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‘Los muertos no mueren’: un Jarmusch menor pero entrañable

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Jim Jarmusch fue uno de los pioneros en el auge del cine independiente americano a principios de los años 80, y desde entonces no ha dejado de hacer un cine absolutamente personal y de lo más ecléctico. Desde road movies a dramas íntimos sobre vidas mundanas, pasando por historias sobre vampiros románticos a westerns. Ahora es el turno de los zombis. El Festival de Cannes siempre ha protegido su obra apoyándole e impulsándole desde sus inicios, y por ello, que ‘Los muertos no mueren’ fuese la película que inauguró este año el Festival no supuso ninguna sorpresa, incluso tratándose de una cinta menor en su filmografía.

Ambientada en la localidad ficticia de Centerville, la policía descubre que los acontecimientos extraños que están sucediendo son causa de una epidemia zombi que amenaza con invadir el pueblo por completo. Bajo esta premisa, Jarmusch intenta aplicarlo al mundo en que vivimos criticando a una sociedad en la que cada vez todo está más automatizado y donde la tecnología está, en parte, apoderándose de nuestras vidas. Pero aunque las intenciones de meter este subtexto sean las de dotar a la película de más empaque, lo cierto es que, por su obviedad, acaba resultando la parte menos interesante.

Lo más valioso de ‘Los muertos no mueren’ es su entregado reparto. El director se ha juntado mayoritariamente con amigos que ya han colaborado con él a lo largo de su trayectoria, como Bill Murray, Tilda Swinton, Adam Driver, Iggy Pop o Tom Waits, y tienen pinta de habérselo pasado en grande rodándola. La energía positiva que transmiten trabajando juntos es contagiosa al otro lado de la pantalla. Se nota que los actores confían plenamente en el divertido texto de Jarmusch -plagado de autorreferencias, guiños meta ficcionales y repeticiones-, recitando cada línea de diálogo con verdadera gracia, incluso cuando el tercer acto es un absoluto delirio, que poco tiene que aportar a lo demás. Todo el reparto brilla, especialmente unas Chloë Sevigny (en su primera colaboración con el director) y Tilda Swinton (poniendo acento escocés) graciosísimas. También Selena Gomez en un papel más discreto está muy convincente.

A pesar de ser una autoconsciente gamberrada, no es el típico entretenimiento fácil. ‘Los muertos no mueren’ sigue siendo tan de autor como cualquier otra de sus obras. Su ritmo pausado y esos diálogos tan marcianos pueden espantar a ese espectador despistado que no sepa muy bien lo que va a ver. Aunque si entras en su particular sentido del humor, probablemente pases un rato agradable. No es una gran película, y parece que tampoco pretende serlo, pero supone un bienvenido soplo de aire fresco en la cartelera veraniega pasar un tiempo con estos entrañables personajes al ritmo de Sturgill Simpson. 6.

Nick Cave pide separar música y política cuando le preguntan por Morrissey

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Nick Cave, que sabe lo que es ser asediado por razones políticas, en concreto por su decisión de actuar en Israel en contra de la presión de Roger Waters, ha hablado en favor de Morrissey. El autor de ‘Everyday Is Like Sunday’ ha actuado últimamente con un pin del partido de ultraderecha For Britain, además de haber defendido públicamente a la formación, y un fan de Nick Cave ha querido saber qué opina este al respecto.

Su respuesta a través de la web The Red Hand Flies, tal y como recoge NME, ha sido que hay que separar música y política. «La opinión política de Morrissey se vuelve irrelevante. Independientemente de las necedades que él pueda postular, no podemos pasar por alto el hecho de que cuenta con un catálogo extenso y extraordinario que ha mejorado las vidas de muchos de sus fans hasta lo indecible. Esto no es moco de pavo. Ha creado trabajos originales y distintivos de una belleza sin igual, que sobrevivirá a sus alianzas políticas ofensivas».

Indica que Morrissey es uno de los mejores letristas de su tiempo y cita entre los ejemplos ‘This Charming Man’, ‘Reel Around the Fountain’ y ‘Last Night I Dreamed Somebody Loved Me’. Además, en otros puntos de su texto, indica que Morrissey «pese a que pueda decepcionar a los marginados y a los miembros desahuciados de la sociedad», «debe tener libertad de expresar sus opiniones, como otros tienen la libertad de desafiarlas». Concluye, en la línea, que hay que dejar que Morrissey tenga sus opiniones, pero también «dejar a su música vivir».

J Balvin y Bad Bunny publican por sorpresa su nuevo disco colaborativo, ‘OASIS’

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J Balvin y Bad Bunny publican por sorpresa un álbum colaborativo con el que Joaquín Reyes por fin conseguirá distinguir a uno del otro. ‘OASIS’ contiene 8 canciones y colaboraciones de Marciano Cantero y Mr Eazi, y el primer single oficial parece ser ‘QUE PRETENDES’. Al menos es para este tema para el que J Balvin y Bad Bunny han decidido presentar un videoclip dirigido por Colin Tiley (Kendrick Lamar, Halsey, Iggy Azalea), que ya puede verse.

El cantante colombiano autor de ‘Vibras‘ y el portorriqueño autor de ‘X 100PRE‘ son por supuesto dos de los nombres del reggaetón y trap latinos más populares del momento. Ambos ya aparecieron juntos en el single de Balvin ‘Si tú novio te deja sola’, además de en ‘I Like It’ de Cardi B, en un remix de ‘Soy peor’ con Ozuna o en otro de ‘No me conoce’ de Jhay Cortez.

Todo un bombazo la llegada de este disco pues J Balvin y Bad Bunny han firmado algunos de los mayores éxitos de los últimos tiempos, muchos de los cuales han llegado al número 1 en nuestro país. Al margen de ‘I Like It’, Balvin, que acaba de actuar en Primavera Sound, lo ha sido recientemente con ‘Con altura’ junto a Rosalía (que recientemente ha sido top 1 global en Youtube), mientras Benito Jímenez, que está a punto de actuar en el festival Río Babel de Madrid y en el Sónar de Barcelona, lo es actualmente con ‘Callaíta’.

El precioso homenaje de Parade a ‘Esa música’ que te marcó

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En este mundo despiadado como este –y me refiero también a la música pop–, hay que celebrar la resistencia de talentos de la música como Antonio Galvañ. Este romántico del pop que publica discos bajo el nombre de Parade, no desfallece y, tras habernos deleitado con la recuperación de tres canciones compuestas hace 30 años en el EP ‘1987‘, anuncia nuevo álbum. El próximo mes de septiembre verá la luz la continuación de ‘Demasiado humano‘, un disco llamado ‘La deriva sentimental’ publicado como siempre a través del sello Jabalina –que este año ha cumplido 25 de existencia, por cierto–.

Y como adelanto nos trae hoy ‘Esa música’, una preciosa canción que celebra, precisamente, otras canciones. Esas que en algún momento de nuestra vida nos hicieron sentir algo distinto a las demás y nos cambiaron para siempre. Galvañ lo describe a la perfección en ese estribillo que dice «esa música tiene ya más de mil años / pero siento que bailando / soy un niño otra vez». Todo ello en una gema que, apartado de su perfil más electrónico, remite al elegante pop de guitarras de unos Prefab Sprout o un Lloyd Cole. Grabada en los estudios de Guille Mostaza con él a los mandos, participan en ella los habituales Eduardo Piqueras a la guitarra acústica y Eva Plaza y Jesús Galvañ a los coros, además de nuestro estimado colaborador Jaime Cristóbal a la guitarra eléctrica.

El tema es promocionado con un simpático vídeo creado con imágenes enviadas por fans y amigos –Guille Mostaza, Santi Diego del grupo Capitán Sunrise, Rafa Skam de The Yellow Melodies, el locutor Julio Ruiz (¡que sostiene el debut de Britney Spears!) o el propio director del sello Jabalina, Tanis Abellán– que posan con el disco al que guardan ese cariño especial que Parade describe en la canción. Por supuesto que también aparece el propio Antonio Galvañ que, si te lo preguntas, sostiene el ‘Feel The Need’ de Leif Garrett.

La primer ocasión de ver a Parade interpretar ‘Esa música’ en directo será el nuevo minifestival Jubileo Juan de Pablos. Esta vez tiene lugar los días 30 y 31 de agosto en Madrid para celebrar la figura del querido locutor radiofónico, meses después de su jubilación. Además de él, Los Fresones Rebeldes, Charlie Mysterio, Cola Jet Set, Confeti de Odio, Yawners o F.A.N.T.A. se darán cita en ella.

Cassius / Dreems

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El nuevo disco de Cassius no ha podido llegar a nuestras manos en peores circunstancias: apenas unas horas después del fallecimiento de uno de los miembros del dúo, Philippe Zdar, que la pasada semana se precipitaba accidentalmente por una ventana. Su pérdida ha sacudido no solo por supuesto a Cassius, que se despedirán con este álbum llamado ‘Dreems’, sino a algunas bandas amigas para las que Zdar estaba resultando fundamental. Hot Chip solo hablaban, antes de su muerte, maravillas sobre la aportación de Philippe a su nuevo disco ‘A Bath Full of Ecstasy‘; el artista había producido el año pasado el más que interesante ‘Always Ascending’ de Franz Ferdinand, y había servido de «guía especial» en ‘Ti amo’ de Phoenix unos meses antes, en 2017.

