Clairo iba a retirarse de la música, decepcionada con una industria a la que todavía le falta mucho para superar su machismo, después de vivir una serie de experiencias incómodas con algunos hombres que parecían saber mejor que ella lo que le convenía… y entonces adoptó a su perrita Joanie. A Clairo Cottrill, icono de la generación Z donde los haya, cuidar de su mascota le hizo descubrir que la «vida doméstica era aquello que anhelaba», que faltaba en su vida, pero que no podía expresar con palabras. Le hizo reflexionar sobre la maternidad y, en su segundo disco, le ha hecho acogerse a una música serena y reconfortante, inspirada en el pop de cantautor de los años 70.
Es significativo que el primer single de ‘Sling’ haya sido el pastoral e intimista ‘Blouse‘, un corte que versa sobre la sexualización que Clairo ha sentido dentro de la industria de la música y que, de manera simbólica, cuenta con dos coristas de lujo: Lorde y Phoebe Bridgers. No es un tema comercial, pero gana con las escuchas gracias a su bonito arreglo vocal y sí es representativo de un trabajo donde mandan las guitarras acústicas, los pianos Wurlitzer, el Mellotron, los violines, las flautas, los vientos metales y en general unos arreglos delicados y bucólicos, tan 70s que el propio Jack Antonoff se ha encargado de la producción, haciendo de ‘Sling’ un álbum hermano de los últimos de Lana Del Rey y Taylor Swift, pero más íntimo si cabe. Es un cambio radical respecto a ‘Immunity‘ pero que no deja de sonar personal.
En este disco tan otoñal, tan de escuchar en el porche café en mano, mientras sale el sol, la artista de Atlanta se transforma en una de esas cantautoras que más que narrar historias parecen contarte un secreto desde lo más hondo de su alma. Sería posible hablar de Clairo en los mismos términos en los que hablamos de Sybille Baier, Elliott Smith o incluso Stina Nordenstam, pero las canciones tienen un poso más clásico y vintage. ‘Bambi’, el conmovedor tema de apertura, que habla sobre los confusos primeros pasos de Clairo en la industria, es una pequeña joya que recuerda a los Carpenters, y el álbum está lleno de bonitas baladas que entran en los cánones de un folk introspectivo y pastoral que puede incorporar guiños country (‘Wade’), armonías celestiales (‘Managament’) o guitarras intensas a lo Joni Mitchell (‘Zinnias’).
Algunas de estas baladas, como ‘Partridge’ o ‘Harbor’, deben demasiado a sus floridos arreglos e instrumentación y, sin que sus melodías terminen de definirse del todo, terminan resultando algo pantanosas, sin destacar en el conjunto. Esta circunstancia es especialmente decepcionante porque, como letrista, Clairo puede dejar con la boca abierta en algunos momentos. Cuando describe las dificultades que ha pasado para llevar una relación adelante lidiando, a su vez, con su ansiedad y su depresión (‘Partridge’), cuando nos cuenta sus momentos más íntimos (‘Harbor’) o cuando vuelve a recordar aquel momento en que por poco acabó con su vida (‘Just for Today’), se revela como una letrista clara, lúcida y honesta que nada tiene que envidiar a su contemporánea Lorde. Si estas baladas tuvieran formas más definidas y sólidas, su mensaje calaría más profundamente, sin embargo, se quedan a medio camino de conseguirlo.
Que Clairo haya descubierto que lo que más desea en su vida es estar en casa, cuidar de su perrita y, quizá en un futuro, de sus hijos, y simplemente ser feliz en la montaña, tras mudarse de la ruidosa Nueva York a Massachusetts (qué envidia), significa que este disco siempre iba a ser profundamente introspectivo. Pero ‘Sling’ tiene más dimensiones de lo que parece a simple escucha. Más allá de los pequeños detalles de producción, de una melodía que se te revela como mágica en el momento más inesperado (‘Little Changes’) o de sus poéticas letras, el álbum se va de la tangente en algunos puntos para bien. El ritmillo disco-pop vintage de ‘Amoeba’ trae a la mente a la mejor Natalie Prass, dando lugar a otro tema ultra-adictivo de Clairo; pero también son gratificantes momentos como el clímax orquestal de ‘Wade’, muy Joanna Newsom, o una ‘Joanie’ que aporta un necesario momento de oxígeno instrumental al largo. No es un sonido que parta necesariamente de ‘Immunity’, pero a Clairo le sienta como un guante.
Coldplay han dado los detalles de su nuevo disco, el décimo de su carrera. ‘Music of the Spheres’ sale el 15 de octubre. El pre-pedido del álbum ya está disponible y la web de la banda británica muestra desde hoy todas las ediciones físicas con las que contará este trabajo, incluido un «cassette bundle» de lo más pintón.
El tracklist de ‘Music of the Spheres’ incluye 11 pistas, y cuatro de ellas están tituladas con emojis. En las plataformas de streaming está disponible también desde hoy una pista nueva de Coldplay llamada ‘Overtura’ que en realidad es el «trailer» del álbum, con el que se avanzan todas sus pistas, entre las que es posible apreciar producciones tipo llenaestadio, otras más electrónicas, otras más rockeros o baladas con arpas. El álbum ha sido íntegramente producido por Max Martin.
HIGHER POWER
HUMANKIND
✨
LET SOMEBODY GO
❤️
PEOPLE OF THE PRIDE
BIUTYFUL
🌎
MY UNIVERSE
♾️
COLORATURA
En redes, Coldplay anuncia que el viernes verá la luz la última pista de ‘Music of the Spheres’, ‘Coloratura’, pero que el siguiente single oficial del álbum no llegará hasta septiembre, sin que se conozca su título por el momento. Un rumor apunta a que el segundo single de ‘Music of the Spheres’ sería ‘My Universe’ y que contaría con la colaboración de BTS.
‘Higher Power’ ha sido un éxito modesto para la banda, especialmente tras la recepción más tibia que obtuvo su largo anterior, ‘Everyday Life‘. Aunque quizá lo subestimamos por llegar demasiado a la cola de ‘Blinding Lights’, como si eso fuera algo malo, ‘Higher Power’ es un buen tema de synth-pop que, con razón, se mantiene dignamente en el top 30 de la lista de singles británica.
‘Llámame’ de Ant Cosmos es una de las canciones que has podido escuchar recientemente en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» y también en la playlist de música nacional y escrita en castellano «Sesión de control«. ‘Llámame’ es un fresco tema de pop caribeño que va en camino de convertirse en el mayor éxito de Javier Auserón hasta la fecha, pues pronto alcanzará los números de ‘Tal vez‘ cuando este tema salió hace 5 meses y ‘Llámame’ hace dos semanas.
Como la de Tiburona, ‘Llámame’ es a todas luces una de esas canciones del verano alternativas de 2021 y, también, una producción muy Ant Cosmos en su fusión refinada y minimalista de ritmos propios del reggaetón-pop y guitarras luminosas entre el jangle-pop y el rock surfero. Con motivo de que ‘Llámame’ es hoy la Canción Del Día hemos solicitado a Ant Cosmos que arme una playlist con las que están siendo sus canciones del verano.
En la playlist sorprende, o no tanto, el gusto de Ant Cosmos por la música de los 80: es posible encontrar en la lista un tema de post-disco en francés, ‘Dans l’eau de Nice’ de Alec Mansion, irresistible, y otro en brasileño, ‘Moral Tem Hora’ de Cristina Camargo, muy boogie a su vez; pero también temas bastante conocidos de Madonna (‘Lucky Star‘) y Grace Jones (‘Pull Up to the Bumper’).
La reivindicación coterránea de la playlist de Ant Cosmos llega con la banda de Santa Cruz de Tenerife Palmera y su tema de 1983 ‘Luci’, a medio camino entre el rock’n’roll y las armonías del Dúo Dinámico. Pero la lista viaja por diversos lugares y sonidos: de la serenidad de ‘Guapa’ de Juan Wauters pasamos al chill-out de ‘Loverboy’ de Lomboy y de ahí al dancehall duro de ‘Popalik’ de CHO. El tema más reciente, de los que no son propios, es de Kali Uchis y en la playlist hay espacio también para los ritmos del UK garage y las melodías de piano.
Intercaladas entre todas estas pistas aparecen varias canciones de Ant Cosmos. A parte de ‘Llámame’ suenan la alegre ‘After Party’, una ‘Tal vez’ que ya fue Canción Del Día en estas páginas por su sonido melancólico a lo Drake; y finalmente el trap melódico y envolvente de ‘Tu tejado’.
Carolina Durante han cancelado su concierto en el Wizink Center de Madrid del 20 de diciembre. Es el mismo evento que ya había sido pospuesto en una ocasión (la fecha original era el 28 de diciembre de 2020). La devolución de los importes de las entradas se efectuará de manera automática o presencial, dependiendo de dónde se adquirieran las mismas.
