Kanye West ha compartido el tracklist de su nuevo disco, ‘Donda 2’, la segunda parte de su último trabajo, que debería ver la luz el 22 de febrero. El listado de temas parece provisional (como suele ser el caso de ye) ya que en la imagen que comparte el rapero, aparece enumerada una pista 22 a la que no se ha adjudicado título alguno, y el orden de algunas de ellas parece sujeto a cambios.
01 Security
02 Lift Me Up
03 Get Lost
04 Pablo
05 True Love
06 Keep It Burnin’
07 Broken Dad
08 I’m Finna Love Me
09 Sci-Fi
10 We Did It Kid
11 Flowers
12 Maintenance
13 530
14 Mr. Myagi
15 Selfish
16 First Time
17 Louie Bags
18 Candyland
19 Closed for Business
20 Do I Look Happy
21 Things Change
22
El rapero comparte detalles de su nuevo disco en medio de la polémica por su continuado acoso a Kim Kardashian y a su nueva pareja, el cómico Pete Davidson. Kanye y Kim anunciaron su divorcio el año pasado y, desde entonces, el rapero ha emprendido una campaña de acoso contra Kardashian para «recuperar a su familia» y ha incitado a sus seguidores a gritar a Davidson la frase «KIMYE FOREVER» si se lo encuentran por la calle. Kanye ha llegado tan lejos de enviar a Kim una furgoneta con rosas por San Valentín y a publicar mensajes privados mantenidos entre Kardashian y él en los que la influencer le pide que respete la integridad de Davidson y que deje de publicar dichos mensajes.
‘Donda 2’ no será un disco accesible para el pueblo. Kanye West ha decidido que publicará la segunda parte de su exitoso álbum ‘Donda’ de manera exclusiva a través de su propio reproductor musical Stem Player, un dispositivo parecido al reproductor MP3 que permite personalizar canciones al gusto. El reproductor está disponible en el mercado a un precio de 200 dólares.
La intención de Kanye con el lanzamiento exclusivo de ‘Donda 2’ es «liberar la música del sistema opresor» que representa la industria musical, porque «hoy en día los artistas solo ganan el 12% de los beneficios que la música genera» y «ya es hora de tomar el control y construir nuestro propio sistema». Por eso, ‘Donda 2’ no estará disponible para escuchar «ni en Apple ni en Amazon, ni en Spotify, ni en Youtube», solo a través de su dispositivo de creación propia.
El dispositivo salió al mercado incluso antes que la primera parte de ‘Donda’, pero su lanzamiento pasó desapercibido, por lo que la decisión de Kanye lo pondrá definitivamente en el mapa de mucha gente. Aunque las primeras reacciones ante la noticia están siendo de rechazo incluso en la sección de comentarios de Instagram de West, donde el público advierte que «no va a pagar 200 dólares por escuchar un disco».
Troye Sivan protagoniza una de las novedades de la semana de la mano de Jay Som con ‘Trouble’. La canción forma parte de la banda sonora de ‘Three Months’, la nueva película que Troye protagoniza Y que narra la historia de un adolescente que contrae VIH antes de su graduación.
‘Trouble’ se vale de la producción del australiano Styalz Fuego para continuar por el interesante camino mostrado por Troye en su excelente mini álbum de 2020. Es como una versión luminosa de aquel. Una producción medio alternativa, próxima al indie-pop y bastante uptempo, basada en un animado patrón de puñetazos rítmicos, sirve a Troye Sivan para contarnos que ha conocido un nuevo amor cuando menos lo esperaba, mientras la autora de ‘Anak Ko’ simplemente acompaña con sus cálidas tomas vocales.
En la canción, Troye se dirige a un «amante accidental» que se ha presentado en su vida en el momento más oportuno, justo cuando «no necesitaba un amigo» y «había dejado de esperar algo más». El australiano está «loco» por esta persona y está encantado, en pocas palabras, de estar «en problemas». La excitación es tal que Troye exclama «¡oh Dios mío»! en alguna ocasión, y la música transmite esa misma euforia y exultación en su conjunción de ritmos de indie-pop ochentero, atmósferas psicodélicas y guitarras acústicas.
Una guerra interna como no se recuerda en 40 años de historia se ha abierto en el Partido Popular. Los españoles hemos asistido, atónitos, a un durísimo cruce de palabras entre Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid, y Teodoro García Egea, secretario general del mismo partido conservador. Se han lanzado cuchillos como «cruel», «injusto» y se ha apelado a la «honorabilidad» de familiares, con un dramatismo que ni en el mejor capítulo de ‘Juego de Tronos‘. Imagen: El Jueves.
Todo comenzaba a raíz de unos rumores que apuntaban a la contratación de un detective privado por parte del PP para averiguar si hubo corrupción en la asignación de un contrato de mascarillas compradas por 1,5 millones de euros en el peor tramo de la pandemia. Ayuso se las habría comprado a una empresa amiga de Ayuso. Que Almeida compareciera hablando de detectives y que Mortadelo y Filemón se convirtieran en «trending topic» de manera inmediata fue todo uno. En el punto de mira estaba una supuesta comisión de 286.000 euros para el hermano de Ayuso en la venta de dichas mascarillas, mientras unos decían que ni siquiera se dedicaba originalmente a ellas y ella asegura que su hermano es «comercial sanitario hace 26 años».
La bomba ha explotado. El Partido Popular niega haber contratado a tal detective, pero Ayuso ha comparecido para acusar abiertamente al entorno de Pablo Casado de urdir una «campaña de desprestigio» contra ella, calificando la actuación de la dirección del PP como «cruel e injusta». Creerse que el fondo de todo esto era por el Congreso del PP de Madrid era de ilusos, aquí ya estábamos hablando de la Moncloa a largo plazo. Ayuso, crecida por su evidente apoyo popular frente a Casado (lo de su Instagram es completamente insólito), entonaba, rotunda, y sin admitir preguntas, su propio «que no me voy, que me quedo»: «El que dirigentes del Partido Popular hayan actuado así es un hecho gravísimo (…) No puede haber nada más grave que acusar a alguien de la propia casa, con responsabilidades de Gobierno, de corrupción. Y hacerlo sin pruebas metiendo de por medio a mi familia (…) Que la oposición me ataque es lógico; pero que lo haga la dirección de mi partido porque quiero presentarme al Congreso del PP de Madrid es insensato».
Teodoro ha comparecido solo 1 hora después para denunciar también la actitud de Ayuso e informar de que se le ha abierto un expediente, que según los expertos puede acabar con su destitución: «Ha vertido acusaciones gravísimas, casi delictivas, contra el presidente y toda la formación. Es algo nunca visto en nuestro partido», indicaba al tiempo que recordaban que la han apoyado durante 17 años y que fue Casado quien apostó por ella, «cuando más sola estaba». Ayuso, que ganaba las últimas elecciones en Madrid con una mayoría que Mañueco no ha logrado en Castilla y León, se burlaba de cuántos votos para el PP habían conseguido otros «de pasillo en pasillo», «sin tener que gestionar» un gobierno. Cabe por ver si sus 65 diputados en Madrid la respaldan y en qué medida, o si estos apoyan a la dirección nacional.
Twitter ha estado a la altura como no podía ser de otra manera, y los memes no se han hecho esperar, siendo especialmente brillante, como siempre, la ocurrencia de El Mundo Today: Biden anuncia que mandará tropas a la sede del PP en la calle Génova de Madrid. Puedes opinar en nuestro foro de Política Superficial.
🔴ÚLTIMA HORA | Llegan las primeras imágenes del hermano de Ayuso. La fotografía se habría tomado segundos después de que oyera su nombre en la televisión. pic.twitter.com/ySCKMOM7BG
Hoy sale el nuevo disco de Beach House (o, más bien, el último de los cinco capítulos que se han ido conociendo a lo largo de los últimos meses), y también ‘La Sobremesa’ de C. Tangana, una especie de pie de nota de ‘El Madrileño’ que incluye temas nuevos y viejos. Metronomy, Sally Shapiro, Josef Salvat, Hurray for the Riff Raff, BROODS, Estrella Fugaz y Ptazeta entregan hoy también sus nuevos discos. Un miércoles cualquiera Alice Glass ha compartido su debut en solitario.
