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Tinashe / Songs for You

Por
Jordi Bardají
-
9

Tinashe, probablemente una de las artistas peor manejadas de la historia por una discográfica, ha vuelto a la independencia para publicar su cuarto disco, ‘Songs for You’. Esto es una buena noticia porque RCA ya no podrá manipular su visión para venderla por lo que no es, pero también una mala porque muchas de estas nuevas canciones jamás lograrán la repercusión merecida, al menos salvo milagro.

Donde ‘Aquarius‘ y ‘Nightride‘ creaban un mundo sonoro en el que sumergirse muy concreto, el sucesor del irregular ‘Joyride‘ muestra el talento de Tinashe Kachingwe en toda su extensión. La artista aborda en él varios géneros, saca brillo de todos ellos y consigue que ‘Songs for You’ parezca una obra completa y no una simple colección de canciones secuenciada sin pensar. A la vez, puede ser su disco más «Spotify-friendly», pues dentro de que contiene 15 pistas y dura 51 minutazos, es ligero y se pasa volando, algo que no siempre sucede.

Con producciones de Hit-Boy, Kingdom u Oliver Malcolm, entre otros músicos semi-desconocidos; y la co-autoría de Lisa Scinta, Krystin “Rook Monroe” Watkins o Dimitri McDowell, entre otros nombres de los que jamás has oído hablar; ‘Songs for You’ no empieza con la canción más estimulante del conjunto. ‘Feelings’, que iba a aparecer en una «mixtape» descartada que Tinashe planeaba publicar en 2018, y de la que han salido sus recientes singles ‘Throw a Fit’ y ‘Like I Used To’, parece del último Drake, y aunque no está mal, dentro de su estilo es muy superior ‘Hopscotch’. Si ‘In My Feelings’ fue número 1 durante semanas y batió récords gracias a su éxito viral, esta bobada de canción hecha para escuchar bajo el sofocante calor del sol merecería igual destino, aunque solo fuera por que se popularizara su rima «paparazzi on me cause they know that I’m star / got these titties sitting extra pretty in that bra”.

También un poco Drake y un poco Ariana Grande es ‘Cash Race’, otra sobrada de flow de Tinashe, pero ‘Songs for You’ ofrece otras muchas cosas. El grimoso sonido underground de ‘Die a Little Bit’ con Ms. Banks ha dado lugar a una de sus canciones más radicales y, en definitiva, mejores, y aunque no halla continuidad en el álbum, la cantante explora en él otros géneros con igual maestría. La sofisticación post-disco de ‘Save Room for Us’, la canción del largo que se está potenciando en las playlists, hace parecer a Tinashe la sucesora natural de Patrice Rushen, mientras su mensaje es puro ‘Dancing On My Own’: “She will never love you, the way that I do / now i’m dancing solo, slowly disappearing / It still hurts when I see you with her». Por otro lado, la voz de Kachingwe no puede integrarse mejor en la producción synth-pop de ‘Perfect Crime’, que encantará a The Weeknd; la balada pop ‘Know Better’ es una lección en dramatismo; y la burbujeante y cálida ‘Stormy Weather’ vuelve a ser una pequeña joya «quiet storm» como tantas ha hecho su autora.

El sonido de R&B alternativo por el que conocimos a Tinashe sigue presente en el hipnótico single ‘Touch & Go’ con 6LACK o en la producción de Kingdom, quien ha trabajado para Kelela o SZA, en ‘Life’s Too Short’, e invita a reflexionar en la deriva de la carrera de esta gran artista. No es solo que ‘Story of Us’ suene a la mejor Mariah Carey, es que el «braggadocio» de ‘Link Up’ sería un hit en el Billboard de haberlo interpretado cualquier «mumble rapper». Si a Tinashe le falta algo, desde luego no es habilidad para componer las canciones más sexys (‘So Much Better‘ pese al soez verso de su invitado, G-Eazy) o las más susceptibles de hacerte llorar a mares con su mezcla de serenidad y melancolía (la acústica ‘Rememeber When’). Al margen de todas las preguntas que podamos hacernos sobre el éxito de Tinashe, ella sigue prosperando y ‘Songs for You’ quedará como una gran obra de R&B contemporáneo hecha por una artista completa y poseedora de un talento arrollador, demasiado para ser oprimido por las duras cadenas de la industria.

Clasificación: 8/10
Lo mejor: ‘Die a Little Bit’, ‘Hopscotch’, ‘Save Room for Us’, ‘Cash Race’ ‘Know Better’
Te gustará si te gusta: tanto Drake como Janet, tanto Frank Ocean como Aaliyah, tanto el último The Weeknd como la propia Tinashe
Escúchalo: Spotify

Vampire Weekend complacieron a su público en Barcelona sin olvidarse de su propio «autoplacer»

Por
Raúl Guillén
-
5

«Este es el concierto más largo que hemos dado nunca en España», decía ya hacia el (aparente) final de la noche un Ezra Koenig que actuó como un líder sobrio y centrado, más que como frontman de Vampire Weekend. A esperas de ver si hoy baten este «récord» en la Sala Riviera de Madrid, no era tan difícil: en varias de sus visitas sus shows se han enmarcado en festivales. Pero lo cierto es que el concierto que marcaba su regreso a Barcelona tras nueve años se extendió hasta casi dos horas y media. Y es que tenían «mucha plancha»: no solo debía presentar el magnífico y ya extenso ‘Father of the Bride‘, sino también satisfacer las ansias de sus fans (entregadísimos, pocas veces he visto la sala Razzmatazz tan caldeada de principio a fin) por escuchar sus favoritas de los tres álbumes precedentes del grupo. [Fotos: Christian Bertrand, cedidas por Live Nation.]

Acabaron complacidos, porque por supuesto no faltaron ‘A-Punk’, ‘Cape Cod Kwassa Kwassa’, ‘Unbelievers’, ‘Diane Young’, ‘Holiday’, ‘Step’, ‘Hanna Hunt’ y demás arsenal. Pero no sin tener que digerir a la vez algunas insospechadas variaciones instrumentales de distintos temas de su repertorio, antiguo y nuevo. En general fueron de agradecer en temas de su último disco, quizá limitados por el formato disco y la gran cantidad de cortes. La disgresión psicodélica culminada con un final coral de ‘Jerusalem, New York, Berlin’ y los preciosos arreglos de ‘Big Blue‘ fueron muy ovacionados. Aunque no tanto como los resultones diálogos de guitarra entre Ezra y el fabuloso (y llamativo, con esa descomunal melena afro) guitarrista Brian Robert Jones en ‘Sunflower‘, derivando primero en un pirotécnico solo y luego en una extensión prog-rock-metalera de la misma canción, de acierto más tibio.

Y es que la banda, extendida hasta siete músicos –el segundo batería-percusionista Garrett Ray, el teclista y cantante Will Canzoneri y la mujer-orquesta Greta Morgan completan el line-up actual del grupo tras la partida de Rostam–, se dio también a momentos que parecían más de «autoplacer», algo ajeno al público: si la breve y encantadora ‘2021’ acabó siendo algo pesada en su transformación ambient-psicodélica –con final cantado en Talkbox, esa suerte de primitivo Vocoder–, la deriva dub de ‘Diplomat’s Son’ (enlazada con una versión de ‘Jessica’ de Major Lazer) llevaba a cierta desconexión.

Pero Koenig y los suyos, con un sonido más que correcto –aunque no espectacular: los matices de Morgan se perdían a menudo, quizá sepultados por los brutales aporreos de batería de Chris Tomson– y mucha entrega –Chris Baio, tan esforzado moviendo el trasero y sonriendo como tocando el bajo–, supieron manejar bien los tempos. Porque esa parte más contemplativa se dosifica con la más física, desgranando en el momento preciso una ‘Holiday’, una ‘One (Blake’s Got A New Face)’ o una ‘California English’ y desatando ciertas dosis de pogo en la sala del Poblenou. Y en ese aspecto, cabe destacar lo muy bien asimiladas que están ya canciones recientes como ‘Harmony Hall‘, ‘Sympathy‘, ‘Bambina’ o ‘This Life‘, sin duda entre las más coreadas y bailadas de la velada.

La mayor prueba de que su objetivo primordial en esta gira es dejar un recuerdo único para sus seguidores, está en el bis: tras haber despachado antes una correcta versión de ‘Late in the Evening’ de Paul Simon –rindiendo así pleitesía a uno de sus referentes más obvios–, el «encore» del concierto es una suerte de carrusel de peticiones populares. Eso nos procuró una inesperada recuperación de ‘Oxford Comma’, poco frecuente ya en sus setlists, y una divertida transformación en funky sureño de ‘Giving Up The Gun’, pero también la versión (con poca chicha, a decir verdad, más allá de su guiño al ‘Waka Waka’ de Shakira) de ‘I’m Going Down’ de Springsteen y un fragmento del célebre número soul ‘Son of a Preacher Man’, antes de descerrajar la esperada explosión final con ‘Walcott’. Así, es muy difícil no volver a casa con una sonrisa de placer. 8.

Antes de Vampire Weekend, los daneses Liss entretuvieron con un breve set en el que mostraron el coqueto magnetismo de su R&B con ecos de los 90 interpretado con instrumentación rock y pequeños arreglos contemporáneos, entre Parcels y Rhye. Sin duda tienen en la voz y presencia de Søren Holm, una suerte de joven Ranking Roger Roland Gift (Fine Young Cannibals), su gran baza escénica. Pero no lograron despegar del todo hasta que enlazaron, ya al final, sus mini-hits ‘Try’ y ‘Sorry’ con ‘Vibrations’, de su reciente segundo EP ‘Second‘. 6,5.

Taylor Swift, Camila Cabello, Halsey, Christina Aguilera, Kesha… suben sus actuaciones en los AMAs

Por
Raúl Guillén
-
77

Era bastante de esperar que Taylor Swift acabara superando en galardones a una leyenda como Michael Jackson en la historia de los American Music Awards. Pero quizá no tanto que lo hiciera de una manera tan holgada y rotunda: porque no solo ha sobrepasado las 24 estatuillas del Rey del Pop sino que destrozó ese record ganando las 5 nominaciones a las que optaba –Artista del año, Artista femenina del año, Artista femenina de “adulto contemporáneo”, Mejor vídeo por ‘You Need to Calm Down’ y Mejor álbum de pop rock por ‘Lover‘–. Y además, obtuvo un premio especial: en la gala de los AMAs 2019 celebrada anoche fue laureada como Artista de la Década, recibiendo tal honor de manos de su referente Carole King. Y, de hecho, la impresión es que toda la gala fue, teniendo también en cuenta también los invitados y el resto de premiados, un completo homenaje a la artista.

Estos premios llegaban para Swift en una semana en la que había sido el epicentro de la actualidad, además, por las acusaciones hacia Scooter Braun y Scott Borchetta por no permitirle tocar en directo su viejo material. Finalmente pudo hacerlo: luciendo –como sus ocho niñas bailarinas– una camisa en la que se leían impresos los títulos de aquellos viejos álbumes publicados con su ex-discográfica, interpretó un medley que incluyó ‘Love Story’ de ‘Fearless’, ‘I Knew You Were Trouble’ de ‘Red’, ‘Blank Space’ y ‘Shake It Off’ de 1989. En esta última se sumaron a ella en escena Halsey y Camila Cabello. También hizo una interpretación, sola al piano y con bailarines, del bonito tema que da nombre a su también premiado último disco.

Otros premiados significativos de la noche fueron Billie Eilish, que logró dos pirámides –Mejor nueva artista, y Artista de rock alternativo favorita–, Khalid, Halsey, Lil Nas X, Cardi B, BTS –los coreanos se hicieron con tres estatuillas, incluida la mejor gira superando a Ariana Grande, que estando nominada a las principales categorías se fue de vacío, y Elton John–, Post Malone –mejor álbum de rap por ‘Hollywood’s Bleeding‘–, J Balvin, Kane Brown, Carrie Underwood o Dan+ Shay.