En un comunicado, Sonido Muchacho explica que «el motivo de dicha cancelación es que (el concierto) no podrá celebrarse en las características y montaje con que fue previsto inicialmente, y tanto el grupo como el organizador han decidido cancelarlo a la espera de una mayor certidumbre a la hora de organizar eventos musicales». Carolina Durante han dicho que «lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto».
La noticia es a todas luces decepcionante para el grupo y las personas que planeaban acudir a verlos actuar en el que iba a ser el concierto más importante de su carrera. Quedan varios meses para diciembre y en España el ritmo de vacunación es el mejor de toda Europa. Sin embargo, y a pesar de que por ejemplo Lola Indigo acaba de actuar en el Wizink Center, parece que no termina de verse claro que este tipo de conciertos se celebren todavía. Como apunta Arturo Paniagua, «la luz está al final del túnel, pero parece que el túnel es cada vez más largo».
Carolina Durante acaban de ser noticia tras el lanzamiento de su divertido nuevo single, ‘Moreno de contrabando‘, que ha pasado por la sección Canción del Día. Un tema que precisamente está inspirado en la pandemia para hablar de una Madrid «vacía» y distópica donde el verano está prohibido. El nuevo disco de la banda sale «a la vuelta del verano».
cancelado el wizink de diciembre. lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto 🖤 pic.twitter.com/YWYfColHMh
BIME Live, uno de los festivales referencia del otoño, volverá este año para celebrarse los días 29 y 30 de octubre, en torno a las fechas habituales. Manteniendo el formato de festival de dos días y con un aforo adaptado a las circunstancias actuales, el festival se traslada al Bilbao Arena de Miribilla.
Hoy, el festival presenta su cartel completo, centrado en los sonidos urbanos. Entre los artistas confirmados se encuentran el dúo de raperos Natos y Waor, uno de los más exitosos de nuestro país; y también la archiconocida Bad Gyal, así como Trueno, autor del hit ‘Mamichula‘.
A ellos se suman Ana Tijoux, Iruña, Chill Mafia, Maikel Delacalle, Frente Cumbiero, el cuarteto liderado por el compositor y productor Mario Galeano; y la poeta Laura Sam junto al productor Juan Escribano en su proyecto conjunto.
Los abonos de BIME Live saldrán a la venta el jueves 22 de julio a las 12 horas y se podrán adquirir en la web del festival.
Mientras el debate en torno a la terminología de que lo que se llama «música urbana» continúa abierto siguen apareciendo artistas en España que florecen dentro de sus parámetros, como es el caso de Lix Molina. La artista valenciana empezó en la música tocando la batería, por lo que se considera músico antes que cantante, y después pasó también a ejercer de intérprete. Hoy tiene varios singles publicados en los que plasma su gusto por los sonidos del R&B y el neo-soul contemporáneos, a los que no se cierra en absoluto.
Ahí está, por ejemplo, uno de sus mayores éxitos. ‘Fasterossa’ está lleno de referencias a las motos, a «quemar llanta», pero Andrea Felix no solo se monta en una moto en esta canción, también se sube a una base de electro-house que nos lleva a las discotecas de Nueva York de finales de los 70 y primeros 80. De hecho, ‘Canino’ empieza como un tema de R&B contemporáneo lleno de detalles para terminar también en la pista de baile sin que nadie lo espere; y una de las mayores sorpresas de su repertorio es ‘TOY-ASK’: si pensabas que solo a Bruno Mars y Cardi B le interesaba hacer new jack swing en el siglo XXI, te equivocabas.
Entre otras interesantes producciones como ‘Trash’ termina destacando el single más reciente de Lix Molina. ‘Lento’ puede ser su grabación más sofisticada al moverse a medio camino entre el deep-house, el post-disco y las profundas y evocadoras producciones de Kaytranada. Una canción de voces susurradas que narra una noche de pasión con tirones del pelo pero también momentos de cierta violencia, con su amante enfadado de repente, al que ella advierte: «la cosa es muy simple, te he dicho que no me grites».
Sobre ‘Lento’, la comunidad de música independiente Acqustic, de la que forma parte Lix Molina, ha explicado que «es un tema que habla desde la libertad las noches de Madrid, de enamorarse, de pelear, de sentimientos viscerales del comienzo de una relación», y que «habla de ese momento que no quieres que acabe, pero que te da miedo que dure para siempre. Nos contextualiza las primeras citas en bares emborrachándote con un desconocido, el liarla por la calle, llegar a casa borrachos y bailar y besaros descalzos, despertaros con el suelo pegajoso de cerveza y vino y de esa incertidumbre sobre si os volveréis a ver… O no».
La adaptación de ‘Memphis Blues’ continúa formando parte importante del repertorio en directo de Kiko Veneno. Fue de lo mejor, por ejemplo, de su reciente concierto de presentación en un acto de los Premios MIN. Una máxima dylanesca, «el hambre por absorber, investigar y expresarse», inspira el título del nuevo disco que este verano ha sacado Kiko. Y hay que decir que ese «hambre», esas ganas de sumergirse en cosas diferentes, se ve en pocos artistas de 70 años, sean de aquí o de fuera, y en ese sentido ‘Hambre’ es todo un regalo para los aficionados a la reinvención.
‘Hambre’ es la continuación del disco experimental anterior de Kiko, ‘Sombrero roto‘, hasta el punto de que 6 de sus composiciones proceden de aquella época, sólo que no se terminaron a tiempo. No es, en cambio, un álbum de descartes, pues el nivel compositivo es alto, pero sí se puede decir que sigue donde el anterior se quedó, en este caso producido por Javi Harto Rodríguez, conocido por sus trabajos con ANTIFÁN, Rels B, Pedro LaDroga, Cariño, Erik Urano o C. Tangana. Muy reseñable esto último si recordamos que Kiko Veneno acaba de sumarse un disco de platino por el éxito del single ‘Los tontos’ del disco de ‘El Madrileño‘.
No es esa faceta alegre, en cambio, la que predomina en ‘Hambre’, lo cual es una decisión totalmente deliberada. Cuenta Kiko Veneno en varias entrevistas que «le cansa que la gente le vea como algo alegre», y por eso ha querido tratar también lo trágico en este disco especialmente, hablando «por primera vez de cosas como el dolor o el cansancio». Es esto algo muy visible en canciones como ‘Estoy cansado’, que se alarga hasta los casi 6 minutos de duración entre electrónica meditativa, un goteo martilleante y frases tan representativas como «sabes en el fondo de tu piel, que nada volverá a ser como ayer»; o también en la hermosísima ‘Duele’, con una serie de detalles en su segunda mitad en cuanto a producción, que podrían haber sido ideados por genios tan polifacéticos como Vincent Delerm.
Por más que el disco comience «estoy fatal de la voz y la letra se me ha olvidado», no se refiere Kiko Veneno a sí mismo especialmente, pues él continúa con ganas de hacer cosas, sino más bien a la gente de su edad que ha empezado a tirar la toalla, a los que pretende animar. Aunque quizá eso lo consiga más bien con ese lado alegre que sobrevive en este disco, muy especialmente en la canción del ‘Gitano Dave’, que por tener, hasta parece contener un guiño melódico a ‘Oh! Susanna’, quizá porque se inspira en ‘Gypsy Davy’ de Woody Guthrie.
Es ahí cuando Kiko Veneno logra sacarnos una sonrisa, si bien no es que lo más serio le haya quedado mal en absoluto. Hay una maravillosa calma coheniana en la final ‘La felicidad’, en este caso con ecos de dream pop, resultando uno de sus temas más poéticos y sanadores. Una tranquilidad universal que trasciende dejando atrás los momentos más chocantes del álbum: el extraño parecido de ‘Luna nueva’ con ‘Black or White’ de Michael Jackson, o el de las manecillas del reloj de ‘Dónde van’ con ‘What Do You Mean’ de Justin Bieber. Entre conexiones con ‘Omega’ puntuales, como en ‘Madera’, ‘Hambre’ avanza reservando ciertas sorpresas en su secuencia y en sucesivas escuchas. No sé si han sido sus singles de presentación los adecuados para revelar al mundo la grandeza de lo contenido aquí, pero lo seguro es que lo grande permanece, desde el reconocimiento de la pena y los problemas sociales en ‘Duele’ a lo saltarín del ‘Gitano Dave’.
En la primavera de 2015 visité Roma con unas amigas durante mi Erasmus (yo viajaba desde Praga) y, de camino a algún lugar que no recuerdo, cerca de la Piazza del Popolo, en el barrio de Campo Marzio, nos topamos con un avistamiento inesperado: Owen Wilson pedaleando su bicicleta. El actor estadounidense se encontraba en la capital italiana rodando la segunda parte de la película ‘Zoolander‘ y, supusimos que durante un descanso, decidió callejear por Roma montado en su bici.
