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Pedro Sánchez se pierde la gran noche de Viva Suecia en Low Festival

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Rafa Galán

Low Festival venía anunciando en las redes sociales que había agotado abonos, abonos VIP y abonos VIP Pool. Tan sólo quedaban ayer 100 entradas de día, así que imaginad el baño de masas que se pegaron Viva Suecia en la primera jornada. Benidorm acogía a unas 25.000 personas dispuestas a celebrar el que fue uno de los grandes éxitos comerciales de 2022, ‘El amor de la clase que sea‘, pues este y no otro internacional, es el álbum que continúa en la lista de ventas, casi un año después.

Así que fueron lógicamente ellos y no Interpol o The Vaccines -da igual el caché- quienes congregaron a más público en el escenario principal del Low, a eso de las 21.20 horas. De este modo, Pedro Sánchez no solo perdía anoche un escaño -en Madrid, dónde si no-, sino también la ocasión de ver a Viva Suecia arrasar en una noche histórica, ofreciendo el mejor concierto que les hemos visto de momento. Y la mención tiene sentido, por varias razones.

En una semana de resaca electoral, y no habiendo superado todavía el shock que ha supuesto ver al todavía presidente del gobierno dar una entrevista de campaña en la que ponía en valor la cultura pop junto a La Pija y La Quinqui, la organización de Low Festival probó suerte, invitando a Sánchez al festival, a sabiendas de que es seguidor de Interpol. Y él respondió en Twitter que no podía acudir ni con Falcon ni sin Falcon, pero puntualizando que él, a quien quería ver en verdad, era a Viva Suecia y a Depresión sonora. Como todo el mundo.

Viva Suecia, autores de un pequeño hit llamado ‘La voz del presidente’, decidían subirse al carro, invitando al mismo Sánchez a su concierto del WiZink del año que viene. Este concierto frente a un montón de personas enloquecidas seguro que les ha servido de calentamiento. No hay nada más bonito en un festival que ver a las masas corriendo porque se están perdiendo tu hit, y esto pasó ayer repetidas veces durante el concierto de los murcianos.

Hay muchas razones por las que Viva Suecia ofrecen el mejor concierto de la noche. Las casualidades no existen. Está la claridad con que sonaron letras, teclados y coros, ya desde las dos primeras canciones, ‘No hemos aprendido nada’ y ‘Los años’. Rafa Val, que como Sánchez tiene que camuflar de alguna manera la arrogancia que se presupone a alguien que mide más de 1,90, anima al público, casi siempre toca la guitarra, en ‘Hemos ganado tiempo’ baja al foso. Y nunca pierde su voz de fucker. Los hits se suceden sin descanso desde la era Subterfuge a la multinacional, y ya viejos temas como ‘Algunos tenemos fe’ no son los más coreados, en favor de los últimos.

En algunos cortes aparece un saxo, también reluciente y nítido. ‘El amor de la clase que sea’ pasa de sonar stoner a parecer un hit de música disco. En cierto momento, en un alarde de «aquí funciona todo», el saxofonista se pone a tararear hits, incluido ‘Seven Nation Army’. Una maniobra arriesgada ahora mismo, pero que tampoco les sale mal. Arde Bogotá aparecen en el escenario para tocar ‘El bien’, siguiendo una invitación que se había dejado caer por las redes sociales. Pero ni siquiera esta colaboración es lo mejor. El concierto termina con el tema que dice «Todo lo que importa está en el aire»… y todo lo que vemos en el aire es confeti. ¿Hace falta decir algo más? Sí: después, osan pinchar OBK. Parecía que iba a ser un día horrible para Viva Suecia. Se les había reventado una rueda y casi no llegan ni a la prueba de sonido, et al. Pues al final, todo lo contrario.

Después de este festín, no encuentro nada demasiado relevante que destacar en el concierto de Interpol, los supuestos cabezas de cartel. El grupo aglutinó a menos gente, confirmando el fenómeno de que la pandemia mató la influencia de muchos artistas anglosajones, y lo que es peor, sonó apagado y sin gas, casi a juego con sus proyecciones en blanco y negro. Incluso a hits como ‘Slow Hands’ parecía pesarles el culo en cuanto a sección rítmica.

Ya de madrugada, la diversión en The Vaccines, como siempre, era directamente proporcional a tu estado etílico. Su debut está tan infravalorado como alargada es su sombra, por lo que el show funcionaba sobre todo cuando sonaban ‘Ra Ra Ra’, la preciosa ‘Wetsuit’ o ‘Post-Break Up Sex’ para sorpresa de nadie. Justin Hayward-Young, con camisa blanca y pantalón negro, elegante y delgadísimo, fue un buen frontman, con el punto justo entre carisma y desgana británica. Les abandoné por ver un trozo de Depresión Sonora, pero lo cierto es que me costó irme de allí. Era fácil disfrutarles en las primeras filas.

A medio camino entre Joy Division y los Smiths, la banda de Depresión sonora presentaba canciones de aspecto deprimente, pero con cierta voluntad saltarina, como ‘Este año ya no hay verano’ o ‘Apocalipsis virtual’, en la cual Marcos Crespo pidió a la gente que dejara los móviles de lado de una vez. «No quiero móviles en esta canción», indicaba, mientras el mundo pensaba «buena suerte». También a los años 80 más underground había recordado a primera hora de la tarde Confeti de Odio. Un buen concierto de pop-rock marcado por su simpatía (ese «hoy estoy tímido» parecía irónico), y por las deliciosas contradicciones. «‘Dale una oportunidad al amor’ es algo que nunca deberíais hacer» fue una de las presentaciones, y también excusó «perdón y gracias» tras interpretar una balada, su favorita ‘Ángel triste’. Tocó una versión de Bowie de ‘Heroes’ por la vía de Parálisis Permanente porque se han cumplido 40 años de la muerte de Eduardo Benavente, y el concierto se cerró con ‘Estrella’ y ‘Un día horrible’.

Casi a la vez Natalia Lacunza actuaba en un escenario mucho más grande, al menos en su segunda mitad apostando todo a su registro más bailable, rugiente y festivalero. Ritmos de drum&bass, temas como ‘No me querías tanto’ o la colaboración con María Escarmiento aparecieron en esa última parte de su set, mientras ella se deshacía en agradecimientos.

Rafa Galán

Entre las curiosidades de la noche, tres. Ralphie Choo es uno de los nombres más importantes del panorama nacional, en su fusión de géneros, muy, muy loca, en temas que tienden a los 2 minutos de duración. No faltó la ‘Máquina culona’ que presenta su álbum (es una colaboración con Mura Masa), también estuvo por allí Barry B, y luego rusowsky en temas tan imprescindibles como ‘Dolores’ y ‘Gato’. Pero fue el propio Ralphie Choo quien acaparaba todo el foco. Estaba sonriente y exultante, es como si supiera que está viviendo claramente su momento. Y eso se termina contagiando al público.

GusGus eran el gran reclamo para el melómano más enteradillo y el dúo cumplió con un show, como siempre, gélido y a la vez reconfortante. Birgir Þórarinsson se encargó de las bases, mientras Daníel Ágúst Haraldsson se pasó la noche explorando las posibilidades de un foulard frente a un ventilador de aire. Entre pistas instrumentales de delicioso techno melódico, atendimos a temas como ‘Over’ o ‘Deep Inside’. Una música como de otro planeta y desde luego de otro contexto, que habría funcionado mejor a las 3 de la mañana que haciendo un sándwich entre Viva Suecia e Interpol, antes de la medianoche.

Pero lo que la organización tenía reservado para las 3 de la mañana era un «Secret Show». Se trataba de un concierto tributo a Daft Punk, realizado por Robot Rock Alive, recreando su mítico concierto de estructura piradimal y grandes hits del dúo francés, que dejó al público de lo más descolocado durante unos instantes. A falta de averiguar qué opinan los ya separados Daft Punk de todo esto, fue totalmente hilarante comprobar cómo 1) un 15% del público se pensaba que estaba viendo a los verdaderos Daft Punk 2) un 35% comentaba indignado qué será lo siguiente 3) otro 35% lo daba todo cuando sonaban ‘Around the World’ o ‘One More Time’ y 4) un 15% no tenía ni idea de lo que es la pirámide de Daft Punk, de todos modos. Hay que dar gracias a la organización, en cualquier caso, por que sonara en algún momento, por algún lado, algo que no fuera ‘El fin del mundo’.

‘LALA’ es la oda al sexo oral de Myke Towers

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La primera vez que escuchas ‘LALA’ te hace gracia la melodía desenfadada, el reggaetón ligero pero contundente y los «la la». Pero la tercera vez te paras a escuchar la letra. Y quizá dudes de lo que está hablando Myke Towers en esta canción que ha coronado todas las listas de éxitos en España. Bueno, pues, por si dudas: sí, habla de sexo oral vaginal. El «la la la la» es, literalmente, el gesto de la lengua moviéndose en tan intensa tarea. Es nuestra Canción del Día.

