Malas noticias para FKA twigs. La artista, que ha colaborado en una campaña publicitaria de Calvin Klein en Reino Unido, se enfrenta a un caso de censura después de que la Autoridad de Normas Publicitarias haya prohibido el anuncio en el que aparece la cantante.
En la fotografía promocional ahora prohibida, FKA twigs aparece con una camisa vaquera que, como no ha terminado de ponerse, deja al descubierto la parte derecha de su cuerpo. Esto, según la organización, es lo que ha llevado a la decisión de eliminar el anuncio, alegando que la «composición de la imagen centraba la atención de los espectadores en el cuerpo de la modelo en lugar de en la ropa anunciada».
Por otro lado, la organización sentencia que sus «rasgos físicos» la habían «presentado como un objeto sexual estereotipado», por lo que concluyen que «el anuncio es irresponsable» y podía «causar una ofensa grave». La prohibición llega tras las quejas de dos personas de que las imágenes estaban «excesivamente sexualizadas» y cosificaban a las mujeres.
Calvin Klein ha defendido su campaña publicitaria en un comunicado, donde afirma que sus poses son «naturales y neutras»: «Las imágenes no eran vulgares y eran de dos mujeres seguras de sí mismas y empoderadas que habían elegido identificarse con la marca Calvin Klein, y los anuncios contenían un mensaje progresista e ilustrado».
Además, la artista también defendió el anuncio en Rolling Stone en el momento de su lanzamiento: «Hacer esta campaña significa que puedo ser quien soy: una mujer fuerte. Es algo que no va a pasar de moda. Cuando tenga 60 años y nietos, podré enseñarles estas fotos y decirles: ‘Tu abuela era fuerte'».
Respecto a la censura de la fotografía, FKA twigs ya se ha manifestado a través de Instagram, donde comenta que «a la vista de otras campañas pasadas y presentes de este tipo», siente que «hay doble rasero». «No veo el ‘objeto sexual estereotipado’ que me han etiquetado. Veo a una mujer de color, hermosa y fuerte, cuyo increíble cuerpo ha superado más dolor del que puedan imaginar», escribe.
Estas quejas también se produjeron en el mes de marzo cuando Kendall Jenner realizó una publicidad similar con Calvin Klein, según afirma Variety. Sin embargo, en ese caso la campaña publicitaria no llegó a ser eliminada. El debate, de hecho, ni siquiera existió cuando recientemente Jeremy Allen White apareció semidesnudo en otro anuncio de la misma marca.
Lil Nas X ha publicado un adelanto de 20 segundos del videoclip de ‘J Christ‘, su nuevo single, que se podrá escuchar a partir del viernes 12 de enero. Solo 20 segundos bastan para vaticinar que el vídeo de ‘J Christ’ dará de qué hablar.
En el clip un grupo de personas camina en fila campo a través, siguiendo un sendero blanco, aparentemente después de haber muerto, dirigiéndose al cielo. La noticia es que estas personas se parecen mucho a otras que conoces: una parece Kanye West, otra Oprah Winfrey, otra Barack Obama, otra Mariah Carey. Hasta Taylor Swift y Ed Sheeran aparecen representados.
Lil Nas X ha confirmado la presencia de dobles famosos en el videoclip de ‘J Christ’ compartiendo un mensaje publicado en X donde se describe que el vídeo contiene cameos de «Table Lift, Kanye South, Banot Obama, Noprah y más».
Por otro lado, Lil Nas X ha contestado a las críticas que ha estado recibiendo en los últimos días a raíz del uso de imágenes y símbolos religiosos en el videoclip de ‘J Christ’. Una persona se ha dirigido a Montero para reprocharle su falta de clase, comparando su trabajo con el de Madonna y Lady Gaga. Lil Nas ha contestado que «el problema es que algunos gays creéis que estoy intentando ser como Gaga o Madonna cuando la realidad es que, con el debido respeto, lo que han hecho ellas me importa una mierda, y con mi carrera estoy haciendo lo que me da la gana».
Por otro lado, Lil Nas ha sorprendido anunciando que en otoño cursará una carrera de «Estudios Bíblicos» en la Universidad, aunque TMZ ha desmentido la información.
Lo último que hemos sabido de Savages es… que Jehnny Beth sale en ‘Anatomía de una caída‘ (y lo hace muy bien). Más que desarrollar una carrera regular, consistente y duradera, el grupo de rock alternativo ha sido una influencia en un siglo necesitado de referentes punk, guitarreros y reivindicativos, aunque sea de vez en cuando. La banda dublinesa SPRINTS está en esa línea. Se miran en gente como los Pixies y Siouxsie, saben quiénes son Bauhaus, hablan de Patti Smith pese a su juventud.
‘Letter to Self’ ya es, editado tan pronto como un 5 de enero, uno de los debuts más prometedores del año. Como dejando las ganas de revolucionar esquemas y estructuras para primavera o verano, SPRINTS nos hacen plantearnos más bien por qué a principios de 2024 tantísimas cuestiones planteadas en los tiempos del post-grunge continúan vigentes. Por qué sigue siendo común esa rabia interior. Por qué tenemos que aparentar que somos felices cuando el sistema no nos lo permite. Por qué hay que justificar cada decisión cuando la vida nos da tan pocas oportunidades.
La gran artífice de SPRINTS se llama Karla Chubb y asegura que ha escrito canciones como ‘Shadow of a Doubt’ por «puro egoísmo». Su intención era la de quitarse de encima «trauma, depresión, secuelas». Aquí no hay tiempo para la literatura ni para líos. Sus letras son extremadamente abiertas y sencillas. Desde luego no habrían sobrevivido a la crítica de aquellos señoros que tanto se reían de autoras directas y sencillas de los 90, mientras rendían pleitesía a rimas tipo «Feeling supersonic / give me gin and tonic». Pero los tiempos han cambiado. Y ‘Letter to Self’ da lo que quiere a un público víctima de sus inseguridades.
‘Ticking’ abre el álbum en un mar de dudas. ‘Cathedral’ habla de padres, madres, religión y abusadores. ‘A Wreck’, de autoestima. Una de las piezas principales, ‘Adore Adore Adore’, de una misoginia en la que muchas se verán retratadas («nunca me llaman «guapa» / solo dicen que estoy loca»).
Esta última canción la podría haber cantado la Courtney Love de ‘Violet‘. Cada vez que Karla Chubb dice eso de «do you adore me», rezarás para que vuelvan Hole. Aunque sea a un festival. Sleater-Kinney y Yeah Yeah Yeahs también pueden venir a la mente y, ya sin diferenciar sexos, también los Radiohead de ‘Pablo Honey’ o más recientemente, la habilidad para construir algo que suene poético con muy poco de Fontaines DC.
La base rítmica de ‘Ticking’, el modo en que ‘HEAVY’ se desata, el momento en que ‘Cathedral’ se convierte en un pogo… construyen el disco sin descanso. La melodía de ‘Can’t Get Enough of It’ hace honor a su nombre hablando de una «pesadilla viviente» y de la «imposibilidad de hablar». Mientras muchas de las composiciones se benefician de una estructura in crescendo, como ‘Up and Comer’ cuando el «diablo llama a la puerta», otras suenan desde el principio como esa canción que siempre te gustó tanto para sacar medio cuerpo por la ventana en tu propia road movie imaginaria (‘Literary Mind’).
‘Letter to Self’ se cierra con una canción homónima en la que Karla Chubb, que se declara queer, es decir, no está cantando necesariamente a un hombre, asegura: «te he dado todo, pero nunca eres feliz». No está claro si se dirige a una ex o a sí misma. Pero la pregunta del millón es si dentro de 30 años seguiremos buscando la «felicidad» de esta precisa manera. 60 años después de Kurt Cobain.
Fotograma de 'Tengo sueños eléctricos', de Valentina Maurel
Es tiempo de listas con lo mejor del año. Listas inevitablemente sesgadas porque hay estrenos en salas que no han visto ni mil personas en toda España. Literalmente. Un ejemplo: la extraordinaria ‘Trenque Lauquen’ (Filmin), que ha encabezado listas como la de Cahiers du Cinema, la han visto exactamente 609 espectadores en España (datos del Ministerio de Cultura). Aprovechamos que muchos de estas películas ya están disponibles en plataformas para recomendar diez títulos que pasaron desapercibidos en las salas o que merecían un recorrido mayor.
