Por primera vez en siete años, Mariah Carey celebrará la Navidad con un nuevo disco en el mercado. Curiosamente, ‘Here for it All’ parece pensado para ser consumido durante esta época, dado su estilo clásico. ‘Caution‘ (2018), el anterior LP de Carey, contenía producciones de Skrillex, Timbaland y un sample de Porter Robinson. ‘Here for it All’, por su parte, propone colaboraciones con las Clark Sisters y una bonita versión de ‘My Love’ de Wings. Es todo lo que ‘Caution’ no era.
Es bienvenido escuchar a Carey en este tipo de sonidos. ‘Play This Song’ con Anderson .Paak, el nuevo single, es puro soul exuberante, romántico y 100% Carey en su componente metamusical («play this song» se refiere a esta misma canción). ‘Here for it All’, el baladón final, es la lección de gimnasia vocal esperada. Aunque el deterioro de la voz de Carey es evidente en el disco, esta balada sabe a triunfo.
Un artista veterano no tiene por qué ocultar en un disco el envejecimiento de su voz. Este tipo de álbumes me parecen especiales, aunque pueden ser mejores (Björk, Tony Bennett) o peores (Aretha Franklin, Elton John). Hay momentos incómodos en ‘Here for it All’, como lo forzadas que suenan las notas altas en ‘In Your Feelings’, otra de las pistas soul. ‘Confetti & Champagne’, en un estilo de nocturno R&B, se habría beneficiado de una toma vocal menos rasposa.
Pero la manera en que Carey expone su voz en el disco sin filtros la honra. Curiosamente, esto hace que el álbum sea más agradable de escuchar, mientras que el continuado ejercicio de airbrushing vocal de ‘Me… I Am Mariah. The Elusive Chanteuse‘ (2014), a lo largo de casi una veintena de pistas, era prácticamente indigerible.
El material de ‘Here for it All’ no es tan sólido como el de los discos que Carey ha publicado durante el presente siglo, pero sí es refrescante su apuesta por los estilos más orgánicos no solo del soul sino también de la música disco: ‘Jesus I Do’ con las Clark Sisters es puro buen rollo. Aunque en alguna balada patina: ‘Nothing is Impossible’ parece una ordinaria aspirante al Óscar. Es aquí donde parece imponerse la Mariah generalista (la de ‘Hero’ y ‘Without You’) por delante de la exquisita productora y curadora que ha sido durante los últimos 20 años.
Ni siquiera cuando ese buen gusto hace amagos de aparecer en ‘Here for it All’, las canciones brillan como antes. ‘Type Dangerous’, el primer single, es un verboso pero poco memorable ejercicio de new jack swing, un intento de revisión de la Mariah urbana que no termina de explotar. ‘Mi’, en su faceta de «breezy R&B», es un estupendo inicio, pero no es tan bueno como ese ‘GTFO‘ recientemente reivindicado por Sabrina Carpenter, quien la cuenta entre sus canciones favoritas de la historia.
La excepción la ofrece ‘Sugar Sweet‘, que junto a Kehlani y Shenseea introduce a Mariah Carey en la tradición afrobeat a través de una producción elegante y dulce. Por qué Carey no había explorado este sonido antes, no lo sabe nadie. La canción es una gominola R&B que ha merecido mayor repercusión, y la letra matrimonial («I will absolutely get the ring / No hurry, no worries») no puede ser más Mariah.
‘Here for it All’ quiere ofrecer un producto identificable con su autora, pero que sea simultáneamente revisionista y actual, y quiere dedicarse al público que ha encumbrado ‘Obsessed’, pero se entrega al que la sigue identificando, sobre todo, con ‘Hero’. A falta de un single que sea milagrosamente impulsado por TikTok, ‘Here for it All’ es simplemente un buen y correcto disco de Mariah Carey, que, si recupera alguna de las virtudes de ‘Caution’, son su concisión, consistencia y cohesión.
Dry Cleaning, la banda de post-punk del sur de Londres conocida por su debut ‘New Long Leg‘ (2021), y después autora del disco ‘Stumpwork‘ (2022), ha anunciado su tercer disco. ‘Secret Love’ estará producido por la productora favorita del indie actual, la escocesa Cate Le Bon, quien acaba de publicar su propio álbum, ‘Michelangelo Dying’. Volviendo a Dry Cleaning, ‘Secret Love’ se pondrá en circulación el 9 de enero de 2026.
La voz apática de Florence Shaw vuelve a tomar protagonismo en ‘Hit My Head All Day’, un single rítmico de seis minutazos que se despliega en un crescendo hipnótico y arrollador. ‘There’s a Riot Goin’ On’ (1971) de Sly & the Family Stone ha sido su principal influencia.
¿Por qué Shaw se da «cabezazos contra la pared?» Dry Cleaning cuenta que la inspiración de ‘Hit My Head All Day’ es la desinformación que campa en las redes sociales; se entiende que habla de la manera en que los bulos calan y consiguen que la población desconfíe de aquello que ha sido probado.
«La canción trata sobre la manipulación del cuerpo y la mente», explica la artista. «La letra se inspiró inicialmente en el uso de la desinformación en las redes sociales por parte de la extrema derecha. Hay personas poderosas que buscan influir en nuestro comportamiento para su propio beneficio, para que compremos ciertas cosas o votemos de cierta manera. Me resulta difícil leer las intenciones de la gente y decidir en quién confiar, incluso en la vida cotidiana. Es fácil caer bajo la influencia de un extraño siniestro que parece un amigo». No obstante, Shaw indica que el grupo «abordó la canción de manera lúdica».
Casualmente, Dry Cleaning está a punto de tocar en España. La banda actuará en tres fechas consecutivas: el 23 de octubre en Madrid (Teatro Barceló), el 24 de octubre en Valencia (Loco Club) y el 25 de octubre en Barcelona (Paral·lel 62).
El palmarés de la 73ª edición del Festival de San Sebastián ha estado marcado por el cine español. Las cuatro películas que competían por la Concha de Oro han acabado llevándose premio (‘Los domingos’, mejor película; ‘Historias del buen valle’, premio especial del jurado; ‘Maspalomas’, mejor interpretación protagonista; y ‘Los Tigres’, mejor fotografía). La opinión generalizada es que el cine español que se presenta a competición en el certamen vasco parte con ventaja respecto al internacional, lo cual no aporta la visión multicultural que un festival de clase A debería ofrecer.
San Sebastián se sitúa en unas fechas bastante complicadas, justo después de Venecia y Toronto, por lo que está muy limitado en cuanto a las películas extranjeras que puede seleccionar para optar por el gran premio. Aun así, da la sensación de que pueden encontrarse alternativas mejores que den mejor lustre a lo que debería ser el mayor reclamo del festival.
Así, las cintas más memorables que hemos visto no han sido las de Sección oficial, sino las de las secciones paralelas, especialmente aquellas que forman parte de Perlas (que vienen de otros festivales como Cannes o Venecia), aunque también ha habido alguna joya de Horizontes Latinos, Nuevos Directores o Zabaltegi-Tabakelera.
Al ser un certamen tan grande, la selección general de películas es amplísima, por lo que siempre va a haber películas muy aclamadas a las que es imposible llegar y que habrá que recuperar en otro momento. Durante el festival, vimos 34 películas, muchas de ellas, pese a ser recomendables, no entrarán en este artículo, donde repasamos únicamente las 10 más destacadas y que no conviene perderse.
Un simple accidente (Perlas)
El cineasta iraní Jafar Panahi ha estado constantemente amenazado por el régimen dictatorial de su país. Sus últimas películas tuvo que rodarlas a escondidas, ya que no se le permitía hacer cine debido al componente crítico de sus obras llegando a tener que esconderlas y mandarlas en un USB dentro de una tarta (‘Esto no es una película’) para poder proyectarlas en festivales de cine y evitar la censura. Con ‘Un simple accidente’, flamante y merecida Palma de Oro en Cannes, ha tenido algo más de libertad ya que, tras más de una década, se le levantó la sanción. Seguramente no tardará en volver a tener otra si decide quedarse en Irán en vez de irse al exilio (como su compatriota Rasoulof), pues su nuevo trabajo es tan mordaz y valiente como siempre, e incluso aborda de forma más explícita que nunca las barbaridades a las que las autoridades someten a aquellos a los que consideran disidentes del gobierno.
Fiel a su estilo, Panahi vuelve a aportar sus dosis de humor cínico y brillante en una trama que comienza con, efectivamente, un simple accidente, y va enredándose hasta convertirse en una deliciosa comedia con tintes de thriller. Mediante un pertinente retrato de la sociedad iraní, su mirada ingeniosa y perspicaz abre un importante debate sobre la violencia. Es una de sus películas más potentes y, sin duda, la más furiosa.
