De manera inesperada, Hozier ha logrado esta semana su primer número 1 en Reino Unido. Y lo ha logrado en la lista de Discos. En ella es donde su tercer álbum, ‘Unreal Unearth’, ha debutado en la cima gracias a la venta de 19.068 unidades en la primera semana.
De ellas, 7.500 copias han sido CD’s, casi 4.000 han sido vinilos, más de 2.000 han sido cassettes, 600 descargas y finalmente hay que sumar 4.800 nada desdeñables puntos de streaming. Unos datos sólidos tanto en los formatos físicos como en los digitales que vienen a demostrar que lo del cantante irlandés no fue flor de un día con ‘Take Me to Church’.
Por increíble que parezca, el debut de Hozier no fue número 1 en Reino Unido. Estuvo 31 semanas dando vueltas por la lista hasta subir hasta el número 3 y después ha aguantado hasta 83 semanas en el top 75 y 203 semanas en todo el top 200. Ha vendido 770.000 copias en total, solo dentro de las islas, pero jamás llegó al número 1. Ni tampoco la canción ‘Take Me to Church’, que quedó atascada en el puesto 2.
El segundo álbum del artista, ‘Wasteland, Baby!’, tuvo mucha menos longevidad, aguantando solo 4 semanas en el top 75, pero acumulando un disco de oro por la venta de 114.000 copias. Veremos si ‘Unreal Unearth’ es capaz de superar eso. De momento lo cierto es que su single principal, ‘Eat Your Young’, que parece como producido por Danger Mouse o JUNGLE, ha tenido una aceptación más que positiva, siendo top 22 en una lista tan complicada en Reino Unido como la de singles, y acercándose ya a los 100 millones de streamings.
Además, ‘Unreal Unearth’ puede presumir de interés internacional. El disco ha aparecido por el top 3 del Billboard 200 -nada mal para un artista irlandés de folk, o algo parecido- y además ha sido top 2 en Holanda, top 4 en Alemania o top 13 en Australia.
Ha llegado el momento de disfrutar del cartel de Cala Mijas, uno de los mejores del país en uno de los mejores marcos del país. JENESAISPOP, como medio colaborador, te ha venido recomendando imprescindibles y joyas perdidas durante los últimos meses. Porque en el festival andaluz podrás ver a gente como Florence + the Machine (recién recuperada de una operación), The Strokes, Siouxsie, Belle & Sebastian, Ethel Cain, Jose Gonzalez, Arca, Metronomy, James Holden, Junior Boys, Pabllo Vittar, Delaporte, IDLES, Baxter Dury, Moderat, M83…
Pero es que aún quedan más talentos femeninos que destacar, en un cartel muy preocupado por la paridad, tanto en lo que a mujer se refiere, como a la comunidad LGTB+. Estas son otras 10 recomendaciones que no puedes pasar por alto en el cartel de Cala Mijas. El cámping y el bono con cámping están agotados, pero aún quedan bonos normales y entradas de día.
Amaia
Amaia está a punto de cerrar su gira ‘Cuando no sé quién soy‘. Será a finales de septiembre en el WiZink Center de Madrid. Pero antes está dando sus últimos coletazos en festivales y la antepenúltima cita de todas será en Cala Mijas. Por lo visto en otros lugares durante este mes, sabemos que ya forman parte de su repertorio tanto ‘Sexo en la playa’ con Alizzz, como su versión de ‘Fiebre’ de Bad Gyal, que ha subido a plataformas de streaming por demanda popular.
Cariño
Presentes en toda lista de lo mejor de 2022 que se preciara con su disco homónimo ‘CARIÑO’, el trío tiene que celebrar ahora mismo dos cosas especialmente: las escuchas de ‘si quieres’ están totalmente desbocadas por encima de los 15 millones en Spotify, lo que equivale a un disco de platino. Y también la buena acogida de un nuevo tema llamado ‘Aún me acuerdo de todo’, editado esta primavera.
Judeline
También desde Sonido Muchacho, aunque en su caso a su vez fichada por la multinacional Interscope, el caso de Judeline. Estos días es noticia por ser la primera artista española en participar del ciclo «Spotify Singles», en su caso con versiones de Shakira y Yahritza y su Esencia. Durante los próximos meses podemos flipar con el alcance del disco que prepara, pero de momento estamos flipando ya con la calidad de canciones tan emocionantes como ‘ZAHARA’ o ‘CANIJO’. Un lugar bien guardado desde ya entre lo mejor de 2023.
Juicy BAE
Es destacable también la apuesta de Cala Mijas por artistas de Andalucía, y además de contratar a Lori Meyers y La Plazuela, por ejemplo, están los casos de la misma Judeline o de Juicy BAE. La artista de Sevilla, cuyo verdadero nombre es Cristina Vela, ha publicado ya dos álbumes llamados ‘PTSD’ y ‘Antes de Conocerte (Parte I: Premonición)’, en los que fusiona R&B, afrobeat, trap, soul y flamenco. Entre sus mayores éxitos, ‘Por ti’ o ‘SOLOS’. La canción del «médico».
Aiko El Grupo
De mayoría femenina, «El Grupo» formado por las cantantes y guitarristas Teresa Iñesta y Lara Miera, la teclista Bárbara López y el batería Jaime Acosta prepara álbum. Asentado en el catálogo y el sonido clásico indie pop de Elefant, Aiko El Grupo ha viralizado su versión de ’Toro’ de El Columpio Asesino, así como su tema ‘A mí ya me iba mal de antes’. Por aquí también recomendamos su tema para ‘Peñacastillo’. Su último adelanto es ‘k pesao’, que en este caso NO es una versión de Mecano. De hecho, podría llamarse «Asqueroso».
Helena Hauff
Entre las artistas más longevas de la electrónica que visitarán Cala Mijas, la alemana Helena Hauff. Ya hace 10 años que debutara con un EP llamado ‘Actio Reactio’ y 8 que llegara su gran disco ‘Discreet Desires’, que aún encierra algunos de sus mayores hits. La artista influida por estilos como el electro, el acid, el EBM o lo industrial, es conocida también por una residencia en el Golden Pudel Club de Hamburgo, donde su noche recibía el nombre de ‘Birds and Other Instruments’. De hecho, uno de sus últimos trabajos es el EP ‘Living with Ladybirds’, editado en 2022.
Ouri live
Entre lo bailable y lo introspectivo, las producciones de Ouri, que debutaba a lo grande en 2021 con un disco llamado ‘Frame of a Fauna’. Por allí se escondían temas intimistas como ‘Fonction Naturelle’ o ‘Felicity’, pero también ‘High & Choking’, el cual terminó de triunfar en la remezcla de Jacques Greene. Francesa de nacimiento, criada en una rave de Montreal, Ouri te gustará si te han encandilado en los últimos años las producciones de Luomo o Burial. Lo mismo Björk que TSHA.
Saoirse
Entre las dj’s que estarán animando La Caleta del Cala Mijas, la irlandesa Saoirse. Tras toda una vida colaborando en radios y coleccionando vinilos, decidió dar el salto a los platos. Sus sesiones combinan el deep house, el dub, el garage o el techno, y eso es algo que ha demostrado este verano cerrando con un tema propio el disco que ha remezclado para Fabric. Se ha comercializado en doble vinilo.
Topanga Kiddo
Entre las dj’s de nuestro país que se dejarán caer también por La Caleta, Topanga Kiddo, conocida como periodista, selectora musical y miembro del colectivo madrileño Brrrrap. Se crió en la Ruta del Bakalao, siguiendo especialmente la escena EBM y el underground británico. Ha pinchado en lugares como Razzmatazz, BIME, Dabadaba, Caracol o Siroco, y ha moderado debates en Boiler Room o WOS Festival.
