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Dua Lipa NO ha despedido a su mánager por su postura pro-Israel

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Dua Lipa ha negado haber despedido a su mánager por su postura pro-Israel. La noticia había aparecido en varios medios, siendo el origen una supuesta filtración al tabloide Daily Mail.

La noticia decía que Dua Lipa había despedido a su mánager de los últimos ocho años, David Levy, tras la aparición de su nombre en una carta dirigida a Glastonbury -privada, pero filtrada a los medios- en la que se solicitaba la retirada de la banda irlandesa de rap KNEECAP del festival británico por su activismo en favor de Palestina y supuesto antisemitismo. Según dicha información, Dua Lipa continuaba siendo representada por la agencia WME (William Morris Endeavor), solo que ahora con un nuevo agente.

Dua Lipa ha dicho que siempre será «Palestina Libre», pero ha acusado a Daily Mail de mentir: «No apruebo las acciones de David Levy ni de otros ejecutivos musicales hacia un artista que dice su verdad. Pero tampoco puedo ignorar cómo se ha manejado esto en la prensa. No solo la historia era completamente falsa, sino que el lenguaje empleado por el Daily Mail era deliberadamente provocador, creado con el único fin de generar clickbait, claramente diseñado para fomentar la división online».

Concluye: «Siempre, Palestina Libre. Pero explotar una tragedia mundial para vender periódicos es algo que me resulta profundamente preocupante».

Glastonbury no canceló el concierto de KNEECAP en julio, que se llevó a cabo según lo previsto. La policía investigó las quejas, pero no vio pruebas de delito y cerró el caso. KNEECAP calificó la investigación como un intento de “intimidación policial política”.

Desde mayo, uno de los tres integrantes del grupo, el rapero Mo Chara, enfrenta un cargo relacionado con “terrorismo” por supuestamente haber mostrado la bandera de Hezbolá durante un concierto. Este caso ha provocado el veto de KNEECAP en Canadá por haber realizado «declaraciones contrarias a los valores del país». KNEECAP tenía previsto realizar una serie de conciertos en Toronto y Vancouver que han sido cancelados.

‘Superestrella’ es el nuevo hit de Aitana: veredicto

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Parte de la redacción evalúa ‘Superestrella’, el actual éxito de Aitana. La canción se ha viralizado en TikTok, donde miles de usuarios han compartido bailes con distintos puntos de la letra, que es muy visual.

A favor:
«‘Ni ‘6 de febrero’ ni ‘Segundo intento’: el mayor éxito de Aitana ahora mismo en España es ‘Superestrella’, un tema que no ha sido single pero que se ha popularizado de manera espontánea, subiendo hasta el 22 de la lista de singles oficial. Sin duda, es una de las mejores canciones de ‘Cuarto azul‘ (2025), ‘Superestrella’ es emblemática del sonido pop ochentero y pulido del álbum, en ese sentido es hermana de ‘6 de febrero’ y otras pistas incluidas en el álbum, pero destaca por su alegre espíritu e irresistible estribillo, que destaca el título de la canción mediante un gran coro de voces.

‘Superestrella’ es también una de esas canciones que los artistas escriben sobre su propia fama y que funcionan gracias al contexto que el público tiene sobre ellos. Situada en una discoteca, donde Aitana conoce a su «próximo error» (esta frase tiene especial sentido cantada por ella), ‘Superestrella’ describe el inicio de una relación que estará marcada por la desigualdad de poder, y lo hace con resignación («los rumores vuelan»), humor («tatuarme tu apellido, querernos para toda la vida») y un sentido de la melodía pop espectacular». Jordi Bardají.

En contra:
«Todavía no he asumido lo buenísima que es ‘6 de febrero’. Me hipnotiza el modo en que una frase del post-estribillo parecer intentar sortear la ola de sufrimiento hacia un lado («Porque vivo bailando para no llorar más»), la siguiente hacia el otro («te veo en todas partes, todavía no te vas»), solo para finalmente caer al agua, derrotada: «yo no puedo olvidarte sin poder devolver el tiempo atrás». No, no podemos devolver el tiempo atrás, y así acaba la canción, con una sensación de fracaso absoluto. Pocas veces una producción ha escenificado un videoclip mejor que su propio videoclip.

No hay tanto tan bueno que decir sobre ‘Superestrella’. Es una canción simpática, chicle, coreable, con sus ¿ganchos? del tipo «fuck!» o «en la TV». Por acordes, ritmo y guitarras habría encajado en ’11 razones’. Pero desde ‘alpha’ sabemos que Aitana puede hacerlo mejor, muchísimo mejor». Sebas E. Alonso.

Damiano David nos camela con guiños a Guitarrica e Íñigo Quintero… no a Måneskin

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Ainhoa Laucirica

Damiano David se convirtió en una estrella internacional en el momento en que se subió al escenario de Eurovisión. Prueba de todo lo bueno que puede -o podía– traer el certamen si sabes jugar tus cartas. Nadie dijo que el camino fuera fácil y los sinsabores de la fama comenzaron para el artista durante aquella misma velada, cuando se le acusó falsamente de meterse una raya delante de toda la audiencia, algo que negó categóricamente.

El líder de Måneskin lo ha pasado mal en ocasiones para averiguar quién era, y ese es el relato de su primer disco en solitario, ‘FUNNY little FEARS‘. Damiano David se desnuda de verdad y en sentido figurado para terminar revelando que puede ser «muchas versiones de sí mismo a la vez». Que no necesita definirse.

Con esta coartada llena un recinto como el Movistar Arena de Madrid, sin ni un solo guiño a Måneskin. Ya hubiera querido Brandon Flowers cuando lanzó aquellos discos sin los Killers. O Dolores O’Riordan cuando funcionó sin Cranberries. O Liam Gallagher cuando funcionó sin Oasis. Insisto, por si no se entiende: Liam Gallagher, sin Noel, solía actuar en La Riviera, no en el Palacio de los Deportes, y desde luego que terminó tocando canciones de Oasis a mansalva.

El delirio que provoca Damiano David es evidente desde que pisa las tablas. Mientras toda su banda y sus coristas, casi una decena de personas, viste de traje negro, él porta pantalón blanco y camiseta de brilli-brilli. Antes de ‘Cinnamon’, pregunta si nos gusta el rock, pero en general a lo que asistimos es a un concierto de melodías muy poperas, de sonido altísimo aunque algo atolondrado. Un letrero luminoso con las palabras DAMIANO DAVID corona el recinto como si estuviéramos viendo a Elvis, y ahí se acaba la parafernalia y la pirotecnica, aparte de esas grandes pantallas dispuestas para apreciar bien hasta el último detalle de un mapa de tatuajes que ni ‘Prison Break’. Sí, hubo desmayos.

El artista se pasea con cierta dejadez. No hay cuerpo coreográfico, ni movimientos ensayados como los que pudiera tener el Rey del Rock. Tampoco llega a tocar ningún instrumento. El instrumento es él en sí mismo, como cuando se quita algo de ropa, o procede a ponerse y quitarse una camiseta, como metáfora de lo que ha luchado por encajar, dándose cuenta de que la perfección no era exactamente lo que él tenía en la cabeza. Hablo del número para ‘Perfect Life’. Mascando chicle o fingiendo que lo hace, Damiano David tiene ademanes de estrella del rock y al mismo tiempo de ídolo teen, decantando la balanza hacia lo segundo cuando pasa media noche hablando un muy buen español.

Y es que la noche es generosa en guiños al público local. Además de versionar el clásico de Kings of Leon ‘Sex on Fire’, por si las cosas no estuvieran ya «ardiendo» lo suficiente en el recinto, introduce ‘Guantanamera’ explicando cuán talentoso le parece Guitarricadelafuente; y luego canta no otra cosa que ‘Si no estás’ de Íñigo Quintero.

Pero en verdad en cuanto a repertorio, la noticia es cómo el concierto muy rara vez cae en el tedio tirando tan solo de un álbum en el mercado. Damiano David tiene el valor de abrir con uno de sus principales singles, ‘Born with a Broken Heart’, aquel que tanto sonaba a Harry Styles. En ese momento te preguntas cómo sostendría 90 minutos de concierto. Sin embargo, ‘Voices’ suena especialmente agraciada: más incluso ‘Zombie Lady’, el tema en el que al fin escuchamos alto y claro a su corista; y ‘Over’ está también, por ejemplo, entre los momentos más coreados. La gente ha hecho los deberes.

Tras guiños a los 50 como ‘Tangerine’, melodías envolventes como ‘Talk to Me’ y ‘Mars’ dedicada a la pérdida de tiempo que supone para el mundo Elon Musk, el concierto se despide con un bis propiamente dicho de ‘The First Time’ y ‘Naked’. Damiano se ha desnudado para el respetable, y el público responde que le acogerá con los brazos abiertos, sea cual sea su formato.