La semana de San Valentín ha llegado cargada de novedades románticas como ‘Santa’ de Cupido, ‘I Love You’ de Fontaines D.C. o la destacada ‘Avatars of Love’ de Sondre Lerche, a las que se han sumado estos días también las nuevas propuestas de Lola Indigo (una oda a las «solteras», eso sí) o Snail Mail (‘Adore You’ es la maqueta de su tema ‘Valentine’).
Esta semana han adelantado por primera vez sus nuevos álbumes Ibeyi, Kurt Vile o Stars y han seguido avanzando sus inminentes lanzamientos Nilüfer Yanya, La Plata, Rex Orange County, Destroyer, Rumer (otro disco de caras B), Tinashe (una reedición de ‘333’) o Antònia Font.
Entre las novedades del viernes y de la semana destacan la colaboración inesperada de Troye Sivan y Jay Som, la colaboración no tan inesperada de Baiuca y Carlos Núñez, la colaboración tampoco inesperada de Biznaga y Triángulo de amor bizarro, el nuevo hit de Future Islands, el single de Nathy Peluso para un videojuego o el regreso de Cariño.
Hoy también lanza single rockero J Balvin y presentan novedades Clean Bandit, la promesa del pop nacional Rorro o la amiga de Olivia Rodrigo Sabrina Carpenter, mientras el también prometedor Isaac Dunbar saca de quicio a su padre con su nuevo «look». ¿Y conseguirán Regard un nuevo hit en Reino Unido de la mano de Years & Years con ‘Hallucination’?
Cuando se va a cumplir un año de su paso por los Goya, Nathy Peluso publica un nuevo single que recibe el nombre de ‘Emergencia’ y que viene acompañado del lanzamiento del videojuego Horizon Forbidden West, a través de un evento que podrá verse en abierto en Youtube y Twitch.
Aquel que no sepa de qué estamos hablando, lo comprenderá mucho mejor cuando vea el videoclip que se ha estrenado para este tema, ‘Emergencia’, con la mismísima Nathy Peluso convertida en una protagonista de videojuego realizando también una coreografía en medio del desierto… solo para pasar después a otro escenario con un vestuario más glamouroso. Finalmente, el entorno vuelve a ser urbano, probablemente en metáfora de cuánto muta la propia producción.
‘Emergencia’ es un tema de beat machacón incansable, co-producido entre varias personas, entre ellas ODDLIQUOR (uno de los primeros productores que trabajaron con Peluso), y que contiene la letra «me dijeron que me calle y no me he callado / he perdido mis anillos por el batalleo / Estoy cansada pero no he abandonado».
En ‘Emergencia’ Nathy Peluso apuesta por una actuación vocal robótica a la vez que es prácticamente engullida por la estructura mutante de la canción, que contiene varios cambios de ritmo, inspirada por sonidos de «club» como el dance o el trance.
Os recordamos que Nathy Peluso tiene una amplia gira programada por España que pasa por Bilbao BBK Live, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador. Estas fueron nuestras 10 grandes primeras recomendaciones, incluyendo Pet Shop Boys, Moderat y un largo etcétera.
Hurray for the Riff Raff es une de las artistes internacionales confirmades en el cartel del festival Tomavistas de Madrid, que se celebra los días 19, 20 y 21 de mayo. Tras este curioso nombre se esconde (o se revela, más bien) le cantautore nuyorriqueñe Alynda Segarra, una persona que empezó tocando en la calle, tras huir de casa subiendo a trenes de carga o haciendo autostop por todo Estados Unidos en compañía de una banda de vagaundos, y que hoy lleva ya ocho álbumes de estudio publicados. El último, ‘LIFE ON EARTH’, sale este viernes y le traerá a España en primavera.
En el álbum hablas sobre la crisis climática, los derechos humanos… pero también sobre sanar a un nivel personal. ¿Por qué era importante para ti poner el foco en estos temas?
Hace tiempo que no toco en directo y que no saco disco y necesitaba conectar otra vez con la gente. La gente que escuche el disco se puede sentir identificada con los temas que abordo, todos estamos sanando, todos intentamos adaptarnos y sobrevivir. Hacer el disco para mí ha sido muy sanador. Es como el mensaje en una botella que he echado en el océano a espera de que alguien lo encuentre.
En los últimos años has practicado algunas formas de terapia, como la terapia verbal.
Escribir también ha sido una forma de terapia para mí… y pasear por la naturaleza me ayuda muchísimo. Todos pasamos por momentos de miedo y estrés y conectar con la naturaleza para mí es una experiencia atemporal. Obtienes sabiduría de las plantas, que son criaturas que han sobrevivido muchísimos años. Cuando escribo intento compartir las experiencias que he vivido durante mi camino hacia la sanación.
En las entrevistas has hablado de tu fascinación por las plantas, y una de las canciones del disco se llama ‘Rhododendron’. ¿Cuál es tu relación con ellas?
Me crié en el Bronx, por lo que al principio no tenía mucho conocimiento sobre el mundo natural, aunque en el Bronx hay parques muy bonitos, pero vivir en Nueva Orleans me ha abierto la mente a toda la naturaleza y toda la luz que hay alrededor. Siento que estaba cegade a ella. Cuando estoy en la naturaleza, sentada en un parque o en la bahía, intento meditar, sentir el presente, observar la luna. Así es como sobrevivían nuestros ancestros. Creo que se puede aprender mucho de las plantas, y tengo la suerte de que en Nueva Orleans viven muchos herboleros que practican medicina con plantas. En el disco doy las gracias a las plantas por haberme ayudado.
El álbum suena poderoso y luminoso. ¿Qué buscas transmitir a la gente?
Quiero transmitir la verdad de las dificultades por las que todos pasamos. Y quería ser honesta sobre mi determinación por experimentar esta vida en todas sus facetas. La vida también puede ser maravillosa. Aunque seguramente haya gente en el Gobierno que nos quiere deprimidos, también quiero hablar sobre lo bella que es la vida, y sobre mi determinación por afrontar el futuro con intención de experimentar la belleza y el amor que hay en el mundo.
Te has desligado incluso del término Americana porque crees que carece de cierta conciencia social.
Se me metió en la cajita de la Americana cuando saqué mi disco ‘Small Town Heroes’ en 2014, pero creo que el género «Americana» y mi música tienen intenciones diferentes. No quiero ser «hater» pero la Americana no me interesa, yo intento hacer música que es auténtica y que habla de las cosas que suceden en el mundo, especialmente en Estados Unidos. Creo que la Americana no quiere escuchar este tipo de temas, sobre todo si vienen de una persona portorriqueña.
«No quiero ser «hater» pero la Americana no me interesa»
¿Por eso has dicho que haces «nature punk»?
Me parecía un término divertido con el que referirme a mi música, porque en mis canciones hablo de la vida natural, con intención de dirigirme a todas las criaturas que existen en este mundo… pero también guardan cierto espíritu rebelde. Además me resulta divertido irritar a la gente que se toma el punk súper en serio (ríe).
¿Qué recuerdas de tu etapa punk inicial?
Tocaba punk acústico…. daba un poco de vergüenza (ríe) Cuando me fui de casa y llegué a Nueva York, tocaba en la calle y, dado que cuando vivía en el Bronx no podía tocar ningún instrumento eléctrico, me llevé una guitarra acústica. Pero lo más importante de aquella etapa fue crear una comunidad y aprender de todas las personas que había a tu alrededor. Es lo que me llevo.
Has dicho que una de las influencias del disco es Bad Bunny, supongo que por el ritmillo de ‘Jupiter’s Dance’.
