Como en el Global de Spotify, en nuestro humilde top 40 Miley Cyrus no ha sido top 1 directo, pero sí lo ha conseguido con el paso del tiempo. ‘Flowers’ asciende a la primera posición, en el que supone el 4º número 1 en nuestro top 40 para Miley. Antes llegaron ‘Midnight Sky’, ‘Malibu’… y ‘Do It’ con Flaming Lips. Qué tiempos aquellos en que la cantante parecía necesitar la validación del público indie. ¿Alguien lo recordaba?
La entrada más fuerte de la semana está protagonizada por Ladytron, seguidos por Yaeji, una de nuestras favoritas ahora mismo, Carolina Durante, Stephen Sanchez, dani y Roy Borland.
Francisco Rabaneda Cuervo, conocido mundialmente como Paco Rabanne, ha fallecido a los 88 años en su casa de Portstall, en Francia. Rabanne deja tras su muerte una marca reconocida internacionalmente en la moda y en el mundo del perfume, y un legado difícil de igualar.
Nacido en Gipuzkoa en 1934, su familia se afincó en Francia desde que este tenía cinco años, en 1939, en plena ocupación nazi. Vivió allí hasta 1947, donde empezó a llevar a cabo su revolución en la moda, caracterizada por su modernidad y futurismo. La madre de Paco Rabanne trabajó como costurera jefe para Balenciaga, por lo que desde pequeño tuvo claro a qué se dedicaría, pese a haber estudiado arquitectura.
En 1966, la primera colección de Paco Rabanne vio la luz, compuesta por 12 vestidos en los que usaba materiales inverosímiles en la época como el metal, el papel o el plástico. Por esto, Coco Chanel le definió como el «metalúrgico de la moda». En esta década ya consolidó su nombre totalmente, diseñando el vestuario de la película ‘Barbarella’ (1968), protagonizada por Jane Fonda, y vistiendo a figuras de la época tan importantes como la cantante y actriz Françoise Hardy o Audrey Hepburn.
En esta década también comenzó sus andanzas en el mundo del perfume con el lanzamiento de una fragancia llamada ‘Calandre’, que se traduce como «parrilla de automóvil», que se convirtió en un icono de la feminidad moderna. En los 80, experimentó con tejidos luminiscentes, papeles metalizados, cuero… Sin embargo, en 1999 Paco Rabanne se retira de la moda y su marca con él. Es en 2011 cuando la marca resurge gracias al diseñador Julien Dossena, quien ha devuelto la marca al éxito de los tiempos de su fundación.
Este 4 de febrero se cumplen 40 años desde el fallecimiento de Karen Carpenter. La cantante de los Carpenters moría a los 32 años a consecuencia de un paro cardiaco relacionado con la anorexia que había arrastrado desde los inicios de su carrera, y que se acrecentó con la llegada de la fama. Ella siempre negó padecer la enfermedad, mientras la gente de a pie, ante la incerteza, pensaba que se enfrentaba a algún tipo de cáncer, debido a su delgadez. En realidad, Karen pasaría a la historia por ser una de las primeras celebridades que fallecieron a causa de este desorden alimenticio entonces bastante desconocido.
Aunque para hablar de Karen es imposible no mencionar sus sombras, muy poco del drama que salpicó su vida está presente en sus canciones, las alegres y románticas canciones de Carpenters que tanto marcaron el pop de los años 70. Acaso alguna joya escondida como ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, incluida en el disco final del dúo, ‘Made in America‘ (1981), podía aludir a la muerte del amor o de la vida misma de manera un tanto tétrica, gótica incluso… y aún así la música, su forma de country-pop luminoso y relajado, nos seguía llevando a un lugar de confort, el mismo que sentíamos al escuchar la cálida y maternal voz de Karen, que tanto convirtió a Carpenters en lo que fueron, en lo que son.
Para entender cuán esencial era la voz de Karen en las canciones del dúo, solo hace falta recordar cuánto hemos ignorado siempre que ellos no fueran autores de muchos de sus hits más emblemáticos: ‘Close to You’, ‘We’ve Only Just Begun’, ‘Rainy Days and Mondays’, ‘Superstar’, la súper feliz ‘Sing’, ‘Hurting Each Other’ (recientemente rescatada por los Avalanches) o ‘I’ll Never Fall in Love Again’ las escribieron otras personas (nadie ha olvidado nunca que ‘Ticket to Ride’ y ‘Please Mr. Postman’ eran versiones). Richard arreglaba, producía, tocaba el piano y el teclado, cantaba, por supuesto elaboró esas capas armónicas tan característicos de la banda, y componía, pero hacía otras cosas y a veces delegaba esta labor en terceros. Karen empezó tocando la batería, instrumento que nunca abandonó del todo, pero nunca escribió una canción: su rol era el de vocalista (como dato, el primer single asociado a los Carpenters, ‘Looking for Love’, estaba a su nombre).
Eran otros tiempos para la industria y los cantautores nos importaban un poco menos, pero Richard sí firmó, mano a mano con John Bettis, cuatro éxitos inmortales de Carpenters como son ‘Yesterday Once More’, ‘Only Yesterday’, ‘Top of the World’ y ‘Goodbye to Love’, este último, adaptado no hace mucho por la omnipresente Phoebe Bridgers. Las dulces melodías de Carpenters, empalagosas como una nube de azúcar; su imagen de niños buenos, que Richard odiaba porque era una imposición de la discográfica; y sus poéticas letras sobre amor, desamor o nostalgia perduran a día de hoy en la imaginería popular, y lo hacen gracias a la voz de Karen, que tanta alma insuflaba a las canciones. Una voz cristalina, poderosa y llena de sentimiento, que encarnaba la música pop misma. Las canciones eran excelentes, pero también se adaptaban a su voz (Richard jugaba mucho con el registro bajo de su hermana), e incluso cuando Karen cantaba una pieza que no le gustaba, como ‘Solitaire’, lo hacía con todo el candor del mundo. Es a Karen a quien queremos escuchar cuando nos ponemos a los Carpenters.
También las canciones, claro, que tanto nos han seguido acompañando a través de las generaciones. Como el repertorio de los Beatles, de ABBA o de Elvis Presley, o en España el de Rocío Jurado o Julio Iglesias, el de Carpenters conforma su propio estándar de excelencia y se ha seguido vendiendo y escuchando a lo largo de las décadas. Los streamings de ‘Close to You’ y ‘Top of the World’ se cuentan por los cientos de millones, pero mi favorita personal es ‘We’ve Only Just Begun’. Desde que empieza, taciturna, con la voz tristona de Karen, hasta que eleva el espíritu con la entrada de baterías y coros, siempre me ha parecido una canción perfecta de Carpenters en todo su conjunto. Fue una de mis primeras aproximaciones a su repertorio, cuando la radio de Last.FM te podía descubrir muchos de sus éxitos incluidos en el recopilatorio ‘Gold’ (más tarde descubrí que previamente ya había escuchado el trabajo de Richard Carpenter en un single de las rusas t.A.T.u.: él orquestó ‘Gomenasai’ y no, no me lo estoy inventando, lo dijo él mismo).
