Gonzalo Hermida ha dado positivo en covid a dos días de su participación en la segunda semifinal de Benidorm Fest con la balada ‘Quién lo diría’, el próximo jueves 27 de enero. El gaditano, que hoy habría realizado el primer ensayo de su actuación, ya no podrá actuar en Benidorm Fest y RTVE ha confirmado que emitirá el videoclip de la canción en su lugar.
En redes, Hermida ha comunicado que esta mañana se ha levantado «con un poco de malestar, frío y vértigos» y que la prueba de antígenos ha confirmado el resultado. El cantante ha explicado que está «roto» a causa de la noticia y ha defendido que «estamos en medio de una pandemia, he intentado evitarlo y estoy con la conciencia tranquilísima porque he luchado por no cogerlo en estos dos meses, a muerte, no he salido de casa».
Hermida llegó a Benidorm el domingo y este lunes 24 participó en una rueda de prensa junto a los compañeros de la segunda semifinal, entre ellos Rigoberta Bandini, Rayden y Javiera Mena. Hoy trasciende una imagen en la que los participantes de la segunda semifinal aparecen posando muy juntos sin mascarilla para las cámaras de la televisión pública. La incertidumbre es máxima por tanto, ante la posibilidad de que el contagio se haya expandido al resto de participantes.
A causa del positivo de Hermida ha quedado suspendida la rueda de prensa que iba a tener lugar esta tarde y a la de mañana acudirán únicamente los presentadores, estos son, Inés Hernand, Alaska y Màxim Huerta, ha explicado hoy María Eizaguirre, directora de comunicación de TVE. La organización de Benidorm Fest ruega a los artistas que permanezcan encerrados lo máximo posible.
‘Ay mama’ de Rigoberta Bandini saltando al top 40 de Spotify España y Leticia Dolera cantándola al volante en un Stories, dos Tanxugueiras arrastrándose como pueden hasta Benidorm recuperándose de la covid-19, Rayden hypeando al máximo la realización de su puesta en escena pidiendo al jurado que la valoren porque está pensada para televisión y no para el plató… No se había hablado tanto del proceso de selección de la canción española para Eurovisión desde los tiempos de Rosa o ni eso (sorry, Chikilicuatre).
También ha contribuido la decisión de alguien que ya no sigue con nosotros en esta aventura, Luna Ki, que decidía abandonar su candidatura este domingo por la imposibilidad de incorporar el Auto-Tune a su canción. En su defensa, ha hablado de la Cher de 1998, que ya es tan remota como la mismísima victoria en el festival de Dana International, y ha defendido que el Auto-Tune es a su canción lo que una guitarra eléctrica para una canción de rock. Y en eso tiene toda la razón.
El Auto-Tune, como también el uso de otras herramientas similares como el vocoder o el Melodyne, sí es el sonido de una generación como indica Luna Ki. Discos enteros de Kanye West han pasado por ahí, como innumerables grabaciones de artistas de primera línea como Frank Ocean, Daft Punk o hasta puretas como Radiohead, que jugaron con él ya en ‘Amnesiac’ (2001). Ha sido utilizado incluso por quienes tienen las voces más solventes y preciosistas del mercado, como es el caso de Rosalía, una cantante capaz de enmudecer a un país a capella como logró en la gala de los Goya 2019, que después también recurre a todo tipo de efectos como recurso estilístico y estético, por voluntad propia, sin necesitarlos.
Ahora bien, es cierto que Rosalía nunca dejaría de aparecer en un evento porque una canción requiriera de Auto-Tune. Seguramente se las ingeniaría para hacer otra cosa. Luna Ki, que ha asegurado que de ganar el Benidorm Fest y representar a España en Turín, habría tenido 3 meses para adaptar la canción a las exigencias del festival, podía haber ido planeando durante estas semanas una manera de salir del paso en la primera semifinal de este miércoles. Ya muchos nos olíamos la tostada, y las normas incluyen varias posibilidades: coristas haciendo el trabajo sucio, una voz pregrabada que no tenga la función de sustituir la voz principal y hasta una performance en la que no cantara absolutamente nada como aquella de Lorde en los premios MTV (aunque ella sí pudo servirse de una pista pregrabada a su antojo). Pero nunca dejar tirados a quienes habíamos seguido a estx artistx desde hits como ‘Septiembre’ y ‘Putón’, y a RTVE, que se la había jugado con una opción totalmente 2022, asignando a dedo a Luna Ki nada menos que la apertura de la primera semifinal.
Luna Ki se defiende asegurando que tan sólo fue el pasado miércoles cuando a RTVE le dijeron «desde Europa» que el Auto-Tune no podía ser utilizado en su actuación. Tampoco había que ser un lince para darse cuenta de que igual no iba a poder ser. ¿De verdad a nadie se le había ocurrido? Los malpensados del lugar apuntan a una maniobra de márketing que ha salido muy bien: Luna Ki ha sido «trending topic» durante 2 días, ‘Voy a morir’ supera el millón de streamings en Spotify y todos veremos su vídeo a falta del montaje que tenía preparado para el directo dentro de un montón de chanantes cajas de cartón. El vídeo «desde 2034» en que lo explica, en toda su edición y post-producción, insinúa dos cosas: o bien que Luna Ki tenía todo esto orquestado, o bien que va a cuidar cada uno de sus pasos para mostrar al mundo que es unx artistx con entidad y discurso propios. Desde luego, no tiene ningún desperdicio.
Con todo lo decepcionante que es que mañana no veamos este show en primetime y en La 1, porque por supuesto RTVE no ha consentido que se programe fuera de concurso, pues bastante bobo ha de sentirse ya todo ese nuevo equipo que está o estaba rejuveneciendo el discurso; hay que reconocer a Luna Ki que posiblemente haya jugado un papel decisivo en la historia del festival, que ha ido modernizándose muy poco a poco, para bien o para mal.
Para mal porque era un espectáculo escuchar las orquestas en vivo, por ejemplo para España dirigidas por Manuel Alejandro y Juan Carlos Calderón durante los años 60 y 70. A veces el director salía con el intérprete y saludaba, como en 1966 Rafael Ibarbia acompañando a Raphael. Incluso cuando la música iba en playback, la orquesta pudo seguir siendo en directo durante unos años y ese es uno de los motivos por los que la actuación de ‘Bandido’ es tan espectacular. Sí, la base va pregrabada, como explica el director de orquesta Eduardo Leyva en el podcast Pasión Eurovisión bajo estas líneas (minuto 50), pero cuando entra la orquesta de un visiblemente disgustado Leyva en el minuto 3.24, aquello es un subidón. «Brown Sugar» -como las llama este locutor- quedaron en el 5º puesto.
7 años después de ‘Bandido’ se consintió que toda la música pudiera ser pregrabada y en 1999 Israel directamente no ofreció orquesta, obligando a todos los participantes a usar únicamente pistas de apoyo pregrabadas por primera vez. Ya no es una posibilidad tener instrumentación en vivo, para desesperación de amantes de lo puro como Salvador Sobral, Amaia y Alfred o Måneskin, a los que encantaría acariciar un piano o hacer rugir una guitarra allí mismo. Bajo el imperativo de «esto es tele y el escenario tiene que montarse y desmontarse no en cuestión de minutos sino de segundos», el festival ha perdido esa parte de autenticidad.
Para bien, el festival ha ido modernizándose obligado en parte por el público LGTB+, el que ha mantenido el festival en sus años bajos, y en general habituado a una buena performance sobre todas las cosas, y para muestra el éxito de formatos como RuPaul. Parece cuestión de tiempo que las normas se adapten a lo que las modas nos traigan.
24 años después de ‘Believe’, el Auto-tune está plenamente asentado en los conciertos que vemos a diario sobre todo entre los artistas antes llamados de música urbana. No parece tan mala idea que el público y el jurado decidan cuándo el recurso sirve para enriquecer una canción, como fue el caso de Cher; cuándo es el único recurso de la persona, como parece el caso de Luna Ki hasta que demuestre lo contrario; y cuándo es peor el remedio que la enfermedad. Hasta ahora Madonna es la única que ha utilizado el Auto-Tune sobre las tablas eurovisivas, especialmente durante su interpretación de ‘Future’, y no es que saliera muy bien parada: el público interpretó que lo había hecho tan mal que todo el mensaje político del tema, del conflicto palestino-israelí al cambio climático, pasó completamente desapercibido.
Si Eurovisión decide, algún día, ceder a los imperativos del siglo XXI, Luna Ki habrá tenido su pequeño lugar en la historia del festival. Y para aquellos que critican -criticamos- que tenía que haber preguntado si podía utilizar Auto-tune antes de presentarse, lo cierto es que no habría habido tal revuelo si ese hubiera sido el caso. Con esas alas de metal que se ha puesto en su videosaludo enviado «desde 2034», que quién sabe si será el año en que se aprueben las nuevas normas, parece querernos decir que confía en que la lucha más eficiente contra el sistema sea la que se hace desde dentro.
Podcast: pros y contras de los 14 temas de Benidorm Fest
Sónar se desdobla en Lisboa, como ya hiciera en Reykjavík. Sónar Lisboa transcurrirá los próximos 8, 9 y 10 de abril simultáneamente en el Pavilhão Carlos Lopes, el Coliseu dos Recreios y el Centro de Congressos de Lisboa, junto con el Hub Criativo do Beato para las actividades de Sónar+D.
Arca, Bicep, DJ Shadow, Partiboi69, Overmono, Dixon y Richie Hawtin son algunos de los nombres de alcance internacional destacados entre los más de 40 que se incorporan hoy a la programación de Sónar Lisboa 2022. Estos hacen tándem con los previamente anunciados, como The Blaze, Charlotte de Witte, Nina Kraviz, Floating Points, India Jordan, Honey Dijon, Héctor Oaks, Nicola Cruz o Thundercat, entre muchos otros.
