Jess Glynne no es solo lo que suena de fondo mientras una masa ingobernable de niños aparece corriendo ligeramente sobreexcitada en TVE para promocionar los campamentos de Masterchef. Esta temporada la cantante se ha convertido en la solista femenina británica con más singles número 1 de la historia. Ahí es nada. Lo ha conseguido gracias a tres temas extraídos de sus propios discos y a cuatro colaboraciones, pero también a un desparpajo muy perceptible en directo -su paso por el FIB fue de lo mejor de su edición- y a lo necesarias que son sus canciones ultra optimistas y vigorosas para salir adelante en los tiempos que corren. ¿Que Trump gana las elecciones? You can hold my hand. ¿Que tienes problemas de amor? I’ll be there for you.
De hecho, esta última ha sido co-escrita en una especie de retiro junto a sus co-autores de confianza después de que una de ellos, Camille Purcell, le dijera: “me has ayudado en mis peores momentos a través de tu música. No me di cuenta de lo profundas que son tus letras hasta que te he escuchado como fan”. Convertida, pues, en una eminencia en su tierra, tanto para sus propios amigos como para los desconocidos, la cantante se ha confiado demasiado en su segundo disco, ‘Always In Between’, ofreciendo ninguna novedad en absoluto.
El disco se compone de medios tiempos edificantes y baladas, a menudo con un fondo góspel o soul (‘123’, la ‘Intro’) sin que ninguna llegue a destacar de manera decidida. El continuismo llega al punto que una de las frases de ’Thursday’ es “I wanna laugh, I wanna cry” cuando el disco anterior se llamaba ‘I Cry When I Laugh’, y lo peor es que en la ‘Intro’ de este segundo disco, Glynne aseguraba estar escribiendo una “página diferente” de su vida… cuando en realidad está escribiendo la misma.
Las canciones se llaman cosas como ‘Hate/Love’ o ‘Broken’ como muestra de su escasa imaginación e incluso a veces recuerdan demasiado a otras, como es el caso de ‘No One’, que arranca como una ‘Rolling In the Deep’ acelerada para luego, disimuladamente, pasar a otra cosa. En cuanto a letras, no termina de brillar esa “profundidad” a que aludía su colega Camille. Entre las pocas canciones que no dan vueltas alrededor del amor y el desamor, una ‘Thursday’ en la que Jess Glynne se antepone a sí misma, negándose a “maquillarse o disfrazarse”, en busca de autoafirmación y seguridad. Por desgracia, queda demasiado visible qué hace Glynne el resto de días de la semana.
Destacan apenas una ‘Won’t Say No’ solo un pelín bailable y noventera y un par de los bonus tracks que han quedado extrañamente relegados a la edición deluxe cuando el disco no iba precisamente sobrado de hits. ‘Million Reasons’ no habría hecho ningún daño hacia la mitad del álbum y ‘These Days’, con Macklemore, sigue siendo una canción relajada, nostálgica, hermosísima, sobre recordar sin ningún tipo de rencor una relación que se ha terminado. Para quien esto firma, una de las canciones del año, y que por estilo, a diferencia de ‘So Real’, sí pegaba en la secuencia.
Calificación: 4/10 Lo mejor: ‘These Days’, ’I’ll Be There’, ‘Won’t Say No’. Te gustará si te gusta: mucho el anterior Spotify:Spotify
Este jueves se han estrenado en Madrid dos de las películas más esperadas de la temporada, ‘El fotógrafo de Mauthausen’ de Mar Targarona, protagonizada por Mario Casas, y la recomendada ‘Quién te cantará’ de Carlos Vermut, protagonizada por Najwa Nimri.
El estreno de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ y ‘Quién te cantará’ ha producido, sin embargo, una protagonista inesperada: Alba Flores. La compañera de Najwa en ‘Vis a vis’ está siendo de lo más comentado hoy tras la confusión que protagonizó anoche durante la premiere de estas dos películas, cuando pensaba que estaba en el estreno de su amiga Najwa y en realidad estaba en el otro, que se producía en un cine cercano.
En el vídeo de la entrevista, que se ha hecho viral, Flores habla alegremente sobre Najwa y el rodaje de ‘Quién te cantará’ a los periodistas con un cartel de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ detrás de ella. Ahí es cuando el periodista intenta reconducir sutilmente la conversación preguntándole por Mario Casas, pero Flores, confundida, cree que se refiere a Carlos Vermut. El periodista finalmente explica a Flores dónde está en realidad, haciendo flipar a la actriz.
Por suerte para Flores, Paquita Salas ha salido en su defensa y se ha medio atribuido el error, achacándolo a un “lío de mails”.
Pues se ve que anoche tuvimos un pequeño lío de mails con la premiere de Najwa… https://t.co/8FkTv4GEk4
Aitana, finalista de Operación Triunfo e intérprete de dos de las canciones más exitosas de 2018 en España, ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra y ‘Teléfono’, ha vuelto esta noche a El Hormiguero para hablar sobre las novedades de su carrera, entre ellas el recién obtenido Disco de Platino para la mencionada ‘Teléfono’.
Aitana ha aprovechado su visita al plató de Pablo Motos para compartir finalmente detalles de su debut. La cantante ha anunciado que el disco saldrá en dos partes “porque ahora devoramos más que consumimos” y que la primera, de nombre ‘Tráiler’, sale en noviembre y la segunda en “dos o tres meses”. Asegura que ha escogido este título porque el disco es el “principio de lo que está por venir”. ‘Tráiler’ contendrá seis canciones y una remezcla de ‘Teléfono’ con la influencer Lele Pons (intérprete del éxito ‘Celoso’). Aitana vuela hoy a Los Ángeles para grabar el vídeo de este remix.
Desde Los Ángeles, Aitana visitará Ecuador, México y Argentina para continuar con la promoción de ‘Teléfono’. En México cantará con Morat y en Argentina con Tini (también presente en el remix de ‘Lo malo’). Os recordamos que, aparte de con los productores de ‘Despacito’ para Teléfono, Aitana ha compartido estudio con Pablo Díaz-Reixa, más conocido como El Guincho y como productor de ‘El mal querer’, el próximo álbum de Rosalía.
Primavera Club se precia de ser una de las mejores canteras de artistas, que no sólo son el presente sino que pueden marcar el futuro del pop. De nuevo celebrándose simultáneamente en Barcelona y Madrid, en esta edición 2018 que se tiene lugar entre los días 26 y 28 de octubre –este fin de semana– encontraremos más de 30 nombres nacionales e internacionales a los que se puede acceder por unos precios bastante razonables –25 € el abono de 3 días; 15 € las entradas de día–. [Imagen: Kadhja Bonet]
Algunos nombres que ya han aparecido por nuestra página: Snail Mail, Ama Lou, serpentwithfeet, Boy Pablo, Buzzy Lee, Conttra, Cupido, Goa o Jimothy Lacoste están entre los destacados de este año. Pero la oferta es bastante amplia y diversa –más de 30 grupos desde Estados Unudos, Reino Unido, Francia, Turquía o España actuarán en diversas salas–, así que hoy dedicamos este especial a desentrañar quién y qué hay detrás de algunos de esos nombres algo menos populares… hasta ahora.