Entre las actuaciones, Shawn Mendes y Camila Cabello presentaron la elegida como Mejor colaboración, ‘Señorita‘, y también subieron al escenario Dua Lipa, Billie Eilish, Selena Gomez –cuya voz, aseguran sus fans, sonó distinto en televisión y en el anfiteatro–, Post Malone, Lizzo, Green Day, Shania Twain, Toni Braxton, Post Malone con Ozzy Osbourne y Travis Scott –iconic trío–, Christina Aguilera y A Great Big World y, por supuesto, la conductora de la gala, Ciara. Os dejamos con el palmarés completo y algunas de las actuaciones que se han ido subiendo al fin a Youtube, como es el caso de Taylor Swift, Dua Lipa, Billie Eilish, Christina Aguilera, Camila Cabello, Lizzo o Kesha. Entre los rezagados, Post Malone o Selena Gomez.









ARTISTA DEL AÑO
Drake
Ariana Grande
Halsey
Post Malone
Taylor Swift

CANCIÓN FAVORITA – COUNTRY
Luke Combs, “Beautiful Crazy”
Dan + Shay, “Speechless”
Blake Shelton, “God’s Country”

CANCIÓN FAVORITA – RAP/HIP-HOP
Lil Nas X ft. Billy Ray Cyrus, “Old Town Road”
Post Malone, “Wow.”
Travis Scott, “Sicko Mode”

ÁLBUM FAVORITO – RAP/HIP-HOP
Meek Mill, “Championships”
Post Malone, “Hollywood’s Bleeding”
Travis Scott, “Astroworld”

NUEVO ARTISTA DEL AÑO
Luke Combs
Billie Eilish
Lil Nas X
Lizzo
Ella Mai

COLABORACIÓN DEL AÑO
Lady Gaga & Bradley Cooper, “Shallow”
Lil Nas X ft. Billy Ray Cyrus, “Old Town Road”
Marshmello & Bastille, “Happier”
Shawn Mendes & Camila Cabello, “Señorita”
Post Malone & Swae Lee, “Sunflower (Spider-Man: Into the Spider-Verse)”

GIRA DEL AÑO
BTS
Ariana Grande
Elton John
P!nk
Ed Sheeran

ARTISTA FEMENINA FAVORITA – COUNTRY
Kelsea Ballerini
Maren Morris
Carrie Underwood

ÁLBUM FAVORITO – COUNTRY
Kane Brown, Experiment
Dan + Shay, Dan + Shay
Carrie Underwood, Cry Pretty

ÁLBUM FAVORITO – POP/ROCK
Billie Eilish, When We All Fall Asleep, Where Do We Go?
Ariana Grande, Thank U, Next
Taylor Swift, Lover

CANCIÓN FAVORITA – POP/ROCK
Halsey, “Without Me”
Jonas Brothers, “Sucker”
Lil Nas X ft. Billy Ray Cyrus, “Old Town Road”
Panic! At The Disco, “High Hopes”
Post Malone & Swae Lee, “Sunflower (Spider-Man: Into the Spider-Verse)”

ARTISTA FAVORITO – ROCK ALTERNATIVO
Billie Eilish
Imagine Dragons
Panic! at the Disco

VÍDEO MUSICAL FAVORITO
Billie Eilish, “Bad Guy”
Ariana Grande, “7 Rings”
Halsey, “Without Me”
Lil Nas X ft. Billy Ray Cyrus, “Old Town Road”
Taylor Swift, “You Need to Calm Down”

ARTISTA FAVORITO EN REDES SOCIALES
BTS
Billie Eilish
EXO
Ariana Grande
Shawn Mendes

ARTISTA MASCULINO FAVORITO – POP/ROCK
Drake
Khalid
Post Malone

ARTISTA FEMENINA FAVORITA – POP/ROCK
Billie Eilish
Ariana Grande
Taylor Swift

DÚO O GRUPO FAVORITO – POP/ROCK
BTS
Jonas Brothers
Panic! At The Disco

ARTISTA MASCULINO FAVORITO – COUNTRY
Kane Brown
Luke Combs
Thomas Rhett

DÚO O GRUPO FAVORITO – COUNTRY
Dan + Shay
Florida Georgia Line
Old Dominion

ARTISTA FAVORITO – RAP/HIP-HOP
Cardi B
Drake
Post Malone

ARTISTA MASCULINO FAVORITO – SOUL/R&B
Chris Brown
Khalid
Bruno Mars

ARTISTA FEMENINA FAVORITA – SOUL/R&B
Beyoncé
Lizzo
Ella Mai

ÁLBUM FAVORITO – SOUL/R&B
Chris Brown, Indigo
Khalid, Free Spirit
Ella Mai, Ella Mai

CANCIÓN FAVORITA – SOUL/R&B
Khalid, “Talk”
Lizzo, “Juice”
Ella Mai, “Trip”

ARTISTA FAVORITO – ADULTO CONTEMPORÁNEO
Maroon 5
P!nk
Taylor Swift

ARTISTA FAVORITO – LATIN
Bad Bunny
J Balvin
Ozuna

ARTISTA FAVORITO – INSPIRACIONAL CONTEMPORÁNEO
Lauren Daigle
For King & Country
MercyMe

ARTISTA FAVORITO – ELECTRONIC DANCE MUSIC (EDM)
Avicii
Marshmello
The Chainsmokers

BANDA SONORA FAVORITA
A Star Is Born by Lady Gaga & Bradley Cooper
Bohemian Rhapsody de Queen
Spider-Man: Into the Spider-Verse

Swans / Leaving Meaning

Por
Mireia Pería
-
10

Tras una trilogía monstruosa en concepto, ruido y duración, Michael Gira sentía que ya no podía ofrecer más con la formación de Swans; que había agotado el camino y toda forma de expresión. Desmanteló la banda y decidió tomar nuevos derroteros. Así lo expresaba en una newsletter del año pasado: “Cuando tomé la decisión de disolver la más reciente formación de los Swans, no sólo lo hice con trepidación, sino también en gran medida con tristeza (…) Éramos (y seguimos siendo) amigos, y colaboramos sin interrupciones como banda. Sin embargo, una demasiado cómoda familiaridad se había instalado y nuestra música no nos podía sorprender ya más a ninguno, así que lo dejamos de momento”. En ese mismo comunicado insistía en la necesidad de cambiar el enfoque que había dirigido sus tres últimos álbumes: “Voy a continuar editando y tocando música usando el nombre de Swans (…) Las nuevas canciones están dirigidas por las letras (…) y esto necesariamente cambia el acercamiento al sonido y los arreglos si los comparamos con los tres últimos discos. Es tiempo de seguir adelante, en cualquier circunstancia. Veremos hacia dónde llevará esto”.

Y esto ha llevado a un nuevo giro de tuerca en el universo de Gira/Swans. “Descubriréis que el material se apoya fuertemente en las palabras (montones de ellas) y en la voz, lo que imagino que es una inclinación natural tras 7 años de inmersión en música que estaba obsesivamente orientada hacia largos pasajes instrumentales”. En ‘Leaving Meaning’ Gira parece más empeñado en pulir canciones que sean consideradas como tales, antes que en erigir dólmenes. Aquí no hay suites infernales de 25 minutos; el tema más largo dura 12. Aun así, es una obra extensa: 93 minutos de recorrido. Pero sí que es un disco más ligero (todo lo ligero que un álbum de Swans puede ser) que ‘The Glowing Man’, su anterior disco que, ya en su tramo final, mostraba una luz que lo alejaba de las pesadas tinieblas. ‘Leaving Meaning’ aún tiene su parte tenebrosa y los temas siguen actuando como mantras, como es habitual en la banda. Son estructuras circulares, patrones rítmicos repetidos para conseguir algún tipo de trance y enajenación, con un fuerte componente krautrock, pero también tribal y telúrico. Sólo que ahora todo es más leve y luminoso, lo que le acerca al folk de Angels of Light, el otro grupo de Michael Gira. Otra constante que se mantiene es una apabullante lista de colaboradores y escuderos: Anna von Hausswolff con su hermana Maria, Ben Frost (ahí sigue), Baby Dee, la banda de jazz The Necks y un larguísimo etcétera.

El disco está dividido en una suerte de tres partes; una primera más sentida, una segunda más monolítica y una final más convencional y trepidante. Tras una introducción plácida, llega ‘Annaline’, una preciosa balada acústica que pilla con la guardia baja: desborda sentimiento. Es tan sentida que recuerda al último Nick Cave. La sensualidad oscura de ‘The Hanging Man’ nos devuelve a derroteros conocidos; el tema es mantra obsesivo construido a través de líneas que se repiten, una voz que combina lamento y gritos del averno, salpicado con quiebros casi gozosos. La figura principal va repitiéndose cada vez con más insistencia mientras aumentan las percusiones y los platillos, hasta completar sus casi 11 minutos. Sin embargo, no resulta árida de escuchar. Al contrario; apela a ese ritmo primario, casi tribal, para engancharte, mientras Gira aúlla: “I am the hanging maaaaaaaaan”. Y sin caer, que podría ser fácil, en la autoparodia malditista.

La preocupación de Gira por darle más peso a la parte vocal se refleja en su manera de cantar/recitar, que a ratos recuerda a Leonard Cohen. Esto se hace especialmente evidente en ‘Amnesia’. No sólo la voz, incluso la instrumentación toma prestadas las formas del bardo canadiense; el uso de una guitarra acústica que recuerda a una mandolina, la tremenda irrupción de coros de las hermanas von Hausswolff, las cuerdas… Así, ‘Amnesia’ es otra joya, sosegada a ratos, hirviente a otros, con un ambiente de feria decadente y un final inquietante, aunque esta vez la inquietud la aporta el elemento teatral, no el visceral; como si fuera una hermana perdida de ‘The Carny’ de Nick Cave & the Bad Seeds. El parecido con Nick Cave no es baladí; Larry Mullins, actual teclista de los Bad Seeds, es otro de los músicos que acompaña a Michael Gira en esta aventura. ‘Leaving Meaning’, con The Necks, resulta oscura pero adusta, quieta en su letanía. Agota más por repetición que por su estructura circular. Pero la cima del gozo de esta primera sección es ‘Sunfucker’, repleto de huidas blues, con alaridos tribales acompañando a los de Gira, hasta convertirse en new age chunga primero y rock blues sexy y pantanoso después. Las ecolalias de Gira vuelven a cumplir esa máxima de los Swans: generar aprensión. Un delirio tremendista que apela no tanto, por eso, a las tinieblas como a las vísceras, a una rabia primordial, pero gozosa más que angustiosa. Y, al final, la voz de Jennifer Gira como alivio entre tanto marasmo.

Esta primera parte, tan intensa, hace que entremos en un momento de cierta atonía a partir de aquí. Todo lo átono que pueden resultar Swans, claro. Por ejemplo, ‘Cathedrals of Heaven’ es un blues a la manera de (otra vez) Nick Cave. O ‘The Nub’, la pieza más larga del disco (aunque “solo” sean 12 minutos), una letanía apocalíptica de aire medieval construida con los vientos de The Necks y la voz de Baby Dee. Esta tónica se rompe con la espiritual y soberbia ‘It’s Coming It’s Real’, que recuerda, otra vez, al último Leonard Cohen, aunque a la manera de Gira. Su letra sobre redención religiosa (“Reach out, mindless, save us, formless / Rise up, righteous, kneel down, fearless”), se eleva, se aligera e ilumina gracias a, de nuevo, los coros de las hermanas von Hausswolff. Una pieza de liturgia Swans casi alegre. A partir de aquí viene una tercera parte bastante eufórica. ‘Some New Things’ es sucia, punk y adictiva; ‘Whats Is This’’ melódica y alegre, casi de… ¡fantasía navideña de Sufjan Stevens! (¡esos coros!). La final ‘Phantom Limb’ vuelve a las letanías “nickcavistas”, aunque la voz de Gira suena diferente, incluso irónica.