Es una pena además porque ‘Dreems’ es un trabajo mucho más centrado que el anterior álbum de Cassius, aquel ‘Ibifornia‘ en el que colaboraban con gente tan dispar como Cat Power y Pharrell Williams, de manera totalmente improbable incluso en la misma pista, o el omnipresente Ryan Tedder. Algunos colaboradores de aquel álbum de 2016 repiten en el nuevo, como es el caso de Mike D de Beastie Boys, pero o bien lo hacen con más brío o los elementos están mucho mejor dispuestos. No en vano ‘Dreems’ se ha concebido como una sesión de música de baile con las pistas unidas. Cuando terminan las 12 canciones del disco en las plataformas de streaming, la pista 13 presenta todo el álbum unido en un solo track.

Esta idea provoca que algunas pistas se vean realzadas, como es el caso de ‘Cause oui!’, que se crece al aparecer después de ‘Rock Non Stop’, con Mike D precisamente rapeando «Rock, we don’t stop» y aparentemente haciendo un pequeño «shade» a Gaga («I like Liza Minnelli / Not Gaga, don’t tell me»). Aunque muchas canciones se van construyendo a sí mismas a medida que avanzan y de manera independiente, como ‘Nothing About You’, de nuevo con John Gourley (of Portugal. The Man); o la mencionada ‘Rock Non Stop’, que primero parece va a ser un tostonazo de interludio y termina convertida en lo que podría haber sido un single de Simian Mobile Disco.

Son varios los temas que, de hecho, funcionan por sí solos y la cantante Owlle es responsable de muchos de ellos. ‘Don’t Let Me Be’ es muy merecidamente el single principal del álbum; ‘Dreams’, con el cantante de The Rapture y Joe Rogers, es un eufórico tema de chillwave en celebración del amor; y ‘Walking in the Sunshine’ el cierre perfecto tras la medio étnica ‘W18’ con Vula Malinga. De la reivindicación de esta como «mujer» en una canción positiva para ayudar a alguien a salir del bache («There’s no better place / Morning, peace in my shelter / Don’t give up the faith / I’m a woman, just tell me why (I’m a woman)»), pasamos a una visión de la mujer mucho más sensual y por supuesto compatible. Es un glorioso final para ‘Dreems’ que contrasta claramente con el aburridillo desenlace del largo anterior.

También son muy reivindicables piezas como ‘Fame’, entre el Bowie y la Madonna más «art pop» o ‘Calliope’, esta última como muestra de que el disco no necesitaba a cantantes famosos o no famosos para llenar las pistas de baile. Un buen álbum, involuntariamente de despedida, que al menos pudo servir para que Zdar reflexionara sobre su carrera en las que han sido sus últimas entrevistas promocionales, apenas un par de días antes de dejarnos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Don’t Let Me Be’, ‘Dreams’, ‘Calliope’, ‘W18’. En general, la segunda mitad del álbum.
Te gustará si te gustan: Basement Jaxx, Simian Mobile Disco, Cassius
Escúchalo: Spotify

Amaia detalla portada y tracklist de su debut, ‘Pero no pasa nada’, y anuncia gira de presentación

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Amaia revela al fin los primeros detalles de su esperado primer disco. Aún sin concretar fecha de lanzamiento definitiva (el álbum sale en septiembre), al fin sabemos que el debut de la ganadora de Operación Triunfo 2017 llevará por título ‘Pero no pasa nada’ y se compondrá de 10 canciones, entre ellas ‘El relámpago’ y ‘Nadie podría hacerlo’, además de otras cuyos títulos la navarra nos desvelaba en una entrevista reciente.

Sin revelar demasiado del disco, El Segell explica en nota de prensa que «después de escuchar El Relámpago y Nadie Podría Hacerlo y presenciar el potencial de su directo en algunos festivales, Pero No Pasa Nada se intuye como un disco de corte pop rock en el que Amaia, con la ayuda de Santiago Motorizado a la producción, ha dado rienda suelta a su habilidad para componer canciones sencillas, desenfadadas y con melodías de las que terminas silbando horas después».

‘Pero no pasa nada’:
01 Última vez
02 Quedará en nuestra mente
03 El relámpago
04 Último verano
05 Nadie podría hacerlo
06 Quiero que vengas
07 Todos estos años
08 Un día perdido
09 Cuando estés triste
10 Porque apareciste

Conjuntamente a título, portada (¿o más bien portadón?) y tracklist de ‘Pero no pasa nada’ se han anunciado las primeras fechas de la gira de presentación del álbum, que arranca en Pamplona, de donde Amaia es oriunda, el 5 de octubre, y pasará también por A Coruña, Madrid, Granada, Barcelona o Murcia, entre otros puntos de la geografía española.

5/10 Baluarte (Pamplona) Próximamente
18/10 La Laboral (Gijón)
19/10 Palacio de la Ópera (A Coruña)
31/10 Temporada Alta – Auditori (Girona)
01/11 BIME (Bilbao)
08/11 Centro de Congresos (Granada)
23/11 Palau de les Arts (València)
20/12 El Liceu – Festival Mil·leni (Barcelona)
17/01 Circo Price (Madrid)
01/02 CC Miguel Delibes (Valladolid)
21/02 Auditorium (Palma de Mallorca)
14/03 Auditorio (Zaragoza)
21/03 Víctor Villegas (Murcia)
18/04 Cartuja Center (Sevilla)

Escucha lo nuevo de Thom Yorke, Kim Petras, The Black Keys, Ed Sheeran & Khalid, Parade, Chucho…

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Aunque, entrados de lleno en el verano, la cantidad de álbumes comienza a descender exponencialmente, esta semana novedades inesperadas como el nuevo álbum de Thom Yorke en solitario con corto para Netflix incorporado, y el secreto trabajo conjunto de J Balvin y Bad Bunny. Sin duda, han animado más la playlist Ready for the Weekend, en la que ya preveíamos incluir los nuevos discos de Kim Petras, The Black Keys, Freddie Gibbs & Madlib, Julia Michaels, Pedro LaDroga, Chris Brown y los debuts del productor dance Hayden James y la cantautora interesante Evie Irie, además de nuevos EPs del dúo Cine Nuria y la unión de Nico Miseria y Soto Asa.

Hoy también contamos con singles importantes, como el regreso de Mala Rodríguez, Ed Sheeran & Khalid (extraído del disco colaborativo del primero), Ellie Goulding & Juice WRLD, Iggy Azalea, ChocQuibTown & Becky G, Korn, Céline Dion, Ozuna, Daddy Yankee, Maldita Nerea o Juicy J (junto al dúo City Girls y Meghan Thee Stallion). Otros artistas que lanzan canciones destacables esta semana son Parade (primer adelanto del nuevo disco de Antonio Galvañ), serpentwithfeet, Bleached, Clairo, MUNA, Blanck Mass, H.E.R., Moon Duo, Izïa, Marcos y Molduras (atención a este dúo), Iseo & Dodosound, Yuksek, Eva Ruiz & Cruz Cafuné, Boy Pablo, Cristina Quesada, Lucy Dacus, Brittany Howard (la líder de Alabama Shakes en solitario), Jacques Greene, Mayer Hawthorne, Joyero (proyecto de Andy Stack, de Wye Oak), el interesante debut de B1N0 y el primer single post-Eurovisión de Miki Núñez. A estos se suman las canciones que hemos conocido a lo largo de la semana de Friendly Fires, Liam Gallagher, León Benavente & Amaral, Ms Nina o Joe Crepúsculo.

En cuanto a las novedades más curiosas, destaca el EP con el que Chucho conmemoran los 20 años de su hit ‘Magic’ (con la versión cantada por Manolo Martínez de Astrud y un par de remixes), junto al inédito que presenta Snail Mail para la reedición de su EP debut, una versión de Springsteen a cargo de Vampire Weekend exclusiva de Spotify, un disco de la serie DJ Kicks a cargo de Peggy Gou (con un nuevo tema suyo), el tema de Kygo para el holograma de Whitney Houston, la adaptación al español de ‘Should I Stay or Should I Go’ de The Clash que hace Xenia Rubinos para la BSO de la película ‘I’m Leaving Now’, la aportación de Meghan Trainor al concurso televisivo de composición ‘Songland’ o el tema que une a Maria Rodés, Santi Balmes y Joan Dausà para un anuncio de cerveza con conciencia ecológica.

Los Javis en La Resistencia: una visita que es todo un pulso

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Los Javis han visitado esta noche La Resistencia para promocionar la tercera temporada de ‘Paquita Salas’, que acaba de estrenarse en Netflix. Javier Calvo y Javier Ambrossi se dedican a echar pulsos durante la mayor parte de la entrevista, quedándose sin tiempo de responder a las preguntas que Broncano seguramente tampoco tenía pensado hacerles sobre, por ejemplo, la sintonía de ‘Paquita Salas’ cantada por Isabel Pantoja, la aparición de La Bien Querida en uno de los capítulos de esta nueva temporada, o en relación a la serie sobre La Veneno que el combo de directores se encuentra preparando.

Cuando a pocos minutos de empezar la charla, David Broncano plantea una serie de comparaciones a Los Javis sobre cuál de ellos es el alto y el bajo, el fuerte y el débil o sobre cuál de los dos la tiene más grande, sabes que la entrevista ha tomado una deriva incluso más absurda de lo habitual. La pena es que, en este caso, no haya resultado al menos divertidilla como la de Ms. Nina la noche anterior. ¿Cuántas horas dura la pelea de pulsos? Casi lo mejor del paso de Los Javis por La Resistencia es la emisión del tráiler de ‘Paquita Salas’ (sí, con música de Niños Mutantes).

Al menos al final, Calvo y Ambrossi sí responden sin tapujos a las preguntas sobre dinero y sexo de Broncano. El presentador conjetura al principio que deben tener unos 100.000 euros en el banco, pero Calvo acude raudo y veloz a apuntar que se ha «quedado cortísimo». En realidad ambos dicen disponer de unos 300.000 euros por cabeza, aunque Calvo asegura que Hacienda le ha salido a pagar y además una buena tajada. Por último, Los Javis explican que en el último mes han practicado sexo exactamente 0 veces, debido a su apretada agenda.


