Snail Mail, Boy Pablo y Ama Lou, entre los casi 50 artistas emergentes de la nueva edición de Primavera Club

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7 septiembre, 2018

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Ya comentaba hace 6 años, en la crítica de ‘Sweet Heart Sweet Light’, que da la sensación de que cada álbum de Spiritualized, la extensión musical de Jason Pierce, está ligado a un momento de catarsis en vital de su alma mater. Si entonces era la superación de una doble neumonía que le puso al borde de la muerte, en el caso del demorado ‘And Nothing Hurt‘ el problema ha sido algo más prosaico: el dinero. Pierce no tenía presupuesto para hacer el disco que quería, una grabación con el sonido de estudios históricos como los de Columbia o los de Capitol pero que aparentara ser emitida desde un satélite orbitando desde el espacio. Una ambición tan enorme fue resuelta de la manera más pequeña y, a la vez, difícil para él por todo lo que desconocía sobre grabaciones digitales: se compró un portátil y trató de reproducir en su dormitorio prácticamente cada sonido excepto los de instrumentos que no cabían allí, como timbales o un contrabajo. Un aventurero tratando de avanzar en un territorio inexplorado, como en su portada.

Este proceso artesanal de literalmente años (dice que llegó a manejar hasta 200 pistas) le llevó a un estado que él define abiertamente como próximo a la locura, llegando a afirmar que este sería el último disco de Spiritualized. Hoy, con el trabajo en sus y nuestras manos, afortunadamente no parece estar tan seguro de aquello, si bien sí tiene claro que fue “estúpido” por su parte embarcarse en esta tarea. La pregunta, obviamente, es si todo ese trabajo ha merecido la pena. Y la rotunda respuesta es un enorme sí. No sabría decir, evidentemente, si ‘And Nothing Hurt’ suena tal y como Pierce tenía en su cabeza (hay que decir que, con la base del álbum que él grabó, finalmente se añadieron los instrumentos de su banda de directo, cuerdas, vientos y coro, esta vez sí en estudios convencionales). Cierto es que se percibe en estas nueve canciones (con 48 minutos, es su disco más breve tras ‘Amazing Grace’) un componente singular en lo sonoro, un toque sintético o irreal, al estilo de los últimos trabajos de “sonido Disney” de Brian Wilson. Un halo de ensoñación que, a su manera, contribuye al brillo optimista que sobrevuela casi cada canción.

Lo que desde luego puede decirse de ‘And Nothing Hurt’ es que, tras ese pesaroso proceso de gestación, Pierce sigue sin desviarse de su camino de blues, soul, gospel y rock and roll evolucionado y que, además, suena tan espectacularmente bien como cualquiera de los últimos álbumes de Spiritualized. Su faceta más reconocible, esas ya clásicas explosiones sonoras por acumulación de capas e instrumentos, vuelve a tener aquí su protagonismo en números monumentales como ‘On The Sunshine’ o la bárbara ‘The Morning After’, un más que posible homenaje a Lou Reed y un relato en el que una Jane adolescente (¿no habéis olvidado ‘Hey Jane’, verdad?) sopesa cómo escapar de la vida de comodidades (y control) a la que le someten sus padres: “Janey tuvo una revelación de camino a la escuela / se ahorcaría sobre la piscina / Eso les golpeará fuerte porque ella siempre supo / que cada madre quiere morir antes de que lo hagan sus hijos”.

En todo caso lo que reina sobre todo en ‘And Nothing Hurt’, más allá de esos dos arrebatos, es un sentimiento de ternura inconmensurable, casi idílico. Pierce dice que, a sus 53 años, no podía ni quería escribir canciones rock como si tuviera 23. La muerte de su madre el pasado año –a quien dedica el disco– le ha hecho afrontar (de nuevo) la inevitabilidad de la suya propia. Pero esta vez, en lugar de hacerlo con miedo o tristeza, J. Spaceman lo encara de manera insólita: con cariño y docilidad. Es lo que emanan canciones delicadas como la bluesy ‘Damaged’, el bonito vals ‘The Prize’ (en la que se pregunta, con emocionantes juegos de palabras y repeticiones, si el “premio” de la vida puede ser el amor… o no) o la preciosa ‘Let’s Dance’. Esta última es, claramente, uno de los momentos álgidos del octavo álbum de estudio de Spiritualized, una animosa invitación a un “baile final” con sabor a derrota pero baile, al fin y al cabo: “Se hace tarde / están recogiendo las sillas / Si ponen Big Star en la radio nos dejarán quedarnos / Oh, “September Girl”, ven, gobierna mi mundo y baila”, canta Pierce.

Esa ternura, en todo caso, está aderezada aquí con toques de autocompasión (la que desprende en el fantástico single ‘I’m Your Man’) y sarcasmo, como el de ‘A Perfect Miracle’, en la que Pierce, ukelele en mano, contrapone cursis palabras sobre un amor de cuento (“cogería las estrellas y las alinearía para que dijeran “Cariño, te amo”») para, acto seguido, despachar cómicamente a una mujer que le da su amor mientras él está muy ocupado trabajando. Un tono humorístico que también está en la apacible y juguetona ‘Here It Comes (The Road) Let’s Go’, en la que Pierce, tras dar instrucciones de GPS humano a su chica para que le encuentre, culmina invitándola a “cepillarse el pelo, meterse una raya y pasar la noche colocados”. Genio y figura. Y por si nos quedábamos con demasiado buen sabor de boca, la ensoñadora balada ‘Sail On Through’ nos despide con un bonito y amargo golpe de honestidad, con frases brutales como “no diré mentiras, diré la verdad: sabes que no necesito estar contigo / Y si pudiera soportarlo, navegaría hasta ti / Y si no estuviera tan borracho, navegaría hasta ti”. A pesar de eso y como pretendía Pierce, ‘And Nothing Hurt’ es, además de una obra equilibrada y deliciosa de escuchar, su disco más positivo hasta la fecha, subvirtiendo el aura de malditismo de antaño y, como su título, resolviendo la ecuación de sus vicisitudes personales de una manera concisa y optimista: “y nada dolió”.

Spiritualized han anunciado dos conciertos de presentación de ‘And Nothing Hurt’ en España. Será el 2 de noviembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona y el 3 de noviembre en La Riviera, Madrid.

Calificación: 8,8/10
Lo mejor: ‘I’m Your Man’, ‘Let’s Dance’, ‘The Morning After’, ‘The Prize’, ‘On The Sunshine’
Te gustará si te gustan: el último Brian Wilson, el Elvis Presley decadente y Slowdive.
Escúchalo: Spotify

¿Qué fue de Mirwais y qué esperar de él en 2018?

Por

Sergio del Amo

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6 septiembre, 2018

27

Se venía rumoreando desde abril, pero este pasado 14 de junio muchos nos llevamos una gratísima sorpresa cuando tanto Madonna como Mirwais Ahmadzaï se valieron de sus respectivas cuentas de Instagram para colgar una foto que confirmaba al cien por cien algo que muchos ansiábamos: los dos estaban nuevamente dentro de un estudio de grabación trece años después de que trabajaran juntos para el ‘Confessions On A Dance Floor’ en aquellos dos bonus tracks titulados ‘Fighting Spirit’ y ‘Super Pop’. Aunque si por algo se recuerda al tándem es por el gran trabajo que hicieron juntos en ‘Music’ (en el que también se colaba William Orbit por los créditos) y aquel ‘American Life’ que produjo íntegramente este suizo de raíces italo-afganas.

Mirwais ya era conocido en tierras francesas a principios de los ochenta gracias a su banda Taxi Girl, con la que aunó el sonido de The Stooges con el de Kraftwerk y que acabó siendo a posteriori, incluso, una influencia para artistas como Daft Punk o Air. A finales de aquella misma década y principios de los noventa, además, formó junto a su pareja de entonces, Juliette Desurmont, Juliette et les Indépendants, un grupo que mamaba de la chanson y el pop más lánguido que no dejó de ser algo anecdótico en su historial, como aquel álbum homónimo con el que debutó en solitario en 1990. Por entonces no contaba con un sonido del todo definido y se dejaba querer por el punk, el krautrock y la new wave a lo Captured Tracks. No obstante, todo cambió en abril del año 2000 cuando editó ‘Production’ y cuatro meses más tarde cuando el mundo pudo escuchar por vez primera aquella marcianada adelantada a su tiempo que fue el single de ‘Music’.