Se han abierto los cielos en el reino de Michael Gira. Los que huyeron de Swans por los excesos de los últimos años, pueden regresar felices. Encontraran un álbum más accesible y menos duro. Los fans de la trilogía ‘The Seer’-‘To Be Kind’-‘The Glowing Man’, los que ansían asfixiarse, seguirán encontrando piezas sofocantes, densas y envolventes. Y motivos de sobra para renovar la fe en Michael Gira.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Annaline’, ‘The Hanging Man’, ‘Amnesia’, ‘Sunfucker’, ‘It’s Coming Its’ Real’
Te gustará si te gusta: Nick Cave and the Bad Seeds, Anna von Hausswolff, Leonard Cohen, el krautrock

Pros y contras de ‘Frozen II’, más allá de no convertir a Elsa en la primera protagonista LGTB+ de Disney

Por
Raúl Guillén
-
17

Como bien sabe todo aquel que tenga cerca algún niño nacido en la última década, este fin de semana ha tenido lugar uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes de sus pequeñas vidas: el estreno de ‘Frozen II’. La película original fue un éxito tan descomunal que su co-creadora, Jennifer Lee, hasta pidió perdón por la turra que en mayor o menor medida hemos sufrido los adultos, machacados de manera inmisericorde con incontables pases del film y reproducciones de sus canciones, ya en nuestros hogares y vehículos particulares. Y esta segunda parte estrenada el pasado viernes va, a todas luces, a superarla: con las festividades aún por llegar, es ya la película de animación más taquillera en su primer fin de semana en toda la historia de The Walt Disney Studio –que no de Pixar–.

En lo que no va a competir ‘Frozen II’ con su predecesora –una gran película musical de animación por más que le pese a la crítica cinematográfica más cínica– es en su capacidad de sorpresa. Y es que, pese a las numerosas peticiones de que Elsa, un personaje cuyo enfoque escapaba de los clásicos arquetipos de princesas Disney, se enamorara de otra mujer, finalmente no ha sido así. Al margen de la certeza de que esa decisión habría provocado que la película fuera vetada en muchos países, Lee advertía que Elsa ya era una princesa Disney lo suficientemente singular precisamente por su ausencia de motivaciones románticas y su punto de oscuridad. Lo cierto es que es una oportunidad perdida para lanzar un importante mensaje de apertura de Disney hacia las nuevas generaciones de espectadores. Pero el hecho de que la cuestión quede abierta y que se priorice a un personaje femenino fuerte y alejado de estereotipos es algo.

Que ‘Frozen II’ es una secuela que no iguala a su predecesora es incontestable. Aunque, ni mucho menos, en el mismo sentido en el que sucedía con TV-movies patéticas como las segundas partes de ‘El Rey León’, ‘Aladdin’, ‘La Sirenita’ y un etcétera tan largo que era casi una tradición. La nueva peripecia de Elsa, su hermana Anna y sus personajes satélite no solo es un importante dechado de técnica audiovisual –en ese sentido, sí que iguala e incluso supera a la primera ‘Frozen’– y en muchos sentidos es una película necesaria para cerrar –esperemos que así sea– una historia que quedaba inconclusa. En ese empeño, Jennifer Lee, Chris Buck y su equipo presentan una película algo más que entretenida, pero con una colección de desaciertos que la deslucen.

Lo peor de ‘Frozen II’

El guión
El argumento de ‘Frozen II’ gira en torno a una intrigante llamada que percibe Elsa, la Reina de Hielo que ideó –aunque muy diferente a cómo es esta versión Disney, fiel a su estilo– Hans Christian Andersen (que, por cierto, es referenciado en un pequeño eastern-egg). Su manifiesta insatisfacción con el papel que le es asignado por los demás en el mundo es un interesante punto de partida para la película y el desencadenante de una búsqueda quimérica. El problema es que, en su desarrollo, hay un importante batiburrillo de personajes e ideas que se adhieren en esa carrera, muchos de ellos totalmente intrascendentes, que solo contribuyen a hacer un «ruido» innecesario que aportan tirando a poco –la trascendencia, por ejemplo, de algunos de los elementos de la Naturaleza sigue perdida en el Bosque Mágico–. Si para un adulto es a veces difícil entender qué quiere contar la película, imaginemos para niños de 4 a 10 u 11 años, su target objetivo.

El (esquivo) trasfondo medioambiental
Teniendo en cuenta la emergencia climática que de manera fehaciente amenaza nuestras vidas tal y como las conocemos, en varios momentos de la película todo apunta a que la conciencia ecológica sería una buena aportación para las mentes de los espectadorcitos. Sin embargo, alguien en Disney ha decidido que total da igual, porque la huella ecológica de sus padres y abuelos ha sido tan devastadora a estas alturas que poco va a importar que ellos sepan valorar y cuidar los recursos naturales. Es otro de esos ingredientes que, como apuntaba en el párrafo anterior, entran en el potaje de ideas que componen ‘Frozen II’ sin que en realidad tenga demasiada importancia, dejando apenas una pincelada lejana. La de la causa LGTB+ no ha sido la única oportunidad perdida de la película.

El romanticismo
Una de las grandes virtudes de ‘Frozen’ era, como apuntaba Lee, que sus dos protagonistas femeninas eludían el romanticismo de una relación heteronormativa y apostaban por un tipo de amor diferente, el amor fraternal. Por eso no se entiende bien que, de repente, en ‘Frozen II’ el romanticismo más estereotipado no solo adquiera presencia, sino que se erija en protagonista de una subtrama que se hace cansina y que propicia el aburrido happy-ending. Por ver algo positivo en ello, al menos sirve para mostrar cierta diversidad en los roles femeninos.

Lo mejor de ‘Frozen II’

El guión
Antes señalaba varias cosas que no funcionan en la trama y el guión de ‘Frozen II’, pero lo cierto es que también tiene sus cosas buenas en ese aspecto. Sobre todo, y al margen de su irreprochable agilidad –lo cierto es que el ritmo apenas desfallece en sus más de 100 minutos–, se agradece que huya del maniqueísmo típico de cualquier película para niños. No hay un villano, un mal supremo al que enfrentarse, sino que el catalizador de la aventura está en la propia complejidad de los personajes. Así, aunque Elsa sea una suerte de superheroína, es interesante que esté plagada de dudas y miedos, y que esos sean sus peores enemigos. Al contrario, Anna vuelve a presentarse como una mujer que, en su normalidad y fragilidad, se apoya en unas virtudes comunes como el amor, la generosidad, el ingenio o la capacidad de sobreponerse al dolor para erigirse en la verdadera heroína de la historia.

El humor
‘Frozen II’ es una película ágil y divertida en buena medida gracias al humor que, en este caso, personifica sobre todo Olaf, el muñeco de nieve. Su contrapunto cómico ya era de lo mejor de la primera parte pero aquí, con el melancólico Kristoff perdido en otras cuestiones, lo es más. Básicamente porque el punto naif que tenía entonces desaparece en parte en pos de una inteligente mutación: como si pasara de ser clown a pierrot, lanza preguntas filosóficas sobre sus respectivas existencias mientras el resto de personajes están demasiado ensimismados en sí mismos y no le prestan atención. El humor también alcanza y se mezcla con el siguiente punto de esta lista, la música: el enfoque escénico de algunos números musicales es despiporrante, como el de ‘Cuando madure’, protagonizado por el propio Olaf, o ‘Perdido en el bosque’ –su montaje en plan videoclip de AOR es de lo más divertido de la película–.

La música
Pese al previsible exitazo de la peli, no parece muy probable que esta vez la banda sonora de ‘Frozen 2’ vaya en ningún caso a alcanzar el tirón de la primera y convertirse siquiera en uno de los discos más vendidos de este año o el que viene. ‘Mucho más allá’ está lejos de tener el tirón del dichoso ‘Suéltalo’, eso por descontado. Pero de nuevo el tandem que forman el matrimonio Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez acierta con canciones amables y bien hechas, que se integran muy bien en la trama de la película e incluso más: una de ellas es prácticamente su eje argumental. Tampoco está de más escuchar el disco oficial con sus canciones, porque, dejando a un lado la chirriante versión de David Bisbal –a su lado, Gisela parece contenida y sobria– del tema principal de la película, los amantes de las películas musicales pueden encontrar alguna gema, como ‘Muéstrate’ o ‘Cuando madure’. Y el resto, podemos gozar escuchando la delirante/bonita versión que Weezer, muy apropiadamente, hacen de la citada ‘Perdido en el bosque’. E incluso podemos enamorarnos de la adaptación de ‘All Is Found’ que interpreta, con delicadeza y reminiscencias folk, Kacey Musgraves. 6,5.

La cantante de K-pop Hara, hallada muerta a los 28 años

Por
Jordi Bardají
-
12

Solo un mes después de la muerte de la estrella del K-pop Sulli con tan solo 25 años, la pérdida de otra vida joven relacionada con la potente industria del entretenimiento surcoreana vuelve a ser noticia. Este domingo era hallado sin vida, en su apartamento de Seúl, el cadáver de la cantante Goo Hara, de tan solo 28 años, y en circunstancias similares a las de su compañera y amiga, que apuntan a un suicidio.

Aunque la causa de la muerte de Hara sigue sin esclarecerse, la policía ha descartado el asesinato, y ha informado que en la inspección del domicilio de la cantante ha sido hallada una nota «muy corta, lo que aparentemente muestra que Goo (Hara) se sentía muy pesimista con respecto a su vida». Hara, que formaba parte del grupo Kara, había sido víctima de un durísimo ciberacoso por parte de sus seguidores y había recibido agresiones y amenazas por parte de su ex-novio, el ex-futbolista Choi Jong-bum, quien llegó a amenazar a la artista con filtrar fotografías de ella de contenido sexual. En mayo, Hara intentó suicidarse aparentemente debido a una depresión que padecía, pero su representante la encontró a tiempo. Tras su intento de suicidio, la cantante fue hospitalizada y hace unos días, recuperada en apariencia, publicaba el single ‘Midnight Queen’ y regresaba a los escenarios.

La muerte de Hara es la cuarta que ha producido el K-pop desde que, en 2017, el suicidio de Kim Jong-hyun a los 27 años y su carta de despedida, en la que expresaba que se odiaba a sí mismo y que ya no podía lidiar con la tristeza que le había «tragado entero», conmocionaran al mundo. El integrante de la banda 100% Seo Min-woo fallecía a principios de 2018 debido a un ataque de corazón, con tan solo 33 años.

The Weeknd avanza su nuevo single ‘Blinding Lights’ en un anuncio y rueda vídeo en Las Vegas

Por
Jordi Bardají
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8

The Weeknd publicaba el año pasado el EP ‘My Dear Melancholy,‘ que volvía a ser un éxito sobre todo gracias al single ‘Call Out My Name’ y pese a su sonido más próximo a ‘Trilogy’ que al synth-pop. Sin embargo, la coma incluida en su título, que parecía estratégica, no ha conocido continuación en todo este tiempo. ¿Quizá jamás la tuvo?

Lo seguro es que Abel Tesfaye se encuentra preparando nuevo disco: en agosto tuiteaba que se encontraba «en modo álbum total» y después pinchaba a sus fans escribiendo que «trabajo más lento cuando me meten prisa» y animándoles a escuchar el a capella de ‘Call Out My Name’ «mientras esperáis». ¡Gracias, Abel, pero prefiero ‘I Feel it Coming’!

Ahora parece que el sucesor de ‘Starboy‘ está bastante cerca, pues la televisión alemana acaba de emitir el anuncio de una marca de coche en el que aparece The Weeknd pidiendo al asistente de voz del automóvil que reproduzca una canción llamada ‘Blinding Lights’. Esta suena a lo largo del spot y contiene unos teclados muy synth-pop. A esto hay que añadir que The Weeknd acaba de rodar un vídeo en el centro de Las Vegas, como informa TMZ. De hecho, según las fuentes del tabloide estadounidense, el vídeo lleva rodado varias semanas, por lo que su estreno podría ser inminente. ¿Será el caso de ‘Blinding Lights’?

