Una Janelle Monáe magistral eclipsa el show correcto de Miley Cyrus en Primavera Sound

1 junio, 2019

Coincidiendo con el primer cumpleaños de ‘Malamente’, la canción que ha cambiado rotundamente la carrera de la propia Rosalía y, más importante aún, el establishment del pop nacional, la artista barcelonesa ha lanzado ‘Aute Cuture’. No es una canción nueva para los que han asistido a sus conciertos (o visto sus vídeos en directo): ya en aquella espectacular presentación llevada a cabo en la Plaza de Colón de Madrid fue presentada por Vila como “su canción favorita del concierto”. La versión lanzada como single este jueves 30 de mayo difiere poco de la que interpretaba entonces, si bien, obviamente, la grabación permite escucharla con mucho más detalle. Sabemos que, aunque se lance ahora, surgió de las sesiones de ‘El Mal Querer’, y está producida como todo el álbum por El Guincho y Rosalía. Además, en este caso la letra ha sido escrita también por ella junto a Leticia Sala, la poeta barcelonesa que colaboró con ella en ‘Bagdad’. Sin embargo, ‘Aute Cuture’ quedó fuera de su exitosísimo segundo trabajo de estudio por razones evidentes.

Primero, es claro que líricamente hubiera tenido un difícil encaje en aquel trabajo sobre una relación de maltrato machista. Es un divertimento, repleto de sentido del humor ya desde su propio título: “si vamos a pronunciar “aute cuture”, ¿qué sentido tiene llamarla ‘Haute Couture’?”, imaginamos que pensarían Rosalía y Leticia. Porque efectivamente es un tema de empoderamiento, que se jacta de haber superado un desamor (“su nombre en el cora ya no está clavao”) gracias a la gente que tiene siempre cerca, su familia y amigos, a la música (“encima’l stage olvido lo’ pecao”) y a la providencia (“E’ que el de arriba no’ ha señalao”, canta). Pero su enfoque es totalmente divertido, diría incluso que autoparódico, mostrándose orgullosa de la parafernalia flamenca/choni que se le atribuye despectivamente: “tacones, lunares pa’ matar / el fleco, la trenza pa’ matar / eyeliner, leopardo pa’ matar” canta en ese post-estribillo que remata cada frase con un “bájale” que se convierte en chascarrillo para repetir a todas cuando una segunda voz remata con “¡madre mía, Rosalía, bájale!” Tarde: Rosalía está ya muy arriba.

Y segundo, musicalmente ‘Aute Cuture’ tampoco habría tenido mucho sentido dentro de ‘El Mal Querer’. Si bien es cierto que las palmas que van marcando el compás tienen métrica de flamenco (mis pobres conocimientos en la materia apenas me permiten intuir que pueda tratarse de unos tangos) y que el soul y el R&B tienen su peso específico en esta propuesta de Rosalía, ningún tema de su segundo largo suena tanto a puro pop como este. Su sonido, de hecho, remite inequívocamente a los 00s y a la figura de Timbaland y sus bombásticas producciones para Beyoncé (‘Crazy In Love’ parece un referente directo con esos redobles percusivos), Justin Timberlake, Nelly Furtado y Madonna de aquellos años. Esas falsas trompetas que llenan el fondo de toda esta canción no podían ser más características. Pero Rosalía demuestra su pericia al convertirlo en mucho más que una mera fotocopia –o apropiación, como querrán pensar los más escépticos hacia su figura–, y se pasa el reto aplicando a aquella fórmula su filtro personal (y el de El Guincho, claro).

Y es que, como ya ocurriera en ‘Con altura’, ‘Aute Cuture’ es una muestra de esa capacidad que han demostrado Vila y Díaz Reixa de esconder todo un rico submundo sonoro dentro de la aparente sencillez de estas canciones. Más allá de esos adlibs que enfatizan el punto cómico que citaba antes y que dinamizan los fraseos, hay multitud de detalles que hacen de su escucha con auriculares y a buen volumen (fantástico el trabajo de graves, hay que destacarlo) una gozada: los dos contrapuntos que irrumpen a mitad del estribillo mientras se repite “esto está encendío” (y que no son los mismos en el primero y en el segundo) y hay un leve cambio de acorde, el post-coro al primer estribillo (el de “bájale”) de nuevo con otro acorde, el drop después del segundo verso, otro cambio de acorde (y coros distintos) en la entrada del segundo estribillo… que se interrumpe para introducir el puente que, a su vez, se entremezcla con el estribillo final al extender el “sonando”… Toda una montaña rusa disfrazada de sólo aparente simpleza.

Una idea que se traslada a imágenes en el cachondo vídeo dirigido por Bradley & Pablo e ideado por la propia Rosalía y su inseparable hermana Pili, con cierta estética post-spaghetti western al más puro estilo Tarantino. Rosalía se muestra como la jefaza al frente de un taller clandestino de la manicura ornamental más extrema, con looks icónicos al más puro estilo de una diva pop de su tiempo. Que es en lo que se ha convertido este año con el lanzamiento (de momento) de dos singles tan bárbaros como ‘Con altura’ y ‘Aute Cuture’.

Holly Herndon / PROTO

Por

1 junio, 2019

“Hay un discurso penetrante sobre la tecnología como deshumanizadora. Contrastamos con eso. No es que huyamos de ello; nos abalanzamos hacia ello, pero con nuestras propias reglas. Optar por trabajar con un conjunto de humanos es parte de nuestro protocolo. No quiero vivir en un mundo en el que los humanos sean automatizados en escena. Quiero una Inteligencia Artificial que sea educada para apreciar e interactuar con tal belleza”. Así explica Holly Herndon sus objetivos a la hora de alumbrar Spawn, un software de I.A. co-creado por ella (cabe recordar que se doctoró en esa materia en la Universidad de Stanford) al que han enseñado a analizar cientos de voces humanas reales para ser capaz de reproducir sus giros únicos y que participa como protagonista en todo ‘PROTO’ (que alude a esos protocolos relativos a I.A. antes citados), el tercer largo de la artista norteamericana. Con ello, dice Herndon, se logró en cierto modo evocar una suerte de pregunta-y-respuesta entre la voz humana y la artificial, en una suerte de diálogo que a ella le ha recordado a los cantos religiosos entre los que se crió en su Tennessee natal.

Y, ciertamente, algo de espiritual se entrevera en todo el disco, recordando ocasionalmente a la música new age. Particularmente en las dos “sesiones de entrenamiento” de Spawn grabadas en directo en Berlín reproducidas en él, ‘Canaan’ e ‘Evening Shades’, invitándonos a asistir al “nacimiento” de su “criatura” –‘Birth’, el introductorio corte inicial, parecen de hecho sus primeros balbuceos–. Pero también se vislumbra ese halo de música conectada con lo sobrenatural en canciones entendidas a la manera tradicional, como la coral ‘Frontier’ –que parece una reinterpretación del folclore de los Apalaches– o la preciosa ‘Fear, Uncertainty, Doubt’ –en la que la voz digital de Spawn, como solista, logra su teórico fin último: emocionar–.

El resto del álbum se debate entre lo sublime y la mera curiosidad. En el primer conjunto se alinean el single ‘Eternal’ y una ‘Alienation’ que suena como una variación de aquel, ambas casi bailables. También fascinan, aunque con un perfil más contemplativo, cortes como ‘SWIM’, mientras la final ‘Last Gap’ también traduce toda esa investigación en melodías asimilables, bonitas, en un magma de instrumentación oscura y desafiante. En el plano de la curiosidad, en cambio, se engloban las regurgitaciones de la máquina en cortes como ‘Godmother’ –en la que Spawn filtraba la voz de la reputada Jlin– y ‘Bridge’, o la interesante teoría expuesta en ‘Extreme Love’, según la cual define al ser humano como recipiente de las formas de vida más perfectas y resistentes de nuestro planeta (y que posiblemente subsistirán a nuestra extinción): las bacterias y microorganismos.

