La música regional mexicana protagoniza el nuevo movimiento musical que está empezando a dominar las listas de éxitos globales. Grupo Frontera es el actual número 1 de Spotify Global con ‘un x100to’, su colaboración con Bad Bunny. La canción ha contado con un tirón considerable gracias al autor de ‘Un verano sin ti’, pero Benito no ha hecho otra cosa que subirse a un tren que ya estaba en marcha: solo hace unos días era ‘Ella Baila Sola‘ el número 1 global.
Bad Bunny no es el único artista mainstream que se ha sumado a la moda de la música regional mexicana. Becky G, que siempre ha presumido de sus raíces mexicanas, acaba de publicar una canción con Peso Pluma, ‘Chanel’, en el estilo de corrido guiado por trompetas que tanto caracteriza al género.
La repercusión que está alcanzando la música regional mexicana es suficientemente amplia como para que empiecen a emerger voces que nos recuerdan sus orígenes. Porque las tradiciones se componen de otras tradiciones anteriores, y si no, que se lo digan al flamenco, géneros como el corrido, la banda o el norteño contienen evidentes ecos de la polka europea que las colonias alemanas, polacas y checas trajeron a México hace siglos, y han evolucionado musicalmente hasta convertirse en géneros eminentemente mexicanos. Selena Quintanilla fue una pionera del norteño.
Asombra comprobar que el top 50 global de Spotify empieza a estar conquistado por la música tradicional mexicana. Solo en el top 3 es posible encontrar a Grupo Frontera y Bad Bunny en el número 1, a Eslabón Armado y Peso Pluma en el 2 (con ‘Ella Baila Sola’) y otra vez a Peso Pluma en el remix de ‘La Bebé’ de Yng Lucas, en realidad una producción de reggaetón. Peso Pluma, cuyo nombre real es Hassan Emilio, vuelve a aparecer en el 13 con un tema propio, ‘NRC’, compartido con otra estrella del género, Natanael Cano. En el orden inverso, Cano y Pluma vuelven a saludar en el 17 con ‘AMG’. Otro «featuring» de Peso Pluma, ‘El Azul’ con Junior H, se posiciona en el 19. ‘Por las noches’, de Peso Pluma en solitario, aparece en el 39. El 50 lo ocupa una nueva entrada, ‘El Gordo Trae al Mando’ de Chino Pacas, otra pieza en el estilo regional mexicano que domina el mundo.
El ascenso de la música regional mexicana viene de largo. No hace tanto que Camilo actuó con Grupo Firme en los premios Billboard, los mismos por los que también se han dejado caer Eslabón Armado antes de ‘Ella Baila Sola’. Christian Nodal acaba de colaborar con Christina Aguilera, no porque él le necesitara a ella sino más bien al revés: es uno de los artistas mexicanos más populares del momento. Hace años que las escuchas de Carin León o Banda MS son multimillonarias y, especialmente, sus visitas en Youtube hacen frente a las de cualquier artista anglosajón que pueda venir a la cabeza. Sin embargo, el verdadero traspaso internacional se ha dado ahora, y seguro que esto solo acaba de empezar.
Santander Music avanza en la propuesta artística de su nueva edición con la confirmación de cinco nuevos nombres que se unen a La Casa Azul, Viva Suecia, Second, Soleá Morente, Alice Wonder, Ana Tijoux, La M.O.D.A. o Iseo & Dodosound, entre otros.
Entre los nombres imprescindibles que se suman a Santander se encuentra Joe Crepúsculo, que seguirá presentando su discazo bakala ‘Trovador tecno‘. También será momento de encontrarse en directo con otro de los buenos discos de pop que nos ha dejado por ahora 2023, el de REYKO, que se suman al festival.
Santander Music sigue apoyando el talento nacional a la vez que mantiene su compromiso con la paridad. Depresión Sonora, autor de uno de los mejores discos de 2022, se une a la programación, así como dani, que acaba de publicar el encantador ‘Posdata‘, y también se incorpora Alba Morena, una de las artistas revelación del año, pues además su directo es imperdible.
La decimotercera edición de Santander Music tendrá lugar en dos jornadas en la Península de la Madgdalena, los días viernes 4 y sábado 5 de agosto. Las entradas y abonos están disponibles a través de la web del festival.
Con cinco discos publicados en un periodo de veinte años (seis si se cuenta su debut perdido de 1999) es evidente que Feist solo saca nueva música cuando tiene algo que decir. En los seis años que han pasado desde la edición de ‘Pleasure’ en 2017 hasta la actualidad, Leslie ha adoptado una hija, ha perdido a su padre y, como todo el mundo, ha vivido una pandemia. Así que ‘Multitudes’ llega con un bagaje de experiencias considerable, aunque son menos sus “multitudes” de lo que parece.
El nuevo disco de Feist, que nace de una serie de conciertos íntimos que Leslie ofrece en 2021 en Europa y Canadá, sorprende por su extrema sencillez. ‘In Lightning’, la canción de apertura, llega cargada de energía y de percusiones cortapegadas que remiten al trabajo de Tune-Yards. Es estupenda la composición y también su reflexión sobre los pequeños “relámpagos” de sabiduría que nos va regalando la vida. También es excepcional en un disco compuesto principalmente por canciones acústicas interpretadas a guitarra acústica y voz, por las que de vez en cuando asoma tímidamente algún arreglo de cuerda, algún teclado, alguna flauta.
En un primer acercamiento, la dirección acústica de ‘Multitudes’ confunde. El sonido de ‘In Lightning’ engaña y da la impresión de que Feist lo ha colado a petición de su sello, al que te imaginas pidiéndole “tía, haz un single”. Sin embargo, hay destellos de belleza en estas canciones acústicas. En ‘Forever Before’, mientras los coros juegan a ser fantasmas, Feist canta sobre la ternura y a la vez la valentía que ha aprendido de la maternidad. Sus dificultades para formar una familia inspiran la preciosa ‘Love Who We Are Meant To’, cuyo título dentro de contexto significa otra cosa: “quizá nunca llegamos a amar a quien debemos amar”. ‘The Redwing’ es tan bucólica que recuerda a algo que habría firmado Vashti Bunyan.
Cuenta Feist que en ‘Multitudes’ plasma su intento por aceptar que en la vida puede no haber tomado siempre el camino correcto. De esto habla la idealista ‘I Took All My Rings Off’. Las canciones, en general, transmiten una sabiduría reconfortante. ‘Hiding Out in the Open’ captura la sensación de soledad compartida a la que nos llevó la pandemia con susurros, voces autodobladas y una bonita melodía. La fórmula funciona pero no a lo largo de doce canciones, las cuales van perdiendo entidad y fuerza a medida que el disco avanza, pues ‘Of Womankind’, por ejemplo, se apoya sobre todo en las cuerdas, y otras composiciones como ‘Before the Earth’ terminan antes de que te hayas dado cuenta.
Después de tanta contención, ‘Borrow Trouble’ es la segunda excepción del disco y permite a Feist descargar toda su rabia (gritos incluidos) en una canción que suena, curiosamente, inspirada en el sonido de los primeros Arcade Fire, cuya gira ha tenido que abandonar por las razones que todos conocemos. ‘Borrow Trouble’ supone una grata sorpresa dentro de un trabajo que busca sobre todo aportar un momento de calidez y compañía. La letra de ‘Song for Sad Friends’, el corte final, se compone de una carta que Feist escribe a sus amigos durante la pandemia, y ‘Multitudes’ es eso mismo, una bonita misiva que recibimos de una buena amiga y que, de vez en cuando, apetece recordar.
El año pasado debutaba con éxito Cala Mijas, un nuevo festival que se celebra en la provincia de Málaga. La línea artística era exquisita y vuelve a serlo en esta 2ª edición que ya está cerrada para los días 31 de agosto, 1 de septiembre y 2 de septiembre.
JENESAISPOP es medio colaborador de Cala Mijas, y en este artículo os recomendamos a 12 artistas imprescindibles del que supone uno de los mejores carteles de la música en directo de 2023. Las entradas están a la venta en la web oficial, y además hay viajes organizados hasta el cámping, desde varias ciudades españolas, en concreto desde Alicante, Bilbao, Granada, Madrid, Murcia, Sevilla, Valencia, Valladolid y Vitoria.
