«Vete a tu país» es una de las expresiones racistas más comunes. El dúo belga formado por Charlotte Adigéry y Bolis Pupul la utiliza en uno de los estribillos más divertidos del momento, el de ‘Blenda’. En él, Adigéry acude a Siri para preguntarle exactamente a qué país «pertenece», como si «pertenecer» a un país fuera posible y no un concepto volátil como el humo.
El humor forma parte del ADN de la música de Charlotte Adigéry y Bolis Pupul, dos personas que se conocieron en Tinder y que ahora han publicado su primer disco conjunto. Una fina ironía lidera el camino de ‘Esperanto’, en la que Charlotte ofrece una curiosa guía de protocolo social («no digas «la gente blanca no sabe bailar», di «Tom baila a su propio ritmo»), y sigue en otras pistas del disco como la misma ‘Blenda’. Especialmente graciosa está la final ‘Thank You’, que acalla el «fansplaining» con una pequeña dosis de ironía: «no podría haberlo hecho sin ti, ni sin tu opinión», canta Charlotte, ufana.
‘Topical Dancer’ es el disco que ha puesto en el mapa a Charlotte Adigéry y a Bolis Pupul. Sus aliados son David y Stephen Dewaele, es decir, los hermanos que forman Soulwax y 2manyDJs, y ‘Topical Dancer’ es un disco co-producido por ellos que explora diversos sonidos de pop electrónico. El lenguaje es elegante y minimalista, pero variado. El tech-house de ‘Blenda’ da paso a ‘Hey’, que recuerda a los mejores Simian Mobile Disco, y hay retazos de synth-pop en ‘Mantra’, de dub en ‘Huile Smisse’ o de la última Róisín Murphy en ‘It Hit Me’. La canción más curiosa, ‘HAHA’, utiliza una carcajada a modo de percusión.
En ‘Topical Dancer’, Charlotte Adigéry y Bolis Pupul desarrollan una interesante fórmula de pop electrónico dotado de mensaje social. El mensaje llega de manera desenfadada. ‘It Hit Me’ relata con pelos y señales la primera vez que Adigéry vivió un acoso sexual a los 13 años. Por otro lado, ‘Hey’ habla de igualdad, de razas y de personas no binarias y pansexuales, la atmosférica ‘Reappropriate’ aboga por «reapropiarte de tu sexualidad» y por «liberar al niño roto que hay en ti» e ‘Ich Mwen’, que suena a unos Yelle evolucionados, está escrita en lengua criolla, pues Adigéry es medio caribeña.
El disco divierte sobre todo al principio, se hace un poco bola en su tramo medio, y vuelve a despegar hacia el final. ‘Ceci n’est pas un cliché’ y el homenaje a Talking Heads de ‘Stop Making Sense’ no aportan demasiado, pero el mensaje «olvídate de tus miedos» de ‘Mantra’ es efectivo y ‘Thank You’ se quita de ser la típica canción final de relleno recordando a aquella Róisín que sonaba a Daft Punk, la de ‘Overpowered‘. Es una de las canciones más excitantes del largo, y llega cuando menos lo esperas.
Paraíso comparte hoy la tanda de confirmaciones definitiva para su edición de 2022, que se celebrará los días 24 y 25 de junio en la Universidad Complutense de Madrid, en un nuevo formato reducido. Además, el festival desvela distribución por días.
Entre los nombres que se suman al cartel se encuentran algunos tan importantes como Moodymann o Ben UFO, y también el dúo revelación formado por Charlotte Adigéry y Bolis Pupul. Por su parte, John Talabot y Pional ofrecerán un b2b que promete ser «histórico».
Completan la tanda de confirmaciones Axel Boman, que presenta disco doble; las pinchadiscos Lauren Hansom, CC:DISCO! (en la foto) y Shannen SP, y los también DJs españoles David Ponziano, Jan Swan y Delone. La distribución por días queda así:
Viernes 24 de junio
CC: DISCO!, Chico Blanco, Crystal Murray, Delone LIVE, Depaart LIVE, David Ponziano, HUNEE, Ivan Smagghe, Javi Redondo B2B Álvaro Cabana, Jeremy Underground, Moodymann, OG Juan, Roman Flügel, Shannen SP, Shygirl, Sofia Kourtesis, Yahaira.
Sábado 25 de junio
Axel Boman LIVE, Baiuca LIVE BAND, Ben UFO, Bradley Zero, Cascales, Charlotte Adigéry & Bolis Pupul, Ears On Earth DJ SET, Flaca, Jan Swam HYBRID SET, John Talabot B2B Pional, Kamma & Masalo, Lauren Hansom, Rusowsky, Seth Troxler, TSHA, TWO EX.
Con el anuncio de la programación por días, Paraíso ha puesto a la venta las entradas de día a un precio de 49 euros. Los abonos de dos días siguen disponibles a 85 euros en la web del festival. Los precios son válidos solo hasta el 8 de mayo o hasta agotar existencias.
Lil Nas X ha enviado vía newsletter a sus fans las fechas de su gira mundial. La gira ‘LONG LIVE MONTERO TOUR’ concluirá en España, en concreto en el Sant Jordi Club de Barcelona, el 17 de noviembre, tras pasar por Estados Unidos, Canadá y varias ciudades de Europa.
‘MONTERO‘, el álbum debut de Lil Nas X, será presumiblemente el eje de la gira. Sin embargo, el rapero ya ha empezado a avanzar música nueva en sus redes. En concreto, tres canciones nuevas que reciben los títulos de ‘Lean On My Body’, ‘Late to The Party’ y ‘Down Souf Hoes’.
Estas canciones podrían llegar antes de lo esperado, pues Lil Nas ha confirmado que su segundo disco está «casi terminado». Con esta declaración, el artista ha desmentido que se encuentre preparando una versión «deluxe» de su disco actual.
El autor de ‘Old Town Road’ acaba de actuar en los premios GRAMMYs, pero se ha ido de la ceremonia con las manos vacías pese a que aspiraba a cinco estatuillas. En el escenario de los premios, le ha acompañado el rapero Jack Harlow para interpretar ‘INDUSTRY BABY’.
Fechas en Europa
Nov 08 – AMSTERDAM, NETHERLANDS
AFAS Live
Nov 09 – BERLIN, GERMANY
Max-Schmeling Halle
Nov 10 – HAMBURG, GERMANY
Sporthalle
Nov 12 – LONDON, UK
Eventim Apollo
Nov 14 – PARIS, FRANCE
Zenith
Nov 15 – BRUSSELS, BELGIUM
Palais 12
Nov 17 – BARCELONA, SPAIN
Sant Jordi Club
Fechas en Norteamérica
Sep 06 – DETROIT, MI
The Fillmore
Sep 10 – CHICAGO, IL
Byline Bank Aragon Ballroom
Sep 15 – TORONTO, ON
HISTORY
Sept 18 – BOSTON, MA
MGM Music Hall at Fenway
Sep 20 – NEW YORK, NY
Radio City Music Hall
Sep 22 – PHILADELPHIA, PA
The Met
Sep 25 – WASHINGTON, DC
The Anthem
Sep 27 – ATLANTA, GA
Coca-Cola Roxy
Oct 01 – NASHVILLE, TN
Nashville Municipal Auditorium
Oct 03 – ORLANDO, FL
Hard Rock Live
Oct 04 – MIAMI, FL
James L Knight Center
Oct 18 – LOS ANGELES, CA
Youtube Theater
Oct 21 – PHOENIX, AZ
Arizona Federal Theatre
Oct 23 – SAN FRANCISCO, CA
Bill Graham Civic Auditorium
Bizarrap y Paulo Londra son actualmente dos de las mayores superestrellas del pop salidas de Argentina. Su colaboración era esperada como agua de mayo, y finalmente ha llegado esta noche. Es la típica producción atareada y robusta de Bizarrap, incluyendo ritmos de reggaetón, electropop e incluso violines. Londra canta sobre haberse reencontrado consigo mismo.
Antes de estrenar la canción, Bizarrap retaba a sus seguidores a inundar su post de comentarios. Si llegaban a los 23 millones publicaba la canción. Y así ha sido.
En un post paralelo, Bizarrap publicaba un «comunicado» en el que informaba que él y su colaborador están «listos» para lanzar su «sesión número 23», la protagonizada por Paulo Londra. La última, con la voz de Residente, lleva el número 49, y Bizarrap siempre publica sus singles en orden cronológico, pero entre las sesiones número 22 (Lalo Ebratt) y 24 (Dani Ribba) faltaba uno. Ambas salieron en 2020, año en el que Londra se encontraba retirado de la música debido a los problemas legales que le enfrentaron con su antigua discográfica, los cuales le impidieron publicar nueva música durante años.