La gran cantidad de interludios, algo ariscos, sumados a algún número que tarda demasiado en revelar su sentido (‘Crawler’ obra el milagro ya en sus últimos segundos, cuando el coro entona con claridad esos “why am I so lost?”), lastra un poco el valor de ‘PROTO’ en su conjunto y lo convierte en un álbum menos sólido que el gran ‘Platform‘. Aun así, la valentía artística de Holly Herndon y su propósito de proponer dilemas éticos del entorno tecnológico camuflados en música electrónica e incluso pop son dignos de un gran aplauso.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Eternal’, ‘Frontier’, ‘Alienation’, ‘SWIM’, ‘Fear, Uncertainty, Doubt’
Te gustará si te gusta: Oneohtrix Point Never, Tim Hecker, Matmos
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La Prohibida publica su disco ‘Ruido’, con créditos de Algora, los hermanos Canut, Egokid…

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1 junio, 2019

Unas semanas después de haber publicado su single ‘Ruido’, La Prohibida ha publicado el disco también así llamado, el cual incluye otra colaboración con Víctor Algora llamada ‘Bouvet’, otro tema escrito por este llamado ‘Mariposa negra’, así como temas escritos por Nacho Canut y Mauro Canut (‘Basura espacial’) y una versión de la canción ‘La tristeza de ser un electrón’ de Carlos Fernández Tejero.

Mauro también ha co-escrito ‘Cemento y hormigón’ junto a Fernando Delgado y Francisco Javier Franco Fernández, quien a su vez es autor del tema que abre el álbum ‘Galaxia desierta’. Los italianos Diego Palazzo y Piergiorgio Pardo (Egokid) están detrás de ‘Il Compromesso’ y ‘Rosa’.

Este es el tracklist del álbum:
1.-Galaxia desierta
2.-Bouvet
3.-La tristeza de ser un electrón
4.-Ruido
5.-Il Compromesso
6.-Schlesqig-holstein
7.-Basura espacial
8.-Rosa
9.-Mariposa negra
10.-Cemento y hormigón
11.-Ruido (remezcla club)

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¡estreno! 🎵

Una publicación compartida de La Prohibida (@laprohibida) el 31 May, 2019 a las 3:54 PDT

Muere Roky Erickson de la banda seminal de rock psicodélico 13th Floor Elevators

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1 junio, 2019

En las últimas horas se ha conocido la muerte de Roky Erickson, el que fuera el líder de la banda de psicodelia 13th Floor Elevators, a los 71 años de edad. De momento no se conoce cuál ha sido la causa del fallecimiento, pues simplemente se ha hecho público el siguiente comunicado: “Roky Erickson, el icono heroico del rock & roll y uno de los mejores amigos que la música jamás tuvo, ha muerto en Austin, Texas, el día de hoy. Erickson nunca titubeó en su camino, y mientras afrontó desafíos increíbles en diferentes puntos de su vida, su coraje siempre le guió a nuevas aventuras musicales, que continuó sin compromiso durante toda su vida. Su familia pide privacidad mientras luchan con la pérdida de un hijo, un hermano, un esposo y un padre”.

El grupo solo existió entre 1965 y 1969, pero discos como ’The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevator’ (1966) y ‘Easter Everywhere’ (1967) están considerados entre los mejores álbumes de la década de los 60, siendo una influencia para gente como R.E.M., ZZ Top, The Jesus and Mary Chain, Primal Scream, Echo and the Bunnymen o Queens of the Stone Age. La banda se separó en 1969 tras la edición de un último álbum llamado ‘Bull of the Woods’. Después, se reunieron ocasionalmente.

Como informa Pitchfork, entre los artistas que han lamentado la muerte de Roky hay miembros de Garbage, Dinosaur Jr., Spoon, Neko Case, Mogwai, sus colaboradores en ‘True Love Cast Out No Evil’ Okkervil River, así como artistas tan dispares como Oneohtrix Point Never y Mark Lanegan.

Ariana Grande suspende conciertos por culpa de unos tomates

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31 mayo, 2019

Ariana Grande tenía que ofrecer esta semana dos conciertos que iban a tener lugar en Estados Unidos, pero ha tenido que suspenderlos contra todo pronóstico. ¿La razón? Una recién descubierta alergia a los tomates.

Este es su texto explicativo en Instagram: “hemos descubierto que he tenido una desafortunada reacción alérgica a los tomates y que mi garganta está bastante cerrada. Todavía tengo la sensación de estar tragándome un cactus, pero estoy progresando poco a poco. Gracias por todo vuestro amor y comprensión. No puedo esperar para volver a tocar y actuar en Tampa y Orlando en noviembre”. Como posdata, indica en referencia a su nacionalidad más desconocida: “nada más injusto que una mujer italiana desarrollando una alergia a los tomates a los veintitantos”.

Ariana Grande continuará en breve con la gira de presentación de ’thank u, next’, que no pasa por nuestro país. El álbum ha vendido lo equivalente a más de 2 millones de copias y continúa bien situado en las listas internacionales, por lo que podría terminar convertido en su álbum más exitoso.

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update: we discovered ….. that ….. i had an unfortunate allergic reaction to tomatoes and my throat pretty much closed. still feels like i’m swallowing a cactus but slowly making progress! thank u all for your love and understanding. can’t wait to get back to performing and to make it up to Tampa and Orlando in November. p.s. there is NOTHING MORE UNFAIR THAN AN ITALIAN WOMAN DEVELOPING AN ALLERGY TO TOMATOES IN HER MID TWENTIES…….

Una publicación compartida de Ariana Grande (@arianagrande) el 29 May, 2019 a las 10:42 PDT

Otras mujeres que triunfaron este jueves en Primavera Sound: Julien Baker, Sigrid, 070 Shake…

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Fernando García

31 mayo, 2019

Julien Baker actuaba en esta nueva edición del Primavera Sound el jueves a las 5 de la tarde. Ha sido un gran acierto de la organización que, pese a que fuese tan temprano, tocase en el Auditori: un ambiente que, sin duda, es el más adecuado para disfrutar de su música. En el escenario, únicamente estaba ella con un teclado y su guitarra, y en algunas canciones acompañaba una violinista. ‘Something’, de su primer álbum, fue lo primero que sonó en un setlist que presentaba un equilibrio en cantidad de canciones entre este y su último trabajo ‘Turn Out the Lights’, del que sonaron el tema homónimo, ‘Sour Breath’, ‘Shadowboxing’ y ‘Appointments’. La impresionante voz de Baker con la gran acústica del espacio conseguía ponerte el vello de punta desde el principio hasta el final. De vez en cuando se dirigía al público diciendo muy tímidamente “gracias”, pero enseguida, sin entretenerse, volvía a entonar otra de sus desgarradoras letras con un sentimiento que parecía rompérsele el corazón con cada palabra. Especialmente emocionantes fueron ‘Rejoice’ y ‘Appointments’, aunque absolutamente todas sonaron impecables. Julien Baker nos invitaba con su concierto a una parte de su intimidad: se abría en canal en cada nota ante un montón de desconocidos. Y, cómo no, fue precioso. Foto: Eric Pamies.

Una intro de lo más rockera servía para presentar en el escenario a Soccer Mommy, el proyecto de Sophie Allison, quien se ha convertido en una de las jóvenes promesas del indie actual con ‘Clean’, su primer álbum de estudio, que salió el año pasado. Sin embargo, ella prefirió comenzar con su nueva versión de ‘Henry’, una canción compuesta para su primer proyecto de 2016 titulado ‘For Young Hearts’. Le siguió ‘Try’ antes de llegar a los temas de su último disco, con los que ha ido cosechando éxito crítico como ‘Last Girl’, el gran ‘Your Dog’, ‘Cool’ o ‘Wildflowers’. Su banda dejó a Allison sola en el escenario para la bonita balada ‘Still Clean’, que precedió a la enérgica ‘Scorpio Rising’, ya con todo el grupo de nuevo. Terminaron en alto, aunque hubo momentos en los que el set se hizo algo monótono.