Florence + the Machine
Una de las grandes diosas que hemos visto crecerse sobre el escenario en los últimos años es Florence Welch. A Cala Mijas además viene a presentar uno de los mejores trabajos de su carrera, ‘Dance Fever’, que apareció en todas las listas con lo mejor de 2022 con criterio. ‘Free’ y ‘My Love’ están entre las imprescindibles ya de su repertorio.
Siouxsie
En las últimas décadas, nos hemos cansado de contar grupos para los que Siouxsie and the Banshees fue una enorme influencia. No hace falta irse al mundo del rock, recordemos que hasta The Weeknd les sampleó en su primera mixtape. El grupo de Siouxsie Sioux fue fundamental en el desarrollo del rock de finales de los 70 y principios de los 80 y hitazos como ‘Happy House’ y ‘Spellbound’ así lo corroboran. Si no los tienes controlados, ya estás tardando en pillarte sus recopilatorios ‘Once Upon a Time’ y ’Twice Upon a Time’, ambos imprescindibles, sobre todo el primero.
The Strokes
Entre las apuestas infalibles de todo festival, por mucho que no tengan nada nuevo que presentar, los Strokes. Y así seguirá siendo mientras su setlist continúe incluyendo éxitos de su histórico debut ‘Is This It?’ como ‘Someday’ o ‘Last Nite’, y otros hits que han reventado las plataformas de streaming como ‘Reptilia’ o ‘The Adults Are Talking’.
Belle & Sebastian
Clave en el desarrollo del indie pop de finales de los 90, gracias a obras maestras como ’Tigermilk’ o ‘The Boy with the Arab Strap’, Belle & Sebastian se han mantenido últimamente casi más activos que nunca. El año pasado publicaban nuevo disco, ‘A Bit of Previous’, teníamos la oportunidad de charlar con ellos en persona sobre él; y este 2023 ha llegado ‘Late Developers’.
Ethel Cain
La artista que más tenemos ganas de ver en Cala Mijas, porque nunca hemos tenido la ocasión de ver su show, es Ethel Cain. La cantante se revelaba el año pasado con una obra conceptual llamada ‘Preacher’s Daughter’ en la que hablaba sobre ser criada en un entorno religioso, alcoholismo y maltrato, siendo finalmente en esta historia devorada por un caníbal. No había tregua en esta obra, y ahora solo queda por ver cómo es trasladado todo eso al escenario.
Lil Yachty
Otro de los artistas nada fáciles de ver por aquí es el rapero americano Lil Yachty, que el año pasado se viralizó con un tema de poco más de un minuto llamado ‘Poland’. Más interesante fue el disco editado bajo el nombre de ‘Let’s Start Here‘, en el que se alternaban los ritmos trap con una influencia mucho más clásica. Así se percibía en pequeñas joyas como ‘drive ME crazy!’ de cierto gusto por los años 60. Llegó la psicodelia hip hop.
José González presenta ‘Veneer’
Otra de las actuaciones menos comunes, menos vistas en este tipo de eventos, será el show que prepara José González. En él está celebrando los 20 años de ‘Veneer’, que es el disco en el que se incluyó su célebre versión de The Knife que superó en éxito a la original (‘Heartbeats’), y también singles propios como ‘Crosses’.
Arca
Entre las performers imprescindibles de Cala Mijas, Arca. Por lo visto en sus primeros shows de 2023, veremos una selección de temas de los 5 volúmenes de ‘KiCk’. Y no, no se va a dejar fuera su reciente pequeño viral junto a SAFETY TRANCE, ‘El alma que te trajo’.
Moderat
En reflexión sobre la obsesión con las nuevas tecnologías, Moderat publicaban el año pasado un nuevo disco llamado ‘MORE D4TA’. Además, lo completaban con un nuevo show en directo en el que no faltaban las canciones que hicieron de ellos una de las superbandas seminales en esto de la electrónica con alma. ¿Quién habría adivinado que serían tan masivos cuando se lanzó ‘A New Error’?
James Holden
Siete años después de conquistarnos con ‘The Animal Spirits’, James Holden ha vuelto con un disco llamado ‘Imagine This Is A High Dimensional Space Of All Possibilities’ en el que recuerda años pasados: su infancia, el descubrimiento de las raves y las radios piratas. Además, en Cala Mijas ha asegurado la realización de un “live”.
Metronomy
Uno de los grupos que no pudo faltar en nuestro icónico repaso a los mejores discos del siglo XXI fue Metronomy. La banda de Joseph Mount fue decisiva en la fusión de las guitarras eléctricas con los sintetizadores analógicos de los años 80. Eso se vio en ‘The English Riviera’ y esa continúa siendo la fórmula en sus últimos pasos. En ‘Small World’, su largo de 2022, ‘it’s good to be back’ continuaba siendo un single excelente.
Duki
Es “imprescindible” ver en festivales a un artista que no hayas visto nunca (o no verías de otra manera), y por eso Duki es un nombre que nadie debería perderse en Cala Mijas. El artista argentino fue protagonista de la Session Vol. 50 de Bizarrap, siendo número 1 en España, y también ha conquistado las listas españolas con colaboraciones como ‘Marisola’ con Cris MJ o Nicki Nicole, o ’Si quieren frontear’ con De la Ghetto y Quevedo.
Desde el mítico sello Acuarela y en colaboración con Intromúsica, El Faro están a punto de publicar su nuevo EP ‘Una paz extraña’. Ha sido producido por Lisandro Montes (Dorian) y Sergio Acosta Russek (Zoé). El proyecto de Carlos Díaz, creado hace una década en Tenerife, ha publicado varios EP’s y temas marcados por la influencia de Beat Happening, The Pastels y Sr. Chinarro.
Este nuevo EP se presentaba con un tema llamado ‘Algo bueno’ más en sintonía con los hits de la era Brit Pop y hoy JENESAISPOP estrena el segundo single junto al correspondiente videoclip. El nuevo tema ‘Sal de mi casa’, que es nuestra Canción del Día hoy, estará disponible desde este viernes en las plataformas de streaming habituales.
La canción habla de temas como la desidia, la soledad o la resignación, sobre programaciones y arreglos de guitarra emparentados con las diversas formaciones de Ben Gibbard. Oficialmente El Faro reflexiona aquí sobre el papel que juega la tristeza en nuestras vidas y sobre el miedo que dan algunos sentimientos. De ahí esa estrofa «Llevo ya algún tiempo llorando al despertarme, y no sé muy bien por qué / será que hay algo triste en mi manera de sentir».
Eso sí, al final hay sorpresa, con una pequeña entrega discotequera, lo cual va en sintonía con el videoclip. El vídeo, en parte en blanco y negro, nos presenta a una mujer que se ve obligada a convivir con sus fantasmas. O con uno, en representación de todos ellos. Al final, el estribillo «Sal de mi casa, que estoy aburrido de ti» va ganando sentido, así como la coda «voy a bailar de tristeza hasta que te marches».
Siguiendo las directrices del Consejo de Transparencia y Buen Gobierno, TVE ha hecho públicos los costes de Benidorm Fest. El diario Público había solicitado averiguar cuáles son los costes del certamen, que por alguna razón siempre son cuestionados y comentados por la sociedad, a diferencia de otros formatos, y pese a representar parte de la escasísima apuesta del ente público por la música en particular y la cultura en general.
El coste de Benidorm Fest se ha visto aumentado de manera muy significativa, elevándose por encima de los 4 millones de euros, un 42% más que el año anterior, cuando dio un éxito mucho mayor de audiencia, pero no se esperaba. El mayor coste fue el pago a productoras (2,5 millones de euros) seguido del personal técnico de RTVE (659.000 euros).
Pero lo que ha estado llamando la atención es lo que han cobrado los presentadores. En el presupuesto figuraban dos salarios por 50.000 euros («presentador» y «presentadora») y otro por 15.000 euros. Se confirmaba que el de Inés Hernand es el de 15.000 euros, algo llamativo, porque aunque es verdad que su rol luce secundario en la pequeña pantalla, sus comentarios fueron los más ocurrentes y celebrados en las redes.
