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Bad Bunny / X 100PRE

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Aunque a algunos les cueste verlo, el nuevo “la música electrónica no es música” y “el rap no es cantar” es “el reggaeton es basura”. Permanecer ajeno a la realidad de la música popular es abiertamente reaccionario y categorizar que un estilo es enteramente despreciable partiendo de preconcepciones es claramente obtuso. Hasta aquí llega en esta crítica este debate, para mí cansino, y paso a juzgar lo que se escucha en ‘X 100PRE’, el primer disco de Bad Bunny –un éxito instantáneo, como cabía presumir–. Un formato que, a decir verdad, no parecía necesario para un tipo que se ha hecho global y ultraexitoso a base de singles y featurings. Así que, conseguido el estatus estelar, todo indica que pretende reivindicarse además como artista y ¿cantautor?

Porque, al contrario de lo que muchos piensen, ‘X 100PRE’ se aleja del típico disco de nuestra era construido en un campamento de composición y es –salvo contadas y puntuales excepciones– el propio Benito Antonio Martínez Ocasio el único y principal compositor del álbum, asistido en la mayor parte de él por las producciones del también exitoso Tainy (J Balvin, Daddy Yankee, Ozuna, ‘I Like It’). Así que, por delante incluso de ‘Vibras’ de J Balvin –que sí estaba abierto a más compositores–, ‘X 100PRE’ es un disco que podríamos etiquetar como “de autor”. Y no es el único tópico que derriba Bad Bunny: también hay un esmero manifiesto por mantener cierta corrección política en el trato a la mujer.

Aunque no faltan dañinas referencias a “putas y modelos” en el recuperado ‘Estamos bien’ y hay que reprobar la romantización de una posesión emocional establecida en ‘MIA’ –el primer top 1 de Drake en España, propiciado por el puertorriqueño–, entre el habitual farde de posesiones materiales, guiños al tráfico de estupefacientes y éxito profesional, se cuelan también cierta nostalgia del pasado, conciencia de clase y un sentido del humor digno de agradecer: aparte de la delirante imagen ofrecida en la colaboración con Diplo (“a 200 millas en un jetski / si tú quieres te lo meto aquí / debajo del sol”), ‘Tenemos que hablar’ perpetúa una sonrisa al relatar los reproches de su celosa pareja (al estilo del banger ‘No me acuerdo’ de Thalía). Pero, sobre todo, en general se percibe que Bad Bunny trata de mostrar algo de respeto por el género femenino en sus textos –no sabemos si en aras de un público mayor o por una verdadera concienciación–. Ahí queda la lectura de ‘Solo de mí’ como himno contra la violencia machista, poniendo su letra en boca de una mujer tanto en su parte melódica inicial como en esa segunda más agresiva. Estando de acuerdo en que debemos aspirar a extirpar del todo los mensajes de desprecio hacia la mujer, al menos es un punto de partida.

En lo estrictamente musical, ‘X 100PRE’ también sorprende. Y es que Bad Bunny apuesta por demostrar aquí que su flow y su capacidad vocal –en muchos momentos podemos decir que, a su manera, se emplea como cantante, sin borrachera de AutoTune– puede ser de lo más versátil. El primer trabajo del Conejo Malo pretende ser un abanico de estilos que le alejan de ser otro-tipo-más-haciendo-reggaeton –aunque no renuncia a él, siendo ‘Cuando perriabas’ la muestra más fiel–: además del acercamiento al trip-funk-pop de The Weeknd meets Daft Punk que es ‘Otra noche en Miami’, tenemos amagos acústicos (‘Ni bien ni mal’), trap (‘Ser bichote’, ‘¿Quién tu eres?’, ‘Caro’ –con esa insólita outro baladesca en la que cuenta con ¡Ricky Martin!–), interesantes baladas estilo Drake (‘Si estuviésemos juntos’, ‘Como antes’ –“nada de reggaeton, ponme otra canción”, dice en ella–), electro-hop con guitarras a lo Lil Peep (‘Tenemos que hablar’) y hasta experimentación. No puede calificarse de otra manera esa amalgama mutante de bachata, dembow y afrotrap llamada ‘La romana’, en la que, con el dominicano El Alfa como aliado, Bad Bunny se muestra de lo más audaz.

Pero, amén de esa presunta querencia arty con la que busca (y logra, en buen medida) epatar, caemos en la tentación de sobreanalizar ‘X 100PRE’ y no disfrutarlo como lo que es, en realidad: un disco de pop global rabiosamente contemporáneo, lleno de sonidos genuinamente surgidos de la calle que, aún abarcando muchos palos, no deja de ser disfrutable en casi todo momento –aunque en su final pierda fuelle, remonta al ubicar, hábilmente, sus singles en ese tramo–. Si has superado la (entendible, por otra parte: el suyo es uno de esos estilos a los que cuesta acostumbrarse) fobia al peculiar y discutible timbre vocal de Martínez Ocasio, son pocos los cortes en los que uno tiene la tentación de pulsar “saltar” en el reproductor. Al contrario, a lo que invitan es a bailar –a costa del sentido del ridículo de uno mismo, uno pasa la escucha creyendo tener swag– y/o a cantar en casi todo momento. Después de todo, no cabe duda de que ese es el fin último de Bad Bunny con este ‘X 100PRE’, y acierta de pleno.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Tenemos que hablar’, ‘Otra noche en Miami’, ‘Ni bien ni mal’, ‘Como antes’, ‘Caro’, ‘La romana’, ‘Solo de mí’
Te gustará si te gustan: J Balvin, The Weeknd, Travis Scott
Escúchalo: Spotify

Billie Eilish saca un canción inspirada en ‘Roma’ y Alfonso Cuarón la felicita

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Billie Eilish, una de las artistas revelación de los últimos meses tras el enorme éxito de canciones como ‘lovely’ con Khalid, ‘when the party’s over’ o su disco ‘don’t smile at me‘, da una enorme sorpresa hoy a sus seguidores. Cuando ‘Roma‘, una de las mejores películas de 2018, está en boca de todos tras su triunfo en los Globos de Oro, la cantante ha decidido sacarse de la manga una canción inspirada en la misma película. Se llama ‘When I Was Older’.

Si en la cinta uno de los personajes dice: «When I was older I used to be a sailor, but I drowned in a storm…» («cuando era mayor era marinero, pero me ahogué en una tormenta»), Eilish ha tomado esa idea para construir un leit motiv que sirve tanto de intro como de estribillo y de outro («When I was older / I was a sailor / On an open sea / But now I’m underwater / And my skin is paler / Than it should ever be»). Billie Eilish ha dado a esta sobrecogedora producción una sobria producción electrónica que conecta con la Björk de ‘Homogenic’, James Blake o el trabajo de Sigur Rós. La acompaña a los créditos, como es habitual, su hermano, el actor y músico Finneas O’Connell, quien por cierto ha aparecido en algún capítulo de ‘Modern Family’ como invitado.

‘When I Was Older’ no llega, por supuesto, a tiempo de formar parte de la banda sonora oficial de ‘Roma’, a la que se refiere estéticamente su portada. Sin embargo, el director de la película Alfonso Cuarón no ha tardado en darle su visto bueno y tan pronto como ya (como si realmente la hubiera autorizado) ha felicitado a Billie Eilish por su trabajo en Twitter: «Muchísimas gracias por tu canción, es emocionante y hermosa», ha indicado. Puedes recordar nuestra entrevista con Billie Eilish aquí.

Paco León, tenso con el juego del vaso de tubo y crítico con los gestores fiscales «creativos»

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Paco León, que recientemente ha protagonizado la notable ‘Arde Madrid’, ha sido uno de los invitados esta semana en La Resistencia, copando titulares por sus declaraciones sobre Hacienda. Como tantos otros personajes televisivos (cita expresamente a Maxim Huerta), reconoce haber creado en el pasado una Sociedad Limitada aun siendo autónomo para pagar menos impuestos. El actor y director, que pidió que alguien le quitara lo de «filántropo» de la Wikipedia, tuvo que pagar por ello «multones» con efecto retroactivo, perdiendo gran parte del dinero que ganó durante su época dorada económicamente, la de ‘Aida’. «Nadie puede hablar de esto porque queda muy mal», reconoce al tiempo que cuestiona la responsabilidad de los gestores, especialmente los «creativos».

Por lo demás, Paco León protagoniza una divertida entrevista que, no en vano, es lo más visto de Youtube España esta semana, acercándose al millón de visualizaciones. El actor bromea sobre por qué siempre sale en las listas de con qué famoso tomar una cerveza, junto «a gente extraña», pero «no tan extraña como Melody», y se muestra cómicamente tenso cuando David Broncano le menciona el juego de «meter la polla en un vaso de tubo» como según él hace Iniesta. Solo Dios sabe lo que le pasa por la cabeza en ese momento al director de ‘Kiki, el amor se hace‘.

Paco León recuerda los tiempos en que era un marginado de pequeño, cuando una compañera le dijo que le daba «asco»; y también se atreve a bromear sobre «ser secuestrado en México» y a criticar al ex ministro Wert. “A mí no se me ha olvidado (lo que los ministros se meten con los actores)”, bromea antes de llamar a Wert «fétido» y «jorobado de Notre Dame».