Los Domingos (Sección Oficial – Concha de Oro)
Al terminar la proyección de ‘Los Domingos’ ya se palpaba en el ambiente la sensación de haber visto la Concha de Oro. El tercer largometraje de Alauda Ruiz de Azúa (‘Cinco Lobitos’, la serie ‘Querer’) es una de esas grandes películas que llegan para revolver conciencias y generar debates. Sin embargo, la directora nunca opta por el escándalo ni por la provocación, firmando un primoroso coming of age desde un lugar insólito: Ainara (Blanca Soroa), de 17 años, quiere convertirse en monja de clausura. Su familia, de clase media-alta y educación católica, recibe la noticia con estupor, generándose así un enorme conflicto entre cada uno de sus miembros, especialmente en su tía (Patricia López Aranaiz), que no es creyente y no comprende la vocación de su sobrina. A través de una narrativa sólida y vibrante, Ruiz de Azúa explora con inmensa lucidez las dudas que surgen ante una decisión tan complicada. La fe choca con los impulsos propios de la adolescencia, la idea del amor verdadero se debate entre lo tangible y lo etéreo.
Lo mejor de ‘Los Domingos’ es su intento por entender aquello que es totalmente ajeno a nosotros y hacerlo desde una mirada que ni juzga ni alecciona. A menudo creemos que nuestra realidad es la única realidad posible, que nuestros principios son los únicos que merecen la pena. Ruiz de Azúa pone esto en entredicho y abre una conversación necesaria, ofreciendo un reflejo de la sociedad que puede resultar amargo, pero que es tremendamente acertado y realista. Su manera de filmar, discreta y sin aspavientos, no hace más que reforzar la fuerza narrativa y un guion perfectamente construido.
El amor que permanece (Perlas)
Hlynur Pálmason está construyéndose poco a poco una de las filmografías más interesantes del cine europeo actual. Tras aquel fascinante viaje a la Islandia del siglo XIX que era ‘Godland’, el cineasta regresa con una película muy diferente pero que lleva su inconfundible sello. ‘El amor que permanece’ es una disección de una familia tras un divorcio y cómo la pareja y sus hijos se acostumbran a esta nueva etapa de sus vidas. Pálmason observa a los diferentes personajes con pausa, sensibilidad y ternura.
De nuevo, la naturaleza vuelve a jugar un papel esencial en su cine, utilizando aquí los impactantes paisajes islandeses para reflejar el estado emocional de los protagonistas, sus deseos y sus anhelos. El preciosismo de su puesta en escena impulsa a una trama sencilla pero llena de calidez. Aderezada con escenas fantasiosas, ‘El amor que permanece’ es una película de imponente belleza y que se queda contigo después de abandonar la sala. Como complemento, el Festival de San Sebastián estrenó mundialmente ‘Joan of Arc’, un interesante trabajo experimental de apenas 60 minutos que nace de una de las subtramas del film que nos ocupa.
Valor Sentimental (Perlas)
Después de ‘La peor persona del mundo’, una película que causó verdadero furor entre buena parte de la cinefilia y que lo situó como uno de los autores con mayor proyección del cine contemporáneo, Joachim Trier regresa con ‘Valor Sentimental’, ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes. El cineasta se adentra en una familia marcada por el rencor, en dos hijas, ya adultas, que reprochan que su padre, un prestigioso director de cine, no ejerciera como tal durante su infancia. Tras la muerte de su madre, su progenitor reaparece en sus vidas con la oferta del papel protagonista en su próxima película para una de ellas, quien se gana la vida como actriz de teatro.
Trier utiliza una narración compleja y coral, abriendo muchos frentes narrativos. Con Ingmar Bergman como máxima referencia, el cineasta noruego indaga en el dolor de unos personajes que buscan, como pueden, una plenitud afectiva y reconciliarse con sus heridas. Sus cuatro intérpretes protagonistas, Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning, están pletóricos en sus respectivos personajes, entendiendo perfectamente qué es lo que el director busca de ellos. Pese a la enorme intensidad emocional que demanda el guion, no hay ningún momento en el que no estén absolutamente creíbles.
Además, la película está cargada de momentos que Trier filma de manera cautivadora, logrando secuencias para el recuerdo (el festival de cine, la lectura de guion de la película, etc.). Es, para quien escribe esto, su mejor película.
El agente secreto (Perlas)
Hace tan solo un año se imponía en la categoría internacional de los Oscar ‘Aún estoy aquí’, una película sobre la importancia de la memoria histórica ante la dictadura militar brasileña de los años 70. Con ‘El agente secreto’, Kleber Mendonça Filho (‘Bacurau’, ‘Doña Clara’) se acerca también a aquellos años de tumulto político y social de una manera mucho más original, estimulante e inteligente que aquella. Tanto él como Wagner Moura ganaron los premios a mejor director y mejor actor en Cannes respectivamente.
El cineasta presenta una estructura sorprendente, una que aúna lo mejor de su cine: su solidez como narrador clásico y a la vez una vocación juguetona que se atreve a introducir elementos fantásticos. El filme transita por un sinfín de géneros de forma orgánica pero manteniendo siempre un intrigante tono de cine negro. No es, en absoluto, un thriller político al uso, sino un documento complejo que explora con gracia la necesidad de conocer el pasado para construir un futuro mejor. Su complejidad requiere de un visionado con mayor calma fuera del frenesí festivalero, pues su fuerza narrativa resuena en la mente de los espectadores mucho después de abandonar la sala.
La misteriosa mirada del flamenco (Horizontes Latinos – Premio de la Juventud, Premio Sebastiane)
El chileno Diego Céspedes irrumpe con fuerza en el panorama cinematográfico con su debut premiado en Cannes como la mejor película de la sección Una Cierta Mirada. ‘La misteriosa mirada del flamenco’ es un western queer que nos sitúa en los años 80 en una zona rural y minera en algún lugar del desierto de Chile. Allí viven, recluidas y bajo sus propias normas, un grupo de mujeres transgénero junto a Lidia, una niña a la que han criado. Los habitantes del pueblo las culpan de una letal enfermedad que está poco a poco propagándose entre los mineros.
Céspedes se acerca a sus personajes con una gran ternura y dota al relato de originalidad y fuerza visual. El filme toma la perspectiva de Lidia, quien ha recibido una educación donde evidentemente no había cabida para los prejuicios, y es esa mirada despojada de odio la que guía al espectador a lo largo de todo el metraje. Mediante una narración alegórica y cargada de momentos divertidos (algunos de clara influencia almodovariana), ‘La misteriosa mirada del flamenco’ se erige como una película que desprende verdadera pasión por lo que cuenta y que nos anuncia la llegada de un autor que no hay que perder de vista.
La tarta del presidente (Perlas)
En el Iraq de los años 80, a una niña le toca en el colegio hacer una tarta para celebrar el cumpleaños del dictador Saddam Hussein. Lo que podría ser una tarea sencilla se convierte en toda una odisea, ya que tanto ella como su entorno viven en la más absoluta pobreza. Amenazada ante el peligro que supondría desobedecer a su profesor y, por ende, al líder del régimen, se embarca en una estresante aventura para conseguir los ingredientes del pastel.
El debutante Hassan Hadi utiliza una premisa inocente y simple para denunciar la crueldad de la dictadura y retratar cómo toda una generación de niños iraquíes creció en mitad de un conflicto bélico en un país sumido en la miseria. Para ello, el cineasta opta por una simpleza narrativa que recuerda a las primeras películas de Panahi como ‘El globo blanco’, escrita por Kiarostami. Sin embargo, esta ópera prima tiene una mayor ambición estética, logrando planos pictóricos con mucha fuerza visual y sentido crítico. ‘La tarta del presidente’ es una gran película que se mueve siempre entre la ternura y la más pura rabia.
Before the Bright Day (New Directors)
Crecer nunca es fácil, incluso si formas parte de una familia afectuosa y de clase media que no se enfrenta a grandes dificultades económicas. ‘Before the Bright Day’, el debut del taiwanés Tsao Shih-Han retrata a un adolescente en esta situación en los años 90 durante la Tercera Crisis del Estrecho en Taiwán, un período de grandes cambios políticos. Él, en cambio, no está preocupado por entender el contexto del conflicto, sino que ansía una independencia que ni el instituto ni sus padres le pueden ofrecer. Saca malas notas, contesta a su estricto profesor, mantiene una relación distante con su familia y se junta con un grupo de jóvenes problemáticos algo mayores que él que representan esa sensación de libertad que tanto ansía.
Rodada en formato cuadrado, Tsao observa la cotidianidad del protagonista mediante planos con mucha profundidad de campo, en los que se cuelan retazos de vida. Con nostalgia y pulso dramático, la película sucede a ritmo pausado mientras va poco a poco construyendo una poderosa radiografía de un momento tan personal (está inspirada en la propia adolescencia del director) como de una época.
La Grazia (Perlas)
La estética siempre ha ido por delante en el cine de Paolo Sorrentino, un director empeñado en crear imágenes sorprendentes y espectaculares. Por primera vez, da la sensación de que ese no ha sido el principal objetivo en ‘La Grazia’, una película donde el italiano logra el mayor equilibrio entre fondo y forma de su carrera.
La historia comienza cuando Mariano Di Santis, presidente de Italia, se encuentra en los últimos días de su mandato. Es un hombre recto y cristiano, respetado y aparentemente apreciado por la mayoría. Ya al final de su carrera, se da cuenta de que el mundo ha cambiado, y se le presenta un dilema moral cuando le piden que analice dos casos de presos para darles un indulto. Aquí comienza un viaje personal, donde el político reflexiona sobre el final de una era, sobre la fidelidad de la que fue su mujer ya fallecida y sobre tantas otras preguntas sin respuesta que la vida le ha ido dejando.