Este cuarteto neoyorquino se ha erigido en torno a la bonita voz de Lila Ramani y una serie de pasajes lisérgicos que remiten a Melody’s Echo Chamber y otros proyectos en torno a la psicodelia más encantadora, aunque con un punto doméstico a lo K Records. Presentan las canciones de sus dos primeros EPs autoeditados, ‘Crumb’ y ‘Locket’, mientras preparan ya su álbum debut. [Sábado 27 de octubre, en Barcelona –Sala Apolo– y domingo 28 en Madrid –Teatro Barceló–]
¿Qué hubiera pasado si Triángulo de Amor Bizarro hubieran crecido escuchando a Triana y ‘La leyenda del tiempo’? Pues posiblemente algo parecido al sonido de este supergrupo formado por miembros de bandas sevillanas como The Milkyway Express, Quentin Gas & Los Zíngaros, Furia Trinidad o JambalayaBand, que está a punto de publicar un álbum de este psyco-rock-flamenco («kinkydelypsycotropical» lo llaman ellos) que muestran en canciones como ‘El salto del gitano’ o ‘Samrkanda’. [Viernes 26 de octubre en Barcelona –La [2] de Apolo– y domingo 28 en Madrid –Teatro Barceló–]
Tras este nombre propio de la carpintería, papelería o taller de automoción de tu barrio se esconde una pareja de músicos de Madrid –el misterio que por el momento les rodea impide saber si realmente son hermanos y se apellidan Muñoz– que, a priori se podría enmarcar dentro del nuevo panorama urban-R&B-hip hop. Si bien la suya es una propuesta que está más cerca de emular proyectos anglosajones reposados y oscuros como dvsn o Majid Jordan –filtrado por un tamiz local, eso sí– que a Yung Beef o Dellafuente. Así lo muestran los distintos trabajos que han publicado desde el pasado año, el último de los cuales, ‘Manantial, veía la luz esta semana. [Domingo 28 de octubre, en Madrid –Teatro Barceló–]
Esta cantautora de Austin, Texas, es una cita imperdible para aquellos que gocen con cantautoras como Angel Olsen o Sharon Van Etten. Tras dos álbumes de folk y country más o menos canónico, este año ha dado un gran salto con ‘Cosmic Wink’, un disco notablemente más luminoso y con vocación popular, que en canciones tan certeras como ‘I See the White’ o ‘Awakening Baby’ abre nuevas perspectivas en su carrera. [Domingo 28 de octubre, en Barcelona –Centro Cultural Albareda–]
Esta jovencísima artista californiana se esmera por mantener cierta opacidad sobre su biografía, quizá alimentando cierta mitología que situaría su propuesta musical como a una Alice Coltrane o una Nina Simone componiendo e interpretando bandas sonoras de películas clásicas. Esa fantasía se hace realidad en álbumes como ‘The Visitor’ (2016) o el reciente ‘Childqueen’, auténticos prodigios de soul-folk-jazz-pop de tintes añejos pero muy, muy excitantes. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –Sala Apolo–]
Nada de metal. Tras este nombre tan gótico se esconde en realidad un cuarteto bilbaíno que en realidad no hace ascos a ningún género en su EP debut ‘Todo lo que arde’: ritmos reggaeton, pop y ambientes oscuros a lo Décima Víctima conviven en canciones que, sobre todo, desprenden un gran magnetismo. [Viernes 26 de octubre en Madrid –El cielo de Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
El nombre de esta joven noruega lleva sonando desde hace unos años pero, tras la enésima decepción de un artista tras fichar por una multinacional, ha logrado al fin publicar en este 2018 su debut largo, ‘Both’. Un disco creado con la colaboración de su pareja sentimental –Aaron Maine, de Porches– que se nutre tanto de folk-pop como de R&B y electrónica, dando lugar a canciones misteriosas y elegantes como ‘IUD’ o ‘Habitual Love’. [Viernes 26 de octubre en Madrid –El cielo de Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
Este verano Pitchfork destacaba en un artículo de portada a este MC británico como uno de los más interesantes de la nueva camada del grime. Este chaval procedente de un suburbio de Northampton –Tyron Frampton, se llama– rapea con los códigos de Skepta o Stormzy, pero emplea una estética distintiva que provoca, confunde y mete miedo, al estilo del primer Tyler, The Creator y vídeos como el de ‘Polaroid’ o el reciente ‘Rainbow’ son de esos que no se olvidan fácilmente. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
Esta cantautora australiana encajaría en cánones de chica-con-guitarra-eléctrica similares a los de su compatriota Courtney Barnett –aunque más oscura– o norteamericanas como Lucy Dacus o Julien Baker. Sin embargo, canciones como ‘Mechanical Bull’ o la emocionante llamada a la sororidad de ‘Boys Will Be Boys’ –incluidas en su EP debut ‘Thrush Metal’– desprenden una personalidad particular que hace confiar muchísimo en sus posibilidades de cara al futuro. [Sábado 27 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y domingo 28 en Barcelona –Sala Apolo–]
Jaume Benedito es un valiente, uno de esos heroicos músicos amantes del pop de guitarras delicado y bien hecho. Lo ha demostrado en ‘Someday I’ll write a nice love story’ (2017) y el recientemente publicado –de nuevo por el exquisito sello Discos de Kirlian– ‘What do you want to be when you grow up’, dos álbumes que sin duda encandilarán a aquellos que gocen de los discos de The Divine Comedy, Jens Lekman, el primer Richard Hawley o Roddy Frame. [Sábado 27 de octubre, en Barcelona –Centro Cultural Albareda–]
‘Devotion’, álbum debut de esta artista británica amiga de Mica Levi –no en vano ha producido el disco con ella– es la revelación del alt-R&B en 2018. Bases minimalistas pero contundentes, voces de ecos infinitos –como una James Blake lo-fi– y una valentía que ha conquistado a grandes nombres de la nueva escena electrónica como Arca caracterizan la música de una mujer de la que, gracias a las excelentes críticas que está cosechando, se espera mucho. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –Sala Apolo–]
“Muchos artistas actuales son aburridos, Poppy no” era el titular que dejaba Poppy a JENESAISPOP a su paso por Barcelona. La cantante y Youtuber promocionaba su nuevo disco, ‘Am I A Girl?’, que sale el 31 de octubre y, en sus propias palabras, será “el disco dance-pop de Poppy, pero eso no es todo lo que vas a encontrar en él”.
Y efectivamente, dance-pop no es lo único de lo que se compondrá ‘Am I A Girl?’. Poppy ha estrenado un nuevo avance del álbum que no tiene nada que ver con el synth-pop de ‘Fashion After All’ o su versión de ‘Metal’ de Gary Numan y que además confirma que ella de aburrida tiene poco. ‘X’ es una fusión de heavy metal y pop 60’s, es decir, una fusión en principio imposible pero que en esta canción parece tener todo el sentido del mundo, sobre todo en el estribillo final, que representa la cumbre de esta explosiva mezcla de estilos.
La letra de ‘X’ une ideas bastante oscuras con otras buenrollistas, en frases como “quiero amar a todo el mundo, sacar la bala de todas las pistolas” o “quizá podemos salvar el mundo, de las garras del chico malo y la chica peligrosa”. La canción parece un “mash-up” chungo de esos que pueden encontrarse en Youtube, pero es real como la vida misma, aunque no lo parezca en una primera escucha. ¿Temazo o lolazo? Posiblemente ambas cosas.
Esta semana el dúo hispanoitaliano Delaporte anunciaban la próxima publicación de un nuevo trabajo: el día 1 de febrero de 2019 llegará ‘Como anoche’, su primer álbum largo tras publicar en los últimos meses un doble EP, ‘#1’, cantado en inglés, y ‘Uno’, cantado en castellano. Este último contenía ‘Un jardín’, canción con la que dieron un auténtico pelotazo al convertirse en sintonía del talent-show de danza ‘Fama ¡A Bailar!’.
Parece que ese espaldarazo, además de mostrar sus enormes posibilidades comerciales, les ha decidido a continuar empleando el español para sus canciones. Y es que, tras ‘Azul marino’ –single presentado el pasado mes de junio y que estará contenido en este nuevo trabajo–, ahora presentan ‘Ni un beso’, un nuevo tema cantado en la lengua natal de Sandra Delaporte (el músico y productor Sergio Salvi es el italiano). Una canción que, sobre todo, consolida el estilo del dúo afincado en Madrid.
Y es que ‘Ni un beso’, una canción de desamor en los tiempos de Whatsapp (“y un corazón roto me envías sentao desde tu casa”) que define perfectamente el concepto Delaporte: bases de electrónica contemporánea decididamente bailables, melodías pop y arreglos que muestran la querencia por el folclore español (esas pseudo-palmas digitales que recuerdan, cómica y quizá involuntariamente a Azúcar Moreno) y sudamericano, con guiños rítmicos a la champeta y, a partir del minuto 2:00, esa guitarra acústica que remite al folclore andino, conectándoles con proyectos como Bomba Estéreo. Y, como estos, Delaporte consiguen armar una buena fiesta con una base sinuosa e interesante, alejada de lo obvio pero gustosa y explosiva, especialmente en su recta final. Un auténtico pepinazo para bailar, este ‘Ni un beso’.