Ainhoa Laucirica

Halsey habla de su mejor disco y rabia contra su sello

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Halsey ha concedido una entrevista a Zane Lowe en Apple Music que está dando la vuelta al mundo por las imágenes en las que carga contra su sello. Asegura que no le dejan sacar más discos tras el fracaso de ‘The Great Impersonator‘. Un álbum que salió hace menos de un año, de más de 66 minutos de duración y que se promocionó con un extraño orden de singles, primero revelando la enfermedad que había sufrido, y luego pasando a diferentes estilos y géneros.

Se queja Halsey: «No puedo hacer un álbum ahora mismo. No me dejan. No puedo. Es la realidad. Porque ‘The Great Impersonator’ no funcionó como esperaban. Y siendo honesta, el álbum vendió 100.000 copias la primera semana. Es una buena cifra, especialmente para alguien que no ha tenido un hit en mucho tiempo. La gira fue la más exitosa de toda mi carrera. (…) Quieren de mí los números de ‘Manic‘. Todos quieren esos números. Y no puedo conseguirlos siempre. Debería bastar con hacerlo de vez en cuando. Pero no es así. Y lo que sería éxito para muchos artistas, una historia de éxito, 100.000 copias la primera semana en una época sin ventas físicas, sin hit en radio, es un fracaso comparado con lo que yo logré antes. Y eso es lo más difícil de haber sido una estrella pop antes, porque ya no lo soy, pero me comparan con números y con gente que no considero comparable».

Recuerda concretamente: «Hace un par de años, sí, era yo y Ariana “peleando por el número 1 en Billboard”. No peleábamos, nos mandábamos mensajes. Lo amábamos. Fue lo mejor, esa era: “Without Me”, “Thank U, Next”, “7 Rings” Fue increíble. Pero si saco un disco y vendo 100.000 copias sin apoyo de radio ni nada, la comparación es: “¿Por qué no haces números de Taylor Swift?” ¿Estás de broma? Hice un disco conceptual experimental sobre cómo casi me muero. No voy a hacer esos números. Pero me va bastante bien. Son números fuertes. Sigo entre las primeras diez artistas femeninas en ventas. Pero no es suficiente porque no soy la estrella pop que fui, aunque decidí no serlo».

La cantante recuerda también su debut ‘Badlands’, que cumple 10 años y va a celebrar con una gira: «Creo que no podría hacer este disco de nuevo. No podría repetirlo. Y la gente lo pide. Me dicen: “Queremos otro álbum como Badlands. Haz otro álbum como Badlands”. Creo que lo que quieren de mí es algo que ya es imposible de alcanzar en este punto. Y es como… es más enérgico, más abstracto, y tiene esa especie de valentía ingenua de alguien que aún no ha fracasado, pero que tampoco ha ganado. Estás existiendo en ese espacio intermedio. Y creo que tomé muchas decisiones de forma natural e instintiva. También, como muestra el disco, no me avergonzaba de mis ideas. Y creo que eso es algo que empieza a pasarte como artista: empiezas a preocuparte por cómo serán recibidas tus ideas, o te dices: “No puedo decir esto”, o “no puedo hacer aquello”».

De hecho, explica que antes de sacar ‘Badlands’ era una especie de nómada: «Antes de ‘Badlands’, mi vida era un desastre. No estaba bien. No tenía un lugar donde vivir durante mucho tiempo. No hablaba con mis padres, y en el mejor de los casos, iba de sofá en sofá o me involucraba con chicos que en realidad no me gustaban solo para poder quedarme en su casa. Y en el peor de los casos, dormía en la calle (…) Pero canalicé todo eso en ‘Badlands’. Muchos de los temas del álbum son una respuesta directa a esa violencia, o a pesar de esa violencia, ya fuera física o simbólica. El disco es hipersexual en una forma que yo creía normal a los 18 años, y ahora lo veo y pienso: “¡Dios mío, ¿dónde está tu madre?!”. Me sentía completamente como una adulta».

La cantante reflexiona sobre por qué ha perdido popularidad en este tiempo: «»Love and Power» salió justo después de ‘Manic’, y lo que pasó después de ‘Manic’ y al final de ese ciclo fue COVID, TikTok convirtiéndose en el principal vehículo de marketing y descubrimiento musical. Y me quedé embarazada, tuve un bebé, y me dije a mí misma: «voy a tomarme estos dos años para hacer un disco experimental del que me sienta orgullosa». Sigue siendo mi álbum favorito que he hecho».

Efectivamente considera «Love and Power» su obra maestra: «Mucha gente considera ‘If I Can’t Have Love, I Want Power‘ el mejor disco de mi carrera. Como mi obra maestra. Mi forma más verdadera. Trabajé con algunos de los músicos más prolíficos y aclamados. Sacaron lo mejor de mí. Llegué con mi mejor material antes de que ellos siquiera tocaran las canciones. Fue mi intento más exitoso de hacer un disco conceptual como artista, porque he estado intentando hacer discos conceptuales toda mi carrera. La gente tarda en entenderlo. Cada año más gente lo entiende y más gente lo quiere. Creo que la gente va a considerarlo un disco atemporal, y eso significa éxito. No sé si me importa mucho la recepción numérica, pero esto es lo que te planteo: las consecuencias de hacer eso fue que me despidieron de mi sello».

Continúa: «Me despidieron. Y tuve que firmar con otro sello. Tuve que firmar con otro sello a los 10 años de carrera, con múltiples hits número uno, discos masivos, álbumes platino triple, cuatro veces platino. Hice ese disco, y no pude conseguir las herramientas ni los recursos para hacer otro igual. Y especialmente no para hacer otro al nivel que se esperaba de mí. Así que si fracaso otra vez y tengo que hacer otro disco con aún menos fe y recursos, entonces estoy atrapada. Lo que pasará es que 5 años después, cuando la gente decida que Love and Power es atemporal y uno de los mejores discos de la puta década, o lo que sea, será genial, y me encantará leer esos artículos, pero nada de eso me ayudará a hacer más música».

Cardi B / Am I The Drama?

Cardi B enamoró al mundo con su naturalidad desde su primera visita al programa de Jimmy Fallon en 2018. Sus canciones podían ser tan duras como ‘Bodak Yellow’, pero su graciosa personalidad, desde luego nada «media trained», la convertía en una alternativa digna a la tiranía de Nicki Minaj. Las comparo, no las equiparo, y recientemente también lo ha hecho Ice Spice.

Este año, aquella Cardi B ha vuelto a emerger durante su histórico juicio por agresión, uno de los más comentados y hasta divertidos que se recuerdan. Cardi ha ganado el juicio y también la pelea por su imagen pública. El lanzamiento de su segundo disco, ‘Am I The Drama?’, ha llegado a tiempo para que su equipo prepare ediciones especiales con portadas extraídas de escenas del juicio. A continuación, Belcalis Almanzar se ha echado a las calles y al metro de Nueva York, haciéndose la pobre, para vender cedés y vinilos, bromeando con que necesita dinero para pagar a sus abogados y alimentar a sus hijos. El cuarto, aún por nacer.

Ninguno de estos grandes momentos protagonizados por Cardi B cambia el hecho de que ‘Am I The Drama?’ llega demasiado tarde: siete años después del lanzamiento de ‘Invasion of Privacy‘ (2018), su debut, y nada menos que un lustro después de ‘WAP‘ con Megan Thee Stallion (2020), el mayor éxito de su carrera. Mientras ‘Invasion of Privacy’ conquistó a público (el disco es 6 veces Platino), medios (8,7 en Pitchfork) e instituciones (ganó el Grammy a Mejor Álbum de Rap), ‘Am I The Drama?’ se publica sin singles realmente de éxito y únicamente respaldado por el peso mediático de Cardi B… y por la inclusión de dos hits tan viejos que se lanzaron en plena pandemia.

Que ‘WAP’ y ‘UP‘, ambos números 1 en el Billboard Hot 100, se hayan insertado al final de ‘Am I The Drama?’, tantos años después, revela una desesperación que Cardi intenta disimular a lo largo de 23 pistas llenas de fanfarronería, sexualidad y puntuales momentos vulnerables. Los sencillos ‘Outside‘ e ‘Imaginary Playerz‘ están bien, pero el primero sabe a mixtape y el segundo muestra una faceta seria de Cardi B poco creíble. Para intentar sostener el papel, recurre a un beat de Jay-Z de 1997, en lugar de apostar por uno nuevo.