Finalizada esa batalla, Paulo Londra ha vuelto este año con ‘Plan A‘, que ha sido un éxito rotundo y ha llegado al número 1 de la lista de singles española. Le ha seguido el single ‘Chance‘, que lleva 20 millones de reproducciones en Spotify.
En cuanto a Biza, el productor ha conseguido recientemente el primer número 1 de su carrera en España gracias a su colaboración con Morad. ¿Se avecina segundo número 1 con Paulo?
Una película sobre la vida y obra de Whitney Houston está cogiendo forma en los estudios de Sony. La productora estrenará el biopic el 21 de diciembre de 2022 en cines, y ya se ha dado a conocer quién dará vida a la diva. Naomi Ackie, conocida por sus papeles en la saga de Star Wars y en ‘The End of the F***ing World‘, será la responsable de meterse en el papel de Whitney Houston. El poster de la nueva película muestra a la actriz en una pose inconfundible.
‘I Wanna Dance With Somebody’ se ha llevado a cabo con la cooperación de los herederos de la cantante, y las expectativas son altas. El guion corre a cargo de Anthony McCarten, nominado al Oscar por ‘Los Dos Papas’, ‘Darkest Hour’ y ‘La teoría del todo‘. Además, también es el autor del guion de ‘Bohemian Rhapsody‘.
La sinopsis dice: «‘I Wanna Dance With Somebody’ es el próximo largometraje sobre el icono musical Whitney Houston. Naomi Ackie interpreta a Houston en esta película biográfica musical, basada en la impactante vida y música de la conocida cantante. Dirigida por Kasi Lemmons y escrita por el nominado al Oscar Anthony McCarten, la película trata de un viaje emotivo y enérgico a través de la carrera y la música de Houston».
‘Ritual’ es el disco más arriesgado de Dorian, al tiempo que la continuación lógica de ‘Justicia Universal‘. Cada vez más interesados por las nuevas formas de comunicación, los artistas noveles y estilos que les son en principio ajenos, Marc y Belly nos hablan sobre el proceso creativo. Es de nuevo un álbum muy político, lo que nos da pie a hablar de capitalismo y feminismo, y del avance de la ultraderecha, entre otras cuestiones.
Dorian pasarán el mes de mayo girando por Buenos Aires, Santiago de Chile, Lima, San José de Costa Rica y Bogotá. Después les aguardan festivales como Spring Fest, Festival de les Arts, Bilbao BBK Live, FIB, Sonorama, Gigante, Granada Sound o FIZ. En septiembre vuelven a México y en noviembre tienen 2 fechas especiales: el 25 de noviembre en el WiZink Center de Madrid y el 26 de noviembre el Sant Jordi Club de Barcelona. Foto: Sergi Margalef.
Este nuevo disco de Dorian es bastante diferente, ¿creéis que gustará?
Marc: «Creemos que va a encantar, no tengo ninguna duda. De todas formas, no podíamos hacer otro álbum porque era el álbum que queríamos hacer. Es la vez que más tiempo hemos tenido de toda nuestra carrera para hacer un disco y todo está pensado para que sea un viaje musical. Se han quedado canciones fuera porque no encajaban en ese relato. Quien tiene confianza en algo se la transmite a los demás».
Belly: «Yo creo que suena bastante a Dorian, podemos experimentar pero siempre va a sonar a Dorian».
Yo creo que por ejemplo meter un hip hop en inglés como pista 1, ‘Mundo perdido’, es algo que puede chocar.
Marc: «La primera canción marca el diapasón del álbum: «viene otro disco de Dorian, pero diferente». Abre la paleta del grupo. Queríamos experimentar con diferentes beats y diferentes ritmos. Buscar cierto cosmopolitismo. Queríamos salir de la estructura y el sonido del pop».
Belly: «Al final esa canción no es tan diferente, con su bucle, la electrónica… La veo muy Dorian al margen del rap». ¿Te parece poco?
Belly: (risas) «Me parece guay, encaja».
Vuestros referentes: Depeche Mode, The Cure… no suelen meter mucho rap…
Marc: «Marca un nuevo inicio en la carrera del grupo, un nuevo amanecer. Tenemos ganas de experimentar, de mezclar el pop con la electrónica y mostrar el sonido de diferentes latitudes. Creemos que el pop del siglo XXI va a ser bastardo o no será».
¿Cómo fue trabajar con Youthstar de Chinese Man? ¿Cómo le conocisteis? ¿Revisasteis su letra?
Belly: «Vive entre Barcelona y Francia. Chinese Man es un colectivo muy famoso en Francia, mezclan dub, rap, música nigeriana…»
Marc: «Nos conocimos hace 4 años en Barcelona a través de amigos comunes. Terminamos una noche una jam session con él e Itaca, una banda de Barcelona que nos gusta mucho. Cuando planteamos ‘Ritual’ como álbum, teníamos claro cuál iba a ser el idioma principal, pero queríamos introducir otras lenguas, en busca de ese viaje cosmopolita. Nos parecía buena idea meter a Youthstar en ‘Mundo perdido’ por la energía que le imprime a la canción, es muy buen MC. Teníamos la canción en español, se la tradujimos y le reservamos sus huecos para que se explayara. Le hablamos de la temática orwelliana, que habla de un mundo sin libros, de cómo la carencia en la lectura abre puertas a la ignorancia y a la ultraderecha. Lo entendió y metió unas barras».
Me suena también cercano al trip hop.
Marc: «Es un beat de baile de base crujiente, te puede llevar a ciertos temas de Daphni, de Caribou, de Four Tet… pero la llevamos al pop. Esa electrónica de base crujiente suena en dos temas, ‘Rubik’ y ‘Mundo perdido'».
‘Lento’ me ha recordado a Manu Chao, no sé si estáis cómodos con la referencia.
Belly: «Nos encanta».
Marc: «Mano Negra lo hemos escuchado toda la vida, desde la adolescencia. Su presencia ha estado ahí en la manera de escribir letras, pero no había aflorado en la música».
Entre unas cosas y otras el disco me ha recordado a todo lo que salía en Siglo 21: la electrónica, el rap, las llamadas de la gente, las mal llamadas «músicas del mundo»…
Marc: «Hemos querido abrir el concepto de Dorian, hay «nueva ola» como siempre y hay indie, pero hay otras latitudes, otros espacios, han entrado otro tipo de ritmos y de instrumentos. ‘Libre’ con Lido Pimienta está construido sobre la chacarera, el ritmo del norte de Argentina, un viaje apasionante. ‘Lento’ termina en unos sintes de Belly y Lisandro que son French Touch. Se unen el mundo de Bomba Estéreo y de Kavinsky. Nos hemos dedicado a jugar, a disfrutar jugando sin prejuicios. Hace tiempo que lo queríamos hacer y hemos empezado a desarrollarlo. Escuchamos mucha música. Hemos tenido la suerte de viajar mucho y todas esas experiencias generan influencias».
También hay una mitad más Dorian, habéis buscado un equilibrio para no asustar del todo a la gente…
Belly: «Todo es más espontáneo de lo que parece. Hay una apertura al final, pero lo veo muy Dorian todo. Ya hemos hecho cosas diferentes, la gente te sorprende un montón».
Marc: «El sonido de sintes de Belly marca mucho».
Belly: «Y tus melodías de voz».
Marc: «Es todo formato canción».
Belly: «El grupo tiene una personalidad en su ADN, que permite jugar con otras posibilidades, sin irnos tan lejos en el fondo. Es una suerte que tenemos. Podemos desarrollar el grupo a nivel creativo sin traicionar nuestra manera de hacer arreglos y nuestro sonido».
Yo insisto en que no sé si el disco va a gustar a vuestros fans. Me sorprendería que la canción favorita del disco de vuestros seguidores fuera una rapera.
Belly: «La gente te sorprende. Hicimos escuchas entre amigos y unos fans. Nos sorprendió que gustó mucho ‘Lento’ o ‘Dos vidas’. También ‘No dejes que pase el tiempo’, aunque hay gente que no conocía a Ana Mena…»
Marc: «La gente está más abierta que nunca a la música».
‘Rubik’ y la canción con Alizzzz me parecen las más Dorian melódicamente, y también son mis favoritas. A lo mejor me he hecho conservador sin darme cuenta. ‘Rubik’ es una canción de amor, ¿verdad?
Belly: «Es muy hermosa».
Marc: «Se llama así porque me hacía gracia la imagen del cubo. Una relación personal es como un cubo de Rubik, al principio todo está en su sitio, pero luego se va liando la cosa y uno no sabe cómo volver al principio. Habla de amor no posesivo».
… que es un tema que sale varias veces en el disco.
