «Nos tomamos unas cervezas con él y suponemos que pensó que estábamos realmente taradas y, claro, todo bien porque eso es lo que a Miguel Ángel más le gusta de la peña, que esté como una regadera».
Meses después de la inesperada -y triste- separación (indefinida) de Novedades Carminha, uno de los mejores grupos españoles de los últimos tiempos, uno de sus integrantes emprende carrera en solitario. Carlangas -vocalista principal de la banda- presenta su single de debut.
‘Se acabó la broma’ continúa por la senda latina que ya asociábamos a Novedades Carminha, pero añade un punto de suciedad y distorsión en la producción que muestra una evolución evidente. Carlangas más que cantar, rapea, y el protagonismo recae en realidad en la elaborada base musical, que incorpora un saxo, sintes medio acid y palmas, resultando una pequeña locura.
La canción, en palabras de la nota de prensa, «consigue llevar al límite de la cultura de rave una canción melódica repleta de romanticismo jugón, apta tanto para abrazarse como para empujarse. Un single que es una carta de presentación y un manifiesto del carácter transversal e impredecible que nos podremos encontrar en el álbum debut del gallego».
‘Se acabó la broma’ es el primer adelanto del disco de Carlangas, que verá la luz «en los próximos meses», y es una co-producción de BRONQUIO, con quien Carlangas ya había firmado otro single suelto, llamado ‘Contigo, contigo, contigo’.
El vídeo de ‘Se acabó la broma’ lo ha dirigido Natalia Ferviú y está protagonizado por el artista compostelano y por la actriz Míriam Giovanelli. Juntos «cuentan una historia que sirve como metáfora del inicio del proyecto: coger un coche, a tu mejor colega y arrancar a por un nuevo futuro».
La carrera de Arctic Monkeys no puede entenderse sin el éxito absolutamente monstruoso de ‘AM’. Da igual cuándo leas esto: el disco de la banda británica continuará entre los más escuchados en Spotify a nivel global, como si no hubieran pasado lustros desde su edición. Este éxito tan inesperado tantos años después de su hypeado primer single ‘I Bet You Look Good on the Dancefloor’ sitúa al grupo en una posición privilegiada, la de hacer exactamente lo que les dé la gana. Es normal arrasar con tu debut pero no con tu 5º álbum.
Podrían repetirse hasta la saciedad. Podrían embadurnarse de experimentación a lo Radiohead. O podrían hacer discos inspirados por cosas tan improbables como la música italiana y francesa, que por alguna razón es lo que hacen. Hasta el punto de que es una pena que sea Los Ángeles lo que encontremos en la portada de ‘The Car’.
Nombres como Francis Lai, Pierre Bachalet, Mina, Dalida, Jean-Claude Vannier o Ennio Morricone aparecen en la supuesta playlist de influencias de este álbum, llamada como uno de los temas, “Del Schwartz”, creada por un usuario llamado «ur mum gay». El grupo ha negado que sea suya. Nadie se lo cree, pues no puede sonar más a ‘The Car’. A los Arctic Monkeys de nuestra década les pirran las bandas sonoras y no es casualidad que entre sus créditos encontremos entre los arreglistas -junto al habitual James Ford- a Bridget Samuels, que trabajó en ‘Midsommar‘.
Tener a un grupo británico tirándose al agua de los sonidos mediterráneos de décadas tan remotas pone casi tanto como la voz de Alex Turner. Jamás habríamos imaginado a Oasis en estas. Las canciones de ‘The Car’ nos hablan de «corchos de champán», de «buscar bichos en un apartamento polvoriento», como la canción titular. Apelan a una peli con un Napoleón de Lego, como la arrebatada ‘Hello You’. Parecen escritas en la Toscana o musicar una cinta de Nouvelle Vague de Éric Rohmer que nos habla de nuestro momento romántico más estúpido, que es de lo que va el single ‘There’d Better Be a Mirrorball’.
Single que empieza con una larguísima intro instrumental y además para a los 40 y 45 segundos en seco. Un tiro en el pie de cara a las playlists de moda o incluso a sonar en las emisoras británicas, en las que Arctic Monkeys han sido tan habituales durante dos décadas ya. La banda de Alex Turner entrega aquí un disco orquestado con cuerdas, que nos hace pensar en el pop de cámara, en el soul ardiente de los años 70, con tan solo alguna concesión muy ligeramente funk, como ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’; o electrónica, como ‘Sculptures Of Anything Goes’, que en lugar desde la galería de arte referenciada en la letra, parece escrita desde el purgatorio. ¿Podría abrir un camino para Arctic Monkeys?