Le escena portuguesa actual estará ampliamente representada con figuras como DJ Marfox, Shaka Lion, DJ Lycox o Nídia, a los que se suman hoy otros como BLEID, Acid Alice, Violet live, Helena Guedes o el aclamado live del angoleño-portugués Dj Nigga Fox.
Desde hoy están a la venta las entradas individuales para asistir a cada uno de los días y noches en cada uno de los espacios de Sónar Lisboa 2022, así como los Abonos VIP que dan acceso a toda la programación. Encontrarás más información en las webs de Sónar Lisboa y Sónar.
Como ha solido ser habitual, la edición original de Sónar se celebrará en junio en Barcelona, con un cartel que además de con Arca cuenta con los Chemical Brothers, Oneohtrix Point Never o C. Tangana, entre otros artistas.
Yard Act es un grupo de post-punk de Leeds que acaba de publicar su álbum debut, ‘The Overload’, a través de Island Records. La banda formada por James Smith (voz, letras), Ryan Needham (bajo), Sam Shjipstone (guitarra) y Jay Russell (batería) es una de las sensaciones del momento en Reino Unido a nivel crítico y comercial, pues no solo ha sido nominada al BBC Sound of 2022 (ganado por PinkPantheress) sino que, además, ‘The Overload’ se encuentra ahora mismo en el top 2 de las «midweeks» británicas. Solo Years & Years impide a la formación debutar en el número 1 este viernes.
¿Cuál es el secreto? Yard Act es otro grupo de post-punk que recuerda a mil cosas pero se diferencia de bandas contemporáneas como Fontaines D.C. o shame en que sus canciones son harto divertidas y desenfadadas. El cantante suena a veces como Mark E. Smith, pero muchas otras en realidad como Alex Kapranos, y letras como la de ‘Rich’ son deliberadamente cómicas.
‘The Overload’ es por tanto un disco muy ameno de escuchar, y la pista titular es hoy la Canción Del Día pues es una de las más divertidas. El estribillo coral es una fiesta a pesar de que habla de un sentimiento de hastío vital («la sobrecarga de descontento, el continuo peso de que todo tenga que tener sentido») y la letra está «cargada» de ironía.
Son tres los narradores que encontramos en ‘The Overload’. En primer lugar el protagonista es un joven que vive en la precariedad y nos cuenta que «lleva exhausto desde el 83» y que intenta sobrevivir en la «era de la salvaje gentrificación»; el segundo narrador es un anciano que se queja de que la gente joven se queje cuando «no ha visto un pulmón de acero» en su vida, y el tercero es el ejecutivo de una discográfica que trata de coartar la libertad creativa de la banda, con consejos como «toca solo versiones», «no te metas en política» o «hazme caso porque si no me retas en nada en realidad soy puto majísimo».
Las letras de Yard Act están llenas de personajes y sus videoclips necesariamente también. Así, el de ‘The Overload’ sitúa a la banda en un mercadillo lleno de personajes excéntricos que parecen salidos de una feria de «freaks».
‘Heat Waves’ de Glass Animals al fin alcanza el número 1 en el top 50 de canciones más escuchadas en Spotify a nivel global. El éxito de ‘Dreamland’ llevaba semanas atascado en el número 2, peleando por el puesto de honor contra ‘abcdefu’ de la artista revelación GAYLE, pero también llevaba más tiempo subiendo puestos poco a poco, sin prisa pero sin pausa.
La repercusión alcanzada por ‘Heat Waves’ ya merecía ser comentada en febrero de 2021, hace un año, cuando la canción «apenas» contaba 140 millones de reproducciones en la plataforma sueca. Hoy supera holgadamente los mil millones porque la gente no se cansa de ella pero también porque -cabe recordar- es una canción que sale en junio… de 2020. De hecho, su éxito es directamente asociable a la pandemia, época durante la cual ‘Heat Waves’ se convierte en un «enorme himno de resistencia al confinamiento», como comentamos ya entonces, pues su videoclip habla del aislamiento social.
‘Heat Waves’ debe su éxito inicial no solo a la pandemia, sino también a TikTok y también a un popular «fanfic» creado por dos Youtubers que juegan a Minecraft, pero es una de las pocas canciones que milagrosamente han conseguido trascender la plataforma para realmente llegar al mainstream: hoy acumula 7 discos de Platino en Australia, 3 en Estados Unidos, otro en Reino Unido y un Disco de Oro en España, entre otros países en los que también ha sido un enorme éxito traducido en varios Discos de Platino, como Canadá, Alemania, Italia, Dinamarca o Portugal. Todo esto sin que fuera número 1 global en Spotify todavía.
Hay quien dirá que Glass Animals lo tenían más o menos «fácil» para petarlo en algún momento porque están asociados a sellos como Capitol o Polydor que no son exactamente «indies» y todo el mundo sabe que un buen posicionamiento en la playlist de turno hace milagros, pero también es cierto que a Glass Animals el éxito de ‘Heat Waves’ se les ha ido totalmente de las manos, hasta el punto que corren el riesgo de ser considerados unos «one-hit-wonder» (o, de momento, Artista revelación en los Grammys) cuando llevan ya tresálbumes muy bien valorados y una carrera sólida a sus espaldas.
Mientras el éxito de ‘Heat Waves’ toca techo irónicamente en pleno invierno, y cuando aún queda por descubrir cuánta mecha le queda de cara al verano que se avecina, un nuevo single de Glass Animals está disponible desde el pasado mes de septiembre. Se trata de un tema simpático y bailongo llamado ‘I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance)’ que no igualará el éxito de ‘Heat Waves’… o sí. ¿Quién puede adivinar nada a estas alturas?
Damon Albarn carga contra Taylor Swift durante una entrevista para Los Angeles Times argumentando que “ella no escribe todas sus canciones” sino que las “co-escribe”, algo que choca con su visión “tradicionalista” sobre la composición.
En medio de la promoción de su nuevo disco ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ y su show en el Walt Disney Concert Hall, el cantante de Blur y Gorillaz contaba lo expuesto que le deja actuar solo con el piano, algo que es mucho más difícil que con una banda completa. “Aprendes si las canciones son buenas o si eran populares en ese momento debido al sonido y la actitud”, dijo.
El entrevistador le pregunta si cree que muchos artistas modernos se basan en «el sonido y la actitud» en lugar de la calidad atemporal de su música y él responde: “Dime alguien que no”. Aquí es cuando se le sugiere que Taylor Swift es “una excelente compositora”, a lo que Albarn responde contundente: “ella no escribe sus propias canciones”. El entrevistador menciona la validez de la co-escritura, pero no que Taylor Swift sí ha escrito sola muchas de sus canciones.
Albarn prosigue: “Eso no cuenta, sé lo que es co-escribir. La co-escritura es muy diferente a la escritura. No estoy lanzando odio a nadie, solo digo que hay una gran diferencia entre un compositor y un compositor que co-escribe. No significa que el resultado no pueda ser realmente bueno y salgan algunos de los mejores cantantes: Ella Fitzgerald nunca escribió una canción en su vida. Cuando canto, tengo que cerrar los ojos y simplemente estar ahí. Supongo que soy un tradicionalista en ese sentido. Unos compositores realmente interesantes son Billie Eilish y su hermano. Me atrae más eso que Taylor Swift. Es simplemente más oscuro, infinitamente menos optimista. Mucho menor y extraño. Creo que ella (Billie) es excepcional”. Tras estas declaraciones la entrevista siguió tratando temas como las fiestas de Boris Johnson durante el confinamiento, los 25 años que cumple Blur el mes que viene o el reciente documental de los Beatles.
Taylor Swift no ha tardado en responder a Damon Albarn, indicando que era fan de su trabajo, pero ya no, y recordando que sí escribe sus canciones: «Era una gran fan tuya hasta que he visto esto. Escribo TODAS mis canciones. Tu cita es falsa y MUY dañina. No te tienen que gustar mis canciones, pero es muy jodido que intentes desacreditar mi autoría. GUAY».
En defensa de Taylor han salido sus colaboradores Jack Antonoff y Aaron Dessner. El primero ha manifestado que «nunca he conocido a Damon Albarn y él jamás ha estado en mi estudio pero aparentemente él sabe más que el resto de nosotros acerca de las canciones que Taylor escribe y trae al estudio». A lo que ha añadido: «Si has estado ahí adelante, di lo que quieras… pero si no, ¿cállate la puta poca?» Por su parte, Dessner ha dicho: «No estoy muy seguro por qué Damon Albarn querría desacreditar el brillante talento para la composición de Taylor pero tus declaraciones no podrían estar más lejos de la verdad, y te lo digo como persona que ha estado prensando vinilos con ella. Obviamente no tienes ni la mejor idea de cuál es su proceso de composición».
En el mismo hilo de Twitter, Damon Albarn ha contestado a Swift y ha culpado a la prensa por sacar sus palabras de contexto: «Estoy totalmente de acuerdo contigo, tuve esta conversación sobre la escritura de canciones y lamentablemente ha sido reducida a clickbait. Me disculpo sin reservas ni condiciones. Lo último que querría es desacreditar tu talento para componer. Espero que lo entiendas».