Toni Servillo emociona encarnando a Di Santis en una interpretación hacia dentro, en la que carga en sus ojos todo su cansancio y hastío vital. Sorrentino, más crepuscular y humanista que nunca, deja a un lado sus irritantes vicios y encuentra en ‘La Grazia’ una bella reflexión sobre el legado, la familia y los cambios generacionales.
Extraño Río (Zabaltegi-Tabakalera)
Con tan solo 27 años, Jaume Claret Muxart debuta en la dirección con ‘Extraño río’, una película inspirada en los veranos que pasaba junto a sus padres y sus dos hermanos montando en bicicleta por el Danubio cuando era adolescente. Su álter ego en la ficción es Dídac, un chico de 17 años, que atraviesa una etapa de crecimiento, está a punto de dejar de ser un niño y convertirse en adulto. Para reflejar este proceso, el cineasta emplea un lenguaje visual sensorial donde la cámara transmite en cada movimiento lo que los personajes están sintiendo.
Resulta particularmente asombrosa la madurez que demuestra en este ámbito, siendo capaz de retratar perfectamente las dinámicas familiares sin necesidad de recurrir a las palabras. Esos momentos son lo más bello de un filme decididamente preciosista y que retrata con mucha honestidad y de forma poco convencional y bella el despertar del deseo. Pierde algo de foco cuando se centra en los padres, pero aun así hay mucho que celebrar en ‘Extraño río’. Sobre todo, la llegada de un cineasta con mucho talento que puede hacer grandes cosas.
‘Me mareo’ de Kidd Voodoo y JC Reyes mantiene el número 1 en España una semana más, mientras Rels B continúa en el puesto 2 tras haber sido número 1 parte del verano. La novedad para este último es que su colaboración con Alejandro Sanz, ‘No me tires flores‘, llega directa al puesto número 53. Es la entrada más fuerte.
La gran noticia de la semana es que ‘Shiny’ de Easykid, entre el reggaeton y el pop, vuelve a ser la subida más fuerte de la semana en España. Pasa del puesto 18 al 13 y seguirá subiendo en semanas posteriores. Easykid es un cantante chileno de 30 años, colega de Kidd Vooddoo (ambos forman parte de Los 4F), que se dice más influido por el punk de gente como Green Day o Blink 182. Trabaja desde la autoedición.
También hay que destacar la llegada al fin al top 10 en España de ‘Golden‘ de la peli ‘KPop Demon Hunters‘. Sube del puesto 16 al puesto 8, mientras sostiene el número 1 Global en Spotify por 72º día no consecutivo. Sin duda estamos ante la sorpresa de 2025 en el mundo del pop.
Los movimientos destacados de la semana se completan con ‘Revolú’ de Rvfv llegando al puesto 81 y ‘Hasta que me enamoro’ de Maria Becerra, Tini y XRoss, al número 95.
Recientemente, Luna Ki invitó a la prensa a escuchar sus nuevas canciones. El tema con que se abre el camino hacia su nuevo álbum se llama ‘No soy diosa’. Así se ha revelado estas últimas semanas cuando un «teaser» sustituyó el audio de su hit ‘Septiembre’ en Spotify. Desde el pasado viernes, ‘Septiembre’ volvió a ser ‘Septiembre’ y la gente ha podido conocer a la nueva Luna Ki, tras un viaje que, como ella misma contó entre lágrimas en dicha presentación, casi se la lleva por delante.
‘No soy diosa’ es una canción a piano en la que Luna Ki pelea por mantener los pies en la tierra. Entre los juegos de palabras, «Quiero ser real y no una reina», «Quiero ser tu mujer y no tu reina» o «Que me beses los labios, no los pies».
En sintonía con la desnudez del tema, la voz de la artista aparece exenta de Auto-tune y moduladores vocales, mientras el piano lo ha tocado Roberto Carcassés, quien ha colaborado con nombres del tamaño de Chucho Valdés o George Benson.
Pero fue la propia Luna Ki quien tocó el piano ella misma en la referida merienda, como podéis ver en el vídeo bajo estas líneas, antes de pinchar otros temas que estarán en su próximo álbum. Hubo un momento para la salsa en un hitazo dedicado a una prostituta; hubo momentos para el pop-rock en la onda de Pignoise; e incluso para el sonido argentino de unos Rodríguez.
Una gran variedad compositiva, en todos los casos con mayor potencial comercial que este ‘No soy diosa’, lo cual deja esta canción como una especie de presentación especial y mimada de una nueva era, como «reboot» o «rebranding», avance de un disco en el que Auto-Tune y derivados serán ya mucho más circunstanciales. Bienvenidxs a una renovada (y aún mejor) Luna Ki.
sleepazoid es un quinteto australiano compuesto por los músicos Nette France, Josef Pabis, Luca Soprano, George Inglis y Jim Duong. En Bandcamp aseguran nutrirse de «la energía cruda del grunge, la profundidad atmosférica del shoegaze y los ritmos del post-punk».
Tienen un EP llamado ‘running with the dogs’ en el que su sonido queda perfectamente explicado, y ahora han publicado dos temas que se han convertido de manera casi instantánea en los más escuchados de su carrera: el onírico ‘3AM’ y un tiro llamado ‘NEW AGE’ que escogemos como Canción del Día hoy.
Nette France ha explicado que se trata de una canción post-ruptura, pero por encima de eso su fuerza, sus cambios de ritmo, su furia… apuntan a la categoría de himno.
La artista asegura que «vive una nueva era» en lo que podría haber representado una portada del NME en los 90, mientras la letra resulta en verdad una afirmación de una misma, alejándose de la persona deseada: «ya no tengo miedo de lo que me gusta / visto como quiero / lloro cuando lloro / ya no tengo miedo de ser quien soy».
Según AAABackstage, lo que planean sleepazoid no es tanto un debut largo, como otro EP de cara a principios de 2026.
Madonna ha concedido una entrevista de 2 horas al podcast de Jay Shetty, el cual se caracteriza por la profundidad de sus charlas. En medio de rumores sobre su nuevo álbum, pese a que este no está programado hasta 2026, la artista indica que no está allí para vender entradas ni discos, sino para hablar de espiritualidad.
La artista explica que ha estudiado la cábala desde 1996 y que cuando le preguntan cómo ha sobrevivido así de sana, a diferencia de muchos de los artistas de los 80, cree que estos 29 años de espiritualidad han sido la razón. Madonna reflexiona sobre cuán «enganchados estamos a las redes sociales» y a «escuchar música por la calle». «Es como si no estuviésemos cómodos en paz», lamenta.
En uno de los momentos más intensos de la entrevista, Madonna revela que contempló suicidarse en torno a 2016, durante la gira ‘Rebel Heart’. La artista había perdido la custodia de su hijo Rocco, y «lloraba cada día antes de salir al escenario». Sentía que era «el fin del mundo». Tras haber perdido a su madre de pequeña, Madonna sentía que se repetía la historia y no lo aceptaba. Una vez más, sus estudios la ayudaron, e indica que ya no se siente así y que ahora se lleva bien con Rocco.
La entrevista no versa sobre el nuevo disco de Madonna, que será dance y supondrá su regreso a Warner. Hay rumores que apuntan a que el primer single de lo que se ha llamado la segunda parte de ‘Confessions on a Dance Floor’ saldría en octubre, pero no ha sido confirmado. Sin embargo, sí ha dado algún detalle.
La artista ha avanzado el nombre de dos canciones, ‘Fragile’ y ‘Forgive Yourself’. Los ha dejado caer cuando estaba hablando de «perdón». La primera está inspirada en la muerte de su hermano Christopher, con quien trabajó mano a mano en la primera década de su carrera.
En un momento de su vida, pasó a considerarle su «peor enemigo», pues «la gente que más odias es la que más querías». Se refiere sin duda al libro que él escribió sobre ella, pero al final reconectó con Christopher cuando enfermó de cáncer y la llamó para pedirle ayuda. «Es un veneno y una prisión no ser capaz de perdonar», asegura, lo que ha dado lugar al estribillo «si no me puedes perdonar, perdónate a ti mismx» de la canción nueva ‘Forgive Yourself’.
Madonna también habla del momento en que casi pierde la vida por culpa de una infección. Ahora revela que su madre se le apareció cuando aún estaba inconsciente, y le preguntó si quería acompañarla. Madonna respondió que «no», y aunque estaba inconsciente, la persona que la estaba asistiendo junto a su cama, la escuchó decir que «no». Al despertar, una de las cosas que Madonna pensó es en «perdonar» a aquellos a quienes no había perdonado. Ese será, por tanto, uno de los temas de su nuevo disco.
Al menos en lo artístico, Zara Larsson ha dado este año con una de sus mejores canciones. Tras el resbalón que supuso ‘Venus‘, ‘Midnight Sun‘ es ese tema que sirve para asentar su marca, al margen de los números que le aporte.
Si alguna vez te pareció que su voz sonaba demasiado a la de Rihanna, o que sus producciones eran genéricas, esta es la grabación emblema que hará que nunca confundas a Larsson con otra cantante. La artista contempla la noche de verano que en el norte nunca acaba, con toda la intención de dar con un himno bailable, y a la vez cierto aire de espiritualidad. Nos metemos de lleno en su Suecia natal.