Billie Eilish, El Columpio Asesino, Grimes y Leonard Cohen entran en el top 40 de JNSP

Por
Sebas E. Alonso
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Rosalía continúa en el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP, aunque ahora con ‘Aute cuture’ en lugar de con ‘Pienso en tu mirá’. Es la primera vez que esta canción que salió hace medio año llega a la cima, pues hasta ahora solo había sido número 2. Las entradas de la semana son lo nuevo de Billie Eilish, El Columpio Asesino, Grimes y Leonard Cohen. Por el contrario, toca despedirse de la colaboración entre Pet Shop Boys y Years and Years después de 10 semanas en lista y ya en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 25 Aute Cuture Rosalía Vota
2 3 3 13 The Greatest Lana del Rey Vota
3 5 2 34 bad guy Billie Eilish Vota
4 1 1 69 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
5 2 2 3 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
6 7 3 20 Milionària Rosalía Vota
7 8 1 21 God Control Madonna Vota
8 6 6 3 sad day FKA twigs Vota
9 9 1 29 El relámpago Amaia Vota
10 11 3 15 Looking for America Lana del Rey Vota
11 12 1 26 Crave Madonna, Swae Lee Vota
12 15 6 11 ¿Qué? La Bien Querida Vota
13 10 1 16 Quedará en nuestra mente Amaia Vota
14 13 2 10 Really don’t like u Tove Lo, Kylie Minogue Vota
15 14 2 9 Quiero que vengas Amaia Vota
16 24 9 5 Harleys In Hawaii Katy Perry Vota
17 16 4 9 Cola de pez Miss Caffeina, La Casa Azul, Javiera Mena Vota
18 – 18 1 Everything I Wanted Billie Eilish Vota
19 18 18 7 All Mirrors Angel Olsen Vota
20 25 13 6 White Mercedes Charli XCX Vota
21 17 11 4 Lose You to Love Me Selena Gomez Vota
22 19 13 8 Me envenenas La Bien Querida Vota
23 26 3 10 Dreamland Pet Shop Boys, Years and Years Vota
24 39 15 6 Lights Up Harry Styles Vota
25 27 25 2 Narcissus Róisín Murphy Vota
26 37 17 7 Want You In My Room Carly Rae Jepsen Vota
27 30 6 7 Un boomerang Fangoria Vota
28 23 21 4 Alocao Omar Montes, Bad Gyal Vota
29 33 26 4 It Might Be Time Tame Impala Vota
30 20 15 4 Look at Her Now Selena Gomez Vota
31 – 31 1 Preparada El Columpio Asesino Vota
32 31 31 3 Now I’m In It Haim Vota
33 36 33 2 You Ain’t the Problem Michael Kiwanuka Vota
34 – 34 1 So Heavy I Fell Through The Earth Grimes Vota
35 38 35 4 So Hot You’re Hurting My Feelings Caroline Polachek Vota
36 35 21 9 Vas hablando mal de mí Los Punsetes Vota
37 40 20 7 You’re No Good Chromatics Vota
38 29 24 5 La Canción J Balvin, Bad Bunny Vota
39 – 39 1 Happens to the Heart Leonard Cohen Vota
40 32 32 3 In My Room Frank Ocean Vota
Candidatos Canción Artista
– Gijón Pablo und Destruktion Vota
– Vete Bad Bunny Vota
– Frail State of Mind The 1975 Vota
– No tan jóvenes Carolina Durante Vota
– Heaven Pumarosa Vota
– Kings & Queens DJ Shadow Vota
– Die A Little Bit Tinashe, Ms Banks Vota
– Champion of the World Coldplay Vota
– Morning Teyana Taylor, Kehlani Vota
– It’s Coming It’s Real Swans Vota
– BASQUIAT Jamila Woods Vota
– Felicidad Lidia Damunt Vota

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Coldplay no serán top 1 en EE UU y en Reino Unido lo pelean con Robbie Williams

Por
Jordi Bardají
-
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Robbie Williams y Coldplay se enfrentan esta semana a la carrera por el número 1 de ventas en Reino Unido con sus respectivos nuevos trabajos. El primero acaba de publicar ‘The Christmas Present’, su nuevo álbum navideño; y Coldplay han hecho lo propio con su nuevo trabajo de estudio ‘Everyday Life’, del que hoy lunes destacamos una de sus grandes canciones.

A estas alturas en la carrera de Robbie Williams y Coldplay, podría parecer que un número 1 ya no es tan importante para ninguno de ellos, pero Williams no ha tenido ningún reparo en aseverar, durante un concierto reciente, que se sentiría «destrozado» si ‘The Christmas Present’ no logra este viernes tal hazaña, añadiendo que no le importa «decir que quiero que me pasen cosas buenas». Con bastante elegancia, Coldplay han respondido a las palabras de Williams en una entrevista con NME: «Robbie Williams, no me importa, no nos importa… Nos parece bien, de verdad», ha asegurado Chris Martin, antes de concluir: «Robbie puede quedarse el número 1, le deseo todo lo mejor. Además, él llegó antes que nosotros».

Según las «midweeks» británicas publicadas esta tarde, Coldplay serán número 1 en UK por delante de Williams por solo 4.000 unidades equivalentes de diferencia. Williams será top 2, pero Hits Daily Double advierte que el autor de ‘Angels’ aún tiene posibilidades de ver su sueño hecho realidad, pues aunque ‘Everyday Life’ va primero en descargas, ‘The Christmas Present’ ha vendido más copias físicas por ahora (el título es poco gráfico) y sus ventas iniciales han sido mejores.

En cualquier caso, cabe mencionar que Coldplay han sido número 1 en Reino Unido con absolutamente todos sus discos… y que Robbie también a excepción de ‘Reality Killed the Video Star‘, que fue top 2 por detrás de la boyband británica JLS. De 11 discos publicados por Williams, 10 han sido número 1 sin contar sus trabajos con Take That, mientras Coldplay «solo» llevan 7 por haber llegado después. Williams claramente no partía con ventaja en principio pues Coldplay suelen ser unos monstruos de las ventas, pero las cifras de ‘Everyday Life’ en Estados Unidos tampoco están siendo las mejores: es casi seguro que no serán número 1 por culpa de Jason Aldean y puede que el rapero Trippie Red les adelante en el número 2. Es decir, parece que Coldplay andan un poco a la baja en ambos mercados, lo cual en el británico beneficiará a Williams. Aunque todavía es pronto para sacar conclusiones…

Billie Eilish, nombrada Mujer del Año por Billboard, trabaja ya con Finneas en su segundo disco, que será «experimental»

Por
Jordi Bardají
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Billie Eilish ha sido una de las artistas premiadas en la gala de los American Music Awards celebrada anoche, y en la que también ha actuado, y además acaba de ser nombrada Mujer del Año por Billboard. Su hermano, Finneas O’Connell, que produce las canciones de Billie, tampoco se ha perdido la ceremonia y en declaraciones a Billboard ha hablado sobre el sucesor de ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘, en el que ambos se encuentran ya trabajando.

Sin revelar si ‘everything i wanted‘ formará parte del segundo álbum de Eilish o no (seguramente aún es muy pronto para saberlo), Finneas ha afirmado que este presentará naturalmente una evolución del sonido de su hermana, pero no un cambio radical. Ha explicado: «Nos quedan muchas historias por contar en el segundo disco, y las queremos contar todas pero también ser un poco experimentales. Si no cambias un poco las cosas, no estás evolucionando. Así que estamos intentando coger todo aquello de lo que estamos orgullosos de nuestra música y también intentar cosas nuevas, experimentar y darle a la gente cosas con las que sentirse excitada».

El autor de ‘Blood Harmony‘ también ha revelado que Eilish y él están teniendo algún que otro desacuerdo en el estudio (NdE: su casa), pero que él lo ve como algo positivo y añade que cuando estos desacuerdos ocurren, quien gana la discusión entre los dos es quien defiende su idea de manera más fervorosa: «(Estar en desacuerdo) es probablemente la razón número uno por la que las colaboraciones son buenas».

¿A qué sonará el segundo disco de Billie Eilish, por tanto? ¿Recuperará la luz de ‘everything i wanted’ o transitará senderos incluso más oscuros que el primero? Desde luego no puede decirse que «WHEN WE ALL FALL ASLEEP», con todos sus sonidos ASMR, producciones retorcidas y coqueteos tanto con el jazz como con el sonido James Blake o la balada pop, no fuera «experimental» en el sentido original del término…

Diplo con y sin Major Lazer, Haim y Modeselektor, entre los nuevos confirmados de Mad Cool

Por
Sebas E. Alonso
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Hoy Mad Cool ha lanzado una nueva tanda de confirmaciones centradas en la música electrónica, lo que incluye a Diplo con y sin Major Lazer, es decir, hará dos tipos de shows diferentes. También estarán por el festival madrileño Modeselektor presentando las canciones de su reciente ‘Who Else‘; e igualmente están en la tanda de confirmados Tycho, Octo Octa y CCL.

La laboriosa tanda de confirmaciones de la semana pasada, que consistía en una pista y una confirmación, terminaba con nada menos que Haim. Después de revelar que gente como Tones and I, The Rapture, Khalid, London Grammar o Marika Hackman actuarían en Mad Cool, eran las tres hermanas de Los Ángeles quienes anunciaban su presencia. Una alegría por varios motivos. Por un lado, la buena pinta que tienen sus nuevas canciones: ‘Now I’m In It’, con su vídeo lleno de simbología; ‘Summer Girl’ y la reciente ‘Hallelujah’ están a la altura de lo mejor de su repertorio; y por otro, más anecdótico, hay que recordar que su amiga Taylor Swift es la controvertida cabeza de cartel de este evento. ¿Les tocará el mismo día?

Os recordamos que Mad Cool saca sus abonos a la venta este domingo 1 de diciembre y que ha confirmado a gente tan dispar como Billie Eilish y Pixies, como Natos & Waor y Paul Weller, como Hinds y Richard Hawley.

Vídeos: Kanye West estrena su ópera ‘Nebuchadnezzar’

Por
Sebas E. Alonso
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Kanye West estrenaba anoche en el Hollywood Bowl de Los Ángeles su ópera ‘Nebuchadnezzar’. El espectáculo no tuvo casi nada que ver con una presentación en vivo de ‘Jesus Is King’, aunque sí contuvo guiños a su discografía, en concreto a ‘Wolves’ y ‘Say You Will’.

Además, el corte religioso de ‘Jesus Is King’ estuvo obviamente muy presente en esta historia para la que se ha contado con un gigantesco coro góspel y una puesta en escena con referencias a la Biblia. En concreto, Nabucodonosor II aparecía en el Libro de Daniel, cuya lectura ha formado parte del espectáculo según la crónica de Pitchfork, que elogia la escenografía de Vanessa Beecroft, pero también apunta a un par de «traspiés», como uno en el que Sheck Wes tenía que «caerse de bruces» pero no quiso hacerlo, ante la risa del público o el propio Kanye. Bajo estas líneas podéis ver unos cuantos vídeos de la audiencia y TMZ.

Este es el repertorio según Kanye West ha compartido en las redes, compuesto de canciones nuevas en su mayoría, jamás oídas hasta ahora. Se desconoce si tendrá algo que ver o no con ‘Jesus Is Born’, la segunda parte de ‘Jesus Is King’, en principio planeada para Navidad.

1.-Our King (Miserere O Deo)

2.-Say You Will


3.-Eternal Rest (Lex Aeterna Requiem Dominate)

4.-Mo Bamba
 (versión)
5.-Wash Us In The Blood

6.-Sunshine
7.-12.000 Acres
8.-Infinity Song
9.-Sunshine (Orchestral Reprise)
10.-Sunshine (Choral Reprise)
11.-Fighting Fires
12.-Our King (Magis)
13.-Our King (Miserere O Deo Allegro)
14.-Our King (Mirerere O Deo Reprise)
15.-Total Praise (versión)



Coldplay vuelven a hacer canciones maravillosas, como ‘Champion of the World’

Por
Sebas E. Alonso
-
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Coldplay decepcionaron con ‘Orphans’ pero ‘Arabesque’, pese a ser mucho menos comercial, avanzaba que su nuevo disco doble ‘Everyday Life’ podía ser interesante. Y así ha sido. Estamos ante un álbum intimista, que escucharemos mucho esta Navidad, mucho más cercano a su joya perdida ‘Ghost Stories‘ de lo que ‘Orphans’ nos hacía pensar. El grupo ha escogido explorar su vena más delicada en canciones como la bonita ‘Daddy’, que un hijo entona para un padre que nunca está (en este caso el propio Chris Martin); ‘When I Need a Friend’, cuyo coro tenor no puede ser más navideño; ‘Èkó’, que gustará a los seguidores de las baladas de Vampire Weekend; o la clásica ‘Cry Cry Cry’, a la que han pasado un gracioso filtro de voz de nuevo, muy Vampire Weekend.