Sin apenas darnos cuenta Mirwais se alzó como uno de los productores electrónicos más visionarios de su generación gracias al buen hacer de singles como ‘Disco Science’, que oficialmente se editó en 1999 pero cuajó realmente entre las masas un año después tras formar parte de la banda sonora de ‘Snatch’ (el segundo largometraje de Guy Ritchie; por entonces el marido de la Ciccone) y numerosas campañas publicitarias. Con ‘Production’ nuestro protagonista se adelantó por escasos meses al fenómeno del electroclash dejando claro que los viejos rockeros también podían hacer bailar de lo lindo al público. Las guitarras tratadísimas de ‘Don’t Tell Me’ o que sobrevuelan a lo largo de ‘American Life’ no existirían si previamente el productor no hubiera experimentado con ese recurso en su siempre a reivindicar ‘Naïve Song’.

Sin embargo, lo curioso del asunto vendría después. Tras trabajar con Madonna en 2003 en el ya citado ‘American Life’ la productividad del productor se redujo drásticamente. Tal es así que desde entonces nunca más se ha vuelto a saber de un sucesor de ‘Production’ y Mirwais en los años siguientes sólo aparecería en los títulos de crédito del segundo largo de Fischerspooner (co-produciendo ‘Never Win’ y ‘Cloud’ de aquel ‘Odissey’ de 2005) y en la puesta de largo de Uffie (encargándose de la producción de cuatro de los temas de aquel ‘Sex Dreams and Denim Jeans’ de 2010 por el que se paseaba lo más granado de Ed Banger como SebastiAn, Mr. Oizo o Feadz).

Redujo su productividad, sí, pero eso no quiere decir que desapareciera completamente del mapa. Justo antes de trabajar con Uffie, en 2009, lideró junto a la cantante libanesa Yasmine Hamdan (quien fuera la mitad de Soapkills) Y.A.S., un dúo de electropop que editó ese mismo año un curiosísimo álbum titulado ‘Arabology’ que pasó injustamente desapercibido en Francia. Y ya no digamos en el resto del mundo. Que la mayoría de los temas fueran cantados en árabe no era excusa, ya que las melodías de Mirwais hablaban por sí solas y reescuchando temas como ‘Get It Right’, ‘Azza’ o ‘Yaspop’ ahora mismo resulta imposible mantener los pies quietos.

Entendiendo Y.A.S. como un paréntesis temporal en su carrera, lo poco que se ha sabido de Mirwais antes y después de ese proyecto es a través de los contados remixes que ha firmado. Se encargó de mutar el ‘Can’t Stop Moving’ de Sonny J en 2008, un año más tarde remezcló el ‘We Are Golden’ de Mika y durante los cuatro años siguientes se le perdió por completo la pista. En 2014 volvería para co-producir y escribir el tema ‘Dancing with the Shadows’ de las francesas Plastiscines, mientras que en 2015 firmó un remix del ‘Hope for the Future’ de Paul McCartney y al año siguiente otro del ‘Hold On’ de Richard Ashcroft. Y ya, poco más se puede rastrear de lo que ha hecho en los últimos tiempos.

Llegados a este punto será curioso saber en qué han estado trabajando Mirwais y Madonna de cara al próximo álbum de la diva. Por mucho que ella recientemente haya dicho a las páginas del Vogue italiano que las futuras canciones estarán influidas por los fados y la música kuduro, conociendo el historial de Mirwais a nadie le debería extrañar que lo que esté por venir sea un disco de world music con guirnaldas electrónicas. Sea como fuere, más allá de cualquier pronóstico, esperamos que Mirwais dentro de unos meses gracias a esto vuelva a la primera página de la actualidad musical. Se le echa de menos.

Rufus Wainwright, Norah Jones, Chaka Khan… celebrarán el 75 aniversario de Joni Mitchell

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6 septiembre, 2018

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Las últimas noticias de Joni Mitchell han sido agridulces. En 2015, la cantautora -retirada desde hace años, en parte debido a la extraña enfermedad cutánea que padece, y que detalló en el libro ‘Reckless Daughter: A Portrait of Joni Mitchell’ de David Yaffe- y pintora canadiense era hospitalizada tras desvanecerse en su casa, confirmándose después que había sufrido un aneurisma cerebral. Mitchell reaparecía públicamente al año siguiente en un concierto de Chick Corea en Los Ángeles, donde se dejaba fotografiar sonriente, confirmando su recuperación.

Dos años después de aquella última aparición poco se ha sabido de Mitchell. Pero 2018 es un año especial para la autora de ‘Blue’, ya que cumple 75 años, concretamente el día 7 de noviembre. Por eso, la artista lo celebrará a lo grande, con dos conciertos especiales que tendrán lugar en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles los días 7 y 8 de noviembre.

En el evento, llamado Joni 75, participarán varios artistas a los que Mitchell ha influido, y que interpretarán canciones de la artista seleccionadas de sus 19 álbumes de estudio, desde ‘Song to a Seagull’ hasta ‘Shine’ pasando por supuesto por los míticos ‘Ladies of the Canyon’, ‘Blue’ y ‘Hejira’. Son Glen Hansard, Emmylou Harris, Norah Jones, Chaka Khan, Diana Krall, Kris Kristofferson, Los Lobos, Graham Nash, Seal y Rufus Wainwright. Este último ha dicho sobre Mitchell: “la aventura musical de Joni Mitchell es ciertamente grande, pero cuanto más la conozco como persona, más impresionado quedo con la mujer misma. Cuando estoy en su presencia, el día se disuelve y uno aprecia algo que va más allá, algo lejano, pero extrañamente concreto. Todo sobre ella es un oráculo”.

La Bien Querida, Trajano!, Os Peregrinos y Baiuca, gratis este domingo en Festival das Ondas

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6 septiembre, 2018

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Este 9 de septiembre se celebra de manera gratuita el Festival das Ondas en el puerto de Barallobre, en el municipio de Fene (A Coruña, muy cerca de Ferrol). Se trata de una fiesta de fin de verano medio sorpresa que tan sólo se ha anunciado hace unos días y que reunirá a algunos de los mejores proyectos del pop nacional.

En la cabeza del cartel encontramos a La Bien Querida, que actuará con banda a diferencia de lo que se ha podido ver últimamente en esta provincia; y también a otros viejos conocidos del underground nacional como son Trajano! El cartel se completa con Os Peregrinos, el proyecto de Charlie Mysterio de Los Caramelos con Roger de Flor (Os Silvestres, Bang 74), por primera vez en Galicia, que el año pasado editaban un bonito disco de 20 minutos en Elefant llamado ‘Canto peregrino’; y el singular último proyecto del a su vez singular Alejandro Guillán.

Es posible que algunos recordéis a Alejandro por su grupo de electropop ultra colorido Álex Casanova, pero su último disco no tiene nada que ver. Lo ha editado bajo el nombre de Baiuca y en él se sumerge en la world music y la música folclórica gallega, sin renunciar a la electrónica. ‘Solpor’, editado este año, incluye verdaderas joyas como ‘Morriña’ o ‘Muíño’ que han sonado incluso más en Madrid y París que en la propia Galicia, como muestra Spotify. Los conciertos del Festival das Ondas tienen lugar este domingo 9 de septiembre de manera gratuita a partir de las 19.00.

Gwen Stefani ha llevado a Donald Trump a la Casa Blanca, según Michael Moore

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6 septiembre, 2018

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Gwen Stefani lleva una vida tranquila últimamente. Después de participar en La Voz, ahora mismo está actuando en Las Vegas, donde tiene una residencia fija de conciertos; de vez en cuando publica algún disco, como el de villancicos que lanzó la pasada Navidad, y sobre todo disfruta de la familia que comparte con su pareja, el también cantante Blake Shelton.

Hoy, sin embargo, Stefani se caerá de la silla cuando lea su nombre en todos los medios, y además relacionado con Donald Trump. Michael Moore es el culpable. El director ha realizado una entrevista con The Hollywood Reporter con motivo del estreno de su nueva película, ‘Fahrenheit 11/9’, en la que busca analizar las causas del ascenso de Donald Trump de magnate y personaje televisivo a presidente de Estados Unidos, y según él, la autora de ‘What You Waiting For?’ es parcialmente -e indirectamente- responsable de su llegada a la Casa Blanca.