Me encanta Bad Bunny. Mi español es muy malo así que no entiendo la mayoría de cosas que dice en sus canciones, pero me encanta su energía y todo lo que representa. Es auténtico y no pide perdón a nadie. Es muy poderosa su manera de retar la homofobia y cuando le veo en directo percibo que se lo está pasando bien, que se divierte con lo que ha creado, y eso me inspira.
Ha llegado a un punto que a la gente le da igual si la relación de Bad Bunny con lo queer es performativa o no.
El propio público queer se lo ha apropiado. Hace poco acudí a una manifestación en Puerto Rico y, en un descanso, un grupo de drag queens empezaron a actuar con sus canciones de fondo. Bad Bunny ha creado algo que ha cobrado una nueva vida gracias a la comunidad queer.
¿Estás entusiasmade por salir de la gira?
Muchísimo. Empiezo a girar en primavera, tengo muchas ganas de tocar en Tomavistas y de conectar con la gente otra vez.
Vaya ojo tenemos a veces los prescriptores musicales (qué bien queda así dicho, parecemos científicos): cuando salió el disco de Dua Lipa mencionamos ‘New Rules’ de pasada, convencidos de que sería una canción irrelevante en la carrera de la británica, cuando fue la que le terminó llevando hacia la estratosfera; cuando escuchamos ‘Heat Waves’ de Glass Animals la abordamos de igual manera y ahora es la canción más exitosa en todo el mundo 2 años después de su lanzamiento, y cuando llegó a nuestros oídos ‘SloMo’ de Chanel la descartamos de inmediato como potencial ganadora del Benidorm Fest porque nos pareció un remedo de ‘Booty’ de C. Tangana y Becky G publicado unos cuantos años tarde, y ahora va a representar a España en Eurovisión. Que nos contraten en RTVE: ¡podemos hacerlo peor!
En nuestra defensa hay que decir que las primeras impresiones no suelen equivocarse, aunque hay excepciones sonadas como la mismísima ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini; y canciones como ‘SloMo’ ya se han escuchado antes y mejor. Lo peor no es su letra materialista -aunque se queda cerca- sino que la melodía y los ganchos suenan tan sobados que el impacto de una primera escucha es inexistente. La escuchas y y dices «thank you, next«.
Sin embargo, la actuación es otra cosa, una sobrada de tablas sobre el escenario que no tantas artistas pueden replicar. Un show basado totalmente en la coreografía, con momentos que quitan el hipo, y cantado totalmente en directo, y diseñado para el lucimiento total de la artista. Cuando llega el paso «baile a cámara lenta» sabes que Chanel está aprovechando para recuperar el aliento pero, gracias al juego de luces, ni se te pasa por la cabeza. Desde el principio hasta el final no puedes despegar los ojos de ella.
Chanel ha contado que ‘SloMo’ llegó a sus manos después que el asesor de RTVE en Eurovisión Tony Sánchez-Ohlsson se la ofreciera porque le «pegaba» mucho. ¿Por qué? ¿Porque es disfrutona y bailable? Vaya ojo también: ‘SloMo’ ya está fuera del top 100 de Spotify Spain. Su momento viral ha caducado. En la lista de Promusicae pinta que solo caerá en picado. Más bien diría que a Chanel la canción le pega poco o, mejor dicho, que le queda pequeña: ella aspira a mucho más que a una composición tan sumamente básica, con tan poco gancho, que ni entre cinco autores ha conseguido sonar a otra cosa que a «reducto de». Es de esperar en este tipo de hits hechos en laboratorio en los que las idiosincrasias de cada autor quedan diluidas a favor de la «fórmula», ¿pero de verdad no había nadie en RTVE que dijera «esta canción vuelve al cajón»? ¿De verdad alguien la presentó despacho en despacho convencido de que sería un hitazo?
Benidorm Fest ha servido para poner en el mapa a un puñado de artistas estupendos, y una de esas artistas es Chanel. Esta persona que era una completa desconocida para la mayoría del público de repente es famosa cuando ya ha cumplido los 30 años (como le pasó a Jennifer Lopez) pero lleva años trabajando sin descanso para ser la mejor cantante y bailarina posible: comenzó a bailar a los cuatro años, estudió ballet, jazz o baile contemporáneo, en su vida adulta ha actuado en musicales como ‘El Rey León’, ‘Mamma Mia!’, ‘El guardaespaldas’ o ‘Flashdance’, en programas de televisión como ‘Tu cara me suena’ y durante los ensayos de ‘SloMo’ practicó corriendo en la cinta con tacones de aguja. ¿Perdona? ¿Eres Beyoncé? A eso se llama determinación y ambición, de las que Chanel va sobrada: ya ni nos acordamos cuando los concursantes de Operación Triunfo decían que no se sentían preparados para ir a Eurovisión. Gracias, Benidorm Fest, por cambiar las tornas.
Tras la victoria de Chanel en Benidorm Fest hubo clamores de tongo, luego se descubrió que la artista catalano-cubana ya era una de las favoritas del jurado en las votaciones originales previas a la emisión del certamen, y todavía hay que seguir repitiendo que el jurado no está ahí para representar el voto del público, porque para eso ya está el público: Chanel ha sido la apuesta de RTVE, y hay que agradecer al jurado que haya puesto en el mapa (incluso a nivel internacional) a una artista de la categoría de Chanel que merecía mayor repercusión. La sensación que ha quedado es que lo ha hecho a la fuerza, de manera subrepticia, ignorando el deseo de la audiencia, pero el sistema «corrector» cumple una función, el voto demoscópico también ha hablado y no ha habido corrupción de ningún tipo demostrable. Chanel es justa ganadora como lo hubieran sido otros y, de no haber sido por RTVE, quizá nos habríamos perdido para siempre un gran talento.
A nivel simbólico, sí, la victoria de Chanel representa una derrota para la apuesta independiente, pero no se puede subestimar a una persona que baila como Chanel, a la altura de atletas del pop como Beyoncé o Jennifer Lopez y que derrocha tanto carisma y confianza sobre la tarima. Más bien hay que pedir que le lleguen mejores canciones a la mesa, con las que incluso pueda lucirse más en el terreno de la coreografía, porque para llevar ‘SloMo’ yo me quedo con Luna Ki por mucho autotune que tenga por medio: por lo menos llevaba una canción digna. ‘SloMo’ es un «slo-no». Y aún así, no subestimaría que el poderío de Chanel sobre el escenario conquiste a Europa. ¿Y si gana? Ahí sí la celebraremos. Ahí sí nos saldrá la vena patriota. Ahí sí veremos el talento de Chanel. Y a Chanel se le abrirán todas las puertas que merece: será cuestión de que juegue bien sus cartas y demuestre, a la larga, cuando el público está por fin mirando, que el jurado tenía razón.
Spoon llegan a su décimo álbum en plena forma. Los de Austin se ha hecho un nombre entre los grupos más aclamados del rock contemporáneo gracias a discos de la calidad de ‘Kill the Moonlight’ (2002), ‘Ga Ga Ga Ga Ga‘ (2007) o ‘They Want My Soul‘ (2014), discos en los que han sabido como pocos equilibrar su buen gusto para las melodías (instrumentales y vocales) y unas producciones de primera categoría, y en ‘Lucifer on the Sofa’ apuestan por la inmediatez sin renunciar a ninguna de sus virtudes.
‘Lucifer on the Sofa’ es el disco «más puramente rock ‘n roll» de la carrera de Spoon según la nota de prensa oficial, pero el grupo de Britt Daniel sigue siendo uno de los grupos mejor producidos del rock actual, y para esta labor han contado esta vez con la ayuda de Mark Rankin, conocido por su trabajo con Queens of the Stone Age. La producción de ‘Lucifer on the Sofa’ es inmaculada incluso cuando las canciones persiguen un sonido próximo al garage-rock, como sucede en la anacrónicamente titulada ‘On the Radio’, exuberante en el modo en que suma diversas capas instrumentales.