Halsey logra su primer top 1 sola en Estados Unidos y lanza remix con Juice WRLD de ‘Without Me’

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‘Without Me’ de Halsey es el nuevo número 1 del Billboard Hot 100, lo cual no es una sorpresa, pues hemos sido testigos de su éxito paulatino y ya advertimos que incluso podría ser el mayor hit de su carrera. La noticia viene acompañada, eso sí, de la curiosidad de que este es el primer número 1 en solitario para Halsey en su propio país, pues hasta ahora la cantante solo había sido capaz de llegar a la cima como consorte de The Chainsmokers en ‘Closer’.

‘Without Me’ ha sido esta semana número 2 en ventas digitales tras haber sido el número 1 durante varias semanas, número 3 en radio (donde aún no ha tocado techo) y número 4 en las listas de streaming, donde sube desde el puesto 12. La canción deja muy atrás el top 60 logrado por ‘New Americana’, el top 17 de ‘Now or Never’, el top 5 de ‘Bad at Love’… y curiosamente también el top 3 que consiguió ‘Cry Me A River’ de Justin Timberlake, que aparece reinventada en esta nueva producción. Curiosamente, cuando menos lo necesita, sale un remix de ‘Without Me’ que incluye nuevos versos a cargo de Juice WRLD, como podéis escuchar bajo estas líneas.

Acaba así el reinado de 7 semanas en la cima de ‘thank u, next’ de Ariana Grande, y hay que decir que, como podéis ver ahora mismo en el Stories de esta, Ariana ha felicitado a Halsey. En su comentario en Instagram, ha brindado por un 2019 «con chicas en la cima».


Snow Patrol: «Nos costó 10 años dar con un hit, caímos en todas las trampas posibles»

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2018 ha sido el año en que Snow Patrol, el grupo norirlandés que triunfó a lo grande a mediados de la pasada década con ‘Chasing Cars’, gracias en parte a su aparición en la serie ‘Anatomía de Grey’, ha vuelto a la música para publicar un nuevo disco, ‘Wildness’, 7 años después del anterior. ‘Don’t Give In’, ‘Life on Earth’ y ‘What If This Is All The Love You Ever Get?’ son algunos de los singles que ha producido este álbum que Gary Lightbody y compañía presentarán en febrero en España, concretamente el día 13 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 14 de febrero en La Riviera de Madrid. JENESAISPOP ha tenido el placer de charlar con Lightbody sobre su regreso a los escenarios, los demonios que ha vencido en todo este tiempo, su “valiente” nuevo álbum, su trabajo con Ed Sheeran y Taylor Swift o sobre por qué no es fan de los críticos.

En febrero tocáis en España. ¿Cómo va la gira de momento?
Va muy bien. Es emocionante estar de vuelta en la carretera. Lo echaba de menos, aunque no me había dado cuenta, ya que me había acostumbrado a vivir una vida más estable. Por suerte, esta vez la gira está siendo más amable que la anterior, ya que dejé de beber hace un tiempo. La última gira fue más dura porque todavía bebía y las resacas eran diarias. Esta vez está siendo mucho más fácil.

«Antes solía hablar de mis relaciones, pero no he tenido una relación en 10 años, así que habría sido engañoso por mi parte seguir hablando de lo mismo»

Has hablado de tu depresión y de tu problema con el alcohol y de hecho tratas estos temas en algunas canciones de ‘Wildness’. Aunque las letras no son realmente muy explícitas… ¿Buscabas cierto misterio o ambigüedad?
No creo que canciones como ‘Don’t Give In’ sean demasiado ambiguas, de hecho todas las canciones del disco son bastante evidentes en cuanto a su temática. No pienso que para expresar tus sentimientos en las canciones tengas que hacer letras superficiales o aburridas. Las letras están bien escritas y aunque puede haber en ellas cierta ambigüedad, desde luego creo que no me he protegido de nada. En las letras hablo de cosas de las que jamás he hablado. Antes solía hablar de mis relaciones, pero no he tenido una relación en 10 años, así que habría sido engañoso por mi parte seguir hablando de lo mismo. Sin embargo, no creo que el disco sea demasiado depresivo, creo que en él hay mucha alegría, esperanza y un sentimiento de que las cosas se van a resolver.

De hecho, una de las canciones más alegres del disco es ‘A Youth Written in Fire’, que habla sobre darte cuenta de que ya no eres tan joven. ¿En que modo creéis que vuestra música ha madurado con vosotros?
Si escuchas una sola canción de los siete discos que hemos publicado, se nota un progreso enorme entre cada uno de ellos. Musicalmente, cada uno es muy diferente al anterior. Con este hemos tomado decisiones más valientes. Antes habríamos añadido cuerdas o guitarras para rellenar, pero esta vez hemos querido limitarnos a un único instrumento, como la guitarra acústica. Hemos querido hacer un disco de rock que no dependiera de los típicos trucos del rock, hacer un disco moderno sin evitar las cosas que hacen grande al rock. En el disco, los instrumentos principales están tocados por seres humanos. No quiero decir que la música que no es tocada por humanos no esté bien, de hecho es una buena parte de lo que escucho, pero en el álbum queríamos mantenernos fieles a nuestro pasado indie y mezclar eso con cosas modernas.

Hablas de que habéis querido reducir la instrumentación de las canciones y en Spotify pueden escucharse varias de ellas en formato acústico. ¿Estáis especialmente orgullosos de las melodías que habéis compuesto para este disco y queríais realzarlas con estas versiones alternativas?
Estamos muy orgullosos de las canciones. De hecho, de las canciones del disco, hemos grabado muchas más versiones acústicas de las que han salido, y también hemos grabado versiones alternativas de estas mismas canciones y de otras antiguas. Vamos por nuestro 25º aniversario como banda y queremos celebrarlo, de hecho vamos a publicar un disco con estas nuevas versiones.

«Ed Sheeran es un compositor extraordinario, muy instintivo; yo soy lo contrario, mi instinto no ha hecho más que empeorar en todo este tiempo»

¿Con las versiones acústicas?
Algunos lo serán, otras serán lo que queremos. Algunos temas nos han salido muy raros y electrónicos. Más que un disco acústico será un disco de versiones alternativas. En 2009 hicimos una gira parecida en la que reinterpretábamos algunas de nuestras canciones. Ahora vamos a hacer eso mismo pero en disco. Queremos recuperar el tiempo perdido [ríe].

Bueno, no es que hayáis estado parados en todo este tiempo, cada uno de vosotros se ha ocupado de sus proyectos particulares. Por ejemplo, Johnny McDaid tiene una editorial y ha compuesto para otros artistas, como Ed Sheeran y P!nk, tú has colaborado con Sheeran y Taylor Swift… ¿Qué crees que ha aportado a ‘Wildness’ este trabajo externo de componer para otros artistas?
Ed es un compositor extraordinario, muy instintivo, no tiene ningún miedo, y yo soy lo opuesto a él, mi instinto no ha hecho que empeorar en todo este tiempo. A Ed nada le para para escribir una letra, una melodía. De él hemos aprendido que nos tenemos que mover más por el instinto. A veces ayuda simplemente hacer las cosas para saber si funcionan.

Has dicho que sufriste “writer’s block”, y que ‘Jesus Alone’ de Nick Cave te ayudó a desbloquearlo. ¿Qué tiene esta canción que ha sido tan importante para ti durante la creación del disco?
En el estudio, durante la composición del álbum, escuchamos mucha música. Recuerdo que me costó escribir la letra de una canción y me puse ‘Jesus Alone’ para inspirarme. Va sobre la pérdida de su hijo y es extraordinaria, valiente, hermosa, intensa. Es una de las canciones más bonitas que jamás haya escuchado. Le pedía a nuestro productor, Jacknife Lee, que la pusiera una y otra vez. Después de escucharla, de no haber escrito nada en todo el día, compuse una canción en 25 minutos. Ese es el poder de la música. La música de otras personas puede cambiar algo en ti.

«Taylor Swift posee un tipo de “confianza americana” y sabe lo que quiere, pero en Irlanda del Norte, en cuanto muestras un poco de confianza te mandan callar»

Hablando de Taylor Swift, colaboraste con ella en ‘The Last Time’, de su disco ‘Red’. Debe haber sido alucinante ver la evolución de su fama. ¿Qué recuerdas de componer con ella?
Recuerdo que escribimos la canción y terminamos de grabarla en el mismo día. Ella se parece a Ed Sheeran en que se deja llevar por su instinto, sabe lo que quiere, sabe exactamente el tipo de canción que quiere hacer en cada momento. Muchos compositores jóvenes como ella tienen esa confianza, que yo nunca tuve de joven, ya que al crecer en Irlanda del Norte, en cuanto muestras un poco de confianza te mandan a callar. Taylor posee un tipo de “confianza americana”, si se puede usar este término, que de hecho tienen muchos jóvenes americanos como ella. Supongo que tiene que ver con las redes sociales, el modo en que todo el mundo puede ver todo lo que estás haciendo en todo momento, por lo que es fácil creer que perteneces a un lugar al que realmente no perteneces. Creo que la confianza de mucha gente está fuera de lugar, pero no la de Ed y Taylor, ambos están donde tienen que estar ya que son dos personas con un talento extraordinario.