En ese punto medio quedan la mayoría de composiciones de ‘Am I The Drama?’, un disco en el que la suma de pistas no lo hace mejor. 23 son demasiadas, tantas que Cardi acaba repitiéndose: ‘Dead’ y ‘Hello’ son básicamente dos intros, ‘Pick It Up’ con Selena Gomez es la hermana bonita de ‘Nice Guy’ con Tyla, ‘Magnet’ es una versión superior de ‘Errtime’, ‘Safe’ lo es de ‘Check Please’, y así sucesivamente. De repente asoma un disco interesante con ‘Bodega Baddie’, un chute de merengue que samplea el clásico dominicano ‘Ta’ Buena’ de El Prodigio, pero pronto el repertorio se diluye en grabaciones correctas pero insustanciales, como el rap de Atlanta ‘Salute’ o la infantil ‘Better than You’, que ensanchan el álbum sin redondearlo.

Hay en ‘Am I The Drama?’ una suerte de arco conceptual: arranca con canciones agresivas en las que Cardi intenta reafirmar su posición dominante en el rap. «Conmigo no puedes competir», rapea en la épica ‘Dead’, que por alguna razón otorga la primera voz del disco a la invitada Summer Walker, presente también en otra pista. ‘Magnet’ incluye disparos y la rima «esas zorras no pueden hacerlo como yo, me he despertado y sigo en la cima». Una afirmación cuestionable, teniendo en cuenta que ‘Am I The Drama?’ no ha producido ningún single de éxito que no tenga cinco años. El cierre con ‘Killin You Hoes’ es un pequeño caramelo de rap noventero para quienes logren llegar hasta el final.

En medio, por supuesto, Cardi B dedica varias líneas a su relación con su exmarido y padre de sus hijos, el rapero Offset. En el agradable R&B chill de ‘Shower Tears’ (segunda colaboración con Summer Walker), lo deja por los suelos al describir una relación agotadora llena de infidelidades y mentiras. ‘What’s Going On’ sigue la misma temática, pero la manera en que recicla la melodía de ‘What’s Up’ de 4 Non Blondes, con Lizzo cantando el hook, suena perezosa. La sorpresa la da ‘Man of You Word’, una emotiva carta pública de Cardi a Offset que, sobre un instrumental de R&B acústico, muestra gratitud y madurez, mientras Dougie F interpreta la respuesta del rapero de Migos, diciendo lo que en la vida real (presumiblemente) nunca expresó.

Cardi B encuentra el amor en ‘On My Back’, aunque no el buen gusto: la canción samplea a Janet Jackson solo para introducir la frase «me tienes en tu polla, te la quiero agarrar mientras meas». Janet vuelve a ser referenciada en ‘Principal’, pero el esperado «featuring» nunca llega. A partir de ahí, las peleas de patio de colegio (el diss track ‘Pretty & Petty’, dedicada a la rapera BIA) y el braggadocio constante pero desfasado en 2025 (‘Trophies’) resultan cansinos e indignos de una espera de casi una década. Tras tanto tiempo, ‘Am I The Drama?’ suena a involución.

Esto no significa que Cardi haya dejado de ser una buena rapera ni que el álbum carezca de pistas con potencial. ‘Pick It Up’ con Selena Gomez tiene una base lindísima, ‘Safe’ con Kehlani es la mejor fusión de R&B y hip-hop del disco, ‘Bodega Baddie’ es un delirio, y las piezas más duras, como ‘Magnet’, demuestran que Cardi no necesita invitados para brillar. Sin embargo, ni el fondo conceptual de ‘Am I The Drama?’ es sólido, ni las pistas funcionan mejor en conjunto, ni el disco justifica su extensa duración. Siete años después, ‘Am I The Drama?’ no es tanto un puñetazo sobre la mesa como un irregular intento de reintegrar a Cardi en el panorama musical, cuya máxima de «todo vale» delata desesperación y falta de enfoque.

rusowsky, al fin top 10 en España, agota el Movistar Arena

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‘Me mareo’ de Kidd Voodoo y JC Reyes recupera el número 1 de singles en España, posición que ya había ocupado en otro momento de este mes. La gran novedad del top 10 es la irrupción, tras 4 meses de escalada, de ‘malibU’ de rusowsky, una de nuestras canciones favoritas este año.

‘malibU’ sube al top 9 del país, cerca de convertirse en la canción más popular de rusowsky (aún tiene que alcanzar los streams de ‘mwah :3’). Su éxito se ha fraguado en TikTok y en playlists de éxito, no tanto en Los 40 Principales, donde no la encontramos. La subida al top 10 de ‘malibU’, que es disco de platino, casi coincide en el tiempo con la llegada del Movistar Arena del artista, que será este jueves 25 de septiembre, con JENESAISPOP como medio oficial. Los tickets se agotaron hace un par de semanas.

Además, el álbum ‘Daisy’ pasa su 17ª semana en el puesto 17 de Discos España, adivinamos que ya muy cerca del Disco de Oro. Fue top 7 en su momento, pero la noticia es lo bien que se mantiene en su 5º mes de vida. Cuando parecía que Ralphie Choo iba a ser el más popular del colectivo Rusia IDK, ojito con lo conseguido por «ruso» este verano.

Volviendo a la lista de singles española, ‘Shiny’ de Easykid pasa del puesto 59 al puesto 18. La entrada más fuerte de la semana es la de ‘Guabansexxx’ de Rauw Alejandro, pero se queda en el número 67.

Viva Suecia vuelven a colar un nuevo sencillo en el top 100, esta vez ‘Querer’, adelanto de su nuevo álbum. Y no sé si nos hacemos una idea de lo difícil que es para un grupo de rock conseguirlo con una novedad, no con un tema viejo que se viralice, entre decenas de novedades de corte latino.

Otras entradas de la semana son el viejo tema ‘Todos los besos’ de Siloé (puesto 80), ‘Enamorarse para qué’ de Vius (puesto 84), y un corte más de la banda sonora de ‘KPOP Demon Hunters‘. ‘How It’s Done’ llega al puesto 90, mientras ‘Golden’ de la misma película, sube al número 16. Sin duda, otro de los fenómenos pop de este 2025.



Ed Sheeran, lejos del nº1 en España; entran Aguilera, JADE…

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‘Debí tirar más fotos’ de Bad Bunny mantiene el número 1 de Discos en España una semana más. Y una semana más, Beéle sigue atascado en el puesto 2 con ‘Borondo’, sin ser capaz de alcanzar la primera posición.

Las entradas más fuertes estos días son modestas: ni Ed Sheeran ni Belén Aguilera logran repetir el número 1 de otras ocasiones. ‘Play’ de Ed Sheeran queda en el puesto 7 en nuestro país, cuando sí fue top 1 con hasta tres de sus álbumes anteriores por aquí. ‘Play’ sí ha conseguido la 1ª plaza en Reino Unido, Alemania, Australia, Austria, Irlanda… pero llegando solo al número 5 en Estados Unidos. Ed Sheeran sigue vendiendo mucho, pero su etapa imperial parece haber terminado.

En cuanto a Belén Aguilera, ‘Anela‘ llega al número 8, con el consuelo de haber amarrado el top 1 de vinilos, al menos.

La tercera entrada más fuerte es la de Twenty One Pilots en el número 9 con ‘Breach’. El grupo ha conseguido alcanzar el número 1 del Billboard 200 y de Holanda, quedando en el puesto 2 en varios mercados, como Australia, Alemania o Austria. En UK son top 4.

Ya fuera del top 10 e incluso del 20, en el número 22, está ‘That’s Showbiz Baby!’ de JADE, nuestro Disco de la Semana. No obstante, es un buen resultado para la artista salida de Little Mix. El álbum de Jade ha sido número 3 en Reino Unido, número 9 en Irlanda, número 11 en Australia, número 14 en Holanda, número 28 en Alemania… Es decir, logra cierta repercusión sobre todo en Europa.

También destacamos la llegada de ‘Loved’ de Parcels al puesto 57 en España, sobre todo porque este álbum no ha conseguido entrar al top 100 en Reino Unido. Sí lo ha hecho en su país Australia (24), Francia (38) o Alemania (53).

Las entradas se completan con ‘Los de la nueva era’ de Raul Clyde y Sergi El Combo en el 74 y ‘Live’ de Led Zeppelin en el 78.

Que alguien nomine al jurado de Operación Triunfo 2025

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La Gala 1 de Operación Triunfo 2025 arrancó con problemas de sonido (ciertos micrófonos, como el de Guille Toledano, simplemente no funcionaron) y una versión grupal de ‘Yo quiero bailar’ de Sonia y Selena excesivamente interpretada, como si fuera una actuación de Broadway. Así funcionan los talent musicales televisivos: nada que objetar, pero la canción no es eso. Chenoa, que hizo un chiste sobre su amor por los chándal, volvió a ser una presentadora más que solvente.

Los 16 concursantes cantaron un dueto cada uno con otro, y todas las interpretaciones supieron a inicio de semestre. Bueno, no todas: Guillo Rist se nota que tiene tablas, es el artista más completo, el que mejor canta y baila, y no por nada Cristina fue elegida favorita del público: cautivó con mirada y voz pareciendo la integrante perdida de BLACKPINK… o de KATSEYE.