En este disco que grita «nominación a los Grammy» por los cuatro costados, Spoon se valen del componente directo del rock ‘n roll para entregar una serie de canciones en realidad sumamente melódicas, como suele ser habitual en ellos. La inicial ‘Held’ se vale de un pedazo de riff por lo que muchos grupos de rock matarían para hablarnos sobre la aceptación del amor («por primera vez en mi vida he dejado que me abraces como si fuera un bebé, y me he entregado a tu caridad»); y la final ‘Lucifer on the Sofa’ tampoco debería pasar desapercibida debido a su hipnótica base electrónica, por la que caben referencias a unos «vinilos y casetes» olvidados, abandonados por la (ex) amante de Britt Daniel, con los que este no sabe qué hacer.
Es también estupendo el single principal ‘The Hardest Cut’. No es una revelación como lo fue ‘Inside Out’ (de las que no hay ninguna en este disco), pero es un tema de rock ‘n roll más que efectivo que critica los dogmas, y ‘Wild‘ es otro de esos singles adictivos que Spoon sacan de vez en cuando (bueno, en realidad siempre), realmente excitante en sus juegos de tensión y relajación, que Daniel navega vocalmente con toda la maestría y la garra que le caracteriza.
Entre las pequeñas sorpresas que deja ‘Lucifer on the Sofa’ hay que mencionar los arreglos ultra retro de ‘The Devil & Mister Jones’, que parece sacar sus saxos (y parte de su título) del mismísimo ‘Back to Black‘, aunque por sonido cae más bien en el blues-rock de los mejores Black Keys o de Alabama Shakes; y ‘Feels Alright’ es una de esas pistas que pueden parecer redundantes en el contexto del disco, pero que al valerse de más melodías fabulosas, resulta un auténtico «grower».
Entre medios tiempos tan dignos como ‘My Babe’, los diversos ganchos en ‘Satellite’ (ese solo de guitarra distorsionada) y la necesaria tranquilidad aportada por ‘Astral Jacket’, a partir de canciones supuestamente menores que en realidad son muy disfrutables, Spoon terminan por redondear otro disco notable que sumar a su ya de por sí excelente discografía. Spoon no volverán a ser el «hype» de turno -aunque lo merezcan- pero su música sigue esquivando peros.
Olivia Rodrigo es de esas artistas que transmiten cercanía, simpatía, que parecen accesibles. Quizás sea porque la fama en esta dimensión es prácticamente nueva para la cantante y actriz, pero la manera en la que ha experimentado la popularidad está fuera de lo común. Un álbum debut que la ha lanzado al estrellato llegando al top 1 en diversos países como Estados Unidos y España le ha cambiado la vida, y ahora quiere contar cómo ha sido el camino para darle forma a su primer disco en una nueva película llamada ‘Driving Home 2 U (A Sour Film)’.
La cinta, que se estrenará el 25 de marzo en Disney Plus, consiste en un viaje por carretera (haciendo referencia a su primer single ‘drivers license’) a través del desierto, desde la ciudad donde comenzó a escribir su álbum, Salt Lake City, a Los Ángeles. A lo largo del recorrido, Rodrigo compartirá con sus fans las experiencias que ha vivido gracias a ‘SOUR’, mostrará fotos y videos del proceso de grabación, y se sincerará sobre sus sentimientos más profundos.
Además, la película incluirá actuaciones de todas las canciones de su álbum debut cantadas a lo largo del viaje, en enclaves únicos, y con nuevos arreglos que las harán sonar únicas. Olivia Rodrigo ha compartido en redes sociales el adelanto de la película.
La banda canadiense Stars volverá con su primer álbum en 5 años, ‘From Capelton Hill’, el próximo 27 de mayo. Hasta entonces, el grupo ha publicado dos nuevas canciones como adelanto del LP, ‘Pretenders’ y ‘Snowy Owl’.
Con una trayectoria de 22 años y 9 álbumes a sus espaldas, Stars llevaba 5 años sin lanzar un disco con nueva música desde el ‘There Is No Love In Fluorescent Light’ de 2017. En un comunicado de prensa, Torquil Campell, integrante de la banda, explica que gran parte del nuevo álbum trata de darse cuenta que las cosas no duran para siempre, y esas cosas que se da por hecho que siempre estarán ahí, tampoco lo harán. La impermanencia.
Las dos nuevas canciones dan pistas sobre el futuro álbum. En el mismo comunicado, Amy Milian cuenta que ‘Pretenders’ es una carta de amor a Campbell y un relato de sus memorias sobre los orígenes de la banda. Por otro lado, la acústica ‘Snowy Owl’ es la historia de amor de una complicada pareja bajo el armonioso sonido de la guitarra y el piano.
‘From Capelton Hill’
01 Palmistry
02 Pretenders
03 Patterns
04 Back to the End
05 That Girl
06 Build a Fire
07 Capelton Hill
08 Hoping
09 To Feel What They Feel
10 If I Never See London Again
11 I Need the Light
12 Snowy Owl
‘Stranger Things’ llegará a su fin en 2022. La exitosa serie de Netflix estrenará sus últimas dos temporadas este año. Sí, en plural. En un comunicado habla de dos volúmenes, pero también de dos temporadas: la cuarta se estrenará el 27 de mayo y la quinta y definitiva, el 1 de julio, con un mes de diferencia. Ambas temporadas nacen de «nueve guiones, ochocientas páginas, casi dos años de rodaje, miles de efectos visuales rodados y un volumen de metraje que dobla el de todas las temporadas anteriores».
La cuarta temporada de ‘Stranger Things’ lleva en el horno desde octubre de 2019, cuando comenzó su rodaje, y en febrero de 2020 se estrenó el primer tráiler, que situaba la trama en Rusia, en los años 80, en torno al desastre de Chernóbil (hoy situada en la actual Ucrania), y revelaba el destino de uno de los personajes más queridos. Entonces ya trascendía la noticia que la cuarta temporada de ‘Stranger Things’ se estrenaría en dos partes, aunque sin que se hablase de una quinta.
‘Stranger Things’ resultó todo un fenómeno televisivo tras el estreno de su primera temporada en el año 2016. El «hype» continuó en la segunda, pero la trama empezó a hacer aguas, y en la tercera salvó muebles gracias a su buen equilibrio entre nuevos personajes y referencias culturales de los 80.
Paraíso, el festival madrileño dedicado principalmente a la música electrónica que ha traído a la capital a artistas como CHVRCHES, Channel Tres o Peggy Gou, volverá a celebrarse en 2022 los días 24 y 25 de junio en el campus de la Universidad Complutense de Madrid (UCM), tras la polémica cancelación de su edición de 2021. Próximamente se anunciará el primer avance del cartel.
En esta nueva edición, Paraíso vuelve con un formato adaptado al nuevo contexto con el que, cuenta, seguirá «apostando por cuidar al máximo la experiencia, así como por la calidad artística como eje principal de su cartel y de los servicios que ofrece», por lo que «Paraíso regresa a sus orígenes y a la raíz que dio vida al festival: la pista de baile y el deseo de descubrir nuevos artistas».
En este nuevo formato, el aforo estará más limitado que en ediciones anteriores, con un máximo de 8.500 personas al día, y conservará los escenarios Club, Jardín y Nido. Los dos primeros, con nombres internacionales de referencia y artistas emergentes de distintos géneros, y el tercero, el Nido, continuará con su apuesta por la escena electrónica de Madrid.
Los abonos ya se encuentran a la venta en la web de Paraíso a un precio especial de lanzamiento, 55 euros más gastos de gestión.
‘Slut Pop’ no es el nombre de un nuevo género que todos necesitamos, sino que es el título del último EP de Kim Petras. La cantante alemana acaba de publicar un mini disco que una vez escuchado de arriba a abajo, deja los altavoces con necesidad de un descanso porque la Petras no da tregua. El trabajo es una delicia pop para los amantes de los 2000, pareciendo que estemos de fiesta con Paris Hilton y Nicole Richie en el 2006 si cerramos los ojos.