En este espléndido ir a su bola de los Arctic Monkeys de 2022, sería la leche que además las canciones pudieran ser reivindicadas dentro de 50 años, como ahora hacemos con las de Mina o Francis Lai. No siempre es el caso. Comentamos a la salida de ‘There’d Better Be a Mirrorball’ que la composición clásica apuntaba a ‘AM’. Las opiniones del artículo indicaban que era mucho más ‘Tranquility Base Hotel + Casino‘. Alguien ha escrito en Genius que es como este último disco, su entrega más esquiva hasta ahora, pero «más en la tierra».
‘The Car’ no es un álbum tan «en la tierra» como ese sencillo, que presenta un escalofriante cambio de acordes en uno de sus determinantes «llévame al coche»; sino que se plantea su lugar en el mundo, prevaleciendo por momentos sus ganas de poner un pie fuera de él. El segundo sencillo ‘Body Paint‘ obedece a ciertas intenciones beatlianas circa «Sgt Pepper’s», pero es una rara excepción. ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’ hace de la desubicación su virtud, podría caber en una cosa tan rara como la serie ‘Severance’. Y son varias las producciones que terminan antes de hacer mella, como ‘Mr Schwartz’, que tenía una bonita caída de piano, o ‘Jet Skis on the Moat’ -un tanto Lou Reed-, que se desperdicia en un puente inane, y luego simplemente se va.
El momento de mayor equilibrio entre los Arctic Monkeys que quieren quedarse con nosotros para siempre y aquellos a los que les da igual, se produce en ‘Big Ideas’. Alex Turner, casi un solista ya al que nadie volverá a pedir que vuelva a The Last Shadow Puppets porque para qué, juega con el devenir de Arctic Monkeys: «tuve las grandes ideas, la banda estaba emocionada / el tipo de ideas que no compartirías por teléfono / Pero ahora las orquestas nos han rodeado / y ya no recuerdo, por mi vida, cómo era». Paradójicamente es otra de las canciones más accesibles. Como la final ‘Perfect Sense’, una cuyos arreglos sí nos terminan empapando a fuerza de golpear. Más allá incluso de este otoño, ¿quizá?
El retorno de los Afghan Whigs en 2011 fue una noticia doblemente feliz para los que éramos fans desde los 90. No sólo porque nos permitió volver a gozar de su directo fiero y arrollador, sino porque, además, el grupo nos ha ido regalando unos discos impecables, que no desmerecen en nada a sus obras clásicas. ‘How Do You Burn?’ es la última entrega, un álbum esplendoroso y cinematográfico en el que brilla, como siempre, la voz de Greg Dulli, quizás el mejor cantante de su generación. Tuvimos la oportunidad de verles en el Azkena Rock Festival el pasado junio, y este fin de semana actúan de nuevo en Madrid el 22 de octubre (Teatro Barceló) y en Barcelona el 23 en La 2 de Apolo. Y, por supuesto, nada mejor que escuchar por teléfono a Greg Dulli hablar de canciones y pérdidas.
Creo que este ‘How Do You Burn?’ es, de vuestros discos tras el retorno, el que más conecta con los 90…
Hmmm… ¿me lo preguntas o me lo dices?
Lo pregunto… No sé si estás de acuerdo o no.
La verdad es que no lo veo. No analizo mis discos. Quiero decir, los creo y los saco. Así que si es algo que tú crees, guay. Pero no habría habido manera de haber podido sacar este disco en los 90. No tenía entonces la suficiente información para hacer un disco así.
Si lo comparamos con los dos álbumes anteriores, el sonido de este es más expansivo, más pop, ¿no? En vuestra web citáis varias veces a Fleetwood Mac como influencia para componer el disco…
Estoy de acuerdo. Empecé con ese sonido diría que con el disco en solitario que saqué hace un par de años [ndr: ‘Random Desire’, de 2020], llevé la voz un poco más allá. Es una producción algo más moderna. También creo que mi estilo de componer ha evolucionado. Ya no tengo que irme a un lugar oscuro para componer una canción hermosa. Todas estas canciones son muy diferentes las unas de las otras pero, por otro lado, son capaces de estar juntas de alguna manera. Encuentro que las canciones son muy eclécticas. Y, a la vez, hay un hilo que las une.
En particular ‘Catch a Colt’ y ‘A Line of Shots’ son mis favoritas, las tocamos en el concierto [del Azkena]. Son muy potentes, la gente las baila, lo que es fantástico. Eso es lo que buscaba: enganchar. Enganchar al público, hacer que se moviera. ¡Y creo que en esas dos canciones he tenido éxito!