Moore relata que, el 15 de junio de 2015, Trump se presentó oficialmente como candidato a la presidencia de Estados Unidos por envidia a Stefani, cuando descubrió que la cantante cobraba más por su trabajo en ‘The Voice’ de lo que él había cobrado en ‘The Apprentice’. NBC emitió ambos programas y Trump se propuso entonces demostrarle a la cadena que era más famoso que la líder de No Doubt iniciando su campaña presidencial. Según Moore, cuando NBC cortó lazos con Trump cuando este acusó a México de “enviar violadores” a Estados Unidos, Trump se encontró con que su campaña estaba funcionando igualmente y siguió adelante con ella… y hasta ahora. Tan inverosímil que solo puede ser cierto. Esto lo predijo Los Simpsons fijo.

Julia Holter fascina con el misterioso y épico primer avance de su nuevo disco, ‘I Shall Love 2’

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6 septiembre, 2018

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Julia Holter publicó, en 2015, uno de los mejores discos de aquel año -el decimocuarto, concretamente- para la redacción de JENESAISPOP, ‘Have You in My Wilderness‘. Un disco que contenía al menos dos canciones de pop orquestal maravillosas del calibre de ‘Feel You’ y ‘Sea Calls Me Home’, esta última una de las mejores canciones de 2015 para esta misma redacción.

Había, por tanto, ganas de escuchar lo nuevo de Holter, que se acaba de anunciar y llega tan pronto como el mes que viene. ‘Aviary’, el nuevo álbum de la artista norteamericana, se publica el 26 de octubre y contiene 15 pistas, de las que se ha dado a conocer la séptima en la secuencia, ‘I Shall Love 2’, mediante un misterioso videoclip dirigido por Dicky Bahto. El tema está también disponible en las plataformas de streaming.

La música de Holter, incluso en su dimensión más pop, siempre ha tenido un punto experimental, y este vuelve a ser el caso con una ‘I Shall Love 2’ fascinante que parece elementos de pop, new age y música sinfónica para dar lugar a una canción misteriosa y fascinante que se construye, poco a poco y a paso firme, sobre el lema “me he enamorado, ¿qué puedo hacer?” Quizás la canción ofrezca una respuesta…

‘Aviary’:

01 Turn the Light On
02 Whether
03 Chaitius
04 Voce Simul
05 Everyday Is an Emergency
06 Another Dream
07 I Shall Love 2
08 Underneath the Moon
09 Colligere
10 In Gardens’ Muteness
11 I Would Rather See
12 Les Jeux to You
13 Words I Heard
14 I Shall Love 1
15 Why Sad Song

Dolores O’Riordan murió debido a un ahogamiento por sobredosis de alcohol

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6 septiembre, 2018

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El día en que Dolores O’Riordan habría cumplido 47 años se esclarecen finalmente las causas de su fallecimiento, que se produjo de manera inesperada el pasado 15 de enero, cuando la cantante irlandesa se encontraba en Londres con intención de grabar. Desde el primer momento la policía no había considerado sospechosa la muerte de O’Riordan, y hoy se confirma esta conjetura tras una investigación final realizada en Londres.

Esta investigación concluye que O’Riordan murió a causa de un ahogamiento accidental por sobredosis de alcohol, tras ingerir cantidades excesivas de alcohol -se encontraron cinco botellas pequeñas de licor en su habitación- durante su estancia en un hotel de la capital británica. Una empleada del hotel halló el cadáver de O’Riordan con el pijama y una camiseta de manga larga puestos y completamente sumergido bajo el agua en la bañera de su habitación. Se ha descartado que la cantante tomara drogas más allá de las prescritas por su desorden bipolar, aunque su médico personal en Irlanda cree que O’Riordan pudo haber experimentado un episodio de manía o “ánimos elevados” en la noche de su muerte que le incitara a beber grandes cantidades de alcohol, debido al trastorno mental que padecía.

En el mismo informe sí se indica que O’Riordan trató de suicidarse en 2017 y que llegó a empezar una nota de suicidio. En aquel momento, la cantante había ingerido también cantidades excesivas de alcohol y llegó a quedar inconsciente.

Como decimos, O’Riordan trabajaba en nueva música muy poco antes de morir, y de hecho el día anterior de su fallecimiento envió material nuevo a su compañero de Cranberries, Noel Hogan. También trabajaba en nueva música para su proyecto D.A.R.K. Los miembros que quedan de Cranberries anunciaron en febrero su intención de terminar el álbum que estaban grabando junto a Dolores.

‘Campeones’ aspirará a representar a España en los Oscar

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6 septiembre, 2018

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‘Campeones’ de Javier Fesser, ‘Handia’ de Jon Garaño y Aitor Arregui y ‘Todos lo saben’ de Asghar Farhadi fueron las películas españolas pre-seleccionadas para representar a España en los Oscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. Finalmente, ‘Campeones’ ha sido la cinta escogida por la Academia de Cine para representar a nuestro país en esta categoría.

Ahora es la Academia de Hollywood la que ha de mover ficha y decidir si ‘Campeones’ es una de las películas de habla no inglesa merecedoras de aspirar a un Oscar este año. Para ello se abren unas votaciones que arrancan el 7 de enero de 2019 y concluyen una semana después, el 22 de enero. De estas votaciones saldrán las nominaciones finales en la categoría de Mejor película de habla no inglesa, que este año ha ganado la cinta chilena ‘Una mujer fantástica’ de Sebastián Lelio.

‘Campeones’ es una comedia dramática protagonizada por Marco (Javier Gutiérrez, de actualidad tras el estreno de la segunda temporada de ‘Estoy vivo’ en La 1), un jugador de baloncesto que, tras perder su trabajo y sufrir un accidente de tráfico, debe encargarse de entrenar a un equipo de personas con discapacidad intelectual. El Oscar a Mejor película de habla no inglesa se ha entregado en el pasado a directores españoles como José Luis Garci (‘Volver a empezar’), Fernando Trueba (‘Belle époque) o Pedro Almodóvar (‘Todo sobre mi madre’). La 91ª edición de los Oscar se celebrará el próximo 24 de febrero de 2019.

El actor @DanielGrao7 anuncia en la Academia que Campeones, de Javier Fesser es la película que representará a España en la 91 edición de los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa pic.twitter.com/nLpatowDeR

— Academia de Cine (@Academiadecine) September 6, 2018

La canción del día: Dua Lipa baila house 90s ante el corte de ‘Electricity’ que padecen Silk City

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6 septiembre, 2018

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Este jueves, 6 de septiembre, nos ha recibido con la promesa cumplida de que escucharíamos ‘Electricity’, el single del dúo Silk City (es decir, Mark Ronson junto a Diplo) en el que el protagonismo vocal recae en Dua Lipa. La británica se siente tan copartícipe del tema –co-escrito junto a Romy Madley Croft de The xx y Florence Welch– que lo incluirá como uno de los 3 inéditos de una próxima reedición Deluxe de su debut homónimo.

Como habían sugerido declaraciones de Mark Ronson y siguiendo la línea de los singles que Silk City han venido publicando este 2018, ‘Electricity’ es una producción claramente inspirada en el house 90s de proyectos como Black Box o Inner City –una tendencia que la propia Dua Lipa ha explotado en los últimos meses junto a Calvin Harris con el single ‘One Kiss‘–. Si bien en el caso de este single, hay un carácter más claramente soul (el peso específico de Ronson, al parecer, que remarca en su outro), evocando más a singles de Crystal Waters, M People o CeCe Peniston.

En todo caso, es un pelotazo bailable incontestable, aupado por una melodía vocal fabulosa, que Dua Lipa entona convincente y sensual. Una sensualidad que también pone de manifiesto en el cuidado vídeo oficial con el que impulsan la promoción del single: ante la amenaza de un apagón eléctrico (¿lo pilláis?) que se cierne sobre la ciudad de Nueva York, Lipa languidece de calor. Pero decide que la mejor manera de sacudirse el aplatanamiento es ponerse a bailar por su sencillito loft del Soho. Un espectáculo que desprende tanta luz que atrae a todos los bailarines jóvenes y guapos que vagan por las calles. También se apuntan Diplo y Mark, que tienen la feliz idea de subir al apartamento en ascensor. Vaya par de tolis.

The Blaze emocionan con ‘Queens’, un lamento de despedida

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6 septiembre, 2018

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The Blaze, dúo francés formado por los primos Jonathan y Guillaume Alric son una de las sensaciones de la electrónica más emocional surgida en las últimas temporadas. Tras un miniálbum debut publicado el pasado año, que hizo bastante ruido gracias a temas como ‘Territory’ y ‘Juvenile’, sobre todo gracias a sus llamativos videoclips que ellos mismos, como estudiantes de realización, dirigen.