Upon Entry (Alejandro Rojas, Juan Sebastián Vasquez)
Ha sido una de las grandes sorpresas de este año en el cine español. Los votantes de los Feroz, siempre atentos a estos descubrimientos (ya lo hicieron con ‘Espíritu sagrado’, ignorada en los Goya), la han nominado como mejor película. El debut de los venezolanos Rojas y Vasquez, es un (in)tenso drama psicológico, de tintes kafkianos, que parte de una de las frases que más miedo da si la escuchas en un aeropuerto: “Acompáñenme, por favor”. Sustentado por un guion de hierro y unas interpretaciones fabulosas a cargo de Alberto Ammann y Bruna Cusí, los directores construyen un angustioso thriller con toques de drama psicológico, que critica los abusos de poder de los funcionarios de inmigración de las aduanas y reflexiona sobre los límites de la confianza de la vida en pareja. 8’2
Disponible: Filmin, Movistar+
Retorno a Seúl (Davy Chou)
El segundo largometraje de Davy Chou parte de hechos autobiográficos. El director, francés de padres camboyanos, acompañó a una amiga, adoptada por un matrimonio francés, a Corea, su país de nacimiento, para conocer a su familia biológica. El choque cultural y la crisis identitaria que desencadenó el encuentro están en la base del guion de ‘Retorno a Seúl’. La película narra una historia de desorientación vital y autodescubrimiento a través del protagonismo de una joven francesa en busca de sus orígenes coreanos. Una historia de desarraigo nada complaciente ni sentimental, con un personaje psicológicamente complejo -una joven antipática y desagradable, producto de su frustración- llena de momentos tan mágicos y emotivos como el baile de la canción ‘Anybody’ (Christophe Musset y Jérémie Arcache) que se hizo viral en Francia. 8’3
Disponible: Movistar+, Prime Video
Scarlet (Pietro Marcello)
Después de la monumental y premiadísima ‘Martin Eden’ (2019), Pietro Marcello (seguramente el director italiano más interesante de la actualidad) regresó con la adaptación (muy libre) de otro clásico: ‘El velero rojo’, del escritor neorromántico ruso Alexander Grin. ‘Scarlet’ es una hermosa fábula humanista y feminista ambientada en un pueblo del norte de Francia tras la Primera Guerra Mundial. Una historia que discurre a medio camino entre el musical romántico (la banda sonora del oscarizado Gabriel Yared es una maravilla), el cuento de hadas, el drama paternofilial y la alegoría política. Como es habitual en el director, la película está llena de hallazgos expresivos y fugas poéticas: insertos documentales, recreaciones de imágenes de archivo, una melancólica fotografía con luz natural y la particular textura que proporciona el rodaje en 16 milímetros. Una joya. 8’5
Disponible: Filmin
Crónica de un amor efímero (Emmanuel Mouret)
El romance de esta película es tan efímero como su paso por las salas españolas. La carrera como director de Emmanuel Mouret tuvo su punto de inflexión con ‘Las cosas que decimos, las cosas que hacemos’ (2020). No solo por las trece nominaciones a los premios César o el unánime aplauso de la crítica francesa, sino también porque evidenciaba la consecución de un estilo propio que venía gestándose durante dos décadas. ‘Crónica de un amor efímero’ es la confirmación de que lo logrado por Mouret en el filme anterior no es algo casual. Es un Rohmer del siglo XXI, un Woody Allen francés, un director con un talento extraordinario para diseccionar las relaciones sentimentales (la película está articulada por medio de una veintena de encuentros amorosos) a través de un manejo brillante de los diálogos (es una delicia escuchar una película tan bien escrita) y una gran capacidad para crear situaciones divertidas y románticas. 7’9
Disponible: Movistar+, Rakuten
El maestro jardinero (Paul Schrader)
Tras una travesía del desierto de veinte años, desde ‘Aflicción’ (1997), Paul Schrader resucitó para Hollywood con ‘El reverendo’ (2017), primera parte de una trilogía bressoniana llamada Man In A Room, completada con otros dos peliculones: ‘El contador de cartas’ (2021) y ‘El maestro jardinero’, estrenada este año. Con un Joel Edgerton estelar, el filme narra el camino de redención que emprende el típico personaje Schrader: un hombre torturado, un jardinero meticuloso y solitario, que se esconde de un oscuro pasado. Cuando este florezca en el presente como una mala hierba, se verá obligado a poner en marcha su desbrozadora moral. La misma historia de siempre contada igual de bien que siempre: con aires de thriller desecado y podada al máximo de elementos superfluos. 8
Disponible: Filmin, AppleTV, Movistar+, Rakuten, Prime Video
Rimini / Sparta (Ulrich Seidl)
Se estrenaron a la vez y entre las dos apenas suman mil espectadores. Y es una pena porque las dos son películas magníficas, una nueva muestra del talento del director austriaco y su mujer, la guionista Veronika Franz, para ahondar en los aspectos más oscuros de la naturaleza humana. La primera es un retrato deprimente pero entrañable de una vieja gloria de la canción melódica “schlager”. Las andanzas de un borracho, racista y mal padre, pero también un hombre hundido y arruinado. Un cantante generoso con su avejentado público que se arrastra con la cabeza alta por unos ambientes deteriorados y muy kitsch de los que el director saca un enorme partido estético y dramático. La segunda sigue a su hermano, un pedófilo que lucha por no ceder a su pulsión erótica y convertirse en un pederasta. ‘Sparta’ es una película desoladora que plantea preguntas muy incómodas. No busca la provocación facilona sino el debate moral. 8’5
Disponible: Filmin
El extraño (Chloe Okuno)
El debut en el largometraje de Chloe Okuno (antes había dirigido un segmento de la antología ‘V/H/S/94’) es un notable ejercicio de terror psicológico y atmosférico, más interesado en que te dejes las uñas en la butaca que en que saltes de ella. La directora demuestra una gran habilidad para manejar la tensión dramática y el punto de vista femenino de la historia. Con una estupenda Maika Monroe como protagonista, ‘El extraño’ logra crear una sensación de creciente peligro, de amenaza en la sombra, de paranoia, acentuada por el espacio geográfico (la historia está situada en Bucarest), el estado emocional en que ella se encuentra (sola y sintiéndose observada en el nuevo apartamento que comparte con su novio, quien siempre está trabajando) y la ambigüedad que recorre toda la película propiciada por la subjetividad de la narración. A pesar de algunas obviedades del guion, la película funciona muy bien como inquietante relato de intriga con ecos del mejor Polanski. 7,5
Disponible: Movistar+
Tengo sueños eléctricos (Valentina Maurel)
El cine costarricense está de moda. Con el festival de Cannes como escaparate, las películas de Nathalie Álvarez (‘Clara sola’), Sofía Quirós (‘Ceniza negra’), Carolina Arias (‘Objetos rebeldes’) o Ariel Escalante (‘Domingo y la niebla’) están cosechando premios internacionales y estrenándose en todo el mundo. La última en llegar ha sido Valentina Maurel. Su excelente debut, ‘Tengo sueños eléctricos’, arrasó en Locarno y fue premiada en San Sebastián. Articulada formalmente a través de los códigos del realismo social con elementos poéticos, la película es una afortunada mezcla entre coming of age y drama psicológico que transita por caminos muy poco trillados. El despertar sexual de una adolescente le sirve a la directora para hablar de una relación paternofilial poco convencional. La fascinación de una hija por su padre irresponsable, violento y maltratador retratada a través de una mirada compleja, que huye de los juicios morales simplistas y abraza la ambigüedad. 7’7
Disponible: Filmin
Godland (Hlynur Palmason)
Tras darse a conocer internacionalmente con la impresionante ‘Un blanco, blanco día’ (2019), el islandés Hlynur Palmason se ha confirmado con ‘Godland’ como uno de los cineastas emergentes más interesantes del cine europeo. Ambientada a finales del siglo XIX, el filme narra la llegada a Islandia de un clérigo danés con la misión de edificar una iglesia y difundir la palabra de Dios en una comunidad aislada. La particularidad de este predicador es que también es un consumado fotógrafo, lo que le llevará a recorrer por tierra la isla cargado con una pesada cámara con el objetivo de retratar sus paisajes y habitantes. Esta doble misión, evangelizadora y antropológica, permite al director desarrollar una narración que combina la épica de la expedición y el esplendor paisajístico, visualmente apabullante, con la intimista, las tribulaciones del clérigo acerca de su labor y su fe cristiana. 7’5
Disponible: Filmin, Movistar+, AppleTV, Rakuten, Prime Video, Acontra+
Passages (Ira Sachs)
Un americano en París. El cineasta estadounidense Ira Sachs (‘Keep the Lights On’, ‘El amor es extraño’) lleva desde 2019 realizando películas en Francia. En la industria gala ha encontrado la libertad a la hora de filmar el erotismo que en su país no ha encontrado. ‘Passages’ (no por casualidad calificada como si fuera una cinta porno en EEUU, NC-17) presenta un triángulo amoroso desde una perspectiva poco habitual en el cine: un matrimonio gay. No es el marido o la esposa el que vive una relación extramatrimonial homosexual, sino al contrario, es el esposo gay (o bisexual) quien se lía con una mujer heterosexual. A partir de esta premisa (desvelada tanto en el tráiler como en la sinopsis, no es espóiler), el director teje un apasionante entramado sentimental que tiene su núcleo en el personaje interpretado por Franz Rogowski, un atractivo director de cine, narcisista y manipulador, cuya impulsividad y falta de empatía provoca seísmos afectivos de consecuencias dramáticas. Un filme que habla sobre el deseo y las relaciones de pareja con complejidad, sutileza visual y sabiduría narrativa. 8
Disponible: Filmin
Pol Batlle es uno de los artistas de la nueva escena catalana que están poco a poco dándose a conocer al gran público. Nacido hace 32 años en Gavà, Barcelona, Batlle ha publicado ya un álbum de estudio, ‘Salt Mortal’, editado en 2022; ha colaborado con estrellas como Silvia Pérez Cruz, Rita Payés o Clara Peya y ha cantado en el mayor escaparate de nuevos talentos a nivel internacional, COLORS, junto a Payés, una adaptación de ‘Vida’ de Lluis Llach.
El concepto de «vida» está tan presente en la carrera de Pol Batlle que precisamente Vida es el nombre de la discográfica -efectivamente asociada al festival- que, en 2020, editaba su primer single, ‘Colmena’. Y la vida de otra persona, la de su hija recién nacida, ha inspirado la nueva canción de Pol Batlle, la primera en dos años, ‘No ho has entès’.
‘No ho has entès’ describe la relación de Pol Batlle con la experiencia de la vida después del nacimiento de su hija, Juna, y también necesariamente su relación con la muerte, pues, ante la paternidad, Batlle experimenta lo que él llama una «urgencia de presencia», la necesidad imperiosa de estar ahí todo el tiempo posible para criar a su pequeña. Pero ‘No ho has entès’ no cuenta su historia con ninguna urgencia, en absoluto.