La definición de clásico atemporal, como tantos que escribieron Burt Bacharach y Hal David, ‘Close to You’ la han adaptado desde Rumer hasta Frank Ocean y se ha usado lo mismo en bodas que en funerales. Es otro de los grandes hitos de los hermanos. «Desde que descubrí ‘Close to You’, siempre ha sido una de mis canciones favoritas, siempre me la he sabido de memoria», cuenta mi compañero Sebas. «Me encantaría decir otra cosa, pero la descubrí en ‘Cosas de Casa‘, cuando Carl Winslow se la dedicaba en una escena a su esposa. Por suerte, pronto descubrí que «la original» (antes de los Carpenters la grabaron otros artistas) era mucho mejor. Karen Carpenter, habitual en la VH1 de la época, era todo magnetismo mirando a cámara o tocando la batería. Siempre me han gustado las voces así: dulces, expresivas y poco chillonas. Seguro que inspiró a muchas de mis voces favoritas de los 90, como Nina Persson o Sarah Cracknell. «Close to You» es también uno de los mejores trabajos de Burt Bacharach y Hal David. Es uno de mis primeros contactos con una canción sin estribillo, algo que suplen el cambio melódico en el puente («So they sprinkled moon dust in your hair…») y la outro llorica con todos esos «wah-wahs»».
La televisión también ha contribuido a inmortalizar el catálogo de los Carpenters. «Supongo que como mucha gente de mi generación, mi primer contacto con (ellos) fue a través de los Simpsons», cuenta Mireia. «‘(They Long to Be) Close to You’ era la canción de Marge y Homer… y en casa teníamos el single. La edición española, que en la cara B traía ‘Ticket to Ride’. Y esa era la canción que realmente le chiflaba a mi padre, el motivo fundamental de que el single estuviera en casa. Y no me extraña: no suelo ser muy fan de las versiones de los Beatles, pero es que la de los Carpenters es exquisita, con su introducción a piano que puede confundir un poco, su sobreproducción, con la angustia post-adolescente de Lennon convertida en un canto quedo, maduro, de resignación… O no. Porque así como la versión original me genera simpatía hacia la muchacha fugitiva (¡sé libre! ¡Huye del plasta de Lennon!), si lo canta Karen odias profundamente al prófugo. “He’s got a ticket to ride. And he don’t care”. Esos “don’t care”, en la voz dulce, emocionante, perfecta de Karen, se clavan como dagas. ¡Maldito! ¿Cómo has podido dejarla?»
Rizando el rizo, también era posible descubrir a Carpenters a través de las versiones que otros artistas hacían de las canciones que ellos mismos habían versionado… o también escrito. Es el caso de ‘Yesterday Once More’, de la que Raúl Guillén guarda una curiosa memoria. «Recuerdo muy bien cuando fui consciente de la existencia de Carpenters y de su increíble catálogo de canciones: en la explosión post-grunge, ‘If I Were a Carpenter’ (1994) reunía a nombres del relumbrón de Sonic Youth, The Cranberries, Sheryl Crow, American Music Club, Babes In Toyland o Shonen Knife para celebrar el repertorio del dúo, interpretando con libertad canciones como ‘Top of the World’, ‘Superstar’, ‘Close to You’ y revelaban a una (otra) generación esas gemas de Richard y Karen Carpenter… cuando ya se había estrenado y retirado ‘Superstar’, el documental del luego idolatrado Todd Haynes que revelaba el lado oscuro de la carrera del dúo, que culminó con la trágica muerte de Karen».
Continúa: «En ese homenaje coral unos Redd Kross que por entonces vivían su pico de fama tras publicar el gran ‘Phaseshifter‘ interpretaban con ramalazo hardrockero ‘Yesterday Once More’ (¿cuánto habría molado ver a Karen romper las baquetas, su instrumento-fetiche, en esta transformación desgreñada?). En el momento que escuché la versión de los californianos me di de bruces con un vívido recuerdo de mi infancia, cuando Carpenters triunfaban (sí, también en nuestra Españita) con melodías radiantes como esta. Una balada alucinante, con una interpretación vocal excelsa por parte de una de las mejores cantantes de la historia del pop y unos arreglos celestiales -que no excesivos-, que nos habla de los «shalalalas», «uoh-uooohs», de «shing-a-ling-a-dings» que sonaban en viejas canciones que ponían los pelos de punta y hacían brotar irrefrenables lágrimas a su intérprete… Un stendhalazo que, en un maravilloso giro metamusical, a mí también me hacía sentir (y aún lo hace) no ya que Karen cante para mí, sino que yo mismo soy Karen y que vuelve a ser ayer.»
Los recuerdos permanecen y lo demás, como cantaba Karen precisamente en ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, en la que tocó la batería por última vez, se va:
Where’s the word for the sadness
Where’s the poetry in the pain
Where’s the color in the stain where the tears have fallen
It’s gone, it’s just gone
Karol G ha publicado hoy el primer sencillo tras el anuncio de su próximo disco, ‘Mañana será bonito’, del cual todavía no sabemos fecha de lanzamiento. ‘X SI VOLVEMOS’ se trata de la primera colaboración de la colombiana con Romeo Santos, está producida por Ovy On The Drums (‘Tusa’, ‘MAMIII’, ‘PROVENZA’) y lo tiene todo para convertirse en el próximo hit de Carolina Giraldo.
‘X SI VOLVEMOS’ tiene una fórmula sencilla, en la que Karol y Santos le cantan al sexo post relación («A nadie de confianza se le niega un polvo de despedida») sobre una base de reggaetón adornada con unos dulces acordes de guitarra. No inventa la rueda, ni pretende hacerlo, pero sí que es tremendamente pegadiza y las voces de tanto Karol como Santos brillan por sí solas.
Tiene una temática similar al clásico ‘Noche de Sexo’ de Wisin & Yandel, en colaboración con el propio Romeo Santos. De hecho, Karol G hace un guiño a este tema al final de la canción. Por el momento, ‘X SI VOLVEMOS’ no dispone de videoclip pero es muy probable que se publique uno en algún momento, dado que todos los singles que ha sacado Karol G en los últimos meses han recibido uno.
A su vez, es de esperar que ‘PROVENZA’, ‘GATÚBELA’ y ‘CAIRO’ estén incluidas junto a ‘X SI VOLVEMOS’ en el nuevo disco de Karol G, que llegará dos años después de ‘KG0516’ y será el cuarto LP de su carrera. Giraldo le contaba a la revista Rolling Stone que el título del largo, ‘Mañana será bonito’, viene de una frase que se repetía a sí misma en los días malos, cuando se sentía «desconectada de mí misma y de mis amigos».
Si sueles escuchar Sesión de Control, quizá te suene ‘Ritmo’. El tema estrella del EP de Teo Lucadamo celebra ya haber superado la cifra de un millón de streamings en Spotify desde su edición el pasado otoño. Además, lo ha logrado sin el apoyo de Novedades Viernes España, Éxitos España, Novedades Indie, ni ninguna playlist tan poderosa: tan solo ha aparecido de manera orgánica en las virales de nuestro país.
‘Ritmo’ es un tema influido por el hip-hop, el funk y el house, pero todo en él es esclavo de una letra que se jacta de tener aquello de lo que se presume en el título. Alguien con un beat tan metido dentro que debería ser «cardiólogo», que es un auténtico «metrónomo», que es casi una pena que no sea el beatmaker más conocido del país.
La simpática canción se acompaña de otras composiciones como ‘Droga para ricos’, ‘Cochecama’ y ‘Capa’ en el EP ‘El humano’, entre más ritmos noventeros como el acid, voces femeninas y no sé si decir spoken word. “Esa copa rota espero que no sea mi copa” es el leit motiv de la última. Lo que quizá no sabías es que Teo Lucadamo es uno de los hijos de Aitana Sánchez-Gijón con el pintor, fotógrafo, dibujante y escultor argentino Alejandro «Papin» Lucadamo. Un nepobaby de manual, lo que esperemos no sea decisivo para la eterna disyuntiva en esta sección: Revelación o Timo.
REYKO nos hablan en su tercer disco de una «fantasía multi-color» como coartada para justificar la variedad de géneros que encontramos. Podemos pensar que el fuerte del dúo español sito en Londres es la pista de baile underground. Una en la que cabe su macrohit de tropical house ‘Spinning Over You’ y también los escarceos electroclash de su segundo álbum, ‘Pulse’.