Mónica Naranjo actuó y cantó en directo, pero es bastante cuestionable que la función un tanto “florero” de Rodrigo Vázquez valiera el triple que la de Hernand. El presentador ha contactado con Público para negar que haya cobrado 50.000 euros por presentar Benidorm Fest. En concreto ha asegurado que lo que recibió “está bastante alejado” de lo que ha publicado el diario, citando a RTVE. Sin embargo, declinaba aclarar cuánto percibió. Tras la presión social, RTVE ha revelado cuánto cobró cada uno: Mónica Naranjo, 50.000 euros. Rodrigo Vázquez, 25.000. E Inés Hernand, 15.000.
Por su parte, Inés Hernand ha acudido a Twitter para comentar la brecha salarial, llamándola «pequeñísima, testimonial y simbólica diferencia». «Fíjate qué risa y qué bien me sienta», ha añadido. Ante el debate generado en redes, la presentadora ha agregado: «Soy consciente de mi privilegio. Sin entrar en la cuantía, si veis mal el visibilizar una desigualdad laboral por igual desempeño de funciones en más de un 40% salarial, entonces el problema es más grande que el Benidorm Fest».
anda esta pequeñísima, testimonial y simbólica diferencia de cobrar 35.000€ menos que mis dos compañeros presentadores del Benidorm fest fíjate qué risa y qué bien me sienta 🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡🤡 pic.twitter.com/to5UU5ARJ9
El esperadísimo regreso a los escenarios de Frank Ocean después de 6 años ha dejado un sabor agridulce. Su concierto en Coachella, apalabrado desde hace años, desde antes de la pandemia, no fue retransmitido y se retrasó una hora, teniendo que terminar antes por el toque de queda. Justin Bieber tenía que salir a defenderlo en redes sociales debido al pequeño backlash que estaba sufriendo.
Este miércoles conocíamos la noticia de que Frank Ocean se torció un tobillo justo antes de salir. El asunto pintaba mal de cara al segundo fin de semana, cuando Coachella replica el cartel del primero palmo a palmo, y efectivamente Frank Ocean no estará ahí.
Por prescripción médica, la actuación ha de ser cancelada. Frank Ocean no podrá cantar porque tiene dos fracturas y un esguince en la pierna izquierda.
El autor de ‘channel: orange’ ha decidido tomarse el tema con humor en su comunicado: “fue caótico. Hay algo de belleza en el caos. No era lo que quería mostrar, pero he disfrutado salir ahí fuera. Os veré pronto”. Las noticias sobre un nuevo álbum de Frank Ocean fueron tímidas durante el show, pues el artista solo reconoció que tal disco existe, pero no sonaron canciones nuevas. Sí versiones inéditas de canciones anteriores y versiones. Sobre todo sonaron temas de ‘blond’.
Parece que Blink-182 podrían ocupar su lugar este fin de semana en Coachella, según informa Variety, algo que aún no se ha confirmado oficialmente.
Moonbin ha fallecido a los 25 años. El cantante de la banda de K-Pop ASTRO ha sido encontrado muerto en su casa de Seúl, como ha informado su mánager este miércoles 19 de abril. Según la policía, “parece que se ha suicidado”. El comunicado de este organismo indica que “están discutiendo la posibilidad de una autopsia para determinar la causa de la muerte”.
El sello de ASTRO Fantagio Music ha enviado otro comunicado indicando que “se disculpan por las tristes y desoladoras noticias. El 19 de abril el miembro de Moonbin ASTRO nos ha dejado para convertirse en una estrella en el cielo (…) Os pedimos que os mantengáis lejos de los artículos maliciosos y especulativos para que la familia, que está sintiendo una enorme pena debido a la inesperada noticia, pueda rendir homenaje al fallecido”. El funeral será privado.
El 12 de noviembre de 2019 Fantagio anunció que debido a razones de salud, Moonbin no promocionaría uno de sus EPs’s, ‘Blue Flame’, retirándose termporalmente. El retiro duró solo 3 meses, pues el 14 de febrero de 2020 ya se le vio en un acto promocional con ASTRO. Su muerte reabre el debate sobre las condiciones de explotación en que viven las estrellas surcoreanas desde adolescentes, prisioneras de la inmediatez que requiere el mercado del pop.
El quinteto había publicado su tercer disco ‘Drive to the Starry Road’ el pasado mes de mayo de 2022. Los tres álbumes del grupo habían sido número 1 en Corea del Sur, vendiendo cientos de miles de copias (los dos últimos eran platino), dando cierto salto también a Japón. Igualmente habían editado una decena de EP’s. Uno de los miembros, Rocky, acababa de anunciar su marcha de la banda.
La noticia ha conmocionado al K-Pop hasta el punto de que el grupo de chicas ITZY ha decidido posponer una semana sus nuevos lanzamientos «por respeto», y la banda de chicos iKON también ha pospuesto a mañana la preview de su próximo disco. Por su parte, BTOB han decidido suspender todas sus publicaciones en redes “de manera temporal”. DIVE Studios, KQ Entertainment y JYP Entertainment también han retrasado unos días sus publicaciones, como informa el NME.
Miss Caffeina suceden su último disco ‘El año del tigre‘ con un EP relacionado estéticamente, ‘Shangái Baby’. Es como si estuviéramos ante la reedición del álbum, pero aparte. Y con la misma función: alargar un poco la era de cara a los festivales de verano.
La buena noticia es que no parecemos estar ante descartes de viejísimas sesiones. Las composiciones tienen en su mayoría su propia identidad, comenzando por ‘Para toda la vida‘, uno de sus singles más machacones, directos y comerciales, que parece estar dando ciertos frutos en las listas virales. No es su producción más enriquecedora, sí posiblemente una de las más eficientes. No es el nuevo ‘Mira cómo vuelo’ sino el nuevo ‘Danceteria’: una cosa que parecía un poco improvisada, y ahora ya no puede salir de su repertorio en directo.
‘Para toda la vida’ apela a una ruptura, quizá personal, quizá profesional (la marcha de un miembro de la banda, Álvaro Navarro), y no es la única composición de ‘Shangái Baby’ que nos habla de algo así. También tenemos ‘Fade Out’, sobre lo triste que es que todo termine con un «fade out», incluso la música, aunque esta grabación opte por cortar en seco.
Otras canciones nos hablan más bien de amor, y resultan ser las mejores. ‘Y de repente’ es un tema menos obvio que ‘Para toda la vida’, melódicamente más rico, con una atractiva línea de sintetizadores marcando el estribillo, y cierto poso de melancolía. Miss Caffeina han hecho algunas de las mejores canciones sobre sexo de nuestro país últimamente (‘Venimos’, ‘Prende’), y esta habla de algo similar, acaso un amor prohibido («un roce en el momento perfecto, mañana es solamente mañana, y si te he visto no me acuerdo»).
La titular ‘Shangái Baby’ reincide en esa mezcla de guitarras y sintetizadores, a punto de distorsionarse pero no -ese sonido que caracterizó a los mejores Phoenix-, con una intro de teclados que solo podemos emparentar con los años 80 de a-ha y Olé Olé. Si estás atrapade en un post de Miss Caffeina diciendo que ya no son lo que eran, a este estribillo no hay quien le tosa: «Hay una luz que se enciende al besarte (…) hay una herida que se cierra al tocarte».
Después, sí es cierto que ‘Sin embargo no’ pasa más desapercibida (debería ser más oscura si realmente pretende ser el tema oscuro del EP). Y que urge al grupo una reinvención estética como la que intentaron en la notable ‘Me voy’, ejecutaron magistralmente en ‘Merlí‘ o como la que encontraron Fangoria en un tema tan icónico como ‘Dramas y comedias’. Los estribillos, los pre-estribillos, los puentes, las líneas de sintetizador… sí que continúan estando en su sitio.
Rita Ora, que hace unos días confirmaba que actuaría en las semifinales de Eurovisión, anuncia nuevo disco. ‘You & I’, su tercer álbum, saldrá al mercado el 14 de julio y ya está disponible su preventa y el tracklist. Incluye el single anterior ‘You Only Love Me‘.