«Muchos músicos jóvenes dan por sentado que el éxito llega fácil: a nosotros nos costó 10 años dar con un hit»

¿Puede que esa confianza de la que hablas sea en realidad arrogancia en algunos casos? Algunos artistas hablan de su música como si fuera una cosa súper intelectual, y luego escuchas sus canciones y no cuadra nada…
Cuando eres una gran estrella es fácil dejarte llevar en cierto modo por la arrogancia porque todo el mundo a tu alrededor te está diciendo lo increíble que eres. Creo que el problema es no haber hecho nada y que hables así, lo percibo mucho entre los músicos jóvenes. Muchos de ellos dan por sentado que el éxito llegará fácil. A nosotros nos costó 10 años dar con un hit. Caímos en todas las trampas posibles en las que podíamos caer como banda. Nos lo curramos y creo que muchas bandas actuales esperan que sea fácil. Por supuesto no desearía a ningún grupo estar 10 años tocando sin éxito, pero creo que unos pocos años de dificultades son necesarios, porque, como dices, esa confianza que crees tener puede ser en realidad arrogancia.

«No leo las críticas para nada, si las buscas estás buscando validación en el sitio equivocado»

A la mayor banda que hay ahora mismo en España, Vetusta Morla, le pasó un poco lo mismo que a vosotros, se pasó 10 años tocando hasta que consiguieron publicar su disco y fue un éxito.
Nuestras almas están conectadas [ríe].

Algunas críticas del disco han sido buenas y otras malas. ¿Os interesan las críticas? ¿Os afectan?
No leo las críticas para nada, sé que el disco ha generado algunas críticas muy buenas, y es natural que reciba malas críticas también, pero paso de todas ellas. Creo que si buscas reseñas estás buscando validación en el sitio equivocado. Si tú crees en tu disco eso es todo lo que importa.

¿No crees en el trabajo de los críticos?
No es que no crea en su trabajo, seguro que muchos tienen o creen tener buenos argumentos, pero no los leo, no son para mí, algunos de ellos normalmente buscan que un disco venda o al contrario, que no venda.

«‘Chasing Cars’ será la canción por la que seamos recordados, pero a mí no me define. He escrito canciones mejores»

Han pasado muchos años de ‘Chasing Cars’. ¿Diríais que os ha resuelto la vida? ¿Os da rabia que su éxito haya opacado otros de vuestros lanzamientos?
La canción más famosa de una banda es su mayor reclamo, la canción por la que se te conoce y la que más gente ha atraído a la banda. En este caso, ‘Chasing Cars’ seguramente será la canción por la que seamos recordados, pero a mí no me define. He escrito canciones mejores.

¿Cual dirías que es tu mejor canción?
‘Life on Earth’.

Habéis dicho que ‘Life on Earth’ provoca reacciones muy fuertes en la gente, y que por eso es probablemente vuestra mejor canción.
Esta canción y buena parte del disco provocan esas reacciones. En cuanto a los sentimientos que genera en el público, hace mucho tiempo que no recibo cartas de los fans sobre el disco, en las que me cuentan lo que significa para ellos. No es que escriban por Twitter o Instagram: hay personas que se toman la molestia de escribir una carta y mandarla a correos. Me hace feliz que estas canciones estén emocionando a la gente.

¿Es enero un mes aburrido? 10 discos históricos que demuestran que no necesariamente

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Enero no es un mes demasiado suculento en cuanto a grandes lanzamientos discográficos. Los álbumes que aspiran a vender millones o ahora cientos de miles de copias se han editado unas semanas antes para aprovechar el tirón de la Navidad o se reservan ya para primavera. Y aquellos que buscan más bien llegar a las listas con lo mejor del año para la crítica corren el riesgo de ser olvidados con el paso de los meses. Este mes sacan disco artistas como Deerhunter o aparentemente James Blake, entre otros, más aquellos que decidan sorprendernos. Podría ser un mes animado o aburrido. A la espera de averiguar qué nos depara este enero de 2019, recordamos 10 álbumes históricos que, por una u otra razón, decidieron editarse en un mes tan arriesgado como el nuestro.

David Bowie / Low

No encontrarás discos de los Beatles, Michael Jackson, Nirvana o Fleetwood Mac editados en enero (aunque ojo, ‘Rumours’ por los pelos). Si un artista de primera fila históricamente ha disfrutado de sacar cosas en este mes es David Bowie, que hoy habría cumplido 72 años. Al artista le encantaba sacar temas o álbumes con motivo de su cumpleaños y eso fue lo que pasó con su single de regreso en 2013, ‘Where Are We Now’, o con el que sería su último largo, ‘Blackstar‘. Pero hubo otros grandes lanzamientos en enero para Bowie, siendo el más sonado ‘Low’ (1977), primera parte de su trilogía sobre Berlín y para nuestra redacción el 3º mejor largo de toda su carrera gracias a su fascinante y experimental cara B. También ‘Station to Station’, un año antes, en 1976, había salido en enero; mientras ‘Heroes’, la segunda parte de la trilogía berlinesa, saldría bien entrado 1977.

Adele / 21

Si miráis la lista de discos más vendidos de la historia, encontraréis poquísimos editados en enero, por las razones expuestas anteriormete. Entre las excepciones, el disco de estudio más vendido de nuestro siglo, por encima de los 30 millones de unidades, salía exactamente el 24 de enero de 2011. Habría sido lo fácil para XL sacarlo para Navidad, como luego haría este sello con ’25’, pero en aquellos tiempos Adele estaba teniendo serias dificultades para colar en las radios internacionales ‘Rolling in the Deep’ y se decidió trabajar el disco a medio plazo y con calma durante el curso 2011 en lugar de precipitar la promo en 2010. Todo salió a pedir de boca: ‘Rolling in the Deep’ fue un gigantesco sleeper, ‘Someone Like You’ despuntó aún más al promocionarse en los Brits de febrero, ‘Set Fire to the Rain’ llegó a ser top 1 en Estados Unidos… y el resto es historia.

Lana del Rey / Born to Die

Algo parecidillo sucedería el año siguiente con ‘Born to Die’, el que podemos considerar el gran debut de Lana del Rey. Se había hablado de la cantante largo y tendido a lo largo de 2011, a este año pertenecían sus singles principales -el corte titular y el viejo ‘Video Games’-, pero de nuevo, Lana no era lo suficientemente gigante como para que Universal trabajara el álbum deprisa y corriendo en el periodo pre-navideño, y decidió hacerlo más bien desde el 27 de enero de 2012. A pesar de la accidentada promo inicial, Saturday Night Live y malas críticas incluidas, se vendieron 7 millones de unidades contando con la reedición y es un álbum recurrente en las listas de éxito aún a día de hoy. De hecho, ahora mismo es top 176 en el Billboard 200: es su 315ª semana en lista.

Lou Reed / New York

Enero es un gran mes para plantear el renacimiento de un viejo conocido, pues casi no tienes competencia mediática. Parece la estrategia que se decidió seguir cuando Lou Reed volvió el 10 de enero de 1989 con ‘New York’. El artista había grabado el álbum entre mayo y octubre del año anterior, pero probablemente Sire Records no le vio muchas posibilidades de competir en las listas navideñas de aquel año, por lo que decidió esperar. Como resultado, fue el primer disco de oro de Lou Reed tanto en Reino Unido como en Estados Unidos desde su obra maestra ‘Transformer’ (1972). ‘Berlin’ (1973) había logrado un disco de plata pero después… la nada. ‘Dirty Blvd.’ y ‘Romeo Had Juliette’ permanecen entre sus pistas más recordadas. Por cierto, el segundo de la Velvet también había salido en enero, aunque teniendo en cuenta la escasa repercusión comercial que había tenido el primero, con Nico fuera del grupo y John Cale a punto de irse, aquello pareció más bien un accidente que una estrategia.

Bob Dylan / Blood on the Tracks

Totalmente ajeno a las estrategias comerciales, Bob Dylan ha publicado algunos de sus muchísimos álbumes durante el primer mes del año. Fue el caso de ‘Times They Are A Changin» en 1964 o de ‘Blood on the Tracks’ en 1975, que llegó a ser top 16 de la lista de mejores discos de la historia que la revista americana Rolling Stone hizo en 2003. Este disco contuvo maravillas como los trotones 9 minutos de ‘Lily, Rosemary and the Jack of Hearts’ o la que sigue siendo una de las canciones más populares de Bob Dylan, ‘Shelter from the Storm’. Dylan regrabó parte del álbum en diciembre de 1974 y el 20 de enero del año siguiente ya estaba en las tiendas, cerrándose con la preciosa ‘Buckets of Rain’.