Mala Rodríguez, una «bruja» con ganas de llevárselo «todo por delante» en ‘Aguante’

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Mala Rodríguez publica hoy un nuevo single en solitario meses después de publicar ‘Contigo‘ con Stylo G y cuando está a punto de cumplirse un año desde el lanzamiento de ‘Gitanas‘, el que suponíamos primer sencillo de su próximo álbum, del cual siguen sin conocerse noticias concretas.

Se trata de un ‘Aguante’ producido por el grupo de productores norteamericano GTA (Brisa Fenoy, Yung Beef, Ms Nina, Beauty Brain), de ritmos agresivos y próximos a lo que propone su colega y colaboradora Lola Indigo en ‘Akelarre‘, con una base en la que convive un ritmo de reggaetón con texturas del afrobeat y el típico estribillo-pitido a la moda. El pre-estribillo clama «dice que aguante, no me da la gana, yo vine a llevármelo todo por delante», mientras el videoclip de la canción, dirigido por VENENO, parece inspirado en la película de 1998 ‘Jóvenes y brujas’.

Precisamente, en todo el tiempo que ha pasado entre ‘Gitana’ y la actualidad, la rapera jerezena ha triunfado con un single llamado ‘Mujer Bruja’ junto a Lola Indigo, además de con ‘Usted’ con Juan Magán y con ‘Caprichosa’ con Beatriz Luengo. Recientemente ha aparecido en ‘Agua segura’, el nuevo single de la cantante y actriz chilena Denise Rosenthal. El último álbum de estudio de Rodríguez, también llamado ‘Bruja‘, salió en 2013.

Aitana y Lola Indigo, rumbo al oeste en el vídeo de ‘Me quedo’ producido por CANADÁ

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Aitana y Lola Indigo firman este año un bailable single conjunto llamado ‘Me quedo’, incluido en el disco de la primera y producido por Alizzz con participación de El Guincho. ‘Me quedo’ entraba en el número 6 de la lista de singles española en su primera semana, pero tras caer al 25 en la segunda, su videoclip ha llegado esta medianoche a tiempo de darle un buen empujón.

Aunque la letra de ‘Me quedo’ sitúa a Aitana y a Lola Indigo explícitamente en una discoteca, el vídeo para el tema tiene lugar en un exterior, en concreto en el kilómetro desconocido de una típica carretera española, por la que vemos a las dos intérpretes subidas a un autobús o cantando y bailando la canción. Solo falta por aquí el toro de Osborne cortando el horizonte. RÉALITÉ, el colectivo de directores tras el clip de ‘No sabes mentir’ de Cupido, dirige con producción de CANADÁ este vídeo en el que la marca de la productora catalana no puede ser más reconocible, pues en ella vuelve a hacer uso de una estética cañí que recuerda necesariamente a sus trabajos con Rosalía. ¿No parece Aitana Penélope Cruz en ‘Jamón jamón’?

Recientemente, Alizzz nos detallaba así el origen de ‘Me quedo’: «Traje la idea del beat, que se basaba sobre todo en la vibra y la melodía principal que hay en el drop. De ahí construimos la letra el mismo día y la grabamos. Luego Aitana se vino a mi estudio a regrabar algunas partes. Le enseñé algunas partes nuevas de música que había hecho que sonaban más pop, un poco menos urban, como la intro y final y la parte r’n’b del medio. Aitana me ayudó a estructurar un poco esas partes. Posteriormente se subió Mimi».

Kygo busca otra canción del verano en un bonus track remoto de Whitney Houston en ‘Higher Love’

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Como cada semana, este viernes 28 de junio un puñado de canciones nuevas se estrenan en las plataformas de streaming, y una de ellas es especialmente interesante, pues se trata de un nuevo single de Whitney Houston, fallecida en 2012, con el productor de música electrónica Kygo, autor de macrohits de tropical house como ‘Firestone’ con Conrad Sewell o ‘It Ain’t Me’ con Selena Gomez.

Desde la repentina muerte de Houston a los 48 años, acontecida unos días antes de la celebración de los premios Grammy, apenas hemos escuchado novedades póstumas de la cantante más que un par de temas que dejó completos para la película ‘Sparkle’ y un remix de ‘I Look to You’ con R. Kelly. Y eso fue en 2012. En comparación, sí hemos escuchado bastante material póstumo de Michael Jackson, Prince, Amy Winehouse o recientemente Avicii, que además está triunfando a lo grande con ‘SOS’ con Aloe Blacc.

La idea que la industria musical ha tenido ahora para reivindicar la figura de Whitney Houston en 2019 es recuperar una canción desconocida de la cantante y reconfigurarla en clave de tropical house. ‘Higher Love’ era un bonus track de la edición japonesa de ‘I’m Your Baby Tonight’, el álbum de Houston de 1990, y por si no pareciera suficientemente remoto, el tema era en realidad una versión de un single más antiguo de Steve Winwood, lanzado en 1986. ‘Higher Love’ de Kygo con Whitney Houston ya está disponible.

Liam Gallagher busca empoderar a sus fans en ‘The River’: «abandona tu máquina del tiempo»

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Liam Gallagher sigue compartiendo detalles y novedades de su nuevo disco a cuentagotas, como es normal por otro lado, pues ‘Why Me? Why Not.? no sale hasta el 20 de septiembre. En cualquier caso, el ex Oasis ya había lanzado el potente single ‘Shockwave’ -que ha alcanzado el número 22 en la lista de éxitos británica- y afirmado que el álbum será exactamente como el anterior pero mejor.

El segundo álbum en solitario de Gallagher contará con 14 canciones, entre las cuales se encuentra el segundo single que acaba de publicarse en las plataformas de streaming. ‘The River’ es otra canción de Gallagher con potencial de himno para sus conciertos, cuya letra se dirige en este caso a un joven al que Gallagher busca empoderar: «vete de tus nubes de marihuana, abandona tus máquinas del tiempo, así podrás decir que el dormilón se ha despertado», canta antes de declarar «no creas en las celebridades» o de animarnos a abandonar nuestros teléfonos: «el aparato en tus manos, es belleza de imitación».

‘The River’ llega además con un videoclip rodado en Manchester y protagonizado por el típico chaval británico de clase media baja, que deambula solo por las calles de esta ciudad para terminar topándose con… un póster que anuncia la llegada del nuevo disco de Liam Gallagher. Ya lo dice su título: «¿por qué yo? ¿y por qué no?»

Meister of the Week: AWWZ nos recuerda que Canadá no solo es una productora, también es un país

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AWWZ, el proyecto de electrónica «bass» de la barcelonesa Gemma, lleva unos años dando que hablar, sobre todo desde la publicación, en 2015, del envolvente single ‘Awake’ y, más tarde, del EP ‘Glid’, en el que la productora compartía una serie de temas atmosféricos pero también muy melódicos, llenos de textura y con cierto aire futurista, además de algunas influencias como el neo-soul, en los que quedaba plasmada una sensibilidad musical vinculada al color y a lo onírico. Más tarde, AWWZ ha sacado punta a sus influencias del R&B en ‘Bounce Back’ o incluso se ha atrevido con el dancehall en ‘Visa’, haciendo gala de una versatilidad que a buen seguro le permitirá seguir creciendo en el futuro. [Fotografía: Beatriz Sokol.]

Hoy, AWWZ es la artista invitada en una nueva entrega de nuestra sección Meister of the Week y por tanto nos habla de una obsesión o fascinación particular, en este caso Canadá. Un país que la productora ha visitado recientemente y del que destaca la hospitalidad de sus habitantes, sus interesantes festivales, las patatas «poutine», que guardan cierto parecido a las bravas españolas; o sus curiosas ciudades subterráneas.

¿Cómo valoras tu reciente visita a Canadá? ¿Exactamente dónde has estado? ¿Era tu primera vez en el país?
Estuve haciendo un dj set y un panel en el festival Canadian Music Week en Toronto, había estado antes en Montreal. Y ha sido viaje muy divertido, com mucho jet lag, conocidos y risas :)

Dices que Canadá es una mezcla perfecta entre Europa y USA, por la arquitectura y la actitud. ¿A qué te refieres exactamente?
Canadá fue colonia Francesa e inglesa, pero tienen muchos referentes de USA. En mi opinión se pueden ver los dos lados muy contrastados y mezclados en perfecta harmonía.

Según tú la gente allí es muy «educada, abierta a hablar y a hacer amigos». ¿El tópico de los canadienses son un amor es verdad? ¿No te has encontrado jamás con un canadiense borde?
¡Nunca! Te puedes encontrar mucha gente por la calle a menos 8 grados y tienen el detalle de saludar o preguntar si estás perdido (imagino que alguno habrá pero sí, son un amor).

¿Cuántos litros de jarabe de arce has podido consumir? Háblanos sobre este alimento, a qué se parece, con qué lo comes, etc.
No he podido porque no puedo comer fructosa :( pero es básicamente un endulzante pegajoso. Lo pueden añadir a muchas cosas, pero para desayuno es perfect.

«(En Canadá) básicamente están haciendo un test de qué pasaría en un país si se legalizara la marihuana y hubiera un control de la misma»

Cuéntanos más sobre las patatas bravas canadienses, las «poutine». Cuándo las pruebas por primera vez, por qué se parecen las bravas…
Goshhh están buenísimas. Se parece a las bravas pero sólo de aspecto… ¡de ahí las asocian! Pero es una guarrada muy top, es una base de patata frita con «gravy» caliente y queso (deshecho por el calor).