6 años después de aquello he tenido una revelación leyendo los stories de Deuxmoi, la cuenta privada de Instagram que publica rumores de famosos que la mayoría de veces terminan siendo verdad, pues en muchas ocasiones proceden de gente cercana a ellos; y también historias de gente anónima que ha visto a cierto famoso en el lugar más inhóspito probadas con una foto de dicho famoso tomada a escondidas. Entre los «followers» de Deuxmoi en Instagram se encuentran Dua Lipa, James Blake, FKA twigs o Antoni Porowski de ‘Queer Eye’: ¿tendrán curiosidad por ver si alguien les ha avistado a ellos?
Entre las celebridades que aparecen de manera regular en la cuenta de esta «gossip girl» de la vida real cuya identidad Hailey Bieber cree conocer, se encuentran Shawn Mendes, Rihanna, Timothée Chalamet o el también actor Owen Wilson. Y es aquí cuando empieza a materializarse un extraño fenómeno que Deuxmoi ha terminado de sacar a la superficie porque, si alguna vez creí que mi anécdota sobre Owen Wilson era especial, nada más lejos de la realidad: la gente lleva años encontrándose a Owen Wilson yendo en bici por todas partes.
using the hype around #loki to reminiscence over the time i walked into a church in rome and literally found owen wilson looking at caravaggio's paintings dressed like a german tourist who then proceeded to leave on a comically small red bike
This is gonna sound crazy y’all. Yesterday I was in downtown Manhattan and a guy that looked just like Owen Wilson was riding a bike. I looked him in the face while he was 10 feet away from me, stopped at the cross walk and said “y’all that looks just like Owen Wilson” and I- 😂 pic.twitter.com/Ou0VTmI2Qf
Las últimas historias relacionadas con este fenómeno se centran en la «terrorífica» cantidad de veces que Owen Wilson ha estado a punto de atropellar a los viandantes con su bicicleta en algún punto del mundo. El actor ha estado a punto de cobrarse vidas en Harlem, Vancouver, Montmartre (lo cuenta este story reciente) o Roma, entre otras ciudades. Hay gente que se lo ha encontrado hasta en dos ocasiones. Un tipo se lo ha encontrado en una tienda de bicis. Y lo mejor es que no hace falta entrar en Deuxmoi para comprobar el fenómeno: una simple búsqueda en Twitter de «Owen Wilson bike» revela decenas de historias similares que datan del año 2011 hasta ahora. Owen Wilson lleva 10 años apareciéndose a la gente con su bicicleta y algunos nos estamos enterando ahora.
«He visto a Owen Wilson yendo en bici hoy», relata un tuit. «Owen Wilson casi me atropella con su bici en Soho», «mis padres acaban de ver a Owen Wilson yendo en bici en Nueva York», «¿por qué mi madre y mi hermana acaban de ver a Owen Wilson yendo en bici en Santa Monica?», «me acabo de cruzar con Owen Wilson yendo en bici en París», «Owen Wilson acaba de pasar por delante de mí en bici en Atlanta y por poco empiezo a perseguirle», «acabo de ver a Owen Wilson yendo en bici: cuando hicimos contacto visual no estaba seguro de que fuera él, pero cuando hicimos contacto nasal entonces ya sí», «acabo de ver a Owen Wilson yendo en bici y le he gritado «Luke Wilson» a la cara», «me acabo de topar con Owen Wilson yendo en bici en Santa Monica, unas 7 personas lo han visto en Soho». Y estas son solo las historias que están publicadas en las redes sociales. No se sabe a cuánta gente más se le habrá aparecido. De hecho, él mismo es consciente de este fenómeno, pues como llegó a declarar en una entrevista: «estuve en Roma dos o tres meses y creo que, para cuando me fui, todas y cada una de las personas que viven en Roma me han visto como mínimo 10 veces yendo en bici».
Nunca pensé que, tanto tiempo después de ver a Owen Wilson callejeando tranquilamente por las calles de Roma con su bici, esta pequeña anécdota se convertiría en una historia casi universal. Cuando sea mayor le diré a mis nietos que soy una de las 80.000 personas que se han cruzado con Owen Wilson montado en su bici.
‘La niña’, el segundo disco de Lola Indigo, es el nuevo número 1 del país. Y no siempre estuvo tan claro a juzgar por la aceptación desigual que han tenido sus muchos sencillos de presentación. En el momento de esta entrevista no sabemos que ‘La niña de la escuela’ va a ser un hit, tan sólo que es el «focus track» del disco el día de salida.
Ahora que esta nueva canción ronda el top 15 en España, la indiferencia puede transformarse en alivio, pero en esta charla Lola Indigo se muestra alejada -quizá incómoda- por las presiones de llegar al «top 50 de Spotify». Mimi Doblas sigue mostrando cierta inseguridad en algunos momentos, como vais a leer en algunos puntos, si bien eso no es incompatible con la ilusión que muestra por este proyecto y la decisión de su línea artística.
¿Cómo es hacer un disco en mitad de la pandemia?
Tirarte 2 años con canciones en el móvil y que no saber qué hacer. Me decía Pimp Flaco el otro día: «¿te renta sacarlo ahora con los pocos conciertos que hay?». Yo decía: «sí, la gente necesita música». Te da más tiempo a pensar en el concepto. Desde ‘Lola Bunny’ sabía cuál quería que fuera el siguiente paso, pero han nacido otras cosas en mí. También he aprendido a valorar cosas que antes no percibía, me ha venido bien.
¿El concepto entonces lo tenías claro desde ‘Lola Bunny’?
A raíz de querer ir haciendo cositas, dije: “me gustaría hacer un álbum pop, de diva pop, de popstar”. Sonar Britney. Sonar Missy Elliott. Lo que me inspiraba cuando yo era «La Niña».
Tu primer disco también es un disco de pop…
Sí, pero estaba más inspirado por el reggaetón. En este también hay reggaetón, pero sobre todo old school, como en ‘Calle’. O ‘Killa’, que es de mis favoritas, y me recuerda a Don Omar. Tiene un guiño.
¿Cómo has visto la evolución de la música latina? Bad Bunny haciendo algo tan diferente como ‘Safaera’, C. Tangana incorporando el folclore…
La gente está empezando a hacer genuinamente lo que le da la gana.
¿Antes no?
Sí, pero hubo un urbano más homógeneo y ahora estamos bebiendo de muchas cosas. Yo de pintura rosa y más pop. Hay gente haciendo de repente más club: viene Rauw Alejandro y saca ‘Todo de mí’… Es arriesgado porque no siempre se recibe igual algo así. Bad Bunny es un unicornio, da igual lo que saque. Evidentemente es un genio buenísimo.
La impresión es que la gente está abandonando los beats de reggaetón que tanto han sonado los últimos 5 años.
Ha nacido natural, yo necesitaba un cambio, soy una artista visual, y necesito un concepto. Siempre digo que me hice cantante para hacer videoclips. Mi sueño era salir en MTV. Disfrutaba mogollón de lo audiovisual, me parecía increíble. Ahora quería arroparlo con todo esto. Es un trabajazo.
¿Cuál es el vídeo del que estás más orgullosa?
‘CULO’. ‘CULO’. Y ‘CULO’ (risas). Es maravilloso. Willy Rodríguez entendió perfectamente lo que quería hacer. De la misma manera que te digo que en ‘Santería’ me monté yo la peli y es mi segundo videoclip favorito, en ‘CULO’ Willy vino y, podíamos haber hecho lo típico, pero me dijo que hiciéramos una carnicería: «tú vendes carne». Le dije: «tú eres un genio». Es el vídeo de mis sueños. Nunca me ha llegado un videoclip acabado y he dicho: «no tengo nada que decir». Es el mejor.
¿Qué aporta este ‘CULO’ a otros CULOS o a otros BOOTYS que ya hemos visto en el pop?
Es una canción que para mí trata de cómo he tenido que currármelo. Nunca la había hecho y me apetecía hacerla de una manera divertida. No estoy hablando de mi «booty», no es mi culo en sí. Estoy hablando de si quieres este éxito.
En mayúsculas.
Sí, muy en mayúsculas.
Y chillao.
Sí, chillao. Si quieres este culo tienes que currártelo y no admito garrapatas en mi vida que se adhieran.
Soy una persona que está disfrutando mucho de esta fantasía, pero echo mucho de menos las cosas cotidianas
Has hecho una canción sobre Spice Girls, muy años 2000. ¿Tenías Spice favorita? ¿Alguna que hayas seguido en solitario? ¿O alguna canción de su repertorio que no sea la típica y te encante?
No tenía favorita, me encantan siempre todas. No comparo mujeres. Cada una tiene su esencia. Es de mis canciones favoritas de las que he escrito, porque la letra es mi biografía. Soy una persona que está disfrutando mucho de esta fantasía, pero echo mucho de menos las cosas cotidianas, tener a mis colegas cerca. Tenía ganas de salirme del molde. Empecé cantándola en fiestas de amigos y era un exitazo en las fiestas.