Rocío Saiz
Rocío Sáiz ha sido noticia este verano por las razones equivocadas, pero censuras como las que sufrió en Murcia por enseñar las tetas son de las que motivan a un país. La ex integrante de Monterrosa no viene esta vez para presentar temas en solitario como ‘Autocensura’ o ‘Cortisol en sangre’, o recientes como ‘Déjate llevar’, ‘El hartazgo del mundo’ o ‘No’, sino para realizar un DJ set que apostamos que será tan divertido y popero como sus conciertos de versiones al frente de Las Chillers.
Tu gozo en un pozo si deseabas que ‘Your Side of Town’ anticipara un nuevo disco de los Killers. El grupo parece sumido en una pequeña crisis entre lo que quiere hacer y lo que demanda el público. Recordemos que ‘Mr Brightside‘ continúa siendo una de las canciones más escuchadas del mundo día tras día y casi 20 años después de su edición. Hoy mismo la encontramos en el puesto 22 del Spotify británico o en el 151 en Estados Unidos. Se acerca a los 2.000 millones de streaming solo dentro de dicha plataforma.
Por otro lado, están los discos que les apetece hacer. Cosas más introspectivas y folkies, como los también excelentes ‘Pressure Machine’ (2021) e ‘Imploding the Mirage‘ (2020). En esta coyuntura, Brandon Flowers acaba de declarar que ha descartado un disco electrónico. Han soltado, eso sí, alguna pista como ‘Your Side of Town’, nuestra «Canción del Día» para sobrevivir a este lunes.
‘Your Side of Town’ no puede sonar más ochentera desde sus primeras notas. Parece que va a emprender un hit de HI-NRG de la época, o un contundente trallazo de sus admirados Pet Shop Boys. La voz de Brandon Flowers aporta calidez a la grabación, antes de someterse al Auto-Tune en el estribillo. Para entonces, la referencia clara es el ‘Instant Crush’ que Julian Casablancas de los Strokes se marcó junto a Daft Punk.
Pero ‘Your Side of Town’ no es una buena canción porque hayan llamado a Stuart Price para meterle unos sintetizadores y un poco de modernidad, sino por el sentido que The Killers le han dado a todo ello. Es el estribillo un gran anhelo por quien ya no está «en la ciudad», y por eso gana tanto la canción cuando la voz de Brandon se distorsiona. En ese momento es cuando está cantando que su corazón roto a duras penas le permite «mantenerse vivo» y que cada vez es «más duro respirar». Que es exactamente lo que su voz tratada sugiere. Por último, los 3 minutos escasos y lo poco que explotan ese largo estribillo, incitan al modo «on repeat».
¿Qué dice su sello Island de todo esto? Pues efectivamente la nota de prensa no menciona disco alguno. Lo que cuentan es que «el lanzamiento de la canción se produce mientras la banda está de gira por festivales y conciertos como cabeza de cartel, incluyendo el próximo Festival Ohana en SoCal, Life Is Beautiful en su ciudad natal de Las Vegas y una actuación especial en el Gran Premio de Fórmula 1 de Austin». Además de su actuación en Reading/Leeds de este mismo finde, donde han estrenado el tema nuevo en vivo. También que sucede al lanzamiento de ‘boy’ el año pasado. Pero nada más. Parece que habrá que esperar bastante para tener entre manos la continuación de ‘Pressure Machine’.
Independiente entre los independientes, desde el miércoles 23 de agosto al sábado 26 se ha celebrado una nueva edición de Canela Party en el Recinto Ferial de Torremolinos en Málaga, con un enorme éxito de venta de entradas. Hasta 24.000 asistencias se han sumado a lo largo de las jornadas, para presenciar los conciertos de King Gizzard & the Lizard Wizard, Osees, Les Savy Fav, BALA, Perro o Rocío Márquez y Bronquio.
Según la nota de prensa, se sortearon algunas cancelaciones del sábado gracias “a la comprensión de los artistas, el excelente comportamiento de un público tan numeroso como disfrazado para la ocasión y el constante trabajo de equipo”. Dice la propia nota que “6.000 personas disfrazadas volvieron a acceder al recinto, tras ser desalojadas dos horas antes por el fuerte viento que soplaba y que a todos —público, organización, artistas— pilló de sorpresa». Se agradece de nuevo “el fantástico comportamiento de los asistentes, que siguieron en todo momento las indicaciones de los responsables del festival». Solo así se «obró el milagro».
Por otro lado, en las pantallas del festival, de madrugada, se avanzaron los primeros nombres para 2024 y allí estaba Pepo Márquez, mitad ex Secret Society, mitad periodista y tuitero, para grabarlo y contárselo al mundo. Los nombres que conocemos gracias a él son METZ, Protomartyr, Los Punsetes, La Plata, Amigas íntimas, Finale, Home Front, Margarita Quebrada, Monteperdido y Yawners. El viernes 1 de septiembre habrá más información.
La decisión de regrabar todo su material anterior para conseguir los derechos de sus másteres se puede ya considerar como una de las hazañas más rigurosas que se recuerdan en la historia del pop, y solo a Taylor Swift podría haberle salido tan bien la jugada. Reviviendo sus canciones antiguas y expandiendo con otras nuevas los respectivos universos de sus discos, ha logrado que su popularidad haya aumentado aún más si cabe, haciendo que su mastodóntico tour mundial haya agotado cientos de fechas en todo el mundo a unos precios muy elevados.
Estas regrabaciones tienen bastante de arriesgado. La voz de Taylor no es la misma ahora que hace diez años, y muchas de las canciones son himnos tan arraigados a la cultura pop que cada pequeño detalle alterado salta inmediatamente a la vista. Tanto ‘Fearless’ como ‘Red’ supieron resolver bien esos ligeros cambios inevitables y reproducir casi al milímetro el material original. En cambio, ‘Speak Now’ está un peldaño por debajo de estos, pese a que el álbum de 2010 se encuentra entre lo mejor que ha hecho la cantante. El motivo de esto se hace evidente a los pocos minutos: en las anteriores regrabaciones se percibía una clara pasión por el proyecto, pasión que aquí aparece convertida en obligación en más de una ocasión.
No hay más que escuchar las nuevas canciones “(From the Vault)”, que se sitúan a años luz de los presuntos descartes de ‘Fearless’ y ‘Red’, donde se podían encontrar temas que bien podrían haber estado en las primeras versiones. Sin embargo, los descartes de ‘Speak Now’ suenan, precisamente, a descartes. ‘Electric Touch’, la colaboración con Fall Out Boy -uno de los grupos que inspiraron a Taylor cuando ideaba el álbum a finales de los 2000- suena decepcionante y carente de fuerza.
Pese a que la melodía del estribillo es pegadiza, la química entre las voces de ambos artistas no termina de ser tan electrizante como debería. ‘Castles Crumbling’ reúne a Taylor con Hayley Williams, vocalista de Paramore y buenas amigas desde hace más de una década, en una balada agradable pero que también se queda a medio gas por culpa de una producción que no parece la más idónea. La guitarrera ‘I Can See You’, el único single extraído de esta nueva tanda de canciones extras, no encaja demasiado en el universo del álbum, pese a que quizá sea la producción más elaborada de todas.
Por suerte, el ‘Speak Now’ original cuenta con algunas de las mejores canciones de Taylor Swift, y esta regrabación hace justicia a unas cuantas. Algunas han perdido cierta frescura sin ese toque adolescente que la cantante transmitía con su voz, pero en su mayoría, la gran calidad del material aguanta sin problemas en sus nuevas versiones. ‘Back to December’ sigue siendo un precioso baladón soft-rock con tonalidades country que captura el arrepentimiento y el tumulto que viene tras una ruptura con infinita dulzura. Las letras de Taylor Swift tienen siempre la capacidad de trasladarte allí mismo donde están sucediendo, y nunca han sido tan cinematográficas y épicas como en ‘Speak Now’, un disco plagado de canciones que a menudo superan los 5 minutos.