Estoy seguro de que los temas nuevos más esperados en su gira serán ese ‘Tú y yo’, un rock underground lo-fi que conecta con gente como The Strokes; lo mismo que la feliz ‘Already There’. La abrumada ‘Leaving Station’, sobre las presiones del mundo moderno, una de las temáticas del disco, tiene un estribillo intrigante.
Pero la Velvet era una influencia gigante en The Strokes y Lou Reed también es un nombre reivindicado aquí a través de baladas a la guitarra retro, como ‘All I Ever Do’. Es esta una canción de devoción, entonada excepcionalmente por Igor, que habla de «huir de las fotos y todo eso», de declararse en plan «old school», de «mirar a los ojos y decir que solo puedo pensar en ti». Las guitarras eléctricas distorsionadas también remiten a los R.E.M. de mediados de los 90, los de ‘Monster’ o ‘Be Mine’.
Es una sorpresa que las baladas sean lo mejor de un disco de REYKO -y ahí está la deliciosa ‘Siempre estaré contigo’-, porque no es lo que esperamos de un disco de REYKO, pero hay dos posibles explicaciones para ello. De un lado, esa ambición «multicolor» de que presume el álbum echa de menos un poco más de riesgo en la parte más hedonista. Digamos que en un mundo de hyperpop, drill y filtros de TikTok, ‘Fantasía’ no es todo lo «fantasía» que podría ser.
De otro, la voz de Soleil se sitúa en el lado más exquisito del indie pop. Black Box Recorder siempre me parecieron una referencia para REYKO, más que Diplo. Así que hay varios momentos en esa línea en los que el grupo suena especialmente confortable. ‘Josephine’, un ánimo para que una amiga pase de los cabrones, puede comenzar en plan ‘The Passenger’ de Iggy Pop, pero lo mejor es que deriva a una bossa pop que ni Astrud Gilberto o los primeros Cardigans. La suave ‘North to South’ suma en esa línea, mientras la calidad de los dos instrumentales -‘Bienvenidos’ hacia la mitad y el contemplativo ‘6pm’ al final- contribuyen a que este sea el álbum más dinámico del dúo.
REYKO actúan en Barcelona el próximo 24 de febrero (Laut), en Madrid el 2 de marzo (El Sol) y en Valencia el 10 de marzo (La Salà).
REVELACIÓN O TIMO, el PODCAST de JENESAISPOP, anuncia su primera edición con público en directo. Será el domingo 5 de febrero a mediodía. Casualmente la mañana después de la final de #BenidormFest.
Os esperamos en Moby Dick (Madrid) el 5 de febrero a partir de las 12.00 horas para tomar el vermú. Las entradas cuestan 10 € e incluyen consumición (vino, cerveza, refresco). Están a la venta en DICE. En taquilla serán 12 euros.
Al término de la grabación del podcast, escucharemos buena música, seguiremos tomando algo, escucharemos vuestras opiniones, y firmaremos Libros y Anuarios si alguien lo requiere. ¡Nos vemos!
Os recordamos que podéis suscribiros a nuestro podcast en ivoox, Spotify y otras plataformas, así como colaborar en su desarrollo a través del Paypal tienda@jenesaispop.com.
Conocimos a Jonas Blue allá por 2015 con ‘Fast Car’, una adaptación al tropical house del éxito de Tracy Chapman que alcanzaba el número 2 de la lista de singles británica, es decir, superaba el desempeño comercial de la canción original, que «solo» llegó al quinto puesto. Después, el británico Guy James Robin triunfaba con ‘Perfect Strangers’ antes de colaborar con gente de todo tipo como Joe Jonas, Liam Payne, Rita Ora, Juan Magán o Ava Max: él es co-productor de ‘My Head & My Heart’.
Dispuesto a hacer bailar a las masas (o a hacerlas sudar en el gimnasio) con sus pulidos ritmos de house y EDM, Jonas Blue ha publicado un puñado de singles en el último año, entre los cuales destacan ‘Perfect Melody’ con Julian Perreta, ‘Don’t Wake Me Up’ con Why Don’t We o ‘Always Be There’ con Louisa Johnson.
Hoy, Jonas protagoniza una de las novedades del viernes con el que puede ser su single más divertido hasta la fecha. ‘Weekends’ es un hitazo de house espídico que suena efectivamente diseñado para petarlo en fin de semana. El tema no necesitaría, en este caso, una versión acelerada, pero visto que hasta ‘Miss You’ de southstar (a la que se parece por bpm), tiene una, todo es posible.
En este tema que nos habla de echar de menos a alguien «sobre todo los fines de semana», Jonas Blue colabora con otro rey del house: recordarás a Felix Jaehn por su remix de ‘Cheerleader’ de OMI, que fue número 1 en Estados Unidos, y un macrohit a nivel global, también en 2015.
Co-producida por el dúo berlinés BLYNE, ‘Weekends’ es una entre la montaña de novedades musicales que reunimos hoy en la playlist «Ready for the Weekend«.
Hoy Mallorca Live Festival suma nuevos nombres a los que ya se conocían, entre los que estaban Chemical Brothers, Moderat, Vetusta Morla, Bomba Estéreo y Viva Suecia, entre muchos otros. Interesante, especialmente, es una línea media en la que están algunos de los nombres clave del nuevo pop español, como rusowsky, Rojuu, Jimena Amarillo, Ralphie Choo, Blanco Palamera, La Plazuela, Irenegarry, Brigitte Laverne, Judeline, Alien Tango, Carlangas… En otras palabras, lo mejor del underground español en este momento.
A todos esos artistas que ya habíamos visto en el cartel del Mallorca Live Festival se añaden hoy The Kooks presentando su disco de 2022 ’10 Tracks To Echo In The Dark’; Quevedo, nada menos que el número 1 actual en Discos España con ‘DONDE QUIERO ESTAR‘; y Ginebras, que presentarán su álbum de 2023, el que incluye ese hitazo llamado ‘Alex Turner’.
Os recordamos que la sexta edición de Mallorca Live Festival tendrá lugar de jueves a sábado, los días 18, 19 y 20 de mayo de 2023, en el Antiguo Aquapark de Calvià. Las entradas de día y los abonos están disponibles desde 59€ en www.mallorcalivefestival.com y la ticketera oficial del festival, See Tickets. Además, sabéis que hay packs especiales con vuelo y hotel para ir desde la península a través de Logitravel.
En cuanto al día en que actuará cada artista The Kooks liderarán la jornada del jueves 18 de mayo. Será también el día de Ginebras. Quevedo actuará el viernes 19 en la que será su primera visita a la isla.
Otros confirmados son tan variados, del rock al pop actual, como Black Rebel Motorcycle Club, Natos y Waor, The Dandy Warhols, Ayax y Prok, Second, The Reytons, León Benavente y Helena Hauff. Además, Cocoon será el host del escenario de electrónica el jueves 18 de mayo. A Sven Väth le acompañará el DJ de música electrónica y dance Gregor Trasher, así como Emanuel Satie, Maurizio Schmitz, Sara de Araújo y Enric Ricone.
Este 3 de febrero no sale una gran cantidad de discos al mercado, pero sí algunos que pueden ser clave a lo largo del año, como el debut largo de RAYE, muy esperado por los fans del pop. Además, vuelve una grande, Shania Twain, con nuevo trabajo, y editan disco Young Fathers, The Go! Team, John Frusciante, LUIS BREA o dos nuevos valores del underground nacional: María Escarmiento y 30s40s50s, el nuevo proyecto de David Otero y Bely Basarte, que ya no esconden su identidad.