Delalporte ya han programado la presentación oficial de ‘Como anoche’: será el día 28 de febrero en la sala But de Madrid y las entradas ya están a la venta en Ticketea.
El programa de entrevistas conducido por David Broncano, La Resistencia, suele dar lugar a situaciones absurdas gracias al singular tratamiento que el también locutor de radio procura a sus invitados. Pero lo vivido en el programa de ayer con el músico, escritor y actor Albert Pla rozó el paroxismo, poniendo en aprietos al propio Broncano, que probó de su propia medicina. Esta vez el troleado fue él.
El habitualmente controvertido Pla –unas veces voluntaria, y otras involuntariamente– acudía teóricamente a presentar ‘Miedo‘, que es a la vez un nuevo álbum de estudio –co-escrito y producido por Raül Fernández Refree– y un espectáculo teatral. Pero poco se habló de ello, sin que esta vez fuera forzado por el propio entrevistador sino al contrario. Desde su misma entrada y con ademanes de comicidad clásica a lo Buster Keaton o su amigo Tortell Poltrona, Pla puso en aprietos constantes a Broncano, sacándole del guión que quisiera tener y no respondiendo una sola de las preguntas que se le hicieron. Veinte minutos –esta vez fue a él al que la entrevista se le hizo larga– de incomodidad y magnetismo –más que nada, por la curiosidad de saber si el presentador sería capaz de reconducir la situación– a partes iguales. Hoy en Twitter Pla asegura que «se lo pasó bastante bien», y no nos cabe ninguna duda, mientras que el programa afirma que «a Albert Pla le faltó entrar en un bulldozer y con una bola de demolición».
El fondo de todo esto, como decíamos, es que Pla presenta este recién presentado disco-espectáculo creado junto a Refree después de la colaboración de ambos con Fermín Muguruza en otro show que mezclaba música y teatro, ‘Guerra’. Disco y obra tratan sobre «el miedo como sombra constante que nos acompaña en los días soleados y en los nublados más», destacándose canciones como ‘Entierro‘. Las próximas fechas de presentación de ‘Miedo’ serán el 9 de noviembre en Teatre La Llotja de Lleida y el 16 y 17 de noviembre en Espai Rambleta de Valencia. El 23 del mismo mes actúa en Sarau de Badalona, aunque allí hará un repaso de toda su trayectoria.
Consolidado como una de las primeras citas festivaleras de cada año, SanSan Festival apuntala hoy su cartel de la edición 2019 revelando tres de los grandes nombres de su line-up. Fieles a su línea, se trata de tres nombres nacionales de tres estilos muy distintos entre sí artísticamente pero que reúnen a públicos de ámbitos similares. Se trata de Izal, establecidos como abanderados del indiemainstream más superventas con discos como ‘Autoterapia’, seguirán siendo un gran reclamo para numeroso público; C. Tangana, alcanzando ya un estatus de cabeza de cartel; y La Casa Azul, que para entonces habrá publicado ya ‘La gran esfera’. ¿Verdad? ¿VERDAD?
La Pegatina, los argentinos Auténticos Decadentes, La Plata y Nerabe conforman el resto de nombres de esta tanda de confirmaciones. Semanas atrás se conocieron los nombres de Fuel Fandango, Rozalén, Morgan, EUT, Zeas Mays, The Crab Apples y Las Chillers, haciendo de nuevo bandera de una considerable amplitud de miras. Esa que les llevó a acomodar en anteriores ediciones nombres como Los Del Río o Celtas Cortos.
Esta 6ª edición de Festival SanSan volverá a celebrarse en Benicàssim, en 2019 entre los días 18 y 20 de abril. Ya están a la venta las diversas modalidades de abonos: normales, a 40 € + gastos; VIP, a 60 € + gastos; y GOLD, a 75 € + gastos. Los precios se mantendrán hasta el próximo 31 de octubre. Más información, en su web.
Según se ha comunicado desde las cuentas en redes sociales del propio artista, Tony Joe White ha fallecido a los 75 años de edad. Según Billboard, tomando como fuente a un representante del sello Yep Roc, el fallecimiento se habría producido el pasado miércoles 24 de octubre, sin que hayan trascendido aún las causas. «Tenemos el corazón roto de anunciar que Tony Joe White ha fallecido a la edad de 75 años. Una verdadera leyenda que siempre será recordado como un artista auténtico», dice escuetamente el comunicado de su cuenta de Twitter.
White, que acababa de publicar el que es ya su último álbum de estudio, ‘Bad Mouthin´‘, nació en Luisiana en 1943 y, educado en el blues y el soul más genuinos, logró su primer gran éxito a la edad de 26 años, cuando publicó ‘Polk Salad Annie’. Aunque su canción más importante es, sin duda, la maravillosa ‘Rainy Night In Georgia’, que Brook Benton hizo universal con su versión del año 1970. Su popularidad le llevó a codearse con grandes nombres del rock de raíces norteamericano y del soul, haciendo giras con Sly & The Family Stone, Creedence Clearwater Revival o Steppenwolf.
Llegó incluso a un público masivo, siendo compositor de canciones para Tina Turner en la cima de su carrera: a instancias de su amigo Mark Knopfler, White escribió ‘Steamy Windows’ y ‘Undercover Agent for the Blues’ para su disco ‘Foreign Affair’. Pero si por algo destacó White fue que nunca descuidó su carrera como autor e intérprete, ni siquiera cuando, desde finales de los 90, se vio abocado a publicar su música en discográficas independientes, publicando un total de 16 álbumes de estudio.
We are with broken hearts to announce that Tony Joe White has passed away at the age of 75. A true legend that will always be remembered as a real artist.
Han pasado ya 40 años desde que John Carpenter dirigiera la que se convertiría en su obra de mayor repercusión, ‘Halloween’, todo un clásico del cine de género que sentó las bases del slasher. A raíz del éxito de esta, se han hecho a lo largo de los años varios intentos por recuperar la historia de Michael Myers, aquel niño que con seis años mató a su familia y que 15 años después se escaparía del psiquiátrico donde le ingresaron para volver a su pueblo natal en la víspera de Halloween. En esta nueva entrega, una secuela directa de la original que ignora los hechos sucedidos en el resto de películas, Jamie Lee Curtis, protagonista de la saga, regresa a su mítico personaje de Laurie Strode cuatro décadas más tarde. No ha podido superar el trauma de presenciar cómo Michael mató a todos sus seres queridos en 1978, así que vive en un constante estado de alerta, especialmente cuando se acerca la noche del 31 de octubre.
David Gordon Green ha demostrado en distintas ocasiones ser un director de lo más ecléctico, situándose siempre en el línea entre el cine indie (‘George Washington’, ‘Joe’) y el cine directamente comercial (‘Stronger’, ‘Superfumados’). ‘La noche de Halloween’ pertenece a ambos grupos, pues es una película hecha con tan solo 10 millones de dólares que está batiendo récords de taquilla. No es extraño, ya que es todo un regalo a los fans de la original y tiene la calidad suficiente para ir mucho más allá del simple homenaje. El director captura de manera fresca la esencia de la de Carpenter (quien aparece acreditado como productor ejecutivo) y mantiene un respeto enorme por el espíritu de los slashers de los años 70. Aunque Gordon Green sabe que ese modelo de hacer cine no funcionaría de la misma manera si se hiciera actualmente, de modo que aporta un inteligente giro a la historia que le sienta de maravilla.