El EP es una completa liberación sexual de la artista. Todas las canciones tratan el sexo de la manera más explícita, y acompañado del sonido duro y oscuro de sus temas, uno no puede hacer otra cosa más que rendirse al deseo carnal.
‘Treat Me Like A Slut’ es el segundo tema del disco y hoy nuestra canción del día. Al escucharla, es inevitable acordarse del ‘Blackout’ de Britney Spears, con el que no solo comparte sonidos muy parecidos, sino que tambié transmiten la misma sensación de poder, agresividad, sensualidad y oscuridad. De hecho, parece que Danja se ha apoderado del cuerpo de Dr Luke a la hora de producir este álbum. La voz de Kim parece sacada de cualquiera de las canciones de ‘Blackout’, pero también recuerda a ‘Daddy AF’, una de las canciones más eróticas de su amiga Slayyyter. En realidad, Slayyyter tiene un genial y divertidísimo remix de la canción ‘Gimme More’ que podría ser la semilla del álbum de Petras.
Del resto de canciones, casi todas son remarcables. ‘Slut Pop’, el tema que da nombre al disco, es un claro homenaje a Daft Punk. La base de ‘Throat Goat’ trae a la memoria ‘I am The Stripclub’ de Iggy Azalea, y todas las canciones agradecen estar en inglés por no pasar un momento incómodo si las escuchamos con nuestros padres delante.
Las melodías de ‘XXX’ y ‘Superpower Bitch’, por ejemplo, están adornadas de gemidos de la cantante, que no se corta ni un pelo. Además, exceptuando la última pista, ninguna canción supera los dos minutos y medio y los temas están hilados ininterrumpidamente, lo que las hace perfectas para reproducirlas una detrás de otra en una fiesta.
Recordamos a Joan as Police Woman por canciones remotas como ‘The Magic‘, discos como ‘The Classic‘, colaboraciones con gente como Antony & The Johnsons. Llevamos un par de años de pandemia, pero no podemos decir que no hayamos oído escuchar hablar de ella en este tiempo porque no ha dejado de trabajar. Desde ‘Damned Devotion’ (2018) hasta 2021 ha presentado hasta 4 discos, incluyendo un recopilatorio y un directo.
Lo notamos especialmente en ese concierto para ARTE que hizo hace unas semanas, donde sí, cerró con ‘The Magic’, pero también sonaron canciones de los álbumes que ha sacado en los últimos tiempos, muy especialmente de ‘The Solution Is Restless’, firmado junto al difunto Tony Allen y Dave Okumu (The Invisible), pero también de su disco de versiones ‘Cover Two’. Este concierto se abría con ‘The Barbarian’, seguía con la versión de Blur ‘Out of Time’… y terminaba contando con la colaboración de Damon Albarn en ‘Get My Bearings’.
Seguro que Damon Albarn no acompaña a Joan Wasser en su gira por razones de agenda pero por lo demás este vídeo es un buen aperitivo de lo que podremos ver la semana que viene en nuestro país el 23 de febrero en Barcelona (La Nau), el 24 en Valencia (16 Toneladas), el 25 en Zaragoza (Centro Cívico Delicias), el 26 en Madrid (El Sol) y el 27 en Lugo (O Vello Cárcere, Ciclo Xacobeo Importa). La gira de Joan as Police Woman en formato trío, incluyendo al batería Parker Kindred, quien ha tocado con, entre otros, Antony & The Johnsons y Jeff Buckley, es parte del ciclo EllESmusic, que apoya a mujeres y artistas no binarios. Más info y entradas, aquí.
La obra más relevante en esta gira es ‘The Solution Is Restless’, un álbum que surge cuando Damon Albarn le presenta a Tony Allen como leyenda del Afrobeat, y que cuenta con unas cuerdas muy atractivas diseñadas por la violinista, como sucede en ‘Geometry of You’; en ocasiones de corte oriental, como en ‘Dinner Date’; y siempre con un carácter sinuoso. Cercano a voces jazzísticas como Dinah Washington, el timbre de Róisín Murphy o la última Neneh Cherry, el disco también cuenta con sus ofrecimientos pop, donde ‘Take Me To Your Leader’ es su “Venus” particular. El álbum está marcado naturalmente por la muerte de Tony Allen, que grabó su parte de las sesiones antes de morir, y unos días antes en el mismo mes de abril de 2020, la de Hal Willner, mentor de la artista.
Wasser hablaba hace unas semanas en NPR de cómo la muerte de ambos ha marcado esta etapa, y también de cómo la muerte de su prometido Jeff Buckley le afectó en los inicios de su carrera a finales de los 90. «Cambió mi vida muy profundamente, y me introdujo de manera muy clara en una trayectoria de pensar en la muerte». Así, por ejemplo, la nueva composición ‘Enter the Dragon’ contiene una letra que evoca una conversación con los que se han ido y la artista se dirige a la fotografía de un amante perdido, suplicándole que resucite. «Come alive» es el desenlace de esta composición, como «stay alive for dinner» es el estribillo de ‘Dinner Date’.
Pero también es una curiosidad ‘Cover Two’, su segundo disco de versiones, en el que ha dejado irreconocible por completo ‘Kiss’ de Prince, haciéndola parecer más bien una versión de PJ Harvey o Lou Reed; reuniendo después temas de artistas tan antagónicos como Blur y Cass McCombs, Gil Scott-Heron y Neil Young, Outkast y Talk Talk.
A veces las versiones eran reducciones a piano un tanto asonantes y minimalistas, improvisadas y con cierta influencia jazz, como es el caso de ‘On the Beach’ de Neil Young, ‘Running’ de Gil Scott-Heron, y de ‘Under Control’ de los Strokes. Otras se dejan llevar por cierta producción, como es el caso de ‘Life’s What You Make It’ de Talk Talk, que nos transporta a la electrónica británica de mediados de los 90. Y luego está ‘There Are Worse Thing I Could Do’, que como parte de la banda sonora de ‘Grease’ aunque no fuera su canción más popular, nos lleva por supuesto a los años 50 en que se inspiraba.
Aquellos que pensaron que ‘Ya no quiero na’ o ‘Mujer Bruja’ serían los grandes éxitos de Lola Indigo se equivocaron a lo grande. Ha habido sorpasso y ‘La niña de la escuela’, single extraído de su segundo disco ‘La Niña‘, acercándose a los 100 millones de reproducciones en Spotify, es ya su canción más famosa. Es triple platino en España y permanece en el top 50 oficial, además de mantener aún cierta repercusión en países latinos como Uruguay, Argentina y Bolivia.
En cualquier caso, la cantante mueve ficha y estrena un nuevo tema construido en modo hit, en solitario eso sí a diferencia de su exitosa colaboración con Maria Becerra y TINI ‘High’, en este caso con una marcada influencia hip hop. Y es que aunque ‘Las Solteras’, como así se llama el nuevo tema, no pare de referenciar el clásico del reggaetón ‘Papi Chulo’, los ritmos son más rap, también su imaginería («tengo el bate y el arma secreta») y los beats, que recuerdan ligeramente la combinación de crudeza y melodía de Kelis en la era ‘Milkshake’.
Lola Indigo además también nos trae todo un «batido de fresa»: es ‘Las solteras’ un tema sobre sexo y libertad sexual para las «mujeres solteras», en el que la sorpresa nos la da la invitación a una trieja con dos mujeres:
«Me gustan ellos, pero ellas también
Y si te descuidas te robo a tu mujer
No te enfades bebé
Donde caben dos caben tres».
En sintonía con esta producción de David Marley, ese vídeo en el que junto a un buen puñado de bailarinas, hay twerking como si esto fuera 2014.
Lola Indigo acaba de ser confirmada en el ciclo de Mallorca Live Summer, en concreto el 27 de agosto. Se suma a La M.O.D.A. (22 de julio), Coque Malla (24 de julio), Bunbury (30 de julio), Zaz (31 de julio), No Te Va Gustar (5 de agosto), Mägo de Oz (11 de agosto), Dani Martín (12 de agosto), Morgan (13 de agosto) y Leiva (25 de agosto).