Los que venían a presentar uno de los discos más aclamados del año hasta el momento fueron Big Thief. El cuarteto de Brooklyn encabezado por Adrianne Lenker apareció en un escenario donde los instrumentos y los altavoces habían sido decorados con ramos de flores a propósito, probablemente, del importante papel que juega la naturaleza en ‘U.F.O.F’. No faltaron, por supuesto, las estupendas ‘Shark Smile’ y ‘Mythological Beauty’ de su segundo álbum ‘Capacity’, o ‘Masterpiece’, aunque en su mayor parte el concierto estuvo dedicado a la presentación del nuevo trabajo (aquí solo se echó en falta en el setlist a ‘UFOF’). También hubo un momento para Buck Meek, guitarrista de la banda, que tocó una de las canciones de su disco en solitario. Big Thief podrán gustar más o menos, pero pocas dudas quedan tras verles de que nos encontramos ante una banda que lo que sabe hacer, lo hace realmente bien. Es cierto que probablemente se disfruten más en una sala que en un festival, pero escuchar la dulce voz de Lenker y la belleza de los instrumentales mientras bajaba el sol en uno de los escenarios principales (donde ahora el suelo está cubierto de césped artificial) fue una experiencia casi mística.

A Sigrid se le quedó un poco pequeño el escenario Pitchfork. La cantante noruega, una de las grandes promesas del pop, que al fin este año lanzó su debut ‘Sucker Punch’, contaba con un gran grupo de fans que coreaban todas las canciones. Aunque de primeras su disco no pareciese –al menos a mí- demasiado sólido más allá de algún temazo como ‘Never Mine’ o ‘Strangers’ (el mejor momento de todo el concierto), lo cierto es que todas ellas crecen bastante en directo. Sigrid, con un look de lo más casual y cero aires de diva, tiene un carisma arrollador. Fue un show muy ameno y divertido gracias al que confirmamos que, en el momento en el que tenga más hits, puede llegar a hacer cosas grandes. El álbum sonó prácticamente entero, y de las más antiguas (además de ‘Don’t Kill My Vibe’ y ‘Dynamite’) cantó ‘Plot Twist’ y ‘High Five’. Sigrid estuvo muy entregada al público –y viceversa- e indicó que estaba muy contenta porque además su hermana estaba allí viéndola. ‘Don’t Feel Like Crying’ cerró un set que fue toda una celebración de -buen- pop bailable.

Danielle Balbuena o más conocida como 070 Shake se reafirma como artista a seguir muy de cerca. Hiperactiva, yendo de un lado a otro del escenario, subiéndose por los laterales, tirando sillas o diciéndole a su DJ que quitase la música porque estaba harta ya de esa canción… todo en su concierto fue pura energía. Al comenzar dijo que quería que jugásemos al pingpong con nuestras energías (la suya y la del público), y así fue. La rapera –quien ha colaborado con Kanye West en ‘Ghost Town’ y ‘Violent Crimes’ y con Pusha T en ‘Santería’- el año pasado estrenó su EP ‘Glitter’ y ya prepara un nuevo proyecto del que pudimos escuchar dos canciones inéditas, entre ellas ‘Under the Moon’, además de su reciente single ‘Morrow’. Su inclasificable voz (con efectos o sin ellos) y su mencionado carácter entre macarra y a veces dulce –hubo un momento a lo Florence en el que pidió que todo el mundo se abrazase- hace que sea una presencia fascinante en el escenario. No puedes apartar los ojos de ella. El mejor momento fue ‘Honey’, un temazo -ella misma lo definió como su favorita- que no dejó a nadie sin bailar.

Charli XCX y Christine and the Queens, juntas y por separado, simbolizan el avance feminista de Primavera Sound

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31 mayo, 2019

El cartel de Primavera Sound de este año ha sido noticia por su apuesta por la paridad, conformándose más o menos por un 50% de hombres y un 50% de mujeres. Esto se ha notado en la primera jornada del festival, pues al margen de intereses propios, las mujeres fueron las absolutas protagonistas del día, ofreciendo los conciertos más concurridos y en definitiva los mejores. No, no cuesta nada programar a mujeres en un festival, solo se necesita voluntad. Foto: Christian Bertrand.

Mac DeMarco es lo suficientemente popular como para congregar un público importante en su concierto cuando todavía no ha anochecido y falta por llegar al recinto mucha gente. El modo en que la gente corea temas como ‘Freaking Out the Neighborhood’ o ya al final ‘Chamber of Reflection’ nos dice que DeMarco podría seguir tocando toda la vida si quisiera, aunque ahora diga que lo que quiere es encerrarse en casa con su novia. Perfecta la hora en cualquier caso para degustar en vivo los temas de un ‘Here Comes the Cowboy’ que parece hecho para escuchar en el atardecer, aunque al contrario que en el disco, Mac sí le pone algo de intensidad a su directo, pegando algún grito que otro para animar al público. Ahora que Primavera Sound ha cubierto con césped artificial todo el terreno en el que están situados los dos escenarios principales (gracias a Dios), un concierto ideal para relajarse con una cerveza en la mano, antes de los platos fuertes.

¿Tiene sentido ver a Christine and the Queens desde atrás, cuando la cantante se curra unas coreografías de infarto, al más puro estilo Janet Jackson (‘Nasty’ suena en un momento del show), que a duras penas podemos percibir engullidos por la marabunta de gente? No, y es una pena porque la francesa, con poco más que ella misma y su equipo de baile para presentar temas como ‘Girlfriend’, ‘Goya Soda’ o ‘Doesn’t matter’, consigue hacerte alucinar con su pasión desbordante sobre el escenario como pocos artistas hoy en día. Ante la popularidad de gente como Ariana Grande o Drake, es fácil olvidar que hubo un tiempo en el pop en que los cantantes eran además expertos bailarines, y Christine and the Queens es un ejemplo de que ese tipo de artista “old school” sigue vigente. Y no es que necesite grandes coreografías, pues la francesa es capaz de conquistarnos solo con sus canciones. Su versión de ‘Heroes’ de David Bowie puede ponerlos de punta, pero ‘Saint Claude’ sigue capturando una magia especial. Christine se la dedica a todas las “bellezas raras” antes de despedirse no sin antes anunciar: “cuidemos los unos a los otros, más empatía”.

Después de presenciar el set de tecno gamberro de Marie Davidson, puro Berghain pero a las 21.30 de la noche, es el turno de Princess Nokia. Toda una pro en directo la rapera neoyorquina, magnética en su dominio del escenario y sobre todo del espectáculo, pues no hay momento en su set para el descanso. ‘Tomboy’ abre y con ella Destiny Nicole Frasqueri se mete rápidamente al público en el bolsillo, llevándonos después por su rico catálogo de ritmos trap en canciones como ‘Bart Simpson’ y dedicando la totalidad de su show al empoderamiento femenino: en las pantallas pueden leerse las palabras «ganadora», «líder» y «luchadora» pero lo mejor viene después, cuando estas proyectan la frase «Dios es una mujer negra y se llama Beyoncé». Por poco parece que Princess Nokia va a hacer una versión de ‘Formation’ pero simplemente esta es sampleada en un momento del show, dejando un poco con la miel en los labios. En un ejemplo de sororidad muy necesario en estos tiempos de «beefs» absurdos, Nokia manda un saludo a algunas de las mujeres presentes en el cartel del Primavera, mencionando a Erykah Badu, FKA twigs o Rico Nasty al tiempo que clama por un futuro «sin género».