Este 2018 está llamado a ser su año de definitiva eclosión con la publicación, este viernes 7 de septiembre, de su álbum de debut ‘Dancehall’. En él se incluirán canciones que han ido presentando este mismo año, como ‘Heaven‘, ‘She‘, ‘Faces‘ o ‘Queens’, la canción que revelaban el pasado fin de semana. Como viene siendo costumbre para The Blaze –aunque ‘She’ y ‘Faces’ no han obtenido tal privilegio–, esta última ha sido objeto de un (otro) fantástico videoclip firmado por el dúo.

Un vídeo de nuevo protagonizado por personas, en este caso mujeres, de entorno humilde que luchan contra la vida tratando de exprimir al máximo su hedonismo. Sólo que, en este caso, comenzamos conociendo ya el trágico desenlace de esta historia. Un fantástico soporte visual para un tema in crescendo, de nuevo protagonizado por una melodía vocal distorsionada, que incita una vez más a bailar con lágrimas en los ojos.

Tracklist de ‘Dancehall’:
1. Opening
2. Heaven
3. She
4. Places
5. Rise
6. Runaway
7. Breath
8. Queens
9. Faces
10. Mount

The Lemon Twigs / Go to School

Por

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6 septiembre, 2018

4

No, no todos los adolescentes y post-adolescentes estadounidenses están pendientes de la música urbana y del nuevo récord en las plataformas de streaming. También están los jovencísimos hermanos Brian y Michael D’Addario, The Lemon Twigs, que apadrinados por Jonathan Rado debutaron con su álbum ‘Do Hollywood’ en 2016, y ahora están de regreso con otro álbum muy particular. ‘Go to School’ es su pequeño musical de una hora de duración, en el que en teoría narran la historia de un mono llamado Shane. Y… ¿en la práctica? Esta no es sino una historia de marginación, de soledad, de autoafirmación de la identidad de uno mismo, tomando en gran parte de la narración un instituto como lugar al que ir o del que huir. Esos institutos americanos donde solo parece importar la popularidad y que tantas historias trágicas han dejado durante los últimos lustros.

Para musicar sus ideas, los hermanos D’Addario se han inspirado abiertamente en los musicales de Broadway, en Randy Newman o en Tiny Tim; pero también en muchas otras cosas, como el glam setentero de David Bowie, muy presente en la inicial ‘Never In My Arms, Always In My Heart’, la canción en la que los protagonistas Bill y Carol se enamoran y sufren un aborto, lo que les llevará a adoptar al mono. Sí, aquí aparece la misma vis cómica que este animal tiene en ‘Muchos hijos, un mono y un castillo‘, y así, pistas como ‘Rock Dreams’ son pura tragicomedia. Susan Hall, la madre en la vida real de los D’Addario, es quien entona esta pista interpretando a una Carol que cuenta cómo ha tenido que renunciar a su «sueño» de estrella del pop. Pero no lo hace sin sentido del humor, incorporando a la letra «plátanos» y «todo lo que Shane come… y come un montón» o exclamando con enfado: «¡todo el mundo se sabía mis canciones, y ahora solo soy una madre profesora!».

‘Go to School’ llega a incluir una bossa nova como homenaje expreso a Astrud Gilberto, una ‘The Bully’ que muta en marcha rock; así como pistas que coquetean con el country, como es el caso de ‘Small Victories‘. Pero ni inspirándose en épocas tan pretéritas como los años 20 o 30, como en ‘The Lesson’, The Lemon Twigs llegan a alejarse demasiado del pop de finales de los 60 y de los 70. Fleetwood Mac son una referencia clara en ‘This Is My Tree’, una de las canciones que ejercen de desenlace, en defensa de la personalidad de uno mismo; como Carole King lo es en ‘Lonely’, Elton John en ‘Never Know’ o The Beach Boys lo son en varios puntos del disco.

Por supuesto, estas referencias contribuyen a que varias canciones suenen completamente universales, como ‘Wonderin’ Days’, que simplemente habla de amor prohibido; o la mencionada ‘Lonely’, una canción que podían haber entonado Magnetic Fields y que el dúo ve «tan transparente» en su retrato de la soledad que casi «les da vergüenza publicarla». Sin embargo, y a pesar de la falta de un final claro para esta historia –la última pista es la típica compilación de sonidos de todo el álbum, y la penúltima, otra de las pistas universales, el estupendo single ‘If You Give Enough‘–, The Lemon Twigs han trabajado bastante su concepto. En ‘Never Know’ el mono Shane se enfrenta a la verdad de la adopción; ‘Born Wrong/Heart Song’ es toda una crisis de identidad al respecto; ‘The Fire‘ el retrato de alguien que sufre «bullying» y no se siente querido por nadie; etcétera. Los textos son bastante claros, pero en cualquier caso, existe un enriquecedor «canción por canción» en Consequence of Sound.

Estamos, pues, ante un disco ambicioso y diferente que seguro que The Lemon Twigs no esperan ver convertido en superproducción de Broadway (quizá situando como protagonista a un mono han querido quitar algo de dramatismo y densidad al asunto), pero que merece toda nuestra atención por sus cuidados y bellísimos arreglos orquestales, sus giros melódicos y estructurales y su reflexión sobre el sufrimiento adolescente hoy en día. ¿Es tan diferente al de los tiempos que referencia esta música?

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘If You Give Enough’, ‘Lonely’, ‘Wonderin’ Ways’, ‘The Bully’, ‘The Fire’
Te gustará si te gusta: Foxygen, Fleetwood Mac, Elton John, Randy Newman
Escúchalo: Spotify

¿Es esta de ‘When Doves Cry’ por Metallica la peor versión de Prince de la historia?

Por

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6 septiembre, 2018

23

Desde la devastadora pérdida de Prince en 2016, además de una abrumadora recuperación de su catálogo por parte de sus compañías discográficas y sus herederos, se han sucedido los homenajes a Prince por parte de artistas de toda índole. En estos 2 años y casi 5 meses, desde Kate Bush a Stevie Wonder, pasando por Janelle Monáe, Madonna, Justin Timberlake, D’Angelo o Lenny Kravitz, numerosos artistas han recordado al artista de Minneapolis a través sus canciones. Los últimos en sumarse a la loa a sus obras han sido, bastante inesperadamente, Metallica.

Aunque, a la vista de los resultados, casi que nos lo podrían haber ahorrado. El grupo de metal más importante de las últimas 30 décadas –comercialmente hablando– actuaba hace un par de días precisamente en la ciudad que vio nacer a Prince y, por eso, sintieron que era una buena ocasión para rendirle homenaje… aunque no creemos que hiciera especial ilusión a su fandom-tipo. El caso es que todo tuvo la pinta de estar bastante improvisado, puesto que sólo el guitarrista Kirk Hammett y el actual bajista del grupo Rob Trujillo, que además se animó a ejercer de cantante, perpetraron a dúo ‘When Doves Cry’.

El resultado, a la vista del vídeo que el grupo ha subido a su canal oficial de Youtube, es sonrojante, indigno de un grupo de su nivel hasta para su local de ensayo, no hablemos ya ante una audiencia que, atónita, apenas participaba de los “c’mon Minneapolis” y las invitaciones a corear de Trujillo. Lo peor, como decíamos, es que la triste impresión de pura improvisación que desluce sus buenas intenciones. Y sabemos que pueden hacerlo mejor.

La ridícula historia sobre la ruptura de Lil Xan y Noah Cyrus por una foto de Charlie Puth “desnudo”

Por

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6 septiembre, 2018

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Internet está revolucionada en las últimas horas gracias o por culpa de una ruptura entre dos post-adolescentes que, aparentemente, lo están pasando mal. Obviamente, no hablamos de la ruptura entre dos anónimos, sino entre dos proto-estrellas del pop post-millenial como son Noah Cyrus, la hermana pequeña de Miley, y el emo-rapero Lil Xan, que recientemente publicaba su álbum debut ‘Total Xanarchy’, bastante mal recibido por la crítica.