Con el apoyo de la distribuidora OneRPM, Pol Batlle se entrega a su faceta folk e intimista en ‘No ho has entès’ acompañado, además, de la cantante lisboeta Maro, quien representó a Portugal en Eurovisión en 2022 con ‘Saudade, saudade’, quedando en noveno lugar.
Batlle ha podido experimentar con la canción de autor o incluso con la copla en el pasado, pero ahora es la tradición brasileira la que colorea la música de ‘No ho has entès’. El sonido de las guitarras rasgadas, así como los detalles de piano y percusión, llevan a ese lugar, mientras Batlle y Maro transmiten la letra de ‘No ho has entès’ sumidos en una completa paz. Es como si, efectivamente, hubieran «entendido» algo de la vida, como si hubieran aceptado que tanto la vida como la muerte son igual de bellas.
De esta manera, ‘No ho has entès’ habla de «pájaros que emprenden el vuelo» pero también de un «duelo» que se «va cultivando» y que es «inminente». Batlle y Maro, cómplices, cantan que «tanto el nacimiento como la muerte» son dignos de celebración. Por eso, ‘No ho has entès’ nunca suena sombría o apenada, sino, más bien, contenta de vivir el presente.
Julia Holter, autora de discos indispensables del pop avanzado como ‘Ekstasis‘ (2012) o el más tradicionalista ‘Have You in My Wilderness‘ (2015), vuelve con nuevo trabajo. ‘Something in the Room She Moves’ sale este 22 de marzo habiéndose presentado con varios adelantos. Es nuestro Disco de la Semana.
El título de ‘Something in the Room She Moves’ es una referencia a los Beatles, pero ‘Spinning’ poco tiene que ver con los de Liverpool. Acaso podría evocar muy vagamente su etapa más experimental, porque el inusual, cojo, tempo de ‘Spinning’, más bien, hace pensar en Animal Collective.
Los detalles de ‘Spinning’ (de instrumentación jazz, de sintetizador), sin embargo, la hacen sonar a otra de esas composiciones fascinantes y libres de la autora de ‘Aviary‘ (2018). Es solo que, incluso exhibiendo una composición muy poco convencional, ‘Spinning’ es otra canción pop de Julia Holter.
Holter ha dicho que ‘Spinning’ habla de «ese estado pasional al que llegas cuando estás creando algo, vivir ese momento, ¿y cuál es ese momento?» Holter canta sobre entregarse a un «pulso» y también a la sensación de «no esperar nada y, a la vez, buscarlo todo».
Holter ha dicho que, con ‘Something in the Room She Moves’, ha intentado «crear un mundo que suene fluido, como acuoso, evocando el sonido interno del propio cuerpo». Las canciones de ‘Something in the Room She Moves’ están coloreadas por dos experiencias recientes de Holter, el fallecimiento de uno de sus sobrinos, a quien dedica el disco, y el nacimiento de su hija.
Apashe, el productor belga que crea verdaderos campos de batalla sonoros gracias a su épica mezcla de electrónica, hip-hop y orquestaciones, vuelve a Barcelona. El 14 de febrero, Apashe estará presentando su nuevo disco ‘Antagonist’ en la sala Paqui de Madrid, y el 15 de febrero, se personará en la sala Razzmatazz, donde ya se dejó ver hace un par de temporadas exhibiendo su ‘Renaissance‘ propio. Las entradas siguen a la venta.
Las nuevas canciones de Apashe reunidas en ‘Antagonist’ siguen fieles al maximalismo. Solo basta leer alguno de sus títulos: ‘Revenge of the Orchestra’ suena a lo que esperas. ‘Devil May Cry’ captura un drama orquestal que podría poner banda sonora a ‘The Crown’. Hablando de reyes y coronas, ‘King’ abre engorilada con una colaboración de Busta Rhymes. Apashe ha grabado las canciones de ‘Antagonist’ con las Orquestas Sinfónicas de Praga y Bulgaria y, además, ha creado vídeos musicales en Bulgaria, India y Mongolia.
Lo cual nos lleva a las diferentes influencias de ‘Antagonist’. ‘Catch Me’ mezcla orquestas y rave, siendo uno de los hits más inmediatos jamás firmados por Apashe, pero la música de India está presente en las percusiones de ‘Antagonist’, por ejemplo en ‘Gasoline’. Es pura «gasolina», por otro lado, el UK garage de ‘Lost in Mumbai’, mientras ‘Fracture’ o ‘Human’ se entregan a un hip-hop soldadesco que, agregando beats de dubstep a la mezcla, se prestan para videoclips igual de bélicos. Fría o caliente, Apashe sirve venganza, eso seguro.
Comparándose con Tom Petty pero reconociendo que es «la mitad de bueno» y con un «toque más triste», Lawson Hull es un artista australiano que no tiene miedo a abrirse en canal en sus canciones. Y no lo tiene porque es ahí donde destaca: en su composición. Su último lanzamiento, ‘Swim’, es una página más del diario personal que está tomando forma en su discografía.
El joven artista, acompañado por su guitarra allá donde vaya, se deja arropar por el pop más folk y alternativo para brillar con sus letras. Paradójicamente, este brillo lo logra gracias a la cruda oscuridad de la honestidad. Creando una atmósfera tranquila donde priman los instrumentos puros en lugar de la producción de ordenador que inunda las radios, Lawson Hull narra problemas universales con los que no resulta nada difícil empatizar. Ahí reside su fortaleza.
Es ese talento para saber contar lo que quiere transmitir el que, sin apenas promoción, lo ha hecho hacerse con más de cien mil oyentes mensuales solo en Spotify. Aunque ese no es el dato más curioso: Madrid y Barcelona figuran como las ciudades donde más se le escucha después de las australianas Sídney y Melbourne. Quizás España, ese país en el que domina el reguetón en las listas de éxitos, sea también un país abierto a apoyar a los artistas indie de otros rincones del mundo.
En la bonita ‘Swim’, donde Lucille Two le hace los coros, Hull expone sus inseguiridades acerca de una relación que cree que no merece y que tiene miedo de estropear. «Bebé, mi cabeza es un océano / No quieres caer aunque sepas nadar / Porque tengo la costumbre de hundir a la gente conmigo», canta jugando con las metáforas y con la verdad. Pero, a pesar de los malos presentimientos y su negatividad, son sus temores los que convierten ‘Swim’ en una canción profundamente romántica.
En el todavía pequeño catálogo del artista también destacan otros temas recientes, como el viaje por las tierras canadienses de ‘Canada’17’ o la mirada crítica hacia las tóxicas relaciones de sus amigos en ‘Honey’. Su primer lanzamiento de 2024, ‘Swim’, no tiene pinta de que vaya a ser el último. Y es que, en el mundo y la cabeza de Lawson Hull, parece que aún queda mucha marea por recorrer… y por nadar.
Cuando a Twitter le da por una cosa, hay esa cosa para rato. Y el paso de Sofía Vergara por El Hormiguero era contenido twittero tan bueno que los más acérrimos de la red social no iban a dejarlo escapar. Sobre todo, porque ha resultado ser una lluvia de zascas de la actriz a Pablo Motos. Desde ayer no hay otro tema de conversación en la plataforma.
«Haz preguntas más precisas si no quieres que te responda genéricamente», le dice entre risas Sofía Vergara al presentador cuando este se burla de sus respuestas en uno de los momentos del programa. Esa fue tan solo una de las tantas contestaciones que se han empezado a viralizar en la red social… y es que toda la entrevista fue un pequeño rifirrafe que parece que ambos se tomaron con humor.
Entre los zascas de la actriz más comentados destaca daquel en el que hace referencia a sus nominaciones a los Emmy. «¿Cómo pronuncias ‘Modern Family’?», le pregunta Pablo Motos después de que Sofía Vergara no pronunciara del todo bien el título de la serie. Rápidamente, la actriz se da cuenta de que el presentador busca reírse de su pronunciación y le espeta: «Ah, ¿porque hablas mejor inglés que yo?». «¿Cuántas nominaciones al Emmy tienes tú en Estados Unidos, perdón?», le contrapregunta ella enseguida.
Algunos tienen todavía la duda de si la broma estaba o no planeada, pero nada de eso importa en Twitter. El zasca es enorme y se corre como la pólvora en la plataforma. Sin embargo, Motos le responde que tiene 2 nominaciones a los Emmy, lo cual es cierto. Pero Vergara cuenta con 4. Y, cuando la actriz le reformula la pregunta aludiendo a los Globos de Oro, el presentador dice que son «premios menores» y le dan «un poco igual».
Los zascas continuaron a lo largo de la noche, llegando a pasar hasta por el pelo. «Una cosa que me han puesto en la documentación que supongo que es mentira es que tú eres rubia natural», le dice Motos. «No, es mío, pero ahí (en la foto) tenía 20 años y aquí tengo 51 años. O sea, ¿tu pelo te salió a ti así?», responde ella refiriéndose a sus canas.
Pese a que hubo buen rollo entre ellos durante el programa y algunas de las bromas parecen, en efecto, pactadas, hay un hecho revelador que podría confirmar que no le ha hecho mucha gracia al presentador: el vídeo en el que se recopilan todos los zascas de Sofía Vergara está siendo eliminado de redes sociales. Aferrándose al tema de los «derechos de autor», El Hormiguero se pasó todo el día de ayer eliminando el vídeo de los tuits con mayor número de interacciones, lo cual significa que el programa no tiene ningún interés en que se difunda por las redes.
Sembla que El Hormiguero ha denunciat i aconseguit esborrar aquest vídeo publicat ahir per l’@APM perquè Pablo Motos no en sortia ben parat. Seria una pena que ara es tornés a viralitzar… pic.twitter.com/oxreiIbxUt
La serie de The Weeknd y Lily-Rose Depp, ‘The Idol’, apenas duró viva unas semanas. Al poco tiempo de su estreno, HBO anunció su cancelación tras una mediocre primera temporada. Pero, pese a su pobre desempeño comercial y su horrible recepción crítica, el cantante de ‘Blinding Lights’ ha encontrado el éxito en su banda sonora (que él mismo interpreta).