En Instagram ha indicado lo siguiente: «este disco de verdad significa mucho para mí. Es como el diario de los últimos pocos años, es mi sonido y lo siento muy honesto para mí y quién soy. Bienvenidos a la nueva era, R03 se viene».
Al tiempo que anuncia el sucesor de los desiguales ‘Ora‘ y ‘Phoenix‘, comparte un nuevo tema construido sobre ‘Praise You’, uno de los clásicos de los 90 de Fatboy Slim. De hecho, este ha consentido aparecer como «featuring» dado el fusilamiento de este ‘Praising You’.
1.-Don’t Think Twice – 3:06
2.-You Only Love Me – 2:28
3.-Praising You (feat. Fatboy Slim) – 2:44
4.-Unfeel It [Explicit] – 2:41
5.-Waiting For You – 2:43
6.-You & I – 3:00
7.-That Girl – 3:01
8.-Shape Of Me [Explicit] – 2:29
9.-Look At Me Now – 2:45
10.-Girl In The Mirror – 3:11
11.-Notting Hill – 2:30
12.-I Don’t Wanna Be Your Friend – 3:14
La música creada con inteligencia artificial es una realidad que más pronto que tarde la industria musical asimilará para sacarle provecho económico. De momento toca frenar virales como el deepfake de Drake y The Weeknd, pero no pasará muchísimo tiempo hasta que este tipo de «versiones» se hagan oficiales. Al menos no cuesta creer que vaya a ser así.
Lo que está claro es que la gente no puede parar de crear música con inteligencia artificial. Las voces sintéticas interesan especialmente a los creadores independientes, que están confabulando universos imposibles en los que Lady Gaga ha versionado a Lana Del Rey, Britney Spears ha cantado por fin ese ‘Umbrella’ que rechazó o Michael Jackson se ha levantado de la tumba para adaptar a The Weeknd o cantar con Bruno Mars.
El fenómeno viene de lejos y no se cierne únicamente al pop: la «nueva canción de Nirvana» creada con inteligencia artificial tiene dos años. Ahora un músico británico, Bobby Geraghty, que toca en la banda Breezer, ha decidido ir tan lejos de componer un álbum entero de Oasis que replica el sonido de sus tres primeros discos.
El álbum de «AISIS» imagina una realidad alternativa en la que Oasis nunca se han separado y han seguido publicando música. La cosa tiene trampa porque la música de AISIS está grabada con instrumentos reales. Sin embargo, las voces de Liam y Noel Gallagher son sintéticas.
Por si fuera poco el absurdo de todo esto, el propio Liam Gallagher ha escuchado la música de AISIS y ha dado su aprobación. En Twitter ha confirmado no haber escuchado el disco entero, pero sí una canción que le ha parecido «mejor que toda la mierda que hay ahí afuera», y ha opinado que su voz sintetizada le suena «de puta madre». Juzgad vosotros mismos.
Como cada semana, renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional o en castellano “Sesión de Control”. Hoy jueves se ha publicado al completo el nuevo disco de CARLANGAS, ex Novedades Carminha, plagado de colaboraciones interesantes, como esta con Grande Amore y Mundo Prestigio. También hoy llegan los nuevos singles de Triángulo de Amor Bizarro y Surfin Bichos, en avance de sus inminentes álbumes. El de Surfin llega el 5 de mayo; el de Triángulo, el 2 de junio. También es novedad de hoy el tema que Guitarricadelafuente dedica a Barcelona por Sant Jordi, ‘Romancera’.
La nueva fusión de tradición y vanguardia viene de mano de Maria Hein. ‘LA DAMA DE MALLORCA’ es una adaptación de una canción popular de esta isla, ahora entonada por la autora de ‘Continent i contingut’ y producida por Ferran Palau y b1n0. El mismo 19 de abril se ha publicado el EP de la revelación Nenas y de él solo nos quedaba por escuchar el tema de hyperpop ‘Último perdón’ junto a Laborde. También es novedad ‘Lo mon’, el comeback de Idoipe, que anticipa su segundo disco. Será la banda sonora de un documental protagonizado por él mismo en el que ha recorrido distintos lugares del Pirineo aragonés recogiendo sus sonidos y fusionándolos con la electrónica.
Incluimos temas de valores habituales del site como el divertidísimo tema de LUNA KI con Pablo Escobarras, DELLAFUENTE explorando ritmos reggae y latinos al tiempo, Ghouljaboy con nada menos que Dent May (¿os acordáis de Dent May?), Dinamarca con Ralphie Choo; o CARABALLO, que ya ha publicado su disco al margen de Colectivo Da Silva.
Entre los menos habituales de la web, Por las Noches (con miembros de Parrots y Nastys) publican su segundo tema, dedicado a la gente siempre de fiesta; y Cma y SUOB publican a la vez un par de temas producidos por BLNCO. Los sitúan más cerca de la melancolía de Yung Lean que del hyperpop en este caso. El punk lo ponen los barceloneses Enamorados; y por otro lado Error 97, que van por el segundo tema de su nuevo EP.
Operación Triunfo volverá con una nueva edición, pero no en TVE. Ni siquiera a la televisión. El formato pasa a la plataforma de streaming de Prime Video, confirma Vertele. Amazon ha adquirido el formato y dará el pistoletazo de salida a la nueva era de Operación Triunfo, ahora instalado en el mercado digital.
El regreso de Operación Triunfo se prevé que tenga lugar en Prime Video entre finales de 2023 y principios de 2024, y su paso al streaming no afectará enormemente al contenido original, al menos que se sepa, pues el programa seguirá contando con galas en directo semanales y con un canal de 24h, que en la última etapa de OT en TVE ya era digital, pues se seguía a través de Youtube.
La noticia del paso de Operación Triunfo a Prime Video no sorprende del todo porque TVE ya descartó renovar el formato. Sin embargo, quizá pocos esperaban que el programa diera un salto tan decidido al streaming. Vertele apunta, no obstante, que otras plataformas como Netflix o Movistar+ habían mostrado interés en el formato.
Desde Prime tendrá lugar por tanto la nueva etapa de Operación Triunfo, que ha pasado ya por dos en TVE (las primeras tres ediciones entre 2001 y 2004 y después las otras tres más recientes entre 2017 y 2020) y por una en Telecinco, que terminó de matar el formato en sus ediciones celebradas entre 2005 y 2011, antes de resucitar OT en la televisión pública.
Foo Fighters han anunciado nuevo disco, el undécimo de su carrera. ‘But Here We Are’ sale el 2 de junio y es el primer disco que publican Foo Fighters desde que su batería Taylor Hawkins falleciera de manera repentina en marzo de 2022, a los 50 años de edad.
El disco, compuesto por apenas 10 canciones, es la respuesta «brutalmente honesta y emocionalmente visceral a las cosas que Foo Fighters hemos pasado en el último año». Así queda el tracklist:
01 Rescued
02 Under You
03 Hearing Voices
04 But Here We Are
05 The Glass
06 Nothing at All
07 Show Me How
08 Beyond Me
09 The Teacher
10 Rest
‘Rescued’, el corte de apertura, es también el primer single, que ya puede escucharse. Es un tema cargado de energía y poder que parece aludir al fallecimiento de Hawkins en su primera estrofa: «fue como un resplandor, vino de la nada, pasó tan rápido, y de repente todo había terminado». Después, Dave Grohl trata de salir de la oscuridad: «hasta un punto somos libres de bailar bajo las luces, solo estoy esperando a ser salvado, a que alguien me devuelva la vida».
Queda por resolver el misterio de quién toca la batería en ‘Rescued’, pues no se han publicado nuevas imágenes promocionales de Foo Fighters y la nota de prensa no menciona ningún batería nuevo. Podría ser que un miembro actual del grupo ha cogido las baquetas en esta ocasión. Desde luego esa persona no es Matt Cameron, batería de Soundgarden y Pearl Jam, que ha desmentido los rumores que le incorporaban a la formación de Foo Fighters en los conciertos.
Las nominaciones de los Premios MIN se han revelado hoy en una lectura pública celebrada en el Palacio Longoria de la SGAE, en Madrid. Los Premios de la Música Independiente organizados por la UFI celebran este año su 15ª edición, ocasión para la que se trasladan a Palma de Mallorca, ciudad en la que contarán con Samantha Hudson como maestra de ceremonias.
Tanxugueiras es el grupo que recibe más nominaciones, siete en total, seguido por Los Estanques y Anni B Sweet con seis. Por otro lado, Zahara opta a cinco candidaturas y Vicente Navarro y Ginebras empatan con cuatro nominaciones. Alice Wonder, Rigoberta Bandini o Las Migas se encuentran entre las artistas que se posicionan con tres nominaciones. Christina Rosenvinge recibirá el premio honorífico.
Las primeras actuaciones musicales de los Premios MIN también se ha dado a conocer. Por el escenario pasarán La La Love You, Karmento, shego, el grupo catalán OR (O-ERRA), Las Migas y Xavibo, además de otras sorpresas que quedan por desvelar.
Los Premios MIN son posibles gracias a la ayuda financiada por Mallorca, la Unión Europea Next Generation EU, el Ministerio de Industria, Comercio y Turismo, el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia y la Agencia de Estrategia Turística de Islas Baleares.
Categoría The Orchard a Álbum del Año
Biznaga
La Bien Querida
Los Estanques y Anni B Sweet
Nacho Vegas
Tanxugueiras
Categoría Johnnie Walker a Mejor Artista Emergente
CHICA SOBRESALTO
Ede
Karmento
Shego
Vicente Navarro
Categoría SAE Spain a Mejor Producción Musical
Alice Wonder
Las Migas
Los Estanques y Anni B Sweet
Tanxugueiras
Vicente Navarro
Categoría MIN a Mejor Álbum en Catalán
Anna Andreu
Antònia Font
Els Catarres
Marala
Mishima
Categoría Larrosa Music Group a Mejor Álbum de Rock
Belako
Biznaga
Egon Soda
Los Punsetes
Sexy Zebras
Categoría AIE a Mejor Álbum de Flamenco
Juanito Makandé
Las Migas
María Pelaé
Niño Josele
Perrate
Categoría MIN a Mejor Álbum en Gallego
Abe Rábade
Antía Muíño
Familia Caamagno
LaMontagne & PicoAmperio
Tanxugueiras
Categoría Radio 3 a Mejor Canción del Año
Alice Wonder
Alizzz
Ginebras
Los Estanques y Anni B Sweet
Zahara
Categoría Ticketmaster a Mejor Directo
Ginebras
Los Estanques y Anni B Sweet
Rigoberta Bandini
Tanxugueiras
Zahara
Categoría Sympathy for the Lawyer a Mejor Videoclip
Alice Wonder
Ginebras
Rigoberta Bandini
Tanxugueiras
Vicente Navarro
Categoría Marilians a Mejor Diseño Gráfico
Biznaga
Egon Soda
Ines Osinaga
Parquesvr
Zahara
Categoría MIN a Mejor Grabación de Electrónica
Amatria
Elena Setien
Joe Crepúsculo
La Élite
Soledad Vélez
Categoría MIN a Mejor Álbum de Jazz
Abe Rábade
Andrea Motis
Antía Muíño
Chano Domínguez & Antonio Liza
Jorge Pardo
Categoría AIr Europa a Mejor Artista Internacional
Angel Olsen
Belle and Sebastian
Big Thief
Fontaines D.C.
Javiera Mena
Categoría Amazon Music a Mejor Artista
Ginebras
Los Estanques y Anni B Sweet
Rigoberta Bandini
Robe
Zahara
Categoría AGEDI a Mejor Álbum Pop
Dorian
Izaro
La Bien Querida
Los Estanques y Anni B Sweet
Nacho Vegas
Categoría Etxepare Euskal Institutua a Mejor Álbum en Euskera
Merina Gris
Niña Coyote eta Chico Tornado
Olaia Inziarte
Vulk
Zea Mays
Categoría MIN a Mejor Letra Original
Karmento
Las Migas
Tanxugueiras
Xavibo
Zahara
Categoría MIN a Mejor Álbum de Música de Raíz
Marala
Maruja Limón
Tanxugueiras
Uxía, Javier Ruibal
Vicente Navarro
Categoría MIN a Mejor Álbum de Clásica
Anna Urpìna
Concerto 1700
Forma Antiqva
Identidade
Silvia Nogales Barrios
Categoría MIN a Mejor álbum de músicas urbanas
Erik Urano
FERNANDOCOSTA
LUNAKI
PUTOCHINOMARICÓN
SFDK
Premio de Honor Mario Pacheco
Christina Rosenvinge
Que David Bisbal es un ejemplo de alegría de vivir lo sabemos desde que le conocimos en Operación Triunfo dando patadas al viento y lo corroboramos cuando escuchamos la versión del himno de España más apasionada que se ha cantado jamás. Bisbal es el ejemplo de que la vida no tiene por qué pesar como dos muros de cemento sobre la existencia si uno no quiere.
A los diferentes hitos de Bisbal hay que sumar otro que ha irrumpido estos días como un meteorito y que ya está provocando efectos transformativos en la sociedad. Bisbal acaba de ofrecer un concierto en el WiZink Center de Madrid y a la salida del recinto se ha encontrado con un grupo de fans a los que ha saludado con una de sus cariñosas frases: «Bueno, ¿cómo están los máquinas? Lo primero de todo». La frase se ha viralizado hasta el punto de que la está adaptando todo el mundo, desde Cachitos hasta supermercados que no se cortan en promocionar las «máquinas» que venden en sus tiendas.
Bisbal, más campechano que el Rey, suma a su saludo la siguiente propuesta: «¿Estáis bien? Venga, vamos a echar una fotillo». No es frecuente que los artistas den tanto que hablar por ser agradables con sus fans. Claro que Bisbal solo hay uno. Y, aunque su humilde gesto tiene algo de relaciones públicas, de todo lo aprendido en 20 largos años de carrera, también es prueba de que el intérprete de ‘Ave María’ y autor de la vuelta más icónica del pop latino no ha cambiado tanto. Y también de que con una sola frase le pone más ímpetu a la vida que cualquier quinceañero.
BUENO, CÓMO ESTÁN LOS MÁQUINAS, LO PRIMERO DE TODO.
Explosions in the Sky, uno de los grupos de post-rock más queridos durante décadas, ha anunciado dos conciertos en España. Las fechas son el 19 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 20 de noviembre en La Riviera de Madrid. La preventa de entradas se abre mañana jueves 20 de abril a partir de las 10 horas, y la venta general el viernes 21 a partir de las 10 horas.
La banda de Texas, formada por Chris Hrasky, Michael James, Munaf Rayani y Mark Smith, crea una de las músicas instrumentales más emocionantes del rock. A partes iguales salpicada de romanticismo y tragedia, sus melodías suelen convertirse en ráfagas de sonido profundo difíciles de sacar de la cabeza. Explosions in the Sky es una de las bandas que más intensidad y pasión transmite en sus directos y su sonido demuestra ser tan apoteósico como su nombre indica.
El grupo se formó en 1999 y en 2003 editó su obra maestra, ‘The Earth is Not a Cold Dead Place’, al que después seguían siguieron otros lanzamientos aclamados como ‘All of a Sudden I Miss Everyone’ (un título muy pandémico para un disco editado en 2007), ‘Take Care, Take Care, Take Care‘ (2011) o ‘The Wildnerness’. Este último, lanzado en 2016, de momento es su último trabajo de estudio. El grupo publicó una banda sonora en 2021 y, de hecho, se ha especializado en este arte al margen de su trabajo individual. Os dejamos con una de sus canciones más populares, ‘Your Hand in Mine’.
Confesión: he terminado escuchando bastante más de lo que esperaba ‘So Hard So Hot‘, uno de los singles que han presentado el disco de Alison Goldfrapp. La producción de disco-house futurista de James Greenwood es elegante -recuerda a ‘Overpowered’- y la melodía vocal te arrastra seductoramente «hacia el sol» sin que puedas resistirte. Parece que ‘The Love Invention’ puede ser un buen disco.
La confirmación la ofrece ‘NeverStop’, el nuevo single que Alison ha lanzado estos últimos días. Se trata del tema de apertura y recuerda a lo ofrecido por Goldfrapp en ‘Supernatural‘. La producción de Richard X lleva de hecho a esa época, a principios de los 2000, en concreto a 2005, y recuerda también a algo que habría sacado September. No suena particularmente moderno, no suena a «estado del arte» como el citado disco de Róisín o como ‘Black Cherry’, pero suena excelente.
‘NeverStop’ es un «grower» y ofrece varios alicientes. Por un lado, la voz masculina de ultratumba que nos habla directamente al oído recuerda a aquella que aparecía en ‘Tutti Frutti’ de New Order con La Roux. Es un recurso de la música dance que no se agota y que siempre funciona. Por otro, el ritmo robótico con que Alison canta el estribillo «never stop loving» es adictivo.
Cuenta Alison que ‘NeverStop’ «va sobre sentirse maravillados los unos con los otros, sobre comprometernos y sobre conectar con la naturaleza y con nuestro entorno, pese a las contradicciones y las complejidades que nos tira la vida». En ‘NeverStop’ «todo es un sueño» para Alison, un sueño en que «todos conectamos y todos nos sincronizamos». Mucho mejor al ritmo de esta música.
Os recordamos que ‘The Love Invention’ sale el 12 de mayo y que Alison estará presentándolo en el festival Primavera Sound de Barcelona y Madrid.
Marta Sánchez ha ido a Uruguay a hacer una cosa que no ha hecho en España, participar en ‘Mask Singer‘. Y eso que el programa es muy exitoso aquí y que ella alguna oferta ha recibido; o, al menos, eso ha dado a entender en una entrevista con un medio uruguayo.
Disfrazada de muffin sexy, Martísima ha protagonizado uno de esos momentos surrealistas que solo suceden en ‘Mask Singer’ y ha cantado ‘Bad Romance’ de Lady Gaga, una artista a la que dice admirar. Aunque Marta dice haber modulado su voz para imitar la de Gaga, el jurado no ha tardado en descubrir quién se encontraba detrás del disfraz.
Marta barajó «varias opciones» de canciones que cantar en ‘Mask Singer’, una de Lady Gaga y otra de Katy Perry. Se quedó con la de Gaga porque la canción le permitía «cambiarme más».
Marta ha comentado la experiencia en redes: «No sabéis cómo me divertí cantando en ‘La Máscara’ en Uruguay!!! Toda una experiencia!!! Fue lo máximo!!!! Como dije allí, no soy mucho de disfraces, pero me parece divertido asumir nuevos retos como siempre he hecho en mi carrera durante 37 años. Gracias a todo el equipo del programa que me trató como una reina!! Repetiría mañana mismo!!»
En la citada entrevista, Sánchez ha declarado precisamente que no le gusta disfrazarse y que es «reacia» a meterse «en algo que no soy yo», pero que ha aceptado la oferta de ‘Mask Singer Uruguay’ para probar algo diferente y derribar miedos, además de para visitar Montevideo, ciudad que no conocía pese a que ya visitado el país latinoamericano en el pasado.
Marta, que acaba de ser noticia por improvisar una versión de ‘Colgando en tus manos‘ con Carlos Baute en una avión, recuerda que se encuentra presentando un nuevo show de canciones adaptadas al piano, ‘Marta de cerca’. Pronto se anunciarán nuevas fechas.
El Indio (Manuel Hidalgo Sierra) y El Nitro (Luis Abril Martín) son La Plazuela, dos granadinos con 25 años recién cumplidos que se han propuesto colocar a su ciudad donde se merece mediante el flamenco, el funk y la música electrónica. Todo a la vez.
Desde que comenzaron a ganarse la vida con la música, a sus 17 o 18 años, haciendo versiones bajo el nombre de La Plazuela Techá, El Indio y El Nitro no han mirado hacia atrás. Siempre han tenido claro que la música era su futuro y lo han mantenido con una fe inquebrantable. Al preguntarles si han dudado alguna vez en el trayecto, El Indio no duda en responderme con un firme «No».
Su trabajo empezó a ser reconocido ampliamente con la viral ‘Tangos de Copera’, y, después de un año y medio trabajando en él, han conseguido lanzar su álbum debut, ‘RONEO FUNK CLUB’. El contenido del disco se explica por sí mismo. Ambos cantan, componen y producen las canciones, y ambos llevan su identidad granadina a la vista de todos, desde el nombre del grupo hasta en su propia piel. El Indio lleva tatuados los rostros de iconos de la fusión como son Enrique Morente y Ray Heredia, al igual que diferentes símbolos granadinos como las puertas de La Alhambra o una manzana con una tijera clavada, su tatuaje más reciente.
Según me explica El Indio, y teniendo en cuenta que a las manzanas también se les llama peros, este último es una manera de decir que «las cosas no hay que criticarlas, que están para disfrutarlas y que peros no hay ninguno». El 26 de abril el Teatro Eslava de Madrid estará libre de peros en el primer sold out de su ya iniciada gira. Hablamos con ellos sobre el éxito tardío de ‘Tangos de Copera’, el origen de su particular sonido y su misión como banda.
¿Cuándo firmasteis con Universal?¿Ese es vuestro primer contrato?
El Indio: Sí, firmamos en julio o agosto de 2021.
Y no habíais sacado ni siquiera ‘Tangos de Copera’, ¿no?
El Nitro: Justo fue el primer tema que sacamos con ellos.
¿Cómo vivisteis su boom viral?
I: Realmente lo hemos vivido hace poco, porque, cuando salió con Universal, se escuchó ese tema como se venían escuchando los anteriores. Se notaba que se estaba empezando a escuchar un poco más La Plazuela, pero tampoco fue un boom en el momento. Eso llegó un año después con la Boiler Room de Granada, que, como se grabó en directo, el vídeo en el que se nos veía cantándolo fue lo que se viralizó en redes, y entonces el tema ya pegó un subidón.
«El reto es intentar conseguir que el flamenco que nosotros mezclamos con el funky no suene al de Los Chichos»
Diría que es el tema que introdujo a más gente a La Plazuela.
I: Nosotros sabíamos que lo que habíamos hecho era una cosa muy nueva y que era un tema muy experimental porque hasta el momento no habíamos escuchado algo así que se pareciera. Ya había cosas en las que se habían mezclado los códigos del flamenco con la música electrónica, como Califato 3/4 con el breakbeat o cosas así, pero no cogiendo un palo del flamenco como son los tientos y los tangos y llevarlo a una canción que pueda ser de baile de club. Lo sabíamos desde que en 2018 con un loop station empezó la idea de ese tema, a base de loopear el riff de la guitarra y probar a meterle letras por tiento encima. Luego ya nos metimos a producirlo bien en 2020.
N: Con ‘Tangos de Copera’ es la primera vez que he sentido que es un tema que ya es de la gente. Porque ya ves ‘Tangos de Copera’ en reels de recetas. Ya no lo sientes tan tuyo y eso está chulo también.
Hablabais de experimentar, y yo, mientras estaba escuchando el disco, sentía que estaba escuchando algo fresco de verdad, pero, sobre todo, algo impredecible. Nunca sabía por dónde iba a salir una canción, como en ‘Mira La Niña’. ¿De dónde viene vuestro gusto por fusionar el flamenco con todos estos estilos?
I: Al final nosotros somos de donde somos y el flamenco está ahí. El flamenco tiene todos los códigos de Andalucía. La manera de cantar, el tipo de expresión de las letras y todo, es la música de nuestro contexto. Ese deje del flamenco siempre está ahí, aunque nosotros no nos consideremos artistas flamencos. A partir de ahí, somos personas inquietas, que nos gusta escuchar música, y, al final, todo lo que te gusta, de manera inconsciente, te lo acabas llevando a tu terreno.
N: Yo creo que también hay mucha gente que fusiona pero que no escucha a su generación. Nosotros muchos años hemos escuchado a gente que ha fusionado flamenco, como Pata Negra, Manzanita… Pero ese es el flamenco fusión de una época. Nosotros hemos entendido muy bien cuál es la fusión de nuestra época. No nos hemos cerrado a los sonidos de ahora. Nunca hemos sido de: “Hostia, reggaetón, vaya mierda”. Eso nos ha permitido conectar con nuestra generación.
¿Qué música habéis estado escuchando durante el proceso del disco?
I: Nos hemos metido mucho en la movida del nu-funk, y creo que también ha sido un gran reto a nivel de sonido, porque realmente el flamenco con el funky ya se ha hecho también. Las Grecas, Los Chichos… Pero es el funky de aquella época y ese no suena igual que el nu-funk de ahora. No es lo mismo escuchar a James Brown, que escuchar el último disco de Daft Punk o el último de Chaka Khan, o Silk Sonic, Tuxedo, Parcels… Esas son las referencias que hemos tenido últimamente. Yo, de hecho, sigo investigando porque quiero seguir afinando en encontrar ese sonido que suene a funk moderno. Ese es el reto, intentar conseguir que el flamenco que nosotros mezclamos con el funky no suene al de Los Chichos.
¿Que no suene como las cintas de gasolinera no?
N: A mí me gustaría hacer un día un disco de música de gasolinera. Yo soy fan.
Habéis hablado de que siempre sabíais que esto de la música acabaría funcionando. ¿No ha habido veces en las que vuestra fe haya flojeado?
N: Yo nunca me he planteado otra cosa. He empezado a dudar más de la música ahora, que está yendo bien, porque ahora es cuando hay algo que perder. Pero antes, eres un chaval, te mola la música y dices: “Pues me voy a dedicar a esto”. Nunca hemos llegado a un punto de elegir entra la música u otra cosa.
I: También hemos tenido la suerte de que con 17 o 18 años ya empezamos a vivir de la música. No hemos tenido esa situación, que sí hemos visto en amigos nuestros que también hacen música, en la que ya van camino de los 30, ven que no han conseguido todavía nada y dicen: «Pues a lo mejor me tengo que plantear que por aquí no puedo tirar».
«Si solo hay espacio pa las bandas emergentes en el concurso de grupos de Planta Baja, los que estamos en otra movida no tenemos espacio»
En ‘El Lao De La Pena‘ decís que las modas de Madrid a Granada no llegan, pero ahora es como que vosotros sois la moda de Granada que ha llegado a Madrid. ¿Es necesario mudarse a Madrid para triunfar?
N: No es necesario mudarse a Madrid para triunfar, pero nosotros por ejemplo nos vamos a mudar a Madrid (risas). Me hace mucha gracia haber escrito esa letra y venirme a vivir a Madrid. Es un poco como sacar dinero del sistema haciendo música contra el sistema. Vamos a venirnos aquí porque está aquí todo, y ya me da coraje. Llevamos unos meses que tenemos que venirnos a Madrid cada semana. También, el nivel musical que hay aquí nos va a permitir trabajar y aprender mucho, pero mi idea no es quedarme a vivir aquí para nada.
¿Y llevar la industria a Granada?
N: Yo creo que a los dos nos gustaría invertir mucho en nuestra ciudad. Aun estando en Madrid, me gustaría seguir manteniendo las fiestas que hacemos en Granada de Roneo Funk Club, estar un poco implicado, que creo que es lo que nos toca a nosotros como artistas.
I: Para eso lo que hace falta también es que las instituciones pongan un poco de su parte, porque Granada debe ser de las ciudades que mas músicos tiene por densidad de población… Y sin embargo ha habido artistazos súper grandes de allí a los que no se les ha visto hacer cosas por Granada. Eso pasa porque los circuitos de la música que se hacen desde las instituciones son los mismos de siempre. Lo indie: 091, Los Planetas, Niños Mutantes y su puta madre. Si no se abren, pasa lo que pasa, que luego ves a DELLAFUENTE o Maka, que parece que ni son de Granada, y están llenando todas las plazas de toros de España y haciéndote tres fechas seguidas en el Palacio de Deportes de Granada, aunque nunca se les ha visto por allí. Si solo hay espacio pa las bandas emergentes en el concurso de grupos de Planta Baja, donde el criterio es tristemente bandas de indie, pues los que estamos en otra movida no tenemos espacio.
N: Nuestra misión es que no haga falta que los chavales que estén haciendo música en Granada tengan que pertenecer a una movida concreta, que se pueden crear otras.
El otro día hizo nublado y, cuando me puse a escuchar el disco, mientras sonaba el primer tema (‘La Ida’) de repente salió el sol, a la vez que se puso a llover. Fue un momento muy de sueño. ¿La situación os parece apropiada para ‘Roneo Funk Club’? ¿Con qué asociáis vosotros el disco?
I: Yo creo que el disco es nocturno que te cagas.
N: Yo lo veo como un camino, pa mí el funky es tardeo. Tarde guay, solecito, baile, buen rollo… Yo creo que va aumentando hacia un lado más nocturno, hasta que acaba en la noche más oscura y luego te vas de after.
I: Es un disco pa bailar a tope, pero a nivel lírico creo que han salido muchos demonios de dentro y que hay una parte también muy oscura. El tema de la intro de los que más, entonces lo de sol y lluvia lo define bien también. Hablo mucho de mi yo de niño, que de ahí es donde tenía mucha mierda que sacar para fuera, y lo relaciono todo con el contexto, que es mi barrio, que era el Albayzín en su momento. De hecho, precisamente en ‘La Ida’ está la frase que resume todo el disco, la de “Yo ya no soy yo, ni mi calle ya es mi calle, porque los tiempos le cambian hasta a las personas reales”.
Os asisten Juanito Makandé y Bronquio en la producción, ¿no?
N: Sí, en el disco hemos trabajado los cuatro y ha sido muy chulo porque creo que nosotros dos somos como el intermedio entre ellos. Juanito a lo mejor no tiene tanto esa vista más electrónica y Bronquio no tiene tanto esa vista de banda. Entonces, como estuvimos pensando en algún productor para el disco y vimos que no existía, pues decidimos tener dos.
‘Tu Palabra’ me ha parecido la canción más loca de todo el disco. No para de cambiar, a veces es funk, de repente es hip hop, de repente es otra cosa… ¿Cómo fue el proceso de construirla?
I: En el disco hay muchas referencias, pero hay dos canciones que sí están muy inspiradas en temas concretos de otros artistas. Para ‘Péiname Juana’, el disco de ‘Hello Happiness‘ de Chaka Khan me pareció súper inspirador, es como un funk súper moderno, además ella siendo de las antiguas. En 2019 sacó el disco este que es nu-funk puro y duro con un groovazo de bajo que te cagas, pero automatizando muchos reverbs, delays, sampleando percusión… Y con ‘Tu Palabra’ hubo mucha inspiración de ‘Random Access Memories‘, en concreto el tema de ‘Giorgio by Moroder’, por eso empieza con un talk box. Los teclados son muy parecidos a los de este tema. Cuando lo escuchamos por primera vez nos voló la cabeza, porque es de los discos de nu-funk que mejor sonido tienen.
El próximo 23 de junio, Kelly Clarkson aportará su propia entrada al canon de discos post-divorcio de la historia. ‘Chemistry’ será el primer lanzamiento de Clarkson desde 2017 y contará con dos extrañas colaboraciones del actor Steve Martin y de Sheila E., quien fuera batería de Prince en la época de ‘Purple Rain’.
Cada canción de ‘Chemistry’ representará una fase diferente del duelo, como las de ‘Vulnicura‘. Los dos primeros adelantos lo atestiguan. En ‘mine’, Clarkson pierde «toda la esperanza en el amor y toda la fe», en ‘me’ apunta directamente a su ex-marido por sus «inseguridades». En medio de las dos tiene lugar un viaje de «autodescubrimiento» y de aceptación.
La dirección musical convence a medias. Por un lado, ni ‘mine’ ni ‘me’ se rebozan en la miseria y hacen buen uso de sus influencias. Por otro, como canciones, ocupan un lugar discreto en el repertorio de Clarkson y no representan ninguna revelación.
‘mine’, el single principal, funciona en un formato de torch song que recuerda a Chris Isaak e incluso a la Lana Del Rey de ‘Blue Jeans’, pero el estribillo pesa como una pluma, lo cual compensa la balanza. Más soul, ‘me’ lleva a Clarkson a los tiempos en que lideraba el coro de la iglesia y envuelve su voz con el sonido de un órgano y un coro góspel.
Los ingredientes estaban ahí para que Clarkson diera con una receta mágica, sobre todo porque sus dotes vocales no se han indo a ningún lado. Pero tanto ‘mine’ como ‘me’ llegan, en el plano compositivo, faltas de inspiració. El apoyo en clichés como «no necesito a nadie cuando me tengo a mí» expone que a estas canciones les falta una profundidad a la que la presentadora de ‘The Kelly Clarkson Show’ no ha podido llegar.
La reducción a piano de ‘Fiebre’ de Bad Gyal interpretada por Amaia ha sido uno de los puntos fuertes de su gira durante el último año. Tras varias tentativas, al fin la grabación de estudio ve la luz y ya está disponible en plataformas. Se trata de la ya conocida reducción a piano, solo que ahora pasada por el estudio con nuevos coros y algún arreglo extra. Alizzz y Daniel 2000 aparecen como productores del tema.
La gracia es que para confirmarlo Amaia se ha puesto el mismo chándal que llevaba el principal acompañante de Bad Gyal en el icónico vídeo de la canción. Aquello se debió de grabar con un presupuesto aproximado de 2 euros, y ningún céntimo fue para la iluminación, pero anda que no hipnotizaba. Y que no rentó: el vídeo original tiene 67 millones de visualizaciones.
Os recordamos que Amaia está cerrando la gira de presentación de ‘Cuando no sé quién soy‘, que todavía la va a llevar a festivales como Warm Up en Murcia, El Bosque Sonoro o Bilbao BBK Live. El último concierto será el 23 de septiembre en el WiZink Center de Madrid y JENESAISPOP es medio oficial de dicho evento. Todos los conciertos de Amaia, en su web.
El debut de la joven de Illinois Kara Jackson es bastante particular. Sus canciones pueden durar 1 minuto o 7, indistintamente. Sus letras, parecer una broma o generar verdadera angustia. El título del largo «¿Por qué la Tierra nos da gente a la que amar?» se completa con la frase «pero luego nos la quita». Y es un tema que habla sobre la muerte de una amiga, algo tan descarnado que no esperábamos cuando en sus primeros instantes el disco comienza con una gracieta de 62 segundos sobre la fama. Una suerte de «popema» que podrían haber escrito los ahora resucitados Moldy Peaches.
Pero poco a poco el álbum va mostrando otra faz, más grave, que nos adentra en el mundo de Kara Jackson. A sus 23 años, es sobre todo conocida en la escena local como poeta tras haberse hecho en la temporada 2019/20 con el premio National Youth Poet Laureate que se entrega en Estados Unidos a una persona joven que está destacando en poesía, spoken word o lucha por los derechos sociales. Eran los tiempos en que publicaba su primer EP, ‘A Song for Every Chamber of the Heart’, compuesto de 4 sencillas canciones de folk de 3 minutos, un poco emparentadas con la Amy Winehouse de ‘Frank’ (hay un tema llamado ‘Ray‘). Hasta 4 años ha tardado en darle continuidad a aquel lanzamiento, mono, de 10 minutos.
En esta primera gran obra, Kara Jackson reflexiona sobre cuestiones como la salud mental, la autoconfianza, el amor tóxico o cuánto odia que sus parejas busquen una madre en ella. Como decía, el álbum empieza con un corte de un minuto, con una lírica entre lo costumbrista, lo crítico y lo inquietante: «hay gente que se coloca para ser reconocida (…) hay gente que se arregla para ser reconocida, hay gente que usa cuchillos para ser reconocida, hay gente que acaba con vidas para ser reconocida, hay gente que va a morir para ser reconocida».
En ese momento, desconoces si la artista está haciendo una crítica de la violencia en Estados Unidos, de la soledad en el sistema capitalista o ironizando sobre el sinsentido de la vida. En ocasiones, su punto de vista es desconcertante, como cuando aparece un bobo «reprise» de ese mismo ‘recognized’ justo después de tres composiciones cargadísimas de sentimiento. Es la sobriedad de los arreglos, emparentados con el folk de finales de los 60 de Nick Drake, pero matizados con otros elementos, lo que equilibra la balanza hacia lo dramático.
Con su voz y su guitarra, y la ayuda de algunos músicos amigos en un segundo plano muy bien medido, Kara Jackson tiene la capacidad de detener el tiempo. El tema llamado ‘why does the earth give us people to love?’ versa efectivamente sobre la muerte de una amiga que falleció de cáncer en 2016, recordando que «solo estamos esperando nuestro turno, ¿puede llamarse a eso una «vida»?». La melodía vocal y el rasgueo de guitarra son espeluznantes, como las cuerdas que añade solo al final Sen Morimoto, que ha tocado también pianos, metales, percusiones y sintetizadores en este álbum. Es la pieza titular por algo y además aparece en medio de otras dos grabaciones que sin duda pueden considerarse la cumbre creativa del álbum: las 3 grandes canciones de que hablaba antes. Primero, lo desolada que suena la historia de Rat marchándose a probar suerte «en el oeste» en ‘rat’ y luego esa otra maravilla llamada ‘curtains’ que podrían haber interpretado los Tracy Chapman o Damien Rice más desarmantes.
También destaca el single ‘no fun/party’, en el que vuelve a parecer la palabra «cuchillo» quizá como metáfora del suicidio («Así que lloras cada noche en la cama / así que los planes sonaban mejor en tu cabeza / así que el cuchillo es tu cita de esta noche / y la pastilla todo tu entusiasmo de momento»). Y a continuación ‘dickhead blues’, que pasa de ser una felicitación de cumpleaños a una película de Hollywood en la que se introduce una fascinante coda «si tuviera un corazón, sabría por dónde empezar», que constituye otra canción en sí misma.
Que Kara Jackson se centra en las letras lo deducimos de su currículum o del modo en que termina el álbum reflexionando sobre el consumo de whiskey en uno de esos temas de 1 minuto, ‘liquor’, que parte de la base de «no puedo comprarme amor, así que me compré alcohol», de cómo el whiskey puede darnos una falsa sensación de victoria. Pero no se pueden pasar por alto los arreglos de piano, banjo y guitarra que ha hecho ella misma, ni tampoco las colaboraciones de Kaina Castillo en coros, sintetizadores y programaciones o Nnamdi Ogbonnaya a los coros, el xilófono, la batería, las campanas y más sintetizadores. Arpas, trombones y violines están entre los arreglos que terminan de convertir en poesía estas canciones, a veces con detalles oníricos (‘free’), con madera para conformar una fantasía de Sufjan Stevens o Laura Mvula si se lo propusieran.
El nuevo álbum de Metallica se asegura el próximo número 1 en las listas británicas. ’72 Seasons’ ha vendido 23.000 copias durante este fin de semana, desde su lanzamiento el pasado viernes. De ellas, 19.000 han sido en soporte físico, 2.700 fans han optado por descargar el disco, y tan sólo 1.300 puntos provienen del streaming. La banda de James Hetfield vapulea al segundo aspirante: ‘Intellectual Property’ de Waterparks, actual número 2 en las «midweeks», tan solo ha vendido 2.800 unidades del viernes al domingo.
Salvo que pase algo muy gordo, este sería el 4º número 1 para Metallica en la lista de álbumes británica tras los logrados por ‘Metallica (Black Album)’, ‘Load’ y ‘Death Magnetic’. ‘Hardwired… to Self-Destruct’, su último disco hasta hace poco, quedaba en el número 2 en aquel 2016.
En Estados Unidos los 6 últimos discos de Metallica, es decir, todos desde el “Black Album”, habían coronado el Billboard 200. Sin embargo, parece que este no será el caso, pues según Hits Daily Double, Morgan Wallen conservaría una semana más la posición de honor. ‘One Thing at a Time’ podría vender 167.000 copias esta semana, por 150.000 para Metallica, lo cual a su vez sería un éxito, pero no lo suficiente para pasar del top 2.
Se rompería así la racha iniciada por ‘Metallica’, que fue un gran sleeper tras su edición en 1991 y es uno de los discos más vendidos de la historia en Estados Unidos, tras haber superado los 17 millones de copias, solo dentro de dicho país.