Dave Rosser (miembro de The Twilight Singers, The Gutter Twins y de Afghan Whigs en los discos ‘Do the Beast’ y ‘In Spades’) y Mark Lanegan fallecieron antes de la salida de este disco. ¿Hasta qué punto estas muertes han afectado al álbum?
Mark aún vivía cuando acabamos el disco, así que [su muerte] no jugó ningún papel [en el disco]. Y sobre Dave Rosser, creo que su pérdida siempre nos afectará como banda. Con respecto al tono del disco, creo que el tipo de canciones que escribí sobre Dave estaban en mi disco en solitario de 2020. En cualquier caso, este disco es más sobre escapar de la situación en que todos nosotros nos encontramos durante la pandemia, el virus, el confinamiento. Así que siento que estaba creando un universo alternativo en el que vivir. Y eso es lo que este disco es para mí: un universo alternativo.
Sí, a pesar del panorama no es un disco melancólico ni triste, al contrario. ¿Hasta qué punto fue una vía de escape para ti?
Estaba usando estas canciones para distraerme del anhelo de ver a gente. Y una vez que tuve cuatro o cinco canciones, empecé a construir un disco y se convirtió en un proyecto apasionante para seguir creando. Así que realmente apartó mi mente de todo aquello, tiré adelante y creé una gran, gran película panorámica, para mí y para los chicos de la banda.
Mark Lanegan fue quien puso el título al disco, ¿cómo sucedió?
Pasó que él me hizo una pregunta y esa (“How do you burn?”) era la pregunta. Y yo le pregunté que qué quería decir. Y él dijo: “¿qué te pone y hace que te excites? ¿Qué te hace feliz? Qué te hace arder, chico. Y me gustó. Le pregunté si podía usarlo y me dijo que sí. Quiero decir, es muy poético, muy simple. Y muy elegante. Me encantó.
Una cosa que sí que conecta este disco con los 90 es la fuerte presencia de voces femeninas con las que habíais colaborado en el pasado. Una es Susan Marshall, que cantaba en ‘1965’. La otra es Marcy Mays, la voz de ‘My Curse’ (‘Gentlemen’) en ‘Domino and Jimmy’. ¿Pensaste que debían estar en el disco antes de empezar a componer?
Susan ha aparecido en más de un disco en el pasado. Cuando estaba con la parte técnica necesitaba un empujón, necesitaba otra voz para los coros. Y ahí estaba ella, la tenía la primera de la lista. La llamé y a las dos horas ya estaba ahí.
Respecto a Marcy, somos amigos desde hace mucho tiempo. Estábamos hablando por teléfono y le dije “tengo una canción para ti”. Se la canté, ella me la cantó de nuevo y cuando la escuché me hizo llorar. Después escribí mi parte. Y fue tan divertido, tan apasionante, sobre todo tras haber tenido su voz hacía tantos años… Fue una especie de hermoso broche final en aquel momento.
¿Y cuál es la historia de ‘Domino and Jimmy’?
Creo que es la pareja de ‘My Curse’ 30 años más tarde.
Y siguiendo con la conexión de los 90, me sorprendió veros de astronautas en los videos de ‘The Getaway’ y ‘A Line of Shots’. ¿Es un homenaje a la portada de ‘1965’?
Yo me puse un traje de astronauta y todo el mundo quiso uno… Y, oye, ¡no había pensado en eso para nada! ¡Ni siquiera hice la conexión [con ‘1965’]!
«No habría habido manera de haber podido sacar este disco en los 90»
Este es el primer disco que sacáis fuera de Sub Pop (exceptuando, de nuevo, ‘1965’, que fue editado por Columbia). ¿Por qué habéis cambiado? ¿Por qué habéis dejado Sub Pop?
Siempre vamos donde podemos tener el máximo éxito para grabar un disco. Ese es nuestro modo de actuar, nunca firmamos contratos largos. Llegamos a un acuerdo, entonces esperamos y vemos qué van a hacer los sellos por nosotros. Me considero un trabajador «freelance». Así que hago un disco y veo hacia dónde va. Me haces una oferta para el próximo disco. Pero no eres el único en hacerme una oferta, ¿entiendes? Así que me decanto por la mejor, busco el mejor sitio para mí y para mi grupo, donde podamos tener más éxito en hacer un disco. He tenido buenas y malas experiencias con compañías discográficas. Así que tengo que partir de la situación de base más próspera para involucrarme con un sello. Y es por eso por lo que continuo haciendo discos más de 30 años después, porque no le dejo a ninguna compañía decirme cómo va a ir todo, yo hago las cosas para mi beneficio y para el beneficio de la gente que me rodea. Así que les deseo lo mejor a todos. Pero, en este caso, este [nuevo sello] fue el mejor lugar para mí y mi grupo.