El artista reunió a Madonna y Playboi Carti para una de los temas promocionales de la serie: ‘Popular’. Desde su lanzamiento el pasado junio, la canción ya ha acumulado más de 400 millones de reproducciones solo en Spotify. Además, actualmente sigue siendo la más popular de Madonna en la plataforma y la tercera de The Weeknd. Un éxito bastante evidente y que no deja lugar a dudas, teniendo en cuenta el catálogo bastante potente de ambos.
Sin embargo, ‘Popular’ no fue un hit por sorpresa. Los artistas apostaron por el single y le fue bastante bien en streaming desde su publicación. Y esto es algo que no se puede decir con ‘One Of The Girls’, el tema en el que The Weeknd y Lily-Rose Depp fichan a Jennie de Blackpink. Estrenado el videoclip en julio, ‘One Of The Girls’ pasó bastante desapercibida si se tiene en cuenta el furor que había en torno a la colaboración entre Abel y una de las principales figuras del k-pop.
No obstante, desde que la música se consume principalmente en streaming, no hay que dar nunca nada por sentado… y los casos de ‘Cruel Summer’ de Taylor Swift y ‘Die For You’ del mismo The Weeknd son grandes ejemplos. Y es que, casi medio año después, ‘One Of The Girls’ ha empezado a tener éxito gracias a su viralidad en redes sociales.
La canción, que está acumulando casi cuatro millones de reproducciones diarias en Spotify, ya cuenta con más de 300 millones en total. Y no solo eso: acaba de debutar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos en la posición 100. O sea, por los pelos. Pero ya ha ascendido hasta el puesto 69 en la que supone ser su segunda semana. Además, esta es la primera aparición de Jennie en la lista.
Habrá que esperar para comprobar si continúa la escalada de ‘One Of The Girls’ en las listas de éxitos. Si estamos ante un nuevo gran hit de The Weeknd lo tendrá que dictar el tiempo, pero quizás la serie de ‘The Idol’ no fue un estrepitoso fracaso. El cantante ha logrado destacar con lo que mejor sabe hacer… cantar, que no actuar.
Hay tres lugares en los que salir de tu zona de confort es súper importante: los cuadros de Mr Wonderful, los cursos de life coach y OT 2023. Todo el mundo quiere que los concursantes salgan de ella. Pero anoche los que más salieron de su zona de confort fueron los pezones: en la sexta gala de OT 2023 se vieron más que en las 157 galas anteriores juntas. Nueve, para ser exactos. ¿Pero por qué le ha dado a todo el mundo con que esta sea la edición en la que hay que salir de ella a toda costa? ¿En qué momento Rosa, Chenoa, Bisbal, Bustamante, Nuria Fergó, Manu Carrasco, Beth, Ainhoa, Nika, Tony Santos, Sergio Rivero, Soraya, Idaira, Fran Dieli, Edurne, Lorena, Daniel Zueras, Leo, José Galisteo, Virginia, Pablo López, Chipper, Brenda Mau, Aitana, Miriam, Alfred, Ana Guerra, Famous o Miki salieron de su zona de confort? ¿Acaso no es bastante con que canten «Quédate«?
La actuación grupal llevaba toda la semana prometiendo dosis industriales de, como dicen los jóvenes, lache. Sin embargo quedó realmente simpática. O eso, o en pleno ecuador de la edición ya nos hemos encariñado tanto con ellos que hemos entrado en esa hipnosis colectiva que azota España solo durante las mejores ediciones de OT. Sí, la misma que hace 5 años nos hizo creer que Ana Guerra era Madonna. La cara de bochorno de Bea en los pases de micros se viralizó porque es muy fácil identificarse con ella: Bea nos representa a muchos en cada una de las miles de ocasiones de este verano en las que hemos tenido que escuchar «Quédate», una canción que solo tiene sentido si tienes un cubata en la mano (y, a ser posible, si ese cubata es el sexto). Encima, si no la bailabas, tus amigos te miraban como si fueses un alienígena. Y es injusto, porque hay que derribar de una vez por todas el tabú: «Quédate» es imposible de bailar. Está hecha para que bailen los hombres que todavía creen que bailar es de mariquitas.
En el escenario Bea abrió la actuación con menos vergüenza que en el pase de micros, pero aun así tenía cara de nominada. Paul, a quien la semana pasada nominaron por histriónico, decidió que “histrionismo el que tengo aquí colgado” y botó con un ímpetu que convertía al Neng de Castefa en Mijaíl Baryshnikov. Todos llevaban gafas de sol, quizá para superar la vergüenza. Excepto Naiara, claro. Sus gafas de sol son la raya del ojo. La iluminación impedía verles las caras con claridad y el resultado fue como entrar en el interior del cerebro de alguien a quien le han dicho “tómate un cuarto” y se la ha tomado entera.
Chenoa dio la bienvenida al jurado y Buika, más Rita Repulsa que nunca, animó al público a “sentir el poder”. A lo que se refería, claro, es al poder de su coño. Pablo Rouss por su parte señaló que los concursantes se lo están “poniendo muy difícil” porque “hay mucho talento”, que es lo mismo que ha dicho en las seis galas.
Para su tercera nominación, Álex Márquez eligió una versión a piano y voz de la misma canción que ha cantado en las dos anteriores. Y lo hizo igual de bien. Fue una actuación pensada para la embajada de Estados Unidos la próxima vez que venga Glenn Close. Nada más. Y nada menos. Porque Álex es la adaptación musical de ir a ver las luces de Navidad de Madrid, hacer cola en Doña Manolita y comerse un chocolate con churros en San Ginés. Abrió los brazos para demostrar sentimiento y dejó asomar el primer pezón de la noche. Al terminar, Chenoa le preguntó si la música cura el alma. Pues Chenoa, si Álex ha elegido ‘Contigo’ de Pablo Alborán y Sebastián Yatra es evidente que considera que efectivamente la música cura el alma. La música todo locura. Y mi color favorito es verte. Después Chenoa le preguntó que qué ha aprendido en la academia y él respondió que a salir de su zona de confort.
Mira. Basta ya.
Anoche España asistió al funeral oficial del término “zona de confort”. Es imposible que vuelva a significar nada nunca más. ¿En qué momento ha salido Álex Márquez de su zona de confort? ¿Cuando se dejó convencer por la maquilladora para ponerse sombra plateada en los lagrimales? Otra cosa que OT 2023 está a punto de aniquilar es las actuaciones a piano y voz. Anoche hubo tres. Tiene sentido que los concursantes quieran apostar por ellas (aunque en España sencillamente no hay mercado para ese estilo fuera del escenario de OT), porque consideran que se pueden lucir vocalmente y que transmitirán muchas emociones quebrando la voz, cerrando mucho los ojos y ladeando la cabeza. De hecho algunas de las mejores actuaciones de OT han sido a piano y voz: ‘Para tocar el cielo’ de Joan Tena, ‘Estoy’ de Iván Santos, ‘Amorfoda’ de María Escarmiento. Pero si hay tres en cada gala se disipará su impacto. Y si todo el mundo fuera Amaia, Amaia no sería Amaia. Que ella consiga que parezca fácil lo que hace no significa que lo sea.
Y por supuesto que Paul eligió una canción a piano y voz. Contó que la tenía elegida desde que Billie Eilish la lanzó en 2018, una confesión que le humaniza y también lo convierte un poco en una parodia de concursante de OT. Pero Finneas escribió ‘When The Party’s Over’ para que la cantara Billie Eilish, lo cual hace casi imposible que alguien la versione sin parecer una fotocopia con los cartuchos desgastados. Porque si todo el mundo fuera Billie Eilish, Billie Eilish no sería Billie Eilish. Manu Guix prometió que se venía “Paulazo” con la misma ligereza con la que, semana tras semana, los profesores advierten de “galOTe”. Por supuesto esa actitud es imprescindible en OT, un programa que por encima de todo funciona en base a la ilusión, pero también hay que tener en cuenta que si todo es increíble nada lo es.
En su actuación, Paul expuso todos sus talentos y todas sus carencias como artista. Se sumergió en la letra, acompañó su vulnerabilidad con subidas y bajadas de piano y hasta consiguió que olvidásemos que su look consistía en 50% Frodo cuando se pone la cota de malla de Mithril (es una referencia heterosexual, sorry) y 50% rollo de papel albal yasssificado (esta sí la has pillado). Pero la actuación le quedó algo calculada, especialmente en ese suspiro dramático final. Que igual no estaba calculado, pero con Paul todo lo parece. La elegantísima iluminación estuvo de su parte (el morado invadió el escenario y contrastó con el naranja que salía de dentro del piano) e hizo que Paul estuviese más guapo que nunca. Más estrella que nunca. Luego se sentó en el sofá con Chenoa y la iluminación del plató desbarató todo su look, que de repente parecía el envase de un pollo asado para llevar cuando ya has rebañado todo el pollo.
Lucas se ha cortado el pelo. Estas seis palabras no significan nada para nadie, excepto para la gente que anoche vio OT. Para ellos lo significan todo. El cambio de look de Lucas debería considerarse una tercera orientación sexual. Su aparición en el escenario fue como cuando la protagonista de ‘Alguien como tú’ se quita las gafas: todos sabíamos que era guapa, pero no sabíamos cuánto. Y eso que el peinado no era particularmente favorecedor (es el mismo que se puso Manu Carrasco cuando decidió que quería que le llamásemos Manuel Carrasco).