Reconozco que sacrifiqué ver a Erykah Badu, de la que sí pillé ‘On and On’ y una puesta en escena tan esotérica como esperaba, por coger un buen sitio en el concierto de Charli XCX, y no me arrepiento. Puede parecer atrevido que Charli inicie su show con ‘Blame It on Your Love’, pero es una gran decisión pues es todo un hitazo que la gente ya sabe de pe a pa (claro que sus fans ya la habían escuchado en una versión diferente en su última mixtape). La británica es uno de los puntos fuertes del jueves en Primavera Sound y reflejando su gusto por las colaboraciones y también la nueva línea editorial del festival mucho más equitativa y feminista, incluso invita a Christine and the Queens al escenario para presentar su colaboración inédita, ‘Gone’. No es lo mejor del set, que ha de ser ‘Boys’ o ese ‘Unlock It’ fascinante que sus mayores fans (entre los que me incluyo) cantan sin dejarse nada, ni los “uuh ahhs” de Kim Petras. Se hace corto el concierto de Charli en cualquier caso: antes de que te des cuenta ya ha terminado. Eso es bueno porque Charli solo presenta temazos, pero también malo porque se deja unos cuantos. Porque vale que cierre con ‘1999’, ¿pero qué le costaba cantar ‘Boom Clap’? Hubiera sido mucho pedir ‘Breaking Up’ pues no pega nada con el resto del set, pero su mayor éxito encajaba perfectamente…

«El mejor concierto que he visto en mi vida». Este tuit de Clairo se refiere a la presentación de FKA twigs en Primavera ya entrada la madrugada. Un set muy esperado por dos razones: la primera es que Tahliah Barnett ha estado retirada de la música tres años debido a problemas de salud, por lo que su regreso es de los grandes, un «comeback» en toda regla, y el segundo es que los directos de la cantante británica suelen ser ambiciosos y muy artísticos. En este caso, no decepcionó con un setlist hipnótico que incluyó su nuevo single ‘Cellophane’ o clásicos como ‘Video Girl’ y sobre todo con una puesta en escena preciosa, que incluso dio lugar a un número de «pole dancing». Hubiera dado igual que FKA twigs no fuera vestida a la manera extravagante de Björk, porque con lo que es capaz de hacer en el escenario, es imposible quitarle los ojos de encima. Foto: Sergio Albert

Drake la lía y se encara con Stephen Curry en el primer partido de la final de la NBA

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31 mayo, 2019

Esta noche se ha celebrado el primer partido de la final de la NBA, la liga profesional de baloncesto norteamericana que tanto admira, por ejemplo, Marco del grupo madrileño Baywaves. En ella se enfrentan los actuales campeones, los Golden State Warriors liderados por la estrella Stephen Curry y un Kevin Durant que se ha pasado lesionado el play-off, y los Toronto Raptors, que han alcanzado su primera final capitaneados por Kawhi Leonard y los pivots españoles Marc Gasol y Serge Ibaka. Todo un hito que, además, ha llevado a primera línea de la cancha, literalmente, a la estrella del pop rap Drake.

El canadiense, ferviente seguidor de los Raptors (y al que hasta ahora perseguía la fama de ser gafe para ellos), está viviendo un sueño al ver a su equipo favorito en las finales, y ha seguido muy de cerca (no es un decir: en EEUU, los VIP acostumbran a sentarse dentro de la cancha, junto a los banquillos) la final de la Conferencia Este que le ha enfrentado a los Milwaukee Bucks. Ya en esa serie Drake ha dado mucho que hablar por sus aspavientos, provocando a los rivales. Y también por cosas tan incómodas como dar un masaje en la espalda al entrenador de su propio equipo.

Pero en ese primer enfrentamiento de siete con el que ha comenzado hoy la disputa por el anillo de los ganadores, parece que ha traspasado todas las líneas. Tras llegar a la cancha provocando al llevar puesta una camiseta de los Raptors con el nombre de Dell Curry, padre de la estrella de los Warriors que jugó en el equipo de Toronto, tocó desafiante el pelo del propio Stephen, que se encaró con él. También se las tuvo con el alero Draymond Green, que se fue a por él nada más terminar el partido, que además ganaron los Raptors. Luego, el cantante siguió echando leña al fuego con una imagen en Instagram que mostraba una supuesta pelusa del cabello de Curry, insinuando además que Green es indigno de llevar el número 23 de leyendas de este deporte como Michael Jordan o Lebron James. ¡Y esto es sólo el primer partido de siete! Se va a haber un follón.

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Los Jonas Brothers anuncian conciertos en España 10 años después de su última actuación

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31 mayo, 2019

10 años después de su último concierto en nuestro país, The Jonas Brothers confirman dos paradas en España donde presentará su quinto álbum de estudio, ‘Happiness Begins‘, que se publica la semana que viene, el 7 de junio. Las fechas anunciadas pertenecen a la gira que llega a Europa a inicios de 2020 tras una extensa gira norteamericana que desarrollarán a finales de este año.

Los conciertos en España serán el 16 de febrero en el Wizink Center de Madrid y el 17 de febrero en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Para acceder a sus entradas, los registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa exclusiva el miércoles 5 de junio a las 10h. La venta general se abrirá el 6 de junio a las 10h en www.livenation.es y Ticketmaster.es. Los paquetes VIP para disfrutar de los conciertos de Jonas Brothers estarán disponibles y se venderán solo a través de la plataforma HOST VIP a partir del 6 de junio.

Tras la suerte dispar de las carreras en solitario de los tres hermanos Jonas, regresaban en formato trío con el single ‘Sucker‘, con el que han conseguido un sonado éxito en Estados Unidos… entre acusaciones de plagio. Esta misma semana Nick, Joe y Kevin visitaban nuestro país para promocionar ‘Happiness Begins’, apareciendo por ejemplo en El Hormiguero de Antena 3.

❤ ¡JONAS BROTHERS vuelven a Madrid y Barcelona! ❤

Preventa Live Nation el miércoles 5 de junio a las 10h registrándote gratis en https://t.co/Q9PRyJw9n8

Venta general el jueves 6 de junio a las 10h en https://t.co/Q9PRyJw9n8 y Ticketmaster.

Info aquí: https://t.co/ArYp3OHUcP pic.twitter.com/mhngGbUpWc

— Live Nation España (@LiveNationES) May 31, 2019

The Ballet / Matchy Matchy

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31 mayo, 2019

Los Magnetic Fields del siglo XXI han llegado a cantar sobre las nuevas tecnologías, adaptando el despecho y la frustración de sus composiciones a los nuevos tiempos. Era el caso de ‘Machine in Your Hand’ contenida en ‘Love at the Bottom of the Sea‘ (2012), un tema celoso de un smartphone. El nuevo disco del dúo The Ballet, abiertamente influido por la banda más conocida de Stephin Merritt, es ahijada de esa idea, pues lleva el típico sonido de The Magnetic Fields y el mismo estilo de letras a la generación Grindr y Tinder, que ha inspirado su título ‘Matchy Matchy’.

Así, lo primero que oímos en este álbum es una canción llamada ‘Looking’ que más que un homenaje a la conocida serie de temática gay, es una conversación de Grindr: por eso en cada frase escuchamos la voz de Greg Goldberg sonando por un auricular o altavoz diferente. En uno oímos «¿quieres jugar?», en el otro «¿qué te gusta?», y así con varias frases tipo como «¿qué buscas?», «soy versátil», «hacía tiempo» o «¿quieres ser mi pareja para siempre o quieres quedar solo esta noche?». Como ‘Looking’, ‘Matchy Matchy’ se compone de frases sencillas pero que representan la vida cotidiana de cualquier persona adicta a las apps de ligue, incluso a veces al margen de su condición sexual.

El álbum contiene canciones de amor tan clásicas y claras como ‘Jersey’ («solo quería esconderme contigo»), apegada a un punteo más Smiths que luego reaparece en otras pistas como ‘Love Letter’; otras de desamor como ‘Cry Baby’ («realmente quiero hacerte daño, realmente quiero hacerte llorar»); pero también muchas otras orientadas al sexo, como ese encuentro entre desconocidos llamado ’20’ que, sobre una base mínimamente más italo, jura de manera reiterada «no había hecho esto antes». Como tampoco había «hecho eso antes» el protagonista de ‘First Time In a Gay Bar’ que acude perdidísimo, con más ropa favorita y ganas de beber que «intenciones de flirtear» a su primer bar gay.

En su retrato social del mundo «queer» -la banda se reconoce como tal-, ninguna canción logra hacer sombra a su nuevo himno ‘But I’m a Top’. Cuando The Ballet lanzan 4 frases con 4 notas, pero todas son lo suficientemente certeras como para encandilarte musicalmente, entre reflexiones sobre los roles de género, las apariencias y los prejuicios, es cuando el dúo es mucho mejor. Otras veces se lían demasiado, como sucede en los 5 minutazos de ‘I’ve Been Wondering’, menos misteriosos y sugerentes de lo que buscaban sus caminos ocultos; o en ‘Cry Baby’.