Son abultadas las novedades en el apartado de singles. Entre las destacadas hay que comentar la colaboración de Ptazeta y Lola Indigo, el posible nuevo hit de Rels B, el regreso disco de Jake Shears, la alianza de Iván Ferreiro y Tanxugueiras, el bombazo discotequero de Jonas Blue y Felix Jaehn o lo nuevo de Najwa.
Abre la playlist la nueva maravilla con gaita de Caroline Polachek, solo una de tantas artistas que siguen avanzando sus inminentes trabajos. Es el caso de CARLANGAS, la artista revelación DEBBY FRIDAY, Unknown Mortal Orchestra, Ellie Goulding, Westerman, Yves Tumor, los brutales Model/Actriz, Skrillex o The Tallest Man on Earth.
Entre los nuevos valores por descubrir subrayamos el disco chic de Girl Ray, el indie de Geese, la revisión de ‘Stars are Blind’ de Paris Hilton por Peach PRC (foto), el hyperpop de sadie, el guitar pop de Maïa, el folk de Shana Cleveland (integrante de La Luz), la cumbia de Y La Bamba…
No os perdáis tampoco novedades de Nia Archives, Whitney, Recycled J, Terrace Martin, Claire Rosinkraz o Rocío Saíz, ni las que has podido escuchar estos días en la playlist dedicada al pop nacional Sesión de control, con temas frescos de Marta Movidas, Vecinos o Vermú.
Las cifras no están acompañando a Benidorm Fest este año. Ha faltado un himno icónico y transversal a lo ‘Ay mamá’. Una polémica política. Un poco de salseo. Alguna cara más conocida. Sin embargo, ya las semifinales han dejado propuestas muy dignas en cuanto a creatividad. En las redes encontraréis muchas críticas hacia el sonido, a lo amateur de algunas presentaciones, al aire que parecía faltarles a casi todos.
Sí, los hemos oído respirar una y otra vez al principio de cada frase. Pero la final va a reunir varias grandes actuaciones, demostrando que hay un antes y un después de Chanel. Que mientras haya Benidorm Fest, España ya jugará a otro nivel en Eurovisión. Que, como vaticinábamos el año pasado, si seguimos así, pronto ganaremos.
En esta segunda semifinal ha dejado sin habla la propuesta de Blanca Paloma. ‘Eaea’, que parece una producción de Bronquio y Rocío Márquez, fue «Canción del Día» en esta casa en cuanto salió. «Puede dar el Chanelazo» fue aquel titular… et voilà. Su puesta en escena minimalista y un tanto lorquiana no ha tenido nada que ver con la de la misma artista el año pasado. La mejora ha sido substancial y por supuesto ha ganado la semifinal. Si es una enchufada de RTVE, queremos más enchufados así en 2024.
También ha deslumbrado la apuesta campestre y familiar de Karmento, en la que al final ha presentado a un coro manchego en honor a su tierra. Su nombre ha sido de los más coreados de la noche, pero ha sido castigada por el jurado, quizá por la presencia internacional. Nunca lo habríamos adivinado, pero ha sido el público quien la ha salvado.
Curradísima ha sido también la propuesta retro de Alfred, que ha pasado de conducir un coche tipo años 50 a cantar en el Benidorm Fest de 1962 junto a un colaborador de aquellos tiempos, Andrés, de 91 años. Un tanto confusa la presencia de varios micrófonos, quizá también algo sobrecargada, pero muy entretenida. Por alguna razón, ha quedado fuera de la final, en favor de José Otero, un baladista a una inexplicable gabardina pegado.
Vicco, que acude con ‘Nochentera’, la canción más popular de momento, ha apostado por el color en su reivindicación de los 80, muy Aitana y muy simpática, quizá poco exportable. No ha logrado brillar ni siquiera en el televoto, por lo que la final se cocerá seguramente entre Agoney y Blanca Paloma, pero tendrá una nueva oportunidad el sábado.
No así Rakky Ripper, que ha salvado los muebles con la papeleta de no poder contar con AutoTune, pero ha carecido de crescendo tras lo mejor: el principio en el suelo. Ha quedado última, pero con todo, ya ha hecho historia poniendo el hyperpop en el mapa. No le faltarán festivales.
Entre las sorpresas de la noche, los catalanes Siderland, que han ideado una gran puesta en escena, pasando de estar encerrados en una habitación a comerse el escenario con su tema tipo Fiesta Mayor. Han quedado cerca de clasificarse.
Sin opciones quedaban Famous o E’Femme, el primero sin demasiada canción y las segundas con pocos más méritos que querer ser las Blackpink españolas. Seguimos comentando todo en el foro de Benidorm Fest de JENESAISPOP, en Twitter, y este domingo 5 de febrero lo haremos en un podcast en directo en Moby Dick, Madrid. Las entradas son 10 € con consumición.
Hay que ver lo que le gusta a la cinefilia estadounidense el costumbrismo irlandés. Es ver un prado verde, unos parroquianos toscos y simpáticos bebiendo pintas y peleándose amigablemente en un pub, una pelirroja-de-armas-tomar y una cancioncilla tradicional sonando de fondo y se les aparece el espíritu de John Ford en la butaca. ‘Almas en pena de Inisherin’, que tras “quitarle” el Globo de Oro a ‘Todo a la vez en todas partes’ podría acabar ganando el Oscar, sigue al pie de la letra todos estos tópicos, la mayoría grabados a fuego en el imaginario colectivo gracias a ‘El hombre tranquilo’ (1952). Si hasta el nombre del pueblo remite al mítico Innisfree fordiano.
Martin McDonagh, londinense pero con orígenes irlandeses, demuestra una vez más que es mejor dramaturgo (empezó como reputado autor teatral) que director de cine. Como ya ocurría en ‘Tres anuncios en las afueras’, el texto y las interpretaciones de ‘Almas en pena de Inisherin’ (los cuatro actores principales han sido nominados al Oscar) están muy por encima de la puesta en escena, bastante funcional e incluso rutinaria, teatral en el peor de los sentidos.
Este tipo de caligrafía fílmica invisible funciona bien cuando el guión es brillante y los actores lo interpretan a la perfección. Pero no es el caso. Si bien la premisa argumental es muy meritoria –no es fácil plantear un relato basándose en un conflicto tan simple como “pues ya no te ajunto”- su desarrollo no lo es tanto. El filme comienza como una comedia costumbrista con un sentido del humor y de la camaradería masculina más pasado que una parodia de los Morancos. Si algo ha envejecido mal en las películas de John Ford es precisamente ese tipo de humor. Y McDonagh parece haberlo rescatado tal cual, como si estuviéramos en los años 50.
Luego McDonagh se pone serio. La comedia se transforma en tragicomedia con discurso antibelicista al fondo (la historia está ambientada en 1923, durante la guerra civil irlandesa). Una fábula oscura y grotesca sobre la amistad masculina que pretende resultar conmovedora y servir como metáfora sobre la división de Irlanda. Ni una cosa ni la otra. ‘Almas en pena de Inisherin’ es un filme más o menos simpático, más o menos triste, con personajes curiosos, buenas actuaciones, paisajes bonitos, un cambio de tono interesante y una banda sonora estupenda a cargo de Carter Burwell, compositor habitual de Todd Haynes y los hermanos Coen. Pero ya está.
¿Será ‘Almas en pena de Inisherin’ la ‘Green Book’ de este año, película con la que tiene más de un punto en común, tanto en el tono como en el duelo actoral a lo buddy movie? El 12 de marzo saldremos de dudas.
Un nuevo informe realizado por la Universidad de California del Sur, denominado como Informe de la Iniciativa de Inclusión y basado en la lista Billboard Hot 100 de 2022, ha establecido que las mujeres (cantantes, compositoras y productoras) siguen siendo poco representadas en la industria. Concretamente, se descubrió que la cantidad de artistas femeninas con grandes ventas había aumentado durante ese año en Estados Unidos, pero la proporción de compositoras con impacto comercial seguía siendo escasa.