‘Blue Moon’ es su continuación lógica en la secuencia del álbum también llamado ‘Midnight Sun’, pues estamos ante otra forma de contemplación del cielo, a través de la luna y de las estrellas. Igualmente hacen buenas migas estas canciones con otro de los singles, el noventero ‘Crush‘, una historia de amor frustrado con similar potencial comercial; con la explosiva ‘Hot & Sexy’, e incluso con ‘Eurosummer’, con todo lo diferente que esta pueda parecer. Dominada por un acordeón, es mucho más mediterránea, eurovisiva y kitsch, en el buen sentido de la palabra. Pero su intención hedonista es idéntica: «seré tu chica durante dos meses, le dirás a tus amigos que soy demasiado divertida / Desnuda, nunca sobria, esto es un euroverano». O sea, lo que la mayoría espera de un álbum de Zara Larsson.
Sin embargo, ella ha querido ofrecer más, con resultados desiguales. El primer single del álbum fue en verdad ‘Pretty Ugly‘. El susto que pega en la secuencia es tal que Zara Larsson ha tenido que meterle una intro al final del tema anterior, ‘Blue Moon’. Escuchamos una conversación en la que ella y su co-productor MNEK, con quien ha vuelto a trabajar en este álbum tras casi una década, charlan sobre volverse «locos», «locos de verdad». ‘Pretty Ugly’ tiene todo su derecho a defender lo feo, a reivindicar que las mujeres no tengan que ser siempre unas princesas, y a sonar como un grupo de k-pop imitando a Gwen Stefani o incluso a Die Antwoord. Pero no hay correspondencia ninguna con el resto del álbum ni tiene demasiado sentido aquí. Pegaría más en un álbum de Kesha.
Y finalmente el álbum adopta un tono confesional un tanto inesperado y deprimente. Zara Larsson nos cuenta que no ha conseguido ser la estrella que quería en las letras de ‘The Ambition’ y ‘Saturn’s Return’. La primera habla amargamente sobre pelear por la validación, sobre lo que siente al verse en carteles, sobre su aspiración de que su nombre llegue a Hollywood Boulevard y sobre el dolor de que «los números importen más que las palabras». Peor aún, la segunda dice lo siguiente: «cuando tenía 17, no tenía paciencia / dije que para los 20 estaría llenando estadios, no ocurrió, así que cambié la fecha objetivo / puede que me lleve otros 20 años y está bien / ¿no es muy loco el concepto del tiempo? / éramos unos críos y ahora mis amigos están teniendo hijos». Si Zara Larsson quiere llenar estadios, estas dos canciones no parecen el camino.
Tras esta bajona, la artista remonta con una ‘Puss Puss’ de ambiente ligeramente tropical, austero, que al final se acelera. «Puss Puss» significa «Beso Beso» en sueco, lo ha colocado en la matrícula de un coche que aparece en el vídeo de ‘Pretty Ugly’, también en el estribillo de ‘Hot & Sexy’ y ahí es de nuevo, donde sí percibimos el sello de Zara Larsson.
El rapero Morad, uno de los más populares de nuestro país tras haber sido top 2 en España con su segundo disco, ‘Reinsertado’, ha portado la bandera Palestina durante un concierto.
Ha sucedido este sábado 27 de septiembre en Toledo. El artista, que es de L’Hospitalet de Llobregat y origen marroquí, considera a esta población «hermana», por lo que ha realizado un «speech» de apoyo.
En él ha cargado contra Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid por el Partido Popular, y una de pocas las líderes políticas españolas que se ha mostrado próxima a Netanyahu. Recientemente, durante la Vuelta Ciclista, el día que las protestas consiguieron cancelar la última etapa, ella acudió a fotografiarse con el equipo de Israel.
Morad ha dicho durante su concierto: «No os dejéis engañar, yo nunca he creído en la política, no creo en uno ni en el otro, ni en izquierdas, ni en derechas, ni arriba ni abajo. Yo nunca pienso en eso, pienso en mi madre, en ayudarla y lo que me toque en la vida será. Pero también hay que entender una cosa, hay gente que habla muy mal y tienen derecho a estar ahí en la tele hablando (…) De corazón, no quiero decirlo, pero lo voy a decir, no me importa…»
Y continuaba: «Te lo voy a decir con respeto: ojalá en la vida nunca te pase una desgracia, Ayuso, por hablar así de mis hermanos palestinos. Tiempo al tiempo, la vida te pondrá en su lugar. Espero que nunca te pase la vida. Se lo digo a ella, que quien la sigue, la consigue, tarde o temprano».
Íbamos tarde para conocer quién protagonizaría el intermedio de la Super Bowl. Cardi B se descartaba a sí misma, en los últimos días Taylor Swift quedaba fuera de la carrera. Finalmente se ha informado en la noche de este domingo de que el protagonista en 2026 será Bad Bunny. El show se celebrará el domingo 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium de Santa Clara, California, y será transmitido por NBC.
El artista ha declarado: «La emoción que siento, más que por mí, es por aquellos que corrieron innumerables yardas para que yo pudiera hacer touchdown… por mi gente, mi cultura y nuestra historia. Ve y dile a tu abuela, que seremos el HALFTIME SHOW DEL SUPER BOWL».
La nota de prensa distribuida por Apple Music, patrocinador del evento, incluye también declaraciones de apoyo de Jay-Z, pues Roc Nation colabora en el show: “Lo que Benito ha hecho y sigue haciendo por Puerto Rico es verdaderamente inspirador. Es un honor tenerlo en el escenario más grande del mundo».
Por su parte, Jon Barker, SVP of Global Event Production de la NFL, ha añadido: “Bad Bunny representa la energía global y la vitalidad cultural que definen la escena musical de hoy. Como uno de los artistas más influyentes y escuchados en streaming en el mundo, su capacidad única para conectar géneros, idiomas y audiencias lo convierte en
una elección emocionante y natural para tomar el escenario del show de medio tiempo del Super Bowl (…) Sabemos que sus actuaciones dinámicas, su visión creativa y su profunda conexión con los fans ofrecerán la experiencia inolvidable que ya esperamos de este icónico momento cultural».
El nombre de Bad Bunny no estaba en las quinielas que habían distribuido medios como Billboard. Sin embargo, resulta lógica la apuesta: el artista vuelve hoy mismo al top 10 del Billboard 200 con ‘Debí tirar más fotos‘, tras haber sido número 1 en su momento. Y eso es justo antes de que se conozca la noticia. Además, ‘Un verano sin ti’ ronda el top 40 aún en su 177ª semana, 3 años después.
Eso sí, parece muy difícil que Bad Bunny prepare algo muy distinto y específico para la Super Bowl observando su calendario. Según su web, noviembre y diciembre estará de gira por República Dominicana, Costa Rica y México. En enero estará en Colombia y Perú. El 31 de enero estará en Lima y el 5, 6 y 7 de febrero en Santiago de Chile. Y el día siguiente a estar en Chile hará la Super Bowl. ¿Qué esperar, pues, de su intermedio? Ni más ni menos que algo muy parecido a lo que su tour esté ofreciendo entonces.
Por otro lado, recientemente Bad Bunny indicó que no realizaría gira por Estados Unidos debido a la política migratoria de Trump. Esta será su gran actuación. Nos preguntamos, por tanto, cuántos guiños políticos a la población latina habrá en su show, después de que el set de Kendrick Lamar de este 2025 tuviera varios guiños muy sutiles a la población afroamericana. Ya lo avanza en su declaración: si hace el show es «por su gente, su cultura y su historia»…
Cada nueva edición de Drag Race España suele decirse que “ha subido el nivel”. En este caso vuelve a ser cierto: cuando en un mismo episodio conviven el travestismo folclórico de Satín Greco y el mimo arty de Denébola Murnau, y ambos brillan, sabes que el casting ha sido un acierto. Por no hablar del ballet con ‘Toxic’ de Britney Spears de Dafne Mugler o ese “Bujía rap” de Ferrxn que pide ya un lanzamiento oficial en plataformas de streaming. Supremme Deluxe augura hit.
El nivel de la quinta temporada de Drag Race España ha sido generalmente alto en looks y pasarelas, tanto que fallos grandes (el vestido de Nori) y pequeños (el plato de Margarita Kalifata) se han magnificado. Pero, como ha indicado el jurado con acierto, en este caso Javier Ambrossi, desde luego no la invitada, Amaia, tan enredada como siempre, a quien ha podido patinar con el humor la ha salvado el riesgo, como ha ocurrido con Nix. A veces la intención, el concepto o la idea valen más que la ejecución. O, como mínimo, valen lo mismo.
Aunque tan agudos como siempre tirando geniales puyas a Pitita, Carmen Farala o los «pesados de Los Javis», no todos las concursantes han destacado de la misma forma sobre el escenario. El humor escatológico de Alexandra del Raval no es para todo el mundo, pero al menos es memorable. Laca Udilla no ha terminado de imponer su régimen, aunque su propuesta es distinta. No se puede decir lo mismo de Krystal Forever, cuyo parecido a RuPaul no ha pasado desapercibido en el plató: ninguna de sus presentaciones ha resultado especialmente recordable. Eva Harrington tiene vozarrón, pero ¿cuántas veces vamos a ver a Jessica Rabbit imitada?