Primal Scream / XTRMNTR

Los friquis de las listas de lo mejor del año recordaréis que ‘Swastika Eyes’ no es una de las mejores canciones de los ’00… porque se editó a finales de 1999. El álbum que reinventó una vez más el sonido de Primal Scream como previamente había hecho su disco ‘Screamadelica’ se editó en cambio el 31 de enero del año 2000. Probablemente en aquel caso su sello estaba tan seguro de lo bueno que era el álbum que no temiera que los críticos se olvidaran de él en 12 meses. Y no sucedió: tanto para Uncut como para NME fue el 2º mejor largo del año y para Rockdelux, el 3º internacional. De hecho, a finales de la década, prácticamente ningún medio se había olvidado todavía de él.

The xx / I See You

Algo parecido intentaron recientemente The xx con su tercer álbum, también más electrónico, en su caso más influido por el trabajo de Jamie xx en solitario. Aunque la promoción en este caso no fue la óptima, con esos vídeos de bajo presupuesto editados mal y tarde, y el grupo como acomodado en una segunda línea de la industria, evitando en cierta medida la fama y la popularidad en probable relación a su timidez y al celo de su intimidad; algunos sostenemos que ‘I See You’ compite dignamente por ser el mejor disco de The xx con el primero. Salió un 13 de enero (el de 2017) y ya querríamos una sorpresa tan grata como esta para este mismo viernes…

Britney Spears / … Baby One More Time

Otra de las excepciones editadas en enero que encontramos entre los discos más vendidos de la historia es el debut de Britney Spears, que esta semana cumplirá 20 años (celebramos el vigésimo aniversario de su sencillo principal aquí). Por aquellos entonces ni su sello probablemente sabía el tipo de monstruo que tenía bajo la manga: la canción no sería top 1 en el Billboard Hot 100 hasta bien entrado 1999, retrasando el segundo single ‘Sometimes’ hasta el último día de abril. El año pasado sucedía algo parecido en cuanto a fechas con ‘Havana’ y el primer disco de Camila Cabello, aunque salvando las distancias. El fenómeno «Camila» no ha sido tan multitudinario aunque tampoco es que haya salido nada, nada mal.

New Order / Technique

Cuesta recordar que un disco tan veraniego y asociado al sonido balearic como ‘Technique’, considerada la obra maestra de New Order, se lanzara en enero, pero así fue. Este mes celebraremos su 30º aniversario, pues tras haberse adelantado con ‘Fine Time’ en noviembre de 1988, se lanzó a lo grande el 30 de enero de 1989. Sin contener ninguno de los sencillos más conocidos de la carrera de New Order, se convirtió en toda una referencia en el pop electrónico internacional, de Cut Copy a Friendly Fires pasando por Delorean.

Animal Collective / Merriweather Post Pavillion

Cerramos con el que ha terminado siendo el gran clásico de una de las mejores bandas del siglo XXI, Animal Collective. Acabamos de celebrar el 10º aniversario de ‘Merriweather Post Pavillion’ incorporando declaraciones exclusivas de Panda Bear sobre su alcance y hoy desvelamos otras más. Cuando le preguntamos al artista hace unas semanas por qué tantos discos de Animal Collective y Panda Bear habían salido en enero, aún asociables a la Navidad por sus sencillos de adelanto, respondía: «Es cosa del sello. Mi nuevo disco estaba preparado para septiembre, lo terminé a finales de junio, pero el sello quiso retrasarlo, con lo cual tampoco tuve ningún problema. Nuestros discos tienden a lanzarse en enero, pero no sé por qué es. Como el lanzamiento de ‘Merriweather Post Pavillion’ se hizo en enero y salió muy bien, el sello ha vuelto a intentar repetirlo después».

cupcakke manda un mensaje tranquilizador tras dejar una nota de suicidio

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Cupcakke, autora de uno de los mejores discos de 2018, ‘Ephorize‘, ha sido trasladada a un hospital este martes después de haber dejado una nota de suicidio en las redes sociales, tan explícita como «estoy a punto de suicidarme». La dejaba en Twitter y luego en Instagram añadiendo: «gracias por todo lo que habéis hecho por mí, de verdad que es muy importante para mí».

El cómico Elijah Daniel, amigo de cupcakke, ha confirmado que la artista, cuyo verdadero nombre es Elizabeth Harris, era hospitalizada en Chicago. «Nunca me he sentido tan triste y aliviado al mismo tiempo. cupcakke, te quiero mucho más de lo que jamás adivinarás. Eres una de las almas más dulces que he tenido el placer de conocer, y no vas a dejarnos. No dejaremos que eso pase». Finalmente, unas horas después, cupcakke ha enviado un mensaje tranquilizador a sus seguidores: «He estado luchando contra la depresión durante mucho tiempo. Siento haberlo hecho público anoche, pero estoy bien. Fui al hospital y finalmente estoy recibiendo la ayuda que necesito para salir adelante, ser feliz y sacar buena música. Gracias por vuestras oraciones, pero no os preocupéis por mí». También ha eliminado los mensajes en los que indicaba que iba a suicidarse.

Además de ‘Ephorize’, cupcakke tuvo tiempo de publicar otro disco el año pasado: en noviembre editaba ‘Eden’, conteniendo temas como ‘Petsmart’ o ‘Garfield’. cupcakke ha sido además una gran luchadora de los derechos LGTB+, como han mostrado temas como ‘Crayons‘, justo estos días de primer aniversario como todo ‘Ephorize’. Os recordamos que en España el teléfono de prevención del suicidio, conocido como «el teléfono de la esperanza», es el 717 003 717.

Kate Bush aclara, 3 años después, que no es fan ni de Theresa May ni de los “tories”

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Kate Bush no ha generado demasiadas noticias en los últimos tiempos, pero las pocas que ha generado han dado que hablar. En 2014 anunció sus primeros conciertos en 35 años, agrupados en la residencia ‘Before the Dawn’ que pudo verse exclusivamente en el Hammersmith Apollo de Londres, y en 2016 realizó unas polémicas declaraciones a una revista canadiense sobre la Primera Ministra Theresa May. En concreto dijo que era “maravillosa” y “lo mejor” que le había pasado a Reino Unido “en mucho tiempo”, apuntando que le parecía “genial tener a una mujer al cargo de nuestro país”.

Las declaraciones de Bush sobre Theresa May llevaron a mucha gente a pensar que era una “tory” (seguidora del Partido Conservador) y la autora de ‘Wuthering Heights’ ha querido aclarar, en vistas de que estas palabras están volviendo a circular por internet, que no lo es y que sus palabras fueron “sacadas de contexto”. En un comunicado publicado en su página web, Bush lamenta que estas declaraciones ofuscaran la publicación de su disco en directo ‘Before the Dawn’, lo cual asegura fue “enormemente frustrante”, y recuerda que en un primer momento, sus amigos cercanos y ella decidieron no contestar a la polémica para no seguir echando leña al fuego.

La artista explica: “A lo largo de los años he evitado realizar declaraciones sobre política en las entrevistas. La intención de mi respuesta a este periodista no era política sino en defensa de las mujeres en el poder. En aquel momento sentí que hablaba de manera muy negativa sobre las mujeres poderosas, refiriéndose a Hilary Clinton y a una caza de brujas. En respuesta a eso dije que en Reino Unido tenemos una mujer al cargo de nuestro país, y que eso me parecía algo bueno. Debí ser más clara cuando dije que [Theresa May] era lo mejor que nos había pasado en mucho tiempo, porque en ese momento estaba muy disgustada con el comportamiento del anterior Primer Ministro [David Cameron], quien en aquel momento sentía que nos había abandonado. De nuevo, sin respuesta por mi parte a esta polémica pareciera que soy una seguidora de los “tories” y quiero aclarar que no lo soy”.

Os dejamos con uno de los singles más recientes de Bush, ‘Lake Tahoe’, incluido en el que hasta ahora es su último álbum de estudio, ‘50 Words for Snow‘.

Sharon van Etten recorre sus lugares favoritos de Nueva York en el vídeo de ‘Seventeen’

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Sharon van Etten es una de las artistas recientemente anunciadas en el cartel de Vida Festival, que se celebra el próximo verano en Vilanova i la Geltrú. La artista de Nueva Jersey presentará su nuevo álbum, ‘Remind Me Tomorrow’, que publica el sello Jagjaguwar el próximo 18 de enero (no tantos discos salen en este mes supuestamente aburrido), cinco años después de ‘Are We There‘.

Tras los singles ‘Comeback Kid’ y ‘Jupiter 4’, Van Etten muestra ahora otro adelanto de su nuevo disco, un ‘Seventeen’ en el que se nota especialmente la mano del productor John Congleton sobre todo al final, cuando irrumpen unas guitarras sordas, y que por su estilo de medio tiempo “middle of the road” puede recordar un poco al trabajo de sus contemporáneos The War on Drugs.

El vídeo de ‘Seventeen’ es una “carta de amor” de Van Etten a Nueva York, casa de la artista desde hace 15 años, tal y como explica su director Maureen Towey. “Sharon nos enseñó sus antiguos rincones, esos lugares que la convirtieron en la músico que es hoy”. Pero el vídeo también es un recuerdo a la adolescencia de la artista, solapando en un mismo plano pasado y futuro, creando un efecto evocador.