Y es que cuando The Ballet son directos, miran a los ojos y dicen lo que piensan sin más rodeos, son una monada. Y cuando miran al suelo y no se atreven a decir lo que piensan, también. Como sucede en las carreras de Magnetic Fields o Tracey Thorn, la honestidad frente a la intelectualización (esas citas artys despreciativas a la poesía y al cine de ‘Your Boyfriend’) y la decepción de que un follamigo no quiera dar ese paso más («solo somos un par de tíos (tonteando) / ¿qué son esas lágrimas en tus ojos») pueden dejarte sin respiración. «Nos enamoramos y fue un infierno» es una frase que podría resumir este disco o el destino de muchos suscritos a las Apps. Por suerte, los que confiaron en The Ballet a su salida hace unos años, no pensarán lo mismo ni siquiera cuando llega la medio ruidosa y final ‘You’re Mine’.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘But I’m a Top’, ‘Love Letter’, ‘Looking’
Te gustará si: hablas más con desconocidos en Grindr que con tu familia
Escúchalo: Spotify

Mika avanza con la refrescante ‘Ice Cream’ un nuevo disco que presentará en Madrid y Barcelona

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31 mayo, 2019

Uno de las principales novedades musicales que se han presentado este viernes ha sido ‘Ice Cream’, el nuevo single del británico Mika. Con él rompe los cuatro años de silencio transcurridos desde ‘No Place In Heaven‘ y anticipa su quinto trabajo de estudio, ‘My Name Is Michael Holbrook’, que verá la luz el 4 de octubre. El tema, como ya insinúa su nombre, “fue escrito en un día de calor extremo”, según el propio Mika. «Fueron las últimas semanas de escritura para el álbum, un período de escritura que duró dos años. A través de su composición me enfrenté a problemas personales, graves y, a veces, dolorosos, y ahora me sentía más ligero y más libre”.

Con más de 10 millones de discos vendidos en todo el mundo, en esta ocasión el intérprete de ‘Grace Kelly’ ha encontrado la inspiración en la actitud irreverente de la música de los años noventa y en George Michael, entre otros. “Atrévete a ser la versión más orgullosa de ti mismo. Atrévete a ser un hombre sensual, atrévete a expresar en voz alta los deseos que siempre mantienes dentro de tu cabeza”, dice su nota de presentación.

Además, Mika presentará ‘My Name Is Michael Holbrook’ el próximo otoño en una gira que recorrerá las principales ciudades de Europa, haciendo dos paradas en nuestro país: el 12 de noviembre en Razzmatazz en Barcelona –dentro del Festival Mil·lenni– y el día 13 en La Riviera en Madrid –entradas, aquí–. La preventa para fans se iniciará el 5 de junio a partir de las 10:00, mientras que la venta general empezará el 7 de junio a partir de las 10:00h.

Quién es quién en ‘SHE IS COMING’, el nuevo EP de Miley Cyrus: RuPaul, Andrew Wyatt, los 13 autores de ‘D.R.E.A.M.’…

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31 mayo, 2019

Como sabíamos, Miley Cyrus –que hoy actúa en Primavera Sound 2019 en sustitución de Cardi B– ha publicado ‘SHE IS COMING‘. Se trata del primero de 3 EPs que la hija de Billy Ray lanzará a lo largo de los próximos meses. Así que imaginamos que esa canción junto a Mark Ronson y Angel Olsen llamada ‘Bad Karma’ que avanzó en sus redes pertenecerá a uno de los otros dos.

En cambio, ‘SHE IS COMING’ contiene 6 temas completamente inéditos (hasta que interpretó varios de ellos en directo hace unos días) en los que da un nuevo volantazo estilístico a su carrera. Su pop escapa a la sombra country de ‘Younger Now‘, salvo en el medio tiempo final ‘The Most’, producido por Mark Ronson. Y, a cambio, se zambulle en el hip hop que capitaliza el mercado musical, especialmente en USA. Eso explica la presencia del rapero Swae Lee (que recientemente colaboraba también con Madonna en ‘Crave‘) en una ‘Party Up The Street’ producida por el reputado Mike WiLL Made-It. Curiosamente, es uno de los temas más pop del conjunto. También presentan toques claramente urbanos el tema principal, ‘Mother’s Daughter’, y ‘Unholy’, próximos a las últimas Ariana Grande y Halsey.

Curiosamente, el que más podría imaginarse cercano al rap es ‘D.R.E.A.M’, dada la co-producción de RZA y el verso que interpreta Ghostface Killah. Para más inri, la sorprendente cifra de 13 autores, 13, en los créditos del tema se deben a que emplea un sampler de ‘C.R.E.A.M.’ del multitudinario Wu-Tang Clan (que a su vez sampleaba a Isaac Hayes). Y su producción la firma John Cunningham, beat-maker de confianza del difunto XXXTentacion, que participa en más temas de ‘SHE IS COMING’. Pero las apariencias engañan, y es bastante pop. De hecho, mucho más que ‘Cattitude’, la colaboración con RuPaul en la que ambas gatas se dedican sobre todo a rapear. Ojo a la barra que dice «i love you Nicki, but I listen to Cardi», porque puede levantar ampollas.

Cunningham produce también ‘Unholy’, si bien el que se erige en colaborador principal de Cyrus en esta era parece ser Andrew Wyatt. El también miembro de Miike Snow, produce la mitad del disco y está involucrado en la composición de la mayoría de sus seis cortes con Miley. También está implicada en varios temas Ilsey Juber (co-responsable, entre otros hits contemporáneos, de ‘Nothing Breaks Like A Heart‘ de la propia Miley con Mark Ronson), King Henry (Major Lazer, LSD, Maroon 5), ALMA (la finesa co-escribe ‘Mother’s Daughter’ y ‘Cattitude’) y PLUSS (el co-productor de ‘HUMBLE.’ de Kendrick Lamar o ‘Good Form’ de Nicki Minaj participa en ‘Party Up The Street’). Con toda esta sobreinformación, quizá podáis disfrutar más y mejor de ‘SHE IS COMING’… o no.

‘Rocketman’: el biopic de Elton John es más autocomplaciente de lo que parece, aunque también entretenido

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31 mayo, 2019

Dexter Fletcher, el director que terminó ‘Bohemian Rhapsody‘ aunque en los créditos solo figurara el despedido Bryan Singer, es el responsable finalmente de ‘Rocketman’, el biopic de Elton John del que os hablamos por primera vez hace 8 años (!), que estuvo a punto de estar protagonizado por Justin Timberlake y que llega a los cines en medio de lo que va a ser la gira de despedida de los escenarios de Elton John.

‘Rocketman’ parte de un momento muy difícil en la vida del cantante, su acudida a la desesperada a una reunión de Alcohólicos Anónimos en medio de una crisis personal de diversa índole, para tratar de ahondar en sus causas. Recorriendo una Inglaterra en la que le vemos de niño, esa Inglaterra de educación férrea de la que nacen hooligans y sobre la que nunca nos cansaremos de saber más; llegando a sus primeros coqueteos con la fama y pasando por el descubrimiento de su homosexualidad, la película es un entretenido paseo por diversos ámbitos de la vida de Elton John, una de las estrellas más exitosas de los años 70, cuya fama ha logrado además extenderse décadas después. Entre hábiles números musicales en los que se nos presentan temas como ‘Your Song’, la preciosa ‘I Want Love’ o ‘Crocodile Rock’ con los pies de Elton volando hacia la fama ante la atenta mirada de varias celebridades de la música americana, los 121 minutos de metraje parecen 105. Hay -como también sucedía en ‘Bohemian Rhapsody’- un error de cronología en la situación de esta última, ¿pero a quién le va a importar?