Has estado en varios proyectos. No solo en The Afghan Whigs, sino también has formado The Twilight Singers o The Gutter Twins (con Marc Lanegan). Hasta 2020 no sacaste tu primer disco en solitario. ¿Qué diferencias hay entre trabajar en solitario a hacerlo con una banda?
Amo la camadería de estar en un grupo. Amo tener a alguien que diga “Hey, probemos esto o aquello”. Cuando haces un disco en solitario estás bastante solo, y también es genial, tienes muchas formas de encararlo. Pero he estado en grupos desde que era adolescente y me encanta estar en uno. Ya sabes: ensayar las canciones, salir con la gente con la que vas a tocar, mirarles a los ojos mientras tocamos juntos… Simplemente son experiencias diferentes. Y disfruto de las diferentes experiencias. No te voy a decir: “Oh, eso fue horrible”.
Pero luego hay situaciones como con The Gutter Twins. Quizás tardamos como cinco años en grabar ese disco (ndr: ‘Saturnalia’, editado en 2008) porque estábamos haciendo cosas diferentes y podíamos ir de allí para allá. Pero trabajar con Mark fue realmente divertido. Lo hicimos simplemente por poder trabajar juntos. Estuvimos trabajando juntos diez años, yendo y viniendo, hasta probablemente 2011. Y luego cada uno empezó a con lo suyo de nuevo. Pero fue una gran experiencia.
Todas las cosas que he hecho han sido porque era el momento de hacerlas. Cuando The Afghan Whigs rompieron, tuve a The Twilight Singers. Mark Lanegan colaboró con nosotros e hicimos una gira. Y fue como: “Hey, hagamos algo”. Y ese algo se convirtió en The Gutter Twins. Luego volví a The Twilight Singers e hice una gira en solitario, con John Curley de músico, así que de ahí regresamos The Afghan Whigs. Y todo va así. Todas estas cosas suceden por un motivo. Ya sabes, la rueda sigue girando por el camino y, simplemente, la próxima cosa que vas a hacer esta en frente de ti.
Soto Asa irrumpió en la escena urbana española en 2018 con su primera mixtape, ‘Down Music’, ya firmado en La Vendicion Records, la discográfica que fundó Yung Beef en 2015 y que acoge a artistas como Kaydy Cain o La Zowi. Con su particular mezcla de tecno, club y reggaetón el ceutí ha ido ganando adeptos lanzamiento tras lanzamiento hasta el punto de que en noviembre dará comienzo a su primera gira al otro lado del charco, con conciertos en México, Argentina y Chile.
Su último single es ‘Spaceship’, un tema que Soto Asa ha estado mostrando en todos los conciertos que ha dado en verano, y con mucho éxito. Esta canción es la aproximación más agresiva de Soto Asa a la música de club, basándose mucho en la repetición y en la incitación al baile, pero sin dejar de lado los elementos típicos de su música como los versos pegadizos y las menciones a las zapatillas Nike. Respecto a esto último, todo empezó en 2018 con la canción ‘Me Gustaron Tus Nai’, uno de sus mejores y más famosos temas.
Soto Asa ya empezó a adentrarse en el sonido club de forma más heavy con ‘Las 12’, aunque esta última tenía elementos más melódicos. Justo por esto ‘Spaceship’ es uno de los singles más interesantes de Asa, por el rumbo que toma respecto al resto de su música. Un rumbo natural, claro. En el vídeo que acompaña al sencillo, Soto Asa se encuentra celebrando una fiesta en una nave espacial (obviamente) y el artista de 29 años vuelca todos sus gustos en la imagen para formar la estética por la que es reconocido. Me refiero, entre otras cosas, a los coches y al rollo «asian», tal y como menciona él en algunas entrevistas. Esto ya ocurría en los videoclips de ‘Si Tu Kiere’ y ‘Jugador 9’.
Los 40 Principales han dado a conocer el cartel de artistas que actuarán en la próxima gala de Los40 Music Awards, que se celebrará el 4 de noviembre en el WiZink Center de Madrid. Entre ellos se encuentra Rosalía, definitivamente reconciliada con la emisora y quien, de hecho, lidera las nominaciones al optar a hasta 7 galardones.