@DamonAlbarn I was such a big fan of yours until I saw this. I write ALL of my own songs. Your hot take is completely false and SO damaging. You don’t have to like my songs but it’s really fucked up to try and discredit my writing. WOW. https://t.co/t6GyXBU2Jd
I totally agree with you. i had a conversation about songwriting and sadly it was reduced to clickbait. I apologise unreservedly and unconditionally. The last thing I would want to do is discredit your songwriting. I hope you understand. – Damon
Bad Bunny ha vuelto a manifestarse en Instagram tras borrar todas sus publicaciones de la red social y pasarse a TikTok, la app de moda. Ha regresado para anunciar su gira para 2022 con un clip en el que aparece su novia Gabriela Berlingeri, que le pide que no le deje sola, y Mario Casas, quien le servirá de compañía mientras el cantante esté fuera ofreciendo conciertos.
Bad Bunny se pone reflexivo y cuenta que “hay que empezar a preocuparnos menos y disfrutar más porque la vida va demasiado rápido, así que se vendieron las entradas para el último tour del mundo”. Y lanza una pregunta al aire: “Estaba pensando: ¿qué tal si anuncio mi siguiente gira? Así que en lo que yo trabajo en mi nuevo álbum que sale este año, ustedes pueden comprar los boletos para la siguiente gira». De esta forma, anuncia no solo gira para este año sino también el estreno de un nuevo disco.
‘World’s Hottest Tour’ es el nombre de esta nueva gira que por primera vez se realizará en estadios. Por el momento el puertorriqueño ha anunciado fechas solamente en Estados Unidos y Latinoamérica, algo que ya está preocupando a sus fans, que le preguntan por conciertos en Europa, concretamente en España.
León Benavente llegan a su cuarto disco convertidos en el mejor ejemplo de grupo collage. Y no lo digo de manera peyorativa: ellos mismos usan la palabra «collage» en la nota de prensa de presentación de ‘Era’, al tiempo que no ocultan en la misma sus muchísimas inspiraciones.
A menudo para el cuarteto el método compositivo es poner algo de música que les gusta… tan sólo para llevarlo al lugar más impensado. ‘Líbrame del mal‘, el single principal de ‘Era’, reúne una dedicatoria a Rafael Berrio con el tipo de narrador de Bob Dylan en ‘A Hard Rain’s Gonna Fall’, un libro de María Salgado y una frase de ‘Blade Runner’, todo ello sobre una base finalmente un tanto New Order circa ‘Temptation’. Maria Abramovic es una referencia en ‘La Gran Muralla’, como Pink Floyd lo son en ‘Canciones para no dormir’ y ‘Te comes mi corazón’ es una colaboración con Triángulo de Amor Bizarro en la que caben lo mismo Einstürzende Neubauten que James Baldwin y Leonard Cohen.
En su momento más crítico ‘Era’ es un amasijo de contradicciones, especialmente cuando el grupo trata de reírse de sí mismo en ‘Viejos rockeros viejos’, que invita a una retirada a tiempo («hay que saber irse de una fiesta antes de que se vayan los demás»), pretendiendo ser crítica con los «viejos rockeros» que se niegan a renovar su discurso. Algo raro cuando titulan un tema ‘Di no a la nostalgia’ dentro de un disco en el que caben muchísimas referencias a los años 70 y a los 80, y muy pocas al mundo actual (hasta el disco de Los Planetas reivindica a Khaled).
En su mejor momento, en cambio, ‘Era’ vuelve a ser otro discazo de León Benavente, lleno de hitazos creados como para darnos todo en los festivales aunque ellos digan que no, construcciones in crescendo y canciones-río fluyendo a toda pastilla hacia el mar.
Para no estancarse, el cuarteto ha forzado un cambio de roles, con Eduardo Baos más centrado en programaciones electrónicas, Luis Rodríguez cambiando la guitarra por el bajo, César Verdú usando la batería en lugar de las cajas de ritmos y Abraham Boba tocando por primera vez un piano acústico. Triángulo de Amor Bizarro se llevan totalmente a su terreno la agresiva e industrial ‘Te comes mi corazón’, pues no han seguido precisamente las indicaciones que les dieron León Benavente para completar el tema, sino más bien todo lo contrario; y también entre las novedades suculentas están las cuerdas aportadas por Philip Peterson (Lana del Rey, St Vincent, HAIM) en ‘La cámara de ecos’, que nos recuerda que una de las primeras voces con que quisieron colaborar León Benavente fue la de Iranzu Valencia de La Buena Vida.
Estamos hablando, eso sí, de las dos últimas canciones cuando en ‘Era’ lo que abunda es aún la imaginería kraut, synth-pop e industrial. Sea por el tipo de máquinas o por la marca de la casa, Kraftwerk, Throbbing Gristle y Depeche Mode continúan pareciendo la referencia en temas que pululan entre las pistas de baile de James Murphy y el existencialismo. Uno de los temas más emocionantes es ‘Persona’, que entre referencias a Bergman, versa sobre la ambición y la frustración («persona que lo hace mal (…) deseando ser otra persona»), consciente de la diferencia entre «lo que se imagina y lo que luego hay». Un malestar que aparece especialmente resumido en un verso de ‘La cámara de ecos’ que hace un paralelismo entre el vacío de acumular amantes y dinero («saltas de cama en cama / y ves parecidos entre esta actuación / y la acumulación de capital»).
Pese a la melancolía en algunos textos y melodías, León Benavente rehuyen la idea de hacer un disco triste, y el humor y la esperanza son también ingredientes imprescindibles de su receta. ‘Mítico’ es otro de los grandes posibles singles del álbum que todavía no han salido, pasado por un octavador con el que han tratado de «matar al cantante»: resulta casi tan divertido como la voz masculina de ‘Rufino’. Y ‘Todas las letras’ es un entretenimiento de abecedario junto a Miren Iza de Tulsa, inspirado por la exposición ‘The Atomic Alphabet’ de Chris Burden. H de «nuestra vida en HD», I de intenso, K de kraken, L de LCD y W de «algo en inglés» están entre sus ocurrencias, que nos sirven para continuar comprendiendo a León Benavente, hace ya mucho tiempo una de las bandas imprescindibles del pop nacional. La voz de una generación o dos, a medio camino entre la angustia y la lucha contra la misma.
Alison Moira Clarkson, más conocida como Betty Boo, ha regresado con su primer single en solitario después de 30 años. La británica samplea ‘Love Action’ de Human League en su nuevo tema pop ‘Get Me To The Weekend’, en el que no puede esperar a que llegue el fin de semana para volverse loca, escaparse, “olvidarse del trabajo y las facturas” y hacer de todo en las “minivacaciones” que son los días del finde.
Betty Boo cuenta en una entrevista para BBC Radio 2 el significado detrás de la canción: “Durante el confinamiento todos los días se fusionaron en uno solo. El fin de semana no parecía llegar nunca. Pensé que debía escribir una canción sobre eso. Pensar en salir y tener unas vacaciones”. ‘Get Me To The Weekend’ es el primer adelanto de su nuevo álbum que tiene previsto ver la luz a finales de este año.
Betty Boo se dio a conocer con el single junto a The Beatmasters ‘Hey DJ/I Can’t Dance (To That Music You’re Playing)’ en 1989. La artista alcanzó el Top 10 en Reino Unido en los 90s con los temas ‘Doin The Do’ y ‘Where Are You Baby?’, que lograron posicionarse en los puestos 9 y 10 en España, respectivamente.
En 1990 lanzó su álbum ‘Boomania’ y dos años después ‘GRRR! It’s Betty Boo’, antes de retirarse de su carrera en solitario. Después escribió canciones para otros artistas pop como ‘Pure And Simple’ para la banda Hear’Say y ‘Mars Attack’, ‘Boogie Down Love’ y ‘Love Bomb’ para Girls Aloud en su álbum de 2003 ‘Sound Of The Underground’.
En una entrevista para NME Betty Bo habla sobre su experiencia trabajando con Girls Aloud: “Ser una post estrella pop era como ser un ex-futbolista y trabajar en un club, aunque no tan bien pagado. Fue un poco mierda”. «Manejar las voces en un grupo es difícil porque quieres presentar a todos por igual y no presentar al mejor cantante, porque si no, los demás se molestan. Trabajé con una banda de chicas -no Girls Aloud- y una de sus madres entró al estudio exigiendo: “¿Puedes subir el micrófono de mi hija?” y yo como: “¡Vete de mi estudio!”», confesó.
Rammstein planean publicar una versión de ‘Entre dos tierras’ de Héroes del Silencio. Verá la luz esta primavera y formará parte de su nuevo álbum. Así lo ha confirmado un miembro del grupo zaragozano en el Heraldo de Aragón.
En este diario el guitarrista y cofundador del grupo, Juan Valdivia hablaba así sobre Rammstein: “Es un grupo cañero, y nos alegramos mucho de que la canción les guste hasta el punto de hacer una versión. Aunque también me parece muy bonito el trabajo de los grupos tributo que tenemos. Tuvimos cierto impacto en Alemania, y supongo que de ahí viene la cosa. Me la mandaron y les ha quedado muy bien. ¿Que si me choca lo de que sea en español? No, hombre, cantan en español en Alemania, nosotros hicimos lo mismo -ríe- hace treinta años. Fue una suerte contar con Phil y su ingeniero de sonido, el equipo técnico de aquel disco fue increíble”.
El ingeniero de sonido al que hace referencia es Phil Manzanera. Este, además de trabajar con ellos, ha colaborado con artistas como Pink Floyd, Antonio Vega o Mónica Naranjo. Joaquín Cardiel y Pedro Andreu, bajista y batería del grupo, cuentan que esta versión “se siente como un homenaje” y “un regalo de la vida realmente sorprendente”.
El nuevo álbum de Rammstein verá la luz antes de este primer semestre del 2022. Seguramente lo publicarán antes de iniciar su gira, que empieza el 15 de mayo en Praga y termina el 4 de octubre en Ciudad de México.