Aunque no debería, sorprende que pudiendo hablar del sexo oral masculino, Myke Towers se decante por hablar de «dar», más que de «recibir». Quizá es porque eso está muy trillado en el reggaetón. Pero es más seguro que lo haga porque así puede ponerse medallitas en materia de placer vaginal: «Está llamando mi atención porque quiere que le haga / La-la-la-la-la-la», canta en el estribillo. El primer verso pone la temática de ‘Lala’ ya sobre la mesa:

«Me enamoré cuando con ella bailé
Desde hace rato se quería pegar
Puso la espalda contra la pared
Y si yo bajo sabe qué le haré
»

Sea por la razón que sea, está claro que es importante para Towers. Y es innegable que ha conseguido, con un tema que podría haber sido un perreo simple, hacer una canción sexual con un ritmo que se incrusta en el cerebro a más no poder. Si vamos a escuchar guarradas, que al menos representen a más gente que a los hombres heteros de turno.

Lo de que, en el videoclip protagonizado por la actriz española María Pedraza, haga el gesto de ‘LALA’, es otra cosa que se queda incrustada en el cerebro, y no para bien.

Jonas Brothers harán una única parada en España, en Barcelona

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Jonas Brothers anuncian nuevas fechas de su gira mundial ‘FIVE ALBUMS. ONE NIGHT’, y solo harán una parada en España. La ciudad elegida ha sido Barcelona, donde el grupo tocará el 25 de mayo en el Palau Sant Jordi. Y las entradas salen a la venta el próximo viernes 4 de agosto a las 10h en livenation.es y ticketmaster.es. Además, todas las personas registradas o que se registren en livenation.es en los próximos días podrán acceder a la preventa el jueves 3 de agosto a las 10h.

Durante la gira, que arranca con las entradas agotadas para las dos noches en el Yankee Stadium de Nueva York, la banda interpretará cinco discos cada noche en 86 ciudades de todo el mundo. Y, entre otros trabajos, los tres hermanos presentarán el álbum que estrenaban hace unos meses: ‘The Album’, valga la redundancia. El disco fue producido por Jon Bellion y cuenta con los singles ‘Waffle House’ y ‘Wings’. Así, esta es la gira más extensa que la banda ha hecho.

Las fechas europeas aquí:
18 mayo 2024 – Oslo, Noruega – Spektrum
20 mayo 2024 – Copenague, Dinamarca – Royal Arena
21 mayo 2024 – Hamburgo, Alemania – Barclays Arena
22 mayo 2024 – Colonia, Alemania – Lanxess Arena
25 mayo 2024 – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
27 mayo 2024 – Lyon, Francia – LDLC Arena
28 mayo 2024 – Milán, Italia – Mediolanum Forum
30 mayo 2024 – Cracovia, Polonia – TAURON Arena
1 junio 2024 – Viena, Austria – Stadthalle
2 junio 2024 – Praga, República Checa – O2 arena
3 junio 2024 – Múnich, Alemania – Olympiahalle
4 junio 2024 – Zurich, Suiza – Hallenstadion
7 junio 2024 – París, Francia – Accor Arena
8 junio 2024 – Amberes, Bélgica – Sportpaleis
10 junio 2024 – Ámsterdam, Países Bajos – Ziggo Dome
12 junio 2024 – Londres, Reino Unido – The O2
15 junio 2024 – Birmingham, Reino Unido – Utilita Arena
16 junio 2024 – Glasgow, Reino Unido – OVO Hydro
17 junio 2024 – Manchester, Reino Unido – Co-op Live
19 junio 2024 – Dublín, Irlanda – 3Arena
20 junio – Belfast, Irlanda del Norte – SSE Arena

Beyoncé, SZA y The Weeknd, en el nuevo álbum de Travis Scott

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Travis Scott ha estrenado su nuevo álbum, ‘UTOPIA’ después de que lo anunciase hace dos años. Y entre las colaboraciones, que hasta ahora habían sido secretas, hay nombres como los de Beyoncé, SZA, The Weeknd, Bad Bunny, James Blake, Kanye West, 21 Savage o Bon Iver. El trabajo no es precisamente corto, son 19 temas: en total 1 hora y 13 minutos. Exige una escucha pausada en la que el rap, el hip-hop y el trap son absolutos protagonistas.

‘UTOPIA’ sale 5 años después de ‘Astroworld’ y lo ha hecho de la mano de una película que se estrenaba ayer en Estados Unidos: ‘CIRCUS MAXIMUS’. En este afán por recorrer el mundo y mostrarlo, Travis Scott tenía planeado presentar este proyecto en las pirámides de Giza, en Egipto. Pese a que se ha encontrado con bastantes impedimentos por parte del gobierno egipcio (acusaciones de masón y satánico), Live Nation aseguró que la presentación seguía en pie.

Pero parece que no será hoy, como estaba planeado. Travis Scott escribía en Twitter: «Egipto y las pirámides ocurrirá. Pero debido a la demanda y logística, necesitan un poco más de tiempo para poner tierra. Os mantendré informados de la fecha, que será pronto. Os quiero a todos». Aun así, el estreno de ‘UTOPIA’ ya es algo de lo que se está hablando como uno de los discos del año. A pesar de que en Spotify las canciones aparecen sin featurings, sí que los hay. Y son increíbles. El tracklist, según NME.

1. ‘HYAENA’ – produced by Travis Scott
2. ‘THANK GOD’ (Feat. Swae Lee) – produced by Travis Scott, Kanye West, Allen Ritter, BoogzDaBeast, WondaGurl and FNZ
3. ‘MODERN JAM’ (Feat. Teezo Touchdown) – produced by Travis Scott and Guy-Manuel de Homem-Christo
4. ‘MY EYES’ (Feat. Bon Iver & Sampha) – produced by Travis Scott, Justin Vernon, Wheezy, WondaGurl, Vegyn and Buddy Ross
5. ‘GOD’S COUNTRY’ – produced by 30 Roc and Dez Wright
6. ‘SIRENS’ (Feat. Swae Lee) – produced by Justice & KrishnaMusic
7. MELTDOWN (Feat. Drake) – produced by Coleman, BNYX, Boi-1da, Vinylz and Tay Keith
8. ‘FE!N’ (Feat. Playboi Carti & Sheck Wes) – produced by Travis Scott
9. ‘DELRESTO’ (ECHOES) (Feat. Beyoncé) – produced by Hit-Boy and umru
10. ‘I KNOW?’ – produced by Coleman and OZ
11. ‘TOPIA TWINS’ (Feat. 21 Savage & Rob49) – produced by Travis Scott, Wheezy and Cadenza
12. ‘CIRCUS MAXIMUS’ (Feat. The Weeknd) – produced by Travis Scott and Noah Goldstein
13. ‘PARASAIL’ – produced by Travis Scott, Jahaan Sweet, Buddy Ross and Vegyn
14. ‘SKITZO’ (Feat. Young Thug) – produced by Boi-1da, Jahaan Sweet, Nik Dean and Coleman
15. ‘LOST FOREVER’ (Feat. Westside Gunn & James Blake) – produced by Travis Scott, Dom Maker, James Blake and The Alchemist
16. ‘LOOOVE’ – produced by Travis Scott
17. ‘K-POP’ (Feat. The Weeknd & Bad Bunny) – produced by BNYX®, Boi-1da, Illangelo, Jahaan Sweet and DVLP
18. ‘TELEKENESIS’ (Feat. Future & SZA) – produced by Travis Scott and BoogzDaBeast
19. ‘TIL FURTHER NOTICE’ (Feat. 21 Savage and James Blake) – produced by Metro Boomin

NewJeans / GET UP EP

NewJeans se ha convertido en una de las mayores sensaciones del pop del año casi de la noche a la mañana. Otro de esos productos de k-pop creados desde una agencia, en este caso ADOR, subsidiaria de HYBE Corporation, NewJeans ha sabido desmarcarse de la tónica del pop coreano general ofreciendo un sonido particularmente sofisticado, tanto en sus momentos R&B (‘Cookie’) como en los bailables (‘Ditto’), inspirado en los 90.

OMG’, adictivo hasta decir basta, otro de los éxitos recientes de NewJeans, ha demostrado que el quinteto formado por Minji, Hanni, Danielle, Haerin y Hyein no está dispuesto a sacar cualquier cosa, que, en su propuesta, éxito y calidad van de la mano. En su discografía no caben producciones sosas ni acartonadas.

Otro elemento identificativo de las canciones de NewJeans es que suenan relajadas, ligeras, amenas. Son, en palabras de algún crítico, “easy-listening”. No son explosivas como las de BTS o Blackpink. Ahí, NewJeans han encontrado su propio sonido, y su segundo EP ‘GET UP’ vuelve a partir de esa base para sumar más buenas canciones a su repertorio.

El concepto 90s de NewJeans pasa por supuesto por los ritmos del garage británico, que les encantan. Dentro de ese estilo, a las chicas les vuelven a salir unas melodías realmente pegadizas, bonitas y fáciles de escuchar en ‘NewJeans’ y, sobre todo, ‘Super Shy’, desde ya una de sus mejores canciones. ‘Cool with You’ es redundante, pero no así el resto del EP, que ofrece otras cosas.

Ahí están las trompetas de marcha de ‘ETA’, una composición mucho menos polémica que su campaña promocional, pero aún así graciosa dado su concepto aeropuertario. Menos inspiradas, en el plano compositivo, están la slow jam ‘Get Up’ y ‘ASAP’, aunque esta última logra destacar con una producción de sintes “clubby” que remite a Kelela. Haya sido o no una inspiración, está claro que pocos grupos de k-pop suenan tan interesantes como NewJeans.