El porcentaje de mujeres representadas en la lista fue de un 30%, mientras que solamente el 14% de los compositores eran mujeres. Por otro lado, el dato más bajo se obtuvo al calcular el porcentaje de productoras: de un total de 232 productores, solo el 3,4% se trataba de mujeres. Un productor se identificaba como no binario. El 30% de mujeres en lista representa una mejoría respecto a los años anteriores, pero los datos sobre compositoras y productoras no han variado demasiado durante la última década.
El dato más alto desde que se empezó a publicar este informe, en 2012, en cuanto a la cantidad de compositoras en el Billboard Hot 100 fue de un 14,4% en 2019, solo 0,4% más que en la última entrega. Además, fue también en 2019 cuando las productoras obtuvieron su dato más generoso, con un 5% de mujeres en la lista de final de año. La única manera para cambiar esto, según la doctora Stacy L. Smith, que dirigió el informe, es «identificar el talento y contratar mujeres para estas funciones».
La conclusión del documento establece que mientras que los datos de las artistas representadas en la lista son esperanzadores, las mujeres que se encuentran entre bambalinas, en los campos de composición y producción, todavían siguen siendo infrarrepresentadas. Además, sugieren que las mujeres son «estereotipadas» y «sexualizadas», mientras que su talento y experiencia resulta «rebajado».
Ozzy Osbourne anunciaba ayer a través de un doloroso comunicado en redes que sus «días de gira» han llegado a su fin, y con ellos, el concierto que iba a realizar junto a Judas Priest el 10 de mayo en Madrid como parte de ‘No More Tours 2’, el cual llevaba retrasándose desde 2019. Sin embargo, por problemas derivados del accidente que sufrió hace cuatro años en la columna vertebral, finalmente el británico se ha visto obligado a cancelar su tour europeo, y todo indica que no podrá volver a celebrar más.
Lo explicaba en un comunicado de Instagram, en el que empezaba admitiendo que «esta es probablemente una de las cosas más duras que he tenido que compartir con mis leales fans». Osbourne recordaba el accidente que sufrió en la columna, del cual se cumplen cuatro años este mismo mes y que ha sido el causante de su retirada de los conciertos: «Mi único propósito durante este tiempo ha sido volver a los escenarios. Mi voz está bien. Sin embargo, después de tres operaciones, tratamientos con células madre, infinitas sesiones de terapia física y, más recientemente, un innovador tratamiento, mi cuerpo sigue físicamente débil», comunicaba el exvocalista de Black Sabbath.
«He comprendido que no soy físicamente capaz de llevar a cabo mis fechas para la gira de Europa y Reino Unido, ya que sé que no podría lidiar con el viaje requerido. Creedme cuando digo que el pensamiento de decepcionar a mis fans realmente ME JODE, más de lo que nunca entenderéis», continuaba Osbourne. Aun así, dejaba abierta una pequeña ventana de esperanza, asegurando que «mi equipo está ideando maneras de actuar sin que tenga que viajar de ciudad en ciudad y de país en país».
«Nunca habría imaginado que mis días de gira se terminarían de esta manera», admitía el cantante antes de dar las gracias a su familia, banda, equipo y amigos, entre los que nombra a Judas Priest, por el apoyo recibido y por «darme la vida que nunca soñé que tendría».
Unknown Mortal Orchestra ha anunciado el lanzamiento de su primer disco en 5 años, desde ‘Sex & Food’ en 2018. El álbum doble ‘V’ estará disponible en todas las plataformas el próximo 17 de marzo. Además, Ruban Nielson ha acompañado la noticia con la salida del cuarto single del LP, ‘Layla’, que sucede a los ya publicados ‘I Killed Captain Cook’, ‘That Life’ y ‘Weekend Run’.
‘V’ es el primer disco doble de UMO y fue concebido a raíz del viaje de Nielson a Hawái para visitar a uno de sus tíos, que empezó a experimentar problemas de salud. Allí, se reunió con su hermano en la boda de su primo y regresaron juntos a Palm Springs, donde fueron completados los 14 temas del largo con la ayuda de su padre, Chris Nielson, y el otro miembro de UMO, el bajista y productor Jake Portrait.
«De repente, estaba pasando más tiempo comprendiendo lo que otros necesitan y el rol que ocupo en mi familia», cuenta Nielson en un comunicado de prensa. «Creía que estaba alejándome de la música para centrarme en la familia, pero las dos acabaron encontrándose», reflexionaba el compositor neozelandés.
«Al igual que en cualquier otro disco de UMO, he querido construir los sólidos jams que os acompañen conduciendo al trabajo, en el tren, durante vuestros experimentos químicos, ataques de pánico, líos, rupturas…», compartía el cantante en redes sociales anunciando la llegada de ‘V’. «Quiero llorar, reír y bailar con vosotros tal y como solíamos hacerlo, porque os echo mucho de menos», concluía Nielson.
Tracklist:
1. The Garden
2. Guilty Pleasures
3. Meshuggah
4. The Widow
5. In The Rear View
6. That Life
7. Layla
8. Shin Ramyun
9. Weekend Run
10. The Beach
11. Nadja
12. Keaukaha
13. I Killed Captain Cook
14. Drag
En bragas, enseñando culamen, y plantada de cuatro patas en la Gran Vía de Madrid, aparece la gigante Paula Cendejas en la portada de ‘FOMO’, su nuevo disco. Visualmente estamos ante un reclamo espectacular: ¿cuántas portadas así de llamativas has visto últimamente? Es verla y correr a escuchar el disco, con ganas de descubrir algo tan grande como lo que promete su cubierta.
Conocimos a Paula Cendejas allá por 2019, cuando empezaron a llegar sus primeros singles producidos por Alizzz. Después, la pandemia le hizo plantearse su carrera. La madrileña tiró para adelante, sacó un single con C. Tangana y lanzó su primer EP, ‘Contragolpe’, en el que se incluían interesantes producciones como las de ‘Sabaneta’ o ‘Nosotras’, entre el R&B alternativo y el urban actual. ODDLIQUOR, entre otros, se pasaban por los créditos.
Otro de esos talentos nacidos en Youtube (su versión de ‘Despacito‘ le abrió las puertas de la industria), Cendejas no ha conseguido aún dar un gran salto comercial. Sus canciones han solido ser correctas, no espectaculares (especialmente bien estaba el bolero con C. Tangana), pero su impacto ha sido bastante limitado. En ‘FOMO’ sucede lo mismo.
Adaptadas a la dulce voz de Cendejas, las canciones de ‘FOMO’ no buscan hacer demasiado ruido (excepto cuando incluyen disparos, como el dembow con Marc Seguí, ‘a tu manera’) y, entre relajaditos y tenues ritmos caribeños, ambientes envolventes y el ocasional efecto robotizado aplicado a la voz de Cendejas, persiguen más bien la sutileza de una Paloma Mami o un Danny Ocean. ‘x ti’ y ‘telenovela’, de los singles, son «earworms» agradables y tranquilos, correctos en lo suyo.
El reggateronero venezolano, por cierto, aparece en uno de los singles más contundentes, ‘cosquillas’, en el que declara que Cendejas es una «fucking diosa», pero es una de las pocas excepciones: el reggaetón de ‘salir’ y el house de ‘ojos coloraos’ también apuntan a la discoteca, sin ser en ningún caso explosivas. Se agradecen en una secuencia que puede pecar de plana, en la que pistas como ‘la decisión’ o ‘suspiro’ pasan más bien desapercibidas.