La película comienza cuando dos periodistas acuden al centro psiquiátrico donde se encuentra interno Michael Myers para tratar de hablar con él. Tras esa primera secuencia aparecen los títulos de crédito con la emblemática música compuesta por el propio Carpenter. Durante toda la película el uso de la banda sonora denota un buen gusto notable, ya que evita a toda costa ser obvia pero crea tensión continuamente, logrando así que cuando los sustos llegan (que los hay), sea cuando menos nos los esperamos. Y la manera de rodar algunas secuencias como la del baño o el encuentro final, es verdaderamente prodigiosa. Pero de las cosas más brillantes –y difíciles- de esta nueva ‘Halloween’ es que la mezcla de géneros con la que juega en ocasiones funciona de forma explosiva. Sabe pasar de ser muy graciosa a terrorífica (como en la memorable escena con la niñera) sin dejar de ser ninguna de las dos cosas. Todo es puro entretenimiento y disfrute, ya no solo ver que al fin una secuela de la saga está realizada con tantísimo cariño, sino también volver a ver a Jamie Lee Curtis –que seguro que se lo pasó en grande en el rodaje- estando tan convincente planeando su venganza final.
Otro aspecto que no se puede pasar por alto es el fuerte componente femenino que tiene la película. La original fue una de las primeras que ayudaron a construir el prototipo de “final girl” (la chica que sobrevive al final de la masacre) en el cine de terror, pero no se puede decir que su intención fuese empoderar a las mujeres. En esta nueva sí, y también hay sororidad entre las distintas generaciones de las protagonistas. Gordon Green actualiza todo para que sea una cinta absolutamente contemporánea sin olvidarse de aludir a la nostalgia setentera. Aunque es cierto que se le pueden poner pegas, ya que el guion deja algunos cabos sueltos (y no parece que de forma intencionada), realmente poco importa. Tiene todo lo que se le puede pedir a una buena película de terror: buenos sustos, sangre y mucha diversión. 7,5.
Una semana más, en Ready for the Weekend seleccionamos las mejores y más destacadas novedades de la semana. Este viernes es, posiblemente, uno de los más profusos en lanzamientos, y por eso nuestra playlist alcanza los 70 cortes en esta ocasión. En el plano de álbumes, el regreso de Robyn y la BSO de Thom Yorke para el remake de ‘Suspiria’ y el décimo disco de Javier Álvarez –su regreso tras 9 años– copan la atención, pero también tenemos ya a nuestro alcance los nuevos trabajos de Julia Holter, Nao, Terrier, Tom Odell, Arizona Baby, Say Lou Lou, The Ting Tings, urfabrique o The Black Eyed Peas, entre otros. EPs destacables como el debut del supertrío femenino Boygenius, I Am Dive, La MODA o Desert también están disponibles desde hoy.
A lo largo de la semana hemos conocido nuevos singles de The Good, The Bad & The Queen, Cardi B, Ellie Goulding, Normani & Calvin Harris, Becky G & C. Tangana, Bob Mould, Toro Y Moi o Cariño. A ellos se suman también en esta jornada Poppy, Delaporte, Rudimental, Icona Pop, Mumford & Sons, Exnovios, TOY, Eleni Foureira, Pimp Flaco & Kinder Malo, BFlecha, Steve Aoki & BTS, Swervedriver, Greeciy & Anitta, 6ix9ine, The Chainsmokers, Pedropiedra, RRUCCULLA, el debut de Santo Maltés o Royal Trux.
Esta semana es igualmente abundante en curiosidades: además de outtakes de las últimas obras de Beach House, Hinds o Fleet Foxes, encontramos un tema inédito de XXXTentacion junto a Skrillex, Lil Pump, Swae Lee ¡y Maluma!, además de una de las aportaciones de Tyler, The Creator a la película animada de ‘El Grinch’, la interpretación por parte de P!nk de uno de los temas del musical ‘The Greatest Show’ o una curiosa versión orquestal de ‘Everybody Wants To Rule The World’ de Tears For Fears a cargo de Trevor Horn con Robbie Williams a la voz. Además, recuperamos algunos lanzamientos muy interesantes que se quedaron en el tintero la pasada semana, como son los discos de Albert Pla & Refree, Open Mike Eagle y un disco conjunto del violagambista sevillano Fahmi Alqhai y la cantaora Rocío Márquez.
Esta semana en Meister of the Week hablamos con los integrantes del grupo Medalla, que el pasado año debutarán con el potente ‘Emblema y poder’, un disco repleto de guitarras furiosas, psicodelia y ganchos melódicos irresistibles. Mientras culminan la grabación de su segundo álbum de estudio –producido por Sergio Pérez (Svper, Joe Crepúsculo)–, hemos hablado con ellos sobre otro elemento que también tiene su peso específico, tanto a nivel musical como estético, en el proyecto: su fascinación por el heavy metal de los 80.
Así, el cuarteto de Barcelona responde a nuestro cuestionario y distingue entre “heavy bien” y “heavy casposo”, revelando sus filias y fobias del género y hasta qué punto ha influido en sus canciones. Medalla, por cierto, realizarán varios conciertos en tanto terminan ese nuevo álbum: el 3 de noviembre actúan junto a Camellos en la Sala 0 de Madrid; el 17 del mismo mes abrirán un show de Atom Rhumba en La Salvaje de Oviedo; y el 14 de diciembre volverán a formar tándem con Camellos, esta vez en la Sala VOL de Barcelona.
Antes de entrar en harina, definidnos cuál es vuestro concepto de “heavy casposo” y “heavy bien”, por entendernos.
Antes de nada, queremos aclarar que nos flipa este tema, así como el heavy metal, aunque nosotros no creemos que nuestra música pueda definirse dentro de este estilo. Dicho esto, entendemos el «heavy bien» como grupos que en su momento innovaron o que hicieron cosas que no se asemejaban demasiado a otros grupos (adoramos a Iron Maiden colectivamente, por ejemplo) y «heavy casposo» como todos aquellos grupos que después intentaron copiar el rollo de los más grandes u originales pero que al final acabaron siendo una copia y un retrato de ellos mismos, aunque tampoco nos gusta comparar demasiado y dentro del grupo hay diversidad de gustos.
Sois muy jóvenes, y no sé si alguno de vosotros tenía conciencia en los 80 –si es que habíais nacido ya–. ¿Cuál es vuestro primer contacto con el metal de esa época?
Somos de la siguiente década. Todo empieza con la típica historia en el instituto cuando te crees más duro que nadie y súper diferente e intentas buscar grupos que reafirmen tu personalidad. Luego vas viendo camisetas con diseños raros y tipografías un poco agresivas, y al final te das cuenta de que los grupos que empezaste a escuchar para ser súper duro resultan ser la hostia en patinete.
«A nivel grupal, Iron Maiden nos volaron la cabeza y lo siguen haciendo»
¿Y cuál fue el primer grupo/vídeo/canción que os voló la cabeza y os hizo querer más de eso?
A nivel grupal, seguramente sea Iron Maiden. Nos volaron la cabeza y lo siguen haciendo.
¿En qué medida os obsesiona el heavy casposo y hasta qué punto? ¿Coleccionáis discos, revistas de la época…?
Por edad llegamos más bien tarde a lo de coleccionar cosas de la época, pero algunos de nosotros en nuestros años melenudos bajábamos al quiosco mensualmente a comprar la Heavy Rock, la Metal Hammer o cual fuera la ración de metal mensual adecuada.
«Seguramente la mitad del caché de Poison se vaya en mallas y calcetines»
¿Diríais que hay un tipo medio de casposismo metalero? ¿Qué cualidades/características no pueden faltar en un buen grupo de heavy hortera?
Tampoco tenemos nada en contra del glam rock, pero el rollo de arreglarse mucho el pelo, maquillarse a tope y ponerse mallas con rejillas no nos tira demasiado. Y es caro. Seguramente la mitad del caché de Poison se vaya en mallas y calcetines.
¿Qué artista o banda diríais que es lo más hortera que os habéis echado a la cara y que, sin embargo, os flipa?
Aunque vayan de súperhombres, sean unos top machos y siempre tengan que tener esa pose de «tíos fuertes enganchados a las proteínas» y que tengan que morir por el metal, hay que decir que los Manowar siempre nos han puesto a tono.
«La cumbre del heavy casposo serían Gigatron, pero es un grupo heavy casposo BIEN y encima patrio»
¿Y quién o quiénes son la cumbre del heavy casposo, para vosotros? Gigatron, pero es un grupo heavy casposo BIEN y encima patrio. Luego en el top de la lista de heavy casposo MAL estaría Steel Panther y en un puesto MUY ENTRAÑABLE los Anvil (recomendamos su documental muchísimo).