Después de todas estas pequeñas piezas, aparentemente modestas, suena una canción hacia el final de la segunda y última parte del álbum que se beneficia especialmente de su lugar en la secuencia. ‘Champion of the World’, una de las pistas que estrenaban hace unos días junto a ‘Daddy’, contiene un estupendo riff que ejerce de leitmotiv clavándose en la memoria desde el primer instante… pese a que justo lo que parece el estribillo prescinde de él. Un viejo truco que nos lleva al culmen de la composición: una outro escalofriante por melodía, en la que Chris Martin y Will Champion logran hacernos «volar en bicicleta», entre referencias a ET, como sugiere exactamente el texto. Una preciosidad dedicada a Scott Hutchison de Frightened Rabbit, que se suicidó en mayo de 2018 tras ser derrotado por la depresión. De hecho, el tema se inspira abiertamente en una canción escrita por él, ‘Los Angeles, Be Kind’ de su otro proyecto Owl John. Como podéis comprobar bajo estas líneas, de ahí es de donde ha salido ese monstruoso riff.

Otra lectura que consiente «Champion», que contiene una referencia a ‘Parachutes’, el debut de Coldplay, es su lucha contra la masculinidad tóxica: «Hice mi mejor esfuerzo para ser como los otros chicos del colegio / hice mi mejor esfuerzo para hacer lo correcto, pero morí en cada duelo», comienza diciendo, mientras su desenlace y el propio título de la canción ofrecen un reverso de esperanza. Y una lectura más que consiente ‘Champion of the World’ es la social. Hutchison hablaba en ‘Los Angeles, Be Kind’ de alcoholismo, de una ciudad que nos es hostil y de tener «una piel de inmigrante que no encaja». Lo cual nos devuelve al disco ‘Everyday Life’, que trata de soslayo sobre la crisis de los refugiados.

Lo Mejor del Mes:

15 años de ‘Love.Angel.Music.Baby’, el gran homenaje a los 80 de Gwen Stefani

Por
Jordi Bardají
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51

¿Un disco pop divertidísimo en el que caben tanto referencias electro, j-pop y R&B como colaboraciones con New Order y Outkast? ¿Un homenaje a los 80 antes de que los 80 fueran la década que imitar por antonomasia? ¿Y que además de contar con una producción verdaderamente espectacular y de lujo llega a vender 7 millones de copias? Suena al disco de nuestros sueños, y existió.

Tras su marcha de No Doubt, Gwen Stefani se propuso hacer un primer disco «tontorrón» y «bailable» que actualizara el sonido de los 80. No tenía ningún interés en ser una artista seria ni en anticipar el sonido del futuro (de eso ya se estaba encargando su telonera M.I.A.), sino en sonar lo más pija posible. Y la idea funcionó a nivel artístico al margen de que el disco estuviera asociado a la alta costura desde su mismo título (sacado del nombre de la primera línea de moda de Gwen) hasta la estética usada en imágenes promocionales, videoclips y directos; porque por bobas que fueran algunas letras del disco o lo fatal que ha envejecido todo el concepto de las «harajuku girls» ahora que los discursos sobre racismo y apropiación cultural están más vivos que nunca, las canciones y sus fantásticas y explosivas producciones no eran ninguna broma.

La composición de ‘Love.Angel.Music.Baby’ fue dura al principio debido a un «bloqueo de compositor» provocado por la inseguridad de Gwen de iniciar una carrera en solitario y de eso hablaba su primer adelanto, ‘What You Waiting For?’. Compuesto junto a Linda Perry, no era ‘Beautiful’ precisamente aunque lo pareciera en sus primeros 10 segundos. Porque tras esa breve balada a piano en la que Stefani recordaba con nostalgia sus años en No Doubt para concluir que ahora está «ella sola», una contundente base electropop embestía al oyente de lleno para borrar de un plumazo cualquier idea preconcebida que tuviéramos sobre la vieja Gwen. Era un golpe en la mesa titánico, un verdadero delirio en el que no faltaba el humor entre sus gemidos, frases tipo «I’m still a super hot female» o «take a chance you stupid hoe», además de su videoclip inspirado en ‘Alicia en el País de las Maravillas’.

‘Love.Angel.Music.Baby’ ha sido reeditado y remasterizado este viernes por su 15 aniversario, y 2019 parece un buen año para redescubrirlo. Ahora que el pop más decadente y hedonista solo prospera en voces de estrellas del pop de culto como Charli XCX o Kim Petras, al mismo tiempo que carreras enteras se sustentan en base a imitar décadas pasadas (Bruno Mars, Carly Rae Jepsen), ‘Love.Angel.Music.Baby’ parece hoy un artefacto especialmente único dentro del contexto en que salió. Como producto pop asociado tanto a los 80 como a la alta costura, casi nos avisaba de Lady Gaga y del ‘Overpowered’ de Róisín Murphy. Y aunque no faltaban en él concesiones al hip-hop de turno (‘Hollaback Girl’ se convertiría en el mayor éxito de la carrera de Gwen en solitario, ‘Rich Girl’ con Eve es otro de sus singles más recordados), el disco atravesaba géneros con tan buen gusto como sentido del humor. ‘What You Waiting For?’ alternaba su potente base con sintetizadores muy ‘Strict Machine’; ‘Luxurious’ sonaba tan «lujosa» como sugería su título (¿dónde iba a aparecer Gwen en la psicodélica portada del disco sino en un trono?), donde ‘Danger Zone’ parecía beber del electro-rock de The Sounds, ‘Crash’ lo hacía del electroclash; y la bizarra ‘Bubble Pop Electric’ con André 3000 disfrazado de «Johnny Vulture» parece una premonición de la PC Music.

La variedad de ‘Love.Angel.Music.Baby’ no sorprendía a ningún fan de No Doubt, que ya había navegado por diversos géneros musicales a lo largo de su carrera, pero el disco era tan excesivo sobre todo a nivel de producción (no puede sonar más cara), que podía llegar a abrumar. Porque aunque la idea de Gwen era hacer un disco «ligero», lo que le quedó fue un trabajo con el peso sonoro de unos cuantos lingotes de oro. Los momentos de vulnerabilidad que incluía eran por tanto un soplo de aire fresco. ‘Cool’ contiene una de las melodías más bonitas compuestas por Gwen y una letra capaz de poner los pelos de punta («y después de todos los obstáculos, me alegra ver que estás bien con otra persona, y es tal milagro que tú y yo sigamos siendo amigos, después de por todo lo que hemos pasado»), la melodía de ‘The Real Thing’, que cuenta entre sus músicos colaboradores a Bernard Sumner y Peter Hook de New Order nada menos, era tan bonita que la canción volvía a aparecer al final del disco reconvertida en balada; y aunque la futurista ‘Long Way to Go’ tenía el mal gusto de samplear a Martin Luther King para, en su primer verso, afirmar que el racismo va más allá de él («it’s beyond Martin Luther, upgrade computer»), el fondo de la canción -una producción exquisita de André 3000- era bueno.

Ante el banquete de estilos de ‘Love.Angel.Music.Baby’ solo unificado por lo lustroso de la producción y la distintiva voz de una Gwen que esta vez no podía sonar más cómoda en el papel de estrella del pop, es una pena que el disfrute del largo haya quedado para siempre lastrado por la sombra de la apropiación cultural incluso a pesar de esa última canción, porque ‘Harajuku Girls’ es una canción muy divertida. Sin embargo, no se puede hablar del debut de Gwen sin mencionar el asunto de las «chicas Harajuku». Hoy en día, la decisión de usar a un grupo de adolescentes japonesas a modo de atrezzo sin ningún tipo de identidad propia no pasaría el filtro de la moralidad en la era de las redes sociales. Y qué alivio, porque eso significa que algo ha avanzado la sociedad y por tanto su cultura. Esto no significa que vayamos a dejar de disfrutar del disco por el repaso tan exuberante a la historia del pop de los 80 que ofrece, pero como expresa un dicho popular muy pertinente para cualquier análisis de este disco, no es oro todo lo que reluce.

La actuación de Shakira en la Copa Davis no fue TAN decepcionante: pros y contras

Por
Sebas E. Alonso
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Shakira ha sido la protagonista musical de la final de la Copa Davis en Madrid, interpretando un popurrí de 3 temas. La actuación ha recibido críticas encontradas con algunos medios como OK Diario incluso titulando con «pitos y sospechas de playback». En nuestra sección de comentarios, los usuarios se dividen entre quienes lo gozaron y quienes consideran que, si esto se va a parecer a lo que va a ofrecer en la Superbowl junto a Jennifer Lopez, «mejor se quede en su casa». Foto: Instagram de Shakira.

El show no estuvo tan mal. En la estela de su colega Beyoncé, con la que Shakira compartió ‘Beautiful Liar’, incluyó un cuerpo de baile preocupado por la composición y el montaje; algún featuring, en este caso Camilo y Pedro Capó en el remix de ‘Tutu’, su single actual; y un hit para comenzar y otro para terminar. Más acertado ‘She Wolf’ que ‘La La La’, que no es tan buena como el ‘Waka Waka’ ni mucho menos ‘Hips Don’t Lie’. Quien hubiera roto La Caja Mágica en Madrid habría sido Maluma con ‘Chantaje’ o Carlos Vives con ‘La bicicleta’, pero al menos se agradece que el popurrí de 7 minutos dejara respirar las 3 composiciones en lugar de forzar 6 aceleradas a lo Beyoncé.

Por otro lado, si bien es cierto que hay pregrabados, se aprecia que Shakira está entrando en directo en varios momentos, una combinación totalmente aceptada hoy en día; y la puesta en escena no es un descalabro. Es verdad que es tan austera que en algunos planos parece un ensayo: cuando entra el público para botar en ‘La La La’ ahí hay tan pocos fans que el sabor que queda es un poco triste. Sin embargo, es innegable que Shakira está en buen estado como «performer», mantiene intacto su carisma y que su elección para este evento es acertada. Seguramente esto es lo que podía dar de sí el presupuesto que hubiera.

Polonia gana Eurovisión Junior; España, tercera tras convencer a televoto y jurado

Por
Sebas E. Alonso
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España ha vuelto a conseguir una posición excelente en Eurovisión Junior, en el que supone su regreso por primera vez desde 2006. Melani ha logrado situarse en tercer lugar, tras conseguir una buena aceptación tanto del jurado (3ª) como del televoto (2ª), para el que en este caso, se podía votar desde el propio país durante los últimos días.

Al margen del televoto, ‘Marte’, una balada ecologista tipo Disney que contiene un par de momentos de exhibición vocal muy loca, en la estela de Mónica Naranjo y Mariah Carey, ha logrado un apoyo muy regular de casi todos los jurados. Incluso ha recibido algún 12, como ha sido el caso del jurado italiano. En verdad, Eurovisión Junior es un concurso en el que España siempre ha quedado bien posicionada, a diferencia de lo que siempre pasa en el festival madre. María Isabel fue capaz de darnos una victoria con ‘Antes muerta que sencilla’, una suerte de precedente de Rosalía; pero además hemos quedado dos veces en 2º lugar y una vez en 4º. De momento, ese 4º lugar sigue siendo nuestra peor posición en esta fantasía de festival que sirve como apertura de la Navidad.

El país ganador ha sido Polonia, anfitrión, con el dualipesco ‘Superhero’ de Viki Gabor. Partía entre los favoritos de hecho, pero Kazajistán le ha dado un buen susto al haber sido el favorito del jurado durante toda la media hora de votación. Realmente, este país no parecía tener tantas opciones entre el televoto, como así ha sido. Os dejamos con los vídeos de las mejor posicionadas y con la popera canción de Francia.



LIZ / Planet Y2K

Por
Jordi Bardají
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¿Qué música definió el inicio de milenio? ¿El futurismo de ‘Music’? ¿El funk minimalista de The Neptunes? ¿La sofisticación de ‘Fever’? ¿Los laberintos sonoros de Destiny’s Child? Toda esta música es esencial para entender el pop de la época, pero hubo otras cosas: la explosión del rave y el eurodance, el pop caricaturesco de Aqua, el teen-pop de Britney y Backstreet Boys, en España los discos casposos de Vale Music… Fue una época para la música que unos ven dura y otros reivindicable. LIZ forma parte del segundo grupo.