Así, quizá el mayor triunfo de ‘FOMO’ es que nos expone a una de esas voces bonitas y susurradas que tan bien suelen funcionar en el pop. La minimalista ‘vacío’ y, sobre todo, la atrevida versión de ‘Devórame otra vez‘ de Lalo Rodríguez, completamente transformada en una canción tranquila y serena, nada pasional, pero sí sorprendentemente tierna, apuntan en la buena dirección. Eso sí, como esa portada, nada…
Paula Cendejas actúa esta noche en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen disponibles.
Aunque Benidorm Fest 2023 sirvió en su primera semifinal en cuanto a las puestas en escena de Agoney y Megara, y solo podemos celebrar las clasificaciones para la final de -en este orden- Alice Wonder y Fusa Nucta, este año RTVE está afrontando, al menos por el momento, números decepcionantes. La audiencia no acompañó, ni votó, ni tampoco las canciones van a entrar en listas.
Este martes sólo 1 millón de espectadores vieron la semifinal, que terminaba de madrugada, pasada la medianoche. RTVE claramente buscaba un buen dato de share, pero tuvo que conformarse con el 10% de cuota pese a este rocambolesco horario para un martes. No lideró su franja horaria y se perdieron casi 2 puntos respecto al año pasado por el camino, así como medio millón de televidentes. En 2022, una media de 1,5 millones de espectadores vio esta primera semifinal.
Hay otro dato más preocupante aún, y es que tan solo se recibieron 10.000 votos de toda España sumando sms y llamadas, lo cual es bastante menos de lo que cabe en un Palau Sant Jordi. Twin Melody presumen de 20 millones de followers en redes sociales, con TikTok a la cabeza; pero es que Agoney tiene 250.000 solo en Instagram. Alice Wonder rebasa los 100.000 y hace nada convocó a 2.000 personas en La Riviera. Pero nada. La audiencia decidió no votar y RTVE ya ha comunicado que prepara una APP gratuita para hacerlo… de cara al año que viene.
En 2022, en plena polémica Tanxugueira, más de 40.000 personas votaron en su semifinal. Es verdad que en la otra solo votaron 17.000, pero aun así se habría quedado casi la mitad por el camino. Al menos sabemos que este año nuestro voto contará más.
Las cifras están en sintonía con lo que nos dice Spotify, donde estas canciones han entusiasmado muy poco. Ni una sola de las pistas presentadas frente a 1 millón de espectadores se asoma por el top 200 de Spotify España de este miércoles. En su momento -a su lanzamiento- sí lo logró ‘Mi familia’ de Fusa Nocta, pero tal hype ha ido en declive en lugar de al revés. Las cifras de Rigoberta Bandini, pero también las de Tanxugueiras -sin haber ganado- serían un sueño para cualquiera de los participantes.
Algo de esperanza ofrece Youtube, donde RTVE está siendo rauda y veloz compartiendo todo. Agoney aparece en el #3 de Tendencias Música, sumando 400.000 visualizaciones en día y medio, tan solo por detrás de lo de Shakira y Bizarrap, y de lo nuevo de Rosalía. Fusa Nocta tiene la 2ª actuación más vista, algo lejos, con 175.000.
A falta de que hoy la favorita Vicco finalmente despunte, Alfred mueva a sus bases, Siderland al público catalán, Rakky Ripper a la gente joven, Karmento al público manchego… o haya alguna sorpresa de algún tipo; parece que RTVE se enfrenta a números mediocres. La falta de caras conocidas, la limpieza de posibles mensajes políticos o ambiguos y también -lo siento- la ausencia de canciones tan absolutamente icónicas como ‘Ay mamá’ parecen estar haciendo de esta 2ª edición, una de transición. Ojalá esté equivocado. Escucharemos vuestras voces en nuestro PODCAST con público en vivo, sobre Benidorm Fest, este domingo 5 de febrero en Moby Dick, a partir de las 12.00 horas.
Aunque Rosalía no ha anunciado formalmente nuevo management, fuentes a La Otra Crónica (El Mundo) informan que este estaría formado por su madre, Pilar Tobella, administradora de la empresa ‘Motomami’, que controla las finanzas de Rosalía; y por su hermana Pilar ‘Pili’ Vila, quien, además, ha solido ejercer de estilista de la cantante durante su carrera.
Cuando Rosalía firmó con León en 2017, después que la empresaria nacida en Miami conociera a la cantante en Madrid, Vila Tobella todavía no había concluido la gira de ‘Los Ángeles’ y se encontraba preparando su segundo disco, ‘El mal querer‘. Juanes, entonces cliente de León, le recomendó fichar a Rosalía. En septiembre de aquel año se anunció que Rosalía estaba nominada a su primer Grammy latino, y en noviembre estaba actuando en la ceremonia previa a la gala, celebrada en Las Vegas.
Como se suele decir, el resto es historia. Y es que la labor de León ha sido vital en la internacionalización de la carrera de Rosalía: solo hace falta recordar que muchos meses antes de que viera la luz ‘El mal querer’, en abril de 2018, la catalana ya se había reunido en el estudio con Pharrell Williams. Publicado su segundo disco, la cantante pasaría a ganar multitud de premios, a actuar por todo el mundo y a colaborar con artistas como J Balvin (también manejado por León), The Weeknd, Bad Bunny, Travis Scott o Billie Eilish.
En la otra cara de la moneda, aunque Rosalía ha alcanzado gran repercusión en países latinos y en otros territorios europeos como Francia, el mercado anglosajón se le ha seguido resistiendo, y ‘MOTOMAMI‘ pasaba más bien desapercibido por las listas oficiales de Estados Unidos y Reino Unido.
Qué depara a Rosalía en el futuro ahora es un misterio: de momento la catalana tiene nuevo single en el mercado, ‘LLYLM‘, está a punto de anunciar un acuerdo con una conocida marca de refrescos, y acaba de actuar en un evento de Louis Vuitton.
Cuando se revelaron los artistas participantes de Benidorm Fest se echaron de menos más propuestas dedicadas a modernizar el folclore patrio. Por algo soñábamos con llevar a Rodrigo Cuevas o a Maria Arnal a Eurovisión. Por este motivo, una propuesta como la de Karmento se desmarca necesariamente de todas las de la edición, y en la segunda semifinal de esta noche puede dar una sorpresa gracias a la puesta en escena trabajada con Javier Pageo, que ejerció de director artístico de Rayden el año pasado. Mientras, ‘Quiero y duelo’ se diferencia por su componente rabiosamente tradicional, a lo Tanxugueiras.
Pero Karmento no es cantareira y, por una vez, tampoco hace flamenco (de la misma manera que ‘Flamenco’ de Aritz no era flamenco), sino que canta seguidillas manchegas tan brillantes como ‘La manchega en la azotea’ o tan atemporales como ‘Danzar sobre la tierra’. Su reivindicación del campo, de la belleza de lo rural, está muy presente en su disco ‘Este devenir‘, y ‘Quiero y duelo’ parte del sonido de ese trabajo para adoptar forma de himno popular.
Cuando unos «lololos» están bien integrados en una canción, sin sonar desesperados, sabes que se ha hecho algo bien. Es el caso de ‘Quiero y duelo’, que, con una enriquecida instrumentación de guitarras y percusiones tocadas con panderetas y castañuelas, nos cuenta una historia de liberación, en la que Carmen Toledo se va de casa y sigue la llamada del viento, sin intención de mirar atrás. En la poética letra, Karmento apela a la compañía y apoyo de sus padres, al destino y también a la seguridad de ese hogar que siempre nos cobijará cuando las cosas no vayan bien, cuando el «velero» ande perdido en medio del mar:
«Su madre lo vio muy claro y le dio unas alas, le dio unas alas.
Y su padre entre los miedos la acompañaba, la acompañaba.
Si tienes que buscar, anda y busca, siempre aquí tendrás tu casa.