Decidnos vuestro top 5 o top 3 de canciones (o discos) de heavy casposo.
El «Black Album» de Metallica, el ‘Chinese Democracy‘ de Guns ‘N Roses y el ‘Obsesión’ de Sangre Azul.
En mi opinión, lo peor/mejor del heavy casposo llegó a primeros de los 90, una recua de grupos post-Van Halen y pre-Guns ’N Roses. ¿Os interesan o no os mola tanto?
Para ser sinceros, de la década de los 90 tiramos por otros géneros o estilos que nos han tocado más. A pesar de eso, los grandes clásicos del metal tienen discazos absolutos en esa época (‘Painkiller’ de Judas Priest, por ejemplo) y también hay grupos de hard rock que consiguieron en esa época hacer por primera vez un maldito disco decente (‘Get A Grip’ de los Aerosmith).
El christian-rock, con Stryper a la cabeza, era una auténtica mina. ¿Algún descubrimiento de ese palo que hayáis hecho?
No vamos a ir a un bosque a hacer pócimas y adorar a cosas extrañas, pero los primeros discos de Ensiferum están de puta madre.
«La historia de que el cantante de Warrant se intentó suicidar porque sólo le reconocían por ‘Cherry Pie’ es bastante, ejem, curiosa»
W.A.S.P. , Mötley Crue , Stryper , Twisted Sister , Cinderella , Poison , Warrant , Pretty Boy Floyd , Britny Fox, Bang Tango , Faster Pussycat , Tigertailz… De esta lista, qué nombres alcanzan el umbral de la caspa o en realidad son ok/respetables o como lo queráis llamar.
De la lista nos gustan WASP, Mötley Crue, Stryper, Twisted Sister y Poison. Los demás no nos matan y hay algunos que no hemos escuchado. Ya sabes, cuando tienes tiempo prefieres gastarlo en cosas que te molan (o en buenas bandas). Aunque la historia de que el cantante de Warrant se intentó suicidar porque sólo le reconocían por ‘Cherry Pie’ es bastante, ejem, curiosa.
¿Os ha parecido relevante algo de lo que hayan hecho alguno de esos grupos posteriormente o nunca han podido superarse a lo que hicieron en aquellos años?
La mayoría de estos grupos tuvieron su época dorada en los 80, hicieron sus hits durante esos años y después intentaron persistir (o siguen haciéndolo) mediante esas canciones. Muchas bandas de heavy metal viven de clásicos (obviamente, no todas) y eso es lo que más nos cansa en general, pues quieres escuchar cosas nuevas y ver cómo progresa un grupo que te agrada. No es el caso de Judas Priest, por ejemplo: el ‘Firepower’ es de lo mejorcito de grupos clásicos que hemos escuchado recientemente.
Además, en una parte de estos grupos encuentras el factor del «machito» y canciones que sólo hablan de irse de fiesta, follar y de chicas, chicas y más chicas (aunque luego te intenten colar la baladita de puta madre); y lo vemos como una percepción machista y, en general, aburrida.
«Las mejores baladas las escriben grupos de heavy metal y eso es un hecho»
Una de las frases 0,60 más célebres dice que las baladas y las portadas heavies son las mejores. ¿Podéis confirmar o desmentir esto? ¿Alguna favorita particular de cada cosa?
Las mejores baladas las escriben grupos de heavy metal y eso es un hecho. La portada del ‘Somewhere in Time’ de los Maiden te puede flipar por las referencias que hay en el dibujo sobre sus canciones de discos anteriores, si eres un buen friki del grupo.
¿Hasta qué punto ha influido ese rollo casposete en las canciones de Medalla? ¿Habéis llegado a autocensuraros alguna vez por eso?
Pues te diríamos que tomamos el heavy metal, igual que tomamos la psicodelia, el kraut o el pop. Somos gente muy abierta musicalmente y mentalmente y no hacemos ascos a nada. Si nos apetece colar un riff que pueda sonar más heavy metalero o un ritmo más loco en plan kraut lo hacemos, sin autocensura y sin hacerlo gratuitamente. Nos gustan las cosas medidas, como un buen solo de guitarra y no un solo de batería de 15 minutos a mitad de concierto.
¿Habéis hecho alguna versión de este estilo en estudio o directo? ¿La haríais?
Hemos hecho versiones de Motörhead, pero nada más que de ellos. Nos costaría versionar a grupos casposos. Pero ahora tenemos una versión de Hawkwind en el tintero que acabamos de grabar en las sesiones del LP2. Ya sabemos que no es heavy, pero si está Lemmy ya nos vale.
¿Y os ha tentado recuperar el rollo teatral de aquellos años? Maquillaje, pelos crepados y laca a saco…
Esperemos que nunca se nos pase por la cabeza. Además, no tenemos un duro.
En una de las escenas de ‘Quién te cantará’, la nueva película del director de culto Carlos Vermut, un experto en muñecos infantiles que hablan topa en un bar con Violeta, una de las protagonistas. Esta le sugiere un mensaje para ser pronunciado por esos muñecos, un mensaje didáctico para niños. Esta es su ocurrencia: «Probablemente seas una persona mediocre y del montón. No gastes tu tiempo en esforzarte o intentar ser especial y gástalo en asumir la realidad. Así, aunque no seas del todo feliz, al menos no serás un desgraciado el resto de tu vida».
‘Quién te cantará’, que narra la historia de Lila Cassen (Najwa), una exitosa cantante retirada desde hace 10 años que sufre un episodio de amnesia, y también de Violeta, una desgraciada fan, a la que solo consuela imitar a Lila cada noche en un karaoke en el que trabaja (la fantástica Eva Llorach), nos habla de cómo puede conducir tu vida la obsesión por «intentar ser especial» o tan especial como otros, reflexionando así sobre la identidad, sobre quiénes somos y quiénes queremos ser.
Este cometido que tanto ha inundado la ficción de las últimas décadas encuentra un nuevo e interesante punto de vista en la cinta de Carlos Vermut a través de una superestrella del pop y de su seguidora. Estamos acostumbrados a ver fotos de grandes artistas rodeados de discos de platino que a la postre han tenido problemas para encontrarse a sí mismos y averiguar quiénes son realmente. Esas instantáneas en las que el éxito y el glamour les rodean terminan teniendo un regusto amargo cuando se les acumulan los fracasos o cuando queda expuesta su dificultad para adaptarse a su entorno. La lista del «club de los 27» es demasiado larga y la profesión de músico por algo tiene una esperanza de vida tan corta. Vermut pone este tema sobre la mesa cuando vemos a Najwa posar con sus discos de platino sin tener ni idea de quién es, pero le da una inteligente vuelta de tuerca a través del fenómeno fan y la obsesión por el ídolo.
El director pone todas esas cuestiones sobre la mesa, pero también otras menos frecuentes como por qué te obsesiona tu ídolo, qué buscas exactamente en él, si es acaso reafirmarte como persona, mimetizarte con él, conocerlo cuando sólo puede caber el camino de la decepción y sobre todo qué podrías llegar a hacer por él sacrificándote a ti mismo. Cuando un adolescente imita a su ídolo en su casa con la música a todo volumen a menudo está soñando no solo con conocerlo sino con ser él durante esos 4 minutos que dura su canción favorita, y Carlos Vermut sabe llevar esta cuestión a la gran pantalla con los tintes de thriller y drama habituales en su cine.
Su estética se ha refinado (no así su sonido y doblaje, quizá deliberadamente artificiosos, como el mundo del pop, al fin y al cabo), pero aunque ahora su cine sea más académico, desde luego no se ha traicionado a sí mismo. Perduran los personajes aborrecibles que te sacan de tus casillas hasta lo políticamente incorrecto (la hija de Violeta, interpretada por Natalia de Molina), la influencia de Hitchcock (ahora también de ‘Persona’ de Bergman), una dosis justa de humor (la escena «parezco gilipollas» marcará un antes y un después para todo aficionado al pop), y continúa aunque no lo parezca el componente mágico, con planos entre David Lynch y el mejor Julio Medem (ese disco firmado «roto»).