En JENESAISPOP ya no comparamos mujeres con otras, como en la época de Lady Gaga con Katy Perry. Te preguntaba más que nada por si veías alguna Spice en solitario infravalorada, como Alberto de Miss Caffeína, que es fan de Mel C.
Siempre se ha hablado de cuál te gustaba más. Es normal, como con la Bratz. Pero mi pensamiento es que me gustaban las 5.
El disco empieza con ‘La niña de la escuela’ una canción muy divertida, que habla de una revancha…
Es ‘La venganza de los nerds’ (risas) Es la presentación de todo lo que viene después. El orden de las canciones va un poquito de eso. A todos nos ha pasado en algún momento de nuestra vida: te has sentido invisible, inadaptado… Y cuando te ha ido bien, has recibido la atención. Va sobre eso… con frases como «baja de la nube que no eres Goku». Es puramente la fantasía de la venganza de los nerds. Ser el patito feo. Es una cosa muy pop, ¿no? Es divertido.
No sé si todo el mundo se ha sentido inadaptado o al menos todos los que nos interesamos más por la música…
Acabamos siendo artistas.
No sé si tanto la gente que acosa.
La gente que acosa también tiene problemas, también son inadaptados.
Hablemos de la producción del disco. Me han gustado especialmente las baladas y no soy yo muy de baladas. Me refiero a ‘La Llorera’ y ‘CASH’, que empieza como…
Un bolero…
Me sonaba a Cuba.
Entonces me tengo que meter más en producción en el próximo disco, porque fueron ideas mías, así que gracias. ‘Cash’ la desarrollé con los niños de Medellín (Aeme). Quería hacer algo diferente, porque había hecho mucho reggaetón. Quiero bailar pero quiero que empiece bolero y que cante un chico. Y luego entro yo dura. Me imaginé que sonaba un poquito house music. Y cambiamos. Quiero una parte puente en que vuelva el bolero. Me sentí libre. Ese día me sentí muy bien. A veces me ha dado vergüenza participar (en producción). Ellos son los genios pero ese día me sentí libre de diseñar una estructura rara. En el caso de ‘Llorera’, fue Pablo Rouss el que se voló muchísimo. Es de las cosas más frescas de este país. Lo que hizo Pablo es mágico, es envolvente. El momento en que cambian los acordes al final y entran todos los coros y armonías… hace que te sientas como yo me sentía en ese momento. Pablo es mi amigo, estuvo ahí en ese momento, cuando yo no tenía fuerza para grabar ‘Nada a nadie’, que era la que tenía que grabar para mandársela a María (Mala Rodríguez). Y me salí de la pecera y dije: «que no puedo. Me siento como una mierda. No puedo decir esto porque no me está pasando».
Mala Rodríguez colaboró conmigo cuando nadie me hacía ni puto caso
En el tema con Mala Rodríguez, ¿cómo surgió la referencia a ‘Tengo un trato’?
No, no estaba. Le pedí permiso. Le mandé la canción, me mandó su chanteo y estábamos de acuerdo con que la canción tenía mucho que ver con ‘Tengo un trato’ (canta «no quiero deberle nada a nadie»). Es como «yo voy a mi rollo».
Y le dije: «¿y si al final cantamos un cachito de ‘Tengo un trato’ las dos?» Y le encantó la idea. Ha cumplido un sueño. Siempre le digo a María que la primera vez que me subí a un escenario fue en un desfile que organizaron en mi pueblo, a hacer ‘Tengo un trato’. Fue la primera canción que me aprendí en mi vida, toda entera. Imagínate un moco de 9 años cantando: «a mí no me saques el genio que te lo mato / si está gordo, lo dejo flaco». Mi familia decía: «¿pero y el moco?».
Venir aquí y tener eso ahora en un disco que es mío… es como «María, me caso contigo». Ella sabe que si yo saco un disco, va a estar. Si presenta un libro, yo voy. Si hace un concierto, yo voy. Es un apoyo real. Ella ha sido mi madrina: colaboró conmigo cuando nadie me hacía ni puto caso. Ella escuchó ‘Mujer bruja’ y le metió con maldad. Cuando escuché eso, ese «Abracadabra», se me pusieron los pelos de punta, lloré, me desmayé… Esa fue la primera vez que yo sentí el amor de alguien a quien yo respetaba.
¿Quién no te hacía caso? A ti te fue muy bien desde el principio, ¿no?
Nadie se quería montar en ‘Ya no quiero na’. Yo sabía que era un hit, pero yo no era la… finalista de Operación Triunfo.
¿Gente consolidada tipo Mala Rodríguez o del underground?
No sé a quién le mandaron ‘Ya no quiero na’, pero lo típico de la disquera. Al final me pegué yo sola, y fue muy bonito y es mi himno. Siempre va a ser una cosa muy especial para mí. Y ‘Mujer Bruja’ para mí era el himno de mujer y yo necesitaba una mujer con la que ser bruja. Solo podía ser La Mala.
Ella tiene un temazo llamado ‘La Niña’, que está un poco olvidado…
¡¿Quién ha olvidado esa?!
En 2003 según algunos medios fue la canción del año, pero nunca está entre lo más oído de La Mala.
(canta) «Por ella nadie apostaba…» Claro.
¿Te ha dicho algo de la coincidencia de nombre?
Ni siquiera lo hemos comentado porque es súper obvio. Yo hablo de Mala Rodríguez en todas las entrevistas. Si los fans hicieran un vídeo de todas las veces que yo he dicho Mala Rodríguez en las entrevistas… No es que lo oculte, es que lo llevo pegado en la frente.
¿Cuánto te importa el éxito? Que este disco iguale al primer disco.
Cero.
Hay mucho miedo a eso que nos inculcan las disqueras de la caída de los números. La música cambia, todo cambia. Yo tengo muchísima suerte porque vendo entradas, tengo un público que me viene a ver por mi show
¿En serio?
Sí, tío, ¿sabes por qué? Hay mucho miedo a eso que nos inculcan las disqueras de la caída de los números. La música cambia, todo cambia. Yo tengo muchísima suerte porque vendo entradas, tengo un público que me viene a ver por mi show. Ser artista de streaming está de puta madre, pero hacer un buen show y que la gente pague por verte en directo es increíble. Me gusta ser ese tipo de artista, y todo sube y baja. Soy muy tranquila con eso. Corro riesgos cambiando el sonido. ¿Pero qué coño voy a hacer? Sabemos la fórmula, sabemos lo que funciona, sabemos cuál es el sonido de Lola Indigo. Mi manera de hacer melodías está impregnada en ‘La niña’. ¿De qué sirve hacer otra vez ‘Mujer Bruja’ y ‘4 Besos’? Ofrecer algo nuevo y que suene pop, dosmilero, rosa, me parecía más interesante y ponía mucho más que ir a por la fórmula.
¿Cuál es el single más arriesgado de los muchísimos que hay en este disco?
‘CULO’, me molaba que el vídeo fuera una peli. Me gusta que me hayan apoyado, es muy fresita, como el disco.
Pensaba que ‘Spice Girls’: es un sonido que no se lleva, aunque de repente ha llegado Olivia Rodrigo con ‘Good 4 U’, que es una canción guitarrera que no vi venir…
Yo tampoco. Sí puede ser la más arriesgada (‘Spice Girls’), más que ‘CULO’. Es rara, es larga, me apetecía repetir el estribillo otra vez, hacer el break de la llamada de teléfono cuando digo lo del parque… Me apetecía hacer una canción de sacar una guitarra eléctrica para contar esto, de «no quiero hacer trap, ni reggaetón ni un pop. Quiero un guitarreo. Me apetece ponerme a pegar botes en el escenario con mi guitarrista».
¿Tienes el show ya ideado o qué planes tienes?
Sí, ya tenemos todo súper planeado, falta darle forma, que es lo que da más vértigo: ensayos, salir a correr para el fondo… Es un show muy complicado. Pero sé que si sigo entrenando como hasta ahora, lo puedo conseguir.
Ni siquiera cuando intento ser Lola Indigo me sale bien ser popstar
¿Algo más que quieras comentar?
El arte visual del disco, dar las gracias a Súper Fuerte. Es un pantone con el que estoy muy obsesionada, soy muy control freak, le pongo mucha atención a todos los detalles. Los chavales de Súper Fuerte me contactaron por Instagram y tuvieron unas ideas maravillosas. Hicieron unas vampiras y dije: «tenían que haber hecho lo de ‘Akelarre'». Y dije: «pues van a hacer ‘La niña'». Tuvieron ideas maravillosas y reflejaron muy bien la idea de que aunque yo me meta en una muñeca que se llama Lola Indigo para enfrentarme a todo esto, es una muñeca mal, una peluquera mal, una jardinera mal, una surfera influencer mal…. Ni siquiera cuando intento ser Lola Indigo me sale bien ser popstar».