Como cada miércoles, renovamos nuestra playlist de pop nacional o en castellano «Sesión de Control», incluyendo pistas de los muchísimos discos españoles que se están publicando estos días, como ha sido los casos de Blanco Palamera, Detergente Líquido, Pantocrator, Erik Urano, Vega o Asori, en este último caso un EP. Hoy miércoles es el día elegido para el lanzamiento del nuevo single de Cariño, ‘no me convengo’.
La playlist alterna lo nuevo de una leyenda como Ana Curra -‘Aphrodita la Monarca’ está muy en la línea de Parálisis Permanente y la vena siniestra de Pegamoides- con artistas noveles como Violeta Tello Grau, una joven catalana que acaba de lanzar ‘La Cinta Vol. 2’. Un tema anterior, ‘Aku Cinta Kamu’, quedó 7º en una de las ediciones del JNSP Song Contest de nuestros foros, presentada por el usuario Bob_Msc.
Según su biografía oficial, Violeta Tello Grau «se formó como compositora en el Taller de Músics de Barcelona habiendo estudiado antes Musicología. Desde pequeña escribe poemas, canta y toca el piano, y más tarde se interesó por la música indonesia de gamelán y por la electrónica. Sus creaciones mezclan folklore español con folklore indonesio en un pop de electrónica luminosa donde muchas voces cantan». Un ramalazo el del folklore que podéis degustar en ‘Danza de sangre’. De momento compartimos ‘Niña Río’.
Presentan temas artistas habituales de nuestras páginas como Jimena Amarillo, shego, La Zowi, Belako en remezcla de Crystal Fighters o el proyecto de electrónica La Résistance. Los Vinagres tienen un tema llamado ‘Covid’ en el que colaboran con Sidonie. Completamos con los temas de Aka Melosso; del murciano Caries, o lo que es lo mismo Arturo Casabuena, parte también del trío Perdón; y de Flavia Marsano, artista entre Lima y Madrid.
‘Alcarràs’ de Carla Simón ha ganado el Oso de Oro en la Berlinale, resultando la primera directora española que logra tal mérito y el primer español que lo consigue desde hace 39 años (‘La colmena’ de Mario Camus). Alcarrás es el nombre de una localidad de Lleida de 9.000 habitantes, en la comarca del Segriá, que vive del cultivo de frutales y de donde proviene su familia. Según informa la distribuidora Avalon, la cinta se estrenará el 28 de abril en salas españolas.
Conocida por la maravillosa ‘Verano 1993’, Simón concurría en el certamen con un drama familiar sobre la decadencia del mundo rural en el que habla del mimo con que su familia y otros agricultores se han dedicado a la tierra, siendo especialmente un homenaje a su abuelo.
Como recoge El País ha declarado: “Vistos los tiempos actuales, los agricultores están convenciendo a sus hijos de que no sigan con la fruta, porque se la compran a un precio inferior a su coste. Por mucha pasión juvenil que haya, se ve claro su final”, decía la cineasta. M. Night Shyamalan, presidente del jurado, ha elogiado la combinación de actores amateurs de varias generaciones y su mezcla con una cámara pegada a la tierra.
Así ha quedado el palmarés:
Oso de Oro: “Alcarràs” de Carla Simón
Gran Premio del Jurado – Oso de Plata: “The Novelist’s Film” de Hong Sangsoo
Premio del Jurado – Oso de Plata: “Manto de gemas” de Natalia López Gallardo
Oso de Plata por Mejor Dirección: Claire Denis por “Both Sides of the Blade”
Oso de Plata por Mejor Actuación Protagónica: Meltem Kaptan por “Rabiye Kurnaz vs. George W. Bush”
Oso de Plata por Mejor Actuación de Reparto: Laura Basuki por “Before, Now & Then (Nana)”
Oso de Plata por Mejor Guion: “Rabiye Kurnaz vs. George W. Bush” de Andreas Dresen
Oso de Plata por Excelencia Artística: Rithy Panh por la “concepción y ejecución del universo memorable” de “Everything Will Be OK”
Mención Especial: “A Piece of Sky” de Michael Koch
La cantautora Marta Tchai retoma este año la promoción del disco que publicaba a finales de 2021, ‘El Eclipse’, presentándolo en directo en Madrid el 4 de marzo (Fotomatón), así como en las Fnacs de hasta 8 ciudades del país durante los meses de marzo y abril, y en el Festival Zahara Indie el 10 de septiembre.
‘El Eclipse’ parece un disco un tanto maldito en tanto que lo grabó con su banda Berlin Texas, formada en 2020 y disuelta en abril de 2021 (aunque siguen tocando de vez en cuando juntos), y finalmente lo ha firmado con su nombre propio. Sin embargo, sigue siendo un álbum interesante para todos aquellos que disfrutaran de lanzamientos como ‘Atención peligro‘, que incluye temas tan pop como ‘Me asusta’ -en el que hay una pulla a modernos- y otros de una crudeza en sus textos sobre la que hemos querido preguntar a la artista.
Muchas de las letras presentan imágenes violentas y verbos muy poco utilizados en el mundo del pop, comenzando por el primer tema de la secuencia, ‘Los besos’. Marta Tchai nos explica que en cuanto a producción es «sin duda» su favorita del disco, y que precisamente buscaba un contraste muy marcado entre estrofas y estribillos, porque estamos asistiendo a «un diálogo (interno) en primera persona entre dos personajes, en el que las estrofas son los pensamientos de ella, y el estribillo los de él».
Ahí es donde la suavidad del nombre de la canción (‘Los besos’) contrastan con esa idea de «secuestrar» o esa frase tremenda que aparece sobre «violar en Chamberí», que un hombre jamás podría cantar. ¿Qué ha buscado transmitir con esa letra? Marta Tchai nos responde: «Nunca «busco» con premeditación transmitir algo con ninguna letra. Me nacen y luego trato de pulirlas para que la canción suene mejor, casen con la melodía o transmitan el mensaje de la manera más bella posible, entendiendo también que para mí la crudeza forma parte de la belleza. Pero es cierto que ‘Los besos’ está llena de verbos violentos: denunciar, secuestrar, arrasar, clavar… y llena también de verbos dulces: abrigar, besar, bendecir, responder, perdonar… Los besos como antesala de algo más tienen mucho de toda esa mezcla de dulzura y violencia. «Perdóname si te quiero secuestrar» fue una frase real que alguien me dijo, la que inspiró la canción. Y «te habría violado en pleno Chamberí», frase que piensa ella, es cierto que un hombre no podría pronunciarla, una chica sí porque esta acción es físicamente imposible para ella, por eso la piensa, como una fantasía erótica irrealizable, como un anhelo de posesión, de fundirse en el otro, y este deseo sí es común a ambos sexos, del género humano, vaya».
El tema cumple estos días un año tras haber sido lanzado como Berlin Texas, habiendo resultado curiosamente el favorito por la audiencia de lo que ha terminado siendo otro disco de Marta Tchai, aunque en los últimos días ‘Me asusta’ se le acerca. «‘Los besos’ la sacamos como single en febrero de 2021, cuando aún éramos Berlin Texas. Pero al separarnos en abril y verme en la situación de sacar el disco con mi nombre, de ahí que aparezca también como canción del disco. Esta era la idea inicial, sacar unos cuantos singles y luego el disco con nombre homónimo, pero al final tuve que sacarlo sola. Todas las canciones las escribí yo, las arreglamos juntos, excepto la última, ‘La Roca’, que luego quise volver a grabar con Sergio Salvi. En el caso de ‘Los besos’ fue muy adolescente la evolución, la compuse del tirón en una noche en junio 2020, cosa que ya no es tan habitual en mí, y justo había quedado esa semana con Mario Barbero y con Marcus Wilson, que por aquel entonces el grupo éramos nosotros tres, y se la toqué, muy convencida -y no siempre es así- de que tenía entre manos una buena canción».