La cinta se atreve a enseñar, muy tímidamente, algo de la vida de cama de Elton donde ‘Bohemian Rhapsody’ se mostraba algo más puritana; no se corta al vincular al artista con el consumo de drogas y alcohol; ni a hablar de su fracasado matrimonio heterosexual a mediados de los años 80. Sin embargo, cuando llega el epílogo, la cosa se estropea: varios rótulos ejercen de lavado de cara total para la imagen actual de Elton, su propio nombre aparece desvergonzadamente en los créditos como productor ejecutivo, se hace demasiado evidente que este es un biopic autorizado, y ahí es cuando surgen unas cuantas preguntas.

Elton John, además siempre oculto tras las letras de su colega Bernie Taupin… ¿ha llegado realmente a revelar tanto de sí mismo en este ‘Rocketman’? Se habla de sus vicios en pasado, como algo superado, y el guión es muy parco en detalles introspectivos o conversaciones esenciales de su vida privada más allá del cliché «su padre no le quería», «a su madre le era indiferente», y eso le llevó a ser «alcohólico». En ese sentido, la película cae en demasiados lugares comunes sin que tampoco nos acerquemos tanto a sus miedos más íntimos, a sus fantasmas interiores, a su manera de ver la industria, a su necesidad de un letrista externo o a su interés por los vestuarios excéntricos. ¿Vienen de su huida de ser Regie y no hay nada más? Un dato: la película rara vez nos sitúa en un momento o un disco concreto del artista. Simplemente todo parece flotar… como el propio Elton.

Es de agradecer que ‘Rocketman’ evite caer en ‘Candle in the Wind’ y Lady Di para decantarse por enseñar otra faz menos conocida de la vida de Elton John, al tiempo que hace evidente su influencia en otros monstruos escénicos como Robbie Williams (a veces no sabes si el actor Taron Egerton está haciendo de Elton o de Robbie). Pero por mucho que el artista diga que le ruboriza ver esta cinta porque supone enfrentarse a cosas hace 30 años superadas, hay algo demasiado ensalzador en ella como para creérsela. Más que el escaso sexo, el alcohol o las drogas, al espectador le ruboriza hasta dónde se ha dejado al letrista Bernie Taupin como un ángel caído del cielo, y hasta dónde se ha hecho de John Reid un pérfido villano tan repeinado que ni en una película de superhéroes. 5,5.

La tecnología ha acabado con el amor de Adam Green, que anuncia colaboración con Florence Welch

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31 mayo, 2019

Adam Green, tan querido entre nuestras filas tanto por su contribución a los seminales Moldy Peaches como por su gran trabajo en solitario de 2003 ‘Friends of Mine‘, está de regreso. Su nuevo disco se llama ‘Engine of Paradise’, saldrá el 6 de septiembre y lo adivinamos extraordinariamente corto si sus 9 canciones se ciñen a una estructura parecida a la del single principal, un tema de 2 minutos.

Como muchos de sus clásicos, el tema ‘Freeze My Love’ dura poco más de 2 minutos y está ornamentado por una gran sección de cuerda, ciertamente en la estela de ‘Friends of Mine’. En cuanto a la letra, Adam Green deja caer que «la tecnología le ha cambiado» y eso es lo que ha hecho a su amor «congelarse». El vídeo se sitúa en una estética parecida a su película/ida de olla ‘Aladdin’, y bien podría ser el montaje carpintero de su set, mientras el disco viene anunciado con colaboraciones de órdago: nada menos que Florence Welch, Jonathan Rado de Foxygen y un músico de directo de MGMT, James Richardson.

Así quedará el tracklist de ‘Engine of Paradise’, encabezado por el tema titular:
01 Engine of Paradise
02 Gather Round
03 Freeze My Love
04 Wines and Champagnes
05 Escape From This Brain
06 Cheating on a Stranger
07 Let’s Get Moving
08 Rather Have No Thing
09 Reasonable Man

Cardi B «mata a sus enemigos» desnuda en su nuevo single ‘Press’

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JNSP

31 mayo, 2019

Cardi B publica su nuevo single ‘Press’ precisamente el día en que la rapera iba a subirse al escenario de Primavera Sound… antes de cancelar su actuación y de ser sustituida por Miley Cyrus, que también saca nueva música hoy. Estamos ante una canción de 2 minutos y medio de base trap y trazos de rap tradicional en la que Cardi B dice que «no necesita más prensa», y propone «matarlos a todos», en referencia a sus «enemigos». Gran parte de la letra está dirigida a quienes la odian en femenino, por lo que podría estar hablando también de su mayor enemiga Nicki Minaj.

En cualquier caso, el título de ‘Press’ no puede ser más claro, pues la rapera ha tenido sus más y sus menos a lo largo de su trayectoria, sobre todo con tabloides como TMZ, a los que suele contestar directamente en sus stories de Instagram. No se puede pasar por alto que su debut se titulaba ‘Invasion of Privacy‘ aunque más en relación a los fans cotillas de Cardi que a los tabloides.

Sin noticias del segundo disco de Cardi, ‘Press’ sucede a ‘Money’ y a ‘Please Me’ con Bruno Mars y a las colaboraciones ‘Clout’ con Offset y ‘Wish Wish’ con DJ Khaled y 21 Savage. Ninguna de estas canciones ha repetido el éxito de ‘Bodak Yellow’ ni mucho menos ‘I Like It’, por lo que habrá que esperar para averiguar si la rapera tiene con ‘Press’ más suerte. De momento y a falta del vídeo de la canción, Cardi B aparece desnuda rodeada de fotógrafos en la portada del sencillo, si bien con sus vergüenzas convenientemente censuradas. Sebas E. Alonso, Jordi Bardají.

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PRESS SINGLE AND OFFICIAL ART WORK DROPS THIS WEEK ON 5/31 !!!

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PRESS”single” drops FRIDAY!

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Tove Lo anuncia nuevo disco, ‘Sunshine Kitty’, presentado por ‘Glad He’s Gone’

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31 mayo, 2019

Tove Lo publica hoy un simpático single llamado ‘Glad He’s Gone’ con bastante miga. Al margen de esos apitufados «he’s gone, he’s gone» que sirven de motivo principal para toda la canción, el tema contiene un mensaje de ánimo para una amiga que suele llamar a Tove Lo «llorando» porque no le va nada bien en su relación con su novio, al que define como un «cabrón» o un «capullo». «Te quiero, y él nunca te quiso», propone de manera muy ilustrativa la cantante sueca.

El tema combina así perfectamente la triste melodía de la guitarrita a la moda de la radiofórmula de esta década, con un punto de superación casi humorístico, retratado en ese estribillo que dice: «Never got tears for that sucker / only one dick that’s a bummer». El crescendo final termina por hacer despegar esta producción de Shellback y The Struts que además viene presentada por un curioso «lyric video».

En el vídeo la idea de la artista para terminar de convencer a su amiga de salir de su relación tóxica ha sido ponerse en paños menores a bailar. Incluso se anima a hacer sus pequeños pinitos con el twerking. Tove Lo vuelve a mostrar que es una gran defensora del uso de su sexualidad a su manera, como ya mostró en lanzamientos tan cargados de sexo como el single ‘Disco Tits‘, el álbum ‘Lady Wood’ o aquel mediometraje que hizo y en el que aparecía masturbándose.

El disco que contendrá este tema se llamará ‘Sunshine Kitty’ y Universal España da ya algún detalle sobre él: «La artista nacida en Estocolmo ha confirmado que su 4º álbum de estudio está de camino. Grabado entre Los Ángeles y Suecia, “Sunshine Kitty” representa un nuevo capítulo para Tove, marcado por la reivindicación de la confianza y la sabiduría adquirida y, de nuevo, un romance en ciernes. El título es “una obra sobre el poder femenino, pero feliz, visto de un modo positivo” declara Tove Lo. “Enlaza con un lince. Este dibujo animado (que aparece en la portada) es una extensión de mí misma y parte de la nueva música. Es monísima, pero hace tonterías como pelearse y emborracharse. Siento que es el sonido del disco”».