‘Quién te cantará’ es una gran película también porque sabe darnos lo que Almodóvar no termina de redondear desde hace casi una década. Vermut, que está hablando largo y tendido sobre las comparaciones con el director manchego, incluso enriqueciendo el guión de esta película, no adopta particularmente su estética ni mucho menos su sentido del humor o de la cotidianeidad, pero sí algunos de sus trucos: Eva Amaral canta las inmensas escenas musicales de Eva Llorach (nada que envidiar a las que Olivier Dahan rodó en ‘La Vie En Rose’) recordándonos al juego entre Luz Casal y Miguel Bosé en ‘Tacones lejanos’ (la escena de ‘Procuro olvidarte’ de Manuel Alejandro, y la recuperación de dos temas inesperados de Najwa son muy grandes); desde luego esta cinta vuelve a ser eminentemente femenina, con un reparto en el que destaca también Carme Elias; tiene música de Alberto Iglesias; y sobre todo recurre a algunos de los mejores trucos estructurales de ‘Volver’ o ‘Todo sobre mi madre’ para conectar personajes y diferentes generaciones en busca de justicia poética… o de un dramatismo que realce traumas, sacando a la luz toda nuestra mediocridad. 8.
Tras el éxito descomunal de ‘Lean On’, MØ ha seguido publicando singles con más (‘Final Song’) o menos (‘Drum’) éxito, incluso quedándose a las puertas de repetir aquel bombazo junto a Major Lazer y DJ Snake con ‘Cold Water’, su otro éxito con el trío comandado por Diplo, en este caso además con la ayuda de uno de los reyes del pop actuales, Justin Bieber. Desde luego, Karen Marie Ørsted no es una “one-hit-wonder” y tampoco se puede quejar de que temas tan certeros como ‘Kamikaze’ no hayan funcionado, pues está claro que el “flop” no ha sido ni de lejos lo único que ha conocido en los años posteriores a ‘Lean On’. De hecho, las cosas le han ido bastante bien desde entonces -desde luego mejor que con su debut de 2014-, como demuestra también el éxito de ‘Nigths with you’ y ‘Don’t Leave’ con SNAKEHIPS en las plataformas de streaming. Su segundo disco, ‘Forever Neverland’, ha tardado cuatro años en llegar -antes hemos conocido un EP, ‘When I Was Young’-, pero por lo menos ha llegado, que es más de lo que pueden decir otras.
MØ podría haber incluido todos estos mini éxitos en un segundo disco-batiburrillo para inflar la media de hits de ‘Forever Neverland’, a la manera de Shakira. Sin embargo, la danesa ha optado por la vía difícil, presentar una obra compuesta totalmente por temas nuevos y con concepto, en este caso centrado en la nostalgia, que también se traslada al evocador sonido de (casi) todas las canciones del disco. ‘Forever Neverland’ es una obra cohesiva cuya secuencia incluso parece tener un sentido: la “intro” utiliza un fragmento de la última canción, cerrando el círculo, y el disco contiene dos mitades bastante bien diferenciadas en “mood” -una más divertida, la otra más melancólica, a la manera gradual de una puesta de sol- y separadas por un curioso interludio en el que MØ anuncia: “sé que debería quedarme, y si fuera más valiente lo haría, pero ahora mismo solo quiero llamar a mi madre y pirarme de West Hollywood”.
Lo que ocurre antes y después de esta balada de 1 minuto y 8 segundos es un suculento festín de buen pop que lograremos disfrutar más si aceptamos tres cosas: las letras de MØ, que hablan de la juventud, fiestas y amoríos pasados, son completamente intercambiables y genéricas a más no poder, ella es una intérprete plana e incapaz de emocionar (aunque lo intente, como en el incómodo final de ‘Purple Like the Summer Rain’), y el disco se habría beneficiado claramente de haber salido un par de años antes. Superado esto, ‘Forever Neverland’ mola. ‘Way Down’, el hit claro de todas estas canciones nuevas, aúna flautas indias y coros tribales con un ritmillo que parece inspirado en el ‘Work’ de Rihanna y Drake, ‘Sun in Our Eyes’ con Diplo funciona con su espíritu despreocupado y veraniego (ojo a sus cerca de 24 millones de streaming en Spotify), ‘Beautiful Wreck’ es más sensible que la típica balada caribeña con xilófonos e ‘Imaginary Friend’ -mi favorita- demuestra que la moda dancehall en el pop todavía es capaz de producir canciones realmente evocadoras.
Aunque cabe lamentar que estas canciones no hayan caído en manos de una cantante con más carácter, por lo menos sí cuentan con buenos ganchos y producciones más interesantes y sofisticadas que la media, aunque en algunos casos se pasen con la influencia caribeña, como sucede en las forzadas ‘Nostalgia’ y ‘Red Wine’ con Empress Of, o caigan en la balada superflua de rigor, como ‘Mercy’. Sin embargo, el álbum sí logra sorprender en al menos dos ocasiones. En primer lugar, ‘Blur’ es una buena canción surgida de una idea en apariencia imposible como fusionar guitarras brit-pop con un pegadizo estribillo de “pito”, añadiendo a la poción el efecto “prismizer” de moda en la voz de MØ; y en segundo lugar destaca ‘If It’s Over’, que con su punto feísta y caótico (sorpresa, es una colaboración con Charli XCX) es claramente la canción más divertida de todo este nuevo conjunto de temas.
Así las cosas, ‘Forever Neverland’ quizá no dure “para siempre” en nuestros reproductores, pero como documento de un episodio concreto en la historia del pop comercial es digno como mínimo. Desde luego, más merecedor de nuestra atención de lo que sugieren esas miserables 2 estrellas que le ha puesto The Guardian…
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Way Down’, ‘Blur’, ‘Sun in Our Eyes, ‘If It’s Over’, ‘Imaginary Friend’ Te gustará si te gusta: Tove Lo, Charli XCX, Tove Styrke, Carly Rae Jepsen Spotify:Spotify
Al margen del popular Nils Frahm o de otros compositores de renombre como Max Richter o Dustin O’Halloran, siguen surgiendo en la escena neoclásica nuevos pianistas con potencial de acceder a públicos mayoritarios. Es el caso del canadiense Jean-Michel Blais, cuyo debut, ‘II’, fue uno de los mejores discos de 2016 para Time y cuyo nuevo trabajo, ‘Dans ma main’, ha recibido una nominación al prestigioso Polaris Music Prize, que este año se ha agenciado Jeremy Dutcher.
Jean-Michel Blais actuará por primera vez en España el domingo 28 de octubre en el Circulo de Bellas Artes de Madrid y el jueves 1 de noviembre en el Palau Dalmases de Barcelona. Presentará naturalmente un ‘Dans ma main’ de accesibles y emotivas composiciones a piano, cercanas al estilo de Erik Satie y Frederic Chopin, pero abiertas a su vez a la profundidad y posibilidades que ofrece la electrónica, de la que Blais extrae texturas y atmósferas con las que enriquece sus temas, a veces de manera más sutil (‘forteresse’) y otras más contundente (‘igloo’).
La aproximación de Blais a la electrónica se debe a su relación con el músico canadiense nominado a un Grammy Michael Silver, conocido por su alias CFCF, con el que colaboró en el EP ‘Cascades’. En cualquier caso, el canadiense ha entregado composiciones de una gran belleza, y no sería de extrañar que en unos años termine involucrado en el ámbito de las bandas sonoras como tantísimos compañeros de gremio han hecho en tiempos recientes, desde el propio Max Richter a Kreng pasando por supuesto por el tristemente fallecido Jóhann Jóhansson. El potencial de Blais en cualquier terreno es innegable.
Ya es 26 de octubre en algunos países, como Australia o Nueva Zelanda, lo que significa que ‘Honey’, el nuevo álbum de Robyn, uno de los más esperados de 2018 en el mundo del pop, ya está a la venta en estos territorios. Como suele pasar en estos casos -pasó, por ejemplo, con ‘reputation’ de Taylor Swift-, la publicación oficial de ‘Honey’ ha propiciado su consiguiente “filtración” en la red, y el debate entorno a él ya está en marcha en los foros de música, por ejemplo en el de Popjustice, y también en el nuestro.