«En mi primer disco algunas letras están muy edulcoradas, y yo misma, como mujer me hacía la tonta para «casar» mejor, para ser aceptada. No conseguí serlo, así que ahora al menos digo y canto lo que pienso y me gusto mucho más»
La falta de autocensura que hay en esta composición de ‘Los besos’ aparece en otros cortes del disco cuando Marta Tchai habla de «golpearme y abandonarme» (‘Falta de tacto’), dice cosas como «te amaré como una puta» (‘Presente simple’) o cuando se produce esa escena de ‘La Violencia’ que enfrenta al Valle de los Caídos con la Internacional, «repitiendo escenarios de frío, odio y pánico».
Son imágenes duras y desconcertantes, que ella defiende: «No, no, no quería transmitir desconcierto, aunque es cierto que yo lo siento tantas veces… y no había pensado en la dureza de las letras, la verdad, gracias por remarcarlo. Yo soy muy dura conmigo, he tenido muchos problemas por esto, y aún ando con cuidado para no hacerme daño. Esto tiene que ver. La frase de ‘Presente simple’ es «te amaré como a una puta», poniéndome en el lugar del chulo, pero para expresar esa fugacidad de las cosas, esa satisfacción instantánea y cómo cierta corriente de autoayuda te anima a «vivir el presente», que considero una frase peligrosa. Me ha costado muchos años llegar a este punto de libertad creativa, en mi primer disco algunas letras están muy edulcoradas, y yo misma, como mujer me hacía la tonta para «casar» mejor, para ser aceptada. No conseguí serlo, así que ahora al menos digo y canto lo que pienso y me gusto mucho más. Y sí, puede ser, creo que en general, en la música, en el cine y en la literatura patria actual hay algo de autocensura».
En ‘Pan de oro’ las flores se mezclan con cuchillos, y los cuerpos arden en una ‘Nihilistas’ que habla de «angustia existencial». Preguntada sobre qué le lleva a escribir estas imágenes, si es algo más visceral o relacionado con sus referentes literarios o poéticos, Marta Tchai se explaya: «Me emociona la pregunta. No tuve una infancia fácil, había mucha violencia en casa. Supongo que esto marca un poco mi manera de escribir, mis imágenes, y también el hecho de que me sienta atraída por personas, historias difíciles, donde la felicidad es una quimera, esto me resulta familiar. Y sí, me siento acompañada por referentes como Leonard Cohen, que usa imágenes bellísimas y algunas muy duras, Lou Reed, Alex Turner, Kurt Cobain, Ian Curtis… o nuestra querida Amy Winehouse. Todos ellos usan imágenes creo mucho más duras que las mías. Me viene a la cabeza de Amy ahora, por citar a una mujer, «kept his dick wet with his same old bet», segunda frase de su súper éxito ‘Back to Black’. En nuestro país, no es fácil encontrar a quien se atreva en castellano a nombrar una imagen parecida, así, descriptivamente, sin el atenuante del deseo, tal cual, la palabra «polla». Y menos de mi sexo. Los que más me inspiran en ese sentido son Tulsa, Christina Rosenvinge o Nacho Vegas, que sí han escrito algunas letras muy crudas».
Otra lectura es que sea el lado oscuro el que más nos ha atraído a nosotros para ahondar en él, pues ‘El eclipse’ también cuenta con un lado más reconfortante y amable, como el mencionado single ‘Me asusta’ o toda la paz que transmite la progresión de acordes de ‘Presente simple’, justo antes de que el álbum se despida definitivamente con ‘La roca’. Y es que ‘Presente simple’ tiene la frase de la discordia y todo una teoría sobre la esclavitud del presente, pero también un tarareo «parapapá» que se pega como una lapa.
Adele y sus sillas. Lo que en su momento seguramente fue una simple idea de atrezo, un recurso expresivo más, se ha convertido en un elemento característico de algunos de los videoclips más famosos de la cantante londinense. Adele aparece sentadica como una yaya esperando en la carnicería en ‘Rolling in the Deep’, ‘Hometown Glory’, ‘Easy On Me’… Y, por supuesto, en su último vídeo.
De hecho, ‘Oh My God’ empieza con un plano de una silla. Y, sobre ella, una manzana. Si nos fijamos en la letra de la canción, parece obvia la referencia al fruto prohibido del Génesis. No es la única referencia bíblica (ni la única silla) que se puede rastrear en el vídeo. También podemos ver una serpiente “tentadora” que parece conectar con la frase “I said lord don’t let me let me down”.
El vídeo, rodado por Sam Brown (el mismo director que filmó el exitoso ‘Rolling in the Deep’), está montado en continuidad. Un aparente plano-secuencia en el que Adele aparece en un escenario teatral, con mucho juego de luces y sombras, donde se van sucediendo varias escenas, muchas de ellas con la cantante significativamente desdoblada.
El final de ‘Oh My God’ no puede ser más elocuente. Una silla ardiendo y la cantante bailando y dándole un bocado a la manzana. Parece evidente: Adele “want to have fun” y, sí, ya está, ya vale de tanta silla.
Sigur Rós ha anunciado que su ex-tecladista Kjartan Sveinsson ha vuelto con la banda tras 10 años en solitario. Así lo han confirmado en una foto que han subido a sus redes sociales donde los miembros Jónsi y Georg “Goggi” Hólm hacían una videollamada con el nuevo integrante.
Con la frase “tiempos emocionantes aguardan”, han dejado muy buen sabor de boca a los fans, que no dudan que esta es la confirmación de un nuevo trabajo de Sigur Rós con los tres artistas implicados. Lo que a su vez impedirá que Sigur Rós se conviertan en un extraño dúo. Y es que, como recordaréis, el batería Orri Páll Dýrason decidió dejar el grupo en 2018 tras ser acusado de abusos sexuales, y pese a que mantenía su inocencia. Decía su comunicado: «Debido a la magnitud de las acusaciones, he decidido dejar Sigur Rós. Ha sido una decisión muy difícil, pero no puedo dejar que estas acusaciones tan graves afecten a la banda y al trabajo importante y hermoso que se ha hecho durante estos años. Un trabajo tan querido para mí. Haré todo lo que esté en mi mano para salir de esta pesadilla, pero por respeto a todos los que de verdad han sufrido abuso sexual, no voy a hacer pública esta pelea».
El último disco de Sigur Rós cumplirá 10 años el año que viene, si bien aquel ‘Kveikur‘ salía tan solo un año después de ‘Valtari‘. Desde entonces, han colaborado en bandas sonoras y publicado algún tema suelto, mientras Jónsi continuaba con su carrera en solitario o en compañía de otros. ‘Obsidian’ (2021) es su último trabajo solo hasta la fecha.
Alina Pash iba a representar a Ucrania en Eurovisión, pero ante la tensa situación política que viven actualmente Rusia y Ucrania, ha optado por retirar su participación en el certamen. A Alina se le ha acusado de haber entrado a Crimea de manera ilegal en 2015, algo que ha negado, para asistir a un evento privado, y también de hacer apología de la bandera rusa.
Finalmente, Pash ha comunicado su retirada de Eurovisión en las redes sociales. «Soy ciudadana de Ucrania, sigo las leyes de Ucrania, trato de llevar las tradiciones y los valores de Ucrania al mundo. Lo que resultó ser esta historia no es en absoluto lo que puse en mi canción”, ha escrito, añadiendo que ella es “artista, no política”.
En su mensaje, Pash explica que “no tengo un ejército de relaciones públicas, gerentes, abogados para resistir todo este ataque y presión, el allanamiento de mis redes sociales; amenazas y también unos mensajes absolutamente inaceptables que las personas se permiten sin comprender la situación y olvidando la dignidad de todos los ciudadanos de Ucrania».