Marc: «Sí. ‘No dejes que pase el tiempo’ habla sobre una pareja que aprende la comunicación no violenta, a comunicarse de manera pacífica. Si no lo hace, se dan cuenta de que van a perder el tiempo. El tiempo pasado no va a volver, pero aprovechemos el que nos queda».
A Alizzz, le habéis llevado bastante a Dorian. ‘Energía rara’ no es la típica canción de Alizzz ahora mismo…
Marc: «La hicimos juntos, dos meses antes del lockdown, antes de la pandemia».
Belly: «La esencia es suya».
Marc: «La hicimos muy mano a mano. Él la compuso también, no es solo productor, es co-compositor, es un productor que se implica. Tiene una visión muy clara de la parte vocal, es muy completo, es muy 3D. Estructura muy bien, es muy intuitivo, la tuvimos rápido y me empujó a escribir la letra rápido, como trabaja él con Tangana, con mucho nervio. Hicimos más canciones, no solo una. A ver si van saliendo…»
La canción habla de alguien que ya no sale, ¿pero qué es la «energía rara»?
Marc: «Lo que se apodera de ti cuando el sofá es lo más importante de tu vida. Habla de alguien abducido por el sofá, que no se da cuenta de que la vida le pasa por delante. Ya no detecta qué se cuece ni sabe distinguir, no pilla los códigos. Se ha quedado desconectado de la realidad, y no vive otra. Solo la de su sofá. Tiene un poso amargo. Hay que estar conectado con la vida. ¿Quién no tiene algún amigo en esa situación o ha estado él mismo en ella? Todos hemos tenido un momento de apalanque. Cualquiera puede quedarse fuera de juego, pero es una canción desenfadada, tampoco es demasiado solemne».
«Vivimos en un turbocapitalismo en que lo nuevo brilla más. Tendemos a poner lo nuevo solo por ser nuevo. A veces creamos héroes con pies de barro»
¿Seguís interesados en la nueva música, en las nuevas tendencias?
Marc: «Hay dos tipos de melómano. Hay personas que mantienen la curiosidad por lo que hace la gente más joven. Hay gente que escucha lo anterior, y luego hay un perfil de persona que por su manera de ser se siente cómoda con lo que ya sabe y con lo que tiene controlado y con eso viaja hasta el final de su vida».
Con León Benavente hablábamos de esto y uno decía que él escuchaba nueva música pero que era un trabajo.
Marc: «Me acuerdo de esa entrevista y de esa frase».
Belly: «Hay momentos en que estás más receptivo, estás más expansivo, asimilas cosas de forma diferente. Si tuviera 20 años, me hubiera pegado el trap de otra manera. Ahora hay cosas que me gustan y cosas que no, pero no lo vivo igual. Tenemos amigos de nuestra edad que nos dicen: «no sé cómo puedes escuchar esta mierda» (risas).
Marc: «A mí me sigue apasionando el día a día de la actualidad musical. Como músico tienes que estar conectado. Ahora bien, no hay que confundir las cosas. Vivimos en un turbocapitalismo en que lo nuevo brilla más. Tendemos a poner lo nuevo solo por ser nuevo. A veces creamos héroes con pies de barro. Aunque siempre va a ser excitante lo que haga un chaval en un garaje de 18 años porque tiene una fuerza especial».
Belly: «Y luego está Nick Cave, que siempre le vas a escuchar».
«No queremos mujeres en el poder que se comporten como hombres tipo Thatcher»
Habláis del capitalismo en el tema de la gentrificación, ‘Tornado’. Y ‘Techo de cristal’ es un tema feminista. Dime que lo has escrito tú, Belly…
Belly (risas): «La letra es de Marc».
Marc: «Pero con su permiso y supervisación».
Belly: «Me cuadraba perfectamente la lectura».
Marc: «‘Tornado’ está dedicada a esa generación atrapada entre el crack de 2008 y la crisis del coronavirus. Les pilló la primera crisis con veintipocos años y al levantar cabeza, les ha tocado esta. En Barcelona, Madrid, Valencia, París, Londres, México DF… la gentrificación nos produce repugnancia. Y ‘Techo de cristal’ no solo es feminista, porque plantea una obviedad: reivindica la necesidad de que no solo las mujeres alcancen la igualdad sino posiciones de poder. No para que imiten a los hombres sino para que creen nuevas maneras de poder y de comunicarse, liderar países, bandas… Hay un movimiento de bandas aquí en Madrid. Es un vehículo de comunicación distinta. No queremos mujeres en el poder que se comporten como hombres tipo Thatcher, sino que impongan otras maneras de comunicarse y que se ejerza la dirección desde esa óptica».
¿Qué llamadas a la acción concretas sugerís? Al menos vosotros habláis de «ultraderecha», pero muchas veces los grupos optan por un discurso vago, genérico… ¿Qué invitáis a la gente a hacer, precisamente ahora que la gente joven no va a votar o incluso opta por la ultraderecha?
Marc: «Por ejemplo que la sociedad civil volviera a recuperar las plazas y volviera a recuperar la calle. Es posible cambiar las cosas siempre y cuando se alce la voz. Estamos en un sistema que se entiende desde el individualismo, el metaverso, los grupos reducidos de personas, el estar solo en casa. La historia ha avanzado cuando se ha bajado a la plaza a vernos las caras. Deberíamos desear una sociedad con los ojos abiertos, que las injusticias se pongan de manifiesto en las calles. La política no es exclusiva del Congreso o del Ayuntamiento, la política es todo. Se hace camino al andar. La bola es grande, lo fácil es decir «no tengo ni idea». El primer paso es ganar la calle, hablar entre nosotros, ponernos de acuerdo en qué nos parece injusto. Salgamos a la calle y que se pongan las pilas».
Sé que el capitalismo es el sistema del mundo y de aquí no se puede salir, pero eso no quiere decir que no pueda ser más justo, democrático y social
¿Tenéis un discurso anticapitalista?
Marc: «No es la pretensión de estas canciones. Cuando hablo de turbocapitalismo, sé que es el sistema del mundo y de aquí no se puede salir, pero eso no quiere decir que no pueda ser más justo, democrático y social. Dentro del margen de juego que nos permite, hay mucho que mejorar. A eso debemos aspirar como ciudadanos.
¿Cómo habéis terminado haciendo una canción sobre bisexualidad con Pimp Flaco? Hay poca gente que la reivindique…
Marc: «Justo por eso queríamos poner el foco en este tema. Muchas veces sacamos las canciones de la realidad que nos rodea. Son experiencias personales o próximas y otras son más sociales. Llevaba un tiempo hablando de bisexualidad o llámalo como tú quieras, y amigos comentaban que recibían palos de todas partes, desde los que los llamaban «heteros viciosos» hasta algunas trincheras del mundo lésbico o gay: «ya se definirán» y «dejarán de jugar al despiste». Y ellos reivindican su derecho a hacer lo que les dé la gana. ‘Dual’ tiene una lectura más amplia, aunque sí habla de la bisexualidad, también habla del derecho a hacer lo que le dé la gana en el siglo XXI. Faltan décadas de lucha en este aspecto porque hay gente que no le entra en la cabeza que cada uno puede hacer con su cuerpo lo que le dé la gana. Hay un amplio espectro. Colaborar con Pimp Flaco fue súper natural y de él surgió la parte C del tema, le salen mogollón de melodías, tiene mucho talento».
En todo este espectro de canciones políticas, de amor, de salir, de no salir, ¿cuál es vuestra favorita o la que más os identifica ahora mismo?
Belly: «Es difícil elegir, estoy contenta con todas. Me gusta ‘Dos vidas’, ‘Techos de cristal’… Soy muy pop, pero estoy muy orgullosa de todas. Todas te acaban enamorando».
¿Las más pop quizá son menos reto para vosotros?
Belly: «No te creas, todo tiene su complicación, me gustan muy directas y muy pop, pero también me gustan muy complejas y muy complicadas».
Marc: «Estoy muy contento con la de Lido Pimienta, es uno de los máximos talentos colombianos, ha quedado preciosa. ‘Energía rara’ va a ser un éxito, y va a dar alegrías en directo, tiene ese punto desenfadado. ‘Dos vidas’ me gusta mucho».
Con el disco anterior no acertasteis la que iba a ser la favorita del público…
Ambos: ¿Qué dijimos?
Que ‘Noches blancas’ sería un sleeper. Pero fue ‘Duele’.
Marc: «Es verdad que no conectó tanto con la gente»
Belly: «En los conciertos gusta mucho, la gente se lo canta, cantan los aullidos… Pero no conectó tanto, no siempre se conecta»…
Bad Bunny protagonizará una nueva película de Marvel como el antihéroe «El Muerto». La película, del mismo nombre, será un spin-off de Spider-Man y está previsto que aterrice en los cines el 24 de enero de 2024. Con esta película, Bad Bunny se convertirá en el primer latino en protagonizar una trama de Marvel: «Esta oportunidad de dar vida a El Muerto es asombrosa, es increíble», contaba a IndieWire.