‘Entre dos tierras’ fue el tema que abrió el segundo disco de Héroes del Silencio, ‘Senderos de traición’, todo un clásico del rock español. El disco llegó a ser número 1 en España. En Alemania se llegó a emitir en las radios underground suponiendo el arranque del éxito de Héroes del Silencio en este país y en Europa.
En esta reciente conversación via Zoom, un locuaz Elvis Costello nos habla de su último disco ‘The Boy Named If’, de colaborar con Vega, de su admiración por Ronnie Spector, de regrabar su legendario ‘This Year’s Model’ en castellano, de la pandemia, y de su amor por el público español. La conversación comienza tras preguntarme dónde me encuentro (Pamplona) y contarme que él se encuentra en Nueva York, y que ve la nieve a través de la ventana. Foto: Mark Seliger.
Cuéntanos acerca de la concepción de este disco, aparecido en un momento muy prolífico de tu carrera…
Las canciones vinieron a mí muy rápidamente, quizá porque las compuse guitarra en mano, y porque mi única decisión de antemano fue mantener un cierto tempo y que predominase la tonalidad mayor. Además creo que las letras salen más fácilmente cuando compones con la guitarra, quizá porque el ritmo está definido más claramente.
¿Cómo fue esa grabación a distancia?
Conforme fui compartiendo las canciones con los Imposters, ellos entendieron enseguida lo que pretendía hacer. Inicialmente hubo un diálogo entre batería, voz y guitarra, y poco después Davey con el bajo aportó su “groove” y Steve [teclados] sabía perfectamente dónde debía tocar… En definitiva, no tan distinto a como trabajamos habitualmente, sólo que lo hicimos en lugares diferentes. De hecho yo estaba en el porche trasero, y eso que esta música no suena mucho a “back porch music” (risas)… grabé casi todo ahí, y de vez en cuando tenía que parar porque aterrizaba un hidroavión, que en Vancouver es bastante habitual. Pete Thomas estaba en su sótano con su batería Gretsch, es el mismo kit que tenía cuando le conocí, con el que grabó ‘This Year’s Model’. Para él es tan importante como mí Fender Jazzmaster. En este disco sólo he usado esa guitarra, yo también.
Y una vez grabado todo lo coprodujiste con Sebastian Krys…
Bueno, todo el mérito le corresponde a Sebastian por su bonita mezcla. Por supuesto yo le indicaba en plan “este detalle debería sonar un poco más presente”, o “mi voz está demasiado alta”, pero poco más. Hemos ido construyendo una amistad desde que le conocí, hacia 2007, en Miami. Yo estaba metido en un encargo muy difícil, estaba escribiendo música para el Miami City Ballet, para Twilla Tharpe, luchando por mantener bien el equilibrio entre una banda y una orquesta, y entonces me invitó a cantar con La Marisoul de La Santa Cecilia, y luego me presentó a Vega, y canté una canción en italiano con ella… Sebastian había trabajado mucho con Pete y Davey, ya que viven en Los Angeles, y entonces ocurrieron varias cosas que me acercaron más a él: me di cuenta de que tocaba volver a reunirme con los Imposters después de un tiempo haciendo cosas con otra gente, e incluso había decidido que no grabaría nada más, allá por 2011… pensé en que me concentraría en los directos y nada más, y así estuve casi diez años.
Sin embargo no fue exactamente así, ¿no?
Claro, en cuanto tomas una decisión así alguien piensa que es una mala idea. Me invitaron a tocar con The Roots, y me invitaron a participar en las ‘New Basement Tapes’… y bueno, desde ese reencuentro de 2018 con The Imposters, ‘Look Now’, la actividad no ha parado. Luego nos pidieron remezclar ‘This Year’s Girl’ para una serie de la televisión italiana, lo cual supuso recuperar las cintas originales del disco después de 40 años… y entonces los del programa nos pidieron una voz femenina en el segundo estribillo y añadimos a nuestra amiga Natalie Bergman. Y no tengo ni idea de dónde me vino la idea, pero entonces se me ocurrió “¡vamos a regrabar todas estas canciones en castellano!”.
«Si pudiera escribir una canción con Vega o Raquel Sofía o para ellas, lo haría ahora mismo».
Ahí nació el proyecto ‘Spanish Model’…
Sí. Por suerte Sebastian no pensó que había perdido la cabeza y le dio una vuelta al proyecto. Empezamos a buscar cantantes que encajasen en cada canción. A veces había dos o tres candidatos y yo escuchaba atentamente todos esos estilos tan diferentes y trataba de imaginarme el resultado… y de ahí salió una comunidad de amigos realmente maravillosa, que es como así los considero ahora, porque aportaron tanto talento, integridad, y en algunos casos, como en el de Fito Páez en ‘Radio, Radio’, estilo y humor. Y en canciones como la de Francisca y Luis Humberto cantando ‘Hand in Hand’ se realza la melodía, le sacan un precioso timbre con sus voces, o por supuesto la emoción de La Marisoul cantando ‘Detonantes’. Y otras curiosidades, como alguien que está en el momento más explosivo de su estrellato pop, Sebastián Yatra, presentando ‘Llorar’ a su público, que no tienen ni idea de quién soy yo. No importa, para ellos soy simplemente el compositor de esta nueva canción suya y ya está. El disco está lleno de maravillosas sorpresas y estoy muy agradecido a Juanes, a Luis Fonsi, cantantes de la América hispana, algo que incluye Texas, California… o gente como Raquel Sofía, o Vega: me digo “si pudiera escribir una canción con ellas, o para ellas, lo haría ahora mismo”.
Pero entonces ¿estos eran artistas que conocías, o que te sugirió Sebastian?
Bueno, conocía a Fito, he estado en su casa en Buenos Aires, conocía obviamente a Marisoul… y pronto fui familiarizándome con todos los demás si no los conocía, o si no había escuchado su música en algunos casos. Pero estaba claro que todos tenían la energía adecuada, y a veces elegíamos deliberadamente a alguien inesperado para algunas canciones. También ocurrió que algunos de los más jóvenes tuvieron que aparcar un poco algunas cosas a las que están acostumbrados, como por ejemplo grabar con claqueta, o Autotune… ¡no hay Autotune! (risas)
Igual no puedes elegir, pero ¿cuál dirías que es tu letra favorita del nuevo disco, y también tu melodía preferida? Mi letra favorita es ‘Paint Red Rose Blue’, y quizá también su melodía.
Gracias. En cuanto a melodía, esa me gusta mucho. Es una pieza con bastante emoción, porque trata de dos personas que intentan amar de nuevo después de sufrir mucho trauma. También me gusta ‘Mr Crescent’, la última melodía del disco, porque es muy añorante, y es un buen cierre después de todas esas piezas sobre el final de la niñez, porque va de un viejo sinvergüenza al final de su vida.
«El disco nuevo parte de ese amigo imaginario infantil al que culpar de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48…»
… que es un poco el concepto del disco, ¿no? Ese momento de pérdida de la inocencia al entrar en la adolescencia.
Sí, partiendo de la idea de ese amigo imaginario infantil al que echarle la culpa de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48, etcétera. Pero intento contar esa historia y esos momentos confusos sin moralizar, sin dejar las canciones perfectamente acabadas con un lacito, quería dejarle espacio a la imaginación del oyente. Por ejemplo, el hecho de que no sepas exactamente lo que está pasando, como en ‘My Most Beautiful Mistake’, que empieza como un flirteo entre un guionista y la camarera que le sirve en una cantina. Cuando él le dice “creo que podrías ser mi inspiración” ella le dice “sí, claro…”, en la voz de Nicole Atkins. Pero entonces empieza a volverse más surrealista: ¿es real lo que describe la letra o quizá es algo que está ocurriendo en una película?
Y ahí haces una mención muy guay a las Marvelettes.
Sí, precisamente eso es lo que sugiere que quizá sea la escena de una película, y eso es parte de la banda sonora. Luego al final hay ese verso donde ella dice que igual le conmutan la pena, así que… ¿quizá le mata al final de la canción, en plan peli de Hollywood? Pero en fin, tampoco hay un tema único en todo el disco. Creo que aunque escribí las letras con rapidez, tuve claro lo que cuentan, y lo que tienen en común son ciertas conexiones. Una vez que decidí que ‘A Boy Named If’ sería el título, pensé que encontraríamos a ese chico en distintos momentos de su vida en las distintas canciones, quizá no el mismo chico, pero esa parte común que tenemos todos en el interior que al hacernos mayores en algunos madura y en otros quizás no.
Has sido muy fan de toda la escena del Edificio Brill, no sólo por esa mención a las Marvelettes, de hecho has colaborado con gente como Burt Bacharach y Carole King. ¿Qué piensas de Ronnie Spector, recientemente fallecida?
Bueno, ella es responsable de una parte muy conocida de mi repertorio [empieza a cantar]: “oh-oh-oh-o-oh…” Es el verso final, sin letra, que cierra ‘Oliver’s Army’, algo que viene completamente de Ronnie, o de Darlene Love. Ya sabes, almacenas pequeños fraseos que canta otra gente e intentas que salgan de tu boca de una forma que no te avergüence. Ronnie era una cantante tremenda. Estuve con ella un par de veces, brevemente. He encontrado una foto de nosotros dos juntos, en un evento a favor de los derechos de los músicos, para pedir compensaciones justas para artistas que grabaron en los 60, y tenía un aspecto espléndido. Una noticia muy triste, tuvo un camino muy duro en muchos sentidos, pero consiguió mantener ese algo especial. Y Darlene obviamente también, y además hizo una de mis canciones. Al hablar de esa era no se puede evitar hablar de estas dos cantantes porque, además de Tina Turner, eran las voces de Spector. Y todo lo que pasó con él es horroroso… así que es increíble la fuerza que todas estas personas tuvieron para pasar por eso y seguir cantando en la actualidad, en el caso de Darlene, como el primer día.