Quizá ‘Eye Of The Tiger’ habría funcionado mejor con él en solitario, porque es una canción que en dúo pierde fuerza. A Lucas y a Bea les faltó energía. Parecía que no supieran qué hacer con sus cuerpos. No ayudó que la versionasen a un tono tan bajo. Tampoco ayudó que los bailarines intentasen parecer malotes de barrio y se quedasen en una clase de body pump de un gimnasio de Móstoles. A Bea la vistieron, una semana más, como a la asistente a una despedida de soltera que no quiere estar ahí. Pero pasó algo con Bea anoche. No pareció cómoda en ningún momento. Que alguien la devuelva a su zona de confort cuanto antes, que es bien bonita.
A Juanjo y Ruslana les cayó la actuación “tenéis que ser súper sensuales” de la semana. Juanjo canta muy bien, pero le empieza a pesar el síndrome del cantante de reality: su objetivo máximo es siempre lucirse él. Esto le desconectó de Ruslana y por momentos parecía que estaba intentando eclipsarla. Buena suerte. Quizá os acordéis de aquella noticia de 2008 de un hombre que entró en un prostíbulo de Granada con una pistola gritando “Aquí esta noche manda mi polla”. Muy bien. Pues Ruslana pisó ese escenario como si estuviese dispuesta a aniquilar a ese señor asfixiándole con sus muslos.
Llevaba un vestido impresionante de raso y encaje (cuando vestuario acierta, hay que aplaudirlo) con una raja hasta la cadera que ella aprovechó como si llevase 20 años en un cabaret de Berlín Oeste en vez de ser una ucraniana canaria de 18 años. Todo el escenario era del color del pelo de Ruslana. Ha habido muchas cosas en el plató de OT en 22 años, pero pocas veces se ha visto invadido de tanto glamour como cuando Ruslana caminó como si fuera Elizabeth Taylor en ‘La gata sobre el tejado de zinc’. Juanjo, por el contrario, caminaba como un captador de ONG. Cuando se sentaron en el sofá, hubo un detalle de Ruslana que la coronó como la estrella de la noche: cuando abrazó a Juanjo y le dijo “te amo con la vida” no se lo dijo al oído. Se puso el micro en la boca. Eso es algo que habría hecho Rocío Jurado con Lola Flores en ‘El coraje de vivir’. Eso es lo que hacen las folclóricas, para las que todo es performance para el público. Por supuesto Ruslana no lo hizo con esa intención tan calculada. Y precisamente por eso es una estrella. Es lo más cercano a una Aitana que hay en esta edición de OT.
Y del Berlín Oeste pasamos a… ¿el antiguo Egipto? O más bien al Egipto de Port Aventura. Cris y Naiara cantaron ‘El farsante’ atrapados en una de las escenografías más desconectadas no ya de la historia de OT, sino de la historia de la música. La premisa probablemente se inspirase en el videoclip de ‘Dark Horse’ de Katy Perry. Los tatuajes de Naiara se convirtieron en jeroglíficos y Cris pegó un salto cualitativo que de repente lo colocó a la cabeza de la competición. Porque como bien dijo Edurne (uno de los jurados invitados más pertinentes) el reguetón es un regalo envenenado porque abusa mucho del autotune y porque pocos concursantes de OT podrían haber sobrevivido a la frase “Eres la única persona que yo quiero que se venga encima de mí”. Probablemente solo Cris y María Escarmiento. Cris y Naiara no tuvieron demasiada química pero lo suplieron con una actitud muy disfrutona. Muy de pronunciar “versés” en vez de Versace. El flow natural de Cris y el deje flamenco de Naiara le dieron una nueva vida a una canción que parecía un billete sin retorno a la nominación. Y dio auténtico gusto escucharlos.
Toda la ropa que ha llevado Naiara en el concurso da la sensación de que podría arrancarse de un tirón. Pero es que lo que le pusieron anoche parecía sacado del armario de María Abradelo. Ella jugó al límite con el vuelo de su falda, ya fuese por intuición o porque lo había ensayado en el baño, e incluso se dio un manotazo casual para levantársela en un movimiento que a estas alturas debería patentar y llamarlo “tris-tras”. Ella es la concursante que más claro tiene lo que está haciendo en cada momento, desde los andares (Naiara camina con el coño por delante cuando la cámara la enfoca de frente y con el culo en pompa si la cámara la coge de espaldas) hasta los primeros planos en los que aprovecha al máximo una belleza que solo puede definirse como “filtro de Instagram humano”. Si Naiara fuera Cleopatra, su sarcófago tendría forma de twerking. Porque ella no sabe dejar de mandar y anoche tenía claro que en ese Egipto era ella quien ponía las pirámides. Dan ganas de que la Comunidad de Madrid retome el proyecto de Eurovegas solo para que Naiara tenga trabajo fijo allí. Hay que reconocer, eso sí, que nadie ha tenido un repertorio más a favor que ella en lo que llevamos de concurso.
Cantar ‘Flowers’ de Miley Cyrus en OT parece una buena idea en teoría, pero no lo es en la práctica. No lo es en absoluto. ‘Flowers’ fue la canción más escuchada del año pasado por dos motivos:
Es una canción redonda.
Su modulación tenue es perfecta para literalmente cualquier situación de la vida cotidiana (sufrir una ruptura, tomar copas con amigos en casa, fregar los cacharros, prepararse pasa salir, merendar con tu madre) y por tanto nadie la pasa nunca cuando empieza.
Y es precisamente esa modulación tenue lo que hace que sea una mala idea cantarla en un talent show. Especialmente a dúo. Especialmente acompañados de un cuerpo de baile que se pasa los tres minutos regalándose flores como si vivieran en el Londres de entreguerras. Seguramente la única indicación que recibieron fue “os gustan mucho las flores”, pero es que se comportaban como si no hubiesen visto una flor en toda su vida. Y ya cuando empezaron a olerlas se pusieron tan alegres que parecía que dentro de los ramos había popper. Ojalá les hubieran puesto micros a los bailarines para ver si realmente estaban hablando o solo haciendo mímica. Eso habría sido más interesante que la actuación en sí.
Violeta no estuvo bien. Álvaro tampoco. Pero él sonrió mucho y lo cierto es que a veces basta con una buena sonrisa a tiempo para salvar una actuación a medio gas. No supieron vender una historia. Estaban en canciones distintas. La sonrisa de él contrastaba con el rictus de ella (Violeta es ese tipo de artista que cree que intensidad equivale a fruncir el ceño) y las voces pregrabadas sonaban a un volumen mayor que las suyas. El resultado fue la actuación más karaoke de la noche. Y ni siquiera parecían dos amigos divirtiéndose en un karaoke, sino dos desconocidos que habían elegido la misma canción y se vieron obligados a compartirla. En su defensa, eso sí, hay que decir que nadie habría brillado con esa canción. El mayor éxito habría sido aprobar por la mínima. Y no lo consiguieron.
Y hablando de canciones trampa, ‘Alors On Dance’. Martin sufrió mucho durante los ensayos de una actuación que le pedía, esencialmente, que fuese otra persona. Y esa persona es Jennifer Lopez. Martin fue el único de la noche que salió de zona de confort. O mejor dicho, le arrancaron la ropa y le empujaron fuera de ella. Y lo cierto es que Martin sacó adelante la que podía haber sido una de las actuaciones más bochornosas de la historia de OT. ¿Que cómo lo consiguió? Pues sin dejar de ser él mismo. Acertó al no intentar ser un fucker, sino que adoptó el papel de chaval que sale por primera vez por el ambiente y guarrea consigo mismo pero con los ojos cerrados porque le da pudor: se acariciaba mucho, pero nunca el paquete. Porque es Martin. Y eso hizo que la actuación brillase, aunque no como la de una estrella del pop sino como la de un concursante de Operación Triunfo. Y Martin es, de momento, muchísimo mejor concursante de OT que estrella del pop.
Hay que tener muchas agallas (y esa cara) para atreverse a hacer todo lo que hizo en un programa de televisión nacional. Sí, se notaba mucho que estaba contando los pasos y mirando de reojo a la barra que le tocaba a continuación, pero le echó morro y encanto y se metió al público en el bolsillo (que es su mayor talento en realidad). Era como si los ensayos hubieran consistido en pasarse una semana viendo ‘Saltburn‘ y mirando las últimas fotos de Pol Soto en Instagram. Fue, a su manera, un “Martinazo”. Casi consiguió que olvidásemos que Lucas se ha cortado el pelo. Nada más sentarse en el sofá volvió en sí y le dijo a Chenoa: “¡Todavía estoy descalzo!”. El realizador pinchó un plano de sus pies, peludos como los de un hobbit, y lo alargó hasta hacer sentir sucios a muchos espectadores. Si alguna vez habéis subido una story descalzos, seguro que alguien os ha escrito indicándoos que no hay que publicar pies gratis en Instagram. Porque, por lo visto, si eres lista los pies dan dinero. Pero Martin no lo sabe. Y esa ingenuidad es lo que le va a llevar hasta la final sin despeinarse.
Chenoa salió de su zona de confort en dos momentos: cuando se puso ese top de plumas hipnóticas que debían de hacerle muchísimas cosquillas en los brazos (su mejor look de la temporada hasta el momento) y cuando despidió a Álex diciéndole “Tienes mucho carisma”. Álex salió con un 82%, un resultado opuesto al que esta crónica vaticinó hace siete días pero que nadie debería tener en cuenta porque, parafraseando a la propia Chenoa, soy humana y quiero pensar que de lo que carezco en videncia lo compenso con entretenimiento. “Te vas a ir con Masi a la green room” le dijo, como si no tuviera suficiente con ese 82%.