En los comics de Spider-Man, «El Muerto» es un luchador de lucha libre llamado Juan Carlos Sánchez. Este tiene superpoderes gracias a la máscara que viste en sus batallas, que le otorga una fuerza sobrehumana y resistencia. Esta entrega se suma al mundo Spider-Man que Marvel y Sony están expandiendo considerablemente con ‘Venum’, ‘Morbius’ o ‘Spider Man: No Way Home‘.
Para Bad Bunny el cine ya no es una novedad, habiendo aparecido en ‘Narcos: México‘ y próximamente en ‘Bullet Train‘ junto a Brad Pitt. Además, este nuevo papel es curiosamente apropiado para el artista, quien ama la lucha libre y la WWE: Me encanta la lucha libre. Crecí viendo lucha libre y ahora soy un luchador… Creo que es el papel perfecto para mí. Será épico, estoy seguro». Si cuesta imaginar a Bad Bunny sobre un ring, aquí le teníes dándolo todo en la WWE:
«Después de casi un siglo de monocultivo musical norteamericano, despertamos de este deslumbrante hechizo con ganas de aportar otras semillas y raíces a la biodiversidad cultural planetaria. Todo florece y las abejas no se aburren: ¡qué de buenas mieles para nuestras almas!». Así dramatiza una nota de prensa lo qué está pasando ahora en la música española. Rosalía, Maria Arnal y Marcel Bagès, son ejemplos de la vuelta a las raíces que está viendo florecer nuevos sonidos fruto de la mezcla entre tradición y vanguardia. Otro grupo de los que se han metido de lleno en esto son Maestro Espada.
El dúo murciano está formado por los hermanos Alex y Víctor Hernández, dos chicos que llevan años dedicándose a la música, pero que ahora se juntan para dar forma a este proyecto. Maestro Espada bebe del folklore murciano de castañetas y laúdes para transformarlo en algo casi espiritual con sintetizadores y ruidos experimentales.
En Spotify solo cuentan con una canción, ‘Murciana’, y en ella han volcado toda su curiosidad y sentimiento. Es nuestra Canción Del Día para hoy martes. «Nuestra particular versión de la malagueña murciana, un clásico del repertorio de las cuadrillas». No es una versión del folklore tradicional, sino un redescubrimiento sin limitaciones ni ideas preconcebidas. Crear algo nuevo intentando que lo conocido no condicione su forma. La letra surfea unas notas y una estructura tradicionales, que se funden entre ruidos y sonidos más experimentales que produce Raül Refree. Son estos sonidos hacia el final de la canción los que hipnotizan como un hechizo.
Megan Thee Stallion ha hablado públicamente, por primera vez, sobre el incidente que sufrió en 2020 cuando fue víctima de varios disparos por parte del rapero Tory Lanez. El caso se resolverá a finales de este año en los tribunales.
La autora de ‘Good News‘ ha aparecido en la televisión estadounidense para contar su versión de los hechos. Explica que volvía junto a Lanez y sus amigos de casa de Kylie Jenner, que celebraba una fiesta, cuando dos de sus amigos empezaron a discutir en la parte trasera del coche. Ella llegó a apearse del coche, harta de la discusión, pero volvió al automóvil por insistencia de ellos.
Una vez sentada en el coche, Megan recuerda que la discusión solo fue a peor y que, en seguida, empezó a escuchar gritos y a continuación disparos. «Todo pasó muy rápido», indica. La artista vio que Tory Lanez le disparaba mientras exclamaba «baila, zorra» y recuerda que intentó no moverse demasiado «por si acaso me disparaba en algún lugar muy importante y me mataba».
FULL: Megan Thee Stallion details the night of alleged shooting, says she regrets lying about stepping on glass, denies ever having a sexual relationship with Tory Lanez and can’t wait til all the facts come out in court (@CBSMornings) pic.twitter.com/nVL5sSc0hb
A continuación, Megan se miró los pies y descubrió que estaban ensangrentados. «Estaba en un subidón de adrelanina y podía sentir que estaba herida, pero no estaba segura», detalla. En ese mismo momento, Megan cuenta que Tory Lanez le ofreció un millón de dólares para que no contara lo que acababa de suceder, a lo cual Megan respondió con sorpresa.
Cuando llegó la policía, Megan decidió mentir y contar que había pisado cristal roto, porque «acababa de pasar lo de George Floyd y tenía miedo que alguien muriese esa noche». Recuerda que, pese a lo que acababa de suceder, ella quería «proteger» a sus amigos.
Preguntada por su relación personal con Lanez, Megan niega haber salido o mantenido relaciones sexuales con él. Lanez ha asegurado que sí estaban saliendo, pero Megan cuenta que «éramos amigos muy cercanos» y que la muerte de sus respectivas madres les había unido.
En cuanto a las consecuencias psicológicas que arrastra tras el incidente, Megan afirma que su ansiedad ha ido a peor, que sus relaciones se han «enfriado» y que le cuesta hacer amigos, porque «ya no confío en la gente tanto como antes». Por su parte, la defensa de Lanez ha asegurado que desea «sacar a relucir las inconsistencias, discrepancias y omisiones» en las declaraciones de Megan.
Megan acaba de lanzar nuevo single, ‘Plan B’, presumiblemente el segundo sencillo oficial del disco que publicará este año.
‘Miqui Puig Canta vol 7’ será a finales de esta primavera el nuevo disco de Miqui Puig. Será la continuación de ‘15 canciones de amor, barro y motocicletas‘. Un disco que contendrá lo que desde Primavera Labels definen como varias «odas al baile en la edad adulta». El álbum está siendo ya presentado en vivo y tras un par de presentaciones en Valencia y Lleida, este 30 de abril aguarda el Monumental Club de Barcelona.
Para los singles de ‘Miqui Puig Canta vol 7’, el artista se ha rodeado de dos voces que no tienen nada que ver. En diciembre se publicaba ‘Cadera de mimbre, la leyenda’, una canción muy poco navideña, que no hacía demasiado honor a su nombre, extrañísima, en la que la voz invitada es la de Irantzu Valencia. La añorada cantante de La Buena Vida, a la que esperemos que vaya picando el gusanillo a medida que sus hijos se acerquen a la universidad, acude aquí para entonar el final de esta rareza inasible. «Miedo, cariño y cajas de ritmo», repite una y otra vez, en una canción… ¿sobre el dolor al tragar?
Más comprensible por todes es el nuevo single ‘Pors Puig’, «Miedos Puig». Se presenta como un reverso de ‘Miqui contra el mundo’, pues versa sobre el mismo personaje. Alguien «muy parecido al mismo Miqui Puig, atenazado por miedos cada vez más profundos, debatiéndose entre huir buscando la felicidad o aceptar sus miedos con cierta amargura».
Y si miedo era una palabra recurrente en el tema de Irantzu Valencia, aquí también lo es. «El miedo se queda, vive contigo, se ha convertido en tu gran amigo», dice una letra marcada por el personaje protagonista, que «solo se acuerda de lo que quiere» y «tampoco se cree nada especial». La revelación Queralt Lahoz es la voz invitada en este caso, en un registro desenfadado y aflamencado, que anima a salir adelante no matter what, mientras los sintetizadores apuntan a la pista de baile y al synth pop ochentero. Registro que le sienta tan bien como a Soleá Morente.
Justin Bieber vuelve a enfrentarse a una acusación por plagio. Eso sí, esta vez la comparte con sus colaboradores Dan + Shay. Los tres publicaron en 2019 su éxito ‘10,000 Hours’, que fue número 1 en las listas de country estadounidenses y número 4 en el Billboard Hot 100. En la actualidad, la canción acumula 790 millones de reproducciones en Spotify.
Ahora, una empresa llamada Melomega ha acudido a los tribunales para pedir justicia. Asegura que ‘10,000 Hours’ es una «copia descarada» de ‘The First Time Baby Is A Holiday’, una canción desconocida de 1980 que se parece mucho al hit de Dan, Shay y Bieber.
En un comunicado, Melomega acusa a Dan, Shay y Bieber de «haber robado la parte principal» de ‘The First Time Baby is a Holiday’ en la composición de ‘10,000 Hours’, y explica que el parecido entre ambas canciones es «incuestionable», tanto que «uno de los musicólogos más importantes en la industria» así se lo ha corroborado. Además, tilda el «robo» de «impúdicamente atrevido».