Según Spin ambos mantenían, aparentemente, una relación sentimental que tenía como hito su aparición pública en la gala de los últimos premios MTV, donde la cara de Diego Leanos chocando contra una marmórea e impasible Noah al tratar de darle un beso (o algo así) derivaba en uno de los memes del pop reciente más memorables. El caso es que, según han confesado ambos amargamente en sus respectivas Stories de Instagram, han roto, aunque la “controversia” (si es que llega a tal) es que no parecen ponerse de acuerdo en las causas.

Noah, en un vídeo que sería hilarante sino fuera porque llora desconsolada –bueno, incluso así es hilarante, especialmente cuando dice “respirar es superimportante para mí”– asegura que la causa por la que Lil Xan rompió con ella es porque ella le envió un meme, una imagen de la cara de Charlie Puth superpuesta sobre un musculado actor porno con el pene enhiesto. Y que por eso él dedujo que ella le engañaba (¿?). Sin embargo, Lil Xan, en otro vídeo, da la campanada al asegurar que, al menos inicialmente, su relación estaba orquestada por Columbia Records –compañía de él, ojo, no de ella–. Pero también dice que su amor sí se hizo luego real y que, aunque él aprecia mucho a la familia de ella, él tenía la certeza de que ella efectivamente mantenía otras relaciones (no necesariamente con Puth ni, obviamente, reveladas por esa foto).

El caso es que la historia de Xan podría tener sentido si consideramos que el pasado 20 de agosto ambos lanzaban ‘Live Or Die’, un single conjunto al que, obviamente, su romance podría beneficiar. Sin embargo, parece que entre “vivir o morir”, la canción morirá: Lil Xan dice que se negará en rotundo a que vea la luz el vídeo que filmaron juntos para la canción. Toda una rocambolesca historia que, por dolorosa que sobre el papel resulte para sus protagonistas –a todo esto, aún no sabemos qué opina el pobre Charlie Puth de todo esto–, está deleitando a numerosos tuiteros, que están “living” con todo esto.

.@NoahCyrus and Lil Xan appear to have broken up over cheating suspicions involving Charlie Puth.

.@LilXanfuhyobih also confirmed his music video with Noah Cyrus for their collab “Live or Die” has been canceled as a result of this. pic.twitter.com/kEKLURezXH

— Pop Crave (@PopCrave) September 3, 2018

Lil Xan breaking up with Noah Cyrus bc of a Charlie Puth meme is 2018 at its peak pic.twitter.com/cjqChvoiks

— Girl Fieri (@girrl_fieri) September 3, 2018

lil xan when noah cyrus sent him a photoshopped charlie puth nude pic.twitter.com/CE0kFIT1ct

— ethan (@ethanshumjr) September 3, 2018

noah cyrus really sent that xanx guy a fake charlie puth nude meme and then he broke up with her because he thought that shit was real. seriously—don’t do drugs y’all

— degrey ♡’s sakura (@soshisavior) September 3, 2018

Sesión de Control: La Estrella de David, Alice Wonder, Eva Ryjlen, Alizzz, Tulip, Dadalú, Cosmo K, Flores, Balún, Planeta No

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5 septiembre, 2018

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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano (con especial presencia de estos, en esta ocasión). Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de La Estrella de David, Alice Wonder, Eva Ryilkjen, Alizzz, Tulip, Dadalú, Cosmo K, Flores, Balún, Planeta No. Foto exterior, Eva Ryjlen; foto interior, La Estrella de David.

La Estrella de David

David Rodríguez es uno de los personajes más insólitos y singulares de la escena indie nacional, primero con Bach Is Dead y luego con Beef. Y, además de sus proyectos con Joe Crepúsculo o como productor habitual de La Bien Querida, su proyecto en solitario La Estrella de David ha contribuido a agrandar su pequeña leyenda, con discos como ‘El primer disco’ (2007, reeditado en 2016) y ‘Maracaibo’ (2011). Nada menos que 7 años después de aquel, David tiene listo su nuevo álbum, titulado ‘Consagración’. Lo publica Sonido Muchacho (en co-edición con Terranova e Hi-Jauh USB?) el día 19 de octubre y ya podemos escuchar un primer adelanto llamado ‘Noches de blanco satán’ y, con cierta explosión “planetera” y una alusión directa a la cocaína, presenta una estructura sorprendente.

Eva Ryjlen

La que fuera mitad del dúo Idealipsticks, un proyecto de rock á-là-The White Stripes que obtuvo cierta repercusión en la primera mitad de esta década y que ponía punto final a su carrera el año pasado, tiene su debut en solitario bajo el brazo. Se publica el 28 de septiembre bajo el título de ‘Violencia posmoderna’ y, a tenor de lo escuchado en ‘Santa Fe’, su primer adelanto estrenado en primavera, hará levantar las orejas a los fans de Ángel Stanich o incluso de la primera Christina Rosenvinge, la de Los Subterráneos. Hoy mismo Eva Ryjlen ha estrenado en Radio 3 ‘Caer’, su segundo single.

Flores

Flores es el proyecto personal de Oriol Flores Arisa, batería del grupo donostiarra Izaro que también ha ejercido como tal en la banda de Miqui Puig. Ha grabado su primer disco con producción de Yon Vidaur (de Bassmatti & Vidaur, productor también de Ama o El Palacio de Linares), un ‘Azul casi gris’ que se publica este viernes, 7 de septiembre, vía LAV Records (sello del antes citado Miqui Puig). Flores maneja una amplísima paleta de estilos, que van del disco acústico a lo The Whitest Boy Alive de ‘A Marte’ al jangle-pop a lo Prefab Sprout de ‘Llueve en Donostia’, en la que además cuenta con la colaboración de Álvaro Martínez, de Templeton.

Alice Wonder

La de Alice Wonder es otra de esas historias de artistas que consiguen atención gracias a personales versiones de canciones de otros artistas (Bon Iver, Rihanna, Lykke Li, The Black Keys, etc.) en vídeos (en su caso, Instagram). Pero más allá de su negra voz, esta artista afincada en Madrid demostró con su EP ‘Take Off’ y su composición titular, una preciosa balada que supera la friolera de 3’5 millones de reproducciones en Spotify. De ahí que su álbum debut, ‘Firekid’, sea tan esperado. Un disco publicado el pasado viernes en el que alterna querencia R&B, dream rock paisajista a lo Daughter y bases electrónicas. El próximo día 19 de septiembre estará presentando este nuevo álbum en el Festival Tribu de Burgos.

Planeta No

En el especial que nuestro colaborador Nuclear Sí dedicaba al nuevo pop chileno en 2015 no faltaban Planeta No, un trío de Concepción que facturaba un pop tan cargado de guitarras como de sintetizadores, cuya querencia por la estética ochentera y su perfil bedroom dancing podríamos comparar con nuestros Miss Caffeina. Tres años después de su álbum debut ‘Odio’ y tras algún single llamativo publicado entre medias como ‘Maricón Zara’ –envuelta en cierta polémica con Alex Anwandter–, ahora vuelven en formato ampliado (son cinco) y con un flamante ‘Peligro’, más contundente y bailable que nunca y enarbolando una producción más contemporánea.

Alizzz

Impulsado, evidentemente, por sus trabajos con C. Tangana, el productor barcelonés Alizzz no deja de escalar en su carrera y situarse como un referente internacional. Ahora, tras editar un fantástico EP como ‘Ascension‘, producir parte del último disco de Javiera Mena y después de que la artista Doja Cat (sí, la del viral ‘Mooo!’) haya empleado su tema ‘In Chains’ en un tema de su debut para la multinacional RCA, también hemos conocido que un poderoso inédito suyo, ‘Flex’, ha sido incluido en una plataforma tan poderosa como es la BSO del simulador de fútbol ‘Pro Evolution Soccer 2019’, uno de los videojuegos más importantes del momento. No cabe duda de que Cristian Quirante se dispone a hacer cosas muy grandes.

Balún

Establecidos en Brooklyn, Balún es un cuarteto de músicos puertorriqueños con más de una década de bagaje: en 2006 publicaban su primer disco de indietrónica, ‘Something Comes Our Way’, íntegramente cantado en inglés. Tras ‘Memoria textil’, un segundo álbum lanzado en 2010 y ya en español, les ha llevado 8 años publicar su continuación, un ‘Prisma tropical’ mucho más ambicioso en cuanto a sonido (mucho más orgánico y expansivo) y que está acaparando notable atención en toda América gracias a su single ‘La nueva ciudad’, que ha tenido gran repercusión.