Y el destino la enfrentaba a una jugada, que no pudo rechazar».
‘Quiero y duelo’ se eleva de varias maneras, a través de su eufórica melodía, que se crece hasta llegar a un final épico, donde se cruzan varias melodías vocales; y también a través de la propia voz de Toledo, tan bonita y sabia como requiere la letra. Su voz está llena de esa dignidad rural, pero también moderna, que enarbola en sus canciones.
En palabras de Karmento, ‘Quiero y duelo’ habla sobre «la búsqueda del camino y la vocación y todas las dificultades que te encuentras por el camino». Y añade: «Esta idea del querer y doler por hacer algo, a lo que te aferras, lo que te motiva cuando estás en los peores momentos».
Tempers es el dúo de dark-wave formado por Jasmine Golestaneh y Eddie Cooper, dos artistas neoyorquinos que llevan varios álbumes publicados a sus espaldas. El último, ‘New Meaning’, producido por ellos mismos, salió hace pocos meses y el dúo lo estará presentando en Barcelona el próximo 11 de febrero. La cita es en la sala Razzmatazz y las entradas siguen disponibles.
Entre los temas más populares de Tempers se encuentra el desesperado ‘Capital Pains’, que suma cerca de 6 millones de streamings, el guitarrero ‘Hell Hotline’, que recuerda a los Depeche Mode más opresivos; y ‘Strange Harvest’, de gélidos sintetizadores en la línea de ese cold wave ochentero que tanto nutre su música. No hay más más escuchar o incluso leer los títulos de dos de las mejores canciones incluidas en su último disco, ‘Unfamiliar’ y ‘Sleepwalking’, para saber por dónde van los tiros.
El grupo se dio a conocer en 2015, año en que se editó su debut largo ‘Services’, y ha paseado su repertorio por lugares como Berghain o el festival Test Pressing de Tottenham. Después su catálogo ha conocido obras tan interesantes como ‘Junkspace’, creada junto al arquitecto holandés Rem Koolhaas e inspirada en la cultura de los grandes almacenes. Cortes como ‘Escalator’ o ‘Fake Palm Tree’ adoptan ya formas más tecno, sin abandonar la frialdad habitual.
Fascinados por las atmósferas oscuras del post-punk, Tempers publicaron en 2019 su disco más popular, ‘Private Life’, que incluye el citado single ‘Capital Pains’ y otros cortes destacados como ‘Daydreams’, ‘Guidance’, o uno con un nombre tan peculiar como ‘Leonard Cohen Afterworld’, sin olvidar baladas tan lynchianas como ‘Peace of Mind’.
Acorde al sonido de Tempers, las introspectivas letras del grupo están plagadas de ángeles, sombras y de personajes que se sienten perdidos y buscan el significado del mundo moderno. Precisamente de eso habla ahora ‘New Meaning’, un disco en el que Tempers se zambullen en lo «desconocido» y capturan la magia de una belleza oculta.
Con solamente tres entregas, ‘The Last Of Us’, la nueva serie de HBO basada en el videojuego del mismo nombre, ya ha conseguido devolver a la vida dos temas nostálgicos. El primero fue ‘Never Let Me Down Again’ de Depeche Mode, que sonaba en el primer capítulo. Ahora, después de que la bella historia de Frank y Bill conquistara corazones en todo el mundo tras la emisión del tercer capítulo, le ha llegado el turno a Linda Ronstadt y a su canción ‘Long Long Time’, lanzada en 1970.
Los streams de ‘Long Long Time’, que además da nombre al episodio, experimentaron un crecimiento del 4.900% en Spotify durante la noche del domingo solamente en Estados Unidos, según ha informado la empresa sueca en Twitter: «Ah, así que a todos se nos rompió el corazón anoche…», bromeaba la compañía. La canción ya se ha empezado a extender en Tik Tok y hasta la propia cantante compartía en sus redes una actuación en directo del tema, aprovechando su aparición en la serie.
‘Long Long Time’ suena al menos tres veces en el episodio. Primero es interpretada, a duras penas, por el actor Murray Bartlett (‘The White Lotus’), que hace de Frank. Después, es el actor Nick Offerman (‘Parks and Recreation’), Bill en la serie, quien tras realizar su propia versión del tema de Ronstadt consigue un beso de Frank. El capítulo cuenta el romance de estos personajes a lo largo de 20 años en el apocalíptico y salvaje mundo de ‘The Last Of Us’ y termina con la canción original reproduciéndose en una cinta de casete.
«Sabía que la canción necesitaba tocar ciertas cuestiones sobre el anhelo, el dolor y el amor infinitamente no correspondido», contó el co-creador de la serie, Craig Mazin, a Variety. ‘Long Long Time’ alcanzó el puesto 25 de Billboard en 1970, manteniéndose en el ranking durante 12 semanas, siendo el primer sencillo de Ronstadt en aparecer en la lista.
El fenómeno de las series devolviendo la vida a canciones del pasado no es nuevo. Ya ocurría con ‘Running Up That Hill’ de Kate Bush, viralizada por su papel clave en ‘Stranger Things’, y ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga, al ser asociada con la serie ‘Wednesday’, aunque en realidad no fuese la canción que sonaba en la escena en cuestión.
Con una peluca roja llegó la nueva era de Ava Max… hace casi un año, cuando escuchamos ‘Maybe You’re the Problem‘ por primera vez. Entonces su sonido inspirado en ‘Blinding Lights’, y también muy claramente en ‘Physical’ de Dua Lipa (qué irónico decir esto, con lo nostálgicas que son las dos canciones) no llamaba especialmente la atención. Con perspectiva es posible afirmar que «Problem» no ha igualado la repercusión de ‘Sweet but Pyscho’ o ‘Kings & Queens’, aunque sus streamings sigan siendo millonarios.
Así que igual el «problema» sí era Ava Max, porque resulta que la cantante estadounidense tenía mejores singles guardados bajo el brazo. Uno de ellos es el torbellino pop de ‘Million Dollar Baby’, que recicla triunfalmente el estribillo de ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes. Después, ‘Dancing’s Done‘ es otro homenaje bailongo a los 80 que nos regala un estribillo a prueba de balas.
Estos dos cortes enmarcan ‘Diamonds & Dancefloors’, el nuevo disco de Ava Max, y reflejan lo que el disco ofrece: mensajes de empoderamiento, melodías pop poderosas y producciones bailables que van directas a la yugular y a entretener. Ava, férrea defensora del cliché pop, sigue fusilando melodías y ritmos ya escuchados en el eurodance, el electropop y otros géneros poperos, pero también se preocupa por ofrecer un conjunto de singles potenciales entre los cuales es difícil escoger un favorito.
De fondo (vagamente) conceptual, ‘Diamonds & Dancefloors’ habla de la ruptura de Ava con la que fue su pareja durante varios años. En la era ‘Flowers’, en la era «Shaki y Biza», Ava también tiene lo suyo, aunque su enfoque es menos personal, más genérico y universal. ‘One of Us’, otro de los singles, de sonido igualmente parecido a ‘Physical’, es dramático a más no poder (Ava dice que no sabe cómo la cantará en directo sin ponerse a llorar), ‘Hold Up (Wait a Minute)’ cuenta una infidelidad sin dejar de ofrecer uno de los estribillos más graciosos del disco, y ‘Ghost’ alterna las esperadas referencias fantasmales con un ritmo de piano house que no por trillado deja de ser efectivo.
Hay un momento en la escucha de ‘Diamonds & Dancefloors’ en que te das cuenta que el disco contiene cero baladas o medios tiempos. Son pocos los momentos en que las bases buscan diferenciarse del resto: sucede, por ejemplo, en ‘In the Dark’, de ritmos UK garage. El álbum es una fábrica de hits, solo que la producción de Cirkut (de nuevo el principal productor) y compañía busca la cohesión absoluta.