La mejor novedad de Drag Race España 5 es su apuesta por el positivismo. Ninguna concursante ha sido expulsada en el primer capítulo. Y como señaló Supremme Deluxe: “Habrá una nueva dinámica en la que el corazón será protagonista”. El programa potenciará así la empatía y la sintonía entre sus participantes, en lugar de los malos rollos: tener «corazón» -literalmente- será premiado. Ana Locking ya ha llorado dos veces en el primer episodio. En un momento de tanta crispación y tragedias, se agradece ver cosas bonitas en la tele.
El jurado -con Los Javis, Locking y Supremme- está en mejor forma que nunca. En primer lugar, su criterio ha evolucionado. Claro, ya van cinco ediciones, pero recuerdo pocos episodios en los que estuviera absolutamente de acuerdo con cada una de sus intervenciones. Por supuesto, su papel se complicará en los capítulos venideros. Pero lo mejor es la manera en que han sabido construir un universo interno propio que implica directamente al espectador. En resumen, Drag Race España da más y mejor, una temporada más.
Cuando en 1999 se publicó ‘Todo lo que muere’ (Tusquets, 2008), los cimientos de la novela negra crujieron como los huesos de la nariz tras un puñetazo. ¿De qué cabeza había surgido esta historia criminal que mezclaba los códigos del hard-boiled clásico con elementos sobrenaturales, atmósfera gótica y asesinos terroríficos, protagonizada por un detective violento y atormentado con nombre de mito del jazz, Charlie Parker, acompañado por una pareja sentimental formada por un asesino a sueldo afroamericano y un ladrón profesional de origen latino?
El responsable de esta herejía, que luego se convertiría en tendencia –no se entiende ‘True Detective’ sin las novelas de Charlie Parker-, fue John Connolly, un humilde periodista irlandés con alma de novelista de Maine (Stephen King es uno de sus referentes), que desde su Dublín natal puso patas arriba el thriller norteamericano. Medio siglo y una veintena de novelas después, llega una nueva entrega de la serie.
‘Los mensajeros de la oscuridad’ (Tusquets) tiene todo lo que un fan de las novelas de Charlie Parker puede esperar: una absorbente trama criminal, que se va oscureciendo a medida que van apareciendo elementos siniestros y ominosos; una prosa enormemente fluida (más de 500 páginas que vuelan), con un ritmo que alterna la acción del thriller con pasajes reflexivos más pausados; unos diálogos llenos de ingenio y punzante ironía; una multiplicidad de voces hábilmente entretejidas con la voz central en primera persona del protagonista; y una atmósfera sombría y melancólica que impregna toda la novela como la niebla en los densos bosques de Maine.
Pero la novela también ofrece todo lo que un neófito puede querer cuando se adentra por primera vez en un universo desconocido como el de Charlie Parker: no perderse. Y es que no hace falta haber leído todas las entregas anteriores para disfrutar de ‘Los mensajeros de la oscuridad’. Connolly se ocupa de explicar, con naturalidad y sin recurrir a recordatorios reiterativos, quién es cada personaje y qué carga vital lleva a cuestas.
Veintiuna novelas después, Parker continúa persiguiendo fantasmas -los suyos y los ajenos- y arrastrando al lector por parajes tan oscuros y perturbadores como hipnóticos y evocadores. ¿No ha llegado ya el momento de que Hollywood o alguna plataforma se fijen en el universo literario de Charlie Parker? ¿Para cuándo una adaptación televisiva con, no sé, Colin Farrell en el papel del detective?
Tate McRae, que sigue de gira por Estados Unidos con su Miss Possessive Tour, gira que pasó por España el pasado mes de mayo, ha lanzado nuevo single, ‘Tit for Tat’, presumiblemente el primer adelanto de una reedición de ‘So Close to What‘ (2025) aún por anunciar.
‘Tit for Tat’, que ha entrado directo al puesto 5 del global de Spotify, es una respuesta a una canción previa de The Kid LAROI, ‘A Cold Play’. Como quizá recordaréis, Tate McRae y The Kid LAROI salían y ‘So Close to What’ incluía un dueto de ambos llamado nada menos que ‘I Know Love’. Recientemente, Tate y LAROI lo han dejado y han empezado a tirarse mensajes en canciones. LAROI abría la veda y, en ‘A Cold Play’, osaba declarar: «¿Quién era yo para pensar que podía arreglarte?»
Tate McRae usa ‘Tit for Tat’ para poner los puntos sobre las íes: «Vamos canción por canción, tú un mensaje y yo el siguiente, lo uno por lo otro, chico, tú lo has pedido». A continuación, vacila: «¿Eso es lo mejor que tienes? ¿La buena dónde está?» En una variación del pre-estribillo, Tate replica: «Tú eres el que tiene que arreglarse, bésame el culo».
Musicalmente, ‘Tit for Tat’ ofrece un medio tiempo de influencias pop y cloud rap, en la línea atmosférica de cortes como ‘Run for the Hills’, pero mucho más ambiental, digital y envolvente, incluyendo efectos cristalinos.
El buen debut de ‘Tit for Tat’ en listas apunta a que puede convertirse en un nuevo éxito de Tate McRae. La línea «Let’s go song for song, let’s go back to back» es pegadiza, aunque esta vez el uso de reverb y ambientaciones resulta excesivo. Mientras, ‘Just Keep Watching’, el single de McRae para ‘F1 The Movie’, sigue fuerte en listas y suma ya más de 300 millones de streams.
Lola Young ha sufrido un desmayo este sábado durante su concierto en el festival All Things Go de Nueva York. Young se encontraba cantando su canción ‘Conceited’ cuando perdió el conocimiento y cayó de espaldas al suelo. Según relata Billboard, Young estuvo inconsciente durante unos 30 o 45 segundos antes de despertar y ser trasladada al backstage por su equipo.
Poco después, Young publicó un stories en Instagram para informar de que se encontraba «bien» y agradecer al público su apoyo.
Young había cancelado un concierto la noche anterior en el evento We Can Survive, en Nueva Jersey, de manera «abrupta», por razones de salud mental. Su mánager, Nick Shymansky, citaba un «asunto delicado», e indicaba: «Lola es muy sincera sobre su salud mental y, en ocasiones muy puntuales, mi equipo y yo tenemos que tomar medidas para protegerla. Ella es una persona increíble y siempre se toma muy en serio a sus fans, su carrera y sus conciertos. Solo puedo enviar unas enormes disculpas por los inconvenientes ocasionados”.
Young había aludido a la cancelación de su concierto anterior durante su presentación en All Things Go, poco antes de desfallecer. Declaraba: “Hoy me he despertado y he tomado la decisión de venir aquí. Quería estar, quería actuar, y no quería quedarme atrapada en mi tristeza. A veces la vida puede lanzarte limones y solo tienes que hacer maldita limonada… Realmente aprecio a todos los que estáis aquí esta noche».
En 2022, Lola Young reveló que le habían diagnosticado un trastorno esquizoafectivo tres años atrás y que estaba siguiendo un tratamiento con medicación. Young describía episodios de «intensas manías y depresiones inmensas».
Young acaba de publicar su tercer disco, el recomendable ‘I’m Only F*cking Myself‘, que ha entrado en el puesto 3 de álbumes de Reino Unido. Además, la autora de ‘Messy’ es una de las artistas confirmadas en el cartel de Primavera Sound 2026.
Casi cuatro años después de lanzar ‘Paraíso‘ (2022), una de sus mejores canciones, aunque prácticamente nadie se enterara, Ana Torroja vuelve con ‘Se ha acabado el show’, el primer single de un nuevo disco que publicará en 2026.
Si ‘Paraíso’ destacaba por su estilo italo disco, ‘Se ha acabado el show’ apuesta por un sonido de pop-rock con teclados abiertamente ochentero. En los primeros acordes recuerda a ‘Good Luck, Babe’ de Chappell Roan, pero después las guitarras se imponen.
‘Se ha acabado el show’ vuelve a juntar a Torroja con jóvenes talentos, en este caso, GOMZ (‘Tu canción’ de Amaia y Alfred) y Liam Garner (‘Ping Pong’ de Chanel y Petazeta). El sonido no es moderno y la melodía no es tan buena como la de ‘Sonrisa‘, pero la canción es eficiente, y de aquel single de 2010 recupera su espíritu positivo y luminoso.
Podría no haber sido así. ‘Se ha acabado el show’ es al fin y al cabo un título negativo, y la canción nace de una inquietud de Torroja: creía que ya no tenía más que decir en la música. «Pensaba que ya no tenía nada más que decir, que ya era momento de despedirme. Pero escribir esta canción me ayudó a abrir un nuevo capítulo», ha declarado en El País.
‘Se ha acabado el show’ es un diálogo directo de Torroja con la música misma, o con la inspiración. «No me dejes no, no me dejes sin canción / Hagamos un intento más / Puede que aún tengamos algo que contar», suplica Torroja. «Si no hay palabras al final / En silencio nos marchamos y ya / Yo no imagino una balada más sin ti». Más bien, esto es un ‘Bienvenidos al show‘.