De momento, la crítica está recibiendo ‘Honey’ con grandes alabanzas. Hoy Pitchfork publica su crítica del disco, que puntúa con un 8,5 sobre 10 y la etiqueta “Best New Music”. Rolling Stone comparte también su valoración con una nota de 4 estrellas y media sobre 5 y NME con una nota de 4 estrellas sobre 5. Todas estas críticas valoran la sutileza de las composiciones y la producción del álbum, muy diferente a la explosión electropop de ‘Body Talk‘, el que hasta ahora era el último álbum en solitario de Robyn, lanzado hace ya ocho años.
En todo este tiempo, sin embargo, Robyn no ha estado parada. En 2014 publicó un EP con Röyksopp, en 2015 otro con La Bagatelle Magique y en 2017 colaboró en tres temas de Mr. Trophat. Hace unos meses, la sueca presentaba el primer avance de ‘Honey’, ‘Missing You’, al que posteriormente daba continuación con la canción que da título al álbum.
Rosalía prepara el lanzamiento de su nuevo disco, ‘El mal querer’, que llega a las tiendas el 2 de noviembre auspiciado por dos singles de éxito como son ‘Malamente’ y ‘Pienso en tu mirá’, que la cantante acaba de presentar en la BBC. Esta última, por otro lado, ha sido interpretada esta noche en la gala 5 de Operación Triunfo.
Mientras, Rosalía se ocupa de otros menesteres profesionales. Este mediodía ha acompañado a Tim Cook, CEO de Apple, en su visita sorpresa al Apple Store de Madrid en presentación del HomePod, el nuevo altavoz inteligente de Apple, que llega a las tiendas españolas el 26 de octubre. Como informa El País, Cook ha resaltado de España su potencia como “mercado de crecimiento”, así como su arte y música, entre otras cosas. El empresario, por cierto, es fan de ‘El mal querer’, dice que es “fenomenal”.
El pasado mes de marzo era otra artista, FKA twigs, quien colaboraba con Apple presentando un fantástico anuncio/videoclip para el HomePod, dirigido nada menos que por Spike Jonze. El dispositivo buscará competir con otros altavoces inteligentes ya disponibles en el mercado, el Echo de Amazon y el Home de Google.
La música corre por nuestras venas. Thank you for making HomePod’s launch in Spain extra special, @rosaliavt! Your new album is phenomenal. pic.twitter.com/VnJARrgV9X
Najwa Nimri, que acaba de protagonizar la película recomendada ‘Quién te cantará’ de Carlos Vermut -cuya canción principal, una versión de ‘Procuro olvidarte’ de Manuel Alejandro interpretada por Najwa y Amaral, hemos estrenado en JENESAISPOP-, suma nuevo proyecto de altura. La actriz y cantante acaba de ser confirmada por Netlflix en la tercera temporada de ‘La casa de papel’, que empieza a rodarse en noviembre. Asegura Netflix que la presencia de Najwa en la serie es “señal definitiva de que se va a liar. MUCHO”.
El actor argentino Rodrigo de la Serna ha confirmado también su fichaje por el “thriller” de Netflix (antes emitido por Antena 3), declarando que aparecerá en la tercera temporada de la serie y en la siguiente… confirmando así lo que todavía no ha anunciado Netflix, que habrá cuarta temporada de ‘La casa de papel’. De hecho, como indica Vertele, el medio argentino Clarín afirma que las temporadas 3 y 4 de la serie se rodarán a la vez.
Volviendo a Nimri, quien por cierto viene de aparecer en otra serie de éxito de Antena 3, ‘Vis a vis’, la actriz estrena en noviembre otra película, ‘El árbol de la sangre’, dirigida por Julio Medem. En ella, Nimri comparte reparto precisamente con Úrsula Corberó, quien será compañera de reparto en ‘La casa de papel’.
“Ross from Friends” ha sido un sintagma muy buscado esta semana en internet debido al robo de varias latas de cerveza en Blackpool por un hombre que guarda un parecido más que sospechoso con David Schwimmer, el actor que interpretaba a Ross Geller en la aclamada comedia de los 90 ‘Friends’. Pero Ross from Friends también es el nombre artístico del productor británico Felix Weatherall, que actúa este viernes 27 de octubre en la sala Lolita de Razzmatazz, en Barcelona. Las entradas están a la venta.
Gracias a éxitos como ‘Talk to Me You’ll Understand’ o ‘Bootman’, Ross from Friends, del que ya os hablamos con motivo de su paso por Primavera Sound, es uno de los nombres más reconocibles del denominado lo-fi house, un mini-movimiento musical surgido en el último par de años en internet que busca devolver la “autenticidad” al house haciéndolo sonar deliberadamente sucio y “desgastado” (en palabras del propio Weatherall), como si procediera directamente de una polvorienta mesa de mezclas o de un casete. ‘Talk to Me You’ll Understand’ es uno de los temas más emblemáticos de este sub-género lo-fi, con un punto en las voces, además, muy propio de Burial.
Este año, Ross from Friends ha publicado sus primeras referencias a través de Brainfeeder, el sello de Flying Lotus. Se trata de el EP ‘John Cage’ y el álbum ‘Family Portrait’. En ambas referencias, Weatherall ha enriquecido su propuesta recreándose en influencias como el italo-disco, el synth-pop, el hip-hop e incluso el vaporwave, sin abandonar nunca la esencia última de su sonido, el lo-fi. Así, ha abierto nuevos caminos a través de los que guiar su original sentido del house “hecho desde la habitación”, pero lleno de alma y sobre todo de una calidez y carácter (las voces post-Burial se repiten en otros temas como ‘Don’t Wake Dad’ y ‘Pale Blue Dot’) que solo podía haber tenido lugar en 2018.
Se llama ‘Close To Me’ y, dado que se ve obligada a ponerse un poco al día en cuanto a tendencias pop tras esta relativamente larga ausencia, cuenta con la colaboración de dos artistas que están en lo más alto en este momento: Diplo, que en realidad lleva ahí instalado toda la última década pero no se baja gracias a sus trabajos como Major Lazer, Silk City o LSD (entre otras docenas); y Swae Lee, integrante del dúo de hip hop Rae Sremmurd, que tras el pelotazo de ‘Black Beatles’ se ha consolidado como una de las nueveas estrellas del género gracias a su último disco, ‘SR3MM’.
Así, el tema es un tema que, aunque comienza con una guitarra arpegiada, está fuertemente influida por producciones de pop contemporáneo con gran influjo del rap, del estilo Benny Blanco, DJDS o SG Lewis. Con un buen gancho melódico ejecutado en su estribillo por la británica, la canción no es la repanocha pero parece bastante grower y al menos evita el cansino rollo tropical.
Hace unos meses celebrábamos el regreso de un programa que se dedicara seriamente a ofrecer actuaciones musicales en directo y entrevistas con los artistas relevantes y actuales. Y, tras sus primeros programas, es un hecho que ‘La Hora Musa‘ ha sido una grata noticia para los seguidores de la música pop. También porque, inesperadamente, el ejemplo parece estar cundiendo: hoy se ha confirmado que Movistar+, plataforma audiovisual de Telefónica, estrenará ‘Sesiones Movistar+’, un programa que por concepto se asemeja bastante al formato de La 2 –si bien es cierto que tampoco se ha descubierto el sílex, precisamente–.
El conductor de este espacio será Arturo Paniagua que, tras el cierre de su programa de pop alternativo en Los 40 Principales, ‘Los40 Trending‘, había intervenido en ese mismo canal tanto en el también cancelado ‘Likes‘ como siendo asesor musical en el talent-show de danza ‘Fama ¡A Bailar!’. El programa que se emitirá en #0 tendrá 40 minutos de duración contendrá entrevistas en profundidad con los grupos y artistas protagonistas, además de varias interpretaciones en vivo, que serán tanto temas propios y una versión-sorpresa de otras bandas y/o artistas que elegirá cada uno. El anuncio llega apenas un día antes de que comience su emisión: mañana, viernes 26 de octubre, debutan con nada menos que Vetusta Morla, a los que recientemente veíamos también en el programa de Maika Makovski. Los responsables de ‘Sesiones Movistar+’ han anunciado también los artistas que acudirán como invitados en cada uno de los próximos programas, entre los que encontramos sobre todo artistas de corte independiente: Vega, Viva Suecia, Carmen Boza, Izal o Lori Meyers (aún sin fecha concreta de emisión) estarán próximamente en nuestras pantallas.