Dice Tove Lo: “Cuando hice Lady Wood, estaba enfrascada en el miedo. Tuve una intervención vocal un año antes, llevo cantando desde los 14. Pasé la operación y supe que tenía que volver a empezar de nuevo. No dejaba de preocuparme por mi voz, me llevó mucho tiempo sentirme a gusto de nuevo. Estaba pasando por una ruptura y aclimatándome a mi nueva vida, en el punto de mira, con mucha gente cambiando en mi entorno. Finalmente me encuentro en un lugar donde hay retos, pero me siento más cómoda viviendo la extrañeza de poner mi corazón en un papel para que todo el mundo pueda escucharlo. Entiendo que necesito expresarme mejor sobre lo que necesito, soy vulnerable, pero no estoy enfadada. Con la misma honestidad emocional, pero con mayor felicidad”.

Katy Perry trata de encontrarse a sí misma en ‘Never Really Over’

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31 mayo, 2019

Katy Perry estrena hoy su nuevo single tras no haber obtenido números demasiado buenos con su sencillo de entretiempo con Zedd, el por otro lado pintón ’365’. Su nuevo intento en solitario, si bien también está coproducido por Zedd, se llama ‘Never Really Over’ y se trata de una canción más fácil de encajar en el repertorio de ‘Prism’ e incluso ‘Teenage Dream’ que en el de ‘Witness’. De hecho, su puente no está tan lejano al que fue uno de sus mayores éxitos en aquella época, ‘Roar’.

La canción habla sobre no terminar de estar acabado o no terminar de haber acabado mientras el vídeo muestra a la cantante definitivamente tratando de buscarse a sí misma en un retiro a través de varias técnicas de relajación. La letra, de hecho, menciona una «terapia de hipnosis». El videoclip no está exento de su humor infantiloide (ese plano con la cara aplastada contra un cristal) aunque por momentos parezcamos estar ante la Alanis de «Thank You, India». Como sus fans se han apresurado a relatar, vuelve el pelo largo, que parece darle suerte en cuanto a éxito comercial.

‘Never Really Over’ también tiene créditos compartidos con ‘Love You Like That’ de Dagny, quien habló hace un par de días sobre cuánto se parecen ambas canciones y su co-autoría, confirmando que este es el adelanto de un nuevo disco de Katy Perry.

La música latina llega a los festivales para quedarse: Río Babel duplicará su asistencia

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30 mayo, 2019

Esta semana se celebra una nueva edición de Primavera Sound con un giro editorial que según la propia organización está aquí para quedarse. Bad Bunny y J Balvin han pasado por Coachella, con el primero después siendo confirmado en Sónar y también en Río Babel. Precisamente el festival madrileño que se celebra el primer fin de semana de julio, en el que en años pasados ha actuado gente como Residente, Bebe, Nathy Peluso o Miranda!, parece pionero en su apuesta por la música latina de cualquier tipo, por lo que hemos querido realizar unas preguntas al respecto a Germán Quimasó, director de Río Babel.

Para Quimasó, 2019 no ha supuesto especialmente un antes y un después para la música latina tras la aceptación de J Balvin y Bad Bunny en medios y festivales internacionales. «Realmente viene de mucho atrás, el problema que siempre he visto yo, es que en nuestro país tenemos muchos prejuicios. En vez de ser los pioneros y ser la plataforma de lanzamiento de los artistas latinos, hemos tenido que esperar a que países anglosajones hayan reconocido la valía de estos artistas. Pero antes de este año ya venían pasando cosas muy interesantes: el estallido de Bomba Estéreo en Estados Unidos, las impresionantes giras internacionales de Calle 13, el retorno de las bandas míticas del rock latino como Los Fabulosos Cadillacs o Los Auténticos Decadentes, y a nivel alternativo y underground la infinidad de bandas emergentes con propuestas súper interesantes que están apareciendo son abrumadoras».

«En nuestro país tenemos muchos prejuicios. En vez de ser los pioneros y ser la plataforma de lanzamiento de los artistas latinos, hemos tenido que esperar a que países anglosajones hayan reconocido la valía de estos artistas»

Respecto a si Río Babel se enfoca principalmente en la música latina y por tanto se considera pionero al respecto o si seguirá abierto a otros géneros (Fatboy Slim también es cabeza de cartel este año y actúan Love of Lesbian y Dorian), nos indica: «Río Babel es pionero y está apostando por la música latinoamericana pero con una visión muy abierta, desde el rock hasta la electrónica pasando por el hip hop o la canción de autor y de raíz. Pero nunca nos hemos querido encasillar solo en Latinoamérica, somos mucho más. En Río Babel pueden fluir muchos estilos de músicas y de muchas procedencias. Buscamos propuestas interesantes, propuestas que tengan algo que contar y siempre desde el positivismo para enamorar al público de Madrid. Río Babel es música y es Madrid y además este año Río Babel baila».

Germán apela también, como muestra de lo que ha cambiado la percepción de la gente sobre la música latina, a los 100 artistas más escuchados en Spotify a nivel mundial. En esa lista encontramos a J Balvin en el puesto 3, pero también a Ozuna, Farruko, Bad Bunny, Maluma, Luis Fonsi, Anuel AA y finalmente y como representación femenina, Shakira en el puesto 90 (Becky G está en el número 107). De hecho, se espera que Río Babel, que se celebra en IFEMA, duplique la asistencia del año pasado, y asegura que no solo por la concurrencia de Bad Bunny, que actúa el jueves: «Este año esperamos duplicar el público del año pasado, creemos que los tres días serán muy parejos en asistencia, si bien es verdad que 2019 es el año de Bad Bunny, la programación del sábado con Fatboy Slim, Bomba Estéreo (concierto único en Europa) y Fuel Fandango acompañados de El Mató a un Policía Motorizado, Trending Tropics, Cuarteto de Nos y Chef’Special no se queda nada atrás; el viernes con Love of Lesbian, Dorian, La Pegatina, Mon Laferte, Jorge Drexler, Muerdo y los Espíritus también sobran los motivos para asistir».

Años después de la polémica inclusión de Julieta Venegas en el cartel del FIB, que ya nadie parece recordar, parece que las cosas han cambiado definitivamente en el panorama nacional. Es seguro que habrá festivales que permanecerán ajenos a la música latina (como a la urbana) como forma de diferenciación, dada la animadversión que provocan algunos artistas entre el público más tradicionalmente apegado al indie, pero también lo es que cada vez nos sorprenderemos menos de ver algunos de estos nombres en letras grandes en eventos masivos. Recordando la que se lió cuando Bad Bunny se confirmó en Arenal Sound, ¿realmente ha tenido que llegar Coachella para explicárnoslo?

Lower Dens critica el consumo y el desencanto en su ochentero regreso, ‘The Competition’

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30 mayo, 2019

Lower Dens anuncia su regreso cuatro años después de ‘Escape From Evil’. Se trata de un disco llamado ‘The Competition’ que, a pesar de no lanzarse hasta el próximo 6 de septiembre, presenta ya su primer adelanto. El single se llama ‘Young Republicans’, tiene el mismo sonido ochentero de las canciones de Visage o Joe Crepúsculo y se define como “una crítica social al consumo actual”. El vídeo que se presenta hoy contiene reflexiones sobre América, algo de intriga y un final muy gráfico.

Con influencias declaradas como serpentwithfeet, Hand Habits, Travis Scott, Faten Kanaan y Elon Battle o 3LON, la nota de prensa define el largo ’The Competition’ como “un disco de pop emocional y cargado políticamente: desde el concepto semántico de la propia palabra “competición” – representada como la fuerza motriz del capitalismo moderno – el título que ha escogido Jana Hunter se refiere a un tipo de psicosis que acelera nuestras inseguridades y ansiedades hasta el punto de sobrecarga, cambiando incluso nuestra forma de ser”.