Calvin Harris y Sam Smith siguen la senda del trance en ‘Desire’

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Calvin Harris y Sam Smith han publicado su anunciado single ‘Desire’. Es su segundo single conjunto después de ‘Promises‘, uno de los números 1 del verano de 2018 en Reino Unido y uno de los mayores éxitos de ambos en plataformas, pues está a punto de rebasar los mil millones de reproducciones en Spotify. En otras palabras, un clásico.

‘Desire’ es la tercera colaboración de Calvin y Sam en general, pues Calvin es co-productor de uno de los singles recientes de Sam, ‘I’m Not Here to Make Friends‘.

Después del éxito de ‘Miracle‘ con Ellie Goulding, número 1 en Reino Unido durante semanas, Calvin continúa por la senda del trance en esta nueva producción igualmente emotiva y atmosférica. La particularidad de ‘Desire’ llega con un estribillo instrumental de sonido aflautado, que la producción hace sonar entrecortado, y que no dejará indiferente.

‘Desire’ no se come la cabeza ofreciendo un texto dedicado al amor entre dos personas que parecen vivir un sueño. Es un amor maravilloso e ideal, de verano. De este amor Sam «no quiere despertar» y, en la canción, pide que su persona amada se quede con elle «para siempre» o, al menos, «esta noche», y que, «aunque me abandones, llévame a la luz».

‘Desire’ -con muchas posibilidades de repetir esos número 1 de ‘Promises’ y ‘Miracle’- es una de las muchas novedades que puedes escuchar hoy en la playlist «Ready for the Weekend» actualizada.

Chanel y Ptazeta juegan a ‘Ping Pong’ en su single conjunto

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Aún «clavaíta» cerca de los primeros 10 puestos de las canciones más escuchadas en España, con su colaboración con Abraham Mateo, ‘Clavaíto‘, definitivamente una de las canciones del verano 2023, Chanel estrena nuevo single y nueva alianza.

‘Ping Pong’, el nuevo single de Chanel Terrero, ya puede escucharse, y la persona que le acompaña en este proyecto es Ptazeta, rapera canaria conocida a nivel global por su colaboración con Bizarrap, una de las mejores publicadas por el productor argentino.

Como mostraba el adelanto, ‘Ping Pong’ propone un sonido machacón, de aires caribeños, mientras el estribillo juega con el título onomatopéyico de la canción recordando -quizá a propósito, quizá no- al ‘Bidi Bidi Bom Bom’ de Selena. En ‘Ping Pong’, Chanel no se decide entre su novio y su ex: «son tan distintos, uno es tan Jagger y otro tan vino tinto / uno es picante y el otro un caramelito / no sé si es un delito, pero me tienen como jugando ping pong». A la moda actual, ‘Ping Pong’ no llega a los 3 minutos y el final deja ganas de más: parece que acabe antes de tiempo.

‘Ping Pong’ es el primer single de Chanel después del lanzamiento de ‘P.M.‘, un tema eminentemente veraniego que, sin embargo, ha pasado desapercibido. Terrero ha querido darle algo vida estos días publicando dos remixes, firmados por Liam Garner y DJ Fronteo.

Chanel ha sido una de las últimas invitadas al podcast de JENESAISPOP Revelación o Timo disponible en Ivoox e Spotify. Allí nos adelantaba el sonido de las grabaciones que ya tenía terminadas o casi. «Creo que tienen todas algo en común. Esa mezcla entre lo pop y lo latino que me caracteriza mucho. Son canciones de cantar. Y hay baladas, claro, no te voy a decir para qué rollo va a ir, pero yo soy una disfrutona».

Por su parte, Ptazeta ha lanzado varios singles sueltos en el último año: ‘MFD’, ‘Quieres’ con Aitana y Emilia o, más recientemente, ‘La respuesta’ con LIT Killah. Su debut largo, ‘The Party en la Casa’, vio la luz a principios del año pasado.

Kylie Minogue anuncia residencia en Las Vegas

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Tension

Kylie Minogue es la última artista en anunciar su propia residencia en Las Vegas, como ya han hecho anteriormente Céline Dion, Shania Twain, Britney Spears, Bruno Mars, Adele y un larguísimo etcétera que incluye nombres tan improbables como Calvin Harris.

Kylie actuará en Voltaire, un nuevo club inspirado en Studio 54 que se ha abierto dentro del hotel The Venetian de Las Vegas. La serie de conciertos empezará el 3 de noviembre, unas semanas después del lanzamiento de su nuevo disco, ‘Tension‘, que sale el 22 de septiembre.

Las entradas para la residencia de Kylie en Las Vegas se ponen a la venta el próximo 9 de agosto con una tanda de apenas 1.000 tickets por concierto: será un show «íntimo».

Voltaire es un espacio «imersivo» y misterioso diseñado por Derek Mclane, la misma persona que diseñó la escenografía de la obra teatral de ‘Moulin Rouge’, que se basa en la película de Baz Luhrmann, en la que Kylie hacía un pequeño papel de hada.

Kylie ha dicho que algunos de sus shows anteriores, como el de ‘Aphrodite‘, ya parecían diseñados para Las Vegas y que la residencia conservará «la esencia de un concierto de Kylie, lleno de glamur y decadencia». También está preparando nuevas versiones de sus canciones y otras sorpresas que no ha querido revelar.

Kylie ya había dado pistas que apuntaban al anuncio de su propia residencia en Las Vegas: no solo ha dejado pequeñas píldoras en entrevistas, sino que, además, su nuevo disco incluirá un corte llamado ‘Vegas High’.

RFTW: Travis Scott, Carly, Post Malone, Georgia…

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Hoy 28 de julio salen los nuevos discos de Travis Scott, Carly Rae Jepsen, Post Malone, Georgia, Anne-Marie, Jessy Lanza, Bethany Consentino (antes Best Coast), Beverly Glenn-Copeland o The Clientele. También hay nuevo EP de Aphex Twin. En materia de singles son éxitos potenciales las nuevas propuestas de Chanel con Ptazeta, Calvin Harris con Sam Smith u Offset con Cardi B. Grimes, Mitski, James Blake, Jungle, Animal Collective, Sofia Kourtesis, Niña Polaca con Grasias, Romy, Holly Humberstone, Burna Boy, The Kills, Ana Mena con Fred de Palma, Jessie Ware con Róisín Murphy, Ismael Serrano, rebe o Lynks se encuentran también entre quienes publican novedades hoy y que ya puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend».

Netflix estrenará un documental sobre el papel de las mujeres en el Hip-Hop

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‘LADIES FIRST: A Story of Women in Hip-Hop’ es el documental que Netflix estrenará el 9 de agosto sobre el papel de las mujeres en este género. Aunque parece que hay muchas artistas que faltan, Netflix ha contado con Queen Latifah, Latto, Saweetie y Coi Leray, entre otras muchas.

Según ha informado Highxtar, serán 4 episodios a través de los cuales «se contextualiza la historia de la música que cambió el mundo en el amplio panorama social, racial y político de la época y, lo que es más importante, a través de un prisma femenino».

Las participantes no solo son las propias raperas. Habrá compositoras, expertas de discográficas, estilistas y periodistas. Y en el tráiler oficial todas ellas hablan de la unión como punto fuerte: «Las mujeres negras están partiéndolo en el hip-hop ahora mismo. Dominan las listas, son la influencia de toda una cultura. Aunque no ha sido fácil, hemos tenido que pasar por muchas cosas. Lo bonito es que las mujeres negras están controlando sus propias narrativas de una forma que ni podemos comprender».

Llama la atención no ver nombres como los de Nicki Minaj o Missy Elliott, y Shawn Allen ha despejado las dudas: ninguna de las dos cedió su música ni sus vídeos para el documental. Eso sí, asegura que sí habían planeado incluirlas.

Mario Vaquerizo vuelve a posar con una camiseta polémica

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Mario Vaquerizo ha estado envuelto en polémicas en numerosas ocasiones por sus declaraciones, pero en esta ocasión ha sido por su ropa. Y, concretamente, por los mensajes que muestra en sus camisetas (o las camisetas de los que le rodean). El cantante de Nancys Rubias posaba en Instagram con Juanpe, también miembro del grupo, quien llevaba una prenda con un dibujo del Valle de los Caídos con una bandera de España y la frase: «¡Una grande y libre!».

Este vídeo era para promocionar un evento en Cuenca llamado ‘La Caravana del Amor’. Mario le preguntaba a Juanpe qué era lo que esperaba encontrar allí: «Un macho», respondía él. «Viva el amor y viva mi hermana», se lee en el pie de foto. Bien, pues esta imagen de ambos artistas charlando en una gasolinera mientras se comen unos kikos con la camiseta, les ha costado en redes sociales el apodo de «Nazis Rubias».

Aunque hace un mes Vaquerizo posaba también con una camiseta de La Legión Española, las críticas esta vez han sido más serias. «Con la camiseta del Valle de los Caídos, levantado con el sudor y la sangre de los presos republicanos en plena dictadura. Que mal estáis de verdad, que decepción», escribía un usuario en Instagram. Ninguno de los dos se ha pronunciado.