Interpretada por Asia Luckey y co-escrita por Frank Fioravanti, co-fundador de Melomega, ‘The First Time Baby Is A Holiday’ es una rareza asociada al sonido del soul de Filadelfia, y puede escucharse de manera oficial en Spotify, en un disco llamado ‘Lost Soul Gems’. La canción, que se registró en 1980 pero se publicó por primera vez en 2014, cuenta con apenas 15.000 escuchas a tiempo de redacción de esta noticia.
Aunque el parecido entre ambas canciones es evidente, no es suficiente para demostrar el plagio. La ley estadounidense necesita que se pruebe que Dan, Shay y Bieber contaban con algún tipo de «acceso» a la canción antes de plagiarla, lo cual es improbable dada su nula relevancia.
070 Shake acaba de ser noticia por su colaboración con Madonna en uno de los remixes de ‘Frozen’. Ahora, la cantante y rapera anuncia disco, cuyo título bien podría usarse para resumir la carrera de la Reina del Pop: ‘YOU CAN’T KILL ME’.
El segundo disco de Danielle Balbuena llegará en una fecha aún por determinar, y volverá a estar producido por Dave Hamelin de los Stills. La mezcla y masterización ha corrido a cargo de Mike Dean. El disco saldrá a través de G.O.O.D. Music y Def Jam Records.
A espera de que se facilite el tracklist oficial de ‘YOU CAN’T KILL ME’, 070 Shake ha dado a conocer el primer single. ‘SKIN AND BONES’ es una balada hip-pop dramática, de esas que se enfrentan a una tormenta, mientras su letra celebra la llegada de una relación sana a la vida de Danielle. La cantante ha encontrado a alguien que no le trata como si fuera solo un trozo de carne.
Junto al audio de ‘SKIN AND BONES’ ha llegado su videoclip. Dirigido por Noah Lee, el vídeo muestra a varias parejas besándose en diferentes contextos.
070 Shake se dio a conocer hace unos años por su trabajo con Kanye West. A continuación publicó su álbum debut, ‘Modus Vivendi‘, que incluye ‘Guilty Conscience’, una de las mejores canciones de 2020.
Renovamos la playlist con las mejores canciones del mes, la cual da pistas de lo que encontraréis en la lista de mejores canciones de 2022. Abrimos con el nuevo acierto de La Casa Azul, seguimos con el éxito mundial de Harry Styles y continuamos con el último pepinazo de Jamie xx. En los primeros 10 puestos destacamos también la nueva sorpresa de Florence, la joyita de dani o el single de Lizzo.
‘Skinty Fia’ de Fontaines D.C. es el Disco de la Semana en este último tramo del mes de abril, y aparece representado por el corte ‘I Love You‘. También han pasado por esta sección recientemente dos crooners como son Joe Crepúsculo y Orville Peck, además de Kae Tempest con el que, de momento, es el disco mejor valorado de 2022 en nuestro site.
Otros artistas que han firmado Discos Recomendados este mes son Sondre Lerche y Daddy Yankee, mientras Charli XCX ha seguido promocionando el suyo, publicado en marzo. Entre los temas internacionales que aparecen en la playlist también hay que mencionar el de Jack Harlow vía sample de Fergie, el de Camila Cabello con WILLOW o el viral de Amaraae con Kali Uchis.
Entre las joyas nacionales, Putochinomaricón lo ha hecho con ‘Tamagotchi’ y Vicente Navarro ha vuelto de la mano de Rodrigo Cuevas, con la que fue la primera Canción Del Día del mes de abril. Por otro lado, no os perdáis tampoco lo nuevo de Kevin Morby, Cariño o la francesa BRÖ.
La Casa Azul / No hay futuro
Harry Styles / As It Was
Jamie xx / LET’S DO IT AGAIN
Empress Of / Save Me
Joe Crepúsculo, Aaron Rux / Carreteras de pasión
Florence + the Machine / Free
Cariño / Llorando en la acera
Lizzo / About Damn Time
PUTOCHINOMARICÓN, GFOTY / Tamagotchi
dani / Ceras rosas
Charli XCX / Used to Know Me
Fontaines D.C. / I Love You
Camila Cabello, WILLOW / Psychofreak
Orville Peck / Daytona Sand
Jack Harlow / First Class
Daddy Yankee, Rauw Alejandro, Nile Rodgers / AGUA
BRÖ / Mauvais rôle
Kae Tempest / Priority Boredom
Kevin Morby / Rock Bottom
Miss Caffeina / Las Vegas
Vicente Navarro, Rodrigo Cuevas / Marchar
CMAT / Every Bottle (Is My Boyfriend)
Amaarae, Kali Uchis, Moliy / SAD GIRLZ LUV MONEY (Remix)
Nilüfer Yanya / the dealer
Sondre Lerche, AURORA / Alone in the Night
bonitx / déjate ver
El talento de Fontaines DC no se diluye en su tercer álbum. Al contrario, se crece. ‘Skinty Fia’ va a ser nuestro «Disco de la Semana» gracias a maravillas como la canción titular o ‘I Love You’, que es hoy nuestra «Canción del Día».
Por la voz de Grian Chatten, es fácil entenderle como un romántico. Cada cual puede interpretar lo que quiera de sus canciones favoritas y es difícil que una persona no entienda en ‘I Love You’ y en su dedicada interpretación vocal una sentida canción de amor. Sobre todo porque empieza «te quiero, te quiero, te dije que sí / Es todo lo que he sentido, nunca me he sentido tan bien / Y por si no lo sabías, te he escrito esta canción».
Algo raro puede intuir el oyente en el extraño verso que comienza hablando de «vender genocidio y orgullo a medias» en el que termina mencionando a dos partidos políticos conservadores irlandeses: «¿es su mamá Fine Gael y su papá Fianna Fáil?», se pregunta antes de cuestionar abiertamente el verdadero patriotismo y la preocupación por los más jóvenes.
Grian Chatten ha explicado en el NME que ‘I Love You’ es «la primera canción abiertamente política que han escrito». Está hecha desde la perspectiva de un irlandés en el extranjero que está «disfrutando de un gran éxito personal y un sentido de orgullo cultural». El objetivo de la canción es reflejar la decepción y la ira por el clima político actual, e incluso trata algunas de las atrocidades históricas del país, como el caso de los bebés enterrados durante décadas en un convento de Galway destinado a madres solteras.
De ahí que el videoclip se haya realizado en una iglesia, con Grian Chatten recitando la letra entre decenas de velas, terminando desangrado. ‘I Love You’ no será una canción de amor tradicional, pero no puede decir que no la cante con el corazón en la mano, literalmente…
Cynthia Plaster Caster, la groupie que marcó la diferencia inmortalizando los penes de muchos artistas en yeso, ha fallecido a los 74 años. La artista plástica saltó a la fama en los 60-70 por convencer a las estrellas del rock para que la dejaran crear un molde de su pene, entre los que se encuentra el de Jimi Hendrix.
Como una groupie más, Cynthia tenía el sueño de acostarse con las estrellas que tanto admiraba, pero pronto se dio cuenta de que la competencia era muy alta entre las chicas. Fue con 19 años cuando un profesor le mandó crear una forma de yeso a través de un molde y se le encendió la bombilla. Cynthia pensó que si proponía a los artistas una idea tan loca como dejar su pene grabado para la historia en un molde no se podrían resistir, y así fue.
Tras un intento fallido con el líder de Paul Revere & the Raiders, Mark Lindsay, a Cynthia pronto le llegó la bendición de Jimi Hendrix. Ella y su ayudante se acercaron al hotel donde se alojaba la superestrella y no tardaron en convencerlo: “Haciendo la mezcla ahí estaba Jimi, con una presencia más grande que la propia habitación. Se quitó los pantalones, se dejó puesta la blusa y el sombrero y se sumergió en el molde. Debido a que fue uno de los primeros no sabíamos lo suficiente acerca de lubricar el vello púbico, la única parte del cuerpo que tiene que estar bien lubricada. Los pelos se atascaron en el molde, pero fue muy paciente mientras los sacaba uno por uno para no lastimarlo”, explicó la artista.
En 1968, mientras perseguía a Eric Clapton para que posara para ella, conoció a Frank Zappa. Clapton se lo presentó, y este se convirtió en una especie de mecenas para la artista. Cynthia se mudó a Los Ángeles para trabajar en su obra, pero tras un intento de robo empezó a guardar sus moldes en casa del socio de Zappa, Marc Cohen. Esta acción la persiguió por mucho tiempo, porque llegado el momento Cohen se negó a devolverle los moldes y Cynthia no los recuperó hasta 1992, gracias a un juicio. En todos esos años, Cohen había perdido o roto algunos de los moldes intentando realizar copias de plata o bronce.