La marihuana es legal en Canadá, aunque dices que se hacen unas colas enormes. Pero ¿no hay como mil establecimientos / asociaciones? ¿Va todo el mundo al mismo sitio? ¿Cómo funciona?
No me metí a hacer cola de ninguna pero era fácil ver dónde la vendían. No existen muchos sitios, sacaron un determinado número de licencias, de ahí que se hagan largas colas, pero hay algunas que son estilo Apple con todos los accesorios bien colocados y con una venta elegante y detallada. Básicamente, están haciendo el test de qué pasaría en un país si se legalizara la marihuana y hubiera un control de la misma. Aun así aún están en formato test y hay muchos frentes que resolver.

¿Es cara (la marihuana) en comparación con España?
I’m sorry, no compré, no lo puedo saber.

«En Canadá la vida no para por mucha nieve o frío que haga»

¿Qué son las Moonshine Parties y por qué las destacas como de lo mejor del país?
Las Moonshine parties son fiestas que empezaron en Montreal y que se centran alrededor de la música africana y electrónica. En Canadá la fiesta acostumbra a acabar sobre las 2/3 am (no como aquí) y las Moonshine buscan espacios artísticos, de localización por sms enviada la misma noche, y dónde la fiesta dura hasta más tarde. ¡Nombres como Uproot Andy, Branko, Bambii, Ahadadream han pasado por allí!

También comentas que en Canadá «regentan los mejores festivales» de verano, aunque luego las temperaturas son bastante extremas. ¿Qué festivales canadienses recomiendas? ¿Cuáles han sido tu mejor y peor experiencia con ese clima tan extremo?
Hay muchos, cómo Shambala, Future Forest, NXNE, Mutek (fundado en Montreal), Canadian Music Week, Piknic, M pour Montreal.. Este último es en otoño, de hecho recuerdo que no subimos de 0 grados en toda la semana, pero lo llevan a espacios cerrados y ya, la vida no para por mucha nieve o frío que haga.

Musicalmente, Canadá es un país que exporta un talento increíble. Como dices están Drake, Paul Anka, The Weeknd… pero también Celine Dion, Justin Bieber, Joni Mitchell, Alanis Morissette, k.d. lang, Carly Rae Jepsen, Shania Twain…. ¿Qué lugar suele ocupar la música canadiense en tus playlists? ¿Alguno de estos artistas te inspira especialmente?
Tengo such a debilidad por Drake, así que nunca falta, (lo pinche o no) en mis USB’s.

«En las ciudades subterráneas de Canadá te acabas metiendo sin darte cuenta estés en un centro comercial o un hotel del centro, es sencillamente una extensión de los mismos»

¿Qué actitud has percibido de la gente canadiense ante algunos de estos artistas? ¿Hay cierto prejuicio o sobre todo mucho orgullo?
No puedo hablar con todo el conocimiento, pero los Canadienses en general da la sensación que están muy orgullosos de su país, de sus costumbres y de su cultura, y en ToronTo, de Drake también (MUCHO). Aprovecho pAR decir a los que conozco de allí: ¡Lo siento por los Raptors, me apetecía mucho que ganaran!

La gente flipará si no lo sabe con el dato de que en Canadá hay ciudades subterráneas. En Edimburgo hay una, pero es de hace siglos y es una visita turística. Tú te refieres a ciudades modernas, que están activas hoy en día. ¿Te sorprendió especialmente descubrirlas? ¿En qué ciudades subterráneas de Canadá has estado? ¿Alguna anécdota?
Estuve en RESO (Montreal) y en PATH (Toronto). De hecho te acabas metiendo sin darte cuenta estés en un centro comercial o un hotel del centro, es sencillamente una extensión de los mismos, que no termina nunca, con bares, oficinas, túneles, tiendas etc. Es bastante loco pero tiene todo el sentido del mundo con el frío que hace. Me recordó bastante a Las Vegas que muchas veces no sabes en qué hotel estás porqué muchos se conectan y no tienen mucha entrada de luz (¡igual lo pienso sólo yo!)

Calexico + Iron & Wine / Years to Burn

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Hace 14 años Calexico y Iron & Wine cumplían el sueño de los aficionados a la nueva americana de ver a ambos proyectos fusionados en uno solo. Fue en el miniálbum ‘In The Reins‘, un disco en el que Sam Beam –el barbudo cantautor de Carolina del Sur– se encargaba de poner las canciones y el grupo de Joey Burns y John Covertino –ya encumbrado entonces gracias a discos cruciales como ‘The Black Light’, ‘Hot Rail’ o ‘Feast of Wire’– el fondo instrumental. Ahora, en un acto tras el que, afirman, está su genuina amistad, ambos nombres han vuelto a unirse para hacer balance de lo que son hoy en día y llevar aún más lejos su fusión en un nuevo trabajo, ‘Years to Burn’.

Como mostraba hace un año el notable ‘The Thread That Keeps Us‘, hoy el combo de Tucson es una banda numerosa, en la que músicos como Jacob Valenzuela (cuerdas, voz) o Paul Niehaus (steel guitar) tienen su cuota de protagonismo ofreciendo un sonido más abierto y ecléctico que aquel rock fronterizo y misterioso de sus inicios. Por su parte Beam es, tras haber confirmado álbum tras álbum que el fulgor de ‘Our Endless Numbered Days’ no era un fugaz espejismo, una de las mayores figuras del folk rock con raíces. Y así, sólo podía surgir un disco de gran belleza como ‘Years to Burn’, que emociona con una intensidad distinta a la de aquel primer trabajo conjunto.

Y no sólo es que, esta vez, la personalidad de Calexico se imprima en algo más que los arreglos y la profundidad sonora que ellos, como pocos, son capaces de imprimir. Porque no sólo se implican en la composición –Burns y Covertino firman el single ‘Midnight Sun‘, fantástico en su contraste de suavidad acústica con intensas punzadas eléctricas–, sino que ahora sí que existe un verdadero trabajo coral, materializado en composiciones conjuntas como ‘Outside El Paso’ o esa opus en tres movimientos que es ‘The Bitter Suite’, los cortes más libres y experimentales.

Pero la verdad es que cuando más toca este ‘Years to Burn’ es cuando el hombre tras Iron & Wine toma el protagonismo. No sólo porque sus canciones, que a base de cuidadas armonías vocales remiten a otro trío de ases como Crosby, Stills & Nash –particularmente ‘What Heaven’s Left’, ‘Father Mountain’ y el bonito remate ‘In Your Own Time’-, sean las más cálidas y bonitas musicalmente. Sino también porque demuestra, una vez más, que sus poéticas letras están muy por encima de la gran mayoría de lo que podemos leer actualmente en cualquier disco.

El poso de Gran Literatura Norteamericana que hay en las líneas de sus composiciones -sirvan como ejemplo la historia de amor extrapolable al siglo XIX de ‘Father Mountain‘ o el emotivo canto a la madurez que es la susurrada ‘Years to Burn’– suponen un verdadero gozo al que nadie debería renunciar. Y es que, aunque es verdad que esta fusión peque de una leve irregularidad y no haya canciones sobresalientes, Calexico y Iron & Wine parecen, sencillamente, incapaces de hacer algo mínimamente mediocre. Ni separados, ni unidos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Father Mountain’, ‘What Heaven’s Left’, ‘Midnight Sun’, ‘Years to Burn’.
Te gustará si te gustan: la nueva y la clásica Americana.
Escúchalo: Spotify

«Uno nace con el puterío dentro»: Ms. Nina analiza sus mejores letras con Broncano y presenta nuevo single

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Ms. Nina ha acudido esta noche a La Resistencia para presentar su nuevo single ‘Te doy’ y su correspondiente videoclip. El tema contiene frases como «te doy mi bendición, te doy este culo con amor» y es perfecto para «ponértelo cuando llegues de la iglesia o para dedicársela a tu madre o tu padre», como explica la cantante en el programa.

Jorgelina Andrea del Valle Torres, esto es, Ms. Nina (así se llama tal y como le cuenta a David Broncano) habla con el presentador sobre sus antiguos estudios de diseño gráfico o sobre algunas de sus extrañas letras, que en algunos casos dice no entender ni ella, aunque algunas puedan ser brillantes. Por ejemplo, la argentina analiza el pasaje «salud, dinero y verga» y explica que «puedes salir del perreo pero el perreo no saldrá de ti» significa que realmente nadie cambia por mucho que quiera, pues en este caso «uno nace con el puterío dentro».

Nombrada al principio del programa con el apodo de Sweet and Sour Avocado porque quiere uno como el de Lil Papaya, aunque no parece que este apodo vaya a calar mucho, la autora de ‘Tu sicaria’ se enfrenta finalmente a las preguntas de Broncano sobre dinero y sexo. En la primera no se moja, en la segunda, sí: dice que últimamente lo ha hecho varias veces con su novio, su mano izquierda.

Tráiler ya online: el punto de unir a Miley Cyrus, Ariana Grande y Lana Del Rey como «Ángeles de Charlie»

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La nueva versión de ‘Los Ángeles de Charlie’ no llegará a los cines internacionales hasta el 15 de noviembre, pero aunque falten varios meses para que podamos ver este «reboot» protagonizado por Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska, hoy se ha estrenado el primer tráiler, donde puede escucharse parte de su banda sonora.

Más allá de lo cinematográfico, la productora de la película ha tenido la brillante idea de reunir a tres pesos pesados del pop femenino internacional como «Ángeles de Charlie alternativos» al trío protagonista de la película. Se trata de Miley Cyrus (que ya ha subido un teaser de la colaboración), Ariana Grande y Lana del Rey, y todos entendemos desde el mismísimo anuncio qué hacen las tres cantantes unidas en esta fantasía de proyecto.