St. Vincent, una verdadera “chica moderna”, produce lo nuevo de Sleater-Kinney

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St. Vincent ha sorprendido en las redes sociales anunciando su nuevo proyecto, del que ella no será la protagonista. En concreto, la autora de ‘Masseduction‘ ha desvelado que se encuentra produciendo el nuevo material de Sleater-Kinney, que en 2015 -más de 20 años después de su formación- publicaron ‘No Cities to Love‘, uno de los mejores álbumes de aquel año.

Formada en la actualidad por Corin Tucker, Carrie Brownstein y Janet Weiss, Sleater-Kinney es una las bandas más queridas del rock alternativo americano asociadas al movimiento “riot grrrl”, y lo es tanto por sus discos de los 90 (‘Dig Me Out’, ‘Call the Doctor’) como por los que publicó durante la pasada década (‘One Beat’, ‘The Woods’) o el mencionado ‘No Cities to Love’, además de por canciones como ‘Modern Girl’ o la titular ‘Dig Me Out’.

Es un misterio qué puede salir de esto, pues aunque Annie Clark figura como co-productora de todos sus discos, en la mayoría de los casos sus obras han solido estar producidas por otras personas, en los casos de ‘Actor‘, ‘Strange Mercy‘ y ‘St. Vincent‘ por John Congleton y en el caso de ‘Masseduction’ por Jack Antonoff.

Abierto el proceso de inscripción de los Premios MIN 2019

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El 13 de marzo vuelven los Premios MIN, que condecoran la mejor música independiente con factura española del año y en ediciones pasadas han galardonado los trabajos de Maria Arnal i Marcel Bagés, Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Belako. La undécima edición de los premios, en la que JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador, se celebrará en el Teatro Circo Price de Madrid, que el año pasado acogió una décima edición realmente divertida y entretenida gracias a la presencia de la presentadora Marta Flich.

El proceso de inscripción para los Premios MIN 2019 está abierto desde hoy 8 de enero hasta el 18 de enero, y a este pueden registrarse profesionales y artistas con grabaciones (álbumes, EPs o singles) autoeditadas o publicadas durante 2018 por sellos independientes. Discográficas, editoriales musicales, managers o el propio artista pueden subir sus candidaturas a la web de los premios.

Terminado el periodo de inscripción, en la segunda fase de selección de los Premios MIN se escogerán a los 30 semifinalistas de cada categoría, entre todos los artistas inscritos, por medio de votación a través de la la web. Más tarde, en la tercera fase, un jurado profesional escogerá a los nominados entre todos los semifinalistas, y finalmente en la cuarta se desvelarán los nombres de los ganadores en una gala que, como hemos dicho, tendrá lugar en el Teatro Price.

Estas con las 21 categorías que serán premiadas: “Mejor álbum, mejor canción, mejor artista, mejor artista emergente, mejor directo, mejor videoclip, mejor álbum de pop, mejor álbum de rock, mejor álbum de músicas del mundo, mejor álbum de jazz, mejor álbum de hip hop y músicas urbanas, mejor álbum de flamenco, mejor álbum de electrónica, mejor álbum de música clásica, mejor producción, mejor diseño gráfico, mejor álbum en catalán, mejor álbum en gallego, mejor álbum en euskera, mejor artista iberoamericano y el Premio de Honor Mario Pacheco”.

Nas te recuerda que sacó un disco en 2018 con el vídeo para la gráfica ‘Cops Shot the Kid’

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Nasir lanzó el 15 de junio ‘Nasir‘, uno de los varios discos de 7 canciones producidos por Kanye West que salieron el año pasado, junto a ‘ye‘ del propio Kanye, ‘DAYTONA‘ de Pusha T (uno de los mejores discos de 2018), ‘KIDS SEE GHOSTS‘, el proyecto conjunto de Kanye y Kid Cudi, y ‘K.T.S.E.‘ de Teyana Taylor. Tras debutar en el número 5 del Billboard, el álbum cayó directo al 36 y actualmente se encuentra ausente de la lista, lo cual, junto a sus modestas cifras en streaming, confirma que ha pasado bastante desapercibido.

Una de las canciones de ‘Nasir’ que mejor ha funcionado en las plataformas es ‘Cops Shot the Kid’, cuyo gráfico título se repite durante la canción -de hecho está integrada en la base- a modo de disco rallado. Es una producción inequívoca de Kanye y el propio autor de ‘Monster’ aparece aquí para ofrecer un verso, aunque también dejando su impronta en los gritos desesperados que suenan a lo largo de la canción, y que remiten en concreto a su álbum de 2013 ‘Yeezus‘.

‘Cops Shot the Kid’ habla de detenciones absurdas a hombres negros en medio de la noche, de las “desventajas del hombre marrón” o de “madres que entierran a sus hijos”, y menciona a Emmett Till, un adolescente afroamericano de Mississippi que fue asesinado a los 14 años en 1955. Para ella, Nas acaba de publicar un vídeo casi igual de gráfico que su título, con la presencia de cadáveres y familias preocupadas delante del televisor.

Beethoven o el tecno “prehistórico”, protagonistas del ciclo de música clásica de Apolo

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Vuelve ‘What’s the Story Morning Glory’, el ciclo de música clásica de la Sala Apolo de Barcelona que busca acercar al público este arte musical “sin prejuicios ni condescendencias, recortando la solemnidad y aproximándola a la cultura del siglo XXI”. Pensado para personas de todas las edades, con o sin conocimiento previo de música clásica, el ciclo tendrá lugar en la conocida sala del 20 de enero al 10 de febrero.

Con la intención de mostrar que, a lo largo de la historia, la música clásica “ha dado rienda suelta a la improvisación y al divertimento”, el programa de ‘What’s the Story Morning Glory’ será tan variado como probablemente lo sea su público. La primera sesión, Gibbons Amateur, contará con la participación el 20 de enero del pianista Rubén Ramos Nogueira, que realizará una interpretación de la música del compositor renacentista Orlando Gibbons con la intención de reivindicar la “recuperación de la práctica musical de la música antigua por parte de un público amateur”. En siguiente, el 27 de enero será el turno de Trompeta Inmensa, programa dedicado íntegramente a composiciones realizadas para este instrumento entre los siglos XX y XXI por parte de músicos como P. Hindemith o N. Bolter.

Más tarde, el 3 de febrero tendrá lugar la sesión La consagración de los objetos, dedicado al tecno “prehistórico”, esto es, a esos ritmos bailables que nuestros ancestros extraían de instrumentos de percusión como tambores, bombos, piedras, trastos, baquetas o platillos, además del propio cuerpo. Finalmente, el ciclo llegará a su conclusión el 10 de febrero con el programa TraTrá (sí, es una referencia a Rosalía), dedicado a la persona cuya imagen ilustra este artículo, Ludwig van Beethoven, en concreto a algunas de sus “preciosas” composiciones para violonchelo y piano. Como el año pasado, antes y después de cada sesión de música clásica habrá desayuno (La previa) y “encuentro a pie de barra” (El after).

Fangoria publican este viernes ‘¿De qué me culpas?’, el primer avance de su nuevo disco

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Fangoria empiezan a desgranar los detalles de su próximo álbum. De momento han anunciado que el primer avance del mismo se titula ‘¿De qué me culpas?’ y llega en la medianoche de este viernes 11 de enero. Juan Gatti, más conocido como Gattimania, colaborador habitual de Fangoria, ha dirigido el videoclip, que se publicará simultáneamente a la canción.

Estas han sido las palabras exactas de Fangoria: “¿De qué me culpas? es el título del primer single y videoclip de nuestro próximo disco. Este viernes 11 de enero a partir de las 0:00 horas podréis ver el vídeo dirigido por @gattimania y escuchar la canción en todas las plataformas digitales”.

Además, Fangoria parecen desvelar en el hashtag empleado en su post el título de su próximo álbum, ‘Extrapolaciones y dos preguntas’. Este será en cualquier caso el decimotercer disco de Fangoria tras la publicación en 2015 del exitosoCanciones para robots románticos‘, al que siguió la reedición ‘Miscelánea de canciones para robótica avanzada‘ y el álbum en directo ‘Pianíssimo‘ en 2017.

Fangoria ya habían anunciado los dos primeros conciertos de presentación de este nuevo trabajo, que tendrán lugar en Barcelona y Madrid entre mediados y finales de abril.

Dolorosa / Un gran presentimiento

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Siendo consciente de que quizá no les haga gracia a los de Granada que suceda (o quizá sí), sigo pensando que Dolorosa guarda paralelismos con Amaral tan notables como seguro involuntarios. Y, por supuesto, es necesario contextualizar esa semejanza que traslucía sobre todo en su álbum debut de 2017, ‘Que el mañana sea bueno’: más allá de que se trate también en esencia de un dúo –el formado por Raúl Bernal y sus composiciones, a las que aporta una voz ya muy reconocible Natalia Muñoz, y al que se han sumado el conocido Antonio Lomas (Lori Meyers, Grupo de Expertos Solynieve) más Fran Ocete y Chesco Ruiz, a los que se unía a posteriori Carlos Marqués–, hay un poso clásicamente español en sus composiciones, como sucedía sobre todo en los inicios de Eva Amaral y Juan Aguirre. Un poso que, en realidad, cabe achacar a la reconocida herencia en ambos proyectos de aquella versión del beat sesentero que en nuestro país Los Brincos, Los Ángeles, Lone Star o Los Gritos filtraron con un tamiz de folclore patrio.