Además de Jimi Hendrix, ha pasado por las manos de Cynthia Plaster Caster el miembro del compañero de Jimi Noel Redding, Wayne Kramer y Dennis Thompson de MC5, Richard Cole, el tour manager de Led Zeppelin, Jello Biafra de Dead Kennedys, Richard Lloyd y Tony Stevens de Foghat, entre otros. Además, a partir del 2000 también se atrevió con senos femeninos de artistas como Suzi Gardner de L7, Peaches, Laetitia Sadier de Stereolab o Karen O de Yeah Yeah Yeahs.
Por un momento pensábamos que habíamos perdido a PUTOCHINOMARICÓN. Han pasado hasta 3 años desde ‘Miseria humana‘, aquella mixtape que al principio iba a salir en vinilo pero luego no porque su sonido no le convencía. Es hasta obviada en la nota de prensa de Elefant sobre este lanzamiento. Y no estaba tan mal. No tenía el foco puesto, sumando baladas a piano y canciones más rock, pero sí dejó algunos hitos como ‘Deporte nacional’, ‘Ojalá te murieras’ o ‘Parkineo’.
También hemos sabido que PUTOCHINOMARICÓN ha viajado a Taipéi en busca de sus raíces. Su nacionalidad sigue siendo española, pues su pasaporte relucirá para siempre para alegría de Santiago Abascal en la portada de su debut, pero ha querido acercarse a Asia durante este tiempo, topando con la decepción de que la cultura blanca ha impregnado por completo la cultura queer de este lugar. Lo que le ha llevado incluso a abortar un disco influido por la escala pentatónica. ‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (Distopía aburrida)’ continúa por tanto siendo una nueva búsqueda de sí mismx, a veces infructuosa. El álbum también está firmado con su nombre real Chenta Tsai, como si estuviera a punto de dar el paso de deshacerse del alias de PUTOCHINOMARICÓN, pero no se hubiera terminado de atrever.
Ese paso que tanta pena nos va a dar que dé, pues PUTOCHINOMARICÓN es uno de los nombres más icónicos de la historia del pop español, se corresponde también con una mejor línea artística en este tercer «conjunto de canciones». Las baladas a piano y las derivas eléctricas se aparcan a un lado. Ya no Charli XCX, sino la muerte de SOPHIE parece haber inspirado algunos de los experimentos más extremos que hemos escuchado en Chenta, gran seguidorx de la PC Music. El álbum comienza casi incomprensible en ‘Renacentista de tutorial’ y termina con una producción tan aventurera como ‘Tu foto de perfil’, con todo tipo de trucos y virguerías sobre todo en su último minuto.
Entre medias, encontramos canciones más convencionales, como ‘DM’, un R&B sobre una conquista online, y un par de temas que podemos vincular con el sonido PC Music pero también con el pop más asequible de Vengaboys, Chimo Bayo y Rebeca. Así de pegadizas y machaconas son ‘Tamagotchi‘, ‘Chique de internet’ y ‘Otra fisicalidad’, que hasta recuerda a Whitney Houston en sus primeros segundos.
PUTOCHINOMARICÓN colabora con varios productores semidesconocidos, como Ignacio Redard o New Sylveon, jugueteando con ellos con ritmos como el breakbeat; y también con varias cantantes, como la sueca afincada en Berlín Tami T o GOFTY, quienes aportan algunos versos en inglés. Incluso hay una canción completamente en este otro idioma, una ‘Rubberhand’ que recuerda a la faz más pop de Kraftwerk. Sin embargo, todo es tan 100% PUTOCHINOMARICÓN que son meros pasatiempos en el que es el disco más largo de Chenta por el momento: casi 29 minutos.
Las canciones de ‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (Distopía aburrida)’ se dividen en tres grupos: la realidad online, la realidad fuera de línea (la esclavitud capitalista es el tema de la «intro») y la realidad aumentada, siendo todo en verdad tan Chenta Tsai que incluso corre el peligro de encasillarse en el futuro. De momento suenan pertinentes y actuales los problemas de autoestima de ‘Adulto incomprendido’ (sobre un «inocente adultescente» que no sabe estar consigx mismx), ese ‘Chique de internet’ que propone que «la vida en virtual es más de lo que te imaginas», ese ‘Traumas’ («soy el marginado del recreo otra vez, me meto en el baño pa desaparecer») y hasta la autoparodia final que nos deja ‘Tu foto de perfil’: «Soy patético, ¿a que sí? Dándole vueltas sin fin».
Puede que Pipiolas sean las más listas de todos, casi tan listas como los colaboradores de Sálvame, porque como ellas mismas se describen: “monetizamos el trauma”. A eso se le llama explotar recursos eficaz y eficientemente. De momento, solo han tenido la oportunidad de monetizar esos traumas en sus primeras tres canciones, pero las jóvenes Paula y Adriana acaban de fichar por Elefant Records, así que a Pipiolas les espera un futuro emocionante.
Paula y Adriana se conocieron en la RESAD, donde estudiaron interpretación. Sin embargo, sus caminos no se vuelven a cruzar hasta que a Paula le rompen el corazón y siente la necesidad de comenzar a escribir canciones. Es entonces cuando se acuerda de Adriana y de que la gente decía que se parecían. Que sus voces son de tesituras similares. Así comenzó esta aventura.
La música de Pipiolas son subidas y bajadas. Acelerones, frenazos. Melancolía que se convierte en euforia. Bedroom pop que sin darte cuenta es repentinamente algo mucho más guitarrero, pero sin olvidarse pasar por el house y el punk. Y todo consiguiendo que no te entren ganas de cambiar la canción con lo que podría ser un mareo.
En ‘Narcisos’, su primer single, dejan la marca de estos cambios de ritmo y estilo, pero en ‘Club de los 27’ se le suma una ingeniosa y divertida letra que podría pertenecer a Mecano perfectamente. “En el club de los 27 ya no están todos los de siempre, porque se ha morido la gente, cuerpos fríos son suficientes”. Aunque esta frase compite por el título con las nada desdeñables “¿Y ahora qué hacemos con la modernez? ¿Y ahora qué hacemos con lo que mola?” o “Te vi escuchando Wonderwall (Va, que sí, que eres el más moderno)”.
Finalmente, su último single ‘Un poco triste :(‘ es el más bedroom pop de todos. Un desamor en inglés, ritmos para escuchar en soledad tumbado en la cama o en momentos de bajón que contrastan con imágenes veraniegas. Al final de la canción, sorprende una corta frase en castellano que devuelve la sonrisa a quien la escucha y le saca del universo ‘Un poco triste :(‘ de un plumazo.
Ha pasado poco más de un mes desde su estreno en salas y ya está en plataformas (HBO Max en suscripción y el resto en alquiler). ‘The Batman’ es un buen ejemplo del nuevo paradigma de la exhibición cinematográfica de Hollywood: estrenos en muchos cines durante dos o tres semanas, y en cuanto la recaudación desciende, un nuevo impulso (ya no hay que compartir dividendos con las salas) a través del streaming.
Obviamente, ‘The Batman’ es una película para ver en una buena sala (todavía se mantiene en un centenar de cines). Pero a diferencia de otras superproducciones de Hollywood, que lo basan todo en la espectacularidad, puramente sensorial, de dos o tres secuencias, la película de Matt Reeves resiste muy bien el paso a las pantallas domésticas. Estas son las razones:
1. Es un thriller más que una película de acción. ‘The Batman’ está más cerca de ‘Seven’ o ‘Zodiac’ que de ‘Spider-Man: No Way Home’ o ‘Morbius’, por citar los dos últimos éxitos del cine de superhéroes. La primera hora y media es una tenebrosa y cautivadora historia de detectives con elementos de terror que podría haber firmado el propio David Fincher. Importa más la atmósfera y la narración (está inspirada en ‘Batman: El largo Halloween’), que la coreografía de las escenas de acción. A este respecto, tiene dos grandes secuencias: una extraordinaria persecución de coches –que sí se va a resentir fuera del cine- y un clímax final no demasiado relevante que da un poco igual dónde se vea.
2. Los personajes están muy bien perfilados. De Batman (un atípico pero estupendo Robert Pattinson, carismático, vulnerable, atormentado) a Enigma (un fabuloso Paul Dano, siniestro, malévolo, psicópata, casi a la altura de los Joker de Heath Ledger o Joaquin Phoenix), pasando por Catwoman (una sensual e intrépida Zoë Kravitz), el Pingüino (un irreconocible y divertido Colin Farrell) o Carmine Falcone (el siempre excelente John Turturro), todos los personajes tienen suficiente peso dramático y psicológico como para sostenerse en escena por sí mismos.