Un claro ejemplo de esa grandiosidad es ‘Dear John’, que suena mejor que nunca, con sus sutiles arreglos de guitarra y una letra cargada de desgarro y emoción en la que Swift narra su mala relación con John Mayer, con quien salió cuando él tenía 32 años y ella 19. ‘Enchanted’, la mejor canción del álbum, sigue brillando con la misma intensidad 13 años después, una balada pop-rock perfecta en la que en cada estribillo va engrandeciéndose y haciéndose más adorable.
En ‘Speak Now’ también hay lugar para canciones menos solemnes y más juguetonas, como ‘The Story of Us’, un número power-pop sobre una relación que está llegando a su fin. Swift aporta cierto humor con la enérgica melodía y su “next chapter” entre el estribillo y el segundo verso o el “the end” al final de la canción. En ‘Better tan Revenge’, en la que se evidencia la influencia de Paramore y su ‘Misery Business’, Taylor arremete contra una chica que le ha “quitado” a su novio. El tema es claramente hijo de su tiempo, donde no había conciencia feminista, pero es difícil negar que su versión original es divertidísima. Desgraciadamente, Taylor ha querido adaptarla a las sensibilidades de 2023 y le ha quitado parte de la gracia cambiando “She’s better known for the things that she does on the matress” por “He was a moth to the flame/ she was holding the matches”. A todas luces, un error, pues todo el mundo entiende que esa frase no representaba su mentalidad en la actualidad y que es producto de otra época.
Con sus luces y sombras, la regrabación del tercer disco de Taylor Swift, a diferencia de sus dos predecesores, no consigue aportar nada que no tuviera el original y nos hace plantearnos si realmente hacía falta incluir 6 canciones nuevas, aunque si esto sirve para acercar la magia adolescente y romántica de ‘Speak Now’ a nuevos oyentes, bienvenido sea.
Florence + the Machine, de gira presentando su último disco, el recomendado ‘Dance Fever‘, ha cancelado los dos conciertos que iba a realizar este fin de semana en sendos festivales europeos por recomendación médica. Las fechas afectadas han sido el Open Air de Zürich el viernes 25 de agosto, y el Rock En Seine de París el sábado 26 de agosto.
Había preocupación por la inminente fecha española, en el festival Cala Mijas de Málaga, que arranca el próximo 31 de agosto. Sin embargo, Welch ha aclarado en un comunicado que la fecha de Cala Mijas se mantiene, así como la de Lisboa, en el festival Kalorama. Dice que no podrá «saltar tanto» pero que «vosotros podéis hacerlo por mí».
Florence, que tuvo que ser operada de un pie el año pasado, ha aclarado que en este caso «sus pies están bien», pero explica que acaba de ser operada de urgencia «por razones que ahora mismo no me siento suficientemente fuerte como para explicaros». Dice que la intervención le ha «salvado la vida».
Continúa: «Sobra decir que ojalá las canciones fueran menos acertadas en sus predicciones. Pero la creatividad es una manera de lidiar con los problemas, y la mitología es una manera de hacer que las cosas cobren sentido. Y el oscuro cuento de ‘Dance Fever’, con todas sus extrañas profecías, me proporcionará una fuerza y una catarsis muy necesarias en este momento».
The Killers han sorprendido estos días con el lanzamiento de un nuevo single, ‘Your Side of Town’. Pero más inesperado ha sido el sonido del tema, que recupera los sintetizadores y el vocoder, y también al productor Stuart Price, que ya produjo ‘Day & Age‘, el disco de The Killers de 2008, aquel en el que dejaban atrás el rock de sus trabajos previos.
Es pronto para adivinar si ‘Your Side of Town’ logrará la misma repercusión que ‘Human’. De momento, Brandon Flowers ha aclarado que no prepara ningún disco de The Killers que recupere este sonido. Es decir, lo estaba escribiendo, cuenta, pero lo ha descartado.
Sí, The Killers han descartado un nuevo disco electrónico. En una entrevista con The Times, Flowers cuenta que el grupo preparaba un nuevo trabajo adherido a este estilo, pero que «a la mitad me di cuenta de que no podía hacer esto, y no creo que nos vayas a ver a hacer este tipo de música otra vez». Es probable que no solo ‘Your Side of Town’, sino también la reciente ‘boy‘, que guardaba un gran parecido con ‘A Little Respect’ de Erasure, formara parte de este disco que ha terminado en la basura.
«Esta es la crisis en la que me encuentro», añade Flowers. «The Killers son mi identidad y nuestras canciones llenan los asientos, pero me siento más realizado haciendo música como la de ‘Pressure Machine‘. Escribiendo ese disco encontré una parte de mí muy fuerte como compositor. ¡Ese es el tío al que buscaba!» Flowers cita en realidad ‘Hot Fuss‘, el debut de The Killers de 2004: «Estoy muy orgulloso de ‘Hot Fuss’ para algo que hice con 20 años, pero ya no tengo 20 años. Estoy pensando en la siguiente fase de mi vida».
‘Hot Fuss’, el disco que incluye la inmortal ‘Mr. Brightside’, contenía en verdad una buena dosis de sintetizadores nuevaoleros. En los últimos tiempos, sin embargo, The Killers se han entregado muchísimo más a las guitarras de The War on Drugs, en ‘Pressure Machine’ (2021) e ‘Imploding the Mirage‘ (2020). La electrónica aún regrasaba en ‘Wonderful Wonderful‘ (2017), no obstante.
El sello Kranky ha confirmado la muerte de Brian McBride, mitad del influyente dúo de ambient Stars of the Lid. El músico y compositor estadounidense tenía 53 años. No se ha revelado causa del fallecimiento.
McBride formó Stars of the Lid con su compañero Adam Wiltzie en 1993. Influenciados tanto por Arvo Pärt como por sus compañeros de sello Labradford, el dúo asentado en Texas publicó una serie de prestigiosos discos durante los años 90, entre los cuales destaca la que se considera su primera obra maestra, el oscuro ‘The Ballasted Orchestra’ (1996), que establecieron su sonido de drone aletargado creado con cuerdas, piano y otros instrumentos.
Después, durante el inicio del siglo XXI, Stars of the Lid publicaron los dos discos que forjaron su legado, dos trabajos dobles, enormes en envergadura y en calado emocional. ‘The Tired Sounds of Stars of the Lid’, de 2001, se cuenta entre los mejores discos de ambient de la historia. Y ‘And the Refinement of the Decline’, de 2007, contiene las 3 composiciones de Stars of the Lid más escuchadas en Spotify, todas rozando o superando los 20 millones de escuchas.
Nadie adivinaría que «And the Refinement» se convertiría en el disco final de Stars of the Lid, que jamás publicaron otro disco. En 2016 se reunieron para una gira por Europa, pero sus proyectos de estudio se presumían acabados.
McBride, que también ejercía de profesor universitario, publicó varios discos solo, firmados con su nombre de pila, ‘When the Detail Lost Its Freedom’ (2005) y ‘The Effective Disconnect’ (2010). Además, era miembro de Bell Gardens junto a Kenneth James Gibson. Con este proyecto editó los discos ‘Hangups Need Company’ (2010), ‘Full Sundown Assembly’ (2012) y ‘Slow Dawns for Lost Conclusions’ (2014). Un remix de ‘Far From Home’ de Kenneth James Gibson firmado McBride se lanzó el pasado mes de abril.
Este 12 de agosto se presentó en el festival de electrónica Dreambeach el nuevo proyecto del inagotable DELLAFUENTE. ‘INCURSIÓN’ fue un show conceptual en luces, láser y visuales que no se va a volver a repetir en vivo, y que reinventaba en clave de remix parte del repertorio del artista granadino. El proyecto paralelo se llama SALOMON SESSIONS. Esta semana se publica la versión de estudio del espectáculo, mientras que la edición física que saldrá más adelante incluirá la parte audiovisual captada en Dreambeach.