Mi hijo es muy fan de ‘Pete the Cat’, serie de dibujos para la que compusiste música y pones voz también. Me ha dicho que te diga que tu voz es muy cool.
¡Ja ja ja! Ah, eso me alegra muchísimo. Pues mira, es muy gracioso: nos pidieron a mí y a mi mujer que hiciéramos la música y las voces, y la verdad es que a mí me gusta hacer voces en plan de broma. El caso es que el día que iba a grabar por primera vez tenía un resfriado, y me salió una voz así como… rara. Así que el problema por supuesto fue que cuando fui a la siguiente sesión tuve que encontrar esa voz otra vez dentro de mí. Una voz que hecho sonaba un poco como David Beckham (risas). No me parezco a él, pero puedo hacer esa voz. Fue divertido participar, aunque por desgracia no pudimos hacer más que la primera temporada, es muy difícil compatibilizar ese trabajo con nuestro trabajo habitual, que es básicamente actuar ante gente.
Aunque en los últimos dos años no habéis podido hacerlo mucho, ¿verdad?
Sí, los últimos dos, tres años, han sido muy extraños. Creo que más para Diana que para mí, porque el tipo de música que ella toca implica un intercambio instantáneo de ideas entre los músicos, y sentirlo en la misma sala todos juntos, mientras que la relativa tosquedad de lo que yo hago con lo Imposters significa que podemos hacer algo como este disco. Estoy seguro de que si hubiésemos intentado hacer algo más delicado y sutil nos habría planteado más dificultades. La gira más reciente de Diana se tuvo que aplazar y va a empezar en abril. Y nosotros salimos de mayo a agosto… y claro, luego tenemos que mirar todos los conciertos que se cancelaron en 2020 y 2021 y buscar dónde ponerlos, porque muchas fechas incluso de 2023 están cogidas por shows pospuestos de muchos artistas, así que hay que armarse de paciencia. Y es difícil no girar, porque puedes perder un poco el norte al no tener nadie con quien hablar, más allá de tu propio eco… que es lo malo de Internet, la gente oyendo su propio eco. Tenemos suerte de que el grado de confianza entre nosotros y Sebastian ha llevado este disco adelante, y parece que la gente lo está escuchando con el corazón abierto, no todo el mundo está diciendo “back to basics” o algún otro cliché por el estilo, de esos que no requieren pensar mucho. Están escuchando lo que hay dentro de las canciones, las ideas, el sentimiento… y haremos todo lo posible por llevarlas a los escenarios. Y quién sabe, ¡podríamos estar tocando en Pamplona, incluso!
«Poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Son las únicas vacaciones que pasé con mis dos padres»
Bueno, o en España, al menos.
Curiosamente, como quizá sepas, de los sitios menos obvios de España donde he tocado, fuera de Madrid y Barcelona… tengo un recuerdo muy especial. He tocado varias veces en el Festival de Jazz de San Sebastián, fui con los Imposters, con Alain Toussaint y también con los Sugarcanes. Y recuerdo mucho la gira por España con The Juliet Letters, por ciudades más pequeñas. Tocamos en Castilla La Mancha, Guadalajara… fue genial para nosotros, porque llevamos la música a comunidades que no tenían necesariamente un conocimiento sobre mí como cantante de pop. Así que tuve la suerte de tocar allí con mis amigos del Brodski Quartet, fue maravilloso. Y también tocamos en Andalucía. Por cierto, poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Nos llevaba conduciendo a través de Francia a la velocidad del rayo para pasar vacaciones de unos pocos días, te hablo de alrededor de 1961, así que era un mundo bastante distinto en tantos sentidos… Tengo muy bonitos recuerdos, porque son las únicas vacaciones que pasé como mis dos padres, les tengo mucho afecto a esos recuerdos. No es nostalgia, pero es muy evocador. Ciertas frases que leo en la literatura describen muy bien aquel mundo. Incluso por ejemplo ‘Pandora y el holandés errante’, ¿conoces esa película, con Ava Gardner?
La verdad es que no.
Búscala. Se rodó en Tosa de Mar, hacia 1959 o 60. Así es exactamente el aspecto que tenía ese pueblo cuando fui allí de niño. Un sitio muy tranquilo, sin hoteles. Muy distinto, una cultura muy diferente. Así que cuando pienso en volver a tocar a España me acuerdo de cómo era ir a Valencia cuando era chico, ahora que está tan llena de actividad… y he viajado por toda esa costa. Las veces que he vuelto tocando con los Attractions o los Imposters, en todos esos sitios me doy cuenta de que España son muchos países diferentes. Y también recuerdo aparecer en la película de los Pogues, que rodaron en Almería. Así que añoro volver a esa parte del mundo, no porque hable español, al contrario que mi padre… sino porque significa mucho en mi corazón, porque en todas esas ocasiones en las que he ido a tocar, he tenido más variedad de experiencias en España que en ningún otro país del mundo, excepto los EE.UU. Es el único país en el que se me ha permitido ser una persona diferente dependiendo de la música que venía a hacer. El público quizá no siempre era numeroso, pero estaban allí, y escuchaban con sinceridad, y eso es algo maravilloso. Es fabuloso cuando has creado algo tan inusual como ‘The Juliet Letters’ y piensas que hace ya 29 años fue escuchado con tanta curiosidad, y también es la manera en la que intuyo que se estará escuchando este nuevo disco en tu país.
‘Las canciones del agua’ es el nuevo disco que Los Planetas publicaban el pasado viernes, reuniendo la media decena de singles que han venido publicando durante el último par de temporadas, junto a unas pocas canciones nuevas. La primera en la frente, ‘El manantial’, un tema 12 minutos que además han escogido como «focus track» aprovechando que ya no están en Sony ni en ningún otro sello grande ni pequeño sino que editan simple y llanamente desde su casa, El Ejército Rojo.
Como ‘Islamabad‘ -una adaptación de Yung Beef- abriendo ‘Zona temporalmente autónoma‘, ‘El manantial’ es la canción más importante de ‘Las canciones del agua’, como su propio nombre indica, y es también una adaptación, solo que en este caso de su también paisano Federico García Lorca. Es hoy nuestra «Canción del Día». El poema original de Lorca podéis encontrarlo en la red bajo el nombre de «Manantial» o como fragmento de ‘1919‘ y habla de nuestra relación con la naturaleza a través de unas imágenes tan potentes y bellísimas como vanguardistas.
El narrador se acerca a la naturaleza porque quiere «entender los manantiales, el secreto del agua», azotado por el sentimiento de culpa («¡Mi corazón es malo, Señor! / Siento en mi carne la implacable brasa del pecado»), en busca de un «sexo sin mancha», y siendo finalmente aliviado por el sentimiento de comunión tras la voz imperativa que sugiere «sé árbol»:
«Sentí sobre mis brazos dulces nidos,
acariciar de alas,
y sentí mil abejas campesinas
que en mis dedos zumbaban.
¡Tenía una colmena de oro vivo
en las viejas entrañas!
El paisaje y la tierra se perdieron,
sólo el cielo quedaba,
y escuché el débil ruido de los astros
y el respirar de las montañas».
Los Planetas acompañan este relato tan apto para las actuales reivindicaciones «verdes», únicamente de piano y guitarras, recordando al formato trío que han paseado en vivo por algunos lugares como el Festival Brillante durante la pandemia: escuchar esta producción es recordar hasta la brisa que te golpeaba en la cara durante estos recitales tan inusuales en su historia.
Muy recomendable para comprender el sentido último de la incorporación de este poema de Lorca al repertorio de Los Planetas es la charla mantenida por J y Floren con Rockdelux, en la que, sin descolgarse del presente (también han adaptado a Khaled en la pista 2 del disco), hablan de la necesidad de comprender el pasado. J revela en Rockdelux que conoció este poema hace unos 7 u 8 años y que le ha dado vueltas desde entonces: «Además del poder del texto, la idea de manantial, de que la creación, la música, la lírica brota de manera natural en nuestra tierra, encierra una visión tan profética que asusta. El poeta, aún muy joven, decide dedicarse a la poesía, aunque muera, aunque lo maten por ello. Entender a Dios, a la naturaleza y explicárselo a los demás, que los demás lo escuchen. Señala el lugar donde va a morir, donde va a convertirse en árbol, la fuente de las lágrimas, en Aynadamar. Esa acequia, la de Aynadamar, pasa por el Fargue, por debajo de la casa de mis abuelos, entonces sin agua corriente. De ella cogían, con cubos, el agua. Ese manantial es muy importante en mi vida. Como Lorca», indica antes de concretar cómo The Jesus & Mary Chain les llevó a la Velvet Underground; estos, a su vez, a Bo Diddley y estos al blues, en esa búsqueda del pasado para comprender el presente y el futuro.
Preguntado sobre si el capitalismo es la aberración suprema, J responde afirmativamente, considerándolo “una regresión respecto a las sociedades religiosas” y se pregunta: “Cómo no iban a matar a Lennon o a Lorca si podían acabar con 2000 años de historia». Eso sí, curiosa la proclama contra el capitalismo, cuando los seguidores de Los Planetas se enteraron de la existencia de este álbum más por la web de El Corte Inglés en noviembre que por el propio grupo, que apenas lo confirmó en sus redes hace 6 días.