Cristina, inicialmente, se disputó el título de favorita de la semana contra Guille Toledano y Judith (que después fue nominada), y ganó con el 18% de los votos. La nominación de Judith parecía incompatible con su candidatura a mejor de la semana, pero parece que jurado y público difirieron en este caso. Guille, que apunta a ídolo adolescente, merecía también ser el preferido y lo será en un futuro.

Muchas actuaciones estuvieron marcadas por desajustes vocales (‘Canijo’ con Téyou y María Cruz era difícil en tanto exigía coreografía constante) o entradas a destiempo (‘Mariposas’, por cierto, una composición de Carlos Ares; ‘We Don’t Talk Anymore’). Iván hizo lo que pudo en ‘I Like the Way You Kiss Me’, pero no fue suficiente. Sin embargo, ‘La danza de las libélulas’ con Lucía Casani y Carlos quedó, por decir una palabra recurrente del jurado, «bonita».


Bailar y cantar a la vez exige entreno constante, por eso ‘Carita triste’ fue una de las peores de la noche. Sus dos intérpretes, Claudia y Judith, fueron nominadas, y solo Judith fue salvada por el profesorado. El alumnado, por su parte, rescató a Max, el candidato más injusto de la velada, ya que es uno de los pocos participantes que tienen «algo más» que una buena voz. Claudia e Iván finalmente se enfrentarán a la expulsión el próximo lunes.

Volviendo al jurado, sus valoraciones fueron un compendio de clichés y expresiones vacías que merecerían ser juzgadas aparte. ¿Cuántas veces se puede decir que un cantante lleva la canción «a su terreno», o que tiene o no «personalidad», o que se ha notado o no «cómodo», o que ha «desconectado» o no de la pieza? En algún momento de las 15 repeticiones, estas frases dejan de tener sentido. Igualmente, decir que una voz es «bonita» tampoco es exactamente una crítica.

Leire y Abraham convencieron más que Milkyway y Cris; Leire, con su inteligencia emocional, sabe ser asertiva (la mejor cualidad de todas). Abraham, por su parte, probablemente debido a su aparente desentreno en este tipo de concursos, puede cuestionar la inteligencia (musical, se entiende) de todo el alumnado y quedarse tan ancho. Pero sus palabras aportan frescura a una mesa de jurado que depende demasiado de frases enlatadas que no dicen realmente nada. Seguro que en las sucesivas galas, como los concursantes, mejoran.

«He visto a Dios, tiene vagina y huele a Dior» dice el hit de Turista Sueca

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Turista Sueca es el dúo musical formado por el gaditano Jose Molina y el vasco Lander Diez que, desde 2021, publica música afín al electro-disgusting de Las Bistecs, el subnopop de Ojete Calor y a otros proyectos similares que unen pop, electrónica y humor como SVSTO o Ladilla Rusa. ‘Tengo TDH’, su tema más reproducido, es de este año, pero antes han venido otros con títulos tan llamativos como ‘Discokebab’, ‘Aitana O’Caña’ o ‘Reggaeton cristiano’.

La religión vuelve a marcar el contenido del nuevo single de Turista Sueca, ‘Síndrome de Estocolmo’, que responde al nombre del grupo pero, sobre todo, es una sátira sobre el sectarismo religioso. Es el estreno del día en JENESAISPOP.

En ‘Síndrome de Estocolmo’ conviven monjas cocainómanas, un cura que reparte «ostias y patadas» y fieles que beben «cerveza importada» en lugar de vino; todos se cruzan en una secta «supersecreta donde Dios ahoga y también aprieta» y donde fluyen las ETS y los latigazos arden. «He visto a Dios, tiene vagina y huele a Dior» es el nuevo estribillo de Turista Sueca que ya imaginamos en Benidorm Fest.

Fieles a sus referencias y predecesores, Turista Sueca presenta una divertida producción de tecno-pop que subraya la parte «tecno» y vira hacia la rave, pero que nunca eclipsa las voces de Jose y Lander ni mucho menos una letra escrita para ser escuchada y gritada a pleno pulmón.

‘Síndrome de Estocolmo’ se redondea con un videoclip que homenajea ‘Midsommar’ -no podía ser de otra manera- y que, dirigido por Kevin Gallego, director de ‘Aprenderás’ de Rigoberta Bandini, presenta «una visión bizarra y desbordada donde el secuestro se convierte en liberación pagana».

Oficialmente el clip «arranca con dos “testigos” que intentan predicar la fe puerta por puerta, hasta que tropiezan con la equivocada: una comunidad mucho más festiva, donde la liturgia se convierte en rave, los mandamientos en blasfemia y la devoción en puro desmadre. Allí, Turista Sueca ejercerá de guía espiritual en esta procesión pop».

César Vallejo: «Intentamos que Benidorm Fest se convierta en marca musical, al margen de Eurovisión»

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RTVE ya ha decidido que España no participará en Eurovisión si continúa concursando Israel, cuyo gobierno está produciendo un genocidio en Gaza. En varios programas pasados hemos debatido sobre esta cuestión y apoyado esta decisión. En el capítulo de hoy del podcast «Revelación o Timo» nos centramos en Benidorm Fest en sí mismo: en su interés al margen de Eurovisión, en lo que puede representar para los artistas, en cuánto España necesita un certamen con este valor cultural como en Italia lo es desde hace décadas San Remo. Nos visita César Vallejo, director de Benidorm Fest, en la primera entrevista que concede esta temporada.

Este miércoles 24 de septiembre finaliza el plazo para que los artistas se presenten a Benidorm Fest. Desde JENESAISPOP animamos a todos los artistas, de todos los tamaños, a presentarse. Si bien creemos que la participación de Israel va a llevar a muchos artistas europeos a ni plantearse acudir a las finales nacionales, en este caso la garantía de que el ganador de Benidorm Fest no coincidirá con Israel, puede ser un aliciente.

España debe buscar un certamen en el que la victoria en sí misma -o incluso la mera participación- sea un valor, de nuevo al modo de San Remo, cuyo ganador en ocasiones decide no acudir a Eurovisión, como ha ocurrido este mismo año.

Preguntamos a Vallejo sobre aquellos años en que RTVE no salía tanto a ganar como sí ocurrió con Chanel. Sobre la variedad de la selección y los cupos de estilos de Benidorm Fest, afirma que “el indie ha ayudado a elaborar la identidad de Benidorm Fest”. No esquivamos la presión de los contratos y compromisos con RTVE que pueden espantar a los artistas más populares. Y hablamos también de la contratación de Sergio Jaén como escenógrafo.

Pese a que hoy por hoy no sabemos si España concursará en Eurovisión, Vallejo recuerda que “la celebración de Benidorm Fest está garantizada” y que se está “trabajando en hacer un gran espectáculo desde junio”. Será “menos un talent y más un espectáculo puro audiovisual”. Incluso se muestra optimista con las posibilidades de España en Eurovisión en años venideros: «El objetivo es quedar bien. Es una demanda. Y España tiene posibilidades de quedar bien y de ganar, con la música que hacemos (…) Ana María Bordas ha tenido muchas críticas, pero ella es la constructora de un sistema de producción que nos permitiría ahora mismo poder organizar Eurovisión. Eso antes no sé cómo lo hubiéramos resuelto. Ahora hay un granaje estructural de profesionales que saben cómo poderlo hacer y nos permitiría organizarlo». Pone la organización de Eurovisión Junior en Madrid como prueba.

Planteamos la cuestionable calidad de los temas candidatos de Azúcar Moreno o Sonia y Selena, o la falta de “winner alerts” en la pre-selección. Vallejo reconoce que no esperaba la mala posición de Melody. «¿Qué hubiera pasado si hubiera quedado 13ª? ¿Qué valoración hubierais hecho? ¿Qué margen de puntos hay, entre el 13 y el 26? A partir de un valor, todo está muy pegado y muy cerca. Melody hizo una cosa increíble, que no había ocurrido, consiguió enganchar con un target que no habíamos tenido: con el familiar. Todos los niños del país se saben su canción. Nos escriben niños que quieren venir. Eso lo consigue Melody. Los números en Spotify son francamente buenos (…) No es justo juzgar algo por un resultado. Si ella hubiera quedado 15ª… pero su trabajo ahí está». César se compromete a hacer más promoción de las canciones aspirantes, que se desvelarán en diciembre, y además, RTVE apoyará a los artistas al modo de lo que ya se hizo con la Vuelta Ciclista y Miss Caffeina.