Entre los productores que han reimaginado algunas de las piezas más emblemáticas de DELLAFUENTE están Antonio Narváez, Baiuca, Daniel Rifaterra, Nusar3000, PMP, Raul Nadal, Skash, Toni Anzis y el propio Pablo Enoc Bayo Ruiz.
Aunque no aparecen remezclas de algunas de sus colaboraciones más populares, como la realizada junto a Rels B ni la de C. Tangana, que tampoco es que sean las más queridas de su repertorio, precisamente, ‘INCURSIÓN’ sí funciona por momentos como un particular “greatest hits” adaptado a las pistas de baile. Sobre todo cuando se abre con ‘Dineros’ con Morad seguida de ‘A lo mejor’, seguida de la reciente y muy destacable ‘Sharila’, una de sus últimas grandes composiciones.
Las aportaciones de diferentes productores dan matices a las canciones. ‘Cuéntamelo’ se ha convertido en un fiestón de piano-house que ni el Diplo de ‘Be Right There’. ‘Yalo Yale’ conserva en su versión «115/117 bpm» el espíritu de tecno-rumba de la original, solo que elevado al cubo y aderezado con unas gotitas de acid. ‘Dineros’ pretende ser un homenaje al jersey club, mientras ‘A lo mejor’ juega con el trance, ‘3 caras’ con los territorios drum&bass con nusar3000, y ‘Libertad y salud’ con el techno en manos de PMP.
Con lo substanciales que son los cambios de remezcla a remezcla, ‘INCURSIÓN’ termina resultando algo lineal de más, para bien y para mal. Para bien, porque el proyecto es cohesivo; para mal, porque se hace un poco de bola. Ni las producciones más bailables terminan de ser trallazos de total lócur, ni las más contemplativas terminan de mirar por la ventana tristemente de verdad. En este último caso, no habría hecho ningún mal una versión de 7 minutos con nuevos pasajes instrumentales de la ‘Nana del miedo’. La idea de Daniel Rifaterra era estupenda. ¿Alguien dijo The Field?
Genesis Owusu ha publicado estos días ‘STRUGGLER‘, que está siendo el Disco de la Semana en estas páginas. Un trabajo que continúa por el sendero del anterior, ‘Smiling With No Teeth‘, es decir, por el camino del hip-hop mezclado con synth-punk, pero que temáticamente busca una evolución, la superación de una oscuridad, como la que exhibe uno de sus singles.
‘Stay Blessed’, Canción Del Día de hoy, no guarda grandes misterios en el plano musical: su mezcla de sintes punk y rap está perfectamente alineada con la de propuestas de artistas contemporáneos como slowthai. Y, como la música de por ejemplo IDLES, sirve igual para marcarse un pedazo de pogo. El mismo que hace Genesis y un grupo de personas en el videoclip.
En ‘STRUGGLER’, Genesis interpreta a un anti-héroe llamado ‘The Roach‘ («cucharacha») que se enfrenta a su némesis, un «señor viejo» que «desde el cielo te jode la vida». En ‘Stay Blessed’, Genesis clama que por mucho que intentes matar a una cucaracha, esta se seguirá reproduciendo. «Si me matas ahora, tendrás que lidiar con la cucaracha número 2», rapea. Y explica: «la cucaracha somos todos, y hay un millón de cucarachas por ahí, porque somos todos nosotros». El mensaje parece ser que Genesis se empodera en la pertenencia a una comunidad, en la «lucha» contra un ente que simboliza el privilegio y el abuso de poder. Alguien que NO es una cucaracha, sino que existe en un plano superior, pero que podría ser derrotado por miles de ellas. Así, el estribillo de ‘Stay Blessed’ nos dice que la cucaracha sobrevive incluso estando hecha de carbón, que su caparazón también es capaz de «brillar» y relucir como una estrella:
«Stay blessed, stay blessed
You’re killin’ me dead, my flesh be charcoal
Stay blessed, stay blessed
I done been a damn pest, now watch me sparkle»
Sobre el vídeo, Owusu reclutó a decenas de «cucarachas», además de manera improvisada: Cuenta: «7 días antes de rodar, publiqué una historia en Instagram preguntando si alguien estaba disponible en este momento específico, en este lugar específico. Pero lo más importante, pregunté si eran más o menos calvos o si estaban dispuestos a raparse y teñirse la cabeza por mí. Gracias a las 70 personas que cogieron un avión o un coche o que faltaron al al trabajo para venir a hacer un pogo conmigo. Cucarachas para siempre».
Cerca del medio millón de euros en recaudación, ‘Te estoy amando locamente’ es una de las películas españolas del verano. No es ‘Campeonex’ pero tiene mérito que el público esté acudiendo a las salas para ver una opera prima que más pronto que tarde aparecerá por Netflix.
El debutante es Alejandro Marín, a quien apenas se conocía por su trabajo en la película colectiva ‘La hija de alguien’ y por compartir créditos en ‘Maricón perdido‘, la serie sobre Bob Pop. Este vuelve a ser un proyecto LGTB+ -cuyo guión Marín ha firmado a medias con Carmen Garrido- que se sitúa en la Sevilla de 1977. Cuando algunos incautos imaginamos que muerto Franco, se había acabado la rabia, la ley de peligrosidad social continuaba vigente, enviando al calabozo a «maricones y travestis» por el simple hecho de no vestir prendas «de género masculino» por la calle.
‘Te estoy amando locamente’, que cuenta con música vieja de Mari Trini y nueva de Rigoberta Bandini -ambas muy bien integradas- toma evidentemente su nombre del hit de Las Grecas. Sobre todo de su frase «Quisiera que me comprendieras», no tanto de la de «prefiero no pensar, prefiero no sufrir». Cuenta la historia de Miguel, interpretado por la revelación Omar Banana, un joven de 17 años que va para abogado, pero cuyo verdadero sueño es acudir a cantar a Gente Joven, aquel icónico programa de RTVE para nuevos artistas -qué tiempos-, donde debutó algo parecido a lo que luego sería Mecano.
Miguel, que bien podría haberse apellidado Bosé, irá descubriendo su talento (o no) para el escenario en una cinta que acierta al evitar por completo los componentes sexual y romántico. Como diciendo que ya hemos tenido suficientes autodescubrimientos y guaperas en el cine LGTB+ -muchísimas gracias- Marín pone toda la carne en el asador para mostrarnos dos mundos igual de apasionantes que el amor y el sexo. En primer lugar, la relación del movimiento LGTB+ con el obrero, la causa feminista o incluso el clero, lo que la conecta con la película ‘Pride’. Y en segundo lugar, el viaje que tendrá que emprender la madre del protagonista, soberbiamente interpretada por Ana Wagener, para comprender a su hijo. Algo nada fácil en 1977, que no puede ser despreciado con la mirada de hoy. Ni que decir tiene que Wagener es lo mejor de la cinta, desdoblada en sendas matriarcas españolas: la que temes y la que amas.
‘Te estoy amando locamente’ pulula de manera mejorable, eso sí, entre la reivindicación, la comedia y el drama. Porque en cuanto a lo primero, su guión carece de la fascinante complejidad y el vértigo de ‘120 pulsaciones por minuto’. En cuanto a lo segundo, Alba Flores cumple con creces y La Dani y Alex de la Croix se suman a la lista de revelaciones, algo desaprovechadas incluso, y para muestra esa escena en la que Flores insiste en que no la dejen hablar, en que no la dejen hablar… y al final habla… pero demasiado poco. Y lo del drama tiene tintes telefilmescos, sobre todo en la escena del juicio.