Tulip

El tradicional concurso de maquetas del colectivo Autoplacer, con sede en el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles, en Madrid, ha tenido este año como ganadores a Tulip. Se trata de un interesante cuarteto vigués al que veníamos siguiendo la pista desde tiempo atrás, gracias a las 4 brillantes canciones de su EP debut. Indie pop de la escuela C-86 pero con gran frescura, que presentarán en el festival Autoplacer 2018, a celebrarse el próximo 22 de septiembre y en el que actuarán también Doble Pletina, Putochinomaricón, Cuchillo de Fuego, Las Odio o los peruanos Laikamorí, entre otros.

<a href="http://tuuulippp.bandcamp.com/album/tulip-ep">Tulip EP by TULIP</a>

Dadalú

Surgida en la primera ola de música independiente de Chile, junto con Javiera Mena, Alex Anwandter, Gepe o Dënver, Dadalú debutaba en 2011 en ‘Período’. Desde entonces, sorprendentemente, ha venido publicando apenas algunos EPs y singles sueltos, pero no se puede decir que haya sido en balde: el mismísimo Gonzales la escogió a ella junto a otros 5 artistas de todo el mundo (entre más de 700 solicitudes) para su iniciativa The Gonzervatory, un taller de composición de una semana en París. Allí Dadalú pudo mostrar su talento y contar con él en directo una de sus canciones, ‘Conocerte más’, también incluida en el EP que acaba de publicar ‘Tiempo negro’, en el que demuestra su singular capacidad de alternar pop naíf, soul y rap.

Bandalos Chinos

Formados en 2009 en Beccar, Argentina, este sexteto factura un pop decididamente bailable con un elegante punto de sofisticación funk, al estilo de los australianos Parcels o incluso Phoenix. Tras su debut homónimo de 2012 y un par de EPs, acaban de lanzar este agosto ‘BACH’, un disco producido por Adán Jodorosky en el que perfeccionan esa pretensión sonora con canciones tan certeras como ‘Vámonos de viaje’ o ‘Demasiado’, que merecen la máxima atención.

Cosmo K

Terminamos con una noticia que es, a la vez, mala y buena: el trío madrileño Cosmo K, una de las mejores noticias del underground reciente de la capital, se disuelve. Tras un mini LP publicado el año pasado por el sello barcelonés Snap! Clap! con canciones tan estupendas como ‘Guapura’, ‘Ex’ o ‘120 cintas de vídeo’, a medio camino de The Moldy Peaches y Vainica Doble, se separan… aunque no sin antes obsequiarnos con una última colección de canciones. En este caso Discos de Kirlian, asociados para la ocasión con Aplasta Tus Gafas de Pasta, publica el próximo 10 de septiembre su ‘Último disco’, que ya han avanzado con este ‘Suicidio’.

Nota sobre la playlist en Spotify: en el momento de elaborar la playlist no están disponibles las canciones de Flores, Tulip y Cosmo K. En el caso de estos últimos, se incluye ‘Guapura’, de su primer disco. Todas ellas serán añadidas tan pronto lleguen a la plataforma.

Volver: «Aún nos queda mucho para poder ser comparados con London Grammar o The xx»

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5 septiembre, 2018

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Volver se alzaron como ganadores de la última edición de Bdcoder, que en otras ocasiones ha dado la victoria a Cintia Lund o Marem Ladson, final de la que JENESAISPOP volvió a ser jurado. Como resultado, el dúo formado por Luis y Miriam actuará este sábado 8 de septiembre en Dcode junto a gente como Imagine Dragons, Bastille, Jorja Smith, Izal o Triángulo de Amor Bizarro. Hablamos con ellos sobre su inminente EP, sus influencias o su formación.

Contadnos brevemente vuestra historia para quien no os conozca. Es curioso que vuestra bio no mencione de qué ciudad sois (se menciona que grabáis en Madrid pero el vídeo se rodó en Barcelona) o el nombre del grupo indie-rock al que pertenecíais.
Luis: «Nos conocimos en Madrid en 2016, cuando Miriam entró como cantante en Albifornia, el grupo del que yo era batería, para intentar rescatarlo. Nosotros llevábamos ya varios años en Madrid (venidos desde Benidorm, ¡ojo!), pero la cosa se fue complicando y el grupo estaba ya tocado. En un intento por revitalizarlo, buscamos una nueva voz y… entró Miriam por la puerta con su guitarra acústica colgada del hombro. El caso es que un día probamos a cantar juntos una canción por cosas de la vida y nos gustó, y vimos que gustaba… Y nos animamos entonces a abrir una cuenta de Instagram, sin muchas pretensiones, para ir subiendo versiones de las canciones que nos apetecían. Miriam ya estaba en Madrid, por cierto. Así que somos una especie de conexión Madrid-Benidorm».

¿Cómo vivisteis la final de Bdcoder? Hubo un momento ahí bastante angustioso cuando no entraba el sonido de los sintes… ¿qué pasó?
Miriam: «Con muchos nervios, pero también con mucha ilusión. El estar en una final como esa con los grupazos que tocaron fue todo un subidón… la verdad es que nosotros ya nos sentíamos más que satisfechos con llegar a la final».
Luis: «Sí, la verdad es que para nosotros eso ya era un premio. Y lo de los sintes… bueno, es que estrenábamos un set de directo allí mismo y como apenas habíamos tenido tiempo para probar ya que éramos muchas bandas, ¡podía pasar cualquier cosa! Y pasó. Por un segundo pensé… “de ésta no salimos”».

Hubo una pequeña polémica porque tocasteis 4 temas en vez de 3, aunque juraría que Go Cactus tocaron incluso más, al ser los suyos tan cortos. ¿Por qué decidisteis hacer un cuarto?
Luis: «Bueno… en las normas especificaba que se debían tocar 3 temas o 20 minutos. En la prueba lo volvimos a preguntar para asegurarnos y la respuesta de la organización fue: “lo que os quepa en 20 minutos”. La verdad es que teníamos pensado tocar 3 pero nos sobraba tiempo y una vez en el escenario, preguntamos si nos cabía un tema más y nos dijeron que sí».

¿Qué creéis que os diferencia de grupos como The xx o London Grammar, aparte de cantar en español?
Miriam: «¡Uy! Yo creo que aún nos queda mucho para poder compararnos con esos grupos… esa elegancia que los caracteriza… ¡ojalá!
Luis: «Jajaja. Yo creo que nuestra forma de componer es más directa, quizá más pop. Llegamos antes adonde queremos llegar… Si tuviera que elegir, por ejemplo, una canción de The xx con la que nos identificaría sería ‘On Hold’… ¡Aunque ya quisiéramos que fuera nuestra!».

Lleváis tiempo grabando vuestro primer EP, ¿para cuándo podemos esperarlo? ¿Habrá nuevo tema antes de fin de año y será uno de los 4 que tocasteis en esta final? ¿Algo que podáis avanzar a nivel letras, sonido, producción?
Luis: «La verdad es que el EP lo grabamos justo antes de verano, pero decidimos esperar para lanzarlo en otoño ya que nos parecía mejor fecha. Así que sí, si no pasa nada, habrá nuevo tema antes de fin de año.
Miriam: «Y sí, será uno de los temas que tocamos».

Hay canciones o partes de canciones bastante bailables en vuestro repertorio. ¿Creéis que iréis hacia ahí en el futuro o el modo balada de ‘Alas’ lo consideráis parte de vuestra seña de identidad?
Miriam: «Creo que puedo hablar por los dos y decir que ambos somos muy fans de las baladas… pero también nos gusta la marcha! Yo me quedo con las dos».
Luis: «Con el EP hemos ido experimentando diferentes ideas que nos apetecía probar… Hay un poco de todo, baladas y temas algo más bailables, sí. Yo creo que buscaremos siempre un equilibrio en ese sentido».

Por último, ¿ambos lleváis el pelo rosa o parte del mismo rosa por una decisión estética consciente o es casualidad? Dice bastante de vuestra imagen aunque parezca una bobada.
Luis (risas): «Es cierto que lo de llevar el pelo rosa dice muchas cosas de nosotros, de nuestra actitud y de nuestras ganas de experimentar y probar cosas nuevas, como hemos hecho en el EP. Pero la verdad es que no fue a propósito. Digamos que, en mi caso, hay una historia detrás que tiene como origen la boda de uno de mis mejores amigos… Poco después se lo tiñó Miriam también y a partir de ahí, a lo tonto, acabamos adoptándolo como seña de identidad, aunque no sé si del grupo o de este primer EP…»
Miriam: ¡Bueno, yo ya llevaba las puntas rosas antes! (risas)

Pet Shop Boys, es hora de pasar página con Stuart Price

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5 septiembre, 2018

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Pet Shop Boys han confirmado en Twitter que Stuart Price producirá su próximo disco, y que la composición de este además se encuentra bastante avanzada. Parece que a través de su representante, escriben: “La composición del nuevo álbum de Pet Shop Boys continuará este mes cuando Chris y Neil vuelvan de sus vacaciones. Ellos han estado escribiendo a lo largo del año y por ahora tienen 21 canciones. El nuevo disco estará producido por Stuart Price”.