Masi avisó de que estaba “muy nerviosa” (así que Chenoa se puso a tres metros de ella) y de que esta semana los tres favoritos tendrían “una clase muy especial” a la que asistiría la propia Masi. Esperemos que esa clase no sea de meditación. El favorito es Martin con un arrollador 41,3%, una noticia que él recibió sonriente pero en absoluto sorprendido porque por lo visto toda la vida de Martin ha sido un arrollador 41,3%.
Buika estuvo más tranquila que de costumbre, aunque cuando le dijo a Álvaro “un juramento te voy a hacer: pase lo que pase después del concurso yo te voy a seguir”, sonó a amenaza. El mejor momento del jurado fue cuando Cris Regatero dijo “quiero hablar con Lucas”, él se levantó y ella se ruborizó y bajó la mirada. “Tengo tres cosas escritas”, continuó ella con cara de “y una de ellas es mi número de teléfono”. La valoración de Cris a Violeta se centró en que al final de cada verso “desinfla las notas”, lo cual también podría considerarse tener estilo propio. Pero lo cierto es que Violeta no está terminando de rematar todo el potencial que demostró en la gala 0, donde hizo la mejor actuación de la noche; y su nominación era inevitable (con 0 votos de sus compañeros, además).
Si la gala arrancó con el término “zona de confort” siendo asesinado por Álex Márquez, al final de la noche recibiría su golpe de gracia cuando la segunda persona en usarlo fue… Edurne.
Edurne.
¡Edurne!
EDURNE
Una mujer que tiene en su chalet una habitación solo para coleccionar Funko Pops. Edurne es una zona de confort humana en sí misma. Si la zona de confort cobrase vida, llegase a la Tierra y se encontrase con Edurne, exclamaría: “Ay, ¡qué a gustito estoy!”.
Buika le dijo a Naiara “Mimi, me gusta mucho lo que haces” y ella lo encajó fenomenal porque a Naiara todo le viene bien y porque para una chica como ella que la llamen como a Lola Índigo no es lo peor que le puede pasar. “Tanto tú como tu compañero”, añadió Buika dejando claro que no se ha aprendido el nombre de Cris.
Finalmente las nominadas fueron Chiara y Violeta, lo cual garantiza dos actuaciones más a piano y voz la semana que viene. Porque a veces la zona de confort está muy bien. Algunos de los mejores artistas del mundo conquistaron países enteros sin salir de ella. La clave es que su zona de confort era maravillosa y todos quisimos formar parte de ella. El problema, quizá, es que muchos concursantes, a diferencia de los de otras ediciones, entraron al concurso convencidos de cuál es su zona de confort a pesar de tener 20 años y apenas ninguna experiencia musical. OT podría ayudarles a experimentar, a arriesgarse y a descubrir una zona de confort inesperada, dándoles canciones realmente provocadoras. Que se la jueguen de verdad. Como con ‘Alors on Dance’. Que flirteen con el desastre. Como cuando, sin ir más lejos, le dieron ‘Amorfoda’ a María Escarmiento y le construyeron una carrera entera en tres minutos. Así que quizá quien está acomodado en su zona de confort sea el programa.
Casi dos años después de su paso por Eurovisión y su histórica tercera posición, Chanel está a punto de publicar su esperado disco debut. ‘¡Agua!’ sale este mismo viernes y, para amenizar la espera, la artista ha publicado uno de los temas que forman parte del mismo: ‘Ahora Que No Te Tengo’.
En la misma línea que el éxito ‘Clavaito’ junto a Abraham Mateo, Chanel apuesta por la bachata en la séptima pista de su primer álbum. En ‘Ahora Que No Te Tengo’, además, también la acompaña otra voz masculina: la de FMK. El artista argentino, con más de 14 millones de oyentes mensuales en Spotify, es conocido por su hit ‘Los del Espacio’, que ha tenido bastante tirón en nuestro país.
En la colaboración entre ambos poco lugar se percibe para la innovación o para la novedad. La similitud con los singles más recientes de la cantante de ‘SloMo’ es evidente. Sin embargo, parece que sigue intacta su capacidad para hacer un estribillo con gancho. «Ahora que no te tengo, te empecé a querer» cantan ambos en el mismo, que se torna bastante pegadizo para hacer gala de su buscadísimo sabor a radio.
«A menudo, valoramos lo que tenemos cuando lo perdemos. ‘Ahora Que No Te Tengo’ es una canción que habla de ese momento, cuando no sabemos cortar los hilos de aquella relación», ha comentado Chanel sobre la canción, que define como «una bachata nostálgica de esas que se dedican». Lo cierto es que el single tiene una narrativa bastante triste pese a su animada melodía, donde se narran los sentimientos ante una relacción fallida a la que los cantantes volverían a dar otra oportunidad.
Para descubrir si se trata de la tendencia musical del disco habrá que esperar a este viernes, aunque ya conocemos seis de las doce que lo compondrán. Entre ellas, la mencionada anteriormente ‘SloMo’ o el intento de canción del verano ‘P.M.’. La exitosa ‘Clavaito’ será la encargada de abrirlo y la todavía desconocida ‘Agua’ será la que lo cierre.
Continúa el éxito de ‘Murder on the Dancefloor’. El tema de Sophie Ellis-Bextor, que ha experimentado un tremendo revival desde su aparición en la aclamada ‘Saltburn’, se está comportando como si se tratase de un nuevo lanzamiento… pese a que la realidad es que se publicó hace 23 años.
La canción suena en uno de los momentos clave de la película: justo en la escena final, donde el personaje de Barry Keoghan baila desnudo al ritmo de la sintonía. Y, como ya viene siendo habitual desde el auge de plataformas como TikTok, basta con que un edit o una escena se viralicen en redes sociales para que el tema que la acompaña se vuelva también viral. Justo lo que ha acabado sucediendo.
Por primera vez en su carrera, la artista ha posicionado una de sus canciones dentro del Hot 100 de Billboard, pues ‘Murder on the Dancefloor’ ha debutado esta semana en la lista más importante de Estados Unidos en la posición 98. Lo ha hecho tras acumular 3,8 millones de reproducciones en el país norteamericano solo en los últimos días.
En una entrevista concedida a la BBC, Sophie Ellis-Bextor ha confesado que la situación es «realmente mágica» y que no la ha «asimilado del todo». «Es una canción que llevo cantando más de 20 años. Me sigue gustando cantarla. Me encanta cómo reacciona la gente cuando la canto en directo. Pero que la descubra gente nueva, que cree nuevos recuerdos en la gente, es algo hermoso», dice feliz.
“¿Cómo puede ser que la única menor sea la más real?” es una frase que podría representar los DMs de media escena musical, pero es también la frase más representativa de ‘El viaje de Chihiro’, el tema que cierra el nuevo EP de Bb trickz. En ella, Belize Kazi manda un recadito a las “amigas” con las que hizo el videoclip fallido para ‘Bambi’, y refleja las traiciones y los disgustos que se ha llevado con la fama. Lo que es, según dice, el principal hilo conductor de este ‘Sadtrickz’.
Cuesta hablar de “industry plant” sin que parezca que tienes un gorro de papel de aluminio en la cabeza, pero también cuesta no pensar que éste es uno de los casos donde la expresión sí tiene sentido. La catalana se quejó de que “no te toman en serio hasta que otras personas lo hacen”, pero, en algunos aspectos, ha funcionado al revés: si hablan de ti Rosalía, Karol G o C. Tangana cuando tu primer EP no lleva ni una semana fuera, igual puede escamar. Si intentas continuamente provocar, ya sea con barras cancelables como la del SIDA o la de los lateros, o fardando de pasta, o reclamando la vuelta de los “hombres de verdad” o diciendo que has inspirado a Yung Beef para componer al fin algo en condiciones, etc., y lo que obtienes es más bien pereza, igual el asunto es si hay algo realmente tras toda esa pose. No comparto con mis compañeros el entusiasmo con ‘Missionsuicida‘ o ‘Lo siento mamá‘, pero tenía curiosidad en ‘Sadtrickz’ por el aparente giro que podía tener. Igual me pasaba como a esa gente que dice que las letras de La Zowi son una mierda, pero que qué romántica es ‘Mi Chulo‘ de El Último Vecino, ¿no?
Pues no. Y el problema no es que en ‘Sadtrickz’ haya rimas como “no puedo borrar toda nuestra historia / la puedo archivar y hacer una nueva historia” de ‘Deja a tu novia’: la mencionada Zowi ya rimó Mercedes (nombre) con Mercedes (coche), pero esto se parece más a esas rimas que hacía María Escarmiento en sus primeros temas, en los que todo se percibía súper impostado. Precisamente “todas estas hoes quieren ser yo / y yo estoy aquí que no quiero ser yo” (‘Llorando en la prada’) se siente bastante más real, porque es como si la catalana estuviese queriendo ser otra cosa. Como si ‘Sadtrickz’ fuese ese típico disco en el que el artista quiere ser tomado en serio, desnudarse y mostrarse más vulnerable, etc.
Hay quien dice que, para esta mixtape, Belize ha intentado mirar a Albany y no le ha salido muy allá. Yo me he acordado más de Luna Ki: también se rieron de muchas de sus rimas, y con elle también sobrevolaron acusaciones de “industry plant”, “nepobaby” y demás, pero en temas como ‘YHQN’ o ‘Dispara’ había una sensación de honestidad que aquí brilla por su ausencia. Lo que destaca en ‘Sadtrickz’ es la producción, para la que Belize se ha juntado con Cash Cobain (PinkPantheress, Drake), LeoDaleo (Yung Beef) o Set G Beats, y que brilla especialmente en ‘Cash Cobain’, ‘lil peep’ y ‘Llorando en la prada’. Estas dos últimas, por cierto, incluyen sample de dos temazos: ‘the way i see things’ (de, claro, Lil Peep) y ‘By this river’ (de Brian Eno).