Hay discos que nunca pondría a una visita porque son para escuchar en soledad y hay otros que se prestan 100% a ello. Entre los últimos, los de Parcels. La banda australiana es especialmente querida en la Europa continental, quizá por su vinculación inicial con Daft Punk. Con ellos compartían su admiración hacia las guitarras de Nile Rodgers de Chic, y el gusto por las melodías bailables pero tranquilas, sin salidas de tono.
Su tercer álbum se llama ‘Loved’ porque tiene el cometido de «proporcionar alegría a la gente». La palabra «amor» aparece en el 25% de sus títulos. Tras algo tan estival como ‘Summerinlove’ encontramos otro tema llamado ‘Leaveyourlove’, en el que la frase «no quiero dejar tu amor» aparece repetida más de 20 veces.
Las melodías de Parcels son pura calma; suaves y agradables como los prados que la formación recorre en la portada. ‘Thinkaboutit’ es puro buen rollo, por poner un ejemplo. El disco ha sido escrito de manera individual por diferentes miembros, solo que después poniendo entre todos elementos en común, y se nota en el modo en que mantiene en todo momento una línea artística muy clara.
Patrick Hetherington se ha encargado de ‘Sorry’, un gran número construido a través de una caja de ritmos lo-fi, un teclado hipnotizante y esas guitarras tan disco, robadas de 1977. La letra es una lista de cuestiones que lamentamos («que el amor duela», «el caos que te produjo tu madre»), como ‘Yougotmefeeling’ de Noah Hill, lo es de «cosas que me haces sentir».
Esta última es una de las pocas canciones realmente bailables, pues ‘Tobeloved’ prefiere ir desarrollando una estructura in crescendo a través de un piano muy 70’s; y ‘Everybodyelse’, recrearse en la monotonía. Es todo un retrato de lo predecible que es la vida: «A veces estoy bien, y a veces me coloco. Como todo el mundo (…) Me enamoré y la jodí. Como todo el mundo». Y así todo el rato.
Una sensación, la de monotonía, que empapa todo el álbum. Al final te preguntas si la idea de la música de fondo implicaba algo necesariamente bueno. La única canción algo diferente es ‘Iwanttobeyourlightagain’, una composición de Patrick mucho más narrativa, hablando de la muerte del padre de alguien, de un montón de litros de vino blanco y de los tiempos en los que Parcels fueron «cool».
Florence + the Machine sigue presentando ‘Everybody Screams‘, el disco que publica en Halloween. El segundo single, ‘One of the Greats’, es una interesante reflexión sobre el lugar de Florence + the Machine en la industria musical y sobre su sacrificada presencia en ella. En sus palabras: «En este sueño hecho carne, soy una mujer que saca rendimiento a su locura».
‘One of the Greats’ también está atravesada por la tragedia: en 2023, Florence estuvo al borde de la muerte debido a un embarazo ectópico. Las alusiones a la muerte y a la resurrección en la canción son constantes. El estribillo repite como un mantra: «Los brazos bien estirados, de vuelta del mundo de los muertos». Sigue la línea temática de terror.
Pero el núcleo de ‘One of the Greats’ lo proporciona su satírica reflexión sobre la construcción del canon musical. Florence se pregunta a qué artistas se les permite ser «uno de los grandes» y lo hace a través de la figura de una mujer que planta cara al hombre en la cima. Ambos son artistas, pero probablemente también amantes, como sugiere esa frase en que Florence habla de ciertos hombres que temen a las mujeres poderosas.
En una cascada de frases que revelan que ‘One of the Greats’ fue originalmente un poema, Florence no se corta en uno de los mejores versos que ha firmado: «Estaré ahí arriba con el tío, y las otras diez mujeres, y los 100 mejores discos de la historia, debe estar bien ser un hombre y hacer música aburrida simplemente porque puedes; no me malinterpretes, soy fan tuya, eres mi segundo frontman favorito». Y concluye: «Y tú podrías tenerme si no me tuvieras miedo, es divertido cómo los hombres no consideran el poder sexy».
‘One of the Greats’, grabada en una sola toma, es un tema de rock pantanoso y distorsionado en el que participa Mark Bowen, guitarrista de IDLES. A diferencia de ‘Everybody Screams’, es elegante y contenido, aunque la tensión de sus guitarras deja entrever la «frustración» acumulada por Florence a lo largo de “los últimos 15 años”. “Al inicio de mi carrera fui ridiculizada de forma constante por mi expresión grandilocuente”, explica en una nota de prensa. “Me empujaron al centro de la atención solo para después decirme que no lo merecía”.
Doja Cat publica hoy nuevo disco, ‘Vie’, el mismo que presentará el año que viene en Primavera Sound, donde es una de las cabezas de cartel. ‘Vie’ es a todas luces el disco más ochentero de Doja Cat: el primer single, ‘Jealous Type‘, con su sonido a lo new jack swing, no engañaba.
A Doja le ha influenciado el pop negro de la época; nombres como Janet Jackson, Prince o la dupla de Alexander O’Neal y Cherelle (quien ya fuera reivindicada por Mariah Carey en ‘Glitter’) vienen a la mente escuchando el álbum. De hecho, diría que la melodía de ‘Strangers’ es la misma que la de ‘LUV‘ de Janet… solo que la producción lleva a ‘Control’ (1986).
Ritmos como los de ‘Cards’ o ‘Gorgeous’ -nuevo single- tienen la impronta de Jimmy Jam & Terry Lewis; y ya sabemos que al productor principal, Jack Antonoff, le encanta reproducir sonidos del pasado. Esta vez, logra una frescura innegable en temas como el delirante ‘AAAHH MEN!’, que parece de Prince… y de Jessie Ware. ‘Keep Me Dancing’ con SZA -único featuring- no es un mero intento de replicar el éxito de ‘Kiss Me Once’, sino que incorpora unos sintetizadores que encantarían a Bruno Mars.
‘Gorgeous’ es uno de los puntos destacados de ‘Vie’ gracias a una producción que une sensibilidades nostálgicas y actuales. El estilo sintético del R&B-pop de los 80 (pienso en Michael Jackson, Lionel Richie) dialoga con los códigos del rap y el trap, en esta co-producción de Jack Antonoff, George Daniel (The 1975) y Sounwave, entre otros, que explora la idea de belleza como crimen, pero que sobre todo transmite una gran positivismo.
A lo largo de 15 pistas, Doja no sostiene el hilo sónico de ‘Vie’ de principio a fin. Temas como ‘Act of Service’ o ‘Make It Up’ proponen un tipo de R&B más ordinario -y actual- que no habría desentonado en ‘Planet Her‘ (2021). Otros cortes como ‘Lipstain’ o ‘One More Time’ engrosan un repertorio que no iguala exactamente el nivel de ‘Jealous Type’ y de otros singles potenciales.
Y para los que pensaban que iban a echar de menos el rap de ‘Scarlet‘ (2023), en ‘Vie’ hay unas cuantas barras memorables: Doja no ha olvidado que es rapera, lo cual probablemente tampoco era una posibilidad en un disco lleno de black pop lujoso, con mucho eco al ‘I Feel for You’ (1984) de Chaka Khan.
The Hives siguen siendo la banda que recordabas. El séptimo disco del quinteto sueco, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, sigue manteniendo la potencia que ha caracterizado todos sus trabajos anteriores. Ellos están más decididos que nunca a mantener su título como una de las mejores bandas en directo del rock.
Después de ‘The Death of Randy Fitzsimmons’, The Hives no han perdido nada de tiempo, siendo la vez en la que más rápido han vuelto al estudio para crear un disco. Ya les sale de forma natural. Durante la entrevista con el batería Christian Grahn, este me asegura en varias ocasiones que están en plena forma. Solo hay que escuchar la canción titular o cualquiera de los singles disponibles para darse cuenta de que no lo dice por decir.
The Hives pasarán por España el próximo noviembre: el día 1 en el Sant Jordi Club de Barcleona y el día 2 en el Movistar Arena de Madrid.
Este es un disco explosivo. Habéis dicho que todas las canciones son singles. ¿Cuál fue vuestra primera idea al ir al estudio después de vuestro último disco?
Siempre hemos intentado hacer cada canción lo mejor que podemos en todos los discos, pero este se siente como si estuviese lleno de «bangers». Hemos tenido problemas eligiendo los singles porque podía ser cualquiera de ellas. Así que, de alguna manera, es intencionado. Siempre quieres hacer las mejores canciones posibles. Diría que sí y no a la vez. Hemos intentado hacer un gran disco, que al final ha acabado teniendo grandes canciones, por lo que cualquiera podría ser un single.
¿Y qué os ha hecho decantaros por estos singles?
Al principio, hace 20 años, nunca pensamos que ‘I Hate To Say I Told You So’ fuese un single. Así que siempre hemos preguntado a otras personas sobre las canciones que creen que deberían ser singles, porque resulta que somos bastante malos escogiéndolos. Y por eso, volviendo a tu pregunta anterior, para nosotros todas podrían ser singles, pero puede que haya gente que opine lo contrario. Todas las canciones son como hijos para nosotros, así que es muy difícil.
¿Qué crees que es importante para crear un buen single?