Nathy Peluso cierra la era ‘GRASA’ con dos conciertos especiales

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GRASA‘ fue uno de los Mejores Discos de 2024 y una de las presentaciones más espectaculares que hemos visto en festivales de todo el país. Justo cuando celebrábamos su nuevo single junto a Mon Laferte, Nathy Peluso anuncia dos conciertos especiales con los que cerrará esta era.

Serán dos citas muy esperadas en España, con las que la ganadora de 5 Latin Grammys pondrá el broche de oro a esta aclamada gira mundial. Serán dos shows únicos: el 14 de febrero en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 17 de febrero en el Movistar Arena de Madrid.

Las entradas estarán a la venta de manera general el jueves 25 de septiembre a las 10h en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, desde 50 euros más gastos. También habrá una preventa «Live Nation-S.SMusic» a partir del martes 23 de septiembre a las 12h y otra en Live Nation a partir del miércoles 24 de septiembre a las 10h

Live Nation recuerda que la artista ha agotado entradas en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Londres o París, y que este mes de octubre aguardan Puerto Rico y México. Los conciertos en Madrid y Barcelona serán los últimos de una gira que ya suma más de 40 fechas alrededor del mundo: «Dos noches irrepetibles que cerrarán un capítulo decisivo en la trayectoria de Nathy Peluso, celebrando su madurez artística y su arrolladora fuerza escénica, y consolidándola como una de las artistas más poderosas del directo en la música latina actual».

La Casa Azul, en But, por el 25º aniversario de Ochoymedio

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Como para quitarse el mal sabor de boca que ha dejado su actuación coitus interruptus en Brava, La Casa Azul anuncia un concierto especial en Madrid. El proyecto de Guille Milkyway volverá a una sala tan íntima como la But con motivo del 25º aniversario de Ochoymedio. Recordemos que recientemente pudimos ver a La Casa Azul nada menos que en el Movistar Arena frente a unas 10.000 personas, y que But tiene capacidad para unas 1.000.

Las entradas para el concierto del 28 de noviembre están a la venta a 33 euros en la web de OchoyMedio.

El 25º aniversario de Ochoymedio incluirá un ciclo de conciertos por el que van a pasar artistas tan dispares como Mujeres, Mala Rodríguez, Fresones Rebeldes, Los Punsetes, McEnroe, Miqui Puig, Juventude, Delafé y las Flores Azules, Teo Lucadamo, Svsto, Ladilla Rusa, Cycle, Samantha Hudson, Triángulo de Amor Bizarro o los propios L Kan. JENESAISPOP es medio oficial de todo el ciclo, que irá teniendo lugar en distintos emplazamientos de Madrid.

Además, este 27 de septiembre hay una gran fiesta de aniversario, que podéis disfrutar en horario de tardeo o de madrugada. A partir de las 18.00 estarán La Prohibida, Hidrogenesse, Joaquín Reyes, Luis Elefant, Rocío Sáiz y muchos más. Y a partir de las 0.00 podréis ver a Esnórquel, Inés Hernand, Jordana B, Abril Zamora, Natalia Ferviú vs Carlangas, entre otros. Estas fiestas en horario de club son en Teatro Eslava.

El cartel de Primavera Sound 2026, este jueves

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Con la última edición de Primavera Sound aún presente en la memoria, la organización del festival barcelonés se prepara para dar a conocer el cartel de su edición de 2026. Sin duda, la revelación del cartel de Primavera Sound es uno de los momentos musicales más excitantes del año, dada su escala internacional.

Primavera Sound presentará el cartel de su edición de 2026, la 23ª, este mismo jueves, 25 de septiembre. No se ha detallado la hora. Si el programa de 2025 se publicó a finales de octubre del año anterior, el de 2026 se adelanta un mes.

El Primavera Sound 2026 se celebrará los días 4, 5 y 6 de junio en el Parc del Fòrum y los abonos siguen a la venta con un precio de 275 euros para la modalidad estándar y 480 euros para la modalidad VIP. Puedes comentar toda novedad sobre Primavera Sound en nuestros foros.

El adelanto de la programación de Primavera Sound se ha presentado con un vídeo que recupera antiguas imágenes en blanco y negro de los Juegos Olímpicos.

La edición de 2025 de Primavera Sound estuvo encabezada por Charli xcx, Chappell Roan y Sabrina Carpenter. ¿Seguirá la convocatoria de 2026 la misma línea pop? Por supuesto, el público ya comenta en redes sus apuestas y peticiones…

Nine Inch Nails y Judeline meditan sobre la muerte para ‘Tron’

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Este viernes ha visto la luz la banda sonora de ‘TRON: Ares’ compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross. El dúo firma la obra como Nine Inch Nails y no con sus nombres individuales, como acostumbraban en sus colaboraciones para cine. El disco incluye un banger del calibre de ‘As Alive As You Need Me To Be’ y una sorpresa en forma de colaboración, la de la gaditana Judeline en ‘Who Wants to Live Forever?’.

La inesperada unión de Nine Inch Nails y Judeline se explica con que ambos forman parte del mismo sello discográfico, Interscope. En un post de Instagram, Lara Fernández, que acaba de ser nominada a tres Latin GRAMMYs por su debut ‘Bodhiria‘ (2024), ha agradecido a Interscope, a la agencia Las Olas y también al productor Ian Kirkpatrick (Dua Lipa, Selena Gomez, Britney Spears) -quien aparece en los créditos de producción junto a BJ Burton y Hudson Mohawke- su implicación en el proyecto.

En ‘Who Wants to Live Forever?’, Nine Inch Nails entrega una flotante balada electrónica atravesada por la conciencia de la mortalidad. Reznor canta las estrofas, imaginando un lugar mejor, y Judeline interpreta el estribillo con su registro susurrado habitual. En la letra, Fernández expresa su deseo de que la persona amada permanezca a su lado, hasta el final: «Todos nosotros estamos aquí para morir, quédate aquí conmigo, todo lo que tuvimos es tiempo», canta por supuesto en inglés. Pese a su protagonismo, Judeline no aparece acreditada en las plataformas de streaming.

‘Who Wants to Live Forever?’ se construye a partir de un piano que oscila entre lo fantasmal y lo luminoso, sobre una producción electrónica densa. El tratamiento digital evoca el glitch de principios de los 2000, y su crescendo termina derivando en un ambient tecno de gran tensión emocional. Reznor y Judeline, por su parte, hacen honor a la melodía de la canción, interpretándola cada uno en su personal estilo, llevándola cada uno a su particular universo sonoro.

Judeline ha anunciado recientemente el concierto de cierre de la gira de ‘Bodhiria’, que tendrá lugar el 22 de febrero de 2026 en el Movistar Arena de Madrid.

My Chemical Romance anuncia fecha en España

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My Chemical Romance ha anunciado fecha en España dentro de la gira ‘Long Live: The Black Parade’, que celebra el 20 aniversario de su mítico tercer álbum, ‘The Black Parade‘ (2006), una de las obras fundamentales del emo del siglo XXI.

Entre las nuevas 17 nuevas de la gira anunciadas en Norteamérica, Reino Unido y Europa el próximo año, se encuentra una en España, el 18 de julio de 2026 en el Iberdrola Music. Será una de las pocas fechas confirmadas en todo Europa y la única en España.

Las entradas estarán a la venta el viernes 26 a las 12h en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, con precios desde 85 euros más gastos de distribución.

La etapa británica y europea de ‘The Black Parade 2026’ comenzará el 30 de junio en Liverpool y concluirá el 18 de julio en Madrid. Con sus dos primeros conciertos en el Wembley Stadium de Londres ya con aforo completo, la banda ha añadido una tercera noche en el icónico recinto el 8 de julio.

My Chemical Romance se reunieron en 2019, tras comunicar su separación en 2013. Su último trabajo, ‘Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys ‘, data de 2010. Bob Bryar, batería fundador de My Chemical Romance, falleció en 2024.

Lola Young / I’m Only F*cking Myself

Cuando ‘Messy‘ aún es una de las 100 canciones más populares del mundo, cuando aún es una de las 40 canciones más populares en Reino Unido, tenemos en nuestras manos un nuevo álbum de Lola Young. Puede parecer que Island quiera aprovechar el enorme éxito de popularidad de la británica, pero también es cierto que ‘I’m Only F*cking Myself’ es uno de esos álbumes de contenido muy sólido que sirven para asentar una marca. La de Lola Young como portavoz generacional, a sus 24 años.

El sucesor de ‘This Wasn’t Meant for You Anyway‘ es un álbum en el que habla de su (mala) suerte en las relaciones personales, de su adicción a la cocaína y de su propio viaje de salud mental.

Al margen de la presentación y despedida a modo de audio, el disco comienza con un himno hedonista y bisexual como pocos se han hecho, y termina con una balada descorazonadora. ‘F**K EVERYONE’ es una composición valiente y desinhibida como una desvergonzada canción de verano de Raffaella Carrá -a cuya voz incluso suena durante unos segundos-, solo que embadurnada de post-grunge e intención punk. «Solo quiero follar con tíos a los que no les guste y no les importe / solo quiero follar con chicas que no me quieran y no les importe».