La intérprete de ‘When I Rule the World‘ no se ha hecho tan famosa como merecía esta perfecta canción en la que el bubbblegum bass de SOPHIE y el teen pop dosmilero de LIZ se cruzaban en el hit más accesible jamás perpetrado por cualquier productor asociado a PC Music. Pero gracias a una base de fans cultivada en internet y que ha permanecido atenta a sus pasos, Elizabeth Abrams ha seguido publicando single tras single -incluso una mixtape en 2016- y trabajando una estética visual profundamente arraigada en el futurismo optimista de principios de siglo. Cosas como Space Channel 5, Toy-Box, los primeros Sims, ‘Matrix’ o algunos videoclips de Cher o TLC vienen a la mente al ver sus portadas y vídeos y en varios puntos ‘Planet Y2K’ parece un homenaje a aquellos discos no exentos de temazos pero ya perdidos de la conciencia popular que en algún momento llegaron a publicar Eiffel 65, los Vengaboys o Victoria Beckham. ‘Planet Y2K’ ofrece un recorrido temporal por la música pop de la época sin prejuicios que quepan, aunque tan irregular como muchos de esos CD’s que compraste en 2002 y que no han dejado de acumular polvo en tu estantería durante todo este tiempo.

Como en toda época de la música pop, en los 2000s hubo buena y mala música, y eso es lo que puede encontrarse en ‘Planet Y2K’. En vídeos e imágenes promocionales, LIZ se presenta en su debut oficial como una «cyberbabe» cuyo objetivo es vampirizar todos los sonidos con los que creció, y por ejemplo el adictivo single ‘Intuition‘, añadido al álbum al último momento porque LIZ creía que faltaba en él un sabor diferente, suena tanto a Britney Spears circa 2000 que cuesta creer fuera en realidad un descarte de Kylie… ¡de 1994!

Por producción, la sensual ‘Mickey’ y la vitaminada ‘Bubblegum’ con Namasenda, ambas entre lo mejor del disco, suenan algo más avanzadas o al menos más acordes a lo que están haciendo actualmente Charli XCX (Dylan Brady de 100 gecs, presente en ‘Charli‘, produce varios temas en este) o Kim Petras o lo que ya hizo en su momento Gwen Stefani, mientras, por contraste, ‘Electricity’ suena a un descarte de Holly Valance y ‘Everybody’ saquea sin bastante gracia el hit homónimo de DJ Bobo. Al menos la versión eurotrance de ‘Cloudbusting’ de Kate Bush que abre el álbum es algo mejor, por terrorífica que suene la idea en papel.

En ‘Planet Y2K’, LIZ suena mejor cuando más se deja consumir por la maquinaria futurista que ella y sus productores manejan, pues tampoco tiene una voz super istintiva (a veces cuesta distinguir si quien está cantando es ella o una colaboradora). El componente cyborg de ‘BTR 2GHTR’ con Kim Petras y ‘Mood Ring’ con Ravenna Golden es adictivo, ‘Diamond in the Dark‘ con Slayyyter es el pepinazo oficial del disco y la vaporosa atmósfera robo-pop de ‘Hearts Don’t Break’, con un punto al ‘One’ de Sky Ferreira, invita a repetidas escuchas. Pero el homenaje a Ace of Base de ‘Lost U 2 the Boys’ no es nada apetecible, la sensualidad choni marca Pussycat Dolls de ‘Lottery’ tampoco, el dance-pop de ‘Laguna Nights’ no justifica lo ultrapasadísimo de su producción con una melodía decente, y la muy Gwen ‘Cool wit It’ no dice nada que algunos temas de ‘Charli’ hayan dicho ya mejor. ¿Terminará ‘Planet Y2K’ abocado al más absoluto de los olvidos como todos esos discos salidos en los 2000 que reunían algunos temas buenos y bastante relleno? Solo el tiempo lo dirá, pero el disco parece haber querido seguir esa dirección hasta sus últimas consecuencias.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Intuition’, ‘BTR 2GTHR’, ‘Diamond in the Dark’, ‘Mickey’, ‘Mood Ring’
Te gustará si: amas el pop de los 2000 en toda su extensión
Escúchalo: Spotify

Teyana Taylor y Kehlani calientan el otoño con la tensión sexual de ‘Morning’

Por
Raúl Guillén
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El año pasado Teyana Taylor reaparecía con el fantástico ‘K.T.S.E.‘, producido por nada menos que Kanye West. Esta cantante de R&B y bailarina –Kanye, de nuevo, la rescató en esas lides para el inolvidable vídeo de ‘Fade‘– había debutado en 2014 con cierta repercusión, para luego desvanecerse, en apariencia. Pero tras volver con fuerza a la palestra mediática, ella no piensa dejar enfriar la atención y se dispone a publicar, en un futuro más o menos inmediato, un trabajo llamado ‘THE ALBUM’.

No hay muchos más detalles al respecto de ese ¿álbum? que su título, pero sí se conoce que incluirá los dos singles que ha presentado Teyana –pareado al canto– en las últimas semanas: primero llegó el pasado agosto ‘How You Want It?‘, un dueto con King Combs –sí, el hijo de Diddy–; y hace unos días lanzaba otro dueto, esta vez con Kehlani, que parece haber venido a derretir las primeras nieves de este invierno anticipado que ha llegado al hemisferio norte.

Se titula ‘Morning’ y es un medio tiempo de R&B oscuro y sofocante, pero de gancho inmediato en ese estribillo en el que ambas cantantes entonan a coro frases como «no estoy aquí para jugar, voy a dártelo / justo como lo quieres» y «mis piernas y manos arriba, me pones en posición y me enciendes». Lamentablemente, una mente educada en la heteronormatividad tenderá a pensar que ambas cantan eso pensando en un hombre, pero lo explícito de sus versos, donde cantan sobre «jugar con ese clítoris» y «poner las tetas en la boca» de la otra no dejan duda: narran un encuentro sexual entre ambas.

Para terminar de despejar las dudas –diría que pocas, si no ninguna otra cantante de R&B contemporáneo ha sido tan explícita respecto a un encuentro homosexual–, el tórrido vídeo dirigido para la canción por la propia Taylor está repleto de escenas llenas de tensión sexual. Sin embargo, con todo lo explícita que es su letra, sus bonitas imágenes juegan a seducir, sin pornografía gratuita.

Lo Mejor del Mes:

Casey Spooner, «arruinado», dice haber co-escrito ‘God Control’ de Madonna y sube parte de su demo

Por
Sebas E. Alonso
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Recientemente Fischerspooner han anunciado su fin, tan solo unos meses después de que viéramos a Casey Spooner defender solo el proyecto junto a un bailarín en el Low Festival. Ahora, el autor de ‘Emerge’ es noticia porque ha denunciado en su Instagram que Madonna no le ha acreditado apropiadamente en ‘God Control’, uno de los singles de ‘Madame X‘, realmente uno de los menos exitosos (‘Medellín’, ‘Faz gostoso’, e incluso ‘Future’, ‘Crave’ y ‘I Rise’ tienen más escuchas), pero también claramente uno de los favoritos de sus seguidores y la prensa. Es de lo más ajeno al concepto «world music» del álbum, pero a la propia Madonna le gusta tanto que le ha dedicado un ambicioso vídeo sobre el control de armas y abre sus giras con esta producción de música disco.

Casey Spooner, que no está acreditado como co-autor de ‘God Control’, que se presumía solo de Madonna y Mirwais sin más co-autorías, indica que ha cerrado un acuerdo económico con la cantante: «He tenido suficiente. Madonna me ha jodido. He co-escrito ‘God Control’ y no he recibido ni créditos ni compensación. He estado lidiando con esto durante 5 meses y no puedo más. He sido amable y muy paciente pero el tiempo se ha acabado. Y honestamente los términos son una mierda. Me dan 25.000 (dólares) como avance de los derechos de publicación, que después de la disputa legal y los impuestos se quedarán en 10.000».

Al artista no le satisface el aparente acuerdo al que se ha llegado por su participación en el tema, y quiere una parte de lo que se obtenga por su interpretación en vivo, que es donde obviamente está el dinero de Madonna desde que firmó con Live Nation en 2007: «Ha sido una pesadilla infinita de abogados y de espera y de más mails. ¿Para qué, 10.000 dólares? Debería pagárseme un porcentaje de la actuación de los conciertos. No hay dinero en las ventas de discos. Y punto. Ni siquiera para Madonna. He visto los números. Madonna, he cambiado de idea. Creo que el 1% de los beneficios de la gira cubrirán mi contribución y daños. O sea, es el número que abre los conciertos».

Además, finalmente revela que está arruinado en Berlín y tiene a su madre enferma en Estados Unidos: «mientras tú te diviertes en el escenario, estoy completamente arruinado en Berlín. No puedo pagar el alquiler. No puedo hacer la compra. No puedo comprarme un vuelo para ver a mi familia por Acción de Gracias. No puedo hacerme cargo de mi madre, que está mal de salud y suplicándome que le mande dinero. Estoy muy decepcionado de una artista que una vez admiré. Espero que esta noche te abucheen en tu número de apertura en Los Ángeles». Además, ha colgado una parte de su demo en Instagram mostrando que ambas versiones comienzan casi igual. Se desconoce si el resto de partes del tema definitivo, bien distintas, también estaban en esa demo de Mirwais.

En los Stories, Casey Spooner ha dado más detalles sobre el problema, revelando a lo largo de varias páginas la historia de la canción. Según él, ‘God Control’ comenzó siendo un tema del disco en solitario de Mirwais, en diciembre de 2017. Como este es francés y dice que el lenguaje era un poco «burdo», Casey le ayudó con el inglés: «lo limpié un poco, americanicé un poco el lenguaje y cambié la melodía de las últimas líneas». A continuación dice que ambos se ocuparon de otros asuntos y que supo que el disco de Mirwais, en el que Casey iba a cantar junto a otros artistas, se retrasaba porque estaba trabajando en el de Madonna. Casey se ofreció a trabajar en el disco de Madonna también, pero Mirwais no respondió.

Pasaron los meses y un día después de la salida de ‘Madame X’, Casey Spooner decidió ponerse el disco, específicamente ‘God Control’ porque es un tema que había visto recomendado online. Spooner lo reconoció como la demo en la que había trabajado con Mirwais, y escribió a este amablemente preguntándole por ella. El productor no habría respondido ni a ese mail ni a otro al cabo de una semana, y 6 semanas después fue una persona del equipo de Madonna quien habría contactado con Casey Spooner, indicándole que todo era «un problema de Mirwais que se había transformado en un problema de Madonna» y que «Madonna respetaba el trabajo de Casey Spooner, pero desconocía que había participado en la demo» original, a la que luego ella añadió otra parte. Se ha estimado la participación de Spooner en un 15%, pero el artista se queja de que la suma que se le ofrece es poca y de que ha notado que no quieren que este tema vea la luz.

¿Tiene sentido un biopic autorizado de Michael Jackson?

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Sebas E. Alonso
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La productora responsable de ‘Bohemian Rhapsody’, uno de los éxitos de taquilla más importantes de los últimos tiempos, está desarrollando un biopic sobre la vida de Michael Jackson. GK Films cuenta con el apoyo de la familia de Michael para este proyecto cuyo guión está elaborando John Logan, quien a su vez ha trabajado en ‘El aviador’ y ‘Skyfall’.

El apoyo de la familia es imprescindible para que la música de Michael Jackson pueda aparecer en la película, pues es quien tiene los derechos de la misma. Sin embargo, si existe la aprobación de la familia para que dicha música sea utilizada en la cinta es que su guión no va a dañar su imagen como lo ha hecho el documental de 4 horas realizado recientemente sobre sus supuestos -recordemos que el artista no fue condenado en los juzgados- abusos sexuales. Nos referimos lógicamente a ‘Leaving Neverland‘, que se ha estrenado este mismo año.