Pero la baza de la película es que la vida a veces es un telefilm de verdad, que la realidad puede superar a la ficción. La parte reivindicativa de lo que muestra ‘Te estoy amando locamente’ ocurrió en Sevilla en la vida real -por supuesto con alguna licencia-, por lo que la cinta termina siendo un sentido homenaje a gente como Paca La Borde, y a todos los que se jugaron la vida por los derechos que hoy disfrutamos todos. O que estamos en camino de conseguir en 2023.
Como todavía no sabemos quién va a gobernar nuestro país, pues el PP va a pasar un mes negociando con «los enemigos de España» y suplicando transfuguismo a miembros del PSOE, la emoción por lo que pueda ocurrir con nuestros derechos si VOX entra en alguna ecuación de gobernabilidad, es palpable en los pases de la cinta. Muchos amigos me dijeron «tienes que verla antes de las elecciones» y aún decenas de personas aplauden a su término (al menos sucedió en mi pase estos días en los Renoir), como si en un festival continuara presentándose, 2 meses después de su estreno.
Carlos Santana ha tenido que pedir disculpas públicamente por unos comentarios tránsfobos que realizó el pasado mes de julio durante un concierto en Nueva Jersey. El vídeo de sus declaraciones ha llegado recientemente a la red y se ha viralizado rápidamente.
«Cuando Dios nos creó a ti y a mí, antes de que saliéramos del útero, sabes quién eres y qué eres. Más adelante, cuando sales de él, ves cosas y empiezas a creer que podrías ser algo que suena bien, pero sabes que no está bien», expresó el músico, antes de concluir: «Una mujer es una mujer y un hombre es un hombre, eso es todo. Lo que quieras hacer en el armario es asunto tuyo».
Las palabras de Santana fueron capturadas por un asistente que, después de subir el vídeo a Reddit, contó que su familia y él decidieron abandonar el concierto porque Santana «se pasó 15 minutos diciendo las mierdas antitrans más impactantes que he escuchado”. De esos supuestos 15 minutos de discurso tránsfobo, solo un minuto ha llegado a internet.
Ahora, después del revuelo causado por sus palabras, Santana ha pedido perdón. En un comentario de Facebook, el autor de ‘Maria Maria’ pide perdón por sus «insensibles comentarios» que «no reflejan que yo honoro los ideales y las creencias de todas las personas». Continúa: «Me doy cuenta de que lo que dije hirió a la gente y no fue mi intención. Me disculpo sinceramente a la comunidad transgénero y a todas las personas a las que he ofendido».
«Este es el objetivo personal que me esfuerzo por alcanzar cada día», continúa Santana. «Quiero honrar y respetar los ideales y creencias de todas las personas, ya sean LGBTQ o no. Este es el planeta del libre albedrío y a todos se nos ha otorgado este regalo. Ahora voy a perseguir este objetivo para ser feliz y divertirme, y que cada uno crea lo que quiera y siga lo que sus corazones les diga sin miedo. Se necesita coraje para crecer y brillar en la luz que eres, para ser verdadero, genuino y auténtico. Crecemos y aprendemos a brillar nuestra luz con amor y piropos. Tened una existencia gloriosa. ¡Paz!»
Carlos Santana fue noticia el verano pasado después de desmayarse durante un concierto. También en Facebook, Santana alivió la preocupación de sus fans explicando que su desvanecimiento se había debido a una falta de hidratación.
Carlos Santana goes on anti-trans rant during New Jersey concert:
“When God made you and me, before we came out of the womb, you know who you are and what you are… a woman is a woman and a man is a man.” pic.twitter.com/fss8d4qukK
Continúa escalando la polémica del beso no consentido de Luis Rubiales a la jugadora Jenni Hermoso durante la victoria de la Selección Femenina de Fútbol en la Copa Mundial de Sídney. Durante una rueda de prensa celebrada este viernes, el presidente de la Real Federación Española de Fútbol (RFEF), Luis Rubiales, ha desmentido que vaya a dimitir de su cargo después del revuelo causado, al contrario de lo que se había anunciado en un principio, y ha declarado que el beso fue consentido. Por su parte, Hermoso ha negado que el beso fuera consentido a través de un comunicado. El equipo de la Selección Femenina de Fútbol ha anunciado que no jugará más partidos hasta que Rubiales sea destituido. Ahora, la Federación ha amenazado con tomar medidas legales contra Hermoso por acusar a Rubiales de mentir.
En medio del revuelo social, e internacional, que el beso de Rubiales a Hermoso ha causado, son varias las figuras públicas que han apoyado a la jugadora haciendo uso de sus plataformas. La última de ellas ha sido Lola Indigo, que ha mostrado su apoyo a Hermoso durante un concierto en Marbella.
En sus declaraciones, Mimi Doblas ha cargado duramente contra Rubiales sin mencionarle y ha señalado que quienes han aplaudido sus palabras durante la rueda de prensa ejemplifican la manera en que el machismo puede disuadir a las víctimas de denunciar sus agresiones: «¿Cómo es posible que una chavala tenga que salir a dar un comunicado después de que haya una cámara que ha grabado un hecho? ¿Cómo una chavala como nosotras va a tener el valor de ir a poner una denuncia si aquí, cuando hay imágenes que lo demuestran, a ese hombre le ponen una rueda de prensa para que diga lo que le dé la gana y hay un montón de palmeros que le apoyan? ¿Cómo una de nosotras se va a atrever a ir a poner una denuncia, si cuando hay pruebas lo apoyan así? ¿Cómo es posible? Sólo espero que se haga justicia, por todas nosotras».
Después, Doblas se dirige directamente a la jugadora: “Jenni, gracias a ti y gracias a todas las valientes, a todas las jugadoras. De lo único que tendríamos que estar hablando es de su gran éxito y de su gran trabajo, y de su pedazo de Mundial. (En cambio), estamos hablando de alguien que quiere robarles el protagonismo porque no sabe ni dónde meterse. Un aplauso para todas ellas porque, poco a poco, gracias a cosas como este, y a que ya no nos vamos a callar, vamos a conseguir que este mundo esté un poquito mejor”. El público aplaude fervorosamente a Doblas y juntos cantan «campeonas del mundo» al unísono.
Previamente, Rayden había expresado su apoyo a Hermoso y comparado la actitud de Rubiales con sus jugadoras con la de Pablo Motos con sus invitadas.
Lola Índigo paró su último concierto para cargar contra Rubiales:
"¿Cómo una chavala va a tener el valor de poner una denuncia si cuando hay imágenes que lo demuestran, a ese hombre le ponen una rueda de prensa y hay un montón de gente aplaudiendo?"
Miley Cyrus ha hablado de Sinéad O’Connor durante una entrevista. Sus declaraciones pueden verse en el especial ‘Endless Summer Vacation: Continued (Backyard Sessions)‘ disponible en Hulu, con el que Miley celebra el estreno de su nuevo single, ‘Used to Be Young’. En el vídeo, Miley aparece llorando en primer plano, como hacía en el de ‘Wrecking Ball‘ (2013), el cual era un homenaje directo al de ‘Nothing Compares 2 U’ de O’Connor.
En la entrevista, Cyrus recuerda la polémica que causó el videoclip de ‘Wrecking Ball’, pero asegura que no esperaba que muchas de las críticas que recibió provinieran de otras mujeres: «Esperaba que hubiera polémica, pero no que otras mujeres hablaran sobre mí con desprecio o me dieran la espalda, sobre todo mujeres que habían estado en mi posición antes que yo».