También es muy sexual el reggae de ‘One Thing‘, con el que Lola Young ha querido hacer una de las canciones más liberadoras de su carrera, y lo ha conseguido. «Deja toda esa energía de polla grande para mi boca», osa decir.

Las cosas se van complicando después. Si ‘d£aler‘ es la narración de un día de resaca que resulta una pesadilla, el tramo medio del disco está plagado de canciones que son puro amor/odio hacia distintas personas con las que las cosas no han funcionado. No ha lugar para la paz con el modo en que grita en ‘SPIDERS’. ‘Walk All Over You’ está llena de rencor en frases como «¿sabes cuál es la diferencia entre tú y yo? que tú me quisiste por tu ego y yo te quería por lo que eres tú». ‘SAD SOB STORY! :)’ celebra una ruptura que se ha producido, y así sucesivamente.

Todo este drama continuado, normalmente envuelto en un territorio grungero, está equilibrado por un par de composiciones más suaves. Con ‘Penny Out of Nothing’ ha querido hacer una especie de bossa psicodélica, aunque le ha quedado mucho más bonita ‘why do I feel better when I hurt you’, en la que entona el mea culpa. Lola Young elogia el modo en que el productor Solomonophonic (SZA, Remi Wolf) ha distorsionado guitarras, haciéndolas rugir, por ejemplo en ‘F**K EVERYONE’. El solo de guitarra en ‘CAN WE IGNORE IT? :(‘ es un delirio.

En general, ambos han dado con un disco de rock crudo y pasional, directo, nada sobreproducido para muy bien, como lo son las letras «en tu puta cara» de Lola Young. El disco resulta muy teatral, y el modo lo-fi en el que han grabado ciertas canciones emparenta con los trabajos más genuinos del DIY. Si ya ‘Not Like That Anymore‘ sonaba totalmente desgarrada, en ‘who f**cking cares?’, que habla sobre llorar con Radiohead, recuerda a la mismísima Kimya Dawson.

Confeti de Odio anuncia su fin

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Confeti de Odio, el proyecto musical del cantante y compositor madrileño Lucas De Laiglesia, ha anunciado su disolución. En un comunicado de Instagram, Lucas explica: «Siento que ahora mi corazón y mente está mirando hacia otros horizontes creativos y, por respeto a todo lo que ha sido este proyecto, soy incapaz de hacerlo a medio gas. Voy a seguir haciendo música y muchas cosas más, y usaré esta cuenta de vez en cuando para seguir dando la tabarra con lo que voy haciendo».

Añade Lucas: «Han sido unos años fantásticos, nunca me hubiese imaginado que este proyecto llegase hasta donde ha llegado ni que me permitiese conocer a tantísima gente maravillosa. Estoy realmente orgulloso de todo el material que ha salido, de los conciertos y giras que hemos hecho y de haber conocido a personas que realmente se han visto reflejadas con las canciones del Confeti».

Confeti de Odio ha anunciado que habrá concierto de despedida «en mi día favorito del año y en mi ciudad», aunque no ha compartido más detalles. A continuación, bromea con realizar un «reunion show dentro de 20 años».

Confeti de Odio ha sido uno de los proyectos de indie-pop favoritos de los últimos años en el underground, gracias a su sonido guitarrero y personales letras inclinadas al «patetismo». Confeti de Odio ha firmado apenas dos discos, ‘Tragedia Española‘ (2020, nominado al Premio Ruido) e ‘Hijo del divorcio‘ (2022). También es autor de varios epés, entre ellos el querido ‘Quiéreme / Si me quiero’ (2019) o el reciente ‘CIELO1’ (2025), y de una enorme versión de ‘El Amor‘ de Massiel, previa a la de Rigoberta Bandini.

En paralelo al proyecto de Confeti de Odio, Lucas de Laiglesia, que es hijo de la conocida colaboradora de Telecinco Beatriz Cortázar, ha compuesto para otros artistas, de manera destacada para Amaia Romero, con la que ha colaborado en las canciones ‘Bienvenidos al show’, ‘Yamaguchi’ y ‘Quiero pero no’ con Rojuu.

Lucas es también integrante no fundador de la banda de indie-pop Axolotes Mexicanos, que además de haber desarrollado una interesante carrera propia, es el nombre invitado en ‘El fin del mundo’ de La La Love You, un enorme éxito que es quíntuple Disco de Platino en España.

‘La Tirana’ es el bolerazo de Mon Laferte y Nathy Peluso

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En 1967 la cantante cubana La Lupe cantó ‘La Tirana‘, un apasionado bolero sobre la manipulación de un hombre, hoy identificable como un himno sobre el «gaslighting», aunque entonces esta palabra no fuera tan ampliamente usada como ahora.

Rimas como «Para mí es indiferente / Lo que sigas comentando / Si dice la misma gente / Que el día en que te dejé / Fui yo quien salió ganando» describían la libertad de una mujer que había vivido «el peor de los calvarios» pero que era culpabilizada. Ahora, Mon Laferte y Nathy Peluso rinden homenaje a ‘La Tirana’ en su nuevo dueto.

‘La Tirana’ de Mon Laferte y Nathy Peluso no es una versión, sino una canción original que recrea el sonido de bolero latino dramático de la pieza de La Lupe, escrita a medida de dos vocalistas e intérpretes que saben imprimir a la melodía la pasión y fuerza que requiere. Melodía e instrumentación suenan reverentes, sin mayor intención que la de reproducir el poderío de los boleros clásicos.

Mon y Nathy -que firman su primera colaboración- se consuelan mutuamente en esta tragedia romántica sobre dos mujeres «condenadas» a la soledad debido al miedo que suscitan en ciertos hombres. Es la historia clásica del amor machista, respondida desde el punto de vista femenino. Si Mon lamenta que «ese hombre no entiende, que también hay fragilidad en mí», Nathy concuerda, añade que «no hay hombre que se atreva» y ambas lloran sus «problemas de amor», aunque relativizan: «de peores problemas hemos salido». El drama de la canción es tan deliberadamente excesivo que roza lo almodovariano.

En ‘La Tirana’, Mon y Nathy expresan su desamor a los cuatro vientos, pero también lanzan un mensaje de sororidad («esto no va de competencia»), plantean sus requisitos («quiero a alguien seguro y con experiencia») y validan los sentimientos de la otra («te mereces un amor de verdad»). El resultado es un bolero atemporal, para suerte y desgracia de sus autoras.

El videoclip de ‘La Tirana’ fusiona elementos de ‘Cabaret’, ‘Los Caballeros las Prefieren Rubias’ y el mundo del vaudeville, según Sony Music. ‘La Tirana’ formará parte del próximo álbum de Laferte, ‘Femme Fatale‘, que se espera se ponga a la venta a finales de año.

Muere Diane Martel, directora de vídeos de Beyoncé, Miley, Britney… y de ‘Blurred Lines’

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Diane Martel, directora de multitud de videoclips icónicos del pop estadounidense, algunos tan conocidos como ‘Genie in a Bottle’ de Christina Aguilera, ‘If I Ain’t Got You’ de Alicia Keys, ‘We Can’t Stop’ de Miley Cyrus o su obra más polémica, ‘Blurred Lines‘ de Robin Thicke; otros menos recordados pero que ayudaron a construir el paisaje pop de los 2000, ha fallecido a los 63 años a causa de un cáncer de mama. Martel murió el pasado 18 de septiembre, pero la noticia se ha revelado ahora.

Martel trabajó con Mariah Carey durante los 90, dirigiendo los vídeos de ‘Dreamlover’ y ‘All I Want for Christmas is You’, entre otros, y fue especialmente conocida por aliarse con artistas de hip-hop como Method Man en ‘What’s Happening’, LL Cool J en ‘4 3 2 1’, Nas en ‘Bridging the Gap’ o Eve en ‘Who’s That Girl?’.

Artífice también de vídeos menos recordados pero que seguramente has visto, como los de ‘Hold You Down’ de Jennifer Lopez, ‘Like I Love You’ de Justin Timberlake, ‘3‘ de Britney Spears o ‘Best Thing I Never Had‘ de Beyoncé, Martel continuó su trabajo en los últimos años colaborando con nuevas generaciones de artistas como Charli xcx (‘After the Afterparty’), The 1975 (‘Give Yourself a Try’) o Addison Rae (‘Obsessed’).

El videoclip de ‘Blurred Lines’ fue duramente criticado por sexualizar a las mujeres y contribuyó al declive de la carrera de Robin Thicke. Martel defendió la obra, explicando que era una sátira en torno a la misoginia de la letra de la canción, y que su intención había sido situar a las mujeres “en una posición de poder” y a ellos en un lugar de humillación.