No lo sé, supongo que cuando empezamos, las canciones eran mucho más rápidas, así que… Muchos de nuestros grandes éxitos han sido a «mid-tempo». Parece ser el ritmo perfecto para que la gente nos aprecie más. Hacemos canciones más rápidas, hacemos canciones más lentas, pero a la gente le encantan las de «mid-tempo». Así que supongo que, en nuestro caso, para crear un gran éxito para estadios, diría que un buen comienzo es que la canción esté entre 130 y 145 BPMs.
«Nunca pensamos que ‘I Hate I Told You So’ fuese un single»
Después de 30 años en activo, ¿por qué habéis esperado tanto para hacer un disco con vuestro nombre en el título?
Antes del último disco hicimos una especie de descanso y el plan ya era hacer estos dos discos. Queríamos hacer ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ un poco más crudo, y eso es ‘The Hives Forever Forever The Hives’. Es un poco más, no sé, quizá no tan punk, pero al final resultó así. Parece que no podemos decidir de antemano qué hacer. Puedes ponernos cualquier tipo de canción y meternos a los cinco en una habitación, y va a sonar de cierta manera y la energía va a tener una cierta intensidad. Así que, no sé, simplemente ha salido así. Estamos en muy buena forma, en cuanto a tocar se refiere. Pasa mucho tiempo antes de que entremos en el estudio, pero cuando lo hacemos, somos bastante rápidos. Es básicamente darle a grabar y ya, porque estamos muy rodados y tenemos una visión muy clara de lo que queremos hacer. Así que no sé por qué hemos esperado tanto tiempo. No sé. Somos mayores. Siempre pensamos que hacemos un tipo de disco muy novedoso. Lo pensamos cada vez, pero la gente no parece estar tan de acuerdo. Como he dicho, siempre seguirá sonando como una cumbre.
¿Cómo os las habéis arreglado para manteneros en buena forma? Muchas bandas se vuelven un tanto obsoletas o rancias, pero no es vuestro caso.
Simplemente nunca hemos querido ir por ese camino. Siempre hemos dicho que cuando no podamos hacerlo, cuando ya no podamos mejorar más, si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre o lo que sea, simplemente lo dejaremos, porque eso no es divertido. No queremos convertirnos en ese tipo de banda, así que simplemente nos esforzamos al máximo. Siempre lo hemos hecho y seguiremos haciéndolo mientras exista esta banda.
¿Cómo sería un álbum mediocre para vosotros?
No sé, el que tenga canciones con las que no estamos contentos.
En la producción del disco han trabajado Mike D, de los Beastie Boys, y Josh Homme…
Hemos seguido trabajando con Pelle Gunnerfeldt, que ha producido muchos de nuestros discos, pero también hemos tenido ayuda de Mike D y Josh, aunque Josh no está en sí en el disco. Estaba al teléfono.
¿Al teléfono?
Sí, hablamos con él y le preguntamos qué opinaba y simplemente dijo que le parecía jodidamente genial, así que seguimos adelante. Mike D sí vino a Estocolmo y trabajamos con él en el estudio. Fue divertido. Es como un sueño hecho realidad, ¿no? Los Beastie Boys han hecho algunas de las cosas más geniales que se han grabado jamás. Así que tenerlo allí con su energía e incluso haciendo algunos coros en la canción fue muy divertido.
Habéis dicho que estabais bastante nerviosos al trabajar con él.
Por supuesto, es una leyenda. Cualquiera se pone nervioso al conocer a una leyenda. Incluso las leyendas se ponen nerviosas al conocer a otras leyendas (risas).
¿Cuál es tu canción favorita del disco?
Cambia de vez en cuando. A veces, cambia cuando las tocamos muy alto. La que realmente disfruté grabando y trabajando para que sonara perfecta es una canción llamada ‘Legalize Living’. Si tuviera que decir una, sería esa.
Para mí, la última canción, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, suena como una que os ha llenado mucho.
Queremos vivir para siempre. Y esta banda probablemente lo hará. Esa canción es como un himno, así que a la gente le va a encantar. Me pregunto qué pasará cuando la toquemos en directo.
Sois conocidos por la energía de vuestro directo. Te quería preguntar si ha sido así desde el principio.
Sí, siempre intentamos ser la mejor banda en el escenario. Es casi como un deporte. Si tocamos en festivales o lo que sea, si tocamos con otras bandas, simplemente tenemos que ser mejores. Lo que se queda en la mente de la gente cuando sale de un concierto nuestro es que fuimos los mejores. Esa es la idea. Solo queremos ser la mejor banda de la historia en el escenario.
Habéis tocado desde 2012 hasta 2023 sin descanso. Tenía entendido que tocar en directo pasa mucha factura. ¿Cómo lo habéis hecho?
De hecho, estuve hospitalizado durante un tiempo. Los demás siguieron tocando con diferentes baterías durante un año o dos. Justo cuando estaba a punto de recuperarme, llegó la pandemia, así que no pudimos tocar mucho durante ese tiempo. Bueno, hicimos el World Wide Web Tour y cosas así. Simplemente seguimos tocando. En cuanto paras, pierdes práctica al tocar. Estos últimos dos discos los hemos hecho muy rápido en el estudio porque estábamos en buena forma. Todos sabíamos qué hacer, cuándo hacerlo y cómo. Y sí, supongo que estamos en un buen momento. Siempre nos ha gustado dar conciertos, así que hemos tocado todo lo que hemos podido desde 1993. Y si es difícil, no lo sé. Es lo que hacemos. Simplemente no podemos dejarlo. No podemos tomarnos descansos de más de, no sé, dos meses. Ahora mismo estoy en casa, sentado debajo de este árbol, tomando una taza de café. Se está bien, pero ya tengo ganas de empezar la gira. Vamos a tocar en Finlandia en un par de semanas y después nos vamos a Japón y Australia, que llevamos mucho tiempo sin tocar allí.
¿Tocáis todo lo que os ofrecen?
Ahora podemos elegir un poco más (risas). Cuando empezamos, tocábamos en cualquier sitio. ¿Podéis venir a tocar a nuestra casa? Lo hacíamos. Dos personas en el público. Tocábamos en todos los sitios.
Como banda, ¿hay algún secreto para llevar tanto tiempo juntos y que os podáis llamar amigos cercanos?
Que no sabemos qué haríamos si no estuviésemos haciendo esto. Es lo que hemos hecho durante toda nuestra vida. Mis compañeros son más familia que amigos, llegados a este punto. Queremos hacer los mejores conciertos y discos posibles y, si estáis apuntando a lo mismo, sin importar lo lejos que esté, en algún momento vais a llegar allí.
«Si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre, simplemente lo dejaremos»
Empezando en los años 90, habéis presenciado el panorama del rock cambiar mucho durante todo este tiempo. ¿Cómo habéis vivido las diferentes opiniones sobre el estado del género?
Va por ciclos. Un año alguien dice que el rock está acabado, al otro dicen que ha vuelto por todo lo alto.
Lo llevan diciendo durante 20 años.
Exacto, y es una gilipollez. La buena música es buena música, y resulta que nosotros hacemos música rock. Hay bandas y músicos muy buenos en otros géneros. Y mientras haya calidad y algo único que atraiga a la gente, algo que les guste escuchar, vas a seguir haciendo lo que haces para siempre, supongo. Lo curioso de estar en una banda de rock durante tanto tiempo es que tienes generaciones de gente viniendo a tus conciertos. Los hijos, las madres, los padres… Tenemos mucha diversidad en nuestros conciertos, lo cual es divertido. Significa que estás haciendo algo bien.
También es una señal de que no te estás quedando estancado ni nada por el estilo. Con gente joven en los conciertos…
Totalmente. Hicimos una gira enorme en el Reino Unido teloneando a los Arctic Monkeys y tienen un público muy joven. Conseguimos muchos nuevos fans en esa gira, que fue super divertida. Tocar con los Monkeys cada noche, que son una gran banda, y ver a todos estos jóvenes disfrutar sus canciones… Creo que para muchos era la primera vez que oían hablar de nosotros, lo cual es raro, porque llevamos muchísimo tiempo por aquí, pero es divertido ganarte los corazones de la gente.
Cuando empezasteis, el rock era la fuerza dominante, pero ya no es el caso. ¿Cuáles son las bandas que os mantienen viva la esperanza? ¿Son más difíciles de encontrar?
Tienes a Amyl and The Sniffers, Viagra Boys… Todavía hay bandas muy buenas y crudas. Soy muy malo al recordar nombres, pero no creo que sea más difícil. Quizás no estén tanto en la radio mainstream o en TikTok, pero siguen ahí.
Hablábamos antes sobre conocer a leyendas y realmente habéis conocido a unas cuantas. Habéis tocado con AC/DC y The Rolling Stones, lo cual no es algo que puedan decir muchas bandas. ¿Cómo os eligieron?
Creo que fue cosa de boca a boca. Cuando tocamos con los Stones, estaban algo nerviosos por ir después de nosotros porque habían oído que éramos una gran banda en directo. Las hijas de Keith Richards estaban en el escenario, viéndonos tocar. Si te gusta la música, vas a encontrar bandas chulas para ir de gira con ellas. Supongo que les gustamos a The Rolling Stones y a AC/DC. Tener el rumor de ser una de las mejores bandas en directo de la historia, como nosotros tenemos, hizo que ellos quisiesen que nos encargáramos del calentamiento.