En primer lugar, Lana del Rey, aunque más apegada a la estética hollywoodiense de los años 50 y 60 que a los 70 de la serie original, no es que hubiera desentonado demasiado al lado de Farrah Fawcett, compitiendo por quién llevaba el peinado más glamouroso. Pero además, es que su experiencia en el mundo de la banda sonora ha sido fructífera hasta el punto de que ‘Young & Beautiful’, su tema para la película ‘El Gran Gatsby’, ha terminado resultando su tema más popular. Cine y Lana se llevan bien como tantas veces se ha apreciado en sus videoclips.

Por su parte, Miley Cyrus, tras consolidarse como estrella pop actual con ‘Bangerz’, ha optado por una estética más retro y clásica, bien tirando de referencias folk y hippies, o bien de canciones que no pueden sonar más a finales de los 60 y a la década de los 70. Su tema junto a Mark Ronson ‘Nothing Breaks Like a Heart’ bebe del soul de los 60, pero también de la Dolly Parton de los 70. No hay que olvidar que Dolly Parton es madrina y referente estético de Miley y que precisamente muchos de los números 1 en las listas de country de Parton llegaron exactamente durante los años de emisión de ‘Los Ángeles de Charlie’, entre 1976 y 1981: ‘Here You Come Again’, ‘It’s All Wrong, But It’s All Right’, ‘Heartbreaker’, ‘I Really Got the Feeling’, ‘You’re the Only One’, ‘Starting Over Again’, ‘But You Know I Love You’ y la mismísma ‘9 to 5’, que además de en las listas de country llegaba a la cima del Billboard Hot 100.

Por último, Ariana Grande parece menos inspirada en décadas remotas que sus compañeras, a menos que consideremos los años 90 una década «remota». Sin embargo, su pasión por Stevie Wonder, todo un superventas a mediados de los 70, le ha llevado a cantar con él; y conocida es también su versión de ‘ABC’ de Jackson 5, por ejemplo. En cualquier caso, Grande está aquí para asegurar la atención mediática para este tema a tres, que busca convertirse en el nuevo ‘Lady Marmalade’ (o el nuevo ‘Bang Bang’): últimamente, casi todo lo que ha tocado lo ha convertido en oro. ¿Estará el resultado a la altura de las expectativas?

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Por qué la muerte del padre de Eminem es noticia: 5 canciones en que habló, traumatizado, sobre él

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La noticia de la muerte del padre biológico de Eminem a los 67 años ha aparecido en varios medios generalistas. Tras haber abandonado a su familia cuando el rapero era demasiado pequeño como para recordarle, desapareció de su vida y a pesar de un deseo por conocerlo manifestado tras el ascenso a la fama de Eminem, en un comunicado en el que aseguraba que no quería su dinero, porque «tenía trabajo», el encuentro nunca se produjo. El hecho de haber sido abandonado cuando apenas era un bebé ha marcado sin duda la trayectoria de Eminem, en ocasiones visiblemente traumatizado por esa falta. Estas son 5 canciones que explican por qué el fallecimiento de una persona relativamente anónima como fue Marshall Bruce Mathers Jr copa titulares en la prensa mundial.

Cleanin Out My Closet

‘The Eminem Show’ (2002) se presentó con el hit mundial ‘Without Me’, pero también triunfó considerablemente el segundo single de aquel álbum, llegando al puesto 4 de Estados Unidos y clavándose en la imaginería popular su estribillo «Mama, I never meant to hurt you / I never meant to make you cry / But tonight I’m cleanin’ out my closet (One more time!)». Aparte de hablar de su turbia relación con su madre, sobre la que volvería varias veces en su discografía, también se dirigía a su padre. Le llamaba «maricón» (faggot) y afirmaba: «me pregunto si me dio un beso de despedida / No, bien pensado, simplemente deseé que se hubiera muerto».

Sing for the Moment

Otro single menos popular de aquel disco, pero de éxito nada desdeñable (lleva 300 millones de visualizaciones en Youtube) fue ‘Sing for the Moment’. En el tema, que sampleaba a Aerosmith y un tema de ‘Titanic’, Eminem echaba la culpa de sus males al hecho de haber sido abandonado por su familia. En este caso es narrador en tercera persona, pero sin duda se refiere a sí mismo: «Fue un niño problemático, y lo que le molesta sale a la luz cuando habla de que su jodido padre se largó / Porque le odia tanto que se bloquea / Si le viera otra vez probablemente le daría un puñetazo».

Headlights

En ‘The Marshall Mathers LP2‘ (2013), el quinto single volvía a dirigirse a su madre en un tema que contaba con la colaboración de Nate Ruess a las voces y también Emile Haynie y Jeff Bhasker en la producción. El tema trata de ser una reconciliación con ella y en un momento dado habla con tristeza de cómo el abandono de su padre tendría que haberles unido: «¿Por qué siempre nos tenemos que lanzar al cuello del otro? / Sobre todo porque papá nos jodió a los dos / Estamos en el mismo jodido barco / Pensarías que eso nos habría unido / pero nos separó más». En el mismo disco, aparecía un tema llamado ‘Rhyme or Reason’ que co-producía Rick Rubin y en el que se sampleaba el clásico de The Zombies ‘Time of the Season’. El gancho principal era una conversación en la línea de las demás canciones. Ante el recurrente «Who’s your daddy?», Eminem respondía: «me importa una mierda, pero me lo pregunto». «¿Es rico como yo?», se preguntaba como en respuesta al deseo de su progenitor por conocerle. «Jaja, lo dudo», respondía.

So Bad

En uno de los temas de ‘Recovery’ (2010), Eminem culpa a su padre de su carácter errático y sus problemas con las mujeres, indicando que es como «un rolling stone», porque «simplemente él lo era también». «Déjame contarte toda la historia del origen de Shady (…) Todo empezó con mi padre / he debido de heredar mis genes de chuloputas de él / el modo en que dejó a mi madre / soy un trotamundos, como él». Su trauma de intentar parecerse a su padre lo menos posible se refleja también en letras como ‘Bad Husband’. En varias letras da a entender que él nunca haría a sus hijas lo que le hicieron a él.

Stan

Aunque de todos es sabido que ‘Stan’ habla de un fan obsesionado y como tal la palabra ha terminado incorporándose al lenguaje popular anglosajón para definir a un fanático absoluto de un/a artista, no faltaban por allí dardos para su familia. Precisamente en una de las cartas que el «stalker fan» le escribe le dice que se identifica con Eminem por esta razón: «es que tampoco conocí nunca a mi padre / solía engañar a mamá y pegarla / me identifico con lo que dicen tus canciones». El vídeo con la participación de la sampleada Dido recrea ese escenario de violencia familiar que visiblemente ha perseguido al artista sin feliz desenlace ni momento para la redención. Esperemos que Marshall Bruce Mathers Jr encontrara la paz en vida por otra vía…

Así es ‘ANIMA’, el corto coreografiado que Thom Yorke ha subido a Netflix con varios temas de su disco

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Durante la medianoche de miércoles a jueves, esto es, un día antes de lo que sería lo habitual (prácticamente todos los discos salen en viernes) ha visto la luz ‘ANIMA’, el nuevo disco de Thom Yorke. Como se había anunciado, de manera paralela, ha aparecido en Netflix un corto de 15 minutos con música del álbum. En concreto el protagonismo recae en los temas ‘Not the News’, ‘Traffic’ y ‘Dawn Chorus’.

El corto está dirigido por Paul Thomas Anderson, y el director de ‘Magnolia’ no es precisamente ajeno al mundo del videoclip, pues ha trabajado con Fiona Apple (que fue su pareja), Haim, Joanna Newsom y por supuesto con Radiohead, en concreto en el cinético ‘Daydreaming’, ‘Present Tense’ o ‘The Numbers’. También lo ha hecho con Jonny Greenwood en varios de sus proyectos cinematográficos, pues este otro miembro de Radiohead se encargó de las bandas sonoras de ‘El hilo invisible’ y ‘Puro vicio’.

En esta elegante producción es igualmente llamativo el fuerte protagonismo de la coreografía, y ahí es donde se nota lo importante que fue para Thom Yorke poner banda sonora a la adaptación de ‘Suspiria’ que estrenaba el año pasado Luca Guadagnino. Quien se encargara de la coreografía en esta película fue Damien Gilet, y es quien también aparece en los créditos de este corto que no podría existir sin la danza.

‘ANIMA’ comienza con Thom Yorke viajando en metro, uno de esos escenarios urbanos que siempre hemos asociado a la imaginería de Radiohead. Mientras el espectador se pregunta si sus pasajeros están dormidos o adormecidos por… la tecnología (protagonista de la campaña del disco), los «dancing feet» a los que alude la letra de ‘Not the News’ se van poniendo en acción. El componente fantástico y la típica claustrofobia y frustración de las letras de Thom Yorke se corresponden con esa escena en que el artista es incapaz de salir del metro, en sintonía con el escenario surrealista y desolado que encontramos en la segunda pista. «No puedo respirar, no puedo respirar, no hay agua, no hay agua», repite ‘Traffic’, que en realidad abre el disco que acaba de salir.

La historia de la tercera canción, ‘Dawn Chorus’, que llevaba 10 años dando vueltas por el repertorio de Radiohead y finalmente ve la luz, es más romántica (esa parte se ha rodado en Praga, otras en la provenza francesa), pero también en ese dulce paseo por la ciudad la compañía sueca de baile GöteborgsOperans acompaña a Yorke y a su chica, con aparentes guiños a la comunidad LGTB+. En las próximas semanas, volveremos sobre esta bellísima obra subida a Netflix en nuestra sección «Estética de videoclip«.