Martel fue además directora creativa de la controvertida actuación de Miley Cyrus y Robin Thicke en los MTV Video Music Awards de 2013. Su última obra, estrenada este mismo año, ha sido el vídeo de ‘Ecstasy’ de Ciara.




Gorillaz en Madrid: parecía que no, pero sí

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Puede que fuese por tratarse de un festival nuevo en Madrid, o por tener un cartel centrado totalmente en la música electrónica, o quizás se debiese al excesivo y cutre uso de la IA en su apartado artístico. El caso es que había serias dudas sobre la veracidad del “único concierto de Gorillaz fuera de Reino Unido en 2025”, tal y como fue promocionado por la organización. Al final, no solo se cumplió, sino que superó todas las expectativas.

Maceo Plex o Reinier Zonneveld eran algunos de los DJs que conformaban la mayoría del evento, aunque el grupo británico es al que han dado más bombo. Tanto, que la jornada ha llegado a ser bautizada con el título de ‘Pulse of Gaia presents Gorillaz’. El proyecto post-Blur de Damon Albarn está a punto de cumplir 25 años y de sacar su nuevo y prometedor disco, ‘The Mountain’. Sin embargo, su actuación en Madrid se ha sentido desde el principio como algo de última hora. Como si no formase parte del rollout, por así decirlo. Y seguramente este sea el caso. Aun así, Albarn se puso su uniforme de dictador -literalmente- y dio un espectáculo que fue tanto un repaso a ese cuarto de siglo en activo como una fuente de sorpresas.

El setlist dio protagonismo a los dos primeros trabajos de la banda, mientras que proyectos como ‘Song Machine’ o ‘Cracker Island’ fueron ignorados completamente. Del resto de discos, highlights como ‘On Melancholy Hill’ o ‘Andromeda’. Una pena que, pese a estar este en el recinto, no sonase la canción con Thundercat. Al hablar de Gorillaz, se suele dar protagonismo al apartado visual. Sí, 2-D, Murdoc, Noodle y Russell y sus aventuras eran una constante en las pantallas. Sin embargo, la verdadera magia entraba por las orejas. ‘The Happy Dictator’ sonaba tan luminosa que cualquiera habría firmado para irse a vivir a ese “happy world” sobre el que cantan Sparks. ‘O Green World’, por otro lado, intercalaba el sonido acústico de un piano de cola con la caótica amalgama de clicks electrónicos y guitarras que separaba cada verso. Muy rock ‘n’ roll, en definitiva. A veces, como en esta última o en ‘Rhinestone Eyes’, las melodías principales estaban de fondo, pero los cantos del público se encargaban de traerlas al frente.

Damon fue una figura desconcertante. En ocasiones, daba la impresión de que habría preferido estar tomándose un té en su casa. A la vez, se mostraba con la actitud de un niño que podía hacer lo que quisiese en el escenario. Y claro que podía. Le hizo gracia traducir ‘Last Living Souls’ como “Las Últimas” y se le ocurrió volver a empezar la canción ’19-2000’ tras estar jugando con una máscara de Noodle que había obtenido del público. No sé cómo de rentable ha sido para Albarn coger un vuelo a Madrid para un concierto delante de 17.000 personas, pero está claro que se lo curró. Bootie Brown apareció para rapear en ‘Stylo’ y asumir el protagonismo durante ‘Dirty Harry’, durante la que Damon permaneció fuera del escenario. Esto era esperable, más o menos.

Lo que nadie vio venir fue la aparición de Pos (De La Soul) en ‘Feel Good Inc.’. “Día de suerte”, exclamó Albarn antes de darle un abrazo al legendario rapero. No sería la última colaboración de la noche. Poco después, Trueno salía al escenario ante las miradas confundidas del público para la inédita ‘The Manifesto’, que no podría tener un nombre más apropiado. Es difícil decir la duración exacta del tema, pero debe ser uno de los más largos que hayan hecho nunca Gorillaz. Este empieza como un bop veraniego para convertirse poco a poco en un torbellino de coros e instrumentos típicos de la música hindú. Por último, Sweetie Irie irrumpió en el escenario para su particular versión de ‘Clint Eastwood’: “¿Alguien ha dicho reggae?”, exclamó. Después de conciertos como este, la batalla para salir de la Ciudad Universitaria de Cantoblanco es lo de menos.

Thundercat estaba todavía más desubicado que Gorillaz, que al menos coquetean con la electrónica de vez en cuando. Al músico estadounidense le dio igual. Él se presentó con su bajo, junto a su teclista y batería, y se dispuso a dar un concierto que tenía más de jam que de otra cosa. Con su durag de Dragon Ball, en honor a la canción que también sonó, Thundercat era una fuente de buen rollo y pasión, disfrutando cada puntada en las cuerdas. En su piel, tatuajes con Pikachu, la cara de Mac Miller o su propio logo. Mientras, alguien grabando el concierto con la Nintendo DS. Allí ya estábamos todos. El virtuosismo del estadounidense al bajo empezó como algo por lo que tener la boca abierta, pero poco a poco fue convirtiéndose en un nivel demasiado largo de Super Mario Kart. Cada canción tenía su outro instrumental improvisada y era fácil desconectar en esos momentos. El final con ‘Them Changes’, por otro lado, hizo que todo mereciese la pena.

En cuanto al resto del festival, luces y sombras. Es la primera vez que recuerdo asistiendo a un festival sin pulseras cashless, lo cual es aceptable. Las pulseras pueden dar problemas en caso de grandes aglomeraciones y hacer cola para recargarlas es un verdadero suplicio. Puntos de agua potable: check. Pantallas enormes en el escenario principal: check. Variedad de puestos de comida… ya tal. La cola que había para pedir comida en el supuesto “food court” que habían organizado era un infierno. ¿Por qué? Solo había un establecimiento. Con razón, alguien describió lo que estaba pasando como “patético”. La gran pega que se le puede poner a una velada que resultó mejor de lo que nadie esperaba.

Madrid necesita urgentemente otro Brava

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Lo primero que hacía la gente cuando te la encontrabas en Brava era justificar por qué había ido a un festival vinculado con fondos israelíes. Yo también empezaré por ahí: he ido a Brava porque después de 22 años en esto del periodismo musical, era la primera vez que la noticia musical estaba en mi pueblo. A veces la he buscado, pero nunca estuvo tan claro. Eso y que ver esas hordas de maricas en el Recinto Ferial donde celebré todos mis cumpleaños adolescentes era algo que hasta me dolía perderme.

La llamada al boicot ha sido un rotundo fracaso. Hace unas semanas titulaba ABC que los festivales de KKR han subido de asistentes y Brava no se ha resentido siquiera del cambio de recinto a Torrejón de Ardoz. De hecho, el último tren te acerca a Atocha en 20 minutos: llegas al centro de Madrid más rápido que desde Ifema. Ni siquiera la peor campaña de comunicación que recuerdo a un festival les ha perjudicado. Fuera de las redes sociales, parece que a nadie le ha importado que artistas del tamaño de Villano Antillano desaparecieran del cartel sin hacer mención de ello; ni la negativa a responder preguntas de la prensa (¿cuán siniestra pudo ser la reunión en la que se decidió eso?), ni esa única condena, atropellada, del genocidio en Gaza el mismo día que empezaba el evento. «Si hubieran hecho el comunicado de esta mañana hace un mes, me habría ahorrado muchas dudas», me dijo un conocido.

El éxito de Brava no se explica por su cartel, sino por el espacio seguro que representa. En un Madrid a veces hostil, de voto eminentemente conservador, gobernado por una sionista anti-trans cada día más perturbada, el público LGTBIQ+ necesita lugares donde expresarse. Festivales donde ser una misma. Ver los Cercanías plagados de gente vestida de rosa (era el «dress code» del viernes), ver todo el andén de la estación lleno de gente vestida de rosa me pareció -voy a decir esa palabra- muy bonito. Ojalá el festival pueda desvincularse de sus fondos israelíes y seguir su camino al margen de ellos. No somos tan modernos como Barcelona: Madrid necesita urgentemente algo como Brava.

También sería necesaria una mejora en la organización. La primera jornada estuvo marcada por el caos, y no solo porque lloviera (chispeó un rato). El viento produjo problemas técnicos en las pantallas de La Casa Azul, que suspendieron nada más empezar. Allí nadie comunicó nada: de nuevo, el obscurantismo. También el aire conllevó un retraso a Miss Caffeina, que se vieron obligados a recortar nada menos que unas 4 canciones. Chanel salió media hora tarde y de hecho hubo quien llegó a dudar que fuera a actuar. Durante una larguísima hora, resultó que no había shows en ningún escenario. Solo el buen rollo imperante y la complicidad en el ambiente impidieron que aquello se convirtiera en una revuelta tamaño Festimad.