¿Por qué mal?
Aunque pasan los años y he llegado hasta aquí, sigo sin sentirme adaptada y parte de esto, ¿no?
Pues qué pena, ¿no?
No, no es una pena. Es guay. Vivo en la realidad. No me siento parte de la farándula ni del decorado.
Me da un poco de pena observar, por las entrevistas que hago, que nadie disfruta realmente de su mejor momento de fama.
Nadie. Son momentos muy fugaces y nadie los disfruta. Estoy muy cerca de los chavales que POOOM y es muy complicado. Vienes de un pelotazo y sientes la presión de hacer otro. Me recuerda a mi época de ‘Ya no quiero na’. Antes de ‘Mujer bruja’. Que yo me sentí acojonada. Me senté en el estudio y dije: «qué cojones hago». Es una presión para los chavales. He disfrutado otras cosas, he disfrutado de dar un concierto y que venga toda mi familia a verme, y luego irme de fiesta. Pero de las cosas que tienen que ver con el top 50 de Spotify no se disfruta.
El disco es el que querías hacer, ¿no?
Totalmente…
Pues muchas gracias.
Gracias. Me encanta JENESAISPOP y os leo mucho.
Solo un año después de que viera la luz ‘Imploding the Mirage‘, el notable último álbum de The Killers, que fue Disco Recomendado en estas páginas, la banda de Las Vegas liderada por Brandon Flowers anuncia un nuevo trabajo discográfico que saldrá en torno a las mismas fechas que aquel. ‘Pressure Machine’ llegará el próximo 13 de agosto. The Killers han revelado la portada en sus redes sociales.
El disco, que ha sido co-producido por The Killers, Shawn Everett y Jonathan Rado de Foxygen, está inspirado en la vida de Flowers en Nephi, el pueblo de Utah donde vivió entre los 10 y los 16 años. Según The Line of Best Fit, las canciones de ‘Pressure Machine’ se basan en los recuerdos de infancia de Flowers, que son tan «tiernos» como provistos de una «enorme tristeza y miedo», y el álbum incorpora fragmentos de entrevistas que el grupo ha realizado a los habitantes del pueblo, donde relatan cómo es su vida allí.
‘Pressure Machine’ también será un disco post-pandemia, pues nace de comparar la vida de Flowers «en mitad de la nada» con el confinamiento: «Cuando todo de repente se paralizó sentí que era la primera vez en mucho tiempo en que me enfrentaba al silencio. Y este disco empezó a florecer a partir de ese silencio, llenándose de canciones que en otras circunstancias habrían sido ahogadas por el ruido de un típico disco de los Killers».
Después de varios dimes y diretes parece que el nuevo disco de Kanye West se acerca. El rapero lo ha presentado el domingo durante una «listening party» privada celebrada en Nevada, Las Vegas a la que han podido asistir familia y amigos. Un segundo evento tendrá lugar el jueves en Atlanta, confirma Def Jam Recordings.
Un artículo «qué se sabe del nuevo disco de Kanye West» siempre será un poco arriesgado de publicar porque todo lo que se conozca sobre este trabajo podría cambiar de la noche a la mañana. Pero el tuit de Def Jam confirma que efectivamente el álbum que está presentando Kanye es ‘Donda’, el mismo que supuestamente iba a salir justo el año pasado pero al final no lo hizo.
Si las informaciones sobre ‘Donda’ que están llegando a la red son ciertas, parece que el álbum contaría con colaboraciones de Tyler, the Creator, Baby Keem, Westside Gunn, Lil Baby, Travis Scott o Pusha T, entre otras, y que su tracklist sería el siguiente, sin huecos para los singles recientes de Kanye ‘Nah Nah Nah‘ o ‘Wash Us in the Blood‘, a menos que sus títulos hayan cambiado:
Donda
Remote
Daylight
Hurricane
No Child Left Behind
New Again
I Know God
Breathed On This
24/You’re Gonna Be OK
Come to Life
Asistentes al evento han subido vídeos de algunas canciones a internet, y se aprecia especialmente una en la que Kanye rapea sobre una situación familiar. La personalidad de internet Justin Laboy asegura que Kanye les ha puesto el disco a él y al jugador de baloncesto Kevin Durant este fin de semana y ha destacado que la producción del álbum suena «adelantada a su tiempo» y que Kanye suena «hambriento, como si quisiera ser fichado otra vez por una discográfica». Ha compartido esta información junto a una imagen de él en la que supuestamente aparece Kanye sentado con ambos, encapuchado.
De confirmarse el lanzamiento de ‘Donda’ llegaría al mercado el primer álbum de Kanye West propiamente dicho desde 2019, año en que salió el religioso ‘Jesus is King‘, al que Kanye sucedió más adelante con el instrumental ‘Jesus is Born‘, acreditado a su Sunday Service Choir. Eso sí, los tiempos en que esperábamos una nueva obra maestra rompedora de Kanye como ‘Yeezus‘ parecen ya cosa del pasado. ¿Cambiará ‘Donda’ las tornas?
Kanye played his new album for me & @KDTrey5 last night in Vegas. Man listen! The production is light years ahead of it’s time, and the bars sound like he’s broke & hungry trying to get signed again. Any artist who plan on dropping soon should just push it back 😤 #Respectfully
Koreless, el alias del productor de electrónica galés Lewis Roberts, acaba de publicar su álbum debut a pesar de llevar ya una década en esto de la música. ‘Agor‘ es el enésimo Disco Recomendado en la web y será el Disco de la Semana.
‘Agor’ es uno de esos trabajos de electrónica que han sido esculpidos al mínimo detalle (Roberts ha trabajado en él durante cinco años). Un disco en el que ritmos, voces y demás elementos suenan perfectamente secuenciados y mecanizados, pero que, dentro de esa búsqueda de la perfección, también hace hueco a las grandes emociones. En el álbum es posible identificar influencias de la música glitch y la electrónica minimalista, otras más próximas a la obra de Oneohtrix Point Never y otras más abstractas que son pura sinestesia para los oídos.
Antes de que ‘Agor’ fuera anunciado con la llegada de ‘Joy Squad’, que ya pasó por la sección Canción Del Día, Koreless lanzó ‘Black Rainbow’, su primer single en 5 años. Entonces no se sabía que iba a ser uno de los temas más importantes del álbum, pues es el que sucede a la intro en la secuencia y es el más épico de todos. Hoy es la Canción Del Día.
‘Black Rainbow’ es una producción de electrónica que va creciendo por capas y va creando más y más tensión hasta que explota. Hace uso de sintetizadores atropellados que se arrastran como cadenas, samplea voces que tartamudean o que parecen atascadas en el tiempo y que, prácticamente, funcionan a modo de percusión; e incluye otro tipo de sintetizadores más afilados y agresivos, haciendo de ‘Black Rainbow’ una verdadera odisea sonora. Todos estos elementos se van sumando a la producción como atraídas por un eje magnético que, primero, implosiona en una masa de sonido digital que recuerda a la obra de Alva Noto, y que más adelante las engulle en uno de esos agujeros de sonido que Roberts llama «ruptura».
El vídeo de ‘Black Rainbow’ es una de esas producciones bizarras que tanto se suelen asociar al trabajo de ciertos artistas de electrónica. En él vemos a un grupo de seres extraños brincando por el campo, pero lo que parece una historia alegre en papel se presenta en una atmósfera gris y siniestra.
A estas alturas hay que vivir en una caverna para no haber percibido que ‘Todo de ti’ es la canción del verano en España y medio mundo. Se han enterado esta vez hasta en Los 40 Principales, que es más de lo que pudimos decir el verano de ‘Malamente’. El tema tiene tan amarrado el número 1 oficial de nuestro país como en sus respectivos años ‘Bailando’ (la de Enrique Iglesias) o ‘Despacito’, es cuádruple platino y ha lanzado también la totalidad del álbum a un éxito monstruoso que estará bien abrazado a las listas durante el resto del año y 2022. Sin necesidad de prensa, ni biografía en la Wikipedia -donde tiene un perfil raquítico-, el portorriqueño es uno de esos cantantes que se han ido haciendo un nombre a través de Youtube, las playlists de Spotify y los challenges de TikTok.
Explicado el fenómeno, ¿qué nivel cualitativo hay en ‘VICE VERSA’? El fenómeno ‘Todo de ti’ es interesante. De nuevo, como hemos venido observando últimamente, no es la producción de reggaetón más ortodoxa. Al contrario. Más bien, y tomando como referencia el enorme éxito de The Weeknd y Dua Lipa el año pasado, bebe de los mismos años 80 que ‘Blinding Lights’. No puede sonar más a Visage, y a todos los grupos que los siguieron a ellos y a Depeche Mode, de Vive la Fête a Javiera Mena, que bien podría estar con un cabreo de tres pares de narices por no haber tenido más repercusión reivindicando exactamente lo mismo, los 80 y lo latino, desde hace lustros ya.