10 artistas imprescindibles de Sonorama Ribera 2023

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Sonorama Ribera vuelve a celebrarse en Aranda de Duero del 9 al 13 de agosto. 5 días en los que dejarse deslumbrar por algunos de los artistas que más tiempo llevan entre nosotros, como Sidonie, Lori Meyers, Xoel López, Iván Ferreiro… y también para descubrir los directos de algunas de las nuevas e interesantes estrellas que pueblan el firmamento pop de nuestro país, de Alizzz a Natalia Lacunza pasando por Hens o Marc Seguí.

Y todavía no hemos hablado de los 10 nombres imprescindibles de Sonorama Ribera 2023. De Amaral a Rodrigo Cuevas pasando por supuesto por Wilco, gran reclamo internacional de esta edición, o los grandes Ojete Calor, el festival burgalés se ha vuelto a marcar un cartel imperdible. Os recordamos que los bonos, los bonos VIP, el suplemento zona acampada y los bonos con bono cultural siguen disponibles en la web del festival. Los horarios se anunciarán próximamente.

Wilco
Una de las bandas fundamentales del rock alternativo durante el paso de los 90 a los 2000, aún influyentes, Wilco es además uno de los grandes nombres internacionales que figuran en el cartel de Sonorama Ribera: presentan su nuevo disco, ‘Cruel Country’, en el que han vuelto a sus raíces.

Amaral
Hace 25 años conocimos a Amaral y el dúo zaragozano celebrará este importante aniversario ofreciendo un concierto especial en Sonorama Ribera. Eva y Juan tocarán 25 canciones, una por año y, además, estrenarán una canción nueva, la número 26, presumiblemente extraída del nuevo disco que se encuentran preparando. Desde ‘Salto al color‘ ya han pasado unos cuantos veranos.

Jorge Drexler
El gran triunfador de los Grammy Latinos de 2022, celebrados el pasado mes de noviembre, fue Jorge Drexler. El compositor uruguayo, ganador de un Oscar, visitará Burgos para presentar su nuevo disco, ‘Tinta y tiempo’, el duodécimo de su carrera, que contenía colaboraciones de C. Tangana o Noga Erez.

Tulsa
Una de las cantautoras españolas fundamentales de los últimos años, Tulsa fue capaz de publicar hace tres temporadas, después de una década entre nosotros, la que probablemente es la mejor canción de su carrera, ‘Autorretrato’. Estos días acaba de “hacer historia” con otro composición maravillosa, la que presenta su nuevo disco, ‘Amadora’.

Viva Suecia
5 de las 10 canciones más escuchadas de Viva Suecia en Spotify pertenecen a ‘El amor de la clase que sea’, su último álbum. Claro que no hace falta mirar cifras para constatar que Viva Suecia se encuentran absolutamente en el mejor momento de su carrera: pásate por uno de sus conciertos.

Ojete Calor
Porque la comedia también cuenta con su propio espacio en el mundo del pop y de los grupos llenaestadios, no cabe duda de que Ojete Calor es uno de los grupos imperdibles de Sonorama Ribera. El dúo formado por Carlos Areces y Aníbal Gómez ha subido de liga sin renunciar a su particular manera de hacer humor, y canciones como ‘Mocatriz’ -con neologismo ya bien integrado en la cultura popular- o ‘Extremismo mal’ ya forman parte de la historia del pop cómico de nuestro país.

Ginebras
Uno de los más potentes despegues de los últimos años ha sido el de Ginebras, que, con sus divertidas canciones de pop punkarra, se han ganado toda una generación de adeptos, incluido el mismísimo Dani Martín, que ha colaborado con ellas. Presentan su disco ‘¿Quién es Billie Max?‘ pero ojo porque acaban de publicar un single con Alba Reche.

Vetusta Morla
Antes de dar por concluida la extensa de gira de ‘Cable a tierra’, con el que despediremos otra gran era de Vetusta Morla, los de Pucho, Galván y compañía volverán a presentar en un contexto de festival su actual show, que, de manera visualmente espectacular, combina avance tecnológico y tradición. Aviso a navegantes: se acaban las oportunidades de presenciar este directo en concreto.

Carolina Durante
La palabra «Cayetano» ha estado muy presente durante las últimas elecciones generales… pero lo está en todo momento, en realidad, y Carolina Durante han contribuido enormemente a su popularidad gracias a su gran himno. Pero ellos, a su bola, han continuado superándose a sí mismos publicando dos discos que les han convertido en voz de una generación.

Rodrigo Cuevas
Entre los artistas que mejor han sabido recuperar el folclore para traerlo a nuestros tiempos, Rodrigo Cuevas se ha convertido en todo un icono gracias a sus impresionantes videoclips y directos. También a canciones como ‘Más animal‘ que van directas a lo mejor del año. Así que la gira de ‘Manual de Romería’, su nuevo disco, es claramente uno de los eventos a los que hay que ir.

Te regalamos entradas para Santander Music

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El Santander Music celebra su edición número trece, que tendrá lugar el próximo viernes 4 y sábado 5 de agosto. Desde JNSP, regalamos 4 entradas simples para el festival y la forma de ganarlas es muy sencilla.

Premiaremos las 4 respuestas más originales a la pregunta: ¿Cuál es tu artista favorito de Santander Music y por qué? Tendréis que enviar vuestras mejores ocurrencias a nuestro mail jenesaispop@gmail.com antes de mañana día 28 de julio a las 12.00h.

Por si aún no has visto el cartel, el viernes 4 de agosto se verá encima de los escenarios a La Casa Azul, SFDK, Ana Tijoux, Second, Depresión Sonora, Soleá Morente o Joe Crepúsculo. Y el segundo, y último día, el sábado 5 de agosto a Viva Suecia, Dani, Reyko, Ladilla Rusa, Iseo & Dodosound, La M.O.D.A., Alice Wonder o Queralt Lahoz.

Sin prisa, pero sin pausa, id pensando, porque las respuestas más afiladas van a estar recompensadas.

Arctic Monkeys, RAYE, Jessie Ware… nominados al Mercury

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La organización de Mercury Prize ha revelado la lista de discos nominados a su edición de 2023, que se celebrará en el Eventim Apollo de Hammersmith, Londres, el 7 de septiembre. Arctic Monkeys se encuentran entre los nominados con ‘The Car‘ empatando a Radiohead con cinco nominaciones históricas. Los de Alex Turner ya ganaron el Mercury en 2006 con su debut.

Otro grupo ganador, Young Fathers, que se hizo con el Mercury por su debut en 2014, vuelven a aspirar al galardón con ‘Heavy Heavy‘. No son los únicos que reciben la segunda nominación de sus carreras: Jessie Ware estuvo nominada con su debut ‘Devotion‘ en 2012 y este año aspira al premio con ‘That! Feels Good!‘. J Hus y Loyle Carner también están nominados por segunda vez.

Entre los primerizos hay que destacar las nominaciones de superestrellas como RAYE o Fred Again.. y de propuestas tan interesantes como las de Shygirl o Jockstrap. Ezra Collective, Lankum y Olivia Dean completan la lista de nominados.

Little Simz fue la ganadora de Mercury Prize 2022, en una gala que se hubo de aplazar inicialmente debido a la muerte de Isabel II.

Nominados Mercury Prize 2023

Arctic Monkeys – The Car
Ezra Collective – Where I’m Meant to Be
Fred Again – Actual Life 3
J Hus – Beautiful and Brutal Yard
Jessie Ware – That! Feels Good!
Jockstrap – I Love You Jennifer B
Lankum – False Lankum
Loyle Carner – Hugo
Olivia Dean – Messy
Raye – My 21st Century Blues
Shygirl – Nymph
Young Fathers – Heavy Heavy

Las alianzas musicales de Coke Studio que crean lazos en la diversidad

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Que la música es un lenguaje universal que posee el poder de unir a las personas en el amor es una idea que han expresado no pocos artistas. Desde Beethoven a Michael Jackson pasando por Hans Zimmer, Bob Marley, Stevie Wonder o Beyoncé, son muchos los iconos musicales que han compartido la idea de que la música es una fuerza unificadora que promueve la paz y la unión entre las personas. Ya se sabe que Madonna cantaba eso de que “la música une al burgués y al rebelde». Y pocas canciones han unido a la gente tanto como ‘Imagine’ de John Lennon, sobre todo, en los últimos tiempos.

La noción de que la música une a los seres humanos en un lenguaje compartido -el de las emociones- es el motor de Coke Studio, la plataforma musical de Coca-Cola que lleva 13 años apoyando la música con diferentes acciones e iniciativas musicales llevadas a cabo en diferentes lugares del mundo.

Crear lazos en la diversidad, con la música como hilo conductor que une diferentes culturas y generaciones, es el propósito de Coke Studio, un propósito que este año se ha materializado en la iniciativa «be who you are» en la que algunos artistas destacados del pop actual han unido sus fuerzas en una serie de canciones y/ o vídeos originales que son más que una mera curiosidad. De hecho, como recordarás, la iniciativa recibe su nombre del título de una canción reciente de Jon Batiste en la que participan NewJeans, Camilo y J.I.D., nada menos. Batiste, uniendo «fandoms» a golpe de reggae.