Miss Caffeina salvaron la noche con un sonido excelente: cada línea de guitarra y cada riff de teclado rugía. Alberto luce una voz estupenda y los clásicos del grupo aparecen renovados al detalle. Ahora ‘Oh! Sana’ tiene una interpolación de ‘Beat It’ de Michael Jackson, y ‘Cola de pez’ de la parte de Mel C de ‘Wannabe’ de Spice Girls. El grupo ha integrado ya su nuevo single ‘Debería estar brillando’, tuvo que dejarse en el tintero el estupendo nuevo single ‘Que seas feliz’, pero el público al menos sí lo pudo dar todo con ‘Venimos’, ‘Prende’ (sus dos temas más sexuales), ‘Merlí’ y ‘Mira cómo vuelo’. Fue una pena que también tuvieran que prescindir de ‘Reina’, más en un lugar como Brava, lleno de las mismas.

Chanel salió a las 22.10 acompañada de un grupo de bailarines y bailarinas que no dejó de darlo todo. Las últimas canciones de la artista destacan por su intención casi exclusivamente percutiva. Los beats que «token» y «reboten» son lo más importante de producciones como ‘Antillas’, no tanto las melodías; se nota que Chanel era antes que nada bailarina. La artista estrenó su próximo single ‘Matahari’, en la línea de lo último que ha venido haciendo, y dejó para el final ‘Clavaíto’, que suena con Abraham Mateo pregrabado, y ‘SloMo’, que sí incorpora la coreografía realizada en Eurovisión en contra de los rumores. Chanel llama a sus fans M&M’s por constar de «mujeres y maricones». De nuevo, el Brava era su hábitat natural.

Mi última hora en Brava la dividí entre Ms Nina y Anastacia, dos propuestas que no podían ser más diferentes. Ms Nina hizo en bragas un concierto muy disfrutón, lleno de hits como ‘Los Ángeles’, recordando que ‘Revolea’ es «mover el ojete» o que ‘Tristechonda’ es sobre «estar triste y cachonda». Ni triste ni cachonda, Anastacia ejerció como buena cabeza de cartel, con una solvente banda de músicos y coristas, que no dependía tanto de lo performativo como algunos compañeros de escenario. Fue un buen concierto de pop-rock con algún tinte disco, en el que ‘Left Outside Alone’ fue dejada para el final. Consciente de que estaba en una suerte de fiestas de pueblo, en las que no todo el mundo había ido a verla a ella, integró un popurrí interpretado por su banda, en el que sonó ‘Vogue’, ‘This Is How We Do’ y hasta un tema de Backstreet Boys.

El merecido éxito de ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ de RAYE

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Al tiempo que ha anunciado una gira que la traerá a Barcelona, nada menos que al Palau Sant Jordi el próximo año (entradas a la venta esta semana), RAYE presenta nuevo single. El primer adelanto de su segundo álbum se llama ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ y es tan bueno como su debut ‘My 21st Century Blues’.

La letra de ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ es todo un circunloquio alrededor del nombre de la canción, que se pregunta por qué los chicos guapos están esperando a que ella se haga vieja. Menciona las APPS y los típicos vestidos de cremallera que no te puedes desabrochar sola a las 2 de la mañana.

La canción se define como «una oda atrevida pero sincera a la búsqueda de RAYE de su pareja ideal», con influencias funk, R&B y soul-pop. El tema, que podría haber aparecido en el ‘Back to Basics’ de Christina Aguilera, cuenta con un divertido vídeo que supone todo un homenaje a las girl groups de los años 60. De hecho, acompañada de coristas, RAYE luce como una Supreme. La búsqueda infructuosa de marido está llena de humor y guiños a otras obras pop.

‘WHERE IS MY HUSBAND!’ está siendo un éxito. El tema ha llegado al puesto 48 en el Global de Spotify, siendo su mejor debut y además es top 29 en el Global de Apple Music. La canción está siendo especialmente un éxito en Reino Unido, donde aspira a un top 5. La cantante lo ha celebrado en redes con lágrimas en los ojos.


Todas las novedades en Ready for the Weekend

Lady Gaga tampoco puede con Florence Welch en nuestro top 40

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Florence + the Machine tiene bien amarrado el número 1 en JENESAISPOP. ‘Everybody Scream’ ocupa la primera plaza por 4ª semana consecutiva, esta vez conteniendo a Lady Gaga en el top 2. ‘The Dead Dance’ ha obtenido el 32% de los votos en las Stories de Instagram, mientras Florence ha llegado al 45%. Muy lejos de ambas quedan Suede y Saint Etienne. Otras entradas destacadas han sido las de Wolf Alice y Amor Líquido con Las Petunias. Deftones rondan el top 20. Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 4 Everybody Scream Florence + the Machine Vota
2 2 1 The Dead Dance Lady Gaga Vota
3 3 1 Dancing with the Europeans Suede Vota
4 4 1 Brand New Me Saint Etienne, Confidence Man Vota
5 2 2 2 Mind Loaded Blood Orange Vota
6 6 1 Just Two Girls Wolf Alice Vota
7 7 3 3 Tears Sabrina Carpenter Vota
8 4 4 2 Sayonara KNEECAP, Paul Hartnoll Vota
9 9 9 2 Fineshyt Amaarae Vota
10 5 5 3 The Sofa Wolf Alice Vota
11 11 1 No seré una estrella Amor líquido, Las Petunias Vota
12 14 12 2 What Is the Reason for It? David Byrne, Hayley Williams Vota
13 11 3 6 Callaíto Alizzz Vota
14 12 8 3 Obsession Oliver Sim Vota
15 20 15 2 Elegante La Paloma Vota
16 23 4 4 Don’t Click Play Ava Max Vota
17 6 1 6 The Subway Chappell Roan Vota
18 21 18 2 The Jamie Oliver Petrol Station CMAT Vota
19 19 1 milk of the madonna Deftones Vota
20 16 3 4 Jealous Type Doja Cat Vota
21 8 8 3 Da me Bad Gyal Vota
22 25 15 3 SexOnTheBeat ADÉLA Vota
23 40 13 3 Math Equation Austra Vota
24 19 19 2 Morir en primavera JUVENTUDE Vota
25 27 10 8 place of my own Purity Ring Vota
26 3 3 4 Strange Things Happen Alison Goldfrapp Vota
27 17 2 8 End of Summer Tame Impala Vota
28 22 6 5 Fast Demi Lovato Vota
29 10 6 7 Dream Night Jamie xx Vota
30 18 9 6 Candy from a Stranger Jens Lekman Vota
31 13 9 5 Dust Bowl Ethel Cain Vota
32 24 14 3 back to friends sombr Vota
33 32 27 3 Statue in the Square Kae Tempest Vota
34 33 11 7 Sugar Sweet Mariah Carey, Shenseea, Kehlani Vota
35 15 1 10 malibU rusowsky Vota
36 30 1 19 Pipe dream Guitarricadelafuente Vota
37 28 3 24 End of the World Miley Cyrus Vota
38 29 2 33 M.A.P.S. Amaia Vota
39 31 1 21 What Was That Lorde Vota
40 37 7 6 Kiss It Kiss It Reneé Rapp Vota
Candidatos Canción Artista
Here All Night Demi Lovato Vota
Words Big Thief Vota
Soledad Belén Aguilera Vota
Unconditional JADE Vota
Secrets Miley Cyrus Vota
Invisible Thread The Divine Comedy Vota
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Take a Drive Rex Orange County Vota
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Morrissey cancela conciertos tras amenaza de muerte

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Un hombre de 26 años llamado Noah Castellano ha sido detenido por amenazar de muerte a Morrissey. La amenaza ha tenido lugar en Bluesky, siendo posteriormente borrada.

El 4 de septiembre, habría puesto este mensaje: «Steven Patrick Morrissey, cuando actúes en el TD Place aquí en Ottawa la próxima semana, en la noche del 12 de septiembre a las 9 de la noche, estaré presente en el local entre la audiencia e intentaré dispararte muchas veces y te mataré con una gran pistola que poseo legalmente».

Tras pagar una fianza de 5.000 dólares, Noah Castellano ha sido puesto en libertad a la espera del juicio.

El concierto de Ottawa se desarrolló con normalidad. Sin embargo, Morrissey sí ha decidido cancelar este fin de semana en Connecticut y Boston «debido a los hechos recientes, por abundar en la precaución y la seguridad tanto del artista como de la banda». El cantante agradece «la comprensión» de sus seguidores.

Morrissey ha sido noticia recientemente por negarse a tocar para la ultraderecha británica, con la que ha coqueteado ideológicamente. Ha respondido a una petición de Reform UK que él, es apolítico.