Los Nafta (no confundir con NAFTA, la banda argentina) son un grupo de rock formado por Luis Manosalva (voz y guitarra), Luis Chirivella (guitarra y coros), Gabriel Chirico (bajo), Daniel Iribarren (batería) y Maurizio Di Pietro (guitarra). Ahora afincados en Madrid, comenzaron su aventura en la música en 2015 en Venezuela, su país natal. Debido a la crisis política en la que se sumió el país en marzo de 2017, decidieron aplazar el lanzamiento de su primer EP y cada uno emprendió su propio camino. Una vez reunidos de nuevo en Madrid volvieron a hacer música y recuperar algunas pistas del EP pospuesto pero con un cambio de sonido acorde al momento.
A finales del año pasado actuaron en la sala Hangar 48 en Madrid, donde presentaron los singles previos a ‘Noches sin gravedad’, el álbum debut que acaban de publicar hace unos días. Este primer LP se desliga de sus anteriores singles para presentar un disco de “rock conceptual inspirado en un drama de detectives como pueden ser ‘True Detective’, ‘Knives Out’, ‘Se7en’ o incluso ‘Scooby Doo’. Cada canción cuenta una historia como si fuesen los capítulos de un libro o programa de televisión pasando por todas sus fases: desaparición, presentación del caso, interrogación de los sospechosos, recopilación de pistas… hasta llegar a la confrontación con nuestro culpable que acaba en una despedida llena de arrepentimientos e incertidumbre hacia el futuro”.
‘Noches sin gravedad’ presenta 12 canciones, de las cuales 8 fueron concebidas en Venezuela, donde solían tocar para amigos, en fiestas y pequeñas salas. Los Nafta se ven muy influidos por artistas como Arctic Monkeys, The Black Keys, Tame Impala, The Strokes, y también por grandes bandas latinoamericanas de diferentes épocas como Soda Stéreo o Zoé y venezolanas como Los Mesoneros. Así se refleja en canciones como ‘Nademos en el fuego’, ‘Tu secreto’ o ‘Noches sin gravedad’. Su tema ‘¿Cómo te llamas?’ ha conseguido colarse en ‘Fresh Finds Latin’, la playlist de Spotify que incluye “lanzamientos frescos de artistas y sellos latinxs independientes” y el grupo aparece en portada de dicha lista, lo que puede representar su «breakthrough».
EN tiempo de funciones escolares -niñas y niños haciendo representaciones navideñas antes de empezar las vacaciones-, la actuación de Olly Alexander en el vídeo de ‘Sweet Talker’ presentado el pasado mes de diciembre tenía un poco ese nivel. La función empieza como una fantasía BDSM medieval: Alexander, caracterizado a la manera de Timothée Chalamet en ‘The King’ (2019), encerrado en una oscura mazmorra custodiada por dos hombretones enfundados en armaduras.
El cantante (y actor, no lo olvidemos) logra liberarse de sus amos, y corre por los pasillos del castillo-colegio hasta meterse por una “puerta dimensional” a la manera de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Tras resolver un acertijo dificilísimo, encuentra una llave que le dará acceso a una estancia donde hay una espada clavada en una roca al estilo Excálibur.
“Arturo” Alexander se abrirá camino a espadazos (todos los muertos se desintegran en bolas de caramelo), hasta llegar a un salón de baile donde se ubica la corte de un rey fauno. ‘Dentro del laberinto’ (1986), ‘El laberinto del fauno’ (2006) o ‘Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas’ (2020) son algunos de los referentes cinematográficos (confesados por la propia autora del clip, Sophia Ray) que saltan a la vista. Tras marcarse un tango porque sí, Olly mata al rey con Excálibur y se convierte en el nuevo monarca. Fin de la función.
El equipo de Thierry Mugler anuncia en Instagram que el diseñador ha muerto este domingo: «Nos entristece enormemente informar del fallecimiento del señor Manfred Thierry Mugler el domingo 23 de enero de 2022. Que su alma descanse en paz”. El artista nacido en Estrasburgo en 1948 se había trasladado a París con 20 años, fundando su marca Café de París en 1973, y después Thierry Mugler. En la actualidad tenía 73 años.
Thierry Mugler había estado vinculado de diferentes maneras con hitos de la historia de la música pop como David Bowie, Diana Ross, Grace Jones, Madonna y George Michael. Entre sus prendas más icónicas están las que llevó Bowie en Saturday Night Live en 1979 (entre otras ocasiones), el vídeo de ’Too Funky’ de George Michael o el vestido de Demi Moore en ‘Una proposición indecente’, considerado uno de los vestidos más famosos de los años 90.
Últimamente Cardi B, Rihanna, Dua Lipa y Katy Perry han llevado cosas suyas rescatadas del pasado pese a que se había retirado de la marca Mugler en 2002, volviendo como consejero en 2013. Mugler también fue director artístico de la gira ‘I Am…’ de Beyoncé en 2009, mientras Lady Gaga rescató un modelo suyo para el vídeo icónico de ‘Telephone’, el de la palmera negra sobredimensionada. Un revival que le permitió ser una de las marcadas de lujo más aclamadas entre la generación Z.
El interés artístico de un disco como ‘Toy’ es muy limitado, incluso aunque escuchar a David Bowie sea un placer en cualquier forma, por desgracia no una obligación en todos los centros educativos de secundaria. Por un lado, es una confusión para el público generalista encontrarse todo esto como novedad en 2021 o 2022 en las estanterías de las tiendas físicas o en las sugerencias de “novedades viernes”. Esto no es un disco de canciones inacabadas de la última etapa de Bowie (cosa que existe), ni siquiera del año 2001, cuando realmente se llegó a planear su edición. Estos temas rechazados por una discográfica, EMI/Virgin, que no vivía su mejor momento organizativo, no expresaban su sentir después de haber arrasado en Glastonbury 2000.
Por otro, sus fans ya saben perfectamente qué es ‘Toy’, y no representa gran novedad para ellos: el álbum se filtró hace más de 10 años. Se trataba de un proyecto que Bowie quiso publicar para que sus seguidores pasaran el rato, regrabando canciones de sus inicios en torno a 1966, junto a temas de otras épocas que sus seguidores conocían como caras B y descartes. Algunos han dado tantas vueltas por recopilatorios, cajas y ediciones deluxe que necesitaríamos varios croquis para explicar su procedencia. Rechazado como disco, ‘Toy’ fue perdiendo cada vez más sentido cuando Bowie empezó a concentrarse en ‘Heathen’ (2002) y ‘Reality’ (2003), recuperando a Tony Visconti, y ahora se ha editado como parte de la gigantesca caja ‘Brilliant Adventure (1992–2001)’ y también de manera independiente.
Volver a mediados de los 60 supone reencontrarnos con el Davie Jones adolescente, que en torno a los 18 años ya comenzaba a lanzar sus primeros sencillos sin ningún tipo de éxito. Reencontrarse con descartes o temas que llevaron al infravalorado debut ‘David Bowie’ es encontrarnos con un David Bowie olvidado: el cautivado por el pop barroco de la época, y por el folk de arreglos orquestales muy vistosos. Flautas, oboes y tubas sobreviven en ‘Toy’, pero la regrabación de los 2000 de David Bowie lleva las canciones al rock que practicaba en la época y tan buenos resultados le había dado en Glastonbury. Con alguna salvedad como la destacable ‘Shadow Man’, que en verdad es una balada acústica que procede de las sesiones de ‘Ziggy Stardust’, si la escucha de ‘Toy’ llega a ser agradable es por la cierta pegada comercial de sus canciones guitarreras.
Son temas de letra tan machacona como ‘You’ve Got a Habit of Leaving’ (su estribillo es simplemente «a veces lloro, a veces estoy triste, a veces estoy tan contento»), y tan directos como ‘I Dig Everything’. De hecho, en cierta medida el CD2 con tomas alternativas funciona algo mejor con una secuencia diferente en la que ‘Can’t Help Thinking About Me’ -que avanzaba ya los intereses narrativos y desarraigados del joven Bowie, que habla sobre un personaje que va a misa, teme ir a la escuela y huye de algo- y ‘Baby Loves that Way’ aparecen en la primera mitad y no en la segunda. Algo que podría ser definitivo de no abrirse ese segundo disco con una versión de ‘Liza Jane’ de sus tiempos rhythm and blues alargada hasta los 5 minutos cuando la original, el primer single de Bowie, duraba exactamente la mitad.
El CD 3 rescata versiones acústicas de estas canciones, lo que beneficia especialmente a piezas como ‘Hole in the Ground’, la balada ‘Silly Boy Blue’ o a ese punteo luminoso tan indie-pop de ‘Conversation Piece’ (que lo mismo podría sonar a The La’s que a R.E.M.), pero el grueso de ‘Toy’ se caracteriza por estar grabado por la que era la banda en vivo de David Bowie en la época: Earl Sick a la guitarra, Mike Garson a los teclados, Mark Plati al bajo y la co-producción, y Sterling Campbell a la batería. No fue la mejor idea de un Bowie que en aquella época simplemente producía canciones apañadas en lugar de ofrecer ideas realmente vanguardistas como había hecho todos y cada uno de los años que conformaron la década de los 70.
El año pasado grabábamos un podcast en el que nos preguntábamos si realmente España quiere ganar Eurovisión. Como si los duendes hubieran escuchado nuestras plegarias, la celebración en unos días del Benidorm Fest supone algo más que una pequeña luz al final del túnel. Por primera vez en años vuelve a haber ilusión entre los eurofans españoles gracias a propuestas aspirantes tan variadas como las de Rigoberta Bandini, Tanxugueiras o Rayden. RTVE no solo incluía propuestas tan underground como la de Luna Ki, sino que ampliaba el espectro a la balada clásica (Gonzalo Hermida) al indie (Varry Brava), el dance noventero (Javiera Mena) o la propuesta meta anti-edadismo (Azúcar Moreno).
El nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, está dedicado a realizar una valoración de cada una de las 14 canciones aspirantes, analizando los pros y contras de cada propuesta e incluso imaginando quién puede salir beneficiado o perjudicado de las puestas en escena.
Podcast que grabamos hace unos días, antes de saber que Luna Ki se retiraría, y antes de saber cómo se repartirían definitivamente las entradas (se han entregado a asociaciones de fans) y quién compondría el jurado, lo que condicionará indudablemente que la decisión final sea más atrevida, conservadora o mainstream. A falta de averiguar lo que suceda estos próximos miércoles, jueves y sábado, antes de que se cocine el nuevo #EURODRAMA, parece claro que Måneskin han cambiado el festival, probablemente para siempre… y que el camino al certamen, pocas veces fue tan divertido.
Luna Ki ha grabado un vídeo de 6 minutos lanzado «desde 2034», en el que explica su decisión de retirarse de la carrera eurovisiva, al no permitirse el uso de Autotune en el Festival de Eurovisión. En él explica que habría podido decir que no actuaba en el Benidorm Fest pero como artista debe defender «la verdad». En el vídeo responde las críticas de que no sabe cantar in Autotune: «Luna canta sin Autotune, pero Luna Ki canta con Autotune. El Autotune es parte de la esencia de esta canción (‘Voy a morir’), no solo es una herramienta del directo, sino parte del concepto de la canción». A continuación, lo compara con cambiar una guitarra eléctrica por una guitarra acústica en una canción en la que no pega.
Luna Ki asegura que es «una artista, no una intérprete» y cree que Eurovisión «no es un concurso de habilidades vocales, como OT o La Voz», haciendo a la vez un llamamiento para que haya «un cambio» en este tipo de formatos en pos de proyectos más electrónicos. Por último, narra cómo han sido estos días para elle, asegurando que está viviendo momentos muy duros, y que con más tiempo podría haber adaptado la canción para presentarla en Turín sin Autotune, pero que en tan pocos días no se ha visto capaz.
RTVE daba este domingo por la mañana la noticia, que se mantiene como «trending topic» 24 horas después, recordando que el uso de Autotune está desestimado por la normativa del festival. La noticia se ampliará este lunes en rueda de prensa a las 16.30 horas. Eurovisión ha consentido incluir coros pregrabados en su última actualización de normas, y la música es en playback desde 1999, pero no ha dado el paso de incluir el software que es el pan nuestro de cada día en los conciertos de los últimos tiempos.
La propuesta de Luna Ki, ‘Voy a morir’, era una de las más rupturistas, al incluir no solo Autotune, sino guitarras metal, un mensaje destructivo y una estructura más propia del trap que de la canción pop tradicional. Así se siente en la difuminación de estribillos, pre-estribillos y ganchos melódicamente diferentes (de «voy a morir» a «he quemado un coche»). Realmente sonaba muy próxima a gente como Rina Sawayama, Poppy o incluso Grimes. Además, podía haber sido la primera representación no binaria que tuviera España en el festival.
Durante la presentación de las canciones, Luna Ki no realizó un a capella de ‘Voy a morir’ sino que simplemente recitó. En el nuevo episodio del podcast de JENESAISPOP comentábamos que, pese a ello, su propuesta podía conectar con las nuevas generaciones de diversos países europeos.
El comunicado de Luna Ki en su Stories indicaba: “Luna Ki ha comunicado a RTVE su decisión de retirarse del festival Benidorm Fest, ya que la normativa europea de Eurovisión ha prohibido finalmente el uso del autotune en el festival. Nos entristece, ya que el autotune es una herramienta musical que ha sido utilizada por artistas como Cher desde el 98, y que representa parte del sonido e identidad de una generación. Luna considera que su canción ‘Voy a morir’ ha sido compuesta con dicha herramienta y que su sonoridad y timbre son partes imprescindibles de su interpretación.
Luna es una persona sensible y está pasando un momento emocional delicado, por lo que pedimos a todxs el máximo respeto y amabilidad. Luna se siente responsable ante el público del Benidorm Fest, ante los demás artistas participantes y ante RTVE, por lo que dará una explicación detalllada acerca de su decisión. Por último, queremos agradecer a RTVE y en especial a Eva Mora y María Eizaguirre su apoyo y sensibilidad en todo momento”.
Luna Ki se retira del Benidorm Fest con su tema “Voy a morir”.
Así lo ha decidido al no poder utilizar ‘autotune’, cuyo uso está desestimado por la normativa de Eurovisión.
Entre los discos que el sello madrileño Elefant (La Casa Azul, La Bien Querida) ha publicado en los últimos meses de 2021 está el de Cour de Récré. Un estupendo vinilo de color rosa y portada y encarte amarillos que supone el debut a lo grande de este grupo francés que tiene a Freezepop entre sus bandas de referencia y que también nos recuerda a los tiempos en que Elefant editaba a La Monja Enana y después a los ya tristemente desaparecidos Stereo Total. Foto: Marion Diaz.
El grupo fue formado en la distancia por Stan y Héloïse, él desde Francia (en concreto desde Avignon) y ella desde Chile. Al final Chloé ha sustituido a Héloïse, uniéndose en el proyecto otro amigo de Stan llamado Quentin. Las canciones del álbum de Cour de Récré tienen referencias también como The Pirouettes o Lio. Entre los singles está un tema primigenio del grupo llamado ‘Vice et Werther’, hay temas con la pegada de ‘Coeur Cruel’ y una canción en castellano que te costará identificar.
Pero es el sencillo ‘Agathe, Agathe’ el que seleccionamos como “Canción del Día” hoy. Se trata de otro festival synth-pop de teclados que nos llevan al revival juguetón de los años 80 de los primeros 2000, abordando la historia de un «hombre que se enamora de una chica intoxicada en una fiesta». Su estribillo es “Agathe, te observo mientras estás en coma / Sí, lo sé, dicho así parezco un psicópata”, aunque las intenciones parecen buenas: “déjame traerte un vaso de agua pura”. Como curiosidad, Lady Gaga aparece en la letra del tema, en concreto en la segunda frase (“Lady Gaga te hace la señal de que la velada se echa a perder”), mientras la coda del tema está en inglés. ¿No es loable que Elefant permanezca fiel a sus inicios al tiempo que atento a nuevas tendencias por el camino de rebe o interrogación amor?
La luz de Måneskin no se apaga. El grupo que ha cambiado el curso de Eurovisión probablemente para siempre -no hay más que ver qué tipo de artistas ahora sí se presentan, de Rayden a The Rasmus- ha conquistado también Estados Unidos. Su versión de ‘Beggin’, un tema de 1967 de Four Seasons, ha estado durante 6 meses en el Billboard Hot 100 tras haber sido top 13 y esa ha sido su elección para la primera actuación de la banda en Saturday Night Live.
No es muy habitual ver a un grupo de origen italiano actuar en un programa de máxima audiencia en Estados Unidos, y seguro que esta correcta rendición de ‘Beggin’ sirve para asentarlos.
En segundo lugar y tras el pertinente cambio de vestuario, Måneskin han presentado su tema ‘I Wanna Be Your Slave’ en directo. Se trata de otro de los grandes éxitos de su mini álbum ‘Teatro de’ira Vol. 1’, que de hecho dejaba la canción ganadora de Eurovisión ‘Zitti E Buoni’ casi como algo secundario. Una presentación esta, en la que por un momento, creíamos que íbamos a ver la famosa práctica de sexo oral a una guitarra de David Bowie. «Guitar fellatio», lo llamaban, en los tiempos en que Bowie presentaba en vivo su obra maestra ‘The Rise & Fall of Ziggy Stardust’ acompañado del guitarrista Mick Ronson.
La casualidad ha hecho que el año pasado coincidieran dos novelas ambientadas en la decadente Glasgow de los 70 y 80, una ciudad degradada y violenta por efecto de la crisis económica provocada por la reconversión industrial. La primera fue ‘Hijos de febrero’, de Alan Parks. Un sórdido y brutal relato criminal situado en los bajos fondos y los barrios obreros de la gran urbe escocesa. La segunda es ‘Historia de Shuggie Bain’, ambientada en los mismos barrios pero en un tono muy diferente.
El extraordinario debut de Douglas Stuart, diseñador de moda de 45 años (ha trabajado para Calvin Klein o Ralph Lauren), ganó de forma inesperada el Premio Booker, el más prestigioso en lengua inglesa. Stuart era un desconocido y no tenía apoyos de ningún tipo. De hecho rechazaron su manuscrito en más de 40 ocasiones. Sin embargo, una vez leído, lo más increíble no es que le dieran el premio, sino que este libro sea una primera novela y que las editoriales lo rechazaran (alguien capaz de describir la vigilancia de las vecinas fisgonas con la frase “sentir la brisa de mil visillos agitándose” debería disparar las alarmas de cualquier editor).
La historia de Shuggie Bain no es exactamente la de Stuart, pero casi. Al igual que el protagonista de la novela, el autor es hijo de una madre alcohólica, creció en un barrio de Glasgow azotado por el desempleo y la pobreza, y sufrió acoso escolar por su amaneramiento. Su historia es la de muchas familias obreras británicas que sufrieron los golpes del puño de hierro de Margaret Thatcher. La de las novelas de Irvine Welsh o las películas de Ken Loach o Mike Leigh.