La Canción del Día: Rocío Márquez, Menese y la máquina de flamenco contra la deriva política en ‘Empezaron los cuarenta’

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Ahora que llegamos al ecuador de 2019 y toca hacer balance del año, no hay duda de que uno de los álbumes más importantes publicados es ‘Visto en El Jueves‘, el último trabajo de la cantaora onubense Rocío Márquez. Un álbum de flamenco que es mucho más audaz y desafiante de los cánones de lo que su apariencia clásica hacía adivinar. Porque, pese a desarrollarse con su voz –su prodigiosa voz–, la guitarra de Canito y las percusiones de Agustín Diassera, el enfoque y la ejecución se alejan de la ortodoxia.

Uno de los momentos que ejemplifican a la perfección esa perspectiva singular y valiente es ‘Empezaron los cuarenta’. Se trata de una reinterpretación de una rondeña que hizo el histórico cantaor sevillano José Menese, en la que Márquez, con un sonido ambiente que ejerce de tercer instrumento y que acentúa el carácter popular del cante, hace una interpretación vibrante y poderosa con el único acompañamiento de palmas y el cajón de Diassera, lleno de matices. Y, como en otros varios momentos de este disco, cobra singular importancia el calado sociopolítico que alberga la letra que el poeta Francisco Moreno Galván escribió para Menese, que pone de relieve la permanente asfixia del pueblo llano en favor de las oligarquías.

Ahora este corte es dignificado al ser objeto de un vídeo dirigido por Remedios Malvárez, que en realidad es autora de un documental de próximo estreno dedicado al citado cantaor, lamentablemente fallecido en 2016, titulado ‘Menese’ y del que esta pieza forma parte. El clip tiene bastante entidad en sí como para lanzarse de forma independiente: situada la escena en medio de un árido paisaje rural andaluz, Rocío interpreta el tema acompañada no de la percusión de Diassera, sino de una máquina de ritmos flamencos, un curiosísimo invento capaz de reproducir palos de manera mecánica. Ese ingenio, combinado con la apasionada interpretación de Rocío, completa una poderosa combinación visual y musical. A continuación os dejamos con unas declaraciones de la cantaora sobre ella. Y, claro, con el vídeo oficial.

“La rondeña ‘Empezaron los cuarenta’ forma parte de mi último disco ‘Visto en El jueves’. En él juego con el concepto de la reutilización de cantes y canciones encontrados en vinilos y casetes que compré en el mercadillo de segunda mano de mi barrio. Una manera de llamar la atención sobre esta locura hiperconsumista en la que estamos inmersos actualmente.

Ahora que vivimos tiempos de retrocesos en derechos y libertades, me parecía necesario rescatar piezas con un compromiso político explícito. Esta joya pertenece al histórico tándem flamenco formado por el cantaor José Menese y el poeta Francisco Moreno Galván. La propuesta es actualizar el tema pasándolo por nuestro filtro y a la vez intentando mantener el sabor a tierra. Con esta intención pensé en acompañar mi cante con un actual invento que suena a viejo, una máquina de compás flamenco cabalgada por Roque Torralva.

Este vídeo forma parte de la banda sonora del documental ‘Menese‘ de Remedios Malvárez. En él se contempla el cante no sólo como una sublime manifestación artística sino también como un arma de lucha cargada de poder.” Rocío Márquez.

Lewis Capaldi / Divinely Uninspired to a Hellish Extent

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Los BBC Sound of 2018 fueron unos premios raros. Se lo llevó Sigrid ganando a otros cuatro finalistas entre los que estaban Billie Eilish y Khalid y, aunque personalmente su disco es el que más me gusta de los tres, también ha acabado vendiendo menos. Pero hay otra cosa sobre todo esto aún más llamativa: Lewis Capaldi, uno de los aspirantes, ni siquiera quedó finalista. Meses después, una canción de Lewis se tiraría siete semanas en el #1 de Reino Unido, convirtiéndose en la canción más exitosa de las islas del año pasado. Lo cierto es que cuando sacó la canción en cuestión, ‘Someone You Loved‘, Capaldi no era exactamente “un artista independiente” (acababa de sacar con Virgin su segundo EP), pero fue ahí cuando inició un ascenso que todavía no ha acabado: su primer largo se ha convertido en el disco que más ha vendido en su primera semana en UK en lo que llevamos de 2019, con 89.506 unidades que superan en más de 20.000 a la que hasta ahora tenía ese título, Ariana Grande. Ante un fenómeno de este tipo es inevitable la pregunta: ¿es para tanto el amigo Lewis, o solo es una moda sin nada interesante detrás? Pues, como suele ocurrir en estos casos, hay un poco de las dos cosas.

Los medios le están comparando con Adele por sus similitudes en cuanto a estilo y en cuanto a (gran) éxito en (muy) poco tiempo. Personalmente creo que esa asociación le va un poco grande, de ser Adele sería una Adele desganada: la voz de Adele transmite mil veces más y sus canciones pueden diferenciarse más entre sí. Sin embargo, es cierto que se está comiendo el mercado en un lugar más parecido al de Adele que al de Ed Sheeran; mientras que las canciones del autor de ‘Divide‘ son intensas pero más blanditas, las del escocés vienen con bien de voz rasgada, de épica, de crescendos y casi de gritos. Y esto hay veces que funciona muy bien, como en ‘Hollywood’ o en ‘Hold Me While You Wait’, pero casi una hora seguida de temas así puede hacerse cargante si no eres un incondicional de este rollo. Suponemos que, precisamente para evitar el mantra de “todo suena igual”, Capaldi se ha rodeado de muchos nombres en la producción. Sigue trabajando con Malay, colaborador también de Frank Ocean, pero además ha contado para el álbum con gente como Anu Pillai (Lana del Rey, Sophie Ellis-Bextor), TMS (One Direction, Dua Lipa), Philip Cook (The Vamps, Little Mix), KIN (Calum Scott), Jamie Hartman (Sigrid), David Sneddon (Mika), o en la composición nombres de la talla de Joe Janiak (Tove Lo, Ellie Goulding, Tove Styrke).

Aun así, sigues teniendo la sensación en varios momentos de no saber si lo que estás escuchando sigue siendo la canción anterior o si ya estás en otra, con honrosas excepciones como las mencionadas antes o como el lead-single ‘Grace’, que se presenta con un vídeo con pinceladas de humor, algo indisociable de Capaldi en su presencia en redes sociales, pero no tanto en sus canciones. “I’m not ready to be just another of your mistakes”, canta por ejemplo en ‘Grace’. La cosa es que algo que ayuda a estas canciones, y a valorar su trabajo en general, es la calidad de sus letras, bastante mejores que las de gente similar como Rag’n’ Bone Man, James Bay o el citado Sheeran. Si estuviesen acompañadas por más variedad y más riesgo en la producción y las melodías, podríamos estar ante un álbum que no solo “no está mal”, sino que está bastante bien. De momento se queda en lo primero.

Calificación: 5,8/10
Lo mejor: ‘Grace’, ‘Hold me while you wait’, ‘Hollywood’
Te gustará si te gusta: Mumford & Sons, James Bay, Hozier, Ed Sheeran, Sam Fender o Rag’n’Bone Man. Y Adele un lunes a las 7 de la mañana.
Escúchalo: Spotify.

Amaia: «(Ser número 1) tampoco es fundamental en lo que quiero hacer yo»

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Aún quedan tres meses para que salga el esperado debut de Amaia, pero la cantante concede una ronda de entrevistas a la prensa para hablar de sus nuevos pasos artísticos, que incluyen la edición de la cara B del single ‘El relámpago’, ‘Nadie podría hacerlo‘. El álbum, ya acabado, no es el mismo que nos anticipó en una entrevista exclusiva el pasado mes de diciembre para hablar de él, por lo que no perdemos ocasión de preguntarle por las diferencias entre el productor inicial de las primeras sesiones, Raúl Refree, y el productor definitivo del álbum, Santiago Motorizado, con quien también teníamos ocasión de hablar hace unos días. Amaia nos atiende como siempre con una sonrisa de oreja a oreja, con curiosidad sobre nuestra opinión sobre las canciones que hemos podido oír, y desvelando algunos de los detalles y títulos definitivos de ese álbum que sale en septiembre. Sonará al pop clásico español más atemporal, de Marisol a La Buena Vida.

Has comenzado tu gira de festivales, ¿cómo está yendo?
En los festivales estoy haciendo las canciones del disco, que es algo que al principio me daba respeto porque el disco sale en septiembre: son canciones que no han salido. Pero también tiene sus ventajas porque la gente las puede ir escuchando. Como espectadora me haría ilusión escuchar la versión de estudio de una canción que ya me sé. Eso me parece guay.

¿En qué festival te lo has pasado mejor?
El WARM UP de Murcia fue el más especial solamente por el hecho de ser el primero de los cuatro que he hecho hasta ahora. Era como al atardecer, había mucha gente y estábamos todos con muchos nervios, pero unos nervios que fueron superbién. Yo estaba muy emocionada.

La música que tú presentas en estos festivales es bastante diferente al resto que suele sonar en estos eventos. Estamos acostumbrados a verte por un lado actuando por sorpresa con Axolotes Mexicanos, Carolina Durante… pero tu música en sí es bastante diferente. Aun así, tú estás encantada en estos escenarios…
Yo estoy encantada porque no me cierro a nada. Me gustan muchos estilos de música. Cuando me gusta una canción generalmente me gusta cantarla y disfruto haciéndola. Me lo paso bien. Estoy cómoda en varios estilos. Lo que estoy haciendo ahora y como es el disco no significa que yo sea así para siempre. Tengo 20 años y quiero probar más cosas.