3. La evocadora estética gótica. ‘The Batman’ es la más oscura, en términos visuales, de las películas del murciélago. No queda ni rastro del colorido pop de la serie de los 60. Gotham nunca ha sido tan sombría, lluviosa y sórdida. Hasta Batman recuerda más a ‘El Cuervo’ de Brandon Lee que al propio personaje creado por Bob Kane. Pero funciona. En gran parte gracias al impresionante trabajo fotográfico de Greig Fraser, reciente ganador del Oscar por ‘Dune’. Eso sí, más vale que la veas de noche y con la luz apagada.
4. Su interesante comentario social. El discurso de ‘The Batman’ –demasiado subrayado y verbalizado, eso sí- no ha generado tanto revuelo como el de ‘Joker’, pero es muy significativo y dice mucho sobre nuestra realidad sociopolítica. Aparecen temas de actualidad como la corrupción de magnates y políticos, la creciente desigualdad social, la violencia policial, la epidemia de droga sintética (¿alusión al fentanilo?) o el asalto violento a las instituciones democráticas por parte de ciudadanos descontentos azuzados por influencers oscuros como este nuevo Enigma.
5. ‘The Batman’ está llena de detalles estéticos y de puesta en escena. El tiroteo en la oscuridad en el ascensor, la tensión en off en la catedral durante el funeral, los paseos en moto con el ‘Something in the Way’ de Nirvana de fondo, la detención de Enigma en un diner que parece una versión tenebrosa de la pintura ‘Nighthawks’ de Edward Hopper… O escenas que no se aprecian en una primera visión como ese pictórico plano general (min 31:55) donde se ve la silueta de Enigma a través de una ventana vigilando la entrada de la sala Iceberg del Pingüino. Escenas de gran impacto estético para admirar y escrutar una y otra vez.
‘Bronco’ de Orville Peck está siendo nuestro «Disco de la Semana». El álbum está sembrado de grandes canciones y singles que se han promocionado de una forma o de otra, como ‘C’mon Baby, Cry’, ‘The Curse of the Blackened Eye’ (con vídeo con un conocido actor de ‘Walking Dead’), o ‘Daytona Sand’. Esta última es la que escogemos como “Canción del Día” hoy.
Orville Peck ha explicado que este tema es sobre un cowboy que nació en Mississippi y creció en Daytona, resultando también por tanto una especie de oda para Florida. Al haber estado tan influido por Beach Boys, el artista ha querido hacer su propia versión de una canción de country surfera. Los surferos aparecen en la letra de ‘Daytona Sand’ y también un hombre rubio de pelazo. La buena noticia es que Orville Peck ha querido que el videoclip del tema sea literal, pero añadiendo la esperable nota de humor.
Por supuesto sin mostrar su cara, Orville Peck se postula más que nunca como sex symbol. ‘Daytona Sand’ es uno de sus vídeos más sexuales, explorando diferentes hitos del homoerotismo como el camionero, esa barba que asoma por su máscara, el momento descamisado, la testosterona del cowboy hasta el rollo de la autoparodia en ese momento en que el artista NO se estampa con un semáforo…
Un vídeo divertido en el que no solo nos cuenta una de sus conquistas, sino que al final ofrece una reflexión sobre las gentes de MISSISSIPPI cuando personas muy diferentes entre sí deletrean el nombre de este estado.
Eurovisión se celebra el próximo 14 de mayo en Turín, con las dos semifinales teniendo lugar los días 10 y 12 de mayo. En el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», comentamos nuestras canciones favoritas para ganar esta nueva edición del festival, y también las posibilidades reales de España. Nos acompaña Hugo García, coordinador de comunicación de Moby Dick, pero sobre todo eurofán.
Debatimos los pros y los contras de nuestras canciones favoritas para ganar Eurovisión 2022 y algunos de los países que están más fuertes en las apuestas. Escuchamos por ejemplo un fragmento de las canciones italiana y sueca. Mahmood y Blanco acuden con la balada ‘Brividi’ y una representación LGTB+, y Cornelia Jakobs con ‘Hold Me Closer’, una canción que ha llegado a nuestro top 40 semanal.
Menos posibilidades tienen otras favoritas personales nuestras como el tema de We Are Domi de la República Checa o Brooke por Irlanda. La primera es ‘Lights Off’, una canción llena de beats noventeros y la segunda, ‘That’s Rich’, recuerda a la Lady Gaga primigenia.
Analizamos las posibilidades de Chanel para España, que son serias tras haber escalado hasta el top 5 en las casas de apuestas. Pedimos perdón por no haber defendido ‘Slomo’ en su momento, también en nombre de todos aquellos que abuchearon en el Benidorm Fest. A la postre, el jurado ha demostrado tener razón. Incluso aunque Chanel quede en última instancia en los últimos puestos, el viaje hacia Turín está siendo de lo más entretenido y parece que ha nacido una estrella.
Lamentablemente, todo el Festival de Eurovisión estará marcado por la proximidad de la guerra de Ucrania. Kalush Orchestra parten primeros en las apuestas y estamos seguros de que recibirán el calor del público incluso aunque no puedan desplazarse hasta Turín y veamos una actuación grabada como indican las normas. Hablamos sobre ‘Stefania’ y también sobre la expulsión de Rusia.
Por último, no dejamos de lado curiosidades como el voto freak, este año representado por los lobitos noruegos con ‘Give That Wolf a Banana’; la propuesta más avant garde (‘In Corpore Sano’ por Serbia); el tema a lo Måneskin lleno de referencias pop de San Marino… Además, Hugo y Claudio defienden con fervor una de las canciones que van a la cola en las apuestas.
Raso Estudio ha podido publicar este mes al fin el disco de Ronroneo en vinilo. ‘Autoerótica’ era a finales de 2021 la presentación formal del proyecto del gallego Jacobo Varela. Asistido por sus compañeros de sello Manu Blanco y Xoán Domínguez, es decir, Blanco Palamera, este debut era a primera vista un álbum de cantautor de autoconocimiento. Un «manifiesto de resistencia de un yo frágil y vulnerable» y también una lucha en el camino de la «autoaceptación».
La cadencia R&B y la importancia de las voces apuntan hacia la sensibilidad del también gallego Sen Senra. Los ritmos, en cambio, están más marcados por Latinoamérica. Pero no por el reggaetón ni tampoco por los beats modernos de Bomba Estéreo. Influido por un viaje realizado hace 3 años por países como Bolivia, Chile y Argentina, ‘Autoerótica’ se acerca tímidamente al bolero, el tumbao o la bossa. Una mezcla entre la intimidad de Jobim y José González con las formas lo-fi de Devendra Banhart.
El carácter espiritual de ‘Autoerótica’ es palpable ya en ‘Amanecí en el lago’. «Era yo el cisne, y era yo el árbol» marcan un encuentro con la naturaleza que termina mandando callar: «schhhhhh», se escucha al final de esta primera pista. La segunda, es una conversación en Argentina en busca de uno mismo: «Vos estás acá porque la manifestación del espíritu te lo pidió, necesitabas ver reflejos de culturas distintas, parecidas a la tuya, que hacían reflejo para poder tomar consciencia de qué carajo somos adentro».
También es palpable la importancia del amor en estos textos. «Ya no queda paz en el mundo si tú te vas» es uno de los mejores estribillos del álbum, el de ‘Ya no queda paz’. La percusión esbozada, la voz limpia, las palmas que se incorporan, los vientos que se suman con total delicadeza marcan la línea estilística. El pequeño viral del disco, ‘Inmensamente frágil’, no está tan lejos melódicamente de clásicos como ‘Perfidia‘. A lo que contribuyen percusión y trompeta, mientras Ronroneo repite que «vamos a la deriva con el mar». En concreto con un «corazón de hojalata».
Ronroneo «camina descalzo por la vereda de una vida vacía» en ‘Plegaria’, se lamenta de estar enamorado de lo que no tiene -como todos- en ‘Recaída’ y se consuela terminando con la mejor composición del disco. ‘Simplemente soy’ es exactamente esa canción de confort que ha buscado durante todo el proceso. «Simplemente soy todo lo que soy, nada más y nada menos, y es así como me quiero yo», dice entre unas guitarras tipo The Shadows que se balancean. Acompañan olas de mar, el punteo se esfuerza por elevarse un par de palmos del suelo en el último segundo, hay un guiño a ‘Suavemente’… Qué paz, ¿verdad?
Janelle Monáe siente que su disco ‘Dirty Computer’ da mucho más de sí, y además de la película de 45 minutos que hizo para el mismo, ahora saca el libro. ‘The Memory Librarian: and Other Stories of Dirty Computer’ se compone de 5 historias que ha escrito en compañía de otras 5 personas: Alaya Dawn Johnson, Danny Lore, Eve L. Ewing, Yohanca Delgado y Sheree Renée Thomas.