Pero el disco acaba, y yo sigo sin ver en Bb trickz un talento especial como para que haga tanto ruido lo que ejecuta alguien que tiene la mitad de oyentes mensuales en Spotify que Ana Guerra. Y, aunque el debate sobre si es o no un producto puede ser curioso, no veo inconveniente en que sea “un producto”, sino en que ese producto sea interesante más allá de ir a por un nicho de mercado concreto. ‘Sadtrickz’ puede ser mejor que ‘Trickstar‘ pero a la vez se le notan más las costuras: el EP para “desnudarse” confirma que, efectivamente, el Emperador está desnudo.
Sinéad O’Connor murió a los 56 años el pasado mes de julio. La leyenda de la música irlandesa fue encontrada insconsciente en la casa de Londres donde residía y la policía informó poco tiempo después de su fallecimiento.
«Con gran tristeza anunciamos la muerte de nuestra querida Sinéad. Su familia y amigos están devastados y pedimos respeto a nuestra privacidad en este momento tan difícil», comunicó en aquel entonces la familia. No hubo ninguna confirmación acerca de las causas de su muerte, pues eso quedaba en manos de la autopsia, cuyos resultados podían «tardar varias semanas».
Desde aquel momento, nada más se ha sabido hasta hoy: el forense ha hablado sobre el fallecimiento de la artista, informando de que su muerte se debió a «causas naturales» y que, por ende, da por zanjada la investigación.
Anecdóticamente, una de las últimas publicaciones de Sinéad O’Connor en redes sociales fue para hablar sobre el nuevo disco que estaba preparando: «Pronto acabaré mi disco. Saldrá a principios del año que viene. Espero hacer conciertos por Australia y Nueva Zelanda a finales de 2024. Europa, Estados Unidos y otros territorios a principios de 2025».
40 años después del lanzamiento de ‘Purple Rain‘, el disco más exitoso de Prince se convertirá en un musical de Broadway. Lileana Blain-Cruz, conocida por su adaptación de la obra de teatro de Thornton Wilder ‘La piel de nuestros dientes’, dirigirá el proyecto. El guion lo escribirá Branden Jacobs-Jenkins, director del drama ‘Appropriate’, y Orin Wolf ejercerá de productor después de trabajar en el musical de ‘Buena Vista Social Club’. Música y letra por supuesto serán originales de Prince.
‘Purple Rain’ era a la vez álbum de estudio y banda sonora, la de la película musical homónima dirigida por Prince Rogers Nelson. ‘Purple Rain’ narraba la historia de The Kid, un muchacho conflictivo de Minneapolis que lidera la banda The Revolution y se apoya en la música mientras lidia con problemas familiares, especialmente con los abusos de su padre.
Sumando cerca de 25 millones de copias vendidas, ‘Purple Rain’ es el disco más vendido de Prince y uno de los más vendidos de todos los tiempos. En Estados Unidos, ‘Purple Rain’ se mantuvo en el número 1 de álbumes durante 24 semanas consecutivas. Entre sus reconocimientos se encuentran varios Grammys, además de un Oscar, por la música contenida en el disco.
The Smile, el grupo formado por Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead, y por Tom Skinner de Sons of Kemmet, ha anunciado nueva fecha en España. El 28 de agosto, The Smile ofrecerá un concierto en los Jardines de Viveros en Valencia. El DJ y productor James Holden ejercerá de artista invitado. Las entradas se ponen a la venta el viernes 12 de enero.
En esta -de momento- única fecha de The Smile en España, el grupo estará presentando nuevo disco, ‘Wall of Eyes‘, que se pone a la venta el 26 de enero. The Smile ha presentado ‘Wall of Eyes’ con los singles ‘Friend of a Friend’, ‘Wall of Eyes’ y ‘Bending Hectic’.
The Smile estará presentando ‘Wall of Eyes’ en Reino Unido, Irlanda, Bélgica o Dinamarca durante el próximo mes de marzo. Después, en junio, la gira pasará por Alemania, Grecia o República Checa y, en agosto, además de en España, recaerá en Noruega, Austria, Francia o Portugal. Todas las fechas de la gira de The Smile están disponibles en su página web.
‘A Light for Attracting Attention‘, el debut oficial de The Smile, salió en 2021 y pudo presenciarse en vivo por ejemplo en Primavera Sound.
Sobre Radiohead, no parece que el grupo vaya a publicar nuevo material en un futuro cercano. En 2023 se cumplieron tres décadas del nacimiento de la banda. En JENESAISPOP celebramos la efeméride hablando del grupo en un episodio del podcast Revelación o timo.
Hoy 9 de enero RTVE ha desvelado los tres nuevos presentadores de Benidorm Fest. Ruth Lorenzo, Marc Calderó y Ana Prada serán los encargados de conducir el concurso durante las semifinales del 30 de enero y el 1 de febrero, y durante la gran final del 3 de febrero.
Lorenzo, quien ya representó a España en Eurovisión en el año 2014, con la canción ‘Dancing in the Rain’, volverá a la televisión en 2024 de la mano de Benidorm Fest, después de su paso durante el año pasado por la parrilla televisiva presentando ‘Cover Night‘.
Por su lado, Marc Calderó es conocido por presentar ‘Ya es mediodía’ en Telecinco, y Ana Prada por ejercer de reportera en TVE.
No repetirán en Benidorm Fest, por tanto, ni Mónica Naranjo ni Rodrigo Vázquez, pero sí Inés Hernand, quien ya presentara junto a Alaska y Máximo Huerta la edición de 2022, y después la de 2023 junto a Naranjo y Vázquez. Esta vez, Hernand conducirá junto a Aitor Albizua el espacio ‘La Noche del Benidorm Fest’ en La 1 tras las dos semifinales y la final.
Por otro lado, RTVE ha dado a conocer los nombres que formarán parte del jurado de Benidorm Fest. Beatriz Luengo, Guille Milkyway, Ángela Carrasco y Carlos Baute se sentarán en las sillas del jurado nacional. Por su parte, el jurado internacional estará formado por Lee Smithurst, David Tserunyan, Twan van de Nieuwenhuijzen y Nicoline Refsing.
Iván Ferreiro, autor últimamente del recomendable disco ‘Trinchera pop‘, ha arremetido duramente contra Operación Triunfo durante una entrevista.
Hablando con Último Acorde, Ferreiro critica el formato por ser “una carnicería que juega con los sueños de los chavales” y vaticina que la mayoría de concursantes «va a tener una vida bastante miserable por culpa de lo que les prometen» después de salir de la Academia. Ferreiro asegura que lanzaría más críticas contra Operación Triunfo públicamente «si solo afectaran al tonto de Tinet Rubira o a alguno de estos que llevan los programas» a los que «no les interesa la música en absoluto», pero que, por respeto a los concursantes, prefiere cortarse.
De todos modos, Ferreiro también comparte duras palabras para los profesores de la Academia, a los que considera «unos cantamañanas todos» que «hacen su trabajo» porque «alguien les da el trabajo, y hay que trabajar de lo que sea».
Ferreiro recuerda la edición de Operación Triunfo de 2017 positivamente, destacando el talento de Amaia, pero asegura que le parece que el formato cada vez “está más alejado de la realidad” y critica especialmente el concepto de concurso musical: “Para mí no hay nada más alejado de la competición que la música, la música debería ser lo menos competitivo que hay», afirma. «Por eso tampoco me interesan los Grammy, ni mierdas de esas. Ni los Oscar, ni los Goya. Me parece una verdadera basura, un estercolero. Ir premiando películas o canciones me parece realmente horrible”.
Christina Rosenvinge presenta este miércoles 10 de enero en Madrid su nuevo proyecto, tan interesante como siempre, ‘Los versos sáficos‘. Como parte de Inverfest, podréis verla en The Music Station (entradas aquí) a partir de las 20.30 horas.
Inspirándose en la obra de Safo a partir de una obra de teatro, y con producciones tan variadas que van del pop de cámara al techno, la idea de estas composiciones es devolver a la autora el carácter musical que alguna vez perdió. En ese sentido, ‘Ligera como el aire’ es la mejor expresión. Es nuestra «Canción del Día» después de que ‘Poema de la pasión‘ ya pasara por esta sección como single de adelanto hace un par de meses.
La delicadeza que ya percibimos en la autora al tratar la mitología en ‘Canción del Eco’ se mantiene ahora en esta canción sobre una partida. Rosenvinge habla con devoción y agradecimiento en vocativo, algo habitual en Safo («Tú, ligera como el aire (…) tú, radiante y delicada»), aunque sobre ella se cierne la amenaza del fin: «Se acerca la hora, pronto tendremos que partir, tendrás que enseñarme cómo vivir sin ti».
La inspiración o la falta de la misma es un tema en todo el disco, y también se asoma en esta canción de apenas piano, voz y efectos muy en segundo plano («Tú, que me enseñaste a hablar con las divinas musas, que ahora son como mis hermanas (…) tendrás que enseñarme cómo vivir sin ti»). Parece una metáfora no exenta de humor, para una artista que -recordemos- lleva 6 años sin entregar un disco de estudio.
Rosenvinge, que se inspiró en el disco sobre sonetos de Shakespeare de Rufus Wainwright, ha tenido más libertad creativa que este, tomando en algunos temas tan solo fragmentos o campos semánticos de la obra de Safo. El estribillo es enteramente suyo, como ha explicado en El Giradiscos, aunque sí ha adaptado expresiones de Safo y, como decíamos, la idea de diálogo.