A veces el disco se resiente por ello. Se echa de menos alguna sorpresa como las que contenía el debut: ‘Naked’, ‘Tattoo’ o ‘Born to the Night’ inyectaban diferentes matices al conjunto. La estrategia de ‘Diamonds & Dancefloors’, sin embargo, es elevar a Ava Max al cuadrado: así, el estribillo heroico de ‘Weapons’ suena ya a cliché del cliché, ‘Turn off the Lights’ no termina de trascender su parecido al trabajo de September y, en general, la producción del álbum cae en la linealidad, en una homogeneidad que puede llegar a difuminar unas canciones con otras.
Hay algún eco electro en ‘Last Night on Earth’ y el solo de guitarra de ‘Sleepwalker’ suena tan anacrónico como probablemente esperaban sus autores, pero el propósito de ‘Diamonds & Dancefloors’ es claramente continuista respecto al debut y al estilo de Ava. Poco que objetar cuando la ristra de posibles hits es tan larga. Además, los segundos discos suelen ser continuistas. Es en el tercero cuando toca arriesgar, como saben desde Radiohead hasta Britney Spears. De momento, toca bailar «hasta que la fiesta termine».
Renovamos nuestra playlist de pop nacional o en castellano Sesión de Control con una docena de propuestas. Comenzamos con los nuevos adelantos de los próximos discos de Carlangas, ex Novedades Carminha, bajo la producción de Bronquio (el tema se llama ‘Paseítos por Madrid’); y también del nuevo álbum de Marta Movidas.
Seguimos con lo nuevo de Brigitte Laverne, que ha publicado esta semana una canción inédita, ‘Lo siento’. Se trata de un nuevo adelanto de su próximo EP, influido por los ritmos ochenteros y nuevos talentos como rusowsky o María Escarmiento. También electrónica, aunque más concentrado en los años 90, es ‘SHAMPOO’ de SIMONA, sin duda una de las mejores canciones de la artista hasta la fecha.
Han publicado ya su disco Los Mejillones Tigre; el cantautor anglo-catalán Hernio -entre Damien Rice y Ed Sheeran-, del que seleccionamos un dúo con la voz femenina de Eliot Alma, curtida en la LIPA; y Ciutat. Estos han colaborado en ‘Brandon’ con Chico Blanco, pero su álbum coquetea con el flamenco también, resultando bastante inclasificable. Seleccionamos la penúltima canción, ‘El house de la ciutat’.
Y seguimos en Cataluña para presentaros a JOVEN GREKO, que desde Cornellá nos presenta ‘La pausa’, el segundo adelanto de su nueva mixtape, que saldrá en primavera. Un tema fresco influido por el R&B y el trap americanos.
Volviendo a nuestras raíces más bien, ‘Me va quemando’ es el tercer adelanto de ‘Duelo de ronda’, el próximo disco de Vermú. El madrileño AKA Matador adelanta un EP que saldrá en PIAS esta primavera. El pepinazo rock nos lo dan Diamante Negro y Alavedra mientras que la rareza nos la aporta la artista Bewis de la Rosa, cuyo estilo se define como «rap rural».
Completamos con Vecinos, el adelanto del próximo álbum de Niños Luchando, el hyperpop de Slappy Av con Suakal, la colaboración de Liz Forte para Ambi con mauvetrip, y lo nuevo de tommy 3 balas.
Beyoncé ha desvelado las fechas de su esperada gira mundial, el Renaissance World Tour, que arrancará el 10 de mayo en Estocolmo (nótese que las fechas esquivan de pleno todas las de Eurovisión) y concluirá el 27 de septiembre en Nueva Orleans. Hay una única fecha en España que traerá a Beyoncé el 8 de junio al Estadi Olímpic de Barcelona. Las entradas se pondrán a la venta próximamente. Así quedan las fechas en Reino Unido y Europa, extraídas de la página web oficial de la artista:
EUROPA
10 de mayo de 2023 – Estocolmo, SE – Friends Arena
14 de mayo de 2023 – Bruselas, BE – King Baudouin Stadium
17 de mayo de 2023 – Cardiff, UK – Cardiff Principality Stadium
20 de mayo de 2023 – Edimburgo, UK – BT Murray Field Stadium
23 de mayo de 2023 – Sunderland, UK – Stadium of Light
26 de mayo de 2023 – París, FR – Stade de France
29 de mayo de 2023 – Londres, UK – Tottenham Hotspur Stadium
30 de mayo de 2023 – Londres, UK – Tottenham Hotspur Stadium
8 de junio de 2023 – Barcelona, ES – Estadi Olímpic Lluís Companys
11 de junio de 2023 – Marsella, FR – Orange Velodrome
15 de junio de 2023 – Colonia, DE – Rhein Energie Stadion
17 de junio de 2023 – Ámsterdam, NL – Johan Crujff Arena
21 de junio de 2023 – Hamburgo, DE – Volksparkstadion
24 de junio de 2023 – Frankfurt, DE – Deutsche Bank Park
27 de junio de 2023 – Varsovia, PL – PGE Narodowy
NORTEAMÉRICA
8 de julio de 2023 – Toronto, ON – Rogers Centre
12 de julio de 2023 – Filadelfia, PA – Lincoln Financial Field
15 de julio de 2023 – Nashville, TN – Nissan Stadium
17 de julio de 2023 – Louisville, KY – L&N Federal Credit Union Stadium
20 de julio de 2023 – Minneapolis, MN – Huntington Bank Stadium
22 de julio de 2023 – Chicago, IL – Soldier Field Stadium
26 de julio de 2023 – Detroit, MI – Ford Field
29 de julio de 2023 – East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
1 de agosto de 2023 – Boston, MA – Gillette Stadium
3 de agosto de 2023 – Pittsburgh, PA – Acrisure Stadium
5 de agosto de 2023 – Washington, DC – FeEx Field
9 de agosto de 2023 – Charlotte, SC – Bank of America Stadium
11 de agosto de 2023 – Atlanta, GA – Mercedes-Benz Stadium
16 de agosto de 2023 – Tampa, FL – Raymond James Stadium
18 de agosto de 2023 – Miami, FL – Hard Rock Stadium
21 de agosto de 2023 – St. Louis, MO – Dome at America’s Center
24 de agosto de 2023 – Phoenix, AZ – State Farm Stadium
26 de agosto de 2023 – Las Vegas, NV – Allegiant Stadium
30 de agosto de 2023 – San Francisco, CA – Levi’s Stadium
2 de septiembre de 2023 – Inglewood, CA – SoFi Stadium
11 de septiembre de 2023 – Vancouver, BC – BC Place
13 de septiembre de 2023 – Seattle, WA – Lumen Field
18 de septiembre de 2023 – Kansas City, MO – GEHA Field At Arrowhead Stadium
21 de septiembre de 2023 – Dallas, TX – AT&T Stadium
23 de septiembre de 2023 – Houston, TX – NRG Stadium
27 de septiembre de 2023 – Nueva Orleans, LA – Caesars Superdome
Por supuesto, Beyoncé presentará su último disco ‘RENAISSANCE’, centrado en la música de baile, y que ha producido dos hits del tamaño de ‘CUFF IT’ y la Canción del Año 2022 para JENESAISPOP, ‘BREAK MY SOUL’. ‘RENAISSANCE’ además era top 2 en Álbumes del Año.
Estos días, Beyoncé ha sido noticia por dar su primer concierto en años: ha sido durante la inauguración de un hotel de lujo en Dubái, en los Emiratos Árabes. Knowles cantó allí un repertorio de temas previos a su último trabajo.
Podcast: Beyoncé como icono feminista y antirracista
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