Abel Tesfaye es la referencia absoluta de ‘VICE VERSA’, como es muy perceptible en los primeros compases de ‘Desenfocao’. Pero es que además ‘After Hours’ contenía algunos guiños al drum&bass y al UK garage, y eso es exactamente lo que encontramos aquí en ‘¿Cuándo fue?’. La locura de la canción de deriva cambiante como ideada para el viral en TikTok hace pensar irremediablemente en ‘Safaera’ de Bad Bunny, el verdadero «leader», nunca un «follower». Pero hay que reconocer que el tramo central de ‘VICE VERSA’ realmente sirve.
El disco incluye en su primera mitad un tema tan predecible en 2021 como ‘Sexo virtual’, un ‘Track 4’ completamente incomprensible y un ‘Nubes’ con miles de “sube a mi nube” que ya se inventaron Fangoria. Y termina con un par de temas tan poco apetecibles como el funk austero de Anitta, en este caso no muy bien aprovechada en ‘Brazilera’, y un corte llamado ‘Tengo un pal’ que parece mentira que sobreviva en pleno debate sobre la causa feminista y LGTB+ y el auge del odio. Toda la pereza en torno a ese «par de putis enseñando las tetis» y a ese «par de putas que quieren coger», sobre todo en un disco que incorpora al pobre Mario Benedetti de la siguiente manera: «Te escribo poemas a lo Mario Benedetti / De tu cuerpo y tus piernas atleti / De aquel beso comiendo spaghetti». ¡Que aprenda de la Karol G de ‘Bichota’ cómo hacer una letra realmente diverti!
Pero la parte media del disco se crece, como decía: pese a esas toses tipo covid-19 y carraspeos, como si fueran recuerdo de la quinta ola de contagios, ‘Aquel Nap ZzZz’ se convierte en un tema de instrumentación cubana bastante chulo; a continuación ‘Cúrame’ aparece vinculada con un punteo evocador y un flow incuestionable; ‘Cosa guapa’ presenta un trasfondo intrigante sobre una base deformada, ligeramente influida en su tramo final por Burial y Jamie xx; a continuación emergen las mencionadas ‘Desenfocao» y ‘¿Cuándo fue?’, esta última con la intervención de Tainy (J Balvin, Bad Bunny, Dua Lipa), porque aquí todo queda en casa; y ‘La Old Skul’ mantiene el brío con su bucle circense y su sample de Daddy Yankee. Antes de que el pueblo proclame otra vez en la sección de comentarios cosas tan profundas como «música latina = kk», hay algo de miga en todo este retozar de amor y bellaqueo. Esto no es un disco de David Bisbal.
Tinashe publicará nuevo disco este año, un ‘333’ de simbólico título asociado al mundo de los ángeles y del que de momento no se conocen demasiados detalles. Se sabe que contará con 16 pistas y varias colaboraciones, que durará 50 minutos y que saldrá «en los próximos dos meses», por lo que su lanzamiento se espera presumiblemente para finales de agosto o ya septiembre.
De momento, los dos adelantos de ‘333’ que se conocen apuntan a que su sonido seguirá una tendencia de R&B futurista pero también sereno y veraniego. Primero ha sido ocasión de escuchar el uptempo ‘Pasadena‘, que ya pasara por nuestra sección «Canción Del Día», y el segundo sencillo se relaja un poco más.
Tan saltarín como promete su título, ‘Bouncin’ es un tema de R&B cuya producción -obra de Dwilly- incorpora sonidos tipo videojuego y una atmósfera refrescante y relajada, la cual contrasta ligeramente con la actuación vocal de Tinashe, más cálida y que se debate entre el falsete de las estrofas y una voz más tensa en el estribillo. En ‘Bouncin’, la autora de ‘Songs for You’ perrea en la discoteca y manda «fotos sucias» a su persona amada, pero la música casi funciona como ventilador de todo lo que sucede en la letra.
Como bailarina profesional que es, Tinashe ha dedicado el videoclip de ‘Bouncin’ al baile. En él aparece junto a su grupo de bailarinas ejecutando una de esas intrincadas coreografías por las que es conocida, y deja una escena inmediatamente icónica cuando se ponen a perrear encima de un trampolín. El vídeo supera ya el millón de visualizaciones en Youtube.
Amy Winehouse fue uno de los primeros descubrimientos de JENESAISPOP en el año de nacimiento de la web, mucho antes de que ‘Back to Black’ se convirtiera en una de las grandes obras maestras del siglo XXI. Algo que a su vez sucedió mucho antes de que la cantante nos dejara, aunque aún no haya recibido el reconocimiento de una parte importante de los medios. Cuando están a punto de cumplirse 10 años de la trágica desaparición de Amy Winehouse, Sebas y Claudio repasan la historia de la cantante, desde aquellos tiempos en que Spotify no existía y Youtube no era ni mucho menos lo que es hoy.
Los presentadores de REVELACIÓN O TIMO: EL PODCAST DE JENESAISPOP narran sus primeros recuerdos de la cantante -descubierta por un comentario de la web dejado por el usuario y a la postre colaborador Carlos Úbeda-, algunas curiosidades sobre su vida y también el resto de su discografía (‘Frank‘, disco póstumo) así como sobre la era neo-soul.
Jaime Cristóbal de J’aime, Popcasting y Hit de Ayer nos deja un interesante mensaje telefónico sobre las claves del éxito de Amy Winehouse, o su relación con el fenómeno Lana del Rey, y reflexionamos sobre el declive en los últimos años de la cantante. La versión ivoox de este podcast incluye una canción de Amy y otra que lo parece. Obviamente ‘Back to Black’ aparece a doble página en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘ que podéis adquirir en nuestra tienda con un 5% de descuento solo durante este mes de julio.
La actriz Pilar Bardem ha fallecido a los 82 años en Madrid. Así lo han confirmado sus hijos Carlos, Mónica y Javier Bardem en un comunicado: “Queremos compartir la noticia de que nuestra madre, nuestro ejemplo, ha fallecido. Se ha ido en paz, sin sufrir y rodeada del amor de los suyos. Sabemos del cariño y admiración que por ella sentían muchísimas personas, dentro y fuera de España, por la actriz y la persona luchadora y siempre solidaria que fue. Agradecemos de todo corazón ese amor hacia nuestra madre”.
Hija de dos reconocidos actores, Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro, y madre de Javier Bardem, el primer actor español en ganar un Oscar, y suegra de Penélope Cruz, Pilar Bardem nació en Sevilla en el año 1939 y desarrolló una carrera en la actuación que la llevó al cine, el teatro y la televisión. Rodó más de 80 películas, entre ellas ‘El mundo sigue’ de Fernando Fernán Simón y, después de ganar, en 1995, el premio Goya a la Mejor actriz de reparto por su papel en ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’ de Agustín Díaz Yanes, apareció en ‘Airbag’ de Juanma Bajo Ulloa, ‘Las edades de Lulú’ de Bigas Luna o ‘Carne Trémula’ de Pedro Almodóvar. También actuó en más de 40 obras de teatro y en una treintena de series como ‘Los gozos y las sombras’ o ‘Lorca, muerte de un poeta’.
Durante 50 años de carrera, Bardem fue conocida también por su activismo y compromiso social. Luchó durante décadas por los derechos sindicales de sus compañeros de oficio, llegando a presidir la AISGE (Artistas, intérpretes, Sociedad de Gestión) desde 2002 a 2018 y fue una de las voces españolas más críticas contra la guerra de Irak. También luchó por causas como el fin de la violencia doméstica o la preservación de la memoria histórica.
Rara vez un artista tarda 10 años en publicar su álbum debut después de darse a conocer con un par de temas. Ha sido el caso de Lewis Roberts. El músico galés aterrizó en la industria en 2011, en plena fiebre post-dubstep, con dos delicadas producciones llamadas ‘4D’ y ‘MTI’ que llamaron la atención de los medios especializados, pero no ha sido hasta este mes cuando ha publicado el primer disco largo de su carrera. Dice que grabarlo ha sido una tortura por culpa de su perfeccionismo pero ‘Agor’ no es en absoluto una tortura de escuchar. En cambio, se nota la atención en el detalle de su autor en todas sus esquinas y recovecos. Es una verdadera pieza de orfebrería electrónica de principio a fin.