Como contaba en la misma entrevista, la idea del álbum es que lo disfrute todo el mundo, no solo aquellos que sigan a Safo por su labor como mujer o el valor de su obra al estar dirigida a mujeres, y esta canción intimista que Rosenvinge ha llegado a catalogar como «sexy», es la mejor vía. Acaso otra flor entre la vía.
En la semana previa a Reyes (del 29 de diciembre al 4 de enero), quizá la de mayor consumo de discos físicos de todo el año, analizamos el top 10 oficial de Promusicae. Las únicas entradas de la semana en todo el top 100 son ‘La soledad aburre pero no traiciona’ de Beny Jr (top 21) y el disco en directo ‘Para todo el universo’ de Second (top 35), por lo que en este caso preferimos centrarnos en quienes más copias vendieron en los días más competitivos de todo el año.
1 (2) El Último de la Fila / Desbarajuste piramidal
Recupera el número 1 en esta semana clave el disco doble de regreso de El Último de la Fila. Al tiempo que Manolo García y Quimi Portet han consentido la edición digital de su música, han regrabado muchas de sus canciones, según nota de prensa, «con la única pretensión de disfrutar». El público ha estado ahí para ellos y el álbum ha sido certificado como disco de oro, superando verdaderamente las 20.000 copias vendidas ya la semana pasada.
2 (1) Robe / Se nos lleva el aire
Hace 3 semanas, Robe debutaba en el número 1 manteniendo a su público fiel: vendiendo 5.191 unidades ya en sus primeros 7 días. El álbum no perdía demasiado fuelle en la segunda, conservando la cima y acercándose a las 9.000 y esta tercera baja solamente al puesto 2. Se mantiene así por encima de otros nombres más mediáticos y con más presencia en redes, recordando que una cosa son las modas y otra el público que acude a las tiendas.
3 (3) Aitana / Alpha
Con 14 semanas a las espaldas, ‘Alpha‘ es uno de los discos más longevos del top 10, junto al de Karol G. Es, por tanto, uno de los más exitosos del año. Certificado como disco de platino y por encima de las 45.000 unidades, tiene aún un largo camino por delante, a sabiendas de que aguarda el Santiago Bernabéu.
4 (4) Bad Bunny / Nadie sabe lo que va a pasar mañana
Si bien las ventas y el streaming del disco de Aitana están repartidos casi al 50%, en el caso de Bad Bunny el 97% de sus puntos provienen del streaming. Ha vendido en total poco más que 150 unidades (en iTunes, suponemos), pero suma en verdad más puntos totales que Aitana gracias a su streaming totalmente abrumador. ‘Nadie sabe lo que va a pasar mañana‘ es platino en torno a lo equivalente a 50.000 copias. Por otro lado, el anterior ‘Un verano sin ti’ supera ya las 250.000 unidades solo en España: es 7 veces platino, el disco más certificado de todo el top 100, incluso por encima de los 5 platinos de ‘El Madrileño’.
5 (6) Melendi / 20 años sin noticias
Melendi ha celebrado los 20 años de su disco ‘Sin noticias’ de Holanda’ añadiendo colaboraciones como las de Manuel Carrasco, David Bisbal, Taburete, La Cebolla o Jose Merce. ’20 años sin noticias’ no es aún disco de oro, pero se acerca a pasos agigantados. Ronda las 17.000 copias y podría conseguir pasar la barrera en las próximas semanas pese a la bajada de consumo. Lo creáis o no, el streaming supone un tercio de sus puntos.
6 (7) Malú / A todo sí
En torno a 10.000 unidades porque se ha editado un mes después del disco de Melendi, ‘A todo sí’ de Malú resiste también en el top 10 en una semana complicada para la industria. El disco incluye colaboraciones con Ana Mena, Melendi, Manuel Carrasco, Niña Pastori, Pablo Alborán, Luis Fonsi, Abraham Mateo o Pablo López, celebrando también el 25º aniversario en esto de Malu.
7 (5) Taylor Swift / 1989 (Taylor’s Version)
Taylor no es solo la única artista anglosajona del top 10, y se acerca a las 40.000 copias (disco de platino) con su versión nueva de ‘1989’. Sino que hay otros muchos otros discos suyos en el top 100: ’Speak Now (Taylor Version) en el 26, ‘Midnights’ en el top 29, ‘Red (Taylor Version)’ en el top 73 y ‘Fearless (Taylor Version)’ en el top 88.
8 (18) Hombres G / Del rosa al amarillo
La subida más fuerte de la semana en número de copias de la semana la dan Hombres G con ‘Del rosa al amarillo’. La caja recopilatoria de lujo supera las 5.000 copias, unas 2.000 en vinilo, mostrando que ha sido uno de los regalos para nostálgicos de esta Navidad.
9 (15) Sergio Dalma / Sonríe porque estás en la foto
Hace unos años el gran triunfador en estas fechas, Sergio Dalma tiene que conformarse esta vez con datos más modestos. En cualquier caso, ‘Sonríe porque estás en la foto’ remonta en el mejor momento posible y vuelve al top 10 por Reyes en torno a las 10.000 copias totales. Como curiosidad, su streaming es de los más bajos de toda la lista: supone solo un 2% de todos sus puntos.
10 (8) Karol G / Mañana será bonito
El caso contrario es el de Karol G, donde el 2% de sus puntos son exactamente sus ventas. ‘Mañana será bonito’, uno de los Mejores Discos de 2023, resiste en el top 10 la embestida de las ventas físicas, sumando gracias a sus streaming cerca de 90.000 puntos. Es por tanto doble platino que quizá sean 3 para cuando 3 veces llene el Santiago Bernabéu este año.
Los finales de año sirven como recuerdo de todo lo vivido en los últimos 12 meses: los medios hacemos las listas de lo mejor que se ha publicado mientras los oyentes revisitan sus temas más escuchados. Sin embargo, la verdadera batalla se juega en Nochevieja y Año Nuevo. Solo en fechas así entran en juego los auténticos hits. Y ‘Nochentera’ de Vicco ha resurgido a lo grande.
Continuando con la escalada que ya comenzó con el impulso de Nochebuena, el tema con el que Vicco pretendía representar a España en Eurovisión ha subido esta semana otras 11 posiciones para colocarse en el número 13. Se trata de la canción que mayor aumento de consumo ha experimentado en estos días con respecto a la semana pasada.
En la cima, no obstante, se mantienen DELLAFUENTE y Morad con su reciente éxito ‘Manos Rotas’. Lola Índigo, Soolking y RVFV hacen lo propio una posición por debajo gracias a ‘Casanova’. Algunos de los temas que completan el top 10 son Iñigo Quintero con su ‘Si No Estás’ en el número 6 o la canción del verano de Quevedo, ‘COLUMBIA’, en el 7.
Más singles que, como ‘Nochentera’, destacan por sus enormes escaladas tras haber destacado como los grandes hits del año, son Marshmello y Manuel Turizo con ‘El Merengue’, subiendo diez puestos hasta la posición 16, o Chanel y Abraham Mateo subiendo 23 escalones hasta el número 27 de la mano de ‘Clavaito’. La hazaña la logra Lola Índigo también con Quevedo gracias a su hit ‘El Tonto’, que esta semana va del puesto 51 hasta el 36.
Cabe destacar que esta semana no hay ninguna nueva entrada en la lista. No obstante, hay hasta 17 reentradas de éxitos de meses pasados. Entre estas destacadas se podrían señalar ‘Los Ángeles’ de Aitana (#79), ‘Las 12’ de Ana Mena y Belinda (#81), ‘Acróstico’ de Shakira (#90) o ‘Ella Baila Sola’ de Eslabon Armado y Peso Pluma.
Parece que enero no será tan tranquilo como prometía serlo: Lil Nas X está preparado para comenzar su nueva era este mismo viernes. Y lo hace apostando por el factor de la sorpresa… y el shock. Su próximo single se titula ‘J CHRIST’ y estará dedicado a Jesucristo.
El artista, que viene de publicar su álbum ‘MONTERO’ en 2021, da el pistoletazo de salida a una etapa diferente en su carrera. Si bien en su anterior disco jugaba con el demonio y la simbología satánica, esta vez cambia las tornas y utilizará una narrativa católica. Y es que, como ya informamos hace unos días, la música que tiene en camino seguirá provocando a los religiosos.
«¡Mi nuevo single está dedicado al hombre que tuvo el mayor regreso de todos los tiempos!», escribe Lil Nas X en redes sociales para presentar su próxima canción. Puesto que en los teasers es él quien parece hacer de Jesucristo, mostrándose tanto crucificado como resucitado, hay un evidente doble sentido en el que alude a su propio comeback.
El rapero no será el único gran artista que vuelva el viernes. Tendrá que compartir fecha de lanzamiento con Ariana Grande, quien también publica el primer single de su nueva era, ‘yes, and?’. Ambos protagonizarán dos de los regresos más esperados para este 2024… en la segunda semana del año.
Smashing Pumpkins busca nuevo integrante para su banda. Y sí, el próximo integrante podrías ser tú. El grupo, que ha anunciado a través de redes sociales que busca un guitarrista adicional, ha habilitado un correo electrónico para que cualquiera pueda tener la oportunidad de presentarse.
«The Smashing Pumpkins se encuentran en la búsqueda de un guitarrista adicional. El proceso de presentación está abierto a cualquiera que pueda estar interesado. Los solicitantes pueden enviar un currículum y materiales relacionados a SPGuitar@redlightmanagement.com, reza el cartel que han publicado en Instagram.
La imagen con la que han hecho el anunciado muestra a los tres miembros del grupo: James Iha, Jimmy Chamberlin y Billy Corgan. Sin embargo, en la fotografía original también estaba junto a ellos el exguitarrista Jeff Schroeder, del que ahora se busca sustituto. La banda también ha querido aclarar que lo que necesitan es un bajista. ¿Quieres serlo tú?