Precisamente, NewJeans y J.I.D. se dan de la mano en otro de los vídeos realizados por Coke Studio, en este caso con el apoyo de ‘Zero’, single de NewJeans creado para la ocasión de esta iniciativa. En el vídeo, el grupo surcoreano interpreta ‘Zero’ en vivo y el autor de ‘The Forever Story‘ se les une aportando un verso inédito. Por su parte, Jon Batiste también repite en la campaña ofreciendo un emotivo directo de ‘Calling My Name’, otro de los cortes que aparecerán en su próximo disco.

Otra de las superestrellas que participan en la iniciativa de Coke Studio es la pakistaní Shae Gill. Conocida por su éxito ‘Pasoori’, que se aproxima a los 300 millones de reproducciones en Spotify, Gill canta una canción de título evidentemente unitario, ‘One Love’, como el de aquel clásico de Bob Marley, acompañado por uno de los astros del firmamento musical turco, Evdeki Saat. Un tema arraigado en la tradición, pero modernizado, que invita a meditar y a soñar. Es muy diferente la propuesta de la china Xin Liu, que, con ‘Boom Tick Boom’, entrega un hit urban inspirado en el pop estadounidense y, en el vídeo, nos descubre a una auténtica bestia bailando. Zack Tabudlo, de Filipinas, y Nasty C, de Sudáfrica, se alían en el trap-pop de ‘Fallin’ para capturar la magia de enamorarse.

No todas las canciones promovidas por Coke Studio son originales, aunque sí lo son los vídeos que se han realizado para la ocasión. Es el caso de Sam Smith, Jesse Reyes y Cat Burns, que hacen terceto cantando que «no soy perfecto, pero yo lo valgo», como ya lo hacían en el último disco de Smith, porque todos somos perfectos en nuestra imperfección. Por otro lado, Imagine Dragons cantan en ‘Symphony’ -incluida en su último trabajo- que la vida es una «sinfonía» de vivencias y sensaciones en la que no debemos perder de vista la importancia de comunicarles a nuestros seres queridos cuánto les queremos. En el vídeo producido por Coke Studio, Imagine Dragons tocan ‘Symphony’ acompañados de la Inner City Youth Orchestra de Los Angeles, la mayor orquesta afroamericana de Estados Unidos.

Pero la cosa no acaba aquí: los próximos 1 y 2 de septiembre, una nueva edición del festival Coca-Cola Music Experience tendrá lugar en Madrid. Más de 30 nombres figurarán en el cartel, que ya ha confirmado la presencia de Quevedo, Yungblud, Maria Becerra, Lali, Nil Moliner, Maikel Delacalle, Saiko, La La Love You, Mae Muller o Vicco, entre otros.

El festival volverá a poner en valor la fuerza unitaria de la música. Explica Javier Meza, Director de Marketing de Coca-Cola en Europa, que «la música tiene una capacidad inigualable para elevar y conectar a las personas y sabemos que nuestro público objetivo está más comprometido con la música y el audio digital que nunca. La música proporciona conexión, fomenta la autoexpresión y, sin duda, para muchos es un catalizador de experiencias compartidas inolvidables».





Cala Mijas 2023 revela sus horarios

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Cala Mijas se celebra del 31 de agosto al 2 de septiembre en Málaga. Arcade Fire, The Strokes o Florence + the Machine se encuentran entre los grandes cabezas de cartel de esta edición que también contará con nombres imperdibles como Moderat, Sioxusie, Foals, Ethel Cain, Metronomy, The Blaze o Underworld, y con estrellas nacionales de la talla de Cupido, Lori Meyers, Cariño, Judeline y muchos más.

Completado el cartel de Cala Mijas con las confirmaciones de su programación diurna, La Playa, quedaba por conocer los horarios detallados, que por fin son públicos. Arcade tocaran después de Siouxsie, Tamino antes de Amaia, Ethel Cain después de Judeline, Florence después de Duki… Así quedan los horarios oficiales extraídos de la web de Cala Mijas:

JUEVES 31 DE AGOSTO

SUNRISE
18.30 Cala Vento
20.15 Siouxsie
22.35 Arcade Fire
01.40 Foals

VICTORIA
17.45 Juicy Bae
19.20 Cupido
21.25 Baxter Dury
00.15 IDLES
03.05 Moderat

SUNSET
17.30 Vera Fauna
19.20 Tamino
21.20 Amaia
00.25 Pabllo Vittar
03.15 VVV [Trippin’ You]

LA CALETA
17.00 Buganvilia
19.00 Budino
21.15 James Holden live
22.30 Nicola Cruz dj set
01.00 Prosumer
03.30 Cormac

VIERNES 1 DE SEPTIEMBRE

SUNRISE
18.25 Kevin Kaarl
20.40 Amyl & the Sniffers
23.25 The Strokes
02.30 Underworld

VICTORIA
17.40 Charlie Cunningham
19.30 Cariño
22.00 Lori Meyers
01.05 M83
03.50 Acid Arab live

SUNSET
17.30 Compro Oro
19.45 Junior Boys
22.15 Nu Genea live band
01.15 Delaporte
04.00 Playback Maracas

LA CALETA
17.00 Toppanga Kiddo
19.30 Yung Prado
22.00 OURI live
23.00 Saoirse
01.30 Call Super
04.00 Palms Trax

SÁBADO 2 DE SEPTIEMBRE

SUNRISE
18.25 La Plazuela
20.40 Duki
23.25 Florence + the Machine
02.30 The Blaze

VICTORIA
17.40 Niños Luchando
19.30 José González
22.05 Metronomy
01.05 Belle & Sebastian
03.50 Arca

SUNSET
17.30 Ballena
19.40 Judeline
22.00 Ethel Cain
01.05 Baiuca
04.00 La Élite

LA CALETA
17.00 Alvva
19.30 Tom VR
22.00 Axel Boman live
23.00 Ketiov b2b Moxie
01.30 I.Jordan
04.00 Helena Hauff

Además, Cala Mijas ha revelado los horarios de la programación diurna del festival, La Playa:

VIERNES 1 DE SEPTIEMBRE

EL TORREÓN
12.00 Lord Malvo
12.45 Vatocholo
16.00 Ben Yart

OASIS
12.45 Rocio Saiz dj set
14.45 Natural Language

SÁBADO 2 DE SEPTIEMBRE

EL TORREÓN
12.00 The Deniros
12.45 Sistema de Entretenimiento
16.00 Aiko el grupo

OASIS
12.45 Playdoo Club (Robzzz b2b Rata de Internet)
14.45 Safety Trance

Jessie Ware y Róisín Murphy bailan sin parar en ‘Freak Me Now’

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Jessie Ware había anunciado que el próximo single de ‘That! Feels Good!‘ sería un remix de ‘Freak Me Now’ con Róisín Murphy. Su colaboración se ha hecho esperar: ambas publicaron dos de los mejores discos de 2020, ‘What’s Your Pleasure?’ y ‘Róisín Machine‘, dos discos que nos salvaron durante la pandemia haciéndonos soñar con un reencuentro con la discoteca, y en 2023 vuelven a coincidir con sus respectivos lanzamientos (el disco de Róisín no sale hasta septiembre).

Otra reina de la ‘DISCO’, Kylie, también sacó álbum aquel año y también vuelve este 2023 con nuevo trabajo. Curiosamente, Jessie, Róisín y Kylie hacen coros juntas en el inicio de ‘That! Feels Good!’, la canción que da título al último álbum de Ware. Rizando el rizo, ‘Freak Me Now’ era la canción de ese disco que más sonaba a Minogue. Es la Canción Del Día de hoy con motivo del lanzamiento del remix. El vídeo se estrena mañana viernes a las 11.00 horas.

Con remix de ‘Freak Me Now’ tenemos a Jessie y Róisín subidas a una base de nu-disco que no habría desentonado en ‘Fever’. Claro que ninguna pista de ‘Fever’ iba a tan a toda hostia como esta que hoy nos ocupa. Desde que empieza hasta que termina, ‘Freak Me Now’ es un chute imparable de energía en la pista de baile, una cápsula de histeria disco que prácticamente engulle a sus dos protagonistas. Si Jessie pide no dejar de sentir el calor de la gente que tiene a su alrededor, Róisín nos invita a mover nuestro cuerpo, que «para eso está». No queda más que obedecer.

El mundo de la música recuerda a Sinéad O’Connor

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La muerte de Sinéad O’Connor a los 56 años de edad ha conmocionado al mundo de la música, y no son pocos los figuras públicas relacionadas o no con el mundo de la música que han acudido a las redes sociales para mostrado su pena por la desaparición de la icónica artista, que tanto hizo por dar voz a los más vulnerables. Sin ir más lejos, el presidente de Irlanda, Michael D Higgin, ha destacado el «incomparable talento» de Sinéad, su «extraordinaria voz» y su compromiso con las causas sociales que expuso a la audiencia.