Otros artistas confirmados en la letra grande de Los40 Music Awards son Anitta, David Guetta, Manuel Carrasco, Aitana y Ava Max. Además está confirmada Chanel, por lo que es de esperar que presente en directo su nuevo single, ‘TOKE‘, que sale la semana que viene.
El cartel de artistas confirmados en Los40 Music lo completan María Becerra, Manuel Turizo, Sebastián Yatra, Tiago PZK, Leiva, Juanes, Dani Fernández, Ana Mena, Morat, Lola Indigo, Yungblud, Danny Ocean, Marc Seguí, Abraham Mateo, Leo Rizzi y Sangiovanni.
Además de Rosalía, los artistas más nominados en Los40 Music son Harry Styles, Camila Cabello, Black Eyed Peas, y Shakira, seguidos por Imagine Dragons, David Guetta, Karol G, Lola Índigo, Aitana, Manuel Carrasco, Morat, Dani Fernández, Ana Mena, Dani Martín, C. Tangana, Anitta, Sebastián Yatra y Adele.
Lana Del Rey ha sufrido el robo de su ordenador, en el que almacenaba no solo el borrador de un libro de 250 páginas que estaba escribiendo, sino también maquetas de las canciones que iban a aparecer en su próximo álbum de estudio. Lana, que también ha perdido dos años de vídeos familiares, pide a sus fans que no escuchen las filtraciones, de llegar estas a la red.
En un vídeo de Instagram, Elizabeth Grant cuenta que el robo se produjo hace unos pocos meses, cuando aparcó su coche en la avenida de Melrose Place, en Los Ángeles, y lo descuidó un instante. Fue entonces cuando alguien se acercó al automóvil, rompió las ventanas y robó la mochila en la que Lana guardaba su ordenador, su disco duro y sus cámaras digitales.
Lana, que ha sufrido robos de música y filtraciones durante toda su carrera, tanto como para acumular varios discos de música filtrada, dice que no utiliza la nube para almacenar material por miedo a que alguien se infiltre en su cuenta, pero que, por mucho que protege la seguridad de sus dispositivos, alguien siempre encuentra la manera de acceder a su teléfono móvil o de robar sus pertenencias.
En el vídeo, Lana explica que va a tener que empezar a escribir su libro de nuevo, y aclara que está «segura» de que su disco va a salir, pero comparte su preocupación ante una situación que no termina de cesar en su vida, y que considera un obstáculo para el desarrollo de su creatividad.
Este mismo año, Lana ha obtenido una orden de alejamiento contra un acosador que visitó su casa varias veces, robó uno de sus coches, le dejó cartas amenazantes e incluso contactó a su hermana.
Shakira sigue publicando adelantos de su próximo disco, que existe y está terminado (ella dice que traerá diversos géneros y colaboraciones y que será muy honesto) y hoy presenta ‘Monotonía’, su nuevo single, que cuenta con la colaboración de Ozuna.
Se trata de una bachata, como ya lo era ‘Deja vu‘, el single de Shakira con Prince Royce que se adelantó unos cuantos años a la explosión de este género, pero esta vez la letra no puede estar más marcada por la desilusión ante una relación fracasada.
Como ‘Te felicito’, ‘Monotonía’ sigue adentrando a la audiencia en la intimidad de la que un día fue una de las parejas más célebres de la cultura pop, la de Shakira y Gerard Piqué. «De repente ya no eras el mismo, me dejaste por tu narcisismo» o «estaba corriendo por alguien / que por mí ni estaba caminando» son algunas de las frases contenidas en la canción.
Por su parte, el videoclip de ‘Monotonía’ es cuanto menos curioso. Rodado en la localidad barcelonesa de Manresa, no puede ser más metafórico en su representación del dolor que produce una ruptura. La colombiana recibe el disparo de una bazuka, se le cae el corazón del pecho e intenta salvaguardarlo como puede, mientras otros lo pisan sin darse cuenta. Finalmente, Ozuna lo encierra con llave en una taquilla.
Estos días, Shakira ha conseguido convertir ‘Te felicito’ con Rauw Alejandro en un macrohit cuando el mundo ya lo daba prácticamente por muerto. Fue anunciarse su divorcio con Gerard Piqué y, la canción, cobrar un nuevo significado al que el público respondía escuchándola masivamente. El resultado: top 2 en España y más de 350 millones de streamings en Spotify. ¿Sucederá lo mismo con ‘Monotonía’?
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