La diferencia es que la mayoría de esos retratos sociales han sido contados desde un punto de vista masculino heterosexual. ‘Historia de Shuggie Bain’, en cambio, está narrada a través de los ojos de una mujer abandonada y adicta a la bebida que sobrevive con ayudas públicas, y del pequeño de sus tres hijos, un chico con “demasiada” pluma que prefiere no salir de casa para no sufrir las burlas de sus vecinos y poder vigilar a su madre para protegerla de sí misma.
También, a diferencia de muchos de esos relatos, el discurso político no está subrayado con lápiz rojo en primer término. ‘Historia de Shuggie Bain’ es ante todo una emotiva historia de amor maternofilial situada en un contexto social marcado por la crisis de la desindustrialización. Un desgarrador drama narrado con enorme delicadeza y sensibilidad, con una gran compasión por sus personajes, que contrasta con la sordidez y la inclemente hostilidad del ambiente donde transcurre. Un descenso a los infiernos del alcoholismo descrito con un escalofriante realismo (el capítulo 17 es una obra maestra de principio a fin) pero a la vez con una ternura devastadora. Sin duda, una de las grandes novelas de 2021.
Juro que, juro que, juro que… he escuchado a una persona asegurar que Rosalía puede quedar como “one hit wonder” tras el revuelo que han despertado los últimos teasers de ‘MOTOMAMI’. Dejando de lado que son eso, teasers, de además temas que ni siquiera sabemos si van a ser singles o bonus tracks, ¿cuán fascinante puede ser este grado de despiste? Si Rosalía fuera acaso “one hit wonder”, ¿cuál demonios sería su hit?
Aún recuerdo cuando tontamente pensé que el mayor éxito de su carrera iba a ser… ‘Aunque es de noche’. ‘Antes de morirme’ se ha revelado como el mayor sleeper que ha tenido con 170 millones de streamings solo en Spotify. ‘Malamente’ es su canción más emblemática ya por encima de los 200 millones. Su colaboración con Ozuna ‘Yo x ti, tú x mí’ tiene el doble, 425 millones, y se acerca a este dato ‘TKN’ con Travis Scott, unos 350.
A falta de averiguar cuál es el techo de ‘LA FAMA’ con The Weeknd, que continúa en el top 200 del global de Spotify, exactamente en el puesto 118 después de haber sido número 1 en España y de llegar al Billboard Hot 100 pese a que los más despistados creen que no es un hit (hay gente que se engaña a sí misma más que Esperanza Aguirre), son dos canciones las que realmente lideran los streamings de Rosalía, por encima de los 600 millones en Spotify.
Hasta ahora su mayor hit era ‘Con altura’, la colaboración medio rapera que la cantante hizo con J Balvin y también versos del co-productor El Guincho, que sí sigue liderando en Youtube con casi 2.000 millones de reproducciones. Pero en Spoti acaba de haber sorpasso: ahora mismo es ‘La noche de anoche’ con Bad Bunny el tema más oído de Rosalía con 612 millones de reproducciones de nada. Un éxito que ha sido una sorpresa también para el propio Bad Bunny: no es la canción más oída de él, entre las que hay que hablar de colabos como ‘Dákiti’, ‘La canción’ o últimamente la sorpresa de ‘Yonaguni’, pero está casi en su podio también, contra todo pronóstico.
‘La noche de anoche’ fue número 1 en España y Puerto Rico, además de en República Dominicana, logrando un éxito significativo en Colombia, México y Argentina, donde fue top 2, top 3 y top 4 respectivamente en el ránking semanal de Spotify. Incluso en territorios europeos, los que más se resisten en Occidente al poder de Rosalía, ‘La noche de anoche’ ha sido disco de oro en Italia y Portugal. A destacar también el caso de Estados Unidos, pues el tema llegaba a ser número 53 en el Billboard Hot 100. Veamos hasta dónde pueden llegar los singles de ‘MOTOMAMI’ y cuál podría ser su pequeño caballo de Troya en un disco suyo.
Alondra Bentley ha regresado después de tres años de parón. En estos momentos en los que prima la inmediatez y el desgaste, la bailable ‘Si tuviera’ se centra en recordar todas aquellas actividades que podríamos hacer si no nos faltara el tiempo. El día tiene 24 horas y en ocasiones necesitamos muchas más para cubrir las necesidades que la vida nos impone, ya sean laborales o personales.
Y es que en medio de la saturación y ajetreo del día a día nos olvidamos de lo que realmente nos llena, como “escribir, hacer cerámica, tocar y dibujar” y cosas tan mundanas como “bajar un rato al bar”. Con este primer single en castellano y adelanto de su nuevo disco, Alondra nos invita a detenernos a pensar “cómo la vida que nos imaginamos queda bastante lejos de la realidad”. Aprovechamos este mes cargado de nuevos propósitos para traer ‘Si tuviera’ como la ‘Canción del Día’ de hoy e intentar proponernos lograr todos esos planes en esta nueva etapa. Precisamente abriendo etapas está Alondra Bentley, quien nos cuenta un poco más de este tema pop-folk y de su próximo álbum.
¿’Si tuviera’ responde a un momento concreto de tu vida en el que dices “no tengo tiempo para nada, necesito parar”? ¿A qué época te recuerda?
Me recuerda al presente. De unos años para acá siento que he perdido el control sobre mi vida. Hay muchísimas cosas que quiero hacer y tengo la sensación que no llego a nada y cuando lo consigo es de forma atropellada. La mayoría de personas con las que hablo se siente igual que yo, es esta sociedad loca. Ya lo decía Damon Albarn en ‘Modern Life is Rubbish’ y eso que era 1993, el mundo se ha vuelto muchísimo más salvaje en los últimos 30 años.
¿Qué es lo que te animó a lanzar la canción en castellano? Es decir, esta canción como primer avance
La canción me salió de una forma muy espontánea y decidí ir al estudio y grabarla. Me gustaba la idea de publicar algo poco meditado, muy sincero y directo. Es una característica que aprecio cada vez más en cualquier expresión artística.
Este es tu primer single desde 2018, ¿es indicativo de lo que nos ofrecerá tu disco de 2022 o hay diversidad?
Hay diversidad, mucha. Todos tenemos gustos, facetas y estados de ánimo muy distintos, me gusta que los discos lo reflejen. Esta canción ya anticipa el cambio de registro y un espíritu más abierto a la hora de escribir.
‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro ha sido el mayor hit del año en España sumando hasta 9 discos de platino antes de que Promusicae cambiara el ratio para los singles en España por otro más exigente. Como siempre, es de destacar el escaso número de canciones españolas que triunfan en España. Si hablamos del top 10, apenas ‘Tiroteo’ de Marc Seguí aparece en el top 3 anual y con featurings internacionales, y ‘Mon Amour’ de Zzoilo con Aitana en el top 9.
La excepción sería C. Tangana, que además lidera la lista de discos más vendidos en España el año pasado. ‘Tú me dejaste de querer’ es top 4 anual pese a haber sido editada en 2020, ‘Ingobernable’ de Puchito ha quedado en el número 18, y también aparecen más abajo ‘Los tontos’, ‘Demasiadas mujeres’ y ‘Párteme la cara’ extraídas del mismo ‘El Madrileño’ (además de ‘Ateo’).
Con la preferencia por temas portorriqueños, colombianos o argentinos, es un éxito para Lola Indigo llegar al puesto 36 anual con ‘La niña de la escuela’ y más para Jarabe de Palo colarse en el 86 con ‘Eso que tú me das’. La primera canción en inglés de todo el top 100 es ‘Save Your Tears’ de The Weeknd en el número 30, animada por el remix con Ariana Grande. Entre los nombres anglosajones destaca el éxito de “MONTERO” de Lil Nas X (top 39 anual), ‘drivers license’ de Olivia Rodrigo (top 54 anual) y ‘Bad Habits’ de Ed Sheeran (top 56). ‘Stay’ de The Kid Laroi y Justin Bieber ha tenido una aceptación modesta en nuestro país comparando con otros territorios: top 61 anual.
‘Easy on Me’ de Adele es la gran ausencia de este top 100, pues en nuestro país quedaba en el top 12 semanal y solo ha tenido un par de meses para sumar puntos, lo cual no ha sido un impedimento para ‘La Fama’ de Rosalía y The Weeknd, que aparece en el número 98 anual, siendo la canción más joven de todo el top (7 semanas), junto a ‘Ateo’ de C. Tangana con Nathy Peluso, que en 12 semanas ha logrado posicionarse en el número 28 anual.
Así ha quedado el top 10. El top 100 completo anual podéis consultarlo en la web oficial de Promusicae.
1.-Rauw Alejandro / Todo de ti
2.-Sebastián Yatra, Myke Towers / Pareja del año
3.-Marc Seguí, Rauw Alejandro, Pol Granch / Tiroteo (remix)
4.-C. Tangana, Niño de Elche, La Húngara / Tú me dejaste de querer
5.-Farruko / Pepas
6.-El Taiger, DJ Conds / La historia
7.-Justin Quiles, Chimbala, Zion & Lennox / Loco
8.-Bad Bunny / Yonaguni
9.-Zzoilo, Aitana / Mon Amour (remix)
10.-J Balvin, Maria Becerra / Qué más pues?
Últimamente Cardi B, Rihanna, Dua Lipa y Katy Perry han llevado cosas suyas rescatadas del pasado pese a que se había retirado de la marca Mugler en 2002, volviendo como consejero en 2013. Mugler también fue director artístico de la gira ‘I Am…’ de Beyoncé en 2009, mientras Lady Gaga rescató un modelo suyo para el vídeo icónico de ‘Telephone’, el de la palmera negra sobredimensionada. Un revival que le permitió ser una de las marcadas de lujo más aclamadas entre la generación Z. 