La artista concluye: “No quiero esta guerra virtual y el odio. La guerra principal ahora es externa, que llegó a mi país en 2014. No quiero estar más en esta sucia historia. Con gran pesar retiro mi candidatura como representante de Ucrania en el Festival de la Canción de Eurovisión. Desafortunadamente. Lo siento mucho”.
Big Thief no se ponen por nada. Si en 2019 publicarondos álbumes, este 2022 regresan con un disco de 20 pistas, de una hora y veinte minutos de duración. Puede parecer excesivo. De hecho, una primera escucha superficial se llega a hacer pesada, asalta la sensación de que son demasiadas canciones, de que suenan parecidas. Pero afortunadamente no es más que una falsa alarma. Porque, a poco que se insista, este disco revela el corpus de canciones más fabuloso de Adrianne Lenker y sus Big Thief.
Big Thief se explayan en géneros que ya han transitado, pero aquí lo hacen con afán paisajístico. De hecho, el concepto de James Krivchenia, batería y productor del disco, es realizar un viaje por diferentes localizaciones norteamericanas: la parte alta del estado de Nueva York, Topanga Canyon en California, el desierto de Sonora en Arizona y las montañas de Colorado. Se puede jugar a adivinar qué territorio representa cada canción, porque pasan del country-folk, al sonido Laurel Canyon (claro) o al indie pop lo-fi de manera natural. ‘Dragon New Warm Mountain…’ recuerda al fabuloso ‘Excuses for Travellers’ de Mojave 3 (2001), un disco también editado por 4AD, casualmente. No solo por su sonido y atmósfera, sino por ese mismo afán de rememorar una América mágica y mítica, y por la ligereza con que lo hacen. Las canciones se revelan menos afectadas de lo habitual, como despojadas del pesar con que Big Thief las solían cargar en discos anteriores.
Este espíritu más grácil se revela ya en la primera canción, ‘Change’, una letanía circular que va subiendo sutilmente de intensidad, dirigida por la característica voz masticada de Adrianne, que contrapone la intensidad de su interpretación a la fuerza melódica y la ligereza instrumental. Hay purismo de cantautor en ‘Certaintity’, hay momentos en que incluso se acercan a los primeros R.E.M. (‘Spud Infinity’).
El primer cambio evidente de paisaje se produce en el quinto tema, la homónima ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’. Una pieza emocionante, orgánica, que reproduce el sonido del agua y del ferrocarril, celestial y brumosa, cercana a Marissa Nadler o a Beach House. Hay un conato de regreso a lo folkie en ‘Sparrow’, repleta de detalles encantadores, pero lo rompen en ‘Little Things’, que retrotrae a Cocteau Twins o la Björk de los Sugarcubes. A partir de aquí se abre otro bloque, el del dream pop más ochentas, próximo también a los The Cure dulces. Aunque fascinante, este fragmento contiene las canciones más esotéricas y menos inmediatas.
El escenario vuelve a transformarse. Del dream-pop pasamos de nuevo a los violines y la americana. ‘Red Moon’ es un clásico número de country rock, que parece interpretado en una cantina entre sombreros de cowboy y guiños a Gram Parsons. Pero la mayor sorpresa de todo el disco salta con ‘Wake me Up to Drive’, la pieza más diferente y singular. Un pegadizo techno-pop de baja fidelidad que resucita a los primeros Magnetic Fields: su estribillo y melodía parecen paridos por un joven Stephin Merritt en estado de gracia. Y ese espíritu tan de lo-fi indie, tan Daniel Johnston, impregna de melancolía parte del tramo final.
‘Promise Is a Pendulum’ es una preciosidad levísima que Adrianne defiende sola a la guitarra acústica. O la unión de lo mejor de ambos mundos (el country-folk y el indie-pop), en ‘12000 Lines’, que parece otra de las cimas… si no fuera porque la auténtica cima es ‘Simulation Swarm’, puro pop ligero de efecto instantáneo, gracias a la emoción que impone Adrianne con su voz aniñada, un estribillo eufórico y un final que roba el aliento.
‘Simulation Swarm’ deja el disco tan arriba que las tres últimas canciones pueden pasar desapercibidas. Pero precisamente la final ‘Blue Lighting’ ilumina y resume de alguna manera el álbum; es un alegre número de country en que hasta Adrianne, que siempre parecía manejarse por los caminos de la aflicción, se muestra risueña y pizpireta.
‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’ rehúye la calificación de irregular que suelen acusar obras tan extensas y ambiciosas. Porque es un disco-viaje propicio para perderse, en sus recovecos, en sus melodías hechizadas; porque Big Thief continúan fieles al folk y al indie pop, pero abren su horizonte con resultados emocionantes. Personalmente, ya es mi disco favorito de ellos y además sé que en escuchas sucesivas encontraré nuevos detalles, nuevas canciones favoritas.
Alice Glass, conocida por ser integrante original de los extintos Crystal Castles, ha publicado su primer disco en solitario hoy miércoles. ‘PREY/IV’ incluye los singles ‘BABY TEETH’ y ‘LOVE IS VIOLENCE’ y el «focus track» para este viernes parece ser ‘THE HAUNTED’, otro tema lleno de sus habituales gritos y turbias distorsiones electrónicas.
El disco viene cargado también de sonoridades rave y trance que llamarán la atención de los fans de Crystal Castles, todas ellas engullidas por una producción oscura, claustrofóbica, cargada de sintetizadores y beats cortantes firmados junto a Jupiter io, que pueden incorporar de manera siniestra el sonido de una caja de música, como sucede en ‘EVERYBODY ELSE’.
‘PREY//IV’ es el primer lanzamiento de Alice Glass tras la publicación en 2017 de su EP homónimo, e incluye pistas con títulos como ‘SUFFER IN PEACE’, ‘I TRUSTED YOU’ o ‘SORROW ENDS’, dedicadas al sufrimiento y al trauma que ha padecido Alice en los últimos años, durante los cuales fue víctima de una violación por parte de un hombre 10 años mayor que ella.
El festival Cruïlla ha revelado hoy en Barcelona la mayoría de los nombres que conforman el cartel de su edición de 2022, que tendrá lugar los días 6, 7, 8 y 9 de julio en el Parc del Fòrum. El festival vuelve a su estructura habitual de cuatro días de conciertos, y sigue subrayando la importancia de representar un tipo de macrofestival sostenible que respete el medio ambiente y los derechos humanos.
Entre las cabezas de cartel de Cruïlla se encuentra Rigoberta Bandini, convertida ya en una estrella del pop nacional; y la programación hace especial hincapié en las músicas latinas con confirmaciones como la de Rubén Blades con Roberto Delgado Orquesta, Juan Luis Guerra o Residente. Entre las letras grandes aparecen también los nombres de Jack White, Duran Duran, Zahara con su «puta rave» inspirada en las fiestas electrónicas de Berlín, Hot Chip, Rozalén, Molotov y Rels B.
Cruïlla confirma también a la estrella del rap argentino Trueno y a Joe Crepúsculo, que presentará su nuevo álbum ‘Trovador tecno’. Delafé y Las Flores Azules presentarán su concierto de 20 aniversario, y se suman a la programación dos grupos estrella del pop nacional reciente como son, por un lado, Stay Homas y, por el otro, Tanxugueiras.
A todos estos nombres hay que sumar los de Seeed, Dancetería (el proyecto de Miss Caffeina y Varry Brava), ToteKing, Sofi Tukker, Niña Polaca, Cimafunk, Queralt Lahoz, Colectivo da Silva o Travis Birds, y completan la programación que se ha dado a conocer hoy Meute, Fat Freddy’s Drop, Buhos, Elefantes, Vintage Trouble, The Bloody Beetroot, The Tyets, Don Peralbo i el Comboi, Habla de mí en presente y las Balkan Paradise Orchestra.
Aún queda por desvelar en el cartel de Cruïlla algunos artistas más que formarán parte de la programación musical, así como la programación completa de comedia y arte.