La artista indica que ese carácter competitivo influyó en su infancia y en el modo en que se moldeó su vida. Se anticipa que “cada canción está vinculada por un tema que las une a todas bajo un mismo concepto. Las letras son a la vez cómicas y viscerales, pero a veces jugando con un imaginario tremendo”. Este será el tracklist:

1. Galapagos
2. Hand Of God
3. Two Faced Love
4. Young Republicans
5. Real Thing
6. Buster Keaton
7. I Drive
8. Simple Life
9. Empire Sundown
10. Lucky People
11. In Your House

Escucha lo nuevo de Rosalía, Miley Cyrus, Chucho y Manolo Astrud, Richard Hawley, ionnalee, Bad Bunny…

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30 mayo, 2019

Es curioso: tras pasar un mes de mayo algo más aburridillo de lo normal para la música pop, parece que todo el mundo ha esperado a su último viernes (el del Primavera Sound, nada casualmente) para presentar sus nuevos singles. Rosalía estrenaba hace unas horas el anunciado ‘Aute Cuture’, al igual que Charli XCX lanza ‘Spicy’, una versión de ‘Wannabe’ de Spice Girls junto a Diplo y Herve Pagez. Y ya mismo se han sumado nuevos temas de Katy Perry, Cardi B (aunque es puro trap), Tove Lo, Mika y el anunciado disco (finalmente un EP) de Miley Cyrus. A lo loco.

Todas ellas ocupan desde este viernes nuestra playlist de novedades, Ready for the Weekend. En ella ya incluíamos ayer los singles de Sufjan Stevens, Sleater-Kinney, Hot Chip, Metronomy, Maria José Llergo y Monterrosa que habían sido noticia a lo largo de la semana. Junto a ellos, también se incluían ya nuevos temas de Bruce Springsteen, Camila Cabello con Mark Ronson, Lower Dens, Kate Tempest, Camellos, Poppy (otro arrebato metalero), The Voidz (el grupo de Julian Casablancas, producido esta vez por Mac DeMarco), Albert Hammond Jr. (ni que se hubieran puesto de acuerdo), Beak> (la banda paralela de Geoff Barrows de Portishead), Nasty Cherry (amadrinadas por Charli XCX) o North State. Además, desde esta mañana, se han sumado la esperada nueva versión de ‘Magic’ de Chucho con vo de Manolo Martínez de Astrud, Bad Bunny, !!!, Phantogram, The Chainsmokers & Bebe Rexha, Sofi Tukker & Bomba Estéreo, King Princess, Estopa, Aitana, Jenny and The Mexicats & Vetusta Morla, Paloma Mami, Ley DJ & Soledad Vélez, Kim Petras, Titus Andronicus, Freya Ridings, Cheryl (Cole), Reykon & Maluma, Rita Ora para Tïesto, Tory Lanez o Sasha Sloan.

En cuanto a álbumes, la semana viene más tranquila que de costumbre, pero hay cosillas: adelantándose por sorpresa una semana el nuevo trabajo de Richard Hawley y además del EP de Miley, desde hoy se pueden disfrutar los nuevos discos de ionnalee (iamamiwhoami), Skepta, INNA, ~~Bedouine~~ (se ha reubicado al 21 de junio), Sinkane, Denzel Curry, Juan Luis Guerra 4.40, la probable revelación Raveena, Kishi Bashi, Sinkane y un álbum completo de Tomasa del Real. Además, tenemos el anunciado nuevo maxi de Noel Gallagher’s High Flying Birds, un EP de remezclas de ‘Bombs Away’ de Charlotte Gainsbourg y otro de DEVA, con el que completa el proyecto ‘D.I.V.A.’. También Bill Callahan presenta la cara 2 de su nuevo álbum doble presentado poco a poco, con 5 nuevas canciones.

Charli XCX estrena ‘Spicy’, su versión caribeña de ‘Wannabe’ junto a Diplo

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30 mayo, 2019

Charli XCX ha querido celebrar el regreso de las Spice Girls a los escenarios con una versión de ‘Wannabe’, el mayor éxito de la girl band británica. Para tal menester ha llamado a sus colegas Diplo y Herve Pagez.

La canción es una bobada desde su mismo título hasta el hecho de que prescinde completamente de algunas de las partes más memorables de la composición original. De hecho, apenas se han mantenido las estrofas y la versión nueva tiene un ritmo caribeño y un estribillo instrumental en forma de “drop” que parece destruir literalmente el ‘Wannabe’ conocido por todos. En realidad, un vistazo a la portada del single, y a los visuales que se han realizado del tema para Spotify son suficientes para conformar que estamos ante una especie de canción-broma. El vídeo, estrenado minutos después, tiene como co-protagonistas a unos delfines humanoides que por momentos recuerdan a los clips del fenómeno Crazy Frog de los 00s. ¿Será un homenaje?

‘Spicy’ llega después que Charli apareciera, el pasado fin de semana, en el Big Weekend de BBC 1 para cantar ‘Wannabe’ junto a Miley Cyrus. Ambas actúan esta semana en el Primavera Sound de Barcelona. La autora de ‘Number 1 Angel’ ya había versionado el clásico de las Spice junto a Halsey en 2017. ‘Blame It on Your Love’, el reciente single de Charli con Lizzo, se publicaba hace unos días.

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🐬🐬🐬 “SPICY” WITH @DIPLO AND @HERVEPAGEZ DROPS TOMORROW ANGELS. 💜💘 PLUS THE VIDEO IS COMING TOO!!!! 🔥⚡ SPAM ME WITH DOLPHINS IF UR READY FOR AN ADVENTURE 🐬🐬🐬

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Quién es Hildur Guđnadóttir, autora de la banda sonora de ‘Chernobyl’

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30 mayo, 2019

‘Chernobyl’ es la serie más comentada del momento. Escrita por Craig Mazin y dirigida por Johan Renck, la serie cuenta entre sus actores principales a Emily Watson, Stellan Skarsgård o Jared Harrisnarra y narra la historia del primer gran accidente nuclear de la historia. Aunque existen documentales muy interesantes sobre este acontecimiento en Youtube, la serie está fascinando especialmente al público. Con un 9,7 sobre 10 de media en IMDb, ‘Chernobyl’ ya es la ficción mejor valorada de la historia en este portal por delante de series como ‘Breaking Bad’, ‘The Wire’ o ‘Los soprano’, y una de las razones de este éxito más comentadas en reseñas y en las redes sociales es su banda sonora.

La autora de la BSO de ‘Chernobyl’ es la cellista islandesa Hildur Guđnadóttir, una artista curtida en el ámbito de las bandas sonoras pues ya había firmado las de películas como ‘Joker’, o participado en las BSO de ‘Arrival’ o ‘Sicario’. Pero incluso antes de componer su primera banda sonora en 2011, llegando a firmar la música para ‘María Magdalena’ junto al también islandés Jóhann Jóhansson en 2018, Hildur era conocida por su trabajo en solitario en el campo de la música neoclásica. Había firmado álbumes como ‘Saman’ en 2014 o ‘Without Sinking’ en 2009, por ejemplo, siendo ‘Bær’ su composición más escuchada en Spotify con más de 3 millones de reproducciones. Curiosamente, Hildur también ha girado con Animal Collective y Sunn O))) o trabajado con The Knife, múm, Pan Sonic, Ben Frost o Hauschka.

Pero puede que su banda sonora para ‘Chernobyl’ sea la más ambiciosa hasta la fecha. Hildur ha contado que la compuso junto a Chris Watson y Sam Slater en la mismísima central nuclear de Ignalina, en Lituania, donde se ha rodado buena parte de la serie. Allí, los músicos se sumieron en un ejercicio de «escucha profunda» y grabaron todos los sonidos posibles para luego componer la banda sonora. «Hemos conseguido excavar en puertas las melodías más delicadas y sacar los ruidos más estruendosos de las salas de reactores y de las turbinas», ha escrito la compositora en Facebook. «Aparte de mi voz, cada uno de los sonidos que se escuchan en la música de la serie han sido creados a partir de la propia planta nuclear». Lógico que la serie sea tan inquietante, pues la música es auténticamente «nuclear»… De momento puede escucharse un tema en las plataformas de streaming, ‘Bridge of Death’.

El Hit: ‘El relámpago’ de Amaia anticipa algo grande, aunque ya esté fuera del top 100 español

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