La noticia que Stuart Price producirá el nuevo trabajo de Pet Shop Boys no sorprenderá a sus fans, ya qu el grupo había declarado que trabajaba en una trilogía con Price, de la cual ya hemos conocido los dos primeros discos, ‘Electric‘ y ‘Super‘. Ambos renovaban con frescura el sonido de Pet Shop Boys, acercándolo a nuevos públicos, eran en cualquier caso trabajos notables y dejaban para la posteridad canciones memorables como ‘Love is a Bourgeois Construct’ o ‘The Pop Kids’. En el ránking de mejores discos de Pet Shop Boys publicado por JENESAISPOP en agosto de 2016, ‘Super’ quedaba sexto y ‘Electric’ cuarto.

Está claro que a Pet Shop Boys les ha ido bien con Stuart Price en los últimos años, al menos en cuanto a buscar álbumes de una calidad que no solo apreciamos nosotros (‘Electric’ tiene una media de 84/100 en Metacritic, ‘Super’ de 75/100). ¿Pero no es hora de pasar página? Si bien Pet Shop Boys han conseguido renovar su lenguaje gracias a Price -algo no al alcance de tantos grupos que, como ellos, impactaron en los 80-, el hecho que este vaya finalmente a producir un tercer álbum del dúo huele a cierto acomodamiento, a que el dúo prefiere mantenerse como está a arriesgarse y sorprender de verdad. Es un sentimiento lícito, pero Stuart Price no va hacer con ellos un disco como el de Everything Everything: no está claro qué más pueden contarnos Pet Shop Boys en un tercer disco junto a Price que no nos hayan contado ya en sus dos últimos álbumes.

Aunque es cierto que Pet Shop Boys tienen un estilo muy personal, quizás difícil de adaptar al lenguaje de otros, la lista de productores que harían bien en contratar para reoxigenar su sonido es larga y va de Hercules & Love Affair a MNEK pasando por ZHU, The Knocks o incluso Flume; artistas con los que Neil Tennant y Chris Lowe podrían conquistar nuevos fans más allá de los pocos que han producido con los últimos y sobre todo de los fans de siempre que todavía les escuchan y todavía les compran discos. Si Madonna, que es contemporánea de ellos y cuyo álbum superventas ‘Confessions ona Dancefloor’ produjo Price, puede trabajar con SOPHIE o Diplo, ¿por qué no Pet Shop Boys? Por lo menos llamarán a su fan Cardi B para colaborar, ¿no? De no ser así, eso sí sería una oportunidad perdida y no lo de trabajar con Stuart Price por tercera vez…

Writing the next PSB album will continue this month when Chris and Neil return from holidays. They have been writing throughout the year and so far have 21 new songs. The new album will be produced by Stuart Price. #PetText

— Pet Shop Boys (@petshopboys) 4 de septiembre de 2018

El regreso de Camera Obscura, entre las confirmaciones del crucero mediterráneo de Belle & Sebastian

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5 septiembre, 2018

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Belle & Sebastian habían confirmado un festival-crucero que partirá de Barcelona el 8 de agosto de 2019 y volverá a la ciudad el 12 de agosto tras pasar por Cerdeña. El grupo escocés había preguntado a sus fans qué otras bandas querían ver en ese barco actuando y finalmente llega una primera tanda de confirmaciones, a la que sucederán más en el futuro.

Entre los confirmados están Camera Obscura, Django Django, Alvvays, The Buzzcocks, Japanese Breakfast, Kelly Lee Owens y Nilüfer Yanya. Son todo buenas noticias, y nadie dudaba del gusto exquisito que iban a gastar Belle & Sebastian, pero sobre todo celebramos el regreso a la actividad de Camera Obscura tras la muerte de su teclista Carey Lander (en la imagen, a la derecha) y del disco que la única autora de la banda, Tracyanne Campbell, ha presentado este año en compañía de Danny Coughlan.

Como informamos hace unos meses, los precios para este «barco del amor» (así se llamaba en inglés ‘Vacaciones en el mar’) oscilan entre los 600 euros por persona si vas con 3 personas y te conformas con un alojamiento modesto dentro del barco, y los 8.000 euros si vas solo/a y quieres la mejor suite. La información y todos los -muchos- tipos de tickets disponibles están naturalmente en la web oficial.

Dead Can Dance presentarán sus clásicos y su nuevo disco en 2019 por partida doble en Barcelona

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JNSP

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5 septiembre, 2018

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‘Dionysus’ será el nuevo álbum de Dead Can Dance, el mítico dúo compuesto por Lisa Gerrard y Brendan Perry. El disco, grabado a lo largo de dos años, se publica el próximo 2 de noviembre a través del [PIAS] y consta de dos actos en siete movimientos que representan las distintas facetas del mito de Dionisos y su culto, tal y como se han creado obras seculares y religiosas desde el siglo XVI.

Desde su formación en 1981 y como cualquier fan de Dead Can Dance sabrá, el dúo australiano se ha interesado por el folclor tradicional europeo, no solo en términos musicales, sino también por sus prácticas seculares, religiosas y espirituales. Bajos esta premisa, ‘Dyonisus’, que sucede a ‘Anastasis‘, publicado en 2012, explorará los tradicionales festivales de primavera y de cosecha que nacieron de prácticas religiosas, un viaje que trae al primer plano los ritos y rituales que aún se practican hoy en día.

Dead Can Dance estarán de gira por Europa durante mayo y junio de 2019, celebrando su obra desde 1980 hasta el presente. Y hay buena noticia (doble) para España. Los días 20 y 21 de mayo, el dúo actuará en la sala Barts de Barcelona para presentar esta gira en conmemoración de sus 40 años en activo, llamada ‘A Celebration. Life & Works 1980-2019’, así como su nuevo álbum. Las entradas saldrán a la venta este viernes 7 de septiembre a las 10 de la mañana.

Los Javis anuncian nueva serie, ‘Terror y feria’, “un ‘Black Mirror’ con el espíritu de John Waters”

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5 septiembre, 2018

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Esta semana ha arrancado en Vitoria la décima edición del Festival de Televisión, el FesTVal, donde se ha producido el esperado estreno de la segunda temporada de ‘Estoy vivo’, el drama policial y de misterio de La 1 protagonizado por Javier Gutiérrez, Alejo Sauras y Anna Castillo, entre otros, sobre un policía asesinado que resucita a través de otro cuerpo para investigar el caso de su homicidio.

Entre los varios otros proyectos presentados en el festival se encuentra también, y de manera especialmente interesante, ‘Terror y feria’, una nueva serie que producirán Javier Calvo y Javier Ambrossi, Los Javis -de actualidad tras el estreno reciente de la segunda temporada de ‘Paquita Salas’- y que dirigirá no ellos sino Benja de la Rosa, director de la película de 2016 ‘La sexta alumna’. ‘Terror y feria’ se emitirá en Flooxer.

No podría ser más propia de Los Javis la descripción de ‘Terror y feria’, una serie que aunará terror con “comedia cañí y el folclore más icónico”, dando lugar a un “Black Mirror con el espíritu de John Waters, Alfred Hitchcock, La Veneno y Chicho Ibáñez Serrador». La fan número uno de John Waters en España, Soy una pringada, formará parte del reparto de la serie, así como Antonio Pagudo, Secun de la Rosa, Angy Fernández, Sandra Escacena, Eloi Costa, Itziar Castro y Brays Efe, entre otros listados en Vertele.

La Canción del Día: Modelo de Respuesta Polar subrayan la fuerza emocional de ‘Revivir’

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5 septiembre, 2018

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Modelo de Respuesta Polar publicaban a finales del año pasado un disco llamado ‘Más movimientos’ que han paseado durante 2018 por toda la geografía española, llegando a más de 30 ciudades. Uno de los temas que destacábamos del álbum era ‘Revivir’ y por tanto nos complace estrenar el bonito vídeo en directo en el estudio que el grupo comparte a través de Youtube.