Es evidente que Bernal –un músico de largo recorrido al que le va tocando la recompensa del reconocimiento tras años como esforzado proletario de la música a la sombra de otros (Grupo de Expertos Solynieve, Loquillo) y con poca suerte para su aventura en solitario Jean Paul– bebe también de esas fuentes y que, como todos ellos, sobre todo persigue con ahínco la Gran Canción Pop. Por eso no es raro que esos referentes trasluzcan sobre todo en los giros melódicos de los fabulosos singles ‘Pasar la tarde’ y ‘Yo no tengo nada’, que abren su reciente segundo largo ‘Un gran presentimiento’ de forma impetuosa, y que también subyacen en otros numerazos de pop rock sin etiquetas como ‘El amor’, ’Biografías’ o ‘Que solo lo sepa yo’. La clase turista del álbum, como podríamos denominar a cortes como ‘Arder en leña ajena’ o la bonita declaración de amor duradero que cierra el álbum a fuego lento, no es tan lujosa, pero sí confortable e igualmente cálida.

En todas ellas Dolorosa concentran lo mejor de sí mismos: un gran poder de evocación emocional canalizado con melodías preciosas, arreglos cada vez más atinados y no necesariamente complacientes que miran al gran rock americano de épocas pretéritas –tanto que en ‘Cobertizo y faltriquera’ o ‘Cualquier día de estos’ evocan nítidamente a unos She & Him– y unas letras que, tras su apariencia sencilla, esconden un precioso y cuidado trabajo poético, amén de una manifiesta y sutil carga político-social. Y sí, en eso también podemos trazar un nuevo paralelismo con Amaral.

Pese al aire luminoso de sus melodías, Dolorosa plasman con claridad el desconsuelo propio de aquellos que pocos años atrás mantenían una esperanza de cambio que la realidad del “estado policial que nos gobierna” ha enfriado. Así lo etiquetan de manera manifiesta en una ‘Inglaterra’ que, entre ecos de Laurel Canyon, inflige una dolorosa punzada al recordar a todos los amigos que hemos perdido o de los que nos hemos distanciado cuando hemos o han tenido que abandonar sus familias y lugares de origen en busca de un futuro. Con todo, un rojo clavel lozano destaca entre la amargura que emana de esas flores marchitas en la portada de ‘Un gran presentimiento’: preservemos un halo de esperanza.

Aunque parezca que aún pueden crecer en este apartado, en este segundo largo Dolorosa suenan más convincentes y compactos que nunca antes. Quizá solo quepa echar en falta ese punto de proyección épica que facilita que los autores de ‘Nocturnal’ sean llenapabellones, si bien hay que reconocer que las características vocales de Natalia –cada vez más confiada, entonada y personal, con Bernal dando su contrapunto grave en un plano ya más secundario– no sean las más apropiadas para esos menesteres: digamos que ella es una France Gall siendo Eva una ¿Adele? Pero eso no debería ser óbice para que den una señal de alarma en el radar de ojeadores de los festivales nacionales que busquen refrescar su oferta con nuevos nombres –lo contrario sería raro e injusto–. Porque las numerosísimas canciones, certeras y de altas miras, contenidas de ‘Un gran presentimiento’ son capaces, a todas luces, de congregar muchedumbres coreando sus estribillos.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Yo no tengo nada’, ‘Pasar la tarde’, ‘El amor’, ‘Inglaterra’, ‘Biografías’
Te gustará si te gustan: Amaral, Lori Meyers, She & Him
Escúchalo: Spotify, Bandcamp

La Canción del Día: Chemical Brothers suman otro «loco» hit sampleando a El Coco

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Los Chemical Brothers sacarán un nuevo álbum en una fecha por determinar de esta primavera llamado ‘No Geography’. El dúo había compartido ya un tema llamado ‘Free Yourself‘ y en estos primeros días de enero editan otro bajo el nombre de ‘MAH’ (acrónimo de «mad as hell») que ya había dado bastante que hablar en webs, redes y blogs a raíz de alguna que otra presentación en directo. En los foros del grupo se había debatido mucho sobre él ya.

‘MAH’ es la típica canción de sonido Chemical Brothers -en este caso rememorando a ‘Block Rockin’ Beats’- en la que un solo par de frases valen para construir un hit. Esas dos frases son «I’m mad as hell» y «I ain’t gonna take it no more» y como muestran los créditos, están atribuidas a Laurin Rinder y W. Michael Lewis. Rinder & Lewis hicieron música disco en la segunda mitad de los años 70 publicando álbumes bajo el nombre de El Coco, entre ellos ‘I’m Mad As Hell’ de su disco ‘Cocomotion’, que no fue una de sus pistas más conocidas pero sí había sido ya reivindicada por ejemplo por 2 Many DJ’s.

Aquella canción de relajada música disco en la que apenas había contribución vocal se convierte aquí en un tema agresivo, precisamente bastante «loco», enriquecido además por un vídeo que, si bien no se extiende hasta los 5 minutos y medio como la canción que se ha subido a las plataformas de streaming, sí es un dechado de energía. Marcus Lyall ha dirigido este vídeo en directo grabado en el Alexandra Palace de Londres, con visuales de Adam Smith y Lyall, y presentando a un personaje descamisado y diabólico que no puede dar peor rollo arengando a las masas, que bailan como ajenas al mal que se les avecina. ¿Hay paralelismo con alguno de los desatados políticos que gobiernan el mundo en 2019 «locos como el demonio»?

Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»

Sorpasso: ese odioso remix ya no es la canción más exitosa de Lana del Rey

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Si me preguntaran cuál es la canción más icónica de Lana del Rey, respondería sin dudar que ‘Born to Die’, pero el público se ha ido decantando hacia otras, y no precisamente porque haya ido sacando temas de mayor éxito comercial, sino porque algunos otros de sus temas han ido siendo grandes «sleepers».

En 2013 cundía el desasosiego entre sus fans cuando un remix en clave de EDM de ‘Summertime Sadness’, otro de los singles contenidos en ‘Born to Die’, se convertía en el mayor hit de la historia de Lana del Rey, tanto en Reino Unido, donde ascendía al top 4, como en Estados Unidos, donde llegaba hasta el top 6. Parece muy difícil que Lana pueda superar eso teniendo en cuenta que sus últimos singles a duras penas se asoman por el top 100 en las listas de éxitos, pero al menos ahora puede decir que una de sus pistas la ha superado en número de reproducciones en Spotify.

Si el famoso remix del francés Cedric Gervais suma 323 millones de reproducciones, otra canción de Lana rebasa ya los 327 millones y además permanece en primera posición entre lo más escuchado de la artista en esta plataforma de streaming, distanciándose. ¿Se trata de ‘Born to Die’? No. Se trata de ‘Young and Beautiful’, un tema que fue un modesto top 22 y top 23 en UK y USA, pero que ha permanecido en la imaginería popular pese a no estar incluido en ningún álbum de Lana del Rey.

La canción, incluida en la banda sonora de ‘El gran Gatsby’, es uno de esos grandes sleepers de la artista y se consolida, a día de hoy, como su canción más conocida, inseparable de su estribillo «¿todavía me querrás cuando ya no sea guapa y joven?». Incluso en Youtube suma 343 millones de visualizaciones pese a su modestísimo vídeo, recortando distancias con el lujoso vídeo de ‘Born to Die’, que sí es su gran éxito en Youtube, con 392 millones. Bye, bye, Cedric!

Ozuna recuerda a… ¿Drake? en el primer viral de Youtube España en 2019

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Ozuna continúa en el top 3 de streaming álbumes en España con ‘Aura’, cuatro meses después de la edición de este. No contento con ello, el artista ha publicado un single más este 5 de enero, que no se apea de lo más visto de Youtube España desde hace días, donde media semana después de su estreno continúa apareciendo en el número 4.

Se trata de una contagiosa canción llamada ‘Baila baila baila’, cuyo vídeo acuático y en el que se ha rodeado de mujeres es de considerable factura, y cuya base nos resulta bastante familiar. El parecido con ‘One Dance’, uno de los grandes éxitos de dancehall de Drake, no ha pasado inadvertido para muchos usuarios de las redes sociales, si bien hay que recordar que esta canción a su vez prácticamente era una versión de otra canción.

El que ha terminado siendo el gran hit de Drake, con 1.600 millones de reproducciones solo en Spotify, se inspiraba claramente en el piano de ‘Do You Mind’ de Kyla, un tema de 2008 de escasa repercusión entonces (un top 48 en Reino Unido fue su mayor mérito). Drake, por tanto, no inventaba nada, pero es cierto que lo reconocía en unos créditos que incluían casi a una decena de personas, mientras Ozuna aparece como el único autor de ‘Baila baila baila’ junto a su colega Vicente Saavedra en los créditos de Spotify.