Después de la entrevista, tengo muchas ganas de veros en directo.
Te sorprenderá. Vas a salir de allí con una gran sonrisa en la cara, preparado para contárselo a tus nietos algún día.
Tras su entrada al puesto 2, ‘The Dead Dance’ logra ser lo más votado de la semana en JNSP, al obtener el 35% de los votos en las Stories de Instagram, frente al 32% de JADE. Sólo 6 votos las han separado. Se trata del 12º número 1 de Lady Gaga en nuestra web tras la buena aceptación de ‘Poker Face’, ‘Bad Romance’, ’Applause’, ‘Perfect Illusion’, ‘The Cure’, ‘Shallow’, ’Stupid Love’, ‘Rain On Me’, ‘911’. ‘Disease’ y ‘Abracadabra’. Curiosamente, ‘Die With a Smile’, el mayor éxito de la carrera de Lady Gaga no ha llegado a la cima. La artista desempata de Amaia o Florence y es la 2ª artista con más números 1 en JENESAISPOP de la historia, solo por detrás de la inalcanzable Lana del Rey.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Love of Lesbian ha comunicado que no participará en ningún festival vinculado al inversor pro-israelí KKR. «Desde Love of Lesbian queremos compartir con vosotros que hemos tomado la decisión de desvincularnos de los festivales en los que la empresa KKR tenga participación accionarial», dice el texto que ha sido difundido en el programa Mañaneros 360 de TVE. Como consecuencia de esta decisión, Love of Lesbian cancela su actuación en el festival Interestelar de Sevilla de 2026.
«Esta decisión es el resultado de una serie de debates internos que han requerido tiempo», explica la banda liderada por Santi Balmes. «No somos sun grupo que tome decisiones impulsivas; intentamos siempre construir una respuesta común, honesta y compartida. Y no mentimos: no siempre es fácil ya que somos plurales, imperfectos y con tantas dudas y miedos como cualquier otro».
Love of Lesbian, que ha pedido la libertad de Palestina, y condenado el genocidio nombrando a su perpetrador, Benjamin Netanhyahu, en festivales como el Cruïlla, añade: «Hemos necesitado tiempo y muchas conversaciones para tomar esta decisión que conlleva consecuencias que, a veces, no se ven a simple vista. En algunos conciertos pasados habíamos expresado nuestra postura sobre este genocidio del pueblo palestino, desde el altavoz que nos proporciona el escenario, intentando ser un pequeño caballo de Troya desde dentro. Pero ahora ha llegado el momento de dar el siguiente paso. Esta decisión, supone, inevitablemente, renunciar a algunos festivales con los que ya teníamos conversaciones avanzadas para 2026, pero creemos que la coherencia con lo que pensamos y sentimos ahora mismo debe prevalecer».
«Dicho sea de paso, queremos aclarar que siempre nos hemos sentido muy bien tratados por estos festivales», puntualiza la banda. «En realidad, esa fantástica relación forjada a través de los años, ha hecho que nuestra decisión haya sido aún más difícil porque conocemos a los equipos humanos que hay detrás de ellos y que nada tienen que ver con esta situación».
Love of Lesbian se suma, desde España, al boicot cultural contra Israel en protesta por el genocidio en Gaza y para presionar al gobierno israelí a detener la invasión. A escala internacional, Björk y Paramore, así como Hayley Williams en solitario, se han sumado a la campaña No Music for Genocide, que insta a los artistas a bloquear su música en todas las plataformas musicales israelíes y cuenta con el apoyo de unos 400 artistas. Recientemente, Massive Attack se ha unido a esta iniciativa y, paralelamente, ha anunciado que ha solicitado a Universal la retirada de toda su música de Spotify debido a los lazos militares de la empresa sueca.
El caso por terrorismo contra el rapero de KNEECAP, Liam Óg Ó hAnnaidh, ha sido desestimado debido a un error técnico en el procedimiento judicial. Según ha explicado el juez, Paul Goldspring, la acusación fue presentada desde el principio de manera incorrecta, por lo que ahora ha sido calificada como «ilegal» y «nula».
“Considero que estos procedimientos no se iniciaron en la forma correcta, ya que carecían del consentimiento necesario del DPP (Director de Procesamientos Públicos) y del AG (Fiscal General) dentro del plazo legal de seis meses», ha señalado el letrado.
Liam, cuyo nombre artístico es Mo Chara, había sido acusado de promover el terrorismo alzando una bandera de Hezbolá durante un concierto.
Mo Chara ha negado el cargo desde el inicio y lo ha calificado de político. A la salida de los tribunales, ha celebrado el fallo: Este proceso nunca fue sobre mí. Nunca fue sobre amenazas al público. Nunca fue sobre terrorismo. Siempre fue sobre Gaza, sobre lo que ocurre cuando te atreves a alzar la voz. Sus intentos de silenciarnos han fracasado porque nosotros tenemos razón y vosotros estáis equivocados».
Daniel Lambert, abogado de Liam, ha aplaudido también la decisión: “Hemos ganado. Liam Óg es un hombre libre. Dijimos que lucharíamos contra ellos y ganaríamos. Lo hicimos (dos veces). Kneecap no tiene cargos ni condenas en ningún país, jamás. La represión política ha fracasado. Kneecap está del lado correcto de la historia. Gran Bretaña no».
Michelle O’Neill, primera ministra de Irlanda del Norte, ha mostrado su apoyo a Mo Chara, afirmando que “estos cargos formaban parte de un intento calculado de silenciar a quienes se levantan y denuncian el genocidio israelí en Gaza». Según O’Neill, “Kneecap ha utilizado su plataforma en escenarios de todo el mundo para denunciar este genocidio, y es responsabilidad de todos nosotros seguir alzando la voz y oponernos a la injusticia en Palestina».
KNEECAP es uno de los fenómenos musicales del momento salidos de Irlanda, y acaba de ser confirmado en la programación de Primavera Sound 2026.
Hoy 26 de septiembre se publican los esperados discos de Mariah Carey -el primero en 7 años- y Doja Cat, así como el segundo trabajo de la estrella revelación Olivia Dean. También ven la luz nuevos álbumes de Barry B, Zara Larsson, Cate Le Bon, Tú peleas com una vaca, Purity Ring o SPRINTS. Y si hace días salía el disco de JADE, hoy es el turno de otra Little Mix, Perrie.
La semana antes del huracán Taylor Swift, lanzan nuevo single también Florence + the Machine, Tame Impala -que anuncia shows en España- o FKA twigs, que detalla su disco ‘EUSEXUA: Afterglow’. En portada estos días hemos estrenado el nuevo tema de Turista Sueca.
El pop internacional deja estrenos destacados de Tate McRae o Ice Spice sampleando a M.I.A. y presentan disco The Temper Trap, Juana Molina o Danny Brown. Entre los temas favoritos de la redacción, ‘booboo2’ de yaeji junto a Underscores y Aliyah’s Interlude.
De la cosecha nacional hay mucho que rascar, ya que Amaia y Judeline lanzan su primera colaboración, Luna Ki estrena baladón y hay temas interesantísimos de Júlia Colom o Teo Planell que destacamos en la playlist. Además, vuelve Nadadora tras 15 años y hay singles de Ana Torroja y Chanel. Por su parte, Juanjo Bona se alía con Confeti de Odio.
Mel Blue, MINIÑO, Night Tapes a saco con el parecido a Fleetwood Mac o la colaboración de Daniel Caesar y Bon Iver son algunas de las recomendaciones que dejamos hoy, y que puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend», disponible en Apple Music y de momento también en Spotify.
Tame Impala ha compartido las fechas de la gira europea de ‘Deadbeat‘, su quinto disco. España es uno de los países afortunados: Kevin Parker presentará ‘Deadbeat’ el 7 de abril en el Movistar Arena de Madrid y el 8 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial.
Las entradas se pondrán a la venta en Fever a partir del 3 de octubre a las 10 horas para ambos conciertos. Además, se ha habilitado una preventa para fans a través de la web de Tame Impala.
‘Deadbeat’ se publica el 17 de octubre. Incluye el single tecno de 7 minutos ‘End of Summer‘, así como los más reconocibles ‘Loser’ y ‘Dracula’.
Si ‘Loser’ recuperaba la psicodelia guitarrera de los primeros álbumes de Tame Impala, ‘Dracula’ apunta a la sofisticación bailable de ‘The Less I Know the Better‘ o ‘Borderline‘. Como mínimo, la melodía es igual de instantánea y pegadiza.
Como pensada para Halloween, que se acerca, ‘Dracula’ habla de un amor disfrutado «en la oscuridad» de la noche y la producción disco-house incluye campanas y otros efectos halloweenescos. ¿Ha podido ser Kim Petras una influencia? Parker es Dracula, claro, porque «huye de la luz» para refugiarse en los brazos de la persona amada. En su papel de fugitivo, compara su carisma con el del «puto Pablo Escobar»… solo para incordiar a sus amigos: «Shut up, Kevin, just get in the car», le contestan.
‘Dracula’ está presumiblemente dedicada a Sophie Lawrence, esposa de Kevin Parker y madre de su hija, Peach, nacida en 2022 y que aparece en la portada de ‘Deadbeat’, sujetada por el australiano, en una tierna imagen diseñada en blanco y negro.
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