Esta versión de ‘Revivir’ fue grabada el pasado mes de julio en Carcosa Studios (Valencia). La edición ha corrido a cargo de Nanuk Studio, destacando casi cada punteo y cada pequeño arreglo de la canción, pero sin que nunca se pierda el protagonismo de lo más importante: la bella voz de Borja Mompó y esa letra (explicit) que habla de falta de comunicación, ausencia y reproches. De «pierdo la distancia de las cosas cuando tratan sobre ti» a «somos como dos amigos que se quieren y se odian…» pasando por «bienvenida al mundo en el que nadie afronta nada, y en el que no has estado todavía».

Además, Modelo de Respuesta Polar aprovechan para anunciar nuevas fechas de esta gira de presentación, que les llevará a Madrid, Barcelona, Murcia o Albacete en formato banda, pero también a muchos otros lugares en acústico. Las entradas están a la venta en WeGow:
6 de octubre: Albacete (Sala Caribou, con Triángulo Inverso)
19 de octubre: Barcelona (Sidecar)
26 de octubre: Valladolid (Sala Kafka, acústico)
27 de octubre: Gijón (Club Memphis, acústico)
16 de noviembre: Murcia (Muzik)
14 de diciembre: Palencia (Universonoro, acústico)
15 de diciembre: Zamora (La Cueva del Jazz, acústico)
22 de febrero: Madrid (Sala El Sol, con Lígula)
23 de febrero: Madrid (Sala El Sol, con Lígula)

Amaia Montero insinúa que se retira en sus últimos tuits: “the game is over”

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5 septiembre, 2018

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Los últimos meses han sido agridulces para Amaia Montero. La cantante publicaba su nuevo disco, ‘Nacidos para creer‘, el pasado 1 de junio, pero el primer concierto de presentación del álbum, celebrado en Cantabria, se convertía en una pesadilla mediática para su autora, después que esta apareciera sobre el escenario mostrando un extraño comportamiento que ella atribuía a la falta de ensayos, pero que muchos usuarios de Twitter achacaban a otras cosas. Las críticas e insultos recibidos llevaban a Montero a aparecer en televisión para contar su versión de los hechos, y más tarde para pedir disculpas por el extraño concierto y para mostrarse “dolida” por el acoso sufrido a consecuencia de aquel.

Pese a que Montero ha seguido dando conciertos desde aquello, la artista ha acudido ahora a Twitter para dejar una serie de extraños tuits que están preocupando a sus fans, y por los que la artista es actualmente “trending topic”. En estos mensajes, Montero parece insinuar que estaría a punto de anunciar su retirada de los escenarios. En el primero escribe, en inglés, “the game is over” (“se ha acabado el juego”), y en el segundo alude directamente a una despedida que busca hacer “desde el principio”, colgando una imagen de la portada de ‘Dile al sol’, el primer disco de La Oreja de Van Gogh.

Los tuits de Montero han llevado a los fans de sacar conclusiones quizás precipitadas, pero también inevitables dada la naturaleza de los tuits en cuestión. Un dramático tuit dice: “Aquellos que tanto os gusta reivindicar «no al bullying», pero luego sois lo primeros que lo hacéis. Habéis conseguido que Amaia Montero decida abandonar su carrera. Ha perdido la fe en sí misma. Ha perdido la ilusión en aquello que tanto le gusta. LA MÚSICA”. De momento son todo suposiciones, aunque todo sea dicho, tampoco sería la primera vez que un artista anuncia su retirada para después volver. Seguiremos informando…

The game is over.

— Amaia Montero (@AmaiaMontero) September 4, 2018

Empezando a despedirme y empezando por el principio. pic.twitter.com/QTCBlGBc7V

— Amaia Montero (@AmaiaMontero) September 4, 2018

Aquellos que tanto os gusta reivindicar "no al bullying", pero luego sois lo primeros que lo hacéis. Habéis conseguido que Amaia Montero decida abandonar su carrera. Ha perdido la fe en sí misma. Ha perdido la ilusión en aquello que tanto le gusta. LA MÚSICA.

— Laura C. (@Laupink93) September 4, 2018

Como Amaia Montero deje la música por vuestro acoso OS REVIENTO 😡 https://t.co/1iqayZww9v

— Mr. Quijada (@UnaiQuijada) September 4, 2018

Amaia Montero es una tía que nunca le han regalado nada. Decidió irse de un grupo con éxito asegurado para labrarse un camino sola, con sus composiciones, siendo su propia jefa y nunca la han tomado en serio. Es un icono de la música pop española, os guste o no.

— J.R (@freecat__) September 4, 2018

5 razones por las que Dcode va a agotar sus entradas

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5 septiembre, 2018

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Dcode se celebra este sábado 8 de septiembre en la Universidad Complutense de Madrid y como hemos venido anunciando durante los últimos meses, las entradas se van a agotar. Probablemente suceda en unas horas. El fenómeno es bastante curioso, puesto que el cartel que plantea es bastante diferente a otros: apenas hay restos de indie noventero y no hay ni rastro de trap o música urbana, por lo que cualquier parecido con dos festivales a su vez tan antagónicos como Primavera Sound o Arenal Sound es pura coincidencia. Eso sí, desde la organización, en la rueda de prensa de presentación hace unos meses, aseguraban que la línea editorial podría cambiar el año que viene. «Se busca la coherencia de unas cosas con otras en cada edición», decían. Estas son, en cualquier caso, las 5 razones que han llevado al éxito de Dcode 2018.

Imagine Dragons

El cartel parece haberse asentado en torno a la contratación de Imagine Dragons. El grupo es uno de los más exitosos ahora mismo a nivel mundial, han actuado en recintos de Madrid y Barcelona para 17.000 personas con todo agotado, cuando la capacidad de Dcode es de 25.000. Si a esto sumamos que el grupo trae novedades, pues acaba de presentar dos singles que han tenido una acogida estupenda, ‘Born to Be Yours’ y ‘Natural’, blanco y en botella.

El pop desacomplejado acorde al cabeza de cartel

El cartel se ha elaborado, después, en torno a otros grupos de pop desacomplejado destinados al público joven. Artistas que no necesariamente se parecen a Imagine Dragons, pero que pueden atraer a su audiencia, como es el caso de Bastille, la Youtuber Clairo, el también jovencísimo Sam Fender, los populares y siempre entretenidos en directo Kakkmaddafakka, en su estilo el rock asequible y coreable de The Vaccines o, en España, esos Sidonie que se atreven a sacar cosas como ‘Maravilloso’, y los divertidos Grises. No hay casi lugar para el indie intelectualizado, y se agradece la diferenciación. Ya hay muchos otros festivales que van por ahí.

Izal (y ahora La M.O.D.A.)

La apuesta por el grupo nacional más exitoso del momento no puede fallar. Izal han sido número 1 de las listas de streaming en España con su álbum ‘Autoterapia’ y suelen tener el concierto más concurrido de todo festival allá donde vayan. Además, el añadido de La M.O.D.A. en la recta final, esta misma semana, supone que Dcode reunirá, exactamente, a los dos grupos españoles que más han tocado en festivales este verano. Y la gente no se cansa de verlos…

La letra mediana y pequeña

No por ello se ha prescindido de propuestas más underground como Triángulo de Amor Bizarro, Berri Txarrak, Viva Suecia, los noveles Terry vs Tori y Nat Simons o, en el panorama internacional, Jorja Smith. Una artista válida para la sección «pop desacomplejado» (encierra las posibilidades comerciales de Lauryn Hill o Amy Winehouse) que, en este caso sí, podríamos ver en un Primavera Sound… y también en un Primavera Pop. Tampoco podemos pasar por alto que en el cartel está Albert Hammond Jr.

La consolidación del festival como fiesta de fin de verano

Aparte de como una fiesta para toda la familia (los conciertos de La M.O.D.A. y Sidonie son por la mañana), Dcode se vende como un punto de reunión de amigos tras las vacaciones y como la última fiesta antes de la «vuelta al cole». Ha sido siempre la filosofía de Dcode, sin duda este valor ha ido calando año tras año, y es muy significativo que en algunas de las promos ni siquiera se mencione qué artistas conforman el cartel. Parece que la marca Dcode, ha calado…

Miles Kane / Coup De Grace

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