Por otro lado, hay que recordar que ahora es Drake quien se está entregando a la música latina. Estos días arrasa con ‘Mia’, su tema junto a Bad Bunny, que ha sido número 1 en España y disco de platino.

Sleaford Mods volverán a tratar «la cagada de esta civilización» en ‘Eton Alive’, su nuevo disco

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Sleaford Mods, la banda de punk moderno formada por el vocalista Jason Williamson y el multiinstrumentista Andrew Fearn, autora de ‘Key Markets‘, está de vuelta con un nuevo álbum sobre el que se conocen los detalles hoy. El álbum se llamará ‘Eton Alive’ y saldrá al mercado el 22 de febrero, conteniendo un tema que se editó el pasado otoño, ‘Flipside’, y otro que se estrena ahora llamado ‘Kebab Spider’. Será el primer disco editado en su propio sello recién estrenado, Extreme Eating, tras haber editado en Rough Trade ‘English Tapas’ hace un par de temporadas.

El disco de nuevo volverá a ser político, como queda claro en la nota de prensa reproducida por Paste Magazine, aludiendo a «las heces» y a «la mierda» de nuestra sociedad: «Aquí estamos nuevamente en medio de otro plan elitista siendo digeridos lentamente mientras esperamos ser convertidos en heces una vez más. Algunos están, otros están muertos y el resto de nosotros nos erosionamos en el vientre de la ideología prehistórica que, dependiendo de nuestras capacidades y disposición, nos asigna diferentes niveles de confort que van desde lo horrible hasta lo razonablemente aceptable, según nuestra contribución. Después de que el sistema digestivo de los nobles rechace nuestros huesos no comestibles (…) volvemos a caer en el inodoro, a merced de cualquier política que esté manteniendo el orden en la cagada de esta civilización».

Os dejamos con el tracklist del disco y los dos singles conocidos:
01. Into The Payzone
02. Kebab Spider
03. Policy Cream
04. OBCT
05. When You Come Up To Me
06. Top It Up
07. Flipside
08. Subtraction
09. Firewall
10. Big Burt
11. Discourse
12. Negative Script

La “chica Fiji” y otros memes hechos realidad en los Globos de Oro 2019

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‘Bohemian Rhapsody’, ‘Green Book’, ‘Roma’, ‘Americans’, ‘El método Kominsky’ y ‘American Horror Story: El asesinato de Gianni Versace’ fueron algunos de las películas y series premiadas en la 76ª edición de los Globos de Oro, celebrada en el día de Reyes en Beverly Hills.

En internet, como es costumbre cada año en cualquier gala de premios que se precie, las estrellas fueron los invitados y algunos de los divertidos momentos que protagonizaron. Algunos parecían memes con patas, 10 de los cuales recopilamos a continuación.

Emma Stone, arrepentida

La broma sobre la representación de personajes asiamericanos en Hollywood de Sandra Oh pilló de cerca a Emma Stone, quien recientemente ha interpretado a una chica con ascendencia china y hawaiana en ‘Aloha’ siendo más blanca que la leche. Y ahí estaba Stone para disculparse con Oh a grito pelado desde su mesa. “¡Lo siento!»

La chica Fiji

La gran protagonista de los Globos de Oro ha sido en realidad esta persona que servía botellas de agua en la alfombra roja, y que por alguna razón aparece en casi todas las fotos de famosos arruinándoles el momento. ¿Seguro que alguna no es un montaje?

Glenn Close

«Mujeres, tenemos que decir: puedo hacerlo y tengo derecho a hacerlo». Emocionada, Close dedicó su premio a su madre. Antes, su reacción al escuchar que era la ganadora del Globo a Mejor actriz de drama se hizo viral, pues era de absoluta incredulidad. Ganó contra Gaga, entre otras.

Christian Bale se lo debe a Satán

No lo ha imaginado El Mundo Today, realmente Christian Bale agradeció en su discurso a Satán por inspirarle en su interpretación de Dick Cheney en ‘Vice’. La Iglesia de Satán respondía enseguida, elogiando a Bale por su trabajo.

La amistad de Queen

Brian May y Roger Taylor acudieron a los Globos para apoyar las candidaturas de ‘Bohemian Rhapsody’. Claramente fue su noche.

Jim Carrey

Nominado por ‘Kidding’, Jim Carrey está protagonizando varios memes gracias a este momentillo durante la gala.

La capa de Billy Porter

En una gala marcada, un año más, por el movimiento #MeToo, casi todas las actrices e invitadas (incluida Taylor Swift) aparecieron en la alfombra roja o en el escenario vestidas de negro. Conocido por su papel en ‘Pose’, Billy Porter optó por la fantasía.

Nicole pasando total de Rami

Rami Malek se fue de los Globos de Oro con el premio a Mejor actor de drama y con el placer de haber conocido la espalda de Nicole Kidman.

Lady Gaga

La comparativa de Gaga ganando un Globo de Oro en 2016 y otro en 2019 era obligada. En el primer caso lo hizo por su actuación en ‘American Horror Story’, en el segundo por ‘Shallow’, la canción principal de ‘Ha nacido una estrella’. Sandra Oh también tuvo una broma para ella por su frase “pueden haber 100 personas en una habitación”.

John Krasinski hace de Meryl

El actor de ‘The Office’ y director de ‘Un lugar en silencio’ recreó -parece que sin querer- el conocido meme de Meryl Streep cuando ovacionó a su mujer, la actriz Emily Blunt, que presentaba un premio junto a Dick Van Dyke.

La canción del día: ‘Otra noche en Miami’ para Bad Bunny… sonando a The Weeknd

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Benito Antonio Martínez, Bad Bunny, es uno de los artistas más exitosos de los últimos dos-tres años. Su nuevo disco ha sido número uno directo en la lista de streaming española, logrado buenas críticas por parte de medios como The Guardian y Pitchfork y el portorriqueño tendrá el placer de presentarlo este verano en Coachella. En definitiva, Bad Bunny está en el mejor momento de una carrera que ha sido fulgurante en los últimos tiempos gracias al éxito de ‘Amorfoda’, ‘Soy peor’, ‘MIA’ con Drake o ‘Estamos bien’ o a sus varias y exitosísimas colaboraciones con Cardi B (‘I Like It’), Nio García y compañía (‘Te boté’ remix), Becky G (‘Mayores)’ o Cosculluela (‘Madura’).

Mientras parece que el próximo éxito de Bad Bunny será ‘Solo de mí’, otro tema un poco diferente a este despunta en su álbum y es ‘Otra noche en Miami’. Más cercano al synth-pop escuela ‘Drive’ explorado por The Weeknd en singles como ‘Starboy’ o ‘I Feel it Coming’, ‘Otra noche en Miami’ nos traslada directamente a un viaje en coche (parece que en un Mercedes o en un Maserati, aunque ni el mismo Bad Bunny se aclara) por la noche de una de las ciudades más pobladas de Florida… y de las más comentadas en el mundo del pop: ahí está el éxito de 1999 de Will Smith (quien ha colaborado con Bad Bunny) o las dos canciones llamadas exactamente ‘Miami’ que publicaron Kali Uchis y Nicki Minaj en 2018.

Producida por Tainy y La Paciencia, ‘Otra noche en Miami’ recorre efectivamente la noche de Miami, sus palmeras, sus rascacielos que iluminan toda la ciudad, sus playas… pero también es un viaje por la mente de Bad Bunny y su corazón roto. Y es que la que parece en principio una canción de Bad Bunny dedicada a sí mismo y a su éxito (“prendas en diamantes que cieguen cuando me alumbre, me diferencio de la muchedumbre”; “no voy a tiendas, pues yo soy dueño del mall”) se convierte pronto en una canción de desamor y arrepentimiento durante la cual el artista se da cuenta que “todo es superficial” y de que está cansado de que su “vida siga vacía”. Falta ella. “Ahora que soy rico, no tengo lo que tenía”, lamenta, “pues mi Rolex no brilla igual que tu sonrisa”.

5 hitos de ‘Merriweather Post Pavilion’ de Animal Collective en su 10º aniversario

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El 6 de enero de 2009 llegó a las tiendas (aunque meses atrás ya lo había hecho a internet) ‘Merriweather Post Pavilion‘, el octavo álbum de Animal Collective. Es uno de los discos más importantes que produjo la música alternativa durante los últimos años de la pasada década, tal que estos días está siendo protagonista de numerosas retrospectivas que analizan su sonido e influencia dentro del contexto en que salió, en la cumbre de los blogs y en una época previa al despunte y posterior consolidación del streaming.

En Instagram, Animal Collective se han mostrado “abrumados” por el éxito de ‘Merriweather Post Pavilion’ y prometen novedades relacionadas con el álbum para 2019. “Esperamos publicar sonidos y vistas relacionados con ‘Merriweather Post Pavilion’ en los próximos dos meses. Manteneos atentos”, han escrito. De momento, repasamos el histórico octavo álbum de Animal Collective en cinco hitos y con declaraciones exclusivas del propio Panda Bear analizando el “hype” que rodeó al disco.