A continuación, Cyrus cita directamente a O’Connor y la carta pública que le dedicó, a la que Cyrus respondió burlándose de la salud mental de O’Connor: «Esto fue cuando Sinead O’Connor me escribió una carta y yo no tenía idea del frágil estado mental en el que se encontraba. Además, solo tenía 20 años, por lo que solo podía entender el concepto de enfermedad mental hasta cierto punto. Y todo lo que veía era que otra mujer me estaba diciendo que la idea de ‘Wrecking Ball’ no era mi idea. E incluso si estaba convencida de que lo era, seguía siendo la idea que otros hombres tenían de mí, y que ellos me habían manipulado para creer que era mi propia idea cuando lo era. Y sí lo era, y lo es. Y todavía me encanta».
Cyrus continúa: «Nuestros traumas de la infancia asoman de diferentes y extrañas maneras y creo que, entonces, me habían juzgado durante tanto tiempo por mis decisiones, que simplemente estaba exhausta. Por fin había llegado a un punto en que tomaba mis propias decisiones, y que alguien me arrebatara eso me afectó profundamente. Dios bendiga a Sinéad O’Connor, de verdad».
Miley se refiere, por supuesto, a la carta en la que O’Conno le advertía de que la industria estaba tratando de «prostituirla»: «Estoy extremadamente preocupada por que los que te rodean te hayan llevado a creer -o animado tu propia creencia- de que de alguna manera «mola» estar desnuda lamiendo martillos en tus vídeos», escribió la irlandesa. «Pero de hecho lo que pasará es que tu talento pasará a segundo plano llevándote a ser chuleada por la industria. Nada excepto dolor te quedará a largo plazo por el hecho de ser explotada y NO ES en ABSOLUTO una forma de fortalecerte a ti o a cualquier otra mujer joven, portar el mensaje de ser valorada más por tu «sex appeal» que por tu obvio talento»
Seguía O’Connor: «Me alegro de ser algún tipo de modelo para ti y espero que por eso prestes atención a lo que te estoy diciendo. A la industria musical le importas una mierda tú o cualquiera de nosotros. Te prostituirán por todo lo que vales y muy inteligentemente te harán creer que eso es lo que TÚ querías. Y cuando termines en rehabilitación como resultado de haber sido prostituida, ellos estarán tomando el sol en sus yates, que compraron vendiendo tu cuerpo, y te sentirás muy sola». O’Connor falleció el pasado mes de julio.
A SZA el éxito de ‘Kill Bill’ se le ha ido de las manos, tanto que le está costando promocionar ‘SOS‘ en el mundo con otro single que no sea ese (‘Kill Bill’ continúa entre los 20 primeros puestos del top 50 global de Spotify). Sin embargo, en Estados Unidos la cosa es distinta y varios temas incluidos en el disco han funcionado de manera espontánea. Sobre todo, ‘Snooze’, que ha llegado al top 10 del Billboard Hot 100 sin grandes acciones promocionales.
‘Snooze’ es otro de esos medio tiempos atmosféricos que tan bien se le dan a Solana Rowé. Similar en sonido a ‘Kill Bill’, pues también una batería marca la base rítmica, ‘Snooze’ vuelve a hacer uso de referencias violentas («mataría a esa zorra», «escondería los cuerpos») y cinematográficas, en este caso, a ‘Scarface’: si el novio de SZA es Tony Montana, ella está dispuesta a ser su Elvira Hancock. SZA está cantando sobre su tendencia a entregarse por completo en una relación, incluso hasta el punto de convertirse en cómplice de un crimen.
Pero, a pesar de que SZA quiere comprometerse, ser feliz y por tanto «vivir el momento», la relación de ‘Snooze’ vuelve a ser complicada y tóxica, porque Solana es la única persona que hace un esfuerzo por sostener la relación: «¿Por qué te enfrentas a mí si soy la única que se esfuerza? / ¿Por qué me echas la culpa si eres tú el que está mintiendo? / ¿Por qué me amenazas con irte si soy yo la que está llorando?», canta, desesperada, derrotada por la luz de gas que le proyecta el otro.
SZA no va a pasar la oportunidad de convertir ‘Snooze’ en otro gran hit similar a ‘Kill Bill’ y acaba de estrenar el videoclip de la canción, en el que, además de un estilismo estupendo, como el de esos planos de SZA mojada, hace un cameo el mismísimo Justin Bieber. El canadiense interpreta al novio fumeta de SZA, pero no es la única celebridad que aparece en el vídeo: también el productor Benny Blanco y el actor Young Mazino hacen sendas apariciones.
Y, como de costumbre, SZA aprovecha los minutos finales del vídeo de ‘Snooze’ para adelantar una canción inédita, en este caso, titulada ‘OD/Diamond Boy’. Antes, en el vídeo, SZA se relaja en la granja, se baña en una piscina o baila en plan Beyoncé delante de un robot.
Troye Sivan recupera el número 1 de JNSP tras el paréntesis Sufjan Stevens. La entrada más fuerte es la de Charli XCX con su tema para ‘Barbie’. En partes más bajas de la lista encontramos a Noname, recientemente nuestro Disco de la Semana, Birdy, Tinashe, Post Malone, Addison Rae y Japanese House.
Quien ríe el último, ríe mejor. Eso puede pensar Dua Lipa después de 13 semanas escalando por el top 20 de las listas británicas con ‘Dance the Night‘. Al fin, y después de perder el número 1 la semana pasada en favor de otra canción de ‘Barbie‘, la muy superior ‘What Was I Made For?’ de Billie Eilish, el tema de Dua Lipa sube del puesto 2 al puesto 1.
Curiosamente, esta vez también ha habido cassettes en juego, pero no han sido tan decisivos. ‘Dance the Night’ suma 41.204 copias esta semana, de las cuales 526 han sido CD singles, 3.737 cassettes, 1.295 descargas y 35.646 puntos de streaming. En realidad, con los puntos de streaming habría valido, porque Billie Eilish ha quedado en el puesto 2 con 33.731 copias para ‘What Was I Made For?’ esta vez.
El tema de Dua Lipa había sido recibido con cierto escepticismo entre su fanbase pero se ha disparado claramente con el estreno multitudinario de ‘Barbie’. Porque además, aparece muy bien integrado en la película.
Se trata, tan solo, del 4º top 1 de Dua Lipa en su país, Reino Unido. Los anteriores fueron ‘New Rules’, ‘One Kiss’ con Calvin Harris y ‘Cold Heart’ con Elton John. ‘Don’t Start Now’ tuvo la mala suerte de quedar en el puesto 2 y tanto ‘Physical’ como ‘IDGAF’ quedaron en el puesto 3.
Este es el histórico de Dua Lipa en UK:
2016 15 Hotter Than Hell
2016 30 Blow Your Mind (Mwah)
2016 10 No Lie (Sean Paul feat. Dua Lipa)
2017 09 Be The One
2017 14 Scared To Be Lonely (Martin Garrix & Dua Lipa)
2017 86 Lost In Your Light (feat. Miguel)
2017 01 New Rules
2018 03 IDGAF
2018 01 One Kiss (Calvin Harris & Dua Lipa)
2018 04 Electricity (Silk City & Dua Lipa feat. Diplo & Mark Ronson)
2018 36 Kiss And Make Up (Dua Lipa & BLACKPINK)
2019 24 Swan Song
2019 02 Don’t Start Now
2020 03 Physical
2020 06 Break My Heart
2020 31 Hallucinate
2020 72 UN DIA (ONE DAY) (J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny & Tainy)
2020 05 Levitating (feat. DaBaby)
2020 79 Fever (Dua Lipa & Angèle)
2020 08 Prisoner (Miley Cyrus feat. Dua Lipa)
2021 95 Real Groove (Kylie Minogue & Dua Lipa)
2021 25 We’re Good
2021 51 Love Again
2021 14 Demeanor (Pop Smoke feat. Dua Lipa)
2021 01 Cold Heart (Elton John & Dua Lipa)
2022 31 Sweetest Pie (Megan Thee Stallion & Dua Lipa)
2022 16 Potion (Calvin Harris, Dua Lipa & Young Thug)
2023 01 Dance The Night
Birdy se dio a conocer a los 15 años cuando su versión de ‘Skinny Love’ de Bon Iver alcanzó una enorme repercusión, superior a la de la canción original. A la británica no se le acabaron ahí los éxitos y también ‘Wings’, ‘Not About Angels’ o ‘People Help the People’ le daban grandes alegrías, puede que no en las listas de éxitos oficiales, pero sí en las plataformas de streaming, donde sus canciones acumulan cientos de millones de escuchas.