Programación de ‘Sesiones Movistar+’:
– Vetusta Morla (26 de octubre)
– Vega (2 de noviembre)
– Viva Suecia (9 de noviembre)
– Carmen Boza (16 de noviembre)
– Izal (23 de noviembre)
– David Otero (30 de noviembre)ç
– Morgan (7 de diciembre)
La cantautora venezolana Georgina está estos días de gira por nuestro país con una gira íntima llamada «La Georgira». Se trata de un tour en locales de pequeño aforo en el que repasa en acústico las canciones de toda su trayectoria. La gira llega esta semana al ciclo Vibras Mahou de la ciudad de Madrid con todo agotado con antelación (se han hecho dos fechas, martes y jueves), pero la cantante también ha colgado el cartel de «no hay entradas» en ciudades como Valencia. Georgina también actuará en el Festival Más Músicas de Bilbao el 8 de noviembre, el 10 de noviembre en Fuengirola, el 24 de noviembre en Sevilla, el 29 de noviembre en A Coruña, el 30 de noviembre en Vigo y el 26 de diciembre en el Festival Más Músicas de Madrid, como compensación para los que os hayáis quedado sin entrada esta semana. Las entradas están disponibles en Ticketea.
A lo largo de la última década, Georgina ha acumulado éxitos millonarios en las plataformas de streaming, como ha sido el caso de ‘Menamoré’, ‘Supermujer’, ‘Con solo una mirada’ o aquella ‘Rara’ en cuyos créditos encontrábamos a Kim Fanlo, ex Nena Daconte. Sin embargo, su repertorio va necesitando ya de nuevos éxitos, nada a lo que le vaya a poner solución en breve.
Georgina está oficialmente «a pocos meses de entrar a grabar el que será su cuarto disco», algo que ha ido narrando de vez en cuando en las redes sociales sin revelar demasiado. Eso sí, el pasado verano posaba en redes junto a Miriam de OT, afirmando que esta estaba cocinando «discazo». Habrá colaboración, por tanto.
Ya es la segunda vez esta semana que Dave Meyers nos deja boquiabiertos o con una sonrisa en esa misma zona facial. Primero lo logró con el clip de ‘Sicko Mode’, single que unía a Travis Scott y Drake en ‘Astroworld’, último disco del primero, y ahora vuelve a hacerlo con el vídeo oficial para ‘Zero’, la canción ultrapopera –produce John Hill (M.I.A., Santigold, Shakira, Florence + The Machine)– que han compuesto para la banda sonora de ‘Ralph rompe Internet’, segunda parte del film de animación de Disney inspirado en el mundo de los videojuegos ‘Rompe Ralph’ –se estrena el próximo 21 de noviembre–.
El clip se ambienta, de manera casi previsible, en el clásico salón de juegos de “arcade” que para muchos fueron un segundo hogar en su infancia y adolescencia, ¿verdad, Lois? Allí encontramos a los miembros del cuarteto autor de ‘Radioactive’ en distintos papeles, desde el de gerente del salón a esforzados jugadores. Sólo que, fiel al estilo de Meyers, nada es convencional: para empezar, nos encontramos con un Dan Reynolds que, como si de un Mario se tratase, es todo cabeza… literalmente. Así, se suceden todo tipo de planos locos y potentes estéticamente, aunque no haya un leitmotiv claro en la narrativa del clip.
‘Zero’, además de sonar en el film de animación, formará parte de ‘Origins’, el cuarto disco de Imagine Dragons que se publica el próximo 9 de noviembre, poco más de un año después de que publicaran el exitosísimo ‘Evolve’ que presentaban recientemente y con gran éxito en Dcode 2018.‘Origins’ había sido adelantado por el «artificio eurovisivo» de ‘Natural’.
Tracklist de ‘Origins’:
1. Natural
2. Boomerang
3. Machine
4. Cool Out
5. Bad Liar
6. West Coast
7. Zero
8. Bullet in a Gun
9. Digital
10. Only
11. Stuck
12. Love
Algo que de toda la vida se había limitado al forrar carpetas y paredes de dormitorio con fotos de sus ídolos y acudir a firmas de discos para llorar y dar grititos ante la presencia de aquellos ha saltado la barrera de lo íntimo para influir decisivamente en la deriva de estos concursos, habida cuenta de la participación popular que se ha impuesto como tendencia. El fenómeno carpetero, término que aglutina al fenómeno fan más obcecado (y también divertido, para qué negarlo) del mundo del espectáculo –se extiende tanto a talent-shows como a realities de todo pelaje–, ha comenzado a hacer de las suyas en Operación Triunfo 2018.
En la gala 5, en la que se esperaba que la noticia fuera la interpretación de ‘Pienso en tu mirá’ o la intervención del australiano Vance Joy (otro inesperado fenómeno neo-carpetero), la juventud carpetera tomó la palabra y dio muestras de hasta qué punto puede influir en la deriva del concurso. Primero, salvó por una considerable mayoría a un torpón Carlos Right –guaperas oficial de la edición– que solventó “malamente” (saludo a Rosalía) un ‘Tip Toe’ de Jason Derulo que le iba grande a todos los niveles. Su víctima fue un Dave que venía olfateando –siempre con un intachable buen humor– la tapicería del VTC que habría de trasladarle desde la academia hasta un hotel de Barcelona desde casi el inicio de OT2018. Y aunque su perfil encajaría mucho mejor en ‘Se llama copla’ de Canal Sur que en este talent, anoche no se mereció, en ningún caso, ser él el defenestrado, porque cantó (algo que su contrincante catalán obvió) con personalidad una canción menos popular estos días pero bonita, ‘Créeme’ de Vicente Feliú y Silvio Rodríguez. ¿De verdad que el valiente fue Carlos? Right.
La segunda escabechina de las carpeteras llegó a la hora de elegir al favorito de la jornada. En una jugada similar a la que se practicó la semana anterior con María, librándola de la ira del jurado tras el affair “mariconez” al hacerla favorita, Miki fue encumbrado como el mejor de la noche para los espectadores. ¿De verdad lo fue? Para nada. Hay que valorar su esfuerzo y coraje por hacer suya una canción tan complicada como ‘El patio’, pero la responsabilidad le perdió y, aparte de atacar el tema totalmente desafinado, no llegó a emular la intensidad emocional que su autor, Pablo López (presente en el plató anoche para interpretar su nuevo single con Miriam Rodríguez, por cierto). Miki se libró así de la posible nominación, aunque tuvo fuertes rivales en el lado malo de la noche: después de que los profesores salvaran de la quema del jurado a Marilia, sus compañeros libraron a Carlos Right del trance, dejando a Marta y Damion de nuevo en la antesala de volver a casa.
No fue justa la sentencia de los espectadores, sobre todo porque hubo compañeros que sí hicieron grandes actuaciones, como Famous y Alba Reche ofreciendo un potable espectáculo de canto y baile con la versión tropical-bakala de ‘Fast Car’; o las propias Natalia y Julia, que torearon razonablemente bien el morlaco de la canción de Rosalía incluso mejor que la propia artista barcelonesa en la BBC –aunque es justo decir que la responsabilidad y el escenario no son comparables–. Ellos demostraron que, como bien dijo Joe Pérez Orive, el concurso ya está empezando a polarizarse entre posibles ganadores y meros supervivientes.
Diría que entre los últimos está un Miki del que, pese a todo, no se puede decir que siga en el programa por ser guapo y adorable, sino porque realmente ha progresado y trabajado de manera notable, cuando partía como uno de los triunfitos más flojos del casting final. Aún así, 10 ediciones de este talent-show nos han enseñado que, al final del todo, siempre estarán los más aptos artísticamente y que las carpeteras (desde el cariño, siempre) pueden hacer a sus ídolos llegar lejos, pero difícilmente les harán ganar.