La portada

Revelada en octubre de 2008, la portada de ‘Merriweather Post Pavilion’ era una variación de una conocida ilusión óptica del profesor de psicología y diseñador japonés Akiyoshi Kitaoka. Acorde al sonido del disco, la imagen parecía una animación psicodélica, y se convirtió en icónica desde el segundo cero. Esta fue la valoración original de JENESAISPOP: “Es fea de cojones, pero mola. Si lo miras de soslayo se queda quieto, pero no hemos probado a mirar fijamente más de un minuto. Aún. El primero que vomite, que avise”. La mayoría de comentarios en la noticia eran positivos, aunque el mejor había de ser: “creo que en Guantánamo utilizan algo parecido en los interrogatorios”. En 2018, un vinilo de “Merriweather” incluso apareció en la película ‘Hearts Beat Loud’ (“los corazones laten fuerte”).


Las críticas

Las críticas de ‘Merriweather Post Pavilion’ fueron mayormente positivas, pero el disco dividió radicalmente a la llamada “blogosfera” y dio que hablar también para mal. Mítica fue la valoración de Julián Ruiz de ‘Plasticos y decibelios’ en la que llamaba al disco “un insulto a cualquier inteligencia musical”, y nosotros llegamos a publicar un artículo llamado “el pueblo vs. Animal Collective” en el que analizábamos las posibles razones por las que ‘Merriweather Post Pavilion’ no estaba produciendo ventas mejores que se correspondieran con el nivel de “hype” que lo acompañaba. En cualquier caso fue el disco de la década para Rockdelux, el 14º para Pitchfork, el 19º para Stereogum, el 44º para este medio y en definitiva salió en todas o casi todas las listas de lo mejor de 2009 y de la década.

‘My Girls’

‘My Girls’ fue un hito en la carrera de Animal Collective en tanto fue su primer hit cercano al “mainstream”. No, no entró en ninguna lista, pero MTV emitía su videoclip con bastante frecuencia (al menos que este redactor recuerde) y es el mayor éxito del grupo en las plataformas de streaming. En Spotify, sus más de 25 millones de reproducciones triplican las de su segunda canción más escuchada, ‘Summertime Clothes’, incluida en el mismo disco. Beyoncé la llegó a samplear en ‘6 Inch’ de ‘Lemonade‘, por lo que Animal Collective aparecen en sus créditos como autores, una situación realmente bizarra pese a que siempre hemos sabido a Beyoncé fan de otro grupo indie que lo petó en 2009, Grizzly Bear. También Tears for Fears llegaron a versionarla.

Las ventas

Como decimos, ‘My Girls’ no fue un “hit” en el sentido comercial del término, pero sin duda fue la canción que definitivamente animó a la gente a comprar el disco. Tras el éxito de crítica de ‘Strawberry Jam‘, ‘Merriweather Post Pavilion’ llegó a debutar en el top 13 de los discos más vendidos de Estados Unidos gracias al boca-oreja pero también al hecho que era un disco bastante pop, sin duda el más pop de Animal Collective. Según Wikipedia el disco superó las 200.000 copias vendidas en 2012, un exitazo para el grupo que no volverá a repetirse… a menos que haya milagro. De hecho, si alguna vez Animal Collective llegó a parecer el grupo más importante del mundo, fue sobre todo gracias a este disco. Sus trabajos posteriores no han sido acogidos con tanta pasión ni por sus amantes ni por sus haters.

Sobre este tema nos habló Panda Bear en una entrevista que publicaremos próximamente. En concreto, el artista recuerda el “hype” de ‘Merriweather Post Pavilion’ como una rara avis en su carrera, y declara que gracias a él el grupo “nos hicimos más populares de lo que merecíamos”. Continúa: “Las cosas que más nos interesaban [entonces] no eran necesariamente las que más éxito conseguían. Y las cosas que más nos interesan son diametralmente opuestas al éxito; lo cual suena mal, pero nos gustan las cosas más raras. A veces salen discos diferentes que se vuelven muy populares, como ‘Nevermind’ de Nirvana, y creo que “Merriweather” fue una versión muy pequeña de aquello. Si analizas “Merriweather” en el contexto de nuestra discografía verás una línea plana, que quizá asciende un poco en términos de éxito… Pero creo que estamos donde hemos de estar. No tengo ningún problema con el éxito, no lo rehuyo ni intento evitarlo, pero tampoco lo busco”.

Su influencia

En los tiempos en que aún se hablaba de un género llamado “New Weird America” y la nueva música llegaba a oídos populares mediante filtraciones de mp3 publicadas en blogs, Animal Collective consiguieron que se hablara de ‘Merriweather Post Pavilion’ casi como el inventor de un género nuevo, aunque estaba claro que era una obra que solo el grupo de Baltimore podían haber hecho. Hoy en día cualquier disco que aúne coros a lo Beach Boys, ritmos electrónicos, sonoridades psicotrópicas y samples varios es comparado con AnCo y particularmente con “Merriweather”, y en este caso es difícil no percibir su influencia en el trabajo de Battles, Django Django, Fuck Buttons, Shabazz Palaces, Youth Lagoon, Gang Gang Dance, Neon Indian, Washed Out, Braids, Yeasayer o en España El Guincho, Aries, Ocellot, Alien Tango o Tórtel.

Rosalía, quinta finalista de BBC Sound of 2019

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Hubiera sido una sorpresa mayúscula que una cantante española se erigiera como la mayor representante del “sonido de 2019” en Reino Unido, y aunque Rosalía era una de las artistas nominadas en el BBC Sound of 2019 que otrora ganaran Adele, Sam Smith o Michael Kiwanuka, finalmente ha terminado quinta para la conocida apuesta de la emisora británica, como acaba de revelarse en Instagram.

Una gran noticia en cualquier caso, pues los finalistas definitivos de BBC Sound of… se reducen a cinco, y entre estos finalistas encontramos en el pasado a artistas como Florence + the Machine, The xx, Sampha, Khalid, Frank Ocean, Rax’n’Bone Man o James Blake, con quien parece que Rosalía acaba de colaborar.

El resto de artistas nominados son Ella Mai (más que posible ganadora dado el éxito de ‘Boo’d Up’), King Princess, slowthai, FLOHIO, Kennedy, Grace Carter, Mahalia, Octavian y Sea Girls. En las próximas horas o días se conocerá el ganador o ganadora de esta apuesta que ha de revelarnos el artista revelación más importante del año… pese a haber fallado en alguna que otra ocasión.

XXXTentacion / Skins

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XXXTentacion representa un siniestro capítulo en la historia del rap americano. Ex convicto, acusado de violencia doméstica y robo, entre otras cosas (en un audio publicado por Pitchfork confesó haber apuñalado a nueve personas), y asesinado a los 20 años precisamente durante un robo en Florida, Jahseh Dwayne Onfroy compaginó una vida atormentada y sumida en la violencia con el éxito profesional, que incluso llegó a España cuando ‘?’, su segundo disco, publicado en marzo de 2018, entró en el top 2 de la lista de streaming.

El necesario debate ético sobre el consumo de la música de una persona que ha puesto en serio peligro la seguridad de otras tantas (sobre todo en una época crucial para el feminismo como la actual) ha de ser un añadido obligado en la valoración de cualquiera de sus trabajos, pues además las canciones de XXX han solido estar plagadas de bilis y violencia cuando no de referencias directas a la muerte, en concreto a la suya. En el disco póstumo ‘Skins’ se incluye, por ejemplo, un tema llamado ‘Train food’ en el que XXX rapea, sobre poco más que una única nota de piano, que se ha “sentido perdido” y que ahora “la muerte ha llegado”. Le acompaña al final el sonido de una tormenta y de un tren en marcha.

‘Skins’ aporta poco material de valor al repertorio de un rapero cuya destreza para el rap y sensibilidad melódica han llevado a millones de fans a pasar por alto sus delitos. ‘SAD!’, ‘Moonlight’ (recientemente adaptada por La Zowi), ‘Everybody Dies in Their Nightmares’ o ‘the remedy for a broken heart’ eran buenos temas de “chill-hop” orgánico, a los que a duras penas se une en este caso una angustiada ‘BAD!’ que XXX dedica a una chica a la que desea, pero en la que no faltan frases que reflejan el dolor que reinaba en su vida como “puede que esté loco, pero amo el dolor, lo siento en mi cerebro”.

Kanye West hace una aparición en el emo-rock sueltabilis de ‘One Minute’, aunque en este estilo es un poco mejor ‘STARING AT THE SKY’, que parece de Körn (XXX era conocido por su amor por el emo-rock y el heavy-metal, como demuestran sus otros discos). ‘whoa (mind in awe)’ y ‘i don’t let go’ añaden capítulos al romance de XXX con el sonido xilófono / marimba, pero es difícil que cualquier fan las prefiera a las decenas de canciones mejores que el rapero publicó antes de morir. Y ese es quizás el mayor fracaso de ‘Skins’: podía no haber salido y no habría cambiado absolutamente nada.

Calificación: 4/10
Lo mejor: ‘BAD!’
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