En 2020 hubo un repunte de la música disco, que ya estaba decidido en los estudios de grabación, llegando a las plataformas de streaming justo cuando no podíamos bailar en absoluto. Cuando estábamos encerrados. Fue el momento de edición de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, ‘Chromatica’ de Lady Gaga, ‘What’s Your Pleasure‘ de Jessie Ware y ‘Róisín Machine‘ de Róisín Murphy.
También fue el año de edición de ‘Love and Dancing’ de Horse Meat Disco, un álbum más «pureta» en su aproximación al disco, en el sentido de que sus referentes bien podrían ser Chic y Sister Sledge, aunque añadiendo un punto house y electro en algunas grabaciones. Por algo estuvieron entre los remezcladores de aquel álbum de remezclas de ‘Future Nostalgia’ que comisarió The Blessed Madonna, en concreto encargándose de ‘Love Again’. Quizá suene en el set que preparan para este sábado 21 de mayo en Razzmatazz, Barcelona, tras haber pasado por los más selectos clubs de Londres (The Eagle, donde son residentes), Berlín o Lisboa.
En los últimos instantes de ‘Love and Dancing’ aparece alguna balada dulce como ‘Home’, pero en general el álbum estaba dominado por el hit de la vieja escuela ‘Falling Deep In Love’, por la funky ‘Sanctuary’ y algún petardazo que haría salivar a Scissor Sisters, Kylie o incluso Shakira, como ‘Burn’.
El colectivo está formado por James Hillard, Jim Stanton, Luke Howard y Severino, algunos vinculados a la escena queer y expertos en la música disco. Recientemente han lanzado su primer DJ mix desde 2017, ‘Back To Mine: Horse Meat Disco’, donde aparecen temas propios pero también visitas al catálogo de Róisín Murphy o Marianne Faithfull y Beck en toda su deconstrucción. En una entrevista estos días en promoción de este nuevo trabajo, preguntados sobre lo que es la música disco, respondían que todo lo «sexy y con groove», revelando también que ‘Love and Dancing’ les llevó 10 años hacerlo.
No fue, desde luego, el fruto de una moda momentánea previa a la pandemia sino un estilo que prometen seguir llevando por allá por donde pasen, aunque con los matices de cada momento. Ha dicho Hillard estos días: «Creo que la razón por la que llevamos 20 años en esto es porque no se ha hecho aburrido, porque somos 4 personas con diferentes gustos y diferentes estilos. Para nosotros la música disco no ha sido solo una cosa. Tienes el rock bailable, las canciones cosmic, cosas más electrónicas, tienes el góspel. La música house también. Nunca hemos sido tan clásicos o somos simplemente puretas». Unos matices que podéis identificar perfectamente en esta selección de temas de ‘Love and Dancing’
‘A Light for Attracting Attention’, el debut de The Smile, es otro de esos proyectos surgidos en la pandemia. The Smile une a los dos miembros de Radiohead más visibles, el cantante Thom Yorke y el compositor de bandas sonoras Jonny Greenwood, con el batería de Sons of Kemet, Tom Skinner. Produce el 6º Radiohead, Nigel Godrich, ahora también amigo de Arcade Fire. El álbum recorre los sonidos que a lo largo de 30 años hemos asimilado en Radiohead, desde el guitarreo pseudo-grunge de álbumes como ‘Pablo Honey’ y ‘The Bends’ al arte abstracto de ‘The King of Limbs’, pasando por casi todo lo intermedio. Te gustará si te sueles poner un «greatest hits» del grupo de Oxford o una playlist variada con su música.
La banda se presentó en Glastonbury 2021. En un primer momento, dada la elección del single ‘You Will Never Work In Television Again’, The Smile parecía presentársenos como un divertimento rockero para unos músicos sometidos al estrés de renovarse o morir hasta la extenuación. Ya hace décadas que Radiohead se convirtieron en un grupo de culto al que no se le imagina un paso en falso, y sacar una canción de punk al uso no es lo que se esperaría del grupo que se reinventó con ‘OK Computer’, con ‘Kid A’, con ‘In Rainbows’, o publicó singles tan virales como ‘Lotus Flower’. ‘You Will Never Work In Television Again’ tenía su razón de ser, con su referencia a los trapos sucios nada disimulados de Silvio Berlusconi, pero como producción carecía de ambiciones.
Los sucesivos singles de ‘A Light for Attracting Attention’ han venido mostrando, en cambio, que este single no era indicativo del sonido del álbum en absoluto. Aquí había espacio tanto para el sonido electrónico de ‘The King of Limbs’ en ‘Waving a White Flag’ como para el lado bucólico de ‘The Bends’, en ‘Free In the Knowledge’. Incluso el trabajo en solitario de Thom Yorke está referenciado, pues ‘Pana-Vision’ está en la estela de su canción para la banda sonora de la revisión de ‘Suspiria’: la brillante y cortahipos ‘Suspirium’ es lo mejor que jamás haya realizado en solitario, como así lo está reconociendo su público sin parar de oír el tema.
Líricamente también estamos ante un disco 100% Radiohead/Yorke. Esa frase de ‘The Opposite’ «¿podemos hacer pasar al siguiente concursante?» nos recuerda que cualquier cosa que pasara en ‘El juego del calamar’, ellos ya nos la advirtieron primero. ‘The Same’ recuerda en plena pandemia que «la gente en las calles, todos queremos lo mismo», y los textos están plagados de las metáforas sobre la muerte y el renacer habituales: madrigueras, recién nacidos, setas, flores… «Que alguien me saque de la oscuridad», suplica varias veces ‘Open the Floodgates’, una canción nada exenta de humor: «No nos aburras, llévanos al estribillo» es su primera frase, y ojalá sea un guiño al recopilatorio de Roxette que se llamaba exactamente así: ‘Don’t Bore Us, Get to the Chorus’.
Entre momentos cercanos al rock y al jazz, como ‘The Opposite’, y los más electrónicos y oprimidos, como ‘The Same’ o ‘Waving a White Flag’, son muchos los momentos cautivadores en ‘A Light for Attracting Attention’. Nadie puede poner en duda el talento, el buen gusto y el buen hacer de estos tres músicos, muy bien arropados por gente en general del entorno de Tom Skinner. Sin embargo, en su aproximación a tantas cosas realizadas por Radiohead en el pasado, este disco ni iguala clásicos a los que se parece demasiado, ni deja muy claro qué es, salvo un agravio de momento inexplicado a Colin Greenwood, Ed O’Brien y Philip Selway, los otros 3 miembros de Radiohead.
Tan Radiohead que hasta incluye canciones que ya habían tocado Radiohead en directo, y tan poco Sons of Kemet que salvo por un par de detalles, Tom Skinner podría haber sido cualquier otro batería de lujo, esto parece a todas luces el sucesor de ‘A Moon Shaped Pool‘, dejando más preguntas que material realmente recordable. Lo mismo por eso Thom Yorke se pregunta unas 20 veces qué nos depara el futuro en el tema ‘We Don’t Know What Tomorrow Brings’.
Para muchos era nuestro primer contacto con un festival mediano-grande en tres años, todo un acontecimiento. Tomavistas se beneficiaba de ser uno de los primeros festivales de la temporada, al menos en Madrid, con un cartel de casi entradas agotadas en una primera jornada que no es fácil, por ser entre semana. Pero ya se sabe que en la capital española cualquier excusa es buena para liarte un jueves de mayo y el Recinto Ferial de IFEMA consiguió dar la justa sensación de sold out, siendo a la vez cómodo para el público que nos encontrábamos en la pista.
Los conciertos de este primer día del festival madrileño comenzaban a las 17:35 con Jimena Amarillo en un escenario número 3 que se vio eclipsado durante toda la tarde noche por la distribución y programación de los dos primeros: los 2 principales escenarios se encontraban prácticamente pegados (separados tan solo por una enorme pantalla vertical), por lo que resultaba muy atractivo el ir de uno a otro al terminar cada concierto, o tan solo girar un poco más el cuello.
Tomavistas se enfrentaba por primera vez a celebrar una edición normal de su festival en un recinto tan desangelado y, a simple vista, incómodo como IFEMA. Los que fuimos hasta allí en transporte público pudimos ser testigos de la odisea para coger metros (con línea cortada incluida) y buses, pero una vez allí fue sorprendente ver que se trata de un lugar muy bien acondicionado para este tipo de macroeventos. Con los suficientes metros cuadrados de explanada para poder bailar hasta en un círculo con tus amigos.
Una pequeña zona verde con árboles también hacía que el festival respirase un poco (nunca tanto como el Parque Enrique Tierno Galván, pero hay que superarlo: para eso está la programación de Tomavistas Extra). El único problema que se escuchaba a menudo entre la gente fue el de las colas para pedir bebida, a pesar de haber aplicado el muy inteligente sistema de pulseras cashless para, en teoría, agilizar el proceso de cobro. Un problema clásico de primera jornada de festival, que tiende a resolverse a medida que avanzan las jornadas.
Problemas de organización aparte y centrándonos en lo estrictamente musical, el titular es que el cartel de este primer día de Tomavistas dejó el listón muy alto para el resto de la programación del fin de semana. Todo talento nacional que, en mi opinión, aglutinaba con mucho gusto y acierto el nuevo pop que lo está petando ahora mismo y que, sin ser del todo mainstream y comercial, está llenando recintos por España y sonando en todos lados. Los outsiders del pop que en realidad mandan en el género. Rojuu comenzaba el primero en los escenarios principales, quizás demasiado pronto para el show que ofrece. Como una especie de rockstar que se mueve entre Yung Beef y Marilyn Manson, Rojuu consiguió que esos primeros asistentes que iban llegando saltaran sin parar al ritmo de ‘NANA’ o ‘Tofu Delivery’ o gritaran alto al escuchar el breve medley entre ‘Sweet Dreams’ de Manson y ‘REHAB BOYS 2020’, una de las mejores canciones de su último disco ‘KOR KOR LAKE’. A la vez, Confeti de Odio presentaba ‘Tragedia Española’ y últimos singles como ‘El Malo Final’ en el Escenario 3, viéndose algo desfavorecidos por el sonido maquinón de Rojuu.
Cambiando de tercio a un pop un poco más chicle, llegaban Cariño. El grupo presentaba por primera vez en Madrid su nuevo disco homónimo, tras haberlo tocado por América y, en concreto, en Coachella. A juzgar por la energía de su público, poco tiene que envidiar ese macrofestival al Tomavistas. No solo fueron bien recibidas canciones suyas ya muy posicionadas en festivales como ‘Bisexual’, ‘Modo Avión’ o la cover que las vio nacer, ‘Llorando en la limo’; sino también nuevos temas como ‘no me convengo’, ‘tamagotchi’ o ‘si quieres’, un muy buen cierre que, tal y como nos contaron en su entrevista, demuestra que es su canción actual más pegada. Entre alusiones a las bondades del Tinder y saludos a la madre de María, la vocalista de Cariño, que se encontraba allí, el concierto sirvió de muy buen calentamiento para lo que estaba por venir aún.
Acto seguido nos encontrábamos con otra formación de pop underground, esta vez masculina. Cupido demostraron que su directo es una de sus mejores cartas. Con la salida de su nuevo disco a la vuelta de la esquina, la banda hizo un barrido de sus mejores hits, que cada vez son más. Un escenario lleno de peluches de feria de todos los colores y tamaños protagonizaba su set, siempre cruzando esa línea entre lo tenebroso (‘La Pared’) y lo divertido e incluso infantil (‘Telepatía’ o ‘Tu Foto’). ‘No Sabes Mentir’ cerraba muy bien un show en el que el uso constante del autotune no quiere decir que no se pueda mezclar de forma muy orgánica con una banda en directo. trashi se encontraban a la vez tocando en el Escenario 3 pero solo pude verles pasarlo bastante bien de refilón durante escasos minutos: el handicap de tomar decisiones en los festivales.
El sol comenzaba a bajar y ya apetecía algo de más fiesta. Ahí es cuando Rigoberta Bandini salió en escena montando toda una discoteca sobre el escenario. Siete bolas de discoteca colgaban del techo y un enorme telón como de lentejuelas doradas cubría la pared trasera del show. Rigoberta venía acompañada, como ya es habitual, por su grupo formado por su pareja y primos, y de sus bailarinas, con quienes estrenaron un nuevo espectáculo más coreografiado. Lo único que perjudica el show de Rigoberta Bandini es el hecho de no tener un disco aún en el mercado (o los suficientes singles sueltos como para llenar un set). Los que somos fans fieles de su música conocemos ‘The Fuck Fuck Fuck Poem’ o la versión Génesis de ‘Ay Mamá’, pero puede que la decisión de incluir ambas en el repertorio crease confusión entre la multitud. Pese a todo, lo que monta esta mujer sobre el escenario es puro espectáculo festivo y teatral que merece la pena ser visto, con momentos llenos tanto de euforia y desinhibición (una versión extendida de ‘Perra’ perfecta para los festivales), como de emoción (‘Ay Mamá’ original version y el cierre con ‘Too Many Drugs’, ya un clásico).
Después le tocaba el turno a Alizzz, quien no perdió la oportunidad de, por supuesto, subir al escenario a Rigoberta para cantar juntos ‘Amanecer’. El artista hizo un repaso por todo su excelente disco, ‘Tiene que haber algo más’, en un concierto que confesó ser el quinto que hace con toda la banda dentro de este proyecto propio. Alizzz sabe muy bien cómo ofrecer un show compacto y limpio por los años que lleva a las espaldas dentro de la industria, regalándonos momentos tan memorables como su cover de ‘Antes de Morirme’ o la repentina e inesperada aparición de C. Tangana para interpretar con él ‘Ya no vales’. Locura total entre el público al ver a El Madrileño esta vez como invitado dentro de un show de su mano derecha que ya vuela solo. Una pena que Amaia no pudiera acudir para poner la guinda al pastel con ‘El Encuentro’.
Para cerrar esta primera jornada del Tomavistas estaba Sen Senra. Para mi gusto, una decisión no muy acertada ya que el espectáculo que ofrece el gallego es muy rico en matices y detalles pero quizás poco adaptado para los festivales de gran aforo al aire libre. Durante el momento a capella de la preciosa ‘Tienes Reservado El Cielo’ se escuchaban todas las conversaciones del público entre pausa y pausa, creando momentos algo incómodos y de bajón. A pesar de que la balada ‘Ya No Te Hago Falta’ funciona también estupendamente, es en temazos como ‘Sublime’, ‘Perfecto’ o ‘De Ti’ cuando Sen Senra se luce más en este tipo de contexto, con todos sus estribillos siendo coreados. Personalmente, me hubiera gustado más irme a mi casa con la sensación de haber terminado de escuchar la cumbia extraña en la que desemboca el ‘Too Many Drugs’ de Rigoberta Bandini, quien reunió la mayor cantidad de gente y demostró ser capaz de cerrar un festival de tal magnitud como Tomavistas.
Como cada viernes desgranamos los lanzamientos del día en forma de discos y singles sueltos. En primer lugar queremos dar las gracias a las personas suscritas a la playlist «Ready for the Weekend» que descubren nueva música cada semana a través de JENESAISPOP: ¡ya somos más de 5.700!
El gran lanzamiento internacional del día lo firma Harry Styles, quien protagoniza la Canción Del Día de hoy. En un viernes menos complicado que el anterior a cuanto a lanzamientos editan nuevos trabajos también Lykke Li, Everything Everything, LUNA KI, Flume, SOAK, Porridge Radio, Rojuu o Matmos. Además, Blackpanda lanzan su primer epé.
Algunos de los temas nuevos que se publican hoy llegan de la mano de Nena Daconte, Mabel con 24kGoldn, Four Tet (con el alias de KH), Hayley Kiyoko o Roosevelt, que se ha aliado con nada menos que Nile Rodgers para otro «groove» disco de los suyos. También presenta single la revelación Em Beihold.
En una semana triste por la muerte de Vangelis hemos conocido esperados regresos como los de Rina Sawayama o Santigold. Por su parte, Diana Ross ha sorprendido con su colaboración con Tame Impala.
Entre las curiosidades que deja el día, hoy llegan otro remix más de ‘Frozen’ de Madonna, los bonus tracks del disco de Florence + the Machine, el single que presenta el espectáculo actual de Rodrigo Cuevas, y el nuevo single electroclash de Juriji Der Klee tras su paso de Drag Race España. Se titula ‘XIXI’.
Por otro lado, esta semana hemos escuchado dos remixes fantásticos de ‘About Damn Time’ de Lizzo por Purple Disco Machine, y de ‘Can’t Get You Out of My Head’ de Kylie Minogue por Peggy Gou. Ninguno de ellos podía faltar en la playlist de novedades.
Harry Styles publica hoy su nuevo disco ‘Harry’s House’, muy esperado tras la fase imperial que fue la era ‘Fine Line’. El éxito de ‘As it Was‘, actualmente la canción más exitosa a nivel global, versionada hasta por los mismísimos Arcade Fire, garantiza que el tercer álbum de Harry será uno de los más exitosos de todo 2022.
Entre otras producciones cuidadas de electro-funk (‘Music for a Sushi Restaurant’), soft-rock (‘Grapejuice’), R&B (‘Cinema’) o folk (‘Boyfriends’), emerge en ‘Harry’s House’ una de las canciones más simpáticas jamás escritas por Harry (y por su colaborador Kid Harpoon).
‘Late Night Talking’ es la pista de ‘Harry’s House’ que se ha seleccionado como «focus track» para las playlists de hoy. Es decir, es -por fin- el segundo single oficial del álbum. Harry la escribió durante la cuarentena y la estrenó en Coachella hace unas semanas. Versa sobre quedarse «horas» hablando por teléfono con la persona amada, «hasta que se hace de día».
En la letra, Harry expresa que «nunca me ha gustado el cambio», pero que «a ti te seguiría adonde fuera», y que su mayor deseo es «hacerte feliz cuando te sientas triste». Es un mensaje que tira a lo impersonal, pero que funciona dentro del contexto de la canción.
Una de sus producciones más cucas y livianas, ‘Late Night Talking’ se sitúa a un punto medio entre lo «brumoso» y lo caricaturesco. Por un lado, su sonido de soft-pop-rock con teclados recuerda al de grupos como Metronomy o Passion Pit. Por otro, la canción transmite la misma energía que aquel hit de Matthew Wilder que lo petó en los 80 y se viralizó tres décadas después.
‘Harry’s House’ llega al mercado después que la totalidad del disco se filtrase a la red el mes pasado. Al contrario que Kendrick Lamar o Bad Bunny, Harry no ha conseguido que ‘Harry’s House’ llegue totalmente de nuevas a la red. Sin embargo, su equipo decidía hacer caso omiso a la filtración y no adelantar el lanzamiento del álbum, que ha salido hoy como estaba previsto.
Rihanna ha dado a luz a su primer hijo. TMZ ha confirmado la noticia, no así Rihanna y A$AP Rocky, a los que se presume disfrutando de su nueva paternidad en privado. Rihanna no publica contenido en Instagram desde el pasado 10 de mayo.
Por otro lado, el tabloide estadounidense informa también que al bebé de Rihanna y A$AP Rocky se le ha asignado el género masculino. Sin embargo, el nombre de la criatura se desconoce por el momento.
El embarazo de Rihanna ha dado que hablar por varias razones desde que la barbadense lo anunciara el pasado mes de enero. Especialmente comentados han sido sus atrevidos y a menudo espectaculares «looks» pre-mamá, los cuales han revolucionado los medios y redes sociales.
No obstante, la relación entre Rihanna y A$AP Rocky quedaba en entredicho cuando surgía el rumor que el rapero había sido infiel a la cantante con la diseñadora Amina Muaddi, colaboradora habitual de Rihanna. La propia Muaddi acudía a las redes sociales para desmentir el rumor.
Recientemente, A$AP Rocky ha estrenado el videoclip de ‘D.M.B.’, en el que aparece junto a Rihanna. El tema ha quedado a las puertas de entrar en el Billboard Hot 100. Por su parte, Rihanna sigue trabajando en su próximo álbum.
Oh, See! Málaga se celebra este fin de semana con un cartel tan afín a ti, lector/a de JENESAISPOP como sigue: Zahara, Alizzz, Carolina Durante, Ginebras, Kiko Veneno, Amatria, Fangoria + Nancys Rubias, Lori Meyers, Mujeres, Manel, etcétera. También con dj’s como Soy Una Pringada, Rocío Saiz, Ochoymedio dj’s o Carlangas como DJ tras la separación ¿temporal? de Novedades Carminha.
El festival se celebra este viernes y sábado 20 y 21 de mayo, pero la organización y algunos de sus artistas llevan informando tiempo a través de las redes sociales de que las entradas de día están agotadas. Tan sólo quedan unos pocos abonos a la venta, que ayer eran 200 y hoy adivinamos que serán bastantes menos: solo os queda correr.
Según puede leerse en su página web, tras el sold-out de las tres pasadas ediciones en el Auditorio Municipal Cortijo de Torres el aforo reducido a 7.000 personas garantizará un festival sin colas, sin aglomeraciones y sin solapes entre artistas.
Evángelos Odysséas Papathassíou, más conocido como Vangelis, ha fallecido este martes 17 de mayo a los 79 años. El compositor era mundialmente conocido por sus bandas sonoras, entre las que destacan la de ‘Carros de Fuego’, ‘Blade Runner’ y ‘1492: La conquista del paraíso’.
Su música se caracterizaba por la identidad envolvente del sonido y por el uso de sintetizadores en la música sinfónica. Sus composiciones tenían una esencia emocional, solemne y grandiosa. Vangelis está considerado uno de los pioneros de la música electrónica, pero lo cierto es que durante su larga trayectoria el artista bebió de innumerables estilos musicales.
En los 60, Vangelis pertenecía a la banda de rock progresivo y pop psicodélico Aphrodite’s Child. Ahí cosechó sus primeros éxitos como ‘The Four Horsemen’ o ‘Rain and Tears’, y también dio sus primeros pasos hacia un rock más sinfónico. Su álbum ‘666’ ha sido alabado por muchos artistas, entre ellos Salvador Dalí.
No es hasta la segunda mitad de los 70 cuando surge el sonido que lo caracterizó a lo largo de toda su carrera. Sus trabajos comenzaron a incluir sonidos cercanos a la música clásica, experimentales y electrónicos, creando una atmósfera cósmica y espacial.
Fue en 1981 cuando le otorgaron el Oscar a Mejor Banda Sonora por ‘Carros de Fuego’. En esta época escribió muchas partituras para películas, pero pocas vieron la luz, quizás por el miedo a encasillarse como un compositor de bandas sonoras. Las que sí llegaron al cine fueron, por ejemplo, la de ‘Blade Runner’ y la de ‘Antarctica’. Aunque si hay una banda sonora que lo caracteriza, casi a la par que la de ‘Carros de Fuego’, es la de ‘1492: La conquista del paraíso’. Su pieza principal, ‘Conquest of Paradise’, se hizo mundialmente conocida.
Durante las últimas décadas, el compositor no dejó de trabajar tanto en películas como en su propia discografía, con mayor o menor aceptación por parte de la crítica. De todos modos, Vangelis ha sido uno de los artistas que mayor aportación a hecho a la música clásica como elemento popular, algo extremadamente difícil a día de hoy.
Casi una semana después de la inolvidable actuación de Chanel en Eurovisión, la población sigue sin superarlo. Rondan por las redes vídeos de esa racha de 12 puntos, del «dance break» de Chanel, del «¡¡¡aguaaa!!!» que evidencian lo grande que ha sido lo de Chanel. Todos recordamos cómo se alzó con la victoria ‘SloMo’ en un Benidorm Fest muy disputado entre ella, Tanxugueiras y Rigoberta Bandini. Esta última ha hablado en el programa Islàndia sobre la actuación de Chanel en Eurovisión.
Tanxugueiras felicitaron a Chanel por su puesto en el festival en ‘La Noche D’, y hoy lo ha hecho Rigoberta Bandini. La catalana la confirmado que vio el festival: «Me dio taquicardia». «Flipé con la actuación de Chanel, fue increíble». «Al principio de las votaciones no me lo podía creer, era muy fuerte», ha contado refiriéndose a la racha de tres doces que se vivió en Turín.
Rigoberta también se ha pronunciado sobre su propia candidatura, y ha sido muy honesta con la respuesta. «Lo disfruté, porque lo vi desde un punto de vista muy sano, porque creo que, realmente viéndolo con perspectiva, era más su sitio». «No creo que hubiésemos quedado tan bien, sinceramente». «Queda fatal lo que estoy diciendo, pero creo que mi trayectoria es otra y que para este proyecto el suyo era mejor».
Por otro lado, uno de los temas más comentados tras la victoria de Ucrania es dónde albergará Eurovisión su próxima edición. El presidente Zelenski confía en poder realizarla dentro de sus fronteras, y ya ha propuesto la ciudad Mariúpol como opción. Sin embargo, si las circunstancias no permitiesen celebrar el festival en Ucrania, la siguiente opción no tiene por qué ser el segundo clasificado. En 1979, por ejemplo, la canción israelí ‘Hallelujah’ se alzó con la victoria, y el año siguiente Israel no albergó Eurovisión. La segunda clasificada de esa edición fue justamente España, con Betty Missiego y «Su canción», pero el festival se acabó celebrando en Países Bajos.
El Primavera Sound está a la vuelta de la esquina. Entre el 2 y el 12 de junio, Barcelona vivirá una nueva edición del festival, uno de los más grandes del momento. Al ser tan grande y albergar tantos conciertos, es inevitable que algunos de nuestros favoritos actúen a la vez y que tengamos que elegir entre ellos. El festival acaba de publicar sus horarios para esta edición, así que ya podemos averiguar cuáles son las decisiones más difíciles que tendremos que tomar.
Antes de nada, cabe destacar que Japanese Breakfast, Oli XL y Las Ligas Menores no actuarán finalmente en Primavera Sound Barcelona – Sant Adrià 2022. En su lugar, Stella Donnelly, Mumdance y Bestia Bebé se suman a la programación del festival.
El primer jueves del festival, 2 de junio, ya empieza con problemas. A las 21:30, Charli XCX y Shygirl coinciden prácticamente en su totalidad. Con suerte, si el concierto de Shygirl dura lo mismo que el que dio en la Riviera, va a ser fácil hasta coger buen sitio para ver a Charli. Más tarde, a las 23:00, habrá que elegir entre Tame Impala y Rina Sawayama, además de Carolina Durante a las 23:30.
El próximo día, Fontaines D.C. dará inicio a su actuación 20 minutos antes que Amaia, a las 21:30. Y por si fuera poco, ya de madrugada, Jamie xx y Caribou tocan con 20 minutos de diferencia, a las 2:05 y a las 2:25 respectivamente. EL sábado 4 de junio, el final de Slowthai hacia las 22:30 se solapa con el inicio de Nick Cave, que coincide con Caroline Polachek. Además, a las 00:30 da comienzo el concierto de Alizzz, coincidiendo con Gorillaz, y dando el relevo a Tyler, the Creator. El problema es que sus respectivos escenarios se encuentran en dos extremos del recinto. Asimismo, también habrá que elegir entre Tyler, the Creator y Biscuit.
El segundo fin de semana no lo pone más fácil. Después de las jornadas del Primavera a la Ciutat, el jueves 9 hay que tomar una decisión entre: Bad Gyal, Tyler, the Creator, A.G. Cook y Charli XCX. Todos ellos actuando en torno a las 2:00. Al día siguiente, Lorde y Rigoberta Bandini cantan cada una en una punta del festival, a las 21:30 y con cinco minutos de diferencia. Además, a las 00:40 habrá que elegir entre seguir dándolo todo con M.I.A. o acudir a The Smile (nuevo proyecto de Radiohead).
Finalmente, el último día también tiene otros solapes como La Zowi y Sky Ferreira, Yeah Yeah Yeahs y Romi, Tame Impala, Angèle y Tainy, o Nicki Nicole y Jessie Ware, entre otros. Para conocer la programación completa y el resto de solapes, en la página web del festival está disponible toda la información.
La pasada Navidad, desde JENESAISPOP ya os seleccionamos a nuestros 10 artistas favoritos del cartel de Bilbao BBK Live 2022, como medio oficial del evento. Os hablábamos entonces de grandes nombres como Pet Shop Boys, M.I.A., LCD Soundsystem, Moderat, J Balvin, Nathy Peluso, Four Tet, Placebo, The Killers y Stromae. Sumemos el aliciente de que algunos de ellos han publicado material notable durante este tiempo, como por ejemplo Stromae, que nos ha regalado el excelente ‘Multitude’, en torno al cual compartimos una entrevista llena de curiosidades.
Pero el festival que se celebra entre los días 7 y 9 de julio en Kobetamendi da para mucho más y seguiremos desgranando su cartel durante las próximas semanas. Hoy recomendamos otros 10 de nuestros artistas favoritos de Bilbao BBK Live 2022.
Caribou
Uno de los productores de electrónica más queridos de las últimas décadas, Caribou volverá a España para presentar en directo su último disco ‘Suddenly‘, publicado en el año de la pandemia. Posteriormente lanzó un single suelto, ‘You Can Do It’, que es todo un hitazo para las pistas. Con razón es uno de sus temas más escuchados en las plataformas.
Moses Sumney
El «arromántico» Moses Sumney ha encandilado a su público gracias a sus sensibles canciones de soul-pop espiritual y a su preciosa voz, dotada de un falsete que pone los pelos de punta. A Kobetamendi vendrá cargado con las canciones que componen su ambicioso segundo álbum, ‘græ’, uno de los mejores de 2020. Entre ellas se encuentra la emotiva ‘Me in 20 Years’.
Rigoberta Bandini
2022 está siendo claramente el año de Rigoberta. ‘Ay mamá’ ha sido uno de los mayores éxitos del año tras su presentación en Benidorm Fest, y hoy podemos considerarlo ya un clásico de nuestros tiempos. Mientras trabaja en un disco que llegará pero nadie sabe cuándo, Rigoberta seguirá presentando en Bilbao su repertorio de himnos, de «In Spain» a ‘Julio Iglesias’.
La rave de Zahara
El cartel de Bilbao BBK Live vuelve a subrayar el talento nacional con la presencia de nombres consolidados como Nacho Vegas o nuevas estrellas como Sen Senra o Alizzz. Uno de los reclamos del cartel es sin duda la «puta rave» de Zahara. La cantante presentará ‘PUTA‘ en formato «club» en un concierto donde, inspirada por sus vivencias en Berlín, realzará el componente electrónico del mejor disco de 2021.
Kelly Lee Owens
Tras publicar dos estupendos álbumes de electrónica movidos por un alma pop, Kelly Lee Owens ha vuelto este año con su trabajo más arriesgado. ‘LP.8’ es un disco medio improvisado durante la pandemia, inspirado tanto en los sonidos industriales de Throbbing Gristle como en los místicos de Enya. Será oportundad de ver en acción a uno de los talentos más pujantes de la electrónica actual. Hoy, por cierto, estrena single junto a Daniel Avery y HAAi.
Carl Craig
El cartel de BASOA, la programación electrónica de Bilbao BBK Live, vuelve a dejar nombres interesantes a lo largo de los tres días de festival. Estarán poniendo sus vibrantes ritmos pinchadiscos de la talla de The Blessed Madonna, JASSS o John Talabot, y entre todos ellos destaca el nombre de Carl Craig, toda una leyenda del techno de Detroit.
Phoebe Bridgers
Sus recientes visitas al plató de Saturday Night Live o a la MET Gala han confirmado que Phoebe Bridgers es una de las mayores estrellas actuales del pop con guitarras. En Bilbao presentará las canciones de su estupendo disco ‘Punisher‘, del que se extrae la gran ‘Kyoto’. Sin embargo, la estadounidense no descarta publicar nuevo material este año.
Nilüfer Yanya
Hablando de pop con guitarras, la de Nilüfer Yanya es una de las más singulares en este ámbito sin duda. La artista turco-británica pisará Kobetamendi para presentar su excelente segundo disco ‘PAINLESS‘, uno de los mejores valorados por la crítica del año.
Romy
En 2022 tanto Jamie xx como Oliver Sim han presentado nueva música. Romy, la integrante de The xx que nos falta por comentar, lanzó un pepinazo en 2020 y después poco más se supo. En 2022 ha entregado la ambiental ‘Spread’ y ha colaborado en un tema con Fred again, pero lo que queremos escuchar de verdad es ese debut en solitario que lleva tiempo preparando.
BICEP
Otra de las propuestas de electrónica que destacamos del cartel de Bilbao BBK Live es la de BICEP. La electrónica emocional de Andrew Ferguson y Matthew McBriar ha seguido dándonos buenos momentos en ‘Isles’, uno de los primeros «Discos de la Semana» de 2021 en el site, y aún nos acordamos también de su formidable debut, publicado cuatro años atrás.
Una colaboración entre Diana Ross y Tame Impala es solo la primera de las noticias que giran en torno a la nueva banda sonora de ‘Los Minions’. La franquicia presenta el 1 de julio su nueva película ‘Minions: El origen de Gru’ con una banda sonora llena de grandes nombres, completamente inspirada en los años 70. Diana Ross y Tame Impala han preparado su canción original ‘Turn Up The Sunshine’, que acaba de ver la luz.
‘Turn Up the Sunshine’ es un tema funk en la onda de James Brown, en el que Diana Ross canta sobre transmitir su luz y calor «por todo el mundo». Sin embargo, no es un dueto entre Diana y Tame Impala, pues la participación de Kevin Parker se limita a aportar letras y percusión. De hecho, Parker ni siquiera ha producido la canción, cuando él es productor de todo su repertorio, porque ha sido Jack Antonoff el encargado de producir toda la banda sonora de ‘Minions: The Rise of Gru’. ‘Turn Up the Sunshine’ es la única composición original de todo el disco.
Además de Diana y Tame Impala, la película cuenta con las voces de St. Vincent, Phoebe Bridges, H.E.R., Caroline Polachek, RZA, y Brockhampton, entre otros. La mayoría de ellos versionan clásicos de los 70. Por mencionar alguno, St. Vincent interpreta ‘Funkytown’, de Lipps Inc., Phoebe Bridges canta ‘Goodbye to Love’ de Carpenters, Caroline Polachek versiona ‘Bang Bang’ de Nancy Sinatra, Kali Uchis se pasa al clásico bossa nova ‘Desafinado’ y Tierra Whack deja su huella en ‘Black Magic Woman’ de Santana.
RZA, por su parte, aportará una canción original llamada ‘Kung Fu Suite’. Además, los propios Minions también forman parte de la banda sonora, cantando el hit de Simon & Garfunkel ‘Cecilia’. El disco está producido por Jack Antonoff al completo, y verá la luz el 1 de julio, mismo día del estreno de la película.
Setlist:
1. ‘Turn Up The Sunshine’ – Diana Ross ft. Tame Impala
2. ‘Shining Star’ – Brittany Howard ft. Verdine White (Earth, Wind & Fire 1975)
3. ‘Funkytown’ – St. Vincent (Lipps Inc 1979)
4. ‘Hollywood Swinging’ – BROCKHAMPTON (Kool & The Gang 1974)
5. ‘Desafinado’ – Kali Uchis (Stan Getz & Joao Gilberto 1959)
6. ‘Bang Bang’ – Caroline Polachek (Nancy Sinatra 1966)
7. ‘Fly Like An Eagle’ – Thundercat (Steve Miller Band 1976)
8. ‘Goodbye To Love’ – Phoebe Bridgers (The Carpenters 1972)
9. ‘Instant Karma!’ – Bleachers (John Lennon 1970)
10. ‘You’re No Good’ – Weyes Blood (Linda Ronstadt 1975)
11. ‘Vehicle’ – Gary Clark Jr. (The Ides of March 1970)
12. ‘Dance To The Music’ – H.E.R. (Sly and The Family Stone 1967)
13. ‘Black Magic Woman’ – Tierra Whack (Santana 1970)
14. ‘Cool’ – Verdine White
15. ‘Born To Be Alive’ – Jackson Wang (Patrick Hernandez 1979)
16. ‘Cecilia’ – The Minions (Simon & Garfunkel 1970)
17. ‘Bang Bang’ – G.E.M. (Nancy Sinatra 1966)
18. ‘Kung Fu Suite’ – RZA
19. ‘Minions: The Rise Of Gru Score Suite’ – Heitor Pereira
JENESAISPOP asistió a la pasada edición del Festival de Málaga, que arrancaba con la expectación por ‘Alcarràs‘, apenas días después del histórico Oso de Oro a Carla Simón en la Berlinale. En un gesto que a algunos les pareció generoso y a otros condescendiente, la productora de ‘Alcarràs’ decidió renunciar a competir en la Sección Oficial, para dar oportunidad a otras películas. Pero tras la proyección de ‘Cinco lobitos’ -que curiosamente se había estrenado en la Berlinale también, en la sección Panorama-, y a medida que pasaban los días, se iba haciendo más unánime entre la prensa la idea de que, en caso de haber competido la película de Simón, ‘Cinco lobitos’ no se lo habría puesto nada fácil. De hecho, acabó llevándose no solo la Biznaga de Oro (máxima distinción del Festival), sino también los premios a Mejor Guión, Mejor Actriz (ex-aequo para sus dos protagonistas, Susi Sánchez y Laia Costa), el Premio ASECAN a Ópera Prima, el Premio del Jurado Joven y el Premio Feroz Puerta Oscura. Nada mal para una película que supone el debut de su directora, y cuya premisa es bastante sencilla: Amaia, una madre primeriza, afronta el primer año de su bebé. Pero la verdad es que ninguna de las dos cosas es 100% cierta.
Desde que se licenció en Filología Inglesa por la Universidad de Deusto y tras su paso por la ECAM, Alaúda Ruiz de Azúa ha acumulado una importante experiencia en distintos cortos y, sobre todo, en publicidad, aunque ‘Cinco lobitos’ suponga su debut en el largo. Y la película no va -o no solo va- de “una madre primeriza que afronta el primer año de su bebé”. De hecho, aunque rápidamente se ha colocado a Ruiz de Azúa junto a Carla Simón, Arantxa Echevarría, Belén Funes, Pilar Palomero y Clara Roquet por aquello de que son todo mujeres quienes se han llevado el Goya a Mejor Dirección Novel desde 2017 (este año todo apunta a ella o a Carlota Pereda), hay algo que ‘Cinco Lobitos’ comparte con todos estos debuts -con la excepción de ‘Carmen y Lola’-, y no es solo la alegría porque se esté reconociendo y abriendo la puerta a más mujeres en la industria española. Es que todas estas son películas en las que parece que no pasa nada… y realmente “pasa” mucho más que en otras películas donde no dejan de suceder cosas.
Sin ir más lejos, lo que en otras hubiese sido el final aquí es prácticamente el punto de partida: la protagonista, desbordada, pide ayuda a sus padres, y se muda al pueblo con ellos. Eso, lejos de funcionar aquí como un deus ex machina que solucione el conflicto de Amaia, acaba creando unos cuantos más, a la vez que mitiga otros… como la vida misma. Y es que uno de los puntos fuertes de ‘Cinco lobitos’ es la naturalidad de sus personajes, sus situaciones e interacciones, colocando al espectador casi como voyeur de una familia en la que te pueden caer todos mal, y al rato querer darles un abrazo. Ruiz de Azúa reconoció a Daniel Mantilla de El Español la influencia de Hirokazu Kore-eda y Yasujiro Ozu: revisó su cine antes de rodar “no tanto por copiar algo, sino porque quería hacer una película que resultara muy emocional desde un sitio muy cotidiano”.
Además de por la labor de su directora, a esto ayudan las fantásticas interpretaciones de su reparto: Laia Costa y Susi Sánchez están sencillamente maravillosas, mimetizándose e invirtiendo sus roles por momentos a medida que avanza el metraje, y tanto Mikel Bustamante como Ramón Barea cumplen con creces en un segundo plano que viene tanto por el foco narrativo como por sus dos tipos de ausencias. Existe una ausencia física regalito de nuestro sistema, y otra ausencia más emocional, la del personaje de Barea: “no es un villano, es un hombre de su época que no ha tenido las herramientas, ni una educación emocional que no se construye de la noche a la mañana”, comenta la directora, haciéndolo extensible también a esa generación: “entendían los cariños desde otro sitio. Para ellos, el afecto es cuidar a las personas, ser fuerte y, cuando pasa algo, enfrentarlo con mucha entereza. Esa manera de no hablar las cosas choca con mi generación, que ha sido más infantil, ha crecido más tarde”. Esto se expresa con maestría tanto en escenas sin diálogo (las miradas entre marido y mujer mientras él canta el ‘Txoria txori’ comunican más de lo que se dicen en prácticamente todo el filme) como en conversaciones (ese “tu aita ha sido un marido pésimo, pero un buen padre”).
Ruiz de Azúa destaca especialmente en su tratamiento del día a día y los sentimiento de esta familia entre ellos, mostrándolo sin maquillaje y sin edulcorar nada, pero a la vez comprendiéndolos, tanto en la visión de la maternidad (no hace falta que la peli sea un dramón con madre drogadicta para que en una escena se le caiga el bebé -ni mucho menos para que no le apetezca dar el pecho) como en la que ya hemos comentado de la familia, la experiencia y el legado. Es muy interesante el viaje de Amaia, que poco a poco irá entendiendo a su madre, y que pasa de pedir ayuda a sus aitas para que la cuiden como cuando era pequeña, a descubrirse cuidándolos y continuando el “ciclo sin fin” de Simba.
Hay un diálogo indirecto entre dos de las mejores frases de la película: “mañana será otro día de mierda, y luego otro, y otro”, y “todas esas vidas que no vives son siempre perfectas”. Se pronuncian en momentos distintos del metraje y, sobre todo, con un tono y una intención muy distintos. Una se dice fruto de la desesperación y la rabia, sin pararte a pensar en que lo que estás diciendo puede hacer daño, y otra desde el afecto y el cuidado, eligiendo las palabras con cariño para que consigan ayudar y sanar aunque sea un poquito a quien las está escuchando. Y lo cierto es que las dos representan muy bien el espíritu de ‘Cinco lobitos’.
A Becky G no le cupieron todos los hits que había venido presentando en su primer disco. En cambio, ‘Mala Santa’ buscaba cierta coherencia estilística, aunque la falta de ambición artística le terminaba jugando en contra. En ‘ESQUEMAS’, su segundo álbum, se percibe una intención por hacer el típico disco batiburillo con mil estilos que se estila hoy. Hay hits, pero son la excepción.
Quizá esto se deba a que Becky G no nos ha «duchado» de éxitos últimamente tanto como antes. ‘ESQUEMAS’ sí incluye su éxito actual ‘MAMIII’ junto a Karol G, pero este aparece inexplicablemente en último lugar, después de un buen puñado de canciones colocadas en el tramo medio del álbum que buscan ampliar la paleta sonora de Becky G, más que hacer arder las listas.
‘ESQUEMAS’ sí convence en su primera mitad. El arrebatado ritmo caribeño de ‘BUEN DÍA’ abre el disco entre pianos jazzy y un mensaje que grabarse a fuego, el de vivir la vida que cada uno quiera sin preocuparse por el qué dirán. El reggaetón salsero de ‘TAJÍN’ es otra canción divertidísima que sumar al repertorio de hits imprescindibles de Becky G, aquí compartido con Guaynaa. ‘FLASHBACK’ es un apañado doo-wop a la manera de Ariana Grande interpretado junto a Elena Rose. Y ‘BAILÉ CON MI EX’ produce mariposas en el estómago en su recuerdo de un amor pasado con el que la cantante se reencuentra en la discoteca. El sonido post-disco de la canción suena igualmente nostálgico y maravilloso.
Dos éxitos que probablemente has escuchado de Becky G encuentran cobijo en ‘ESQUEMAS’. Por un lado, el divertido reggaetón con saxo de ‘FULANITO‘, que incluye un verso igualmente imperdible de El Alfa, no merecía quedarse descolgado en la galaxia de singles de Becky G. El único inconveniente es el factor sorpresa ausente en un single que cuenta ya con un año de vida. Por otro, el más reciente ‘Ram Pam Pam‘ con Natti Natasha tampoco queda huérfano. Ninguno de los dos ha alcanzado la repercusión de ‘Mayores’ o ‘Sin pijama’, pero suenan a oro entre un puñado de producciones que se quedan lejos de ser estelares.
Sin embargo, la secuencia de ‘ESQUEMAS’ decae claramente a partir de la pista 5. ‘DOLORES’, dedicada a aquellas «Dolores» del mundo que lo dan todo por los suyos, presenta una interesante mezcla de trap, R&B y house deconstruido, pero ni el R&B latino de ‘UNA MÁS’, ni el afrobeat atmosférico de ‘BORRACHA’ ni los reggaetones de ‘KILL BILL’, ‘QUE LE MUERDA’ y ‘GUAPA’ consiguen levantar el ambiente. Tampoco lo logra el experimento machacón de ‘NO MIENTEN’. Las empoderadoras letras de Becky G inspiran, pero en ninguna de estas canciones ha obtenido un sonido excitante. Al final, a Becky le queda un disco con singles muy marcados, y temas «de relleno» también muy obvios.
En la rueda de prensa de Chanel celebrada en los estudios de RTVE tras su paso por Eurovisión, donde ha quedado e un histórico tercer lugar, la cantante ha confirmado que «se vienen cositas». No entra en detalles, pero da a entender que se encuentra preparando nuevo material.
De momento, Chanel sigue exprimiendo el «jugo» de ‘SloMo’, y La Casa Del Disco anuncia hoy el lanzamiento de un vinilo de la canción. La curiosidad es que la funda dentro de la cual se guarda el disco reproduce la forma de un «mengo» tropical. Sale en dos versiones.
El vinilo contará con 4 pistas, estas son, la versión original de ‘SloMo’, la versión acústica, el «dancebreak edit» que pelea actualmente por el número 1 de singles en España, y la versión «karaoke». Sale el 4 de noviembre en edición limitada a un precio de 29,99 euros.
Por otro lado, Chanel ha protagonizado recientemente un spot absolutamente delirante de Netflix España. Previo a la celebración de Eurovisión, Chanel protagoniza una nueva versión de ‘El juego del calamar‘ junto a artistas de los 2000 como Sonia de Sonia y Selena, Raúl o Melody. Su compañera de Benidorm Fest, Marta Sango, interpreta un divertido personaje.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Adele se compra una casa
En otro de sus raros posts de Instagram, Adele ha ofrecido una actualización de su vida a sus fans. La cantante se ha comprado una casa junto a su pareja, el agente deportivo Rich Paul. En realidad, la autora de ‘30‘ adquirió la propiedad hace meses.
Katy protagoniza el nuevo anuncio de una conocida app de comida a domicilio. El anuncio es prácticamente un videoclip de Katy Perry: la canción es original y no faltan los «looks» 100% camp que suele llevar la artista, que se disfraza de sushi o de tarta de cumpleaños. También estrena sus tetas-lechuga.
Una de las mayores tragedias de la historia de Lana será siempre que el remix de ‘Summertime Sadness’ supere en escuchas al original. Que sea el mayor éxito de su carrera en streaming. Sin embargo, a Lana parece darle igual, y se la ha visto bailando el remix en una fiesta alegremente.
Madonna bailaba recientemente ‘Papi Bones’ de FKA twigs en sus stories. Ahora, la autora de ‘Madame X’ y la artífice de ‘CAPRISONGS’ han coincidido en una fiesta. Parece que ambas se han contado las penas mutuamente o, en palabras de Madonna, han «luchado contra sus demonios».
Olivia sigue con la gira de ‘SOUR‘ y, después de cantar ‘Complicated’ de Avril con la propia Avril de cuerpo presente, se ha animado a hacer una versión de ‘Just a Girl’ de No Doubt. Sin Gwen, eso sí. Por otro lado, Olivia ha conocido a Jack White.
Taylor Swift ha recibido el título de «honoris causa» en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York. La cantante se ha puesto «por primera vez» un birrete y una capa, y en su discurso, ha aconsejado a los graduados de 2022 que no huyan de la «vergüenza ajena» porque es «inevitable».
Cuando no está ocupada rapeando o hablando pestes de tu artista favorito o favorita (recientemente Lady Gaga ha estado en su punto de mira), la autora de ‘Broke with Expensive Taste‘ se dedica a hacer jabones. En la foto, ella misma patina hacia correos para entregar una tanda de pedidos.
Alaska fue una de las presentadoras de Benidorm Fest junto a Màxim Huerta e Inés Hernand. A su vuelta de Eurovisión, Chanel ha acudido al programa La Noche D de RTVE presentado por Eva Soriano y se ha reunido con la cantante de Fangoria.
Selena Gomez ha sido la última presentadora de Saturday Night Live. Ahí, la autora de ‘Rare‘ ha imitado a Miley Cyrus, parece que con aprobación de la susodicha. Hasta el punto que ha impreso su frase «Hell yeah, I’m Miley Cyrus» en una camiseta.
Si creías que los mundos del ambient y la música experimental eran aburridos, nada más lejos de la realidad. No cabe duda que William Basinski y Eartheater son unos cachondos de la vida y que se comportan como auténticas estrellas del rock.
El nivel de la segunda temporada de ‘Drag Race España’ está siendo tal que ya casi ni nos acordamos de la primera. Pero allí hubo un episodio que merece la pena rescatar hoy: «La Noche de las 1000 Rosalías». La imagen de las drag participantes disfrazadas de distintas imágenes icónicas de Vila, aguardando el veredicto del jurado, entre la emoción y el llanto, es de lo mejor que ha dejado el programa. Sobre todo Pupi Poisson con las metralletas del vídeo de ‘Pienso en tu mirá‘ incrustadas en su cuerpo.
Rosalía ha visto todo esto y de hecho ha afirmado que quiere ir al concurso como invitada. Así lo ha manifestado en un Q&A esta semana en Twitter cuando alguien le ha preguntado si veía ‘Drag Race’. «Sí, kiero ir», ha sido su respuesta, logrando que volaran pelucas.
Desde el programa han manifestado rápidamente su entusiasmo con un tuit en el que indican: «Estado actual: MUERTAS. 😱 ✨Una motomami tiene pase vip para venir cuando quiera a #DragRaceES». Ya solo queda cuadrar agendas de cara a la 3ª temporada del programa -que se da por hecha dado su impacto social-, lo cual adivinamos que será muy complicado, pero no imposible. Al menos hay intención.
En otros momentos de este Q&A, Rosalía ha recomendado la serie ‘Severance’ de AppleTV que reseñaremos en breve, ha recordado lo que le gusta ‘22 A Million‘ de Bon Iver, ha dicho que la canción nueva que más ganas tiene de interpretar en vivo es ‘Como un G’ y ha vuelto a compartir una playlist de influencias de ‘MOTOMAMI’ donde lo mismo aparece ‘A Love Supreme’ de John Coltrane que ‘Erotica’ de Madonna. ‘Dime’ de Lole y Manuel que ‘Venus as a Boy’ de Björk. Carla Bruni aparece con ‘Quelqu’un m’a dit’ porque es mencionada en ‘La Combi Versace’.
Por otro lado, Pitchfork publica ahora una entrevista con Rosalía realizada hace un mes, en la que habla sobre cuántas vueltas da a las canciones en el estudio. ‘La Combi Versace’ por ejemplo estuvo a punto de entrar en el álbum en una versión completamente diferente -¿quizá por eso suena un poquito a remezcla?-. La cantante afirma que ha estado un año eligiendo entre las muchísimas tomas vocales que ha hecho.
Laura Pausini encandiló a toda Europa la pasada semana con la presentación del Festival de Eurovisión. También con un par de actuaciones. En una semifinal interpretó junto a Mika una versión de ‘Fragile’ de Sting seguida de ‘People Have the Power’ de Patti Smith. Sobre todo después de esto último… ¿a quién le puede caer mal Laura Pausini?
La artista interpretaba en la final de Eurovisión un popurrí de ‘Bienvenido’, ‘Le cose che vivi’, ‘Lo canto’, ‘La solitudine’ y ’Scatola’… pero las cosas no acababan tan bien después de todo. Como muchos usuarios notaron, Laura Pausini se tuvo que ausentar durante 20 minutos de la presentación, mientras Mika y Alessandro Cattelan aguantaban el tipo.
Laura Pausini acudía rauda y veloz a las redes para asegurar que lo que había sufrido era una bajada de tensión, a consecuencia del duro trabajo de «los últimos 6 meses»: «Durante esta final tuve una bajada de tensión y por eso tuve que parar unos veinte minutos por consejo de los médicos que me ayudaron y a los que agradezco mucho», escribía en Instagram.
Sin embargo, finalmente ha resultado ser covid-19. Así lo ha comunicado la propia artista, reconociendo que tendrá que suspender sus próximos compromisos, como el concierto ‘Amor A La Música’ que iba a tener lugar en Florida. En el evento están confirmados Luis Fonsi, Sebastián Yatra y Carlos Vives, entre otros.
La ministra de Sanidad española, anoche en El Objetivo de Ana Pastor, rechazó hablar de 7ª ola de covid-19 pese a lo que podamos percibir en nuestro entorno, debido a la baja presión hospitalaria y la baja ocupación de las UCI’s. Pese a que la incidencia es mucho mayor que en 2021 por estas fechas (850 entre los mayores de 60 años), la ocupación de las UCI’s está en torno al 4%, en lugar de en torno al 18%, gracias al éxito de la campaña de vacunación.
Corría el pasado mes de abril, en concreto el April Fool’s Day, esto es, el Día de los Inocentes en el mundo anglosajón, cuando os contábamos que Sky Ferreira volvía. Al fin tal regreso se ha materializado y la cantante ha anunciado que ‘Don’t Forget’, su nuevo single, saldrá la próxima semana. En concreto el 25 de mayo.
La confirmación no ha estado exenta de drama: el tuit de Capitol que anunciaba este lanzamiento ha desaparecido. Después, Sky Ferreira ha acudido a Instagram y ha escrito: «no entraré en pánico y no lo borraré esta vez», acompañando con una imagen promocional.
La cantante ya había publicado en redes un adelanto de ‘Don’t Forget’, el cual compartía junto a la leyenda «¿me recuerdas?». Un simple logo inspirado en los 80 y un breve fragmento musical en el que se escuchaban guitarras distorsionadas y voces bañadas en reverb eran suficientes para hacer las mieles de sus seguidores y generar un puñado de memes. Capitol Records, el sello de Sky, confirmaba su regreso.
El segundo disco de Sky Ferreira es uno de los mayores mitos del pop reciente. ‘Masochism’ se anunció en 2015, pero su lanzamiento se ha ido posponiendo, posponiendo, posponiendo… hasta que han pasado 9 años desde que la cantante editara su debut largo. ‘Night Time, My Time‘ salió en octubre de 2013. En entrevistas, Ferreira ha sido franca con los problemas de salud que le han llevado a retrasar su disco una y otra vez, tras serle mal diagnosticada una enfermedad que no ha hecho pública.
En todo este tiempo, las novedades musicales de Sky han llegado con cuentagotas. En 2019 lanzó single nuevo, el tenebroso ‘Downhill Lullaby’, que parecía dar un primer paso hacia el lanzamiento de su disco, pero que llevó a la nada. Antes incluso llegó a anunciar un EP del que nunca más se supo. En 2017 se pudo escuchar ‘Easy’, la canción de Sky para la banda sonora de ‘Baby Driver’ y, a lo largo de los años, la artista no ha dejado de colaborar con Primal Scream, Iceage o Charli XCX.
Entre los proyectos extramusicales que han mantenido a Sky ocupada en este tiempo, la autora de ‘Everything is Embarassing’ ha sido portada de Playboy, ha protagonizado un curioso cameo en la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ y ha aparecido en la película ‘Elvis & Nixon’.
El regreso de Sky Ferreira ha subido el «hype» a sus seguidores, entre las cuales se encuentran sus amigas Charli XCX y Grimes, que han expresado su entusiasmo en redes. Ya se bromea sobre la posibilidad de que las tres posen juntas para una versión actualizada de aquella portada de V Magazine que protagonizaron, allá por 2012. Su editor creativo Patrik Sandberg y la propia Grimes aprueban la idea.
sky ferreira fans leaving rihanna and frank ocean fans in the album waiting room pic.twitter.com/OJtmgZEKqR
— don’t forget waiting room day 1 (@coIesIaww) March 31, 2022
Moderat anunció en 2017 su retirada de los escenarios por tiempo indefinido. El trío alemán compuesto por Sascha Ring de Apparat, y por Gernot Bronsert y Sebastian Szary de Modeselektor, se encontraba en el momento de mayor popularidad de su carrera, pero decidió parar para coger aire y centrarse en nuevos proyectos.
Cuando ya no hay nadie que considere a Moderat menos que uno de los grupos de electrónica más importantes de nuestros tiempos, el grupo presenta un nuevo álbum influido por la pandemia y por la sobrecarga informativa de la era digital. Tras su paso por el Sónar, la gira de Moderat pasará por el Sant Jordi Club de Barcelona y el Wizink Center de Madrid, los días 6 y 7 de noviembre, respectivamente. JENESAISPOP es medio colaborador de esta gira, en la que se presentará su nuevo álbum ‘MORE D4TA’.
17.000 personas atendieron vuestro último concierto antes de tomaros un descanso. ¿Veíais insostenible seguir si no os tomabais un descanso antes?
En general no tenemos problema con tocar grandes recintos porque seguimos haciendo la música que queremos. En 2017 llevábamos ya cuatro años de gira tocando con Moderat y con nuestros proyectos en solitario, de repente sale nuestro tercer disco… Fue buena idea porque estábamos inspirados pero, a la vez, terminó siendo agotador. No pensábamos que Moderat iba a ser un proyecto tan longevo…
Por otro lado, aunque (Gernot, Sebastian y yo) no nos llevábamos mal, subconscientemente sabíamos que si no nos dábamos un descanso nuestra relación se pondría fea en algún momento. De hecho, pasamos dos años sin vernos después de separarnos. Quizá estábamos saturados los unos de los otros. Y estábamos saturados de Moderat, porque nuestra vida prácticamente giraba alrededor de la banda, no había cosas nuevas… Y separarnos nos dio oportunidad de hacer otras cosas y de encontrar la ilusión de trabajar en Moderat de nuevo. Si no os visteis durante dos años, ¿en qué momento empezáis a trabajar en el disco?
Mientras trabajábamos en nuestros propios proyectos, Modeselektor dieron un concierto en Berlín, yo me reuní con ellos en el backstage y empezamos a hablar sobre trabajar en un nuevo disco juntos. El periodo de conversaciones también fue muy largo porque teníamos que averiguar en qué lugar estaba cada uno creativamente y como seres humanos. Pasó un año hasta que empezamos a planear la composición del disco. Entonces llegó la pandemia… Y eso nos dio más tiempo para pensar el álbum.
La nota de prensa dice que ‘MORE D4TA’ trata dos temas, el aislamiento y la sobreinformación. ¿Cómo os ponéis de acuerdo con el concepto del disco?
Siempre que hablábamos de posibles conceptos terminábamos en direcciones opuestas. Intentar encontrar puntos en común está bien pero no es sostenible. En este caso, la pandemia ha influido obviamente en el contenido del disco. La pandemia ha reforzado más si cabe nuestro vínculo con el mundo digital. Yo sigo teniendo reuniones por Zoom a día de hoy. El internet domina completamente nuestras vidas. Hace 20 años la idea de la web 2.0 era casi hippy. Representaba una democratización de internet. Todo el mundo contribuía a su creación. A día de hoy esa idea se la han comido las empresas que manipulan lo que debes pensar.
El capitalismo se ha comido internet. ¿De qué maneras el disco reflexiona sobre este tema?
Lo que te he contado es más bien la mentalidad que teníamos durante la creación del disco. El bombardeo de titulares… Estábamos saturados. Ante semejante pesadilla informativa buscábamos un escape. Y Moderat siempre ha sido un lugar en el que nos podemos separar del mundo. Nos concentramos en nuestra burbuja y miramos a nuestro interior.
«La sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas»
Cada uno de nosotros buscábamos escapar a nuestra manera. Sebastian y Gernot se iban al campo, y yo visitaba museos con mi hija. Me quedaba observando cuadros durante horas. Observar esos cuadros me servía para entender que todo se repite. Los cuadros renacentistas van de lo mismo: enfermedades, guerras… Un solo cuadro está lleno de este tipo de información.
¿Te inspira la nostalgia?
Observar aquellos cuadros me aliviaba el alma. Sabes que el mundo ha vivido muchas crisis y esperas que no vuelvan a ocurrir, pero mirar esas pinturas te recuerda que estas crisis llevan pasando mucho tiempo. Que otra gente anterior a la nuestra ha pasado por lo mismo.
La gente suele romantizar el pasado, y olvida que las redes sociales han traído cosas buenas. Estamos tan conectados que el mundo se ha vuelto muy pequeño. ¿Qué opinas?
Yo ya no uso redes sociales. Ha perdido la gracia. Hay otras maneras de conectar con amigos que meterte en una web que te dicta la cantidad de palabras que puedes usar. Evidentemente uso mi teléfono, me encanta estar conectado con mis amigos… Y cuando la música electrónica empezó, lo hizo de mano con el auge de internet. Desde siempre han estado conectados. Sin embargo, las redes sociales también permiten conectar a personas en el odio. Es el lado malo.
¿El vídeo de ‘Fast Land‘ reflexiona sobre las «sociedades aceleradas» de Hartmut Rosa? ¿De qué va?
¡Ojalá lo supiera! Cuando trabajo en bandas sonoras suelo ceder el control creativo a los directores. Y con mis proyectos propios hago lo mismo, dejo que los directores hagan lo que quieran, que expresen su visión. Para mí el vídeo tiene un aspecto más emocional que narrativo. Presenta un contraste entre momentos de claustrofobia y otros de euforia colectiva. Me gusta que el arte sea abstracto porque permite que la gente proyecte sus propias interpretaciones en él.
¿Qué opinas de las interpretaciones que hace el público de Moderat?
Me gusta que la gente llegue a sus propias conclusiones. Eso te abre nuevas perspectivas como artista. Y eso pasa cuando tu música es personal. Sin embargo, debo hacer un apunte. En una entrevista, Iannis (Philippakis, cantante de Foals) dijo que había dejado de esconderse en letras abstractas y que ahora eran más personales y autobiográficas, por los que las sentía más honestas. Entiendo que para algunos artistas sea importante actuar de manera honesta pero, para mí, leer sobre un momento concreto en la vida de una persona no tiene tanta magia. Prefiero la parte abstracta del arte porque la veo más poética.
¿Los títulos de las canciones significan algo? ‘DRUM GLOW’, ‘NEON RATS’, ‘DOOM HYPE’… parecen palabras juntadas de manera un poco random, pero tienen como una expresión tecno.
Algunas canciones son instrumentales así que sus títulos no hay que tomárselos demasiado en serio. Las que tienen voces sí tienen una historia detrás. ‘COPY COPY’ está influida por una historia que leí sobre el pintor Francis Bacon, y su obsesión con una pintura de Velázquez que representaba un Papa. Al Papa no le gustaba la pintura porque el estilo de Velázquez era demasiado realista. Años después, Bacon se obsesionó con el cuadro y pintó cincuenta copias del mismo. La reflexión a la que invita la canción es la siguiente: ¿llegas realmente a la perfección repitiendo la misma cosa una y otra vez, o debes saber cuando parar? El trabajo en el estudio es lo mismo. Es muy difícil dar una obra por acabada.
¿Qué significa la portada del disco?
Es obra de Pfadfinderei, colectivo visual con el que trabajamos desde el primer disco. En los tres discos previos salían personajes en las portadas, pero para el nuevo nos apetecía algo diferente. Representa una especie de Tierra plana que se va por el desagüe. La imagen iba a ser solo parte de la portada, en la que de hecho había otro personaje, pero al final se desechó. En Alemania hubo un movimiento enorme de personas que negaban el coronavirus. Algunas expresaban ideas propias de Q-Anon. Algunas personas está tan metida en el túnel que son incapaces de observar los datos. Es perversa la manera en que se creen a pies puntillas una información que es imposible probar. Antes cuando quemaban brujas podías decir que la gente era ignorante, pero hoy, a menos que vivas en Rusia o China, toda la información está a tu disposición. Parece que hayamos vuelto a la era de quemar brujas.
¿La solución pasa por prohibir esas fuentes alternativas?
Es una idea que explora ‘MORE D4TA’. Hay demasiada información. Y esta sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas. Y esta gente termina creyendo las teorías más locas porque es fácil creérselas que creerse la verdad.
Rina Sawayama ha anunciado que su segundo álbum verá la luz el 2 de septiembre bajo el título de ‘Hold the Girl’, presentado por el single ‘This Hell’, sobre estas líneas, como se pronosticaba en foros, una mezcla entre Shania Twain y la Lady Gaga de ‘Born this Way‘. Sumamos a C.C. Catch. Además, la cantante británica ha compartido un tráiler en el que pueden escucharse fragmentos de lo que parecen canciones del disco.
‘SAWAYAMA‘, el debut de Rina Sawayama, es una de las sorpresas pop que han dejado los últimos años gracias a su recuperación de varios sonidos asociados al pop de los años 2000, como el teen-pop o el nu-metal. ‘Best Friend’ fue una de las mejores canciones de su año.
2022 será un año movido para Rina, que no solo publica disco sino que se encuentra rodando la cuarta entrega de la saga de ciencia ficción ‘John Wick: Chapter 4’ junto a Keanu Reeves. Será el debut de