Artistas contemporáneos a Sinéad han expresado su pésame por el fallecimiento de la cantante irlandesa. Tori Amos ha declarado que Sinéad era una «fuerza de la naturaleza» y una «compositora y cantante brillante cuyo talento no se volverá a repetir». Billy Corgan de los Smashing Pumpkings ha recordado que era «increíblemente honesta y dulce y divertida, y talentosa hasta un punto que ella no parecía entenderlo del todo». Más escueto ha sido Michael Stipe de R.E.M., que ha dicho encontrarse «sin palabras».

La muerte de Sinéad ha traído a muchos el recuerdo de la también irlandesa Dolores O’Riordan, que falleció en 2018, y Cranberries, en concreto, sus tres integrantes actuales, Fergal, Mike y Noel, se encuentran entre quienes han expresado su «shock y pena» por la inesperada desaparición de la artista. Dicen que han sido «fans durante años».

Un homenaje especial ha sido el de Anohni, que ha subido un vídeo de ella cantando al piano la canción de Sinéad de 1997 ‘I Am Enough for Myself’. En el vídeo, ya borrado, Anohni expresaba que «no se me ocurre ningún otro artista que nos haya dado tanto como Sinéad y que haya sido tan castigada por decir la verdad». En un concierto, P!nk le ha rendido tributo:

Especialmente contundente ha sido Shirley Manson de Garbage, que ha condenado la manera en que «este asqueroso mundo rompió» a Sineád «y continuó rompiéndola», y le ha agradecido «toda la belleza y las sabias enseñanzas que nos has ofrecido». Más duro ha sido Morrissey: el británico ha declarado que le parece «insultante» que los medios y la industria de la música lloren ahora a Sinéad cuando «no tuvisteis los cojones de apoyarla cuando estaba viva y os necesitaba».

Otros artistas que llegaron a trabajar con O’Connor han expresado sus condolencias. Massive Attack, que colaboraron con Sinéad en ‘What Your Soul Sings’, han dicho que cada vez que una persona pasaba por el estudio y escuchaba cantar a la artista, se quedaba de piedra. Por otro lado, The The han rememorado que «lo que recuerdo de nuestra colaboración ‘Kingdom of Rain’ es a una mujer joven y hermosa, con un humor irónico, inteligente hasta decir basta e independiente, con una voz que atravesaba el alma».

También desde España varios artistas y personalidades han expresado su pésame por la muerte de la autora de ‘The Lion and the Cobra’. Luz Casal ha compartido una imagen de ella con Sineád tomada en América Latina: «Coincidimos en Chile y durante varios días nuestras manos y nuestras voces se juntaron varias veces», ha recordado. Agustín Shangay ha evocado el día en que «tuve la suerte de compartir una cena con Sinéad O’Connor y fue una experiencia inolvidable, porque era, además de una artista superlativa, una mujer increíble».

La lista de artistas que están recordando a Sinéad es interminable. Imelda May comparte una feliz imagen junto a la artista, a la que considera su «gran amiga, compañera, hermana». Peter Murphy reza para que «descanse en la falda de la compasión». Cat Stevens recuerda a Sinéad por su nombre islámico, Shuhada Sadaqat, y señala que fue «un alma preciosa». Y Tegan and Sara reconocen que escuchar ‘The Lion and the Cobra’ de niñas, en el coche de su madre, inspiró su creatividad.

Otros artistas que han lamentado la muerte de Sinéad son Sam Smith, Janelle Monáe, Phoebe Bridgers, Questlove, Kelly Lee Owens, Sky Ferreira, Tracey Thorn y muchos más.

Mitski se da a la bebida en la meditativa ‘Bug Like an Angel’

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Mitski ha dado los detalles de su nuevo disco, anunciado para sorpresa del público, pues apenas hace un año desde el lanzamiento de ‘Laurel Hell‘, uno de los mejores discos de 2022. El nuevo trabajo de Mitski, ‘The Land Is Inhospitable And So Are We’, sale el 15 de septiembre con el tracklist que podéis ver a continuación. Cuenta Mitski que este es su disco «más americano».
1. Bug Like an Angel
2. Buffalo Replaced
3. Heaven
4. I Donʼt Like My Mind
5. The Deal
6. When Memories Snow
7. My Love Mine All Mine
8. The Frost
9. Star
10. Iʼm Your Man
11. I Love Me After You

Mitski había revelado la noticia a través de una nota de voz enviada desde los estudios Bomb Shelter de Nashville, donde ha grabado el álbum. En la misma nota, Mitski indicaba que el primer avance del disco podría escucharse el miércoles. A las 18.00 se producía el estreno de ‘Bug Like an Angel’, un primer single de sonido acústico, en el que entra de manera intermitente un poderoso coro de góspel. En ‘Bug Like an Angel’, Mitski canta que «a veces beber es como estar en familia».

‘The Land Is Inhospitable and So Are We’ será el séptimo álbum de estudio de Mitski y llegará en una fecha aún por determinar después de los aclamados ‘Be the Cowboy‘ (2018) y ‘Puberty 2‘ (2016). Antes su discografía dejó los discos ‘Bury Me at Makeout Creek’ (2014), ‘Retired from Sad, New Career in Business’ (2013) y ‘Lush’ (2012). Mitski volverá a publicar disco por año, al menos, esta vez.

Convertida en una artista capaz de colocar su disco ‘Laurel Hell’ en el número 1 de ventas físicas de Estados Unidos, Mitski sumaba un nuevo hito a su carrera el año pasado, después de recibir una nominación a los Oscar por ‘This is a Life’, su canción con Son Lux escrita para la banda sonora de ‘Todo a la vez en todas partes‘, ganadora del Oscar a Mejor película.

Era ‘Laurel Hell’ un trabajo que instalaba a Mitski en un escenario definitivamente más comercial que el de trabajos anteriores. «Si preferías a la vieja Mitski, la de ‘Be the Cowboy‘, la buena noticia es que aun así con este disco se abre un mundo de posibilidades para su futuro. Su carácter inquieto tan sólo deja ver que al igual que le encaja este registro más comercial y apto para telonear a Harry Styles, le puede encajar para cualquier otra cosa igual de inesperada», escribíamos entonces.

Rosalía confirma la ruptura con Rauw Alejandro: «Ni caso a las películas»

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Rosalía y Rauw Alejandro han roto su relación después de tres años, ha confirmado esta semana la revista estadounidense People. Ninguno de los implicados había hecho declaraciones públicas hasta ahora para confirmar o desmentir la noticia. Pero Rauw ha decidido dar un paso al frente para confirmar la separación y tumbar los rumores de infidelidad que le culpan a él. Horas después, ha hablado Rosalía, diciendo que «quiere, respeta y admira muchísimo a Raúl».

En un comunicado publicado en los stories de Instagram, Rauw explica que Rosalía y él dejaron su relación «hace meses» y aclara que no ha habido terceras personas implicadas en su ruptura, contrariamente a lo que se ha rumoreado estos días. Por su parte, Rosalía ha confirmado esta versión: «Ni caso a las películas, nosotros sabemos lo que hemos vivido», ha dicho la artista.

Rauw ha contado en el inicio de su comunicado: «Durante todos estos años ustedes han sido parte de mis logros profesionales, como también de todos los momentos felices que he vivido en pareja. Jamás me vi en la posición de tan siquiera pensar que tendría que dar declaraciones públicas sobre este asunto tan privado para mí».

Continúa: «Sí, hace unos meses atrás Rosi y yo terminamos nuestro compromiso. Existen miles de problemas que pueden causar una ruptura, pero en nuestro caso no fue por culpa de terceras personas o una infidelidad. Durante este espacio que me estoy tomando para asimilar todo esto, han surgido alegaciones públicas erróneas, y por el respeto que le tengo a ella, a nuestras familias y a todo lo que vivimos, no podría quedarme callado y continuar viendo cómo intentan destruir la historia más real de amor que Dios me ha permitido vivir.

Aunque Rosalía ha sido bastante más breve, ha dejado claro que las razones de la ruptura seguirán siendo privadas: «Este momento no es fácil así que gracias a todo el mundo por entender y respetar».

Rauw y Rosalía empezaron a salir en 2020, anunciaron su compromiso el pasado mes de marzo y habían colaborado musicalmente en el EP ‘RR‘, además de en otros temas de él.

Podcast: Rosalía, Rauw Alejandro y otras parejas de la historia del pop

Muere Sinéad O’Connor: sensibilidad y revolución de una avanzada a su tiempo

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The Irish Times anuncia la muerte de Sinéad O’Connor a los 56 años. El medio irlandés reproduce un comunicado de la familia que dice: «Con gran tristeza anunciamos la muerte de nuestra querida Sinéad. Su familia y amigos están devastados y pedimos respeto a nuestra privacidad en este momento tan difícil».

Entre las últimas actualizaciones de redes de Sinéad O’Connor, una en Twitter en la que lamentaba la muerte de Andy Rourke, y otra en Facebook en la que hablaba de su nuevo disco: “Hola a todos, me he mudado hace poco a Londres después de 23 años de ausencia. Estoy muy feliz de estar en casa. Pronto acabaré mi disco. Saldrá a principios del año que viene. Espero hacer conciertos por Australia y Nueva Zelanda a finales de 2024. Europa, Estados Unidos y otros territorios a principios de 2025”.