Koreless no solo ha pasado «15 horas» diarias durante años encerrado en su estudio-zulo de Londres grabando este álbum, también ha visto la luz del sol para colaborar como productor en ‘MAGDALENE‘ de FKA twigs, el mejor disco de 2019 y uno de los discos clave del siglo XXI; y para trabajar con gente tan dispar como Rita Ora o Perfume Genius. ‘Agor’, sin embargo, es un universo completamente independiente de todos estos artistas. Por sonido a veces recuerda -como tantas obras de electrónica actuales- a la obra más intrigante de Oneohtrix Point Never, pero la obsesión de Roberts en este disco con lo que Pitchfork llama acertadamente «puntillismo» sonoro hace que su trabajo sea vinculable a la escena glitch, sin que tampoco encaje del todo en ella. ‘Agor’ es un trabajo de electrónica alienígena, tan familiar por momentos que parece una amalgama de varias cosas que han sucedido en la electrónica en los últimos tiempos, pero igualmente extraño e indescifrable.
‘Agor’, que significa «abierto» en galés, se compone de producciones más accesibles y épicas y otras más abstractas. A Roberts le han inspirado cosas tan improbables como los recopilatorios de Café del Mar, el paisaje de su Glasgow natal o una ‘Mumbai Theme Tune’ de A. R. Rahman a la que llama la «pieza de música clásica más épica y apocalíptica de la historia», pero el sonido de ‘Agor’ está delimitado a su propio mundo de canicas encadenadas que parecen hechas de acero y goma, arpeggios cósmicos y voces femeninas tratadas para hacerlas sonar como si estuvieran atrapadas dentro de un éter digital. Aunque, a veces, como en la intrigante ‘White Picket Fence’, vuelve a estar presente una estética medieval con clavecines y voces eclesiásticas.
Entre las composiciones épicas de ‘Agor’ hay que destacar ‘Black Rainbow’, toda una obra maestra del «in crescendo» llena de detalles que suena como un híbrido entre el glitch más melódico y los beats mecánicos y feroces de la escuela Raster-Noton. ‘Black Rainbow’ incluye uno de los pasajes en ‘Agar’ en que la música es engullida de repente por lo que parece un agujero negro, un efecto que él llama «ruptura» y que es la razón de ser del título de un disco que se «rompe» varias veces hacia nuevos lugares, como si mudara de cuerpo constantemente. ‘Joy Squad‘, el single principal, con esa voz fragmentada en pequeños cubículos que se arrastran mecánicamente como cadenas, es el ejemplo más accesible y adictivo de lo que este disco tiene que ofrecer, y ‘Shellsock’ el más denso, épico y melódico.
Pero donde Koreless demuestra en ‘Agor’ una habilidad especial es en sus momentos más escurridizos. ‘Frozen’ es una maravilla del uso del espacio y de la técnica de sonido fragmentado, una composición donde arpas y voces dialogan libremente como convertidas en figuras geométricas que casi puedes tocar con los dedos. Y ‘Hance’ es puro diseño de sonido en el sentido más «arty» del término, una grabación protagonizada por el sonido de unas pelotitas que suenan como si estuvieran siendo vertidas dentro de un recipiente. Estos dos temas mantienen los ojos como platos en un trabajo donde a veces se nota demasiado la influencia de Oneohtrix (‘Act(s)’ y la final ‘Strangers’, con esos coros infantiles, son puro ‘R Plus Seven‘) pero en el que Koreless logra equilibrar una enorme belleza estética, emoción y un sonido avanzadísimo que a duras penas parece hecho por un ser humano.
‘Elite‘ de La Zowi fue uno de los últimos discos que salieron el año pasado solo meses antes de que se decretara el estado de alarma. Era un estupendo trabajo de trap con producciones ligeramente avanzadas que dejó cortes destacados como ‘Filet Mignon’, ‘Full Time’ o ‘Phonecall’ en los que era posible encontrar, en los nombres de producción, a gente tan interesante como Sinjin Hawke (Kanye West) o Jam City (Bad Gyal, ahora Olivia Rodrigo).
Ahora, Zoe Jeanneau prepara el lanzamiento de una nueva mixtape llamada ‘La Reina del Sur’ que verá la luz en algún momento de los próximos meses. ‘La Reina del Sur’ presentará a «La Zowi de siempre, pero next level», según la nota de prensa oficial.
El primer avance, que puedes escuchar en la playlist de novedades «Ready for the Weekend«, es un tema que efectivamente parte de ‘Élite’ pero solo para llevar su sonido un poco más lejos: ‘Matrix’ continúa fijado en el trap pero la producción de Roydee ahora incluye disparos láser y es prominentemente electrónica, dirigiéndose al futuro. Si recuerda un poco a PC Music no es casualidad: La Zowi está a punto de publicar un single en este sello, junto a Namasenda.
Laura Mvula ha sorprendido este año con un cambio de estilo que nadie esperaba de ella. Si antes era posible hablar de su música en los mismos términos en que lo hacíamos de gente como Janelle Monáe, Benjamin Clementine o George Gershwin, ‘Pink Noise‘ ha conseguido insertarla de lleno en el contexto del pop comercial actual, en concreto en el más inspirado por los años 80.
‘Pink Noise’ es un trabajo de pop ochentero que mira tanto a la pista de baile de Michael Jackson, Prince y Whitney Houston como a los bailes de fin de curso de las películas de John Hughes o las baladas de los Cars o Atlantic Starr, sin sacrificar la reconocible firma de su autora, presente en melodías y armonías y en la potencia de una voz que es de las mejores de su generación. Todos estos elementos están presentes en ‘Magical’, la gran balada de ‘Pink Noise’.
‘Magical’ es una de esas baladas elegantes y vaporosas que consiguen llevarte a los 80 desde el segundo cero, pero también es una canción apasionada, de esas que llevan el drama de una ruptura a su punto más heroico y colosal. Casi puedes escuchar el océano dividirse en dos cuando, después de las entregadas estrofas, llega ese estribillo en el que Mvula recuerda los buenos tiempos con su persona amada. «¿Recuerdas cuando estábamos juntos? Parecía que había algo mágico, nunca imaginé que se acabaría».
Si se puede decir que el estribillo de ‘Magical’ es, en una palabra, perfecto, Mvula cuenta que es la parte de la canción que más le costó componer. «Solo tenía un verso y los acordes del estribillo, la odiaba. Volvía escribir el estribillo y, cuando este me vino a la mente, de repente supe que iba a cambias las reglas del juego. No te puedo explicar con palabras lo que se siente cuando algo se convierte en lo que de verdad es, es el misterio de componer música».
Billie Eilish es el nuevo número 1 de la lista de JENESAISPOP, una tabla con 15 años de tradición que recoge las canciones favoritas de nuestros lectores. ‘NDA’, que ha quedado fuera del top 20 británico a diferencia de los dos singles anteriores, sí ha gustado más por aquí y es el segundo número 1 para Billie Eilish tras haberlo conseguido con ‘Bad Guy’ hace un par de años. Curiosamente, tanto ‘Lost Cause’ como ‘Your Power’ han sido eliminadas justo esta semana, esta última tras haber alcanzado el top 2.
Cambio de tercio radical en cuanto a las siguientes entradas, que corresponden a Lucy Dacus y Nathy Peluso. Justo fuera del top 20, el disco colaborativo de Bobby Gillespie y Jehnny Beth, que también firman Primal Scream.
Hong Sang-soo es uno de los directores más prolíficos y aclamados por la crítica de los últimos años. Ya lleva más de dos décadas haciendo películas pero no fue hasta 2013 con ‘En otro país‘ que un trabajo suyo llegó a las salas españolas, y a partir de 2015 con ‘Ahora sí, antes no’, hemos tenido la suerte de poder disfrutar de casi todas sus obras posteriores en pantalla grande. Aunque es imposible seguirle el ritmo, ya que va a dos o tres al año, poco a poco van llegando. ‘La mujer que escapó’ se estrenó el año pasado en la Berlinale logrando el premio al mejor director. Desde entonces ya ha hecho otras dos películas, que con un poco de suerte tendremos el placer de disfrutar en una sala de cine en el futuro.
El cine de Hong ha ido depurándose tanto que sus trabajos a menudo pueden ser vistos como obras menores dado a su, por lo general, escasa duración (aquí no llega a los 80 minutos), y sobre todo por su sencillez, tanto en una puesta en escena minimalista como en unos guiones que apuestan por capturar de la forma más mundana posible pequeños problemas que se les plantean a sus protagonistas. Pero detrás de sus diálogos se esconden reflexiones interesantes y profundas sobre las relaciones de pareja, la amistad o el aprender a vivir a gusto con uno mismo.
Hay mucho de todo eso en ‘La mujer que escapó’, uno de sus ejercicios fílmicos más logrados de esta última etapa de su carrera. Como es habitual, protagoniza la siempre espléndida Kim Min-hee -musa y pareja del director- interpretando a una mujer que va a visitar a tres amigas a lo largo de un día en Seúl. A cada una de ellas le repite que su marido está de viaje de negocios y que es el único día desde que han pasado separados desde que se conocieron. A través de conversaciones aparentemente banales, el maestro coreano va construyendo un personaje fascinante a la par que expone cautivadoras observaciones sobre las relaciones humanas.