Siempre has dicho esto, pero he oído tus canciones en Youtube, y en Universal me pusieron un par nuevas, y luego lo que haces es bastante coherente entre sí… No te pones a hacer punk…
Es que he intentado conseguir y creo que lo he conseguido, que todo el disco tenga una coherencia sonora. Me parecía un poco raro que hubiese canciones muy distintas. Al final las hay pero son coherentes y entre todas encajan muy bien. Un disco al final es una unidad y me gusta que tenga una coherencia.
Por lo que dices, el disco está acabado y secuenciado.
Está acabado y ya está todo decidido. Hace unos días se hicieron los últimos detalles. Antes decía que no estaban los títulos de las canciones y el título del disco, pero ya está decidido todo.
No sé cuánto puedes contar, pero sí me tienes que contar, respecto a la entrevista que hicimos en diciembre, qué ha pasado con Refree. Entonces era el productor del disco, pero ya no.
No, ya no.

«He intentado conseguir y creo que lo he conseguido, que todo el disco tenga una coherencia sonora»

Y ‘Un nuevo lugar’ definitivamente queda fuera.
Sí. No va a entrar en el disco.

¿Quedará algún crédito de Refree en el álbum?
Con Refree estuve en Nueva York, en muchas sesiones de grabación y de ahí salió ‘Un nuevo lugar’. Ya entonces no tenía claro que fuera a estar en el disco. Solo la saqué porque me parecía guay justo en ese momento, que era como un antes y un después: el final de una etapa y el comienzo de otra con canciones propias. Me hacía gracia sacar una primera canción de un minuto y medio. Me gustaba mucho. La saqué y esa canción sí está producida por Raúl Refree. Pero luego vino Santiago (Motorizado) a colaborar a Barcelona, y el disco tomó otro camino, porque yo tampoco tenía nada planeado de cómo quería que sonara. Ha ido tomando diferentes caminos hasta que ha salido lo que ha salido de manera muy natural. Me gusta que haya salido así. Con Santiago tomó otro camino y nos fuimos a Santiago y a Chile a grabarlo. Me he podido involucrar en la producción un poco, y estoy muy contenta.

«Cuando vino Santiago (Motorizado) a colaborar a Barcelona, el disco tomó otro camino»

¿A nivel arreglos?
A nivel ideas. Conforme iban formándose las canciones, iba pasando el tiempo y yo cada vez tenía las ideas más claras. Me imaginaba cómo quería que sonara una canción y he tenido mucha libertad para decidir todo.

Con Santiago, en contraste con Refree, lo que haces suena más como a clásico del pop español…
Es un disco muy pop, un pop clásico español…

Melódico…
Sí, muy melódico. En estructuras muy sencillo pero muy bonito. A mí me gusta mucho.

A mí hay una canción que me recuerda mucho a Marisol. Y resulta que te has ido a producir algo así a Argentina… ¿Cómo crees que ha encajado Santiago ahí?
Influencias de Marisol y de canciones de los 70 seguro que hay porque yo canto por Marisol. Inconscientemente creo que eso se nota porque estuve muchos años imitándola. Música de los 60 y de los 70 mis padres siempre han escuchado y yo he crecido con ese tipo de música, y entonces se notará. Pero no era nada planeado. Yo componía y era lo que me salía. Con Santi quise trabajar porque soy superfán de él, me parece increíble.

Una mayoría del disco lo has escrito sola, ¿verdad?
Sí, he tenido ayuda porque es la primera vez que compongo. Antes había hecho alguna cosa, pero nunca me había puesto a componer canciones enteras en general. Al principio me resultaba más difícil que ahora, cada vez tengo más facilidad porque también es práctica. Me costaba estructurar las canciones. Tenía muchas partes, pero no sabía cómo hacer estrofa, estribillo, puente… como que no. Raúl también me ayudó. Santi también. A Santi le enseñé las canciones que tenía, ideas que tenía de antes… hay canciones que surgieron desde cero con Santi. Pero la mayoría del disco lo he compuesto yo y y me siento bastante orgullosa.

Tampoco parece que te preocupen mucho las estructuras típicas…
No, pero sí que es verdad que es necesario. La canción tiene que tener estructura sí o sí. A veces le enseñaba canciones a mi hermano y me decía: «está guay, pero como que no queda una canción redonda. Falta algo para que tenga un principio, un fin». Y eso era problema de la estructura. Sobre todo al principio necesité ayuda para estructurar las canciones. Al final con la práctica te vas haciendo.

Hemos entrevistado a Santiago hace poco y ha dicho que su canción favorita es ‘Ha salido el sol’. Pero no sabe si se llamará así.
No, esa se llamará ‘Quedará en nuestra mente’.

Esa me he apuntado que es pop-rock con guitarra, ¿verdad?
Fue como la última que compuse. Sí que es verdad que la hice yo solita con la práctica de haber compuesto antes con ayuda. Me salió superrápido un día antes de irme a Argentina. Es una de mis favoritas, me gusta muchísimo.

¿Los títulos subidos a Setlist.fm están comprobados por vosotros?
Cuando se hizo ese setlist no estaban los títulos decididos. Muchos no van a ser definitivos, es como las llamábamos.

Es que hay cosas llamadas ‘Javier’, ‘Miquel y Aleix’, ‘Imprimir’…
Son dos de los músicos que tocaban pero eso no es una canción (risas) La verdad es que no lo he visto. «Imprimir» sí es una canción, aunque ahora se llama de otra forma.

Luego está ‘Quiero que vengas’, que es muy graciosa con lo de «ya voy yo»…
Esa canción sí se llama ‘Quiero que vengas’. ¿Te gusta?

Es muy guay, es divertida.
Sí, además, yo la veo la que más en plan single. Me gusta mucho también.

Porque ‘Nadie podría hacerlo’ no es un single, sino una cara B.
Es la cara B del single ‘El relámpago’.

Siempre estáis un poco con estas cosas: ‘Un nuevo lugar’ no es un single. Esto tampoco…
Es verdad. Es que al final es la cara B de ‘El relámpago’. Lo importante es ‘El relámpago’. Luego vendrá el segundo single, que será más este verano.

¿Cómo llegaste a Núria Graham, co-autora de ‘Nadie podría hacerlo’?
Ella también está con El Segell. Me la presentaron para conocernos. Sobre todo quedamos en un principio porque ella tiene su carrera en solitario, se produce ella misma, lo hace absolutamente todo ella, y mi objetivo era ese, estar involucrada en todos los aspectos. La conocí para que me contara su experiencia. Nos llevamos bien y quedamos para cantar y tocar juntas y al final decidí que tenía que estar en la banda porque ella me parece muy guay.

¿Cuál es tu canción favorita de las suyas?
¿Cómo se llamaba? (tararea ‘Smile on the Grass’) No me acuerdo pero luego la buscamos porque esa canción te juro que está superguay.

Otra de las cosas que hablamos en diciembre es que el disco hablaba más del paso del tiempo que de desamor, pero sí que hay canciones de amor y desamor.
Es que la primera canción que compuse, que por cierto no va a estar en el disco y no la canto en los conciertos, era sobre la infancia y el paso del tiempo, porque siempre me ha llamado la atención este tema. Yo soy muy melancólica y esa fue la primera canción que hice de todas. No sé por qué te dije eso, porque tampoco es que el disco hable mucho del paso del tiempo. Por ejemplo la de «Ha salido el sol» (NdE: ‘Quedará en nuestra mente’) termina: «pero sé que al final todo pasa y morirás». En «Imprimir», que se llama al final ‘Todos estos años’, ya el título… Tiene bastantes guiños al paso del tiempo. Pero el disco es bastante romántico y trata bastante sobre amor.

«La producción y el sonido han tomado otro camino: más clásico, más pop, el mítico pop español de toda la vida»

¿El disco ha cambiado muchísimo, entonces, en estos meses?
En realidad tampoco ha cambiado mucho. Muchas de las canciones son las mismas, las ideas que empezaron a surgir en un principio. Sobre todo ha cambiado la producción y el sonido ha tomado otro camino, más clásico, más pop, el mítico pop español de toda la vida.

‘Un nuevo lugar’ tampoco está en tu repertorio en directo. Y has dicho que te encanta.
Al ser en festivales… Igual una vez que empecemos la gira en teatros sí que la canto. El teatro es más íntimo y acogedor, pero en festivales me daba un poco de miedo porque ya tenía bastantes canciones lentas e íntimas, la que Nuria toca la guitarra, ‘Nadie podría hacerlo’… Me daba miedo cantar en festivales canciones tan íntimas. ‘Un nuevo lugar’ no quise cantarla en festivales, pero más adelante seguro que la retomamos.

‘Nadie podría hacerlo’ parece influida por Carole King, el Nueva York de los 70…
La verdad es que no conozco mucho. La conozco a ella pero no he escuchado mucho.

Te hemos visto muchas veces tocar el piano y nunca lo había pensado pero en este caso sí lo veo.
Puede ser, pero no es una referencia, no…

En principio tenía la sensación de que nadie te odiaba y hace unos meses decías: «tengo un poco de hate». Esto ha ido en aumento, ¿verdad?
¿Lo has notado tú también? Yo también lo creo (risas).

Mucho viene de que no eres número 1 en nosedónde. ¿Te preocupa el éxito, lo que digan los demás?
Es algo que me entretiene y me interesa. No es algo que me afecte mucho tanto si es para bien como si es para mal. También depende. Si es una tontería de encuesta, pues no le presto atención. Pero sí me suele interesar por curiosidad. Me interesa por entretenimiento, pero en realidad yo lo que quiero (es otra cosa). Si eso va bien, pues mejor. Pero tampoco es fundamental en lo que quiero hacer yo.