Por un momento pareció que el estreno de ‘Leaving Neverland’ iba a provocar la verdadera «cancelación» de Michael Jackson 10 años después de muerto: su eliminación de las radios y de playlists de Spotify, etcétera. Sin embargo, ese fenómeno no ha sucedido. De hecho, algún disco suyo reentró en las listas musicales con motivo de la promoción del documental (?), y Michael Jackson está prácticamente en la misma posición del global de Spotify que ocupaba antes de esta polémica: en torno a las posiciones 72 y 74. Ningún editor de playlists masivas en la plataforma sueca ha considerado inadecuado que su música fuera incluida en las playlists más populares de los 80, los 90 o Halloween. La única afrenta que he percibido personalmente es que Michael Jackson se ha convertido en una persona que no se puede mencionar en algunos pequeños ámbitos, como es el caso de Popjustice, uno de los foros más concurridos en cuanto a música pop. «La mayoría de la gente no quiere escuchar la música de un pedófilo, si a ti te importa una mierda, es tu elección, pero no será muy difícil comprender que a otros les importe» indicaba en mayo un usuario en su última página. Nadie ha vuelto a comentar nada en meses pese al enorme tráfico de estos foros.

Pero el público generalista parece haber olvidado el documental, continúa escuchando la música del artista de manera masiva, y suponemos por tanto que la película puede ser un éxito. De un lado, parece que la gente no ha dado credibilidad al documental, o simplemente ha mirado hacia otro lado, o no ha querido juzgar lo que no han juzgado los tribunales, o no se ha enterado de la existencia del mismo, o ha separado música y persona. Por otro, se desconoce qué interés puede tener un biopic en el que ciertas cuestiones van a ser obviadas o censuradas o manipuladas, como de hecho ya pasó en ‘Bohemian Rhapsody’, en cierta medida una cinta blanqueada y dramatizada. Y por el contrario, es cierto que ‘Leaving Neverland’ solo mostraba una faz de Michael Jackson y nadie hablaba en su favor, contando solo una visión de los hechos. Parece que en cualquier caso este documental será su contrapunto.

Jamila Woods / LEGACY! LEGACY!

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Raúl Guillén
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Como solemos hacer llegados a estas alturas del año, recuperamos algunos álbumes que han cosechado críticas en general muy positivas y que por hache –agenda y limitación de medios– o por b –densidad de contenido– hemos ido dejando aparcados durante meses. El segundo es el caso de ‘LEGACY! LEGACY!’, segundo álbum de estudio de la joven poeta, profesora, activista, compositora y cantante de Chicago, Jamila Woods. En 2016 autoeditó (el año siguiente lo reeditaría el sello indie JagJaguwar) su debut en solitario ‘HEAVN’ –antes había formado parte de un dúo de soul acústico llamado M&O–. Se trataba de un disco de R&B contemporáneo que contaba con la colaboración de insignes artistas de su ciudad como Chance The Rapper o Noname y que, tras su apariencia ligera, escondía duros mensajes contra la brutalidad policial hacia la comunidad negra. En ‘LEGACY! LEGACY!’ Woods no se olvida de la calle y el barrio, al contrario. Pero se esmera en ofrecer un refuerzo emocional y filosófico para esa lucha racial y de clases.

Cada corte de este trabajo lleva el nombre de una figura más o menos popular y más o menos erudita, según el caso. Héroes literarios –James Baldwin, Zora Neale Hurston, Nikki Giovanni–, musicales –Eartha Kitt, Miles Davis, Muddy Waters, Sun Ra, Betty Davis– o artísticos –Basquiat, Frida Kahlo– que no solo son referentes para Jamila por sus obras sino por sus respectivos ideales o actitudes ante la vida, como desgrana en esta entrevista imprescindible para ahondar en el disco. A través de esos nombres Woods construye un tejido de textos dedicados a empoderar sobre todo a las mujeres negras, que no solo han de vencer el racismo sino además el machismo imperante en todas las esferas sociales. Por eso ha elegido sobre todo a mujeres fuertes que vivieron contra las convenciones sociales y políticas –un linaje, palabra que emplea reiteradamente, del que se siente continuadora–. Y ha traducido sus posturas a un lenguaje contemporáneo –en buena medida, su trabajo como profesora en una escuela sin ánimo de lucro de Chicago para jóvenes autores se traslada a muchas de estas piezas–.

Acompañando a este poderoso componente lírico –aunque quizá demasiado erudito en determinados momentos, pues requiere una lectura muy profunda–, ‘LEGACY! LEGACY!’ también se eleva en lo sonoro: asistida en la mayor parte de él por el hasta ahora poco conocido productor Slot-A, Woods construye una obra que, también en lo musical, busca conectar con ese linaje a través de la pureza del soul-jazz clásico, conectándola con el presente a través de pasajes de electrónica audaz y hip hop. Crecidísima como intérprete, Jamila muestra una calidad asombrosa en números como la bárbara ‘BETTY’, ‘EARTHA’, ‘GIOVANNI’, ‘ZORA’…

Sucede que el empuje inicial mengua con números más ortodoxos o ya menos sorprendentes, como ‘FRIDA’ o ‘MILES’, aunque sin perder, en ningún momento, una elegancia digna de destacar. Pero, tras el potente interludio rockero que suponen ‘MUDDY’ y su “Motherfuckers won’t shut up”, ‘LEGACY! LEGACY!’ remonta hacia el cielo con dos maravillas incontestables: ‘BASQUIAT’ –pelotazo de free-jazz-soul con referencias a Kendrick Lamar y con un verso demoledor de Saba– y ‘SUN RA’ –R&B inclasificable y hermoso–, con los que Jamila Woods transita por la gloria de la música negra contemporánea, erizando el vello y fascinando.

Desde esas cotas, el aterrizaje del álbum es un dulce y ligero descenso con ‘OCTAVIA’, ‘BALDWIN’ –con la poderosa trompeta de Nico Segal, antes conocido como Donnie Trumpet– y la nada prescindible transformación de ‘BETTY’ el numerazo house con el que se cierra el disco. No cabe duda de que con ‘LEGACY! LEGACY!’ Jamila Woods ha ascendido varios peldaños de golpe en el escalafón del nuevo soul. No nos extrañaría lo más mínimo verla codearse con los más grandes en los próximos años.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘BASQUIAT’, ‘SUN RA’, ‘BETTY’, ‘EARTHA’, ‘GIOVANNI’, ‘ZORA’
Te gustará si te gustan: Solange, Janelle Monáe, Anderson .Paak.
Escúchalo: Spotify

Adiós a Asunción Balaguer, que ha fallecido a los 94 años

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Sebas E. Alonso
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Asunción Balaguer ha muerto a los 94 años en un hospital de la Comunidad de Madrid tras haber sido ingresada hace unos días como consecuencia de un ictus. La actriz había comenzado a trabajar durante la Guerra Civil española, debutando en un escenario a los 13 años, exactamente en 1938. Recientemente ha sido reconocida con varios premios, como el de la Unión de Actores o el Premio Max.

Balaguer apareció en películas como ‘Lulú de noche’, ‘El pájaro de la felicidad’, ‘La niña de tus ojos’, ‘Boca a boca’, ‘Cómo ser mujer y no morir en el intento’ o ‘Barcelona, noche de invierno’, mientras en televisión la hemos visto en series como ‘La que se avecina’, ‘Gran hotel’ o ‘Los misterios de Laura’. Hace poco ha aparecido también en ‘Merlí’, una serie de TV3 que se ha viralizado con su subida a plataformas y ha conquistado a músicos tan dispares como Miss Caffeina y Mala Rodríguez. Este y ‘Chiringuito de Pepe’ han sido sus últimos trabajos.

Asunción también fue conocida por su matrimonio con Paco Rabal, el cual duró 50 años. Sus hijos Benito y Teresa Rabal también siguieron sus pasos artísticos (Teresa Rabal fue una conocidísima cantante infantil durante los años 80) y su nieto Liberto Rabal también se ha dedicado a la actuación, apareciendo en ‘Carne trémula’ y ‘Centro médico’. La 2 emitirá este domingo un homenaje a Asunción Balaguer.

10 frases para explicar el éxito de ‘Élite’

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Sebas E. Alonso
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En algún momento de los últimos meses ‘Elite’ ha llegado a ser la serie más vista del mundo. ¿Qué hace esta producción española de Netflix, una suerte de ‘Física o química’ meets ‘Sensación de vivir’ meets ‘Pretty Little Liars’ ocupando tal posición por encima de producciones internacionales del prestigio de ‘Better Call Saul’ o ‘American Horror Story’? Tratamos de explicar este «no sé qué me das, que me hace volar» a través de 10 de sus momentazos. Eso sí, ninguno como el mítico “le he pegado la gonorrea a un alumno, el premio a profesora del año no me lo van a dar” oído a Blanca Romero en ‘FoQ’.

*También podéis optar por esta sinopsis que el usuario Oscar ha dejado en nuestro foro de ‘Élite’: «¿Pero por favor qué mierda es esta? Me meo. Llevo capítulo y medio como 60 minutos en los que hay todo mezclado: lucha de clases, racismo, homofobia, xenofobia, corrupción, vandalismo, voyeurismo, el problema de la reinserción, drogas, sexo en público, el estigma del VIH, alcoholismo, un asesinato… y muchas más que se me olvidan. Todas con una cuota de share media de un minuto. Me meo. ¿Hay algo que no vayan a meter? ¿Alienígenas? Eso sí, todo bien susurrado y nada vocalizado. Gracias subtítulos. Es una mierda como un piano».

«Nunca ames a alguien que te haga sentir ordinario»

Esta frase atribuida a Oscar Wilde que aparece 2 veces en el mismo capítulo viene a resumir el espíritu de ‘Élite’. La serie es un «whodunit», pues parte de un asesinato, pero al final por supuesto el «quién» es lo de menos. No deja de ser todo un «jo, tía, han matado a mi amiga» como el de las 300 temporadas de ‘Pretty Little Liars‘. Lo de más es el sexo y el dinero. La acción se centra en un instituto pijísimo al que llegan 3 becados a los que solo salva de lo harapiento el imperativo uniforme del colegio. En ‘Élite’ no hay lugar para Pacos o Pepes, y los personajes se llaman cosas como Polo y Guzmán. Incluso para los secundarios más wannabe los guionistas han escogido nombres como Cayetana.

«¿Quieres macarrones?»

Quizá de forma involuntaria, quizá a través de una de esas sutiles e ingeniosas campañas comerciales que emprende a menudo Netflix, esta frase que aparece en una escena inofensiva e incluso puede pasar desapercibida, se ha viralizado, llegando a las mismísimas aplicaciones de ligoteo. En la serie, un personaje, el intensito Samu, la utiliza para evitar sexo casual. En la vida real se está utilizando para buscarlo, al modo de «Ontás? Te pongo un Uber».

«Tú y yo vestidos sí que no vamos a ninguna parte»

Aunque no se ha viralizado tanto, esta otra frase extraída exactamente de la misma escena que la anterior, solo que unos segundos después, en realidad contiene muchísimo más «punch». La pronuncia Carla, en este caso da igual dirigiéndose a quién, pues resume de todas formas lo único que importa en ‘Elite’. Carla y Polo cubren la cuota del poliamor, tan de moda, aunque en otras series se silencie, si bien tienden a hablar con tal intensidad y gravedad, como con tanto hartazgo de sí mismos y de rutina, que más que jóvenes parecen cuarentones atrapados en cuerpos teenager. ¿Esto es ‘Elite’ o un intento caserillo de ‘Eyes Wide Shut’? Suponemos que la edad de los guionistas (Carlos Montero ya trabajó en ‘FOQ’) tendrá algo que ver.

«¿Qué parte? ¿La de camello o la de maricón?»

Hablemos de «Omander»: este es el nombre con el que se ha bautizado popularmente -aunque en la serie no aparece- a la pareja formada por Ander, uno de los pijos enrollados del instituto, y Omar, hermano de una de las becadas. Omar, además de camello, es musulmán, y además de musulmán, es «maricón», como ya habréis adivinado. No hemos evolucionado nada y por mucho que queramos evitarlo la relación entre un pobre y un rico, sean los que sean sus géneros u orientaciones sexuales, despierta en la ficción el mismo morbo ahora que hace cientos de años. «19 no es mi edad» no es su mejor frase, pero con pequeñas escenas de homofobia, represión religiosa en el hogar y bullying, ‘Élite’ maneja la trama homosexual con habilidad: atentos a la reacción del odioso Guzmán cuando descubre que tiene un amigo gay. Alguien sabía cuál era el público potencial de todo esto, mejor que el mismísimo Ryan Murphy.