A un piano agarrada, pero capaz también de escribir himnos llenaestadios a lo Coldplay como ‘Wings’, Birdy hacía además uso de una voz simplemente tremenda, propia de una estrella de su calibre. En su nuevo disco, ‘Portraits’, es mágico escuchar su poderosa y dramática voz en un contexto tan inesperado como el pop de los 80, pero a Birdy la reinvención le funciona.
‘Paradise Calling’, el tema que abre ‘Portraits’, es representativo del conjunto: Jasmine van den Bogaerde quiso escribir una canción inmediata -un single en otras palabras- y eso es lo que le ha salido, una pieza abocada al abismo, dedicada a la búsqueda de un ideal imposible, que se mira en el espejo de ‘As it Was’ de Harry Styles pero sin obsesionarse. Claro que en el espejo en que se mira Birdy realmente en ‘Portraits’ es el de otra artista británica.
Si es difícil no pensar en Kate Bush al escuchar la voz de Birdy, las canciones de ‘Portraits’ lo ponen más difícil todavía: el emotivo single ‘Raincatchers’ evoca la majestuosidad de ‘Cloudbusting’ usando el mismo tipo de cuerdas tocadas en staccato, además hablándonos también de la pérdida del niño interior; ’Your Arms’ es la típica balada blanca y pura tocada al piano de las que había unas pocas en ‘Hounds of Love’ y las baterías de ‘Ruins II’ no pueden recordar más a las de ese disco. Parecen una copia directamente.
El parecido de ‘Portraits’ a la obra de Kate Bush publicada durante los 80 es tal que puede distraer de la calidad de las composiciones. De hecho, es un alivio cuando llegan las guitarras acústicas de ‘I Wish I Was a Shooting Star’ recordando más bien a David Bowie. El disco, por tanto, no sigue la pauta de Bush de principio a fin, aunque sí lo hace en mayor parte. A veces le sale regular, como en el flojo single ‘Heartbreaker’, pero la mayoría de veces el disfraz convence: ahí está ‘Automatic’ que, colocada al final del disco, rivaliza dignamente con el single principal.
Aunque es casi imposible sacudirse la sensación de que ‘Portraits’ debe demasiado a Bush, perdiéndose su voz auténtica por el camino, y sin que realmente ninguna de estas canciones consigan ponerse a la altura de los clásicos de la autora de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’, aún es posible decir que Birdy presenta un repertorio de canciones muy digno, que en su final con ‘Tears Don’t Fall’ demuestra que también las baladas a medio tiempo de synth-pop se le dan bien.
Tenochtitlán fue la capital del imperio Azteca. Hoy es la actual Ciudad de México y, desde hoy también, su nombre histórico da título a este single de Mon Laferte. ‘Tenochtitlán’ es el primer sencillo extraído del nuevo álbum de Norma Monserrat Bustamante Laferte.
Citando palabras de Mon, «“Tenochtitlán” nace a partir de tres conceptos clave: el valor propio, el juicio social y la reinvención» y es «un relato en el que aparecen quienes señalan, pero también aquellos que nos acompañan y ayudan a sanar». Añade: “La canción va de cómo yo me he llegado a sentir. Podría asegurar que todas las personas hemos sido juzgadas por prejuicios, alguna vez”.
Musicalmente, la influencia del trip-hop es decidida y firme: las cuerdas recuerdan a Hooverphonic, la base a Morcheeba, el drama a Portishead y las cuerdas aflamencadas emiten ecos a canciones de la época como ‘Moonchild‘ de Cibo Matto. Eso sí, Laferte le da su propia vuelta al trip-hop de ‘Tenochtitlán’, agregando a la grabación matices instrumentales de mariachi, bolero o de viejo western y, por supuesto, presumiendo la voz portentosa que ya le conocemos.
‘Tenochtitlán’ no es el primer single publicado del disco, sino el segundo: antes fue momento de escuchar la cumbia de ‘Te juro que volveré’. ‘Carmen 1940‘, su último trabajo, vio la luz en 2021. Además, llega acompañado de un llamativo videoclip dirigido por la realizadora audiovisual chilena Camila Grandi. La directora cita entre las referencias visuales ‘La pasión de Cristo’ y las fotografías de la artista mexicana Graciela Iturbide. “Me pareció muy interesante poder cruzar referencias de la cultura mexicana y la religión católica en este video», relata. «Investigué mucho sobre las Muxe y aquí ellas son las que preparan a Mon para su muerte. Son también quienes están con ella en todo el proceso de juicio, son ellas quienes la cobijan”.
Cita la nota de prensa: «Mon Laferte define esta nueva etapa musical como una mucho más reflexiva que las anteriores, en la que se sumergió en diferentes sonidos y herramientas, volviendo incluso a aquella esencia más alternativa de sus primeros años, cuando editaba sus discos de manera independiente. “Me encantó este nuevo trabajo creativo. Quería probar cosas diferentes a los álbumes anteriores. Estoy muy emocionada, yo siento que es mi mejor disco hasta ahora”.
Hoy 25 de agosto salen nuevos discos de Ashnikko, DELLAFUENTE, Buck Meek (de Big Thief), Victoria Monét, Hiss Golden Messenger, Spellling, The Armed, Cindy Wilson (de los B-52’s), Burna Boy, Danger Mouse & Jemini (grabado entre 2003 y 2004) o Alice Cooper. También es momento de escuchar la edición deluxe de ‘Yours Truly’ de Ariana Grande que conmemora el 10º aniversario del disco.
Hablando de Ashnikko, su nuevo tema con Ethel Cain suena en la playlist «Ready for the Weekend». Es uno de los duetos que salen hoy, junto con los de Aitana y Rels B, Zach Bryan y Kacey Musgraves, Chill Chicos y Yarea, Cuco y Alemán o Cora Yako y Nada Patín.
Entre los singles destacados del día hay que contar por supuesto los de Miley Cyrus y Selena Gomez (que firma la Canción Del Día), pero también el nuevo de The Killers producido por Stuart Price, el regreso de OMD y el tema de Mon Laferte sonando muy noventas. En el plano internacional hay nuevos singles de Blackpink, Omar Apollo o GAYLE; en el nacional, de Ralphie Choo, Carlos Sadness, Sen Senra o Adiós Amores.
De todo un poco, añadimos también las nuevas propuestas de The Chemical Brothers, Mitski, Eartheater (en la foto), L’Rain, Bombay Bicycle Club, el corrido de Manuel Turizo con Grupo Frontera, Els Amics de les Arts, Joel Corry con Rita Ora, hemlocke springs, Vic Mensa, Black Pumas, Mikel Erentxun, Iggy Azalea, Zetazen, Lil Yachty, Yung Bae siendo el «más cool»…
Terminamos, como siempre, con la curiosidad del día, en este caso de Judeline, que versiona ‘La Tortura’ de Shakira y Alejandro Sanz muy a su manera. También ofrece un cover de ‘Soy el único’ de Yahritza y su Esencia. Además, escucha la maqueta de ‘Let’s Get it On’ de Marvin Gaye: el disco, publicado originalmente en 1973, se reedita hoy por su 50º aniversario.