Mi sensación es que las canciones que estás sacando incluso evitan cierto tipo de circuitos, como sonar en radio o en un taxi, como tú solías decir. Que te estás moviendo en otros circuitos como El Segell de Primavera Sound, los festivales, y que si tus fans esperan que seas número 1 en singles, solo les espera el camino de la frustración…
Yo cuando hacía música, cuando estaba componiendo, cuando hacía el disco… hacía lo que me gustaba y yo no pensaba en si esto va a salir en nosedónde. Si sale bien y si no también. No me paro a pensar en eso. No me preocupa.

¿Nadie de tu equipo te dice «esto puede ir guay»?
Claro, sí, eso sí. Totalmente. Hay un equipo enorme. Está Universal y El Segell, muchas personas que lo mencionan, pero tampoco lo buscan, tampoco es algo fundamental en mi caso.

Te he visto en ‘La Resistencia’, que tenías ganas de ir. Te he visto en festivales. Con artistas underground cantando. ¿Cuándo es cuando mejor te lo has pasado estos meses?
Por ejemplo, cuando colaboro con Carolina Durante o Axolotes Mexicanos. Me lo tomo más como un poco fiesta, no me preocupo en cómo canto. Salgo ahí a pasármelo bien y me lo paso muy bien. No lo cuido tanto como cuando es mi concierto. Para mí es liberarme. Ellos me gustan un montón.

¿Qué te ha parecido el disco de Carolina Durante? Les está yendo guay, pero hay gente que prefiere los singles anteriores…
¿Sí? No lo sabía. A mí me ha gustado mucho. Lo escucho habitualmente. Mi favorita es la de ‘Cementerio’.

Es muy punki.
Me encanta esa canción.

El delirio disco de ‘God Control’ y su violento vídeo son una nueva cumbre en la carrera de Madonna

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Madonna acaba de publicar uno de los discos más arriesgados de su carrera. ‘Madame X‘ no es solo un trabajo de «pop global futurista» como lo ha descrito Mirwais, sino que es directamente experimental en muchos casos, incluyendo al menos dos de sus temas más importantes, ‘Dark Ballet’ -que ya analizamos– y ‘God Control’, el tema de ‘Madame X’ del que Madonna más orgullosa está, tal y como explicaba una entrevista reciente con iHeart Radio. Es otro de los temas políticos del álbum, en este caso hablándonos del control de armas pero con toda la intención del mundo de hacernos bailar.

¿Por qué ‘God Control’ es experimental? El tema no samplea a Tchaikovsky por medio de Wendy Carlos, pero al menos su estructura y composición sí son poco convencionales, pues en sus 6 minutos de duración se suceden varios elementos que parecen «random» en principio… y lo siguen pareciendo con las sucesivas escuchas, sin que eso sea algo malo y pese a que está claro que todos ellos existen al servicio de la canción y de su temática. ‘God Control’ empieza con Madonna cantando entre dientes «cuando hablan de reformas, me hacen reír, cuando pretenden ayudar, me hacen reír»; y a ella se le suman entonces unos coros celestiales que dan paso abruptamente a unos violines disco y a unos disparos. Entonces ‘God Control’ explota en un ritmo totalmente «disco 2000» por el que pronto escuchamos a Madonna rapear (??) y una sección «vocoder», y cuando el tema llega a su cumbre en el pasaje «it’s a new kind of energy», ya han pasado tres minutos… y nos quedan tres más de delirio disco, susurros y un ¿niño? gritando «una nueva democracia».

Con todas estas ideas metidas en una sola canción tiene mérito que ‘God Control’ logre ser tan divertida y a la vez parecer tan trascendente e importante en el catálogo de una artista con casi 40 años de carrera a sus espaldas. Y eso que ‘God Control’ no es una producción perfecta: el inicio puede poner un poco de los nervios, por alguna razón el rap de Madonna se escucha bajo y, sobre todo, la voz de la cantante no parece en la mejor forma para afrontar una melodía tan poderosa como la de este tema. Aunque ella hace un trabajo vocal competente en ‘God Control’, y desde luego su voz no es el hilillo autotuneado que es en ‘Batuka’, la canción parece requerir algo más. No obstante, este es un problema menor en una canción que no deja de ser autoría de Madonna y Mirwais y que probablemente habría sido muy distinta en manos de otra persona. En mi opinión, ‘God Control’ es ni más ni menos que un nuevo clásico de Madonna, y su videoclip, dirigido por Jonas Åkerlund y que acaba de estrenarse, está hecho para impactar.

Como habíamos visto en los adelantos, el vídeo de ‘God Control’ nos sitúa en un tiroteo en una discoteca, y la violencia que muestra es explícita. El vídeo es ante todo una declaración en apoyo al control de armas e intercala imágenes del videoclip con otras de manifestaciones. Durante el vídeo, la «Madame X» escritora parece intentar escribir el mejor alegato posible contra la violencia de armas, aunque no encuentra las palabras adecuadas. Curiosamente, la historia del vídeo se desarrolla hacia atrás, por lo que lo último que vemos es a Madonna preparándose para salir de fiesta, escena que parece contener un subtexto feminista, pues en ella aparece un póster con el mensaje «los hombres heterosexuales blancos lo controlan todo a mi alrededor», mientras vemos a Madonna salir de casa a través de la ventana de su habitación. En Twitter, Madonna ha compartido enlaces a varias organizaciones que apoyan el control de armas, escribiendo: «la violencia de armas afecta desproporcionadamente a niños, adolescentes y a las personas marginadas en nuestras comunidades. Honremos a las víctimas y pidamos control de armas YA».

¿Qué te ha parecido 'God Control' de Madonna?

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RTVE anuncia su regreso a Eurovisión Junior, en medio de otra polémica por el coste de Eurovisión

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De nuevo, Eurovisión vuelve a copar los titulares de la prensa generalista. Por un lado, es noticia que España volverá este otoño a Eurovisión Junior por primera vez en 13 años. Solo acudimos entre 2003 y 2006, pero siempre quedando en los cuatro primeros lugares e incluso ganando en una ocasión con el ‘Antes muerta que sencilla’ de María Isabel. La edición de 2019 se celebrará en Polonia en noviembre.

Por otro, estos días se ha sabido que la actuación de Miki con ‘La venda’ ha elevado los costes del ente público hasta cifras récord, llegando a los 509.000 euros. Newtral publica las cuentas punto por punto tras haber tenido que publicarse tras una solicitud del Portal de Transparencia.

Esta cifra es la más alta de las que se conocen, aunque por poco: en 2015 Eurovisión costó a RTVE 493.000 euros y tanto en 2016 como 2017, la cifra ascendía a los 445.000 euros. En este año y como siempre, los derechos de retransmisión del festival suponen el grueso del gasto, con 281.000 euros; seguidos de los gastos artísticos ascendiendo a 70.000 euros; los 40.000 del decorado, los 35.000 de dietas y alojamiento o los 24.000 de cabina de comentarista y transmisiones internacionales, entre otros.

Lo que se sigue sin mencionar en este tipo de noticias es que un programa que cuesta medio millón de euros no es una rara avis en la parrilla de la cadena, y menos si recordamos la audiencia masiva y millonaria de Eurovisión, que suele ser uno de los programas más vistos del año. Este año 5,4 millones de espectadores siguieron el festival en España y 6,1 vieron las votaciones. Ha habido un pequeño bajón respecto a la edición 2018 por el hype creado por Amaia y Alfred y el regreso de OT, pero aun así la cifra es más que notable. En 2018, de hecho, Eurovisión fue el 13º programa más visto de todo el año en España, tan solo por detrás de doce partidos de fútbol, en concreto 3 de la Champions y 9 del Mundial de Rusia.

Y sin embargo, no es el más caro. El coste de Eurovisión no dista mucho del de otros programas de RTVE. Según ABC, MasterChef pasó de costar 250.000 euros por programa en 2014 a 371.000 en 2017. La edición VIP alcanzó entonces los 469.000 por programa, en una línea muy parecida al coste total del Festival de Eurovisión, que además incluye la emisión de las dos semifinales y la final. La serie ‘Águila roja’ rondó los 600.000 euros de coste por cada episodio; la serie ‘Isabel’ superó los 700.000 euros por cada capítulo; y también se sabe que ‘Cuéntame’ pasó de costar 853.039 euros por capítulo en 2010 a 789.886 euros por capítulo en 2013. Con estos datos, ¿de verdad es tan raro que España siga participando en Eurovisión e incluso se sume de vuelta a Eurovision Junior?

Cardi B sortea la censura desdibujando pezones y genitales en el vídeo de ‘Press’

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Cardi B estrena al fin el esperado vídeo de ‘Press’, el reciente single que ha lanzado al mercado, que ha alcanzado el puesto 16 en el Billboard Hot 100, pero que en su tercera semana encontramos ya en el número 60 de esta misma tabla estadounidense.

Para tratar de animar el asunto, el vídeo no decepciona con una serie de impactantes imágenes y un considerable «replay value» que seguramente logren elevar los modestos datos hasta ahora obtenidos por este tema que va destinado al que ha de ser el segundo largo de Cardi B. Si ya en la portada veíamos a la cantante desnuda huyendo de la prensa que critica en este brevísimo tema, en el vídeo aparece mayormente desprovista de ropa, aunque con pezones y genitales claramente desdibujados en un considerable esfuerzo por sortear la censura.

Jora Frantzis, que ya se encargó del vídeo de ‘Money’, dirige esta aventura en la que Cardi B acude a los juzgados acusada de asesinato, no sin un enorme séquito de fans que sostiene carteles tipo: «Inocente hasta que se demuestre lo contrario». El juicio tiene lugar y finalmente vemos a la artista entrar en prisión, aunque una vez dentro, y como en un capítulo de ‘Vis a vis’ (a sus ojos quizá ‘Orange Is The New Black’), no es que la violencia se haya acabado…