Cuando uno está fuera de casa, siempre se tiene más frío

La represión por motivos religiosos no solo salpica a Omar, sino también por supuesto a su hermana Nadia, que no es gay pero sí mujer palestina. La actriz que la interpreta, Mina El Hammani, nació en Madrid de padres marroquíes y por si hacía falta que lo explicara en las entrevistas, es vista como una extranjera tanto en Madrid como en Marruecos. Aunque ‘Élite’ no está muy bien hecha, pues entre otras cosas a menudo presenta un montaje de lo más extraño en el que se salta de una cosa a otra sin ton ni son, la serie sí arriesga al presentar una realidad desconocida para muchos. En su lucha por huir de los estigmas y ciertos maniqueísmos, el guión da al padre de Omar y Nadia, el ogro del hogar, la que para mí es una de las frases más tiernas de toda esta telenovela, mientras abraza un jersey para uno de sus hijos, en ese momento en paradero desconocido.

«Dilo, mamá. Di que tienes una hija seropositiva»

Hablando de estigmas, solo podemos levantarnos para aplaudir y agradecer a ‘Élite’ el tratamiento dado a la trama de uno de los personajes, que es seropositivo. La serie no es ‘Verano 1993‘, pero sí ha tenido el poder de llegar a millones y millones de personas. Millones y millones de personas que como se vio con Conchita Wurst, están en muchas ocasiones totalmente desinformadas sobre la diferencia entre VIH y Sida, o sobre lo que significa e implica ser indetectable. El rechazo que sufre este personaje por parte de sus propios padres, además con todo el poder económico posible para estar bien informados, es descorazonador.

«Pero si mañana tenemos examen de mates». «Ni que fueras a aprobar»

Atención, SPOILER: en este instituto no estudia nadie. Hay un poco de paripé por ver quién es la alumna más competente, pero apenas ocupa unos minutos de la trama. La frase de este punto es un diálogo entre Christian y Polo que resume muy bien todo esto. Porque por si lo de Omander no te diera para paja, también tenemos a Polo, que por momentos parece recién escapado del cásting de ‘Looking’. Tiene un par de escenas que no pueden ser más homoeróticas, una de las cuales comienza en un cásting que solo existe en la imaginación de su tiempo libre, y que contiene esta genialidad de las matemáticas.

«En el infierno nos hacemos el láser»

La serie plantea dos personajes que se hacen más antipáticos que el resto desde el principio. Son los malos, los hostiles con los alumnos becados. Sin embargo, los dos acaban siendo de los favoritos por razones evidentes. Mientras Guzmán, el supuesto fan de James Blake, deambula entre una descontrolada violencia y una cursilería que le lleva a hablar en pretérito perfecto simple (en serio, ¿quién en Madrid dice cosas tipo «te amé»?), su novia Lu es la mala de las telenovelas, de hecho es de origen mexicano (la actriz Danna Paola es una cantante megafamosa). Se pasa los 16 episodios de un humor de perros y, si bien no llega a rozar la intención autoparódica de ‘La casa de las flores‘, ha dejado bastantes momentos gloriosos, como ese en el que acude a una fiesta disfrazada de Frida, pero alguien le echa en cara que se ha olvidado el entrecejo. «En el infierno nos hacemos el láser, querida», es su salida.

«De lo que se suele manchar alguien en una fiesta: pota, alcohol o lefa»

«Oye, tú, Narco Barbie» es otra de las grandes frases de Lu… que un personaje que aparece en la segunda temporada responde con un meritorio «por cierto, Barbie Latina…». El momento está cerca de la pelea de gatas de ‘Dinastía’, pero es solo la punta del iceberg del gran personaje femenino macarra, “choni” (sic), porque lo del ex presidiario «Nano» está más visto que el tebeo. Mucho mejor Rebe, rica pero con petaca en la discoteca («a mí no me clavan 12 euros por una copa»), y en ella al grito de «A ver qué se cuece… ¡putivuelta!». Rebeka con «k» de «Vicky Pollard» tiene el vídeo de «mejores frases» más divertido del canal oficial: no os lo perdáis.

«Todo el mundo merece una segunda oportunidad»

Es la clave del último episodio hasta la fecha y la que permite la apertura de una tercera temporada. Una vez resuelta la trama principal de la serie, ¿de qué manera puede subsistir ‘Élite’? No lo averiguaremos hasta 2020, aunque sí sabemos que el rodaje de la nueva tanda ya ha terminado y que Leïti Sène y Sergio Momo darán vida a dos nuevos alumnos llamados Yeray y Malick. ¿Merecerá la pena o terminarán provocando tanto “eye rolling” como ‘Pretty Little Liars’?

La música de ‘Élite’: 10 artistas que han notado especialmente haber sonado en la serie

Por
Sebas E. Alonso
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La música no es una de las razones por las que ‘Élite’ ha tenido tanto éxito, pero sus creadores se han regodeado de lo lindo con ella, situándola en primer plano. Los productores de la serie han evitado Estopas, Aitanas y Bisbales y se han decantado por un modelo que incluye la música urbana de Rosalía, Bad Gyal y C. Tangana, la alternativa de La Casa Azul y La Bien Querida y el tropical house de YALL, así como de otros artistas desconocidos más o menos similares. En general, han mostrado bastante buen gusto, incluso hasta la inverosimilitud: Guzmán aparece en un momento escuchando a James Blake y no es que pegue mucho con su personaje de villano en ese momento. ¿Quizá es una forma de avanzar su futuro?

Hay que tener en cuenta que ‘Élite’ ha tenido 20 millones de espectadores en todo el mundo, por lo que se ha transformado en todo un altavoz para todo artista que ha sonado en ella. Aunque algunos de sus momentos más representativos incluyen ‘Antes de morirme’ de C. Tangana y Rosalía, ‘Los amigos que perdí’ de Dorian, ‘7 días juntos’ de La Bien Querida o ‘El momento’ de La Casa Azul, en este artículo nos centramos en otros artistas para los que salir en la serie ha podido ser más decisivo. Más que nada porque existe una playlist oficial en Spotify con la música de ‘Élite’ que siguen más de 100.000 personas, y las estadísticas son públicas. Por cierto, de manera chanante, han dejado la música clásica para el final.

The School

‘Élite’ ha incluido canciones de The National y ha recuperado a The Primitives, pero quienes parecen haberse beneficiado más de su paso por la serie han sido los deliciosos The School (recordad nuestro especial «The School en 10 canciones«). ‘I Don’t Believe In Love’ siempre fue un tema icónico de su discografía, pero es que ya supera el millón de reproducciones, muy por encima del resto de sus canciones (sin que haya una correspondencia con una diferencia de calidad o estilo). Las estadísticas públicas de Spotify muestran que miles de personas han escuchado por primera vez a esta banda británica de sello madrileño gracias a la serie. Como ya se vio cuando sonaron The Yearning en el taquillazo ‘Perfectos desconocidos’, una parte de Elefant se dedica a intentar colocar temas en series y películas. De hecho, también suenan en ‘Élite’ Fitness Forever, Knickers y Rush Week, aparte de La Casa Azul.

Kostrok

La serie tiene incluso el poder de revivir proyectos que estaban moribundos. Kostrok es uno de los grupos que suenan en una de las fiestas, en concreto con su tema ‘Right Now’ cantado por Bearoid, y como resultado 3 de las 5 playlists que más escuchas aportan al dúo están relacionadas con ‘Élite’. En este vídeo de El País, Adrián Lurbe explica que ya no trabaja con José Martí, recordando que el tema data en realidad de 2013.

Zazo & Gxurmet

También 3 de las 5 playlists que más aportan a las arcas de Zazo & Gxurmet proceden de esta serie. ‘Te miro’ y ‘París’, la cual escribieron en un momentito en un McDonald’s, están entre las canciones que les han llevado a aparecer entre los virales de México y varios países latinoamericanos, pero también en otros de Europa como Francia o Grecia. Se nota que cada vez hay menos fronteras para el castellano. Además, Zazo & Gxurmet están en Mushroom Pillow, en su momento sello que supo mover la carrera de Delorean y Phoenix Polock por ciertos circuitos internacionales.

Christina y los Subterráneos

Enésima resurrección para el clásico de Christina y los Subterráneos ‘Tú por mí’, que aparece nada menos que en el episodio 1 de la temporada 1 de ‘Élite’. El éxito de Christina Rosenvinge en los últimos 10 años ha hecho que muchos repasen su discografía anterior y este es uno de los pasos fundamentales. La playlist de esta serie es la 3ª más importante en estos momentos para Christina y los Subterráneos y también parece haber resurgido la versión de ‘Tú por mí’ que aparece en directo en ‘Flores raras’, disco ya firmado como Christina Rosenvinge.

Kimberley Tell

Otra que lleva sangre danesa en las venas (también inglesa) es la actriz nacida en Lanzarote Kimberley Tell, a la que se conoce por series como ‘Algo que celebrar’ y ‘Buscando el norte’. También ha participado en ‘Hierro’ y en un capítulo de ‘Velvet’, pero atención al pelotazo musical: su único tema, el medio tiempo electrónico ‘Lo que no me dices’, en la línea de Brisa Fenoy o la primera Najwa, ha aparecido en la serie y suma casi 2 millones de reproducciones en Spotify. ¿De verdad va a quedarse ahí su carrera como cantante?

Conchita Velasco

No hay «ageism» en ‘Élite’ y Conchita Velasco también suena en un episodio de la segunda temporada. Gracias a esto ‘La chica ye-yé’ ya no es el tema más popular del momento de la artista en Spotify (al menos en su perfil como «Conchita», hay otro con «Concha»). Lo es ‘Con nada se puede ser feliz’, en este caso dedicado al personaje de Cayetana, que finge ser rica aunque es pobre, y que procede de la popular película ‘Pero, ¿en qué país vivimos?’ con Manolo Escobar. Era una versión de un temazo perdidísimo, ‘Il suffit d’un rien pour être heureux‘ de Alice Dona.

Motorama

‘Élite’ también ha sido importante para bandas que no proceden de Latinoamérica, España o Estados Unidos. Para muestra tenemos a la banda rusa Motorama. Hay formas (infraestructuras, medios, otras redes sociales) que permiten que el post-punk siga vivo en un ámbito internacional, y Motorama ya tenían sus seguidores en la década en que se han curtido, pero de nuevo, es ‘Élite’ lo que mejores números les ha reportado, en concreto a su canción ‘No More Time’, que aparece en el segundo episodio de la segunda temporada.

aAron

También ha dado la serie un “push” a los franceses AaRON, que editaron tres discos entre 2007 y 2015, llegando a recibir discos de oro en su país y a girar por España. París continúa siendo la capital para ellos, pero ‘Blouson Noir’ y ‘We Cut the Night’, dos temas muy GusGus, les han permitido sonar también en Estambul o en México D.F.

John Maus

¿Dorian? Claro. ¿Christina Rosenvinge? ¡Anda! Pero lo de John Maus sí que no lo esperábamos. Un comentario en Youtube viene a resumirlo muy bien: «cuando salió esa canción pensé que había reproducido la canción desde mi celular, y yo buscando ni loco. No pensé escuchar a John Maus en esta serie». ‘Hey Moon’ sale en el primer episodio de la segunda temporada, después de una fiesta, pues suena claramente a resaca. Por marciano que parezca, ‘Élite’ es lo que más escuchas ha aportado a John Maus y ‘Hey Moon’ suma 13 millones de reproducciones en Spotify.

Danna Paola

Obvio para unos pero desconocido para otros, la actriz que interpreta a Lu es una famosa cantante mexicana. Tanto que a ella salir en la dichosa playlist de Spotify no le ha movido un solo pelo: lo suyo es estar en el top 50 de México (ahora mismo con ‘Oye Pablo’), en las listas «Latin VIP Pop», etcétera. Pero no se puede negar que a nadie le amarga un dulce, y que aparecer en una serie con tantísimo público le da opciones en territorios donde no se había presentado. De hecho, si bien no es su mayor éxito, su tema ‘Final feliz’ incluye imágenes de la serie.

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