Hoy 25 de agosto es el día en que Miley Cyrus y Selena Gomez, compañeras de Disney Channel, estrenan single a la vez. Claro que el mensaje que proponen es opuesto. Por un lado, Miley recuerda que ya no es joven y alocada. Por otro, Selena celebra que aún es joven y alocada. Tanto que rechaza la idea de encerrarse en una relación. En ‘Single Soon’, Selena planea la manera en que va a cortar con su novio: no sabe si dejarle una nota en el abrigo o directamente desaparecer sin dejar rastro. No quiere ver «una sola lágrima»: ella tiene la cabeza en otra parte, en concreto, en salir de fiesta y disfrutar de su «soltería». Es una «sexy single», que cantaba Anastacia. No pide matrimonio como Beyoncé.
Temáticamente, ‘Single Soon’ es algo así como la versión moderna y empoderada de ‘Blame it On My Youth‘: si Rosemary Clooney se enamoraba perdidamente y le echaba la culpa de esto a su juventud, Selena no siente eso en absoluto: ella no quiere enamorarse ni mucho menos comprometerse, sino que desea «salir con quien quiera y llegar a casa cuando quiera». «Blame it on being young», canta, también.
En el aspecto musical, nada de jazz: ‘Single Soon’ es una apañada producción de dance-pop, de las más bailables de Selena, quien, últimamente, en su disco ‘Rare‘, andaba por otros terrenos. La base, producida por Benny Blanco y Cashmere Cat, se inspira en el synth-pop y no es tan contundente como la de ‘Heart to Break’ de Kim Petras, pero se acerca. ‘Single Soon’ una canción cuca, mona, como Selena ya había prometido, y que, como la letra, no se toma demasiado en serio, lo cual juega a su favor.
No es ‘Single Soon’, por cierto, el avance de un nuevo disco de Selena. Ella ha dicho que su nuevo álbum todavía no está terminado y que quería sacar algo antes para apaciguar la espera de los fans. El disco será «muy pop», conque no extrañaría que ‘Single Soon’ terminara apareciendo en el tracklist. ¿Nos vemos en 2024?
Aitana publica nuevo single. ‘miamor’ es su siguiente lanzamiento después de ‘Las Babys‘ y cuenta con una colaboración estelar, la del rapero mallorquín Rels B, uno de los artistas españoles más escuchados a nivel internacional.
El flirteo de Aitana con el club continúa en ‘miamor’, que parte de los ritmos house y trance de ‘Los Ángeles’ y los eleva al cubo. Rels B, al que muy rara vez se escucha en contextos tan bailables y oscuros, interpreta a su ligue. ‘Alpha’ sigue sin fecha de lanzamiento, a pesar de que las primeras fechas de su gira de presentación ya se conocen.
Por su parte, ‘Las Babys’ continúa entre los 50 temas más escuchados en Spotify España y aún ocupa el puesto 24 en la lista oficial de singles española después de haber llegado al 6: el tema ha dado a Aitana otro Disco de Platino. ‘Los Ángeles’ permanece en el puesto 49 con dos Discos de Platino. Además resisten en lista sus colaboraciones ‘Mariposas’ (75, 5 Discos de Platino) y ‘Mon amour‘ (83, 9 Discos de Platino).
En cuanto al alcance internacional de Rels B, hay que recordar -y esta parece ser la estrategia de Aitana- que la mayoría de sus oyentes en Spotify se concentran en América Latina. Un millón y medio de esos oyentes radican en Ciudad de México. El resto se reparten entre Santiago de Chile, Buenos Aires y Lima. Madrid es la segunda ciudad que más escucha a Rels B en el mundo.
Rels B, que acaba de publicar el disco ‘AFROLova ’23‘, acaba de actuar frente a 65.000 personas en Ciudad de México, y en noviembre tiene dos conciertos programados en España.
Miley Cyrus ha publicado su anunciado nuevo single, ‘Used to Be Young’. Con Gregory Aldae Hein y Michael Pollack, co-autores de ‘Flowers‘, involucrados en la composición, Miley entrega una digna balada clásica para contarnos que ha madurado. Canta que ya «no viste igual», que sus días de «vivir rápido» como «coches de carrera» han terminado, y que «el tiempo ya no la va a cambiar». El estribillo declara que «dices que solía ser salvaje, pero yo digo que solía ser joven». Miley, a sus 30 años, ha vivido más vidas que muchos, y parece que ha encontrado un momento de paz.
Con ‘Used to Be Young’, Miley conmemora el 10º aniversario del lanzamiento de su cuarto disco, ‘Bangerz’, a escasas semanas de que se celebre una nueva gala de los premios MTV Video Music Awards. Fue allí donde Cyrus fue más «salvaje» y «joven» que nunca. Pero, muy especialmente, Miley celebra el lanzamiento de uno de sus singles estrella, ‘Wrecking Ball’.
Hoy 25 de agosto se cumplen exactamente 10 años desde el estreno de ‘Wrecking Ball’, el baladón de Miley cuyo vídeo nadie ha podido olvidar. En él, Miley no solo aparecía subida a una bola de demolición, sino que, en los primeros segundos, mostraba su rostro llorando en primer plano, en un aparente guiño al vídeo más popular de Sinéad O’Connor.
El vídeo de ‘Used to Be Young’ recupera esa idea y la extiende durante los tres minutos y medio que dura la canción: Miley posa delante de la cámara y, con lágrimas en los ojos, interpreta la nostálgica letra. Portando una camiseta de Mickey Mouse, en un claro guiño a sus tiempos en Disney Channel, Miley parece reconciliarse con su pasado.
‘Used to Be Young’ es el primer lanzamiento de Miley posterior a ‘Endless Summer Vacation‘, el disco que publicaba el pasado mes de marzo. Un disco que no ha obtenido grandes cifras pese al éxito de ‘Flowers’ y pese a la salida de un segundo (‘River‘) y tercer (‘Jaded‘) single.
Esta semana se ha activado la preventa del nuevo disco de Alexanderplatz, el proyecto en solitario de Alejandro Martínez, ex Klaus & Kinski. El álbum sale oficialmente el 29 de septiembre, pero todo aquel que lo encargue antes del día 20 de septiembre a través de su sello Jabalina lo recibirá firmado.
El artista ha avanzado dos temas a lo largo de los últimos meses. En primer lugar llegó ‘Virgencica’, con ese arpegio de teclado tan característico que ha manejado en otras ocasiones, procedente de las bandas sonoras de los 80. Y el segundo adelanto se llama ‘Afectuosamente suyo’. De vocación más tradicionalmente «indie», encuentra su cénit en un interludio con punteo de guitarra eléctrica que emparenta con el final de ‘Muerte en Plasencia’.
En cualquier caso, ninguna de las dos grabaciones ansía una cumbre tan clara como las de algunas de las canciones anteriores en solitario de Alexanderplatz. Pienso en ‘Podrías haberte quedado quieto’ o en ‘Odio el siglo XXI (bueno y el XX también)’.
Ambas composiciones se amparan en este caso en la virtud de Martínez de retorcer palabras. ‘Virgencica’ se inspira en el dicho «virgencita, que me quede como estoy», con frases como «Es mejor no ir buscando lo que andes buscando / resbalando con pasos muy largos / es mejor no querer mejorarlo». El vídeo contrapone nuestro yo presente con el del pasado y el futuro.
Y mejor aún, ‘Afectuosamente suyo’, partiendo de que «la gente a veces se queja por vicio y lo disfruta», es una contradicción constante sobre la postura del interlocutor:
«Me asombra que piensen que es ironía,
no quise ofenderos, yo nunca podría,
mi catolicismo me lo impediría,
voy a disculparme…
pero mejor otro día
(…)
No piensen que son palabras vacías,
tal vez sea cierto lo de la ironía,
no sé si pretendo hacer algún daño,
es que no puedo callarme…
sin lamentarlo».
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