La película, que sucede ligera como una cálida tarde de primavera, resulta, como la mayoría de su cine, un refugio luminoso para el espectador. Para quien esté familiarizado con él, ver ‘La mujer que escapó’ será como estar en una reunión de viejos amigos. Así de reconfortante es la obra de Hong una vez se ha conseguido conectar con su estilo, lo cual no suele suceder de manera inmediata, pero cuando se logra, el placer es inmenso.
El apartado visual, con una fotografía naturalista no demasiado elaborada (a propósito, por supuesto) y sus abruptos zooms pueden ser chocantes para los novatos, pero forman ya parte del encanto de un cine libre y despojado de adorno, sensible y humanista, cuyas particularidades son sencillamente irresistibles.
Se dice que lo más aparentemente sencillo es a veces lo más difícil de hacer. El cine de Hong es una clara muestra de ello, pues podría parecer que cualquiera puede rodar una película como ‘La mujer que escapó’, pero llegar a ese dominio del lenguaje cinematográfico con esa ligereza y falta de pretensiones realmente está al alcance de muy pocos cineastas.
En las últimas semanas se han celebrado 3 festivales en Cataluña, realizando pruebas de antígenos a las decenas de miles de asistentes. Se trata de Canet Rock, que detectó 152 positivos en coronavirus entre los 22.330 tests de antígenos realizados; Cruïlla, que detectó 289 positivos entre las 50.000 personas que fueron al Fòrum; y Vida Festival, que detectó 51 positivos tras realizar 27.200 pruebas. Se trata de datos testimoniales que contrastan con los que estamos viendo tan sólo unos días después.
En una 5ª ola que está dejando una incidencia elevada en toda España, y muy especialmente en Cataluña, el conseller de Sanidad catalán Josep Maria Argimon se muestra arrepentido de haber permitido estos festivales, pese a que esta ola no está representando una elevada presión hospitalaria y está dejando un número pequeño de muertes. La razón es que esta ola afecta sobre todo a jóvenes entre 12 y 29 años, pues la población vulnerable ya está vacunada.
Como informa El Mundo, Argimon ha pedido precaución en Catalunya Radio, ha dicho que consentir estos tres festivales fue «un error», pues ha mandado «mensajes contradictorios» a la ciudadanía. Ahora afirma que «no repetiría» la decisión, justo cuando se ha aprobado el toque de queda en 161 municipios de esta comunidad.
Argimon ha adelantado que los resultados del experimento realizado en estos festivales en colaboración con el Hospital German Trias se conocerán el miércoles que viene. El País informa de que Cataluña ha comunicado hoy un récord diario de 9.416 positivos y es la autonomía de España con mayor incidencia, con 1.107 casos por 100.000 habitantes cada 14 días. La media en España es algo superior a 537 casos.
Shakira ha estrenado su nuevo single ‘Don’t Wait Up’. Antes, las redes sociales habían sido actualizadas con la imagen de una esfera cuya escala de colores no había pasado inadvertida, pues es la misma que la de la bandera lésbica, aunque finalmente hay que decir que el parecido entre ambas estéticas ha sido una coincidencia.
‘Don’t Wait Up’ está co-producido por Ian Kirkpatrick, productor de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, entre otros éxitos, y de maravillas como ‘Really don’t like u’ de Tove Lo con Kylie Minogue, y co-escrito por Emily Warren, conocida por su trabajo con Khalid, Shawn Mendes o la misma Dua (hace poco, Shakira colgó una foto de ella en el estudio junto a estos dos músicos).
El nuevo single de Shakira presenta otra de estas producciones tan extrañas y peculiares de Kirkpatrick, esta vez al servicio de un tema de pop con elementos de EDM y house marcado por la pegadiza melodía de un teclado. Nos lleva directamente a principios de los 90 -alguien citará algún maxi de finales de los 80- mientras el vídeo es de corte surfero pero nocturno. Fiestero.
Shakira vuelve tras haber triunfado en los últimos tiempos con dos colaboraciones, ‘GIRL LIKE ME‘ con Black Eyed Peas y ‘Me gusta‘ con Anuel AA. De hecho, entre sus 80 temas con Maluma y otras colaboraciones con Camilo hay que irse bastante atrás en el tiempo para encontrar un lanzamiento de Shakira que sea totalmente en solitario.
En cualquier caso, donde parece que Shakira ha querido dejar alguna que otra pista respecto a su regreso es en su nuevo aspecto. La colombiana luce actualmente el pelo de color rojo, lo cual parece un homenaje nostálgico a su etapa ‘¿Dónde están los ladrones?’, considerada por muchos la mejor de su carrera o, como mínimo, la anterior a su explosión comercial. ¿Irán por ahí los tiros?
Tampoco se puede pasar por alto que Shakira vuelve dos años después de su sonada actuación junto a Jennifer Lopez en la Super Bowl, la última antes de la pandemia… y de la presentación de The Weeknd de este año. Puede que Shakira planeara lanzar algo en 2020 y al final las circunstancias no se lo permitiesen pero, desde luego, tampoco ha desaprovechado oportunidades como las de sus recientes colaboraciones, sendos exitazos.
5 años después de su último disco, ‘Así es como escapó‘, Doble Pletina se han sacado de la manga algo mejor: una película. Es una cinta musical de casi 1 hora de duración dirigida por Stanley Sunday -conocido en el mundo del pop sobre todo por su trabajo para gente como Fangoria, La Bien Querida, Javiera Mena, Crystal Fighters y Manel-, en la que el quinteto barcelonés se ríe de sí mismo.
Las canciones de Doble Pletina tienden a la melancolía incluso cuando se han arrimado a la pista de baile, como en su obra magna ‘Música para cerrar las discotecas‘. Su segunda mejor canción, la pseudo-country ‘Cruzo los dedos’, manifestaba el temor a la pérdida de alguien desde una ciudad en la que «es difícil relacionarse y más hacer amigos, y los pocos que se tienen cuestan de mantener». ¿Eran estas dos composiciones todo lo felices que podían ser Doble Pletina? El quinteto formado por Laura Antolín, Marc Ribera, Francina Ribes, Jaume Cladera y Jordi Llobet quiere sacudirse su aura de tragedia permanente con este proyecto con nombre de hit de Supremes o Spice Girls, ‘Stop’.
La mayor referencia de esta película parece ‘God Help the Girl‘ de Stuart Murdoch de Belle & Sebastian, a su vez influido hasta la médula por la nouvelle vague de Truffaut y Godard; sólo que añadiendo un punto alocado de los efectos especiales más primigenios. El guión no puede ser acusado precisamente de predecible, salvo cuando desfila el obligado número de cameos, de Evripidis perdiendo el móvil en una zona de cruising al artista anteriormente conocido como Jonston (José Ignacio Martorell), que recientemente había presentado un proyecto paralelo con Antolín.
Sorprendente hasta cierto punto en su deriva, no solo en su concepto autoparódico, ‘Stop’ tiene un deliberado carácter amateur incluso en las coreografías (son DIY como todo, en este caso ideadas por Laura) que puede resultar algo «café para cafeteras». La música vuelve a ser, eso sí, universal como en los mejores momentos de Doble Pletina. ‘Algo de lo que me pueda quejar‘, que ya era preciosa, se crece con las lágrimas de su intérprete en la cinta, convertida definitivamente en una de las mejores canciones de 2021, y en este EP de 4 temas co-producido por Hidrogenesse y editado por Austrohúngaro, muy convenientemente precedida de un corte tan acorde como ‘Pobre de mí’. Son Doble Pletina autocompadeciéndose pero haciendo algo para salir adelante.
Esa producción minimalista, en la que el mimo en sintetizadores y punteos recuerda al Destroyer más evocador, continúa en ‘Tratado de paz’, el tema de reconciliación que abre la cara B. Son grabaciones con sus detalles, aunque no quiera parecerlo para dejar en primer plano las bonitas letras y melodías. Y siguiendo la máxima del guión «¡Otra canción triste, no, por favor!», EP y película se cierran con una canción compuesta a base de esdrújulas, plagada de lo que ya conocemos como «Fangofrases«. No aparece «sicalíptico» pero sí «sílfides modélicas» y «científicas escépticas».
‘Esdrújulos epítetos’ es una canción paradójica, que propone dejar de usar esdrújulas con un sinfín de las mismas («dejémonos de fábulas, digámoslo al unísono: librémonos al fin de los esdrújulos epítetos»), y que no está al margen del resto del proyecto. En realidad, se ahoga igual en su contradicción. Doble Pletina retratan el sentir de la escena indie clásica española, con sus defectos (el amateurismo del film, la imposibilidad de llegar al gran público de su música) y sus virtudes (el encanto, la autenticidad, la despreocupada búsqueda de la belleza en todo lo que tocan).
Cargando ...