‘Memory Librarian’ se sitúa en un mundo futurista en el que una organización llamada New Dawn, tipo Gran Hermano, intenta crear “versiones de lo que consideran ciudadanos ideales”. Las personas marginales LGTB+ son anestesiadas con una droga llamada Nevermind en el capítulo llamado como el disco de Nirvana. Cualquiera que les ayude también está en peligro.
Janelle Monáe ha concedido una entrevista a Los Angeles Times en la que da detalle sobre la importancia de lo LGTB+ en su historia: “Queríamos que estuviera claro que estábamos celebrando lo queer, ser trans y no binarix. Queríamos asegurarnos de hablar de lo hermoso que es abrazar el gran espectro del género. Y qué hermoso es para la gente elevar la voz por ti incluso aunque no se identifiquen contigo”.
En la entrevista además explica que se reconoce como no binarix, utilizando en inglés indistintamente los pronombres “she” y “they”, en español “ella” y “elle”.
Nick Cave ha anunciado que el próximo 17 de junio sacará un disco de spoken word llamado ’Seven Psalms’. Será un vinilo de 10” y también estará disponible en las plataformas de streaming.
Como ya revela el título del proyecto, serán 7 pistas que Nick Cave ha construido junto a Warren Ellis y además habrá un instrumental de 12 minutos de las sesiones de ‘Carnage’, todavía uno de los mejores discos de 2021.
El proyecto data de la pandemia. Durante el confinamiento, a lo largo de 1 semana, Nick Cave se propuso escribir un salmo diario durante 1 semana. Según la nota de prensa, estos salmos versarán sobre 7 temas: la fe, la rabia, el amor, la pena, la misericordia, el sexo y el elogio. Os podéis hacer una idea de cómo suena todo esto en el tráiler bajo estas líneas.
01 How Long Have I Waited?
02 Have Mercy on Me
03 I Have Trembled My Way Deep
04 I Have Wandered All My Unending Days
05 Splendour, Glorious Splendour
06 Such Things Should Never Happen
07 I Come Alone and to You
08 Psalm Instrumental
El chicle de Nina Simone (Warren Ellis) Nick Cave lo ha contado muchas veces, en documentales y entrevistas. El 1 de julio de 1999, Nina Simone dio un concierto en Londres organizado por el músico australiano. Tras tomarse un tentempié a base de champán, cocaína y salchichas, la suma sacerdotisa del soul, enferma, sin casi poder andar (moriría cuatros años después), ofreció una actuación imponente, inolvidable.
Entre los extasiados asistentes al concierto estaba Warren Ellis, colaborador de Cave y miembro de Dirty Three. Al terminar la actuación, no se lo pensó dos veces: subió al escenario y se guardó el chicle que había pegado Miss Simone en el piano. La reliquia permaneció varios años envuelta en una toalla hasta que en 2019 fue expuesta como una pieza de museo -en un pedestal de mármol- en una exposición en Copenhague.
‘El chicle de Nina Simone’ gira alrededor de este objeto, en su doble faceta de reliquia y metáfora. Mezcla de autobiografía, ensayo y crónica de viajes (del camino que siguió el chicle), Ellis masca recuerdos y reflexiones con gran agilidad, gozoso eclecticismo y emotividad fan. El músico habla de su infancia y de cómo acabó el chicle de Nina en un museo, de su trayectoria en la música y de sus fetiches musicales, de su pasión por Simone y del concierto que marcó su vida para siempre. Todo ello acompañado con pantallazos de conversaciones por móvil, transcripciones de correos electrónicos y una fabulosa selección de fotografías. 7,5.
Ceniza en la boca (Brenda Navarro) Tras su celebrado debut ‘Casas vacías’ (Sexto Piso), la mexicana Brenda Navarro regresa con otra novela estupenda. ‘Ceniza en la boca’ comienza con una canción y un suicidio. La canción es ‘Sympathy’, de Vampire Weekend. Y el suicidio es de Diego García, el hermano de la protagonista, fan de la banda neoyorquina y cuyo nombre coincide con el del atolón que se nombra en la canción y que funciona muy bien como metáfora. A partir de ese suceso traumático –Diego se lanza desde un quinto piso en el madrileño barrio del Pilar-, acompañada por el eco del sonido del cuerpo estrellándose contra el suelo, su hermana cuenta la historia de su familia: su infancia en México con sus abuelos, su traslado a Madrid, donde su madre se marchó a trabajar como cuidadora tras quedarse viuda, sus intentos de abrirse camino en Barcelona bajo el estigma y las limitaciones de ser una “panchita”…
Narrada en forma de monólogo (o de diálogo con una misma), ‘Ceniza en la boca’ es una novela de formación vibrante y desgarradora, no exenta de una finísima ironía. Un viaje físico e iniciático marcado por el desarraigo, la xenofobia y la precariedad laboral. Una caída hacia la madurez, una interrupción forzosa de la adolescencia, llena de heridas, fracturas y amputaciones emocionales. 7,9.
El señor Wilder y yo (Jonathan Coe) “Con esta película en realidad no puedo salir perdiendo”, comentó Billy Wilder sobre ‘Fedora’ (1978), su penúltimo filme, producido por una productora alemana ante la negativa de Universal para financiarlo. “Si tiene mucho éxito, será mi venganza contra Hollywood. Y si es un fracaso, será mi venganza por lo que pasó en Auschwitz” (su madre fue asesinada por los nazis). Al final, fue lo segundo. La película fracasó en taquilla y marcó el principio del fin de la carrera del legendario director (solo filmaría la mediocre comedia ‘Aquí, un amigo’).
‘El señor Wilder y yo’ está ambientada durante el rodaje de ‘Fedora’ en Corfú. A través del protagonismo de una intérprete griega, el británico Jonathan Coe (‘¡Menudo reparto!’, ‘Expo 58’) retrata, con gran ingenio y encanto, la decadencia del genial director, su complicidad con el no menos genial guionista I. A. L. Diamond (autor de ‘Con faldas y a lo loco’, ‘El apartamento’ o la propia ‘Fedora’), y los profundos cambios que se estaban produciendo en Hollywood durante esos años con la irrupción de la “panda de la barba”: Spielberg, Scorsese, Coppola… Un homenaje cinéfilo teñido de melancolía que incluye un episodio fabuloso: la evocación de la huida de Wilder de la Alemania nazi contada en forma de guión cinematográfico. 8.
Los extraños (Jon Bilbao) Ovnis en Ribadesella. El asturiano Jon Bilbao recupera a los protagonistas de su anterior ‘Basilisco’ (Impedimenta), Jon y Katharina, y los encierra en una casona riosellana durante el invierno cantábrico. La aparición de unas extrañas luces en el cielo y la llegada a la casa de unos “extraños” -un primo lejano a quien Jon no está seguro de recordar y su asistente femenina- pondrán en marcha un relato de misterio y aburrimiento conyugal impregnado de una poderosa sensación de inquietud y extrañeza.
Bilbao demuestra su habilidad a la hora de combinar lo ordinario con lo extraordinario, para narrar el proceso de desintegración de un orden cotidiano, familiar, a través de la introducción casi imperceptible de un elemento desestabilizador, siniestro. Esa inesperada visita le permite al autor articular un relato casi de terror, de vampirismo emocional. Pero también reflexionar sobre la insatisfacción conyugal y el vacío existencial, sobre la necesidad que tenemos a veces de acercarnos a lo misterioso, a lo desconocido -ya sea un enigmático primo lejano o un extraño objeto volador- como forma de romper con la rutina diaria y recuperar cierta tensión vital, ciertas ganas de vivir. 7,5.
Batman: El largo Halloween (Jeph Loeb, Tim Sale) Es una de las mayores fuentes de inspiración de ‘The Batman’ junto a ‘Batman: Año Uno’ (1987). Aprovechando el estreno de la película, ECC ha reeditado ‘El largo Halloween’ en edición “deluxe”. Publicado originalmente en los noventa, este cómic se ha convertido en uno de los títulos fundamentales de Batman, en un clásico de referencia situado solo un escalón por debajo de las obras maestras sobre el murciélago creadas por Frank Miller.
De estas páginas ha salido la trama mafiosa de la película protagonizada por Carmine Falcone (el cómic está muy influido por ‘El padrino’), el relato detectivesco en busca de un misterioso asesino en serie, el juego del ratón y el gato con Catwoman y la idea para la secuencia inicial ambientada durante la festividad de Halloween. ‘El largo Halloween’ es un Batman con aroma a espaguetis y ambientación neo-noir, un relato criminal que va creciendo en intensidad y amenazas hasta explotar en un superlativo clímax final, durante la noche de difuntos, lleno de sangre y sorpresas. 8.