La cantante irlandesa dio el salto a la fama a finales de los 80 con un debut llamado ‘The Lion and the Cobra’, en el que se incluyeron singles como ‘Mandinka’. En 1990 su segundo disco se convertiría en un superventas mundial gracias a la recuperación de un tema escrito por Prince que se había publicado sin éxito hacía unos años. ‘Nothing Compares 2-U’ sería una de las composiciones más brillantes de él y una de las mejores interpretaciones de ella. Era inolvidable e indisociable de un vídeo multipremiado en MTV, en que ella lloraba en primer plano por una ruptura… llevando al público por extensión a las lágrimas también.

Pero aquel disco también incluía otros temas románticos de casi igual calado como el precioso ‘The Last Day of Our Acquaintance’, y revolucionarios de una u otra manera. Hablamos de ‘Black Boys on Mopeds’ (con crítica explícita a Margaret Thatcher) o ‘Feels So Different’ (que abría tal disco durando casi 7 minutos con un mensaje de autoafirmación). Ese carácter revolucionario sería un problema para la artista, que sería oficialmente cancelada tras romper una foto del Papa en SNL al denunciar los abusos de la iglesia.

La carrera de Sinéad O’Connor nunca remontaría del todo en lo comercial pero sí en lo artístico. Pese a no contar con el apoyo mediático de antaño, discos editados la pasada década como ‘How About I Be Me’ (2012) y ‘I’m Not Bossy, I’m the Boss’ (2014), seguirían siendo notables tanto por melodías y producción, como por sus contundentes mensajes sobre el amor por uno mismo y el feminismo, a su manera.

Diagnosticada con bipolaridad y otros problemas de salud mental, Sinéad O’Connor intentó suicidarse el día de su 33º cumpleaños, y se había temido por su vida varias veces, como cuando hace unos años desapareció durante unas horas, tras haber sido vista conduciendo una bicicleta con una bandera de Irlanda.

La prensa solía divertirse con sus devaneos religiosos, cambios de nombre y de orientación sexual, y pocas veces se destacaba tanto que su música no había perdido sensibilidad. Además de mantener una buena carrera en solitario y actuar en directo de vez en cuando (en Madrid se dejó caer por Noches del Botánico), tuvo el buen gusto de colaborar con gente como John Grant. Hoy por hoy se desconoce la causa de su muerte, y su familia ha pedido respeto a su privacidad.

20 canciones de Sinéad O’Connor que no escribió Prince

Queens of the Stone Age / In Times New Roman…

Hemos tenido que llegar al 8º álbum de Queens of the Stone Age para que lo que nos cuenta un disco suyo ocupe más espacio que cómo nos lo cuenta. ‘In Times New Roman…’ es el álbum más personal de la banda según las letras escritas por Josh Homme, pues el líder del grupo ha pasado por un divorcio traumático, una depresión post, un cáncer, la muerte de amigos como Mark Lanegan y Anthony Bourdain, y luego lo que todos: una pandemia, un encierro, etc. Hay que recordar que este es el primer disco del grupo en 6 años.

De todo eso habla ‘In Times New Roman…’, mientras por ejemplo ‘Songs for the Deaf’ (2002), su álbum más mítico, era un viaje en coche por California, y su mayor hit, ‘No One Knows’, una reflexión sobre los efectos de las drogas, prescritas o no.

Josh Homme cuenta ahora que no se avergüenza de lo explícito de las letras incluso en los singles de presentación de este álbum, porque cree que la música tiene que contar la verdad sobre nosotros. Y su verdad, después de una disputa por la custodia de sus hijos y órdenes mutuas de alejamiento entre él y su ex esposa Brody Dalle, también cantante de Distillers, aparece en temas como ‘Paper Machete’ o ‘Emotion Sickness‘. La primera, una de las grabaciones más urgentes del álbum, plantea, directa: «¿Todas y cada una de tus relaciones terminan en tristeza y miseria?». La segunda repite en su estribillo «Tuve que dejarla marchar / No te preocupes por mí».

El rock stoner típico de Queens of the Stone Age impera tanto en la mencionada ‘Paper Machete’ como en ‘Negative Space’, una canción que trata de encontrar el camino de vuelta a la Tierra, también con una outro nítida como pocas se han visto: «No digas que ya no me quieres, pensé que éramos iguales». ‘What the PeepHole Say’, sobre un regreso a su adolescencia más bien, mantiene el tono guitarrero y rugoso, mientras otras canciones introducen otras sonoridades.

Dejada de lado su etapa junto a Mark Ronson en ‘Villains‘ (2017), hay varias pistas que ofrecen una visión diferente. El estribillo de ‘Made to Parade’ resucita a David Bowie (en muchas ocasiones Homme ha recordado por tono), y la guitarra final a su escudero durante los primeros años 70, Mick Ronson. En cambio, son los Beatles quienes se asoman por los momentos más pop del álbum, como ‘Time & Place’ (también un poquito Talking Heads y Radiohead) y sobre todo el estribillo de ‘Emotion Sickness’.

El trabajo de cuerdas es importante en ‘Obscenery’, igualmente en la oriental ‘Sicily’, que va dando a la segunda mitad del disco una luz diferente. Algo que confirma el final escogido para el álbum: un tema de 9 minutos llamado ‘Straight Jacket Fitting’, dividido en partes, y con coda frente a la hoguera. Pero sobre todo destaca ‘Carnavoyeur’, en la que tanto montan violines como efectos electrónicos. Si en ‘Negative Space’ habíamos escuchado a Josh Homme lamentar que iba «a la deriva mientras el mundo gira» y que «nunca volveremos al lugar de donde venimos»; en ‘Carnavoyeur’ subyace la idea de aceptación. «Vivimos, morimos, caemos, nos levantamos / Soy un buitre, así que oigo despedidas / No hay final para la vida, siempre, que siga la vida».

Blur: «La vida moderna es más basura todavía»

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Bastienne Lewis

Blur van a lograr, obviamente, otro número 1 en Reino Unido con su nuevo álbum, ‘The Ballad of Darren‘. Han vendido casi 30.000 unidades solo durante el fin de semana, en las islas. Nuestra primera aproximación al que es nuestro Disco de la Semana tuvo lugar durante Primavera Sound. Aquel momento en que, después de arrasar en la edición de Barcelona, su show de Madrid se vio afectado por la lluvia. La jornada de jueves del festival fue cancelada al completo, pero se decidió programar un concierto de Blur en La Riviera, donde tan solo caben 2.000 personas.

El mismo día en que ofrecían un gran show en dicha sala, Damon Albarn y Graham Coxon atendían a la prensa, y nos daban de comer. Pero ni el alcohol regado entre los asistentes, ni la ilusión de tener a dos leyendas tan cerca animó una presentación de álbum que ha tenido muy poca trascendencia. Parecían comparecer ante los periodistas como por obligación. Ni cuando una compañera en la última fila se quejó de que no se les oía prácticamente nada, porque sobre todo Damon era incapaz de acercarse al micrófono a la boca (y eso que es el cantante), el grupo se esforzó por fingir cualquier tipo de entusiasmo. Contestaron asépticamente, no contestaron en absoluto o tardaron unos interminables segundos en dar algún tipo de respuesta. Y eso que el presentador del evento había confesado que lloró la primera vez que escuchó el disco.

En un momento a Damon le dio la risa cuando este hombre estaba empezando a formular una pregunta sobre ‘The Narcissist’. «Soy una persona realmente horrible, arderé en el infierno», se disculpó Damon. Por alguna razón, el grupo decidió no soltar mucha prenda sobre las canciones por las que les preguntaba, ‘St Charles Square’ o ‘The Heights’. «No sé cómo describir esa canción», comentaba Coxon sobre la última. Para el presentador del evento, sonaba esperanzadora. Para Graham, más bien es «el fin del mundo». En otro momento de la charla, un fan preguntaba por qué hay tantos nombres en el disco, como Albert y Leonard, y ni Damon ni Graham contestaron nada en absoluto, esquivando el apellido de Cohen, una influencia en esta era. En medio de esta desgana, además estaba vetado hacer preguntas sobre cualquier cosa que no fuera este álbum, Gorillaz y cosas así.

Blur darían un conciertazo horas después y todos nos olvidaríamos de este encuentro. Una reescucha de estos 40 larguísimos minutos deja, no obstante, algunas claves sobre el álbum que merece la pena rescatar en la semana de salida del mismo. Hasta me sorprende ahora la cantidad de titulares que encuentro entre silencios incómodos, ninguneos y suspiros. Comenzando por la portada de Martin Parr, que alguien interpreta que referencia la portada con gorro de baño de su debut ‘Leisure’, por lo que de alguna manera cerraría un círculo. «Se parecería más a ‘The Great Escape’, si puedo ser pedante», corrige Damon, al tiempo que bromea con el mal tiempo que hace en España en comparación con el «tiempo piscinero» que esperaba. Graham añade hablando de los contrastes de la imagen: «Pensábamos más en las fronteras de una isla, de estar rodeados de agua. Hay cosas dentro del agua, y cosas fuera del agua. Hay mucha fuerza en la imagen. La persona que aparece está en control de un pedazo de agua, pero si vas al mar de verdad es otra cosa, no es una piscina, incluso hay tiburones. Es una situación completamente diferente».

Sobre el lugar que ocupa el disco de Blur en su discografía, Albarn tampoco lo ve tan autorreferencial: «No recuerda a ningún otro disco. Hay momentos que recuerdan a cosas, pero es bastante nosotros ahora». Coxon coincide con Damon cuando le preguntan si ‘St Charles Square’ pretende ser un regreso a sus inicios: «Hemos dejado que la canción nos hable. He usado trucos de guitarras que utilicé al principio, en los primeros discos, pero no es algo que puedas notar».

Damon y Blur sí bromean sobre el modo en que han mantenido la grabación de este disco en secreto: «No tienes que compartirlo en redes, no es obligatorio decirlo, y así nadie se entera. Nos comprometemos mucho con el proyecto, y no hay mucho tiempo para pensar en lo que pasa fuera», dice Graham. «Fue muy fácil, no le dije a nadie que estaba escribiendo. Desaparecimos en el estudio y no salimos hasta que lo terminamos», añade Albarn, que repudia tanto la palabra «reunión» como la palabra «comeback»: «Reunión es una noción problemática. Empezamos en el instituto tocando un piano, un sintetizador, una batería, una guitarra, cualquier cosa que pilláramos. Conectamos y nuestra dedicación a la música ha sido de por vida. En esencia esto no es una reunión, simplemente es lo que hacemos».

Damon cree, de hecho, que el secretismo ha sido parte del éxito: «La razón por la que trabajo tan bien es porque no se lo digo a nadie. Vino por sorpresa (NdE: durante una estancia en Montreal). En ese ambiente no tenía ninguna presión, así que me sentía muy libre. Fue muy liberador para mí. Luego vino un tiempo en Navidad de vuelta a Londres en el que busqué más canciones. Empezamos en enero y fue fantástico porque surgió de manera muy natural. No nos dimos cuenta de lo que estábamos haciendo».

Graham califica el proceso como «extremadamente rápido». «Normalmente tenemos un proceso de pre-producción, pero en esta ocasión nos saltamos eso. Grabamos directamente». Y ahí se lo pasó como un enano: «Lanzaba riffs para jugar. De ahí vienen esas cantidades enormes de guitarras, y hay muchas capas a las que prestar atención. Para mí es muy interesante disfrutar todo el proceso en directo, observar qué reacción generan los acordes, a través de las canciones. Y hay muchos teclados, que ocupan el mismo espacio, haciendo el trabajo de las guitarras o al revés. Nunca me aburro de hacer esto, sobre todo con sus acordes, porque hay secuencias de acordes muy bonitas a lo largo del álbum». Damon Albarn compara el proceso de producción a un cocinado. «Añadimos nuestras especias favoritas, las verduras…»

«Los sonidos locos van apareciendo por accidente, o a propósito. Las dos cosas. Los que vienen accidente suelen gustarme más»

¿Qué parte ha cumplido James Ford, como productor? ¿Es el responsable de esos sonidos locos que se escuchan en ‘The Narcissist’ o en el tema final, y que en ocasiones pueden recordar a los trucos de ‘On Your Own’? Ambos coinciden en que James Ford ha sido algo más que un productor. «Cualquier sonido loco ha salido del proceso de las canciones. James es un productor, pero es parte de la banda también. Lo mismo coge una gutiarra que un teclado y aporta ideas musicales. Una batería suena así o asá. Así es como trabajamos. Los sonidos locos van apareciendo por accidente, o a propósito. Las dos cosas. Los que vienen accidente suelen gustarme más. Es como capturar una foto y me gusta mucho trabajar así. Me gusta la lucha y me gusta que esa lucha se escuche en el proceso final».

Pregunto a Blur sobre el humor resultante en esos pequeños detalles, en medio de lo que parece un disco contemplativo, sobre la mediana edad. Y Damon explica: «Siempre va a haber humor en Blur». Graham habla concretamente del tema llamado ‘Far Away Island’, guiado por una acústica guitarra, pero con un punto de «humor psicodélico» que sacude al oyente por lo raro que le resulta. «Otra gente no se comprometería a hacer algo así, pero nosotros lo disfrutamos. Dimos un color a esa atmósfera, para que al final quedara esa sensación de gravedad, de estar flotando, de confusión, de estar a la deriva, de preguntarte «qué pasa aquí». Es una ilustración literal de experiencias. Me gusta que la música me haga preguntarme «qué está pasando aquí»». Añade Albarn: «Se llama «word painting» (figuralismo), nos han dicho».

«Reino Unido se ha vuelto loco, tristemente»

Otro de los puntos destacables es el debate sobre si las letras de Albarn continúan parodiando la sociedad británica, como en sus inicios. «Es más global, porque ahora he visto más mundo de lo que había visto entonces. La Inglaterra a la que traicionábamos era algo que venía de nuestras experiencias en América. Veíamos la locura a la que volvíamos y lo expresábamos. Diría que Reino Unido se ha vuelto loco, tristemente. El título de ‘Ballad de Darren’ se debe a un hombre real. Muchos de mis personajes son esotéricos, pero Darren es real y uno de los supervivientes de esa locura. Nos representa a todos nosotros. Es la balada de todos nosotros. Y es desde la perspectiva de mirar a la vida, no desde el lado triste».

Hablando de redes, cómo guardar un disco en secreto, Damon había parafraseado el título de un disco de Blur, «Modern life is rubbish still», y Graham había puntualizado que «la vida moderna incluso es más basura todavía». Entre esas cosas que odian, está hacer videoclips, como todos sus fans están pudiendo comprobar. Dice Albarn, a pesar de haber entregado verdaderas maravillas como Gorillaz o incluso con Blur (‘The Universal’ fue un homenaje a ‘La Naranja Mecánica’): «Estoy muy feliz sin vídeos en absoluto. Odio los videoclips. Si alguien quiere hacernos uno… Pero me gusta más escuchar que ver. La música aún es algo fresco, y no va sobre imágenes. Tenemos una imaginería, pero no… Que lo haga la gente más joven, les interesa más».

«Odio los videoclips. Me gusta más escuchar que ver»

Y eso también guarda relación con la propia ‘The Narcissist’. «Hay una relación estrecha entre ser narcisista y ser un performer. Es imposible ser un performer y no ser un narcisista, hoy en día, debido a las redes sociales, tienes que modelar tu imagen y proyectarla hasta el infinito. Hay en ella algo de post-historia. Es una canción pop, que puedes poner a cualquier persona, pero tiene esa atmósfera».

El líder del grupo, que elude responder una pregunta sobre si el disco es deliberadamente moderno sin pretender serlo -la pregunta ya parecía el concepto de una canción de Blur en sí mismo, o quizá de Pulp más bien-, no disfruta evaluando su trabajo presente o pasado: «No me siento cómodo juzgando cosas, porque te vuelves complaciente como oyente y como artista, te transformas en la persona más vaga. Nuestro compromiso de mantenernos frescos es nuestro mayor valor».

«Nuestro compromiso de mantenernos frescos es nuestro mayor valor»

Quizá lo que más recordemos sobre Blur este año será el concierto que vimos en Primavera Sound después de tantos años, o el que en La Riviera nos perdimos. Damon se disculpa con la gente que no va a caber o cupo en este show. «Después de Barcelona, descansé unos días de vacaciones, y al volver a volar, vi a gente que iba al Primavera de Sudamérica pasando por África porque era más barato. Gente de Guatemala iba en el mismo vuelo que yo. Nos rompe el corazón que alguien que viaja para verte por primera vez, no pueda hacerlo, pero nosotros teníamos que hacer algo, aunque sé que no va a ser para todo el mundo. Nos encanta tocar en sitios pequeños. Es de donde venimos».

Animal Collective abren paso a su nuevo disco con ‘Soul Capturer’

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Hisham Akira Bharoocha

Animal Collective publicará su nuevo álbum ‘Isn’t It Now?’ el 29 de septiembre. Pero de momento, comparten un single llamado ‘Soul Capturer’. El cuarteto formado por Avey Tare, Panda Bear, Deakin y Geologist ha creado su 12º disco, que dicen, es como «un patio de recreo donde ejercitan y dan rienda suelta a nuevas ideas e influencias».

‘Soul Capturer’ habla de un devorador de almas que puede ser Internet, o «cualquier cosa que te seduzca: las drogas, el sexo, un viejo amigo en el que sabes que no debes confiar». Lo presentan como «un himno para nuestro malestar existencial en la red». Esta canción será parte del disco más largo de la banda, 64 minutos, en los que 22 de ellos pertenecen al tema ‘Defeaf’. Aunque ya lo han tocado en directo durante los últimos años, ahora lo incluyen en ‘Isn’t It Now?’.

Russell Elevado (D’Angelo, The Roots, Kamasi Washington) ha coproducido y mezclado este álbum que Animal Collective acabó en 12 días. Después de decidir en 2019 que tenían material para dos álbumes, el grupo estrenó ‘Time Skiffs’, pero este segundo álbum estaba en sus mentes mucho antes de que una pandemia decidiese por ellos. Este otoño verá la luz su proyecto más «comunitario y solidario».

El tracklist:
1. Soul Capturer
2. Genie’s Open
3. Broke Zodiac
4. Magicians From Baltimore
5. Defeat
6. Gem & I
7. Stride Rite
8. All The Clubs Are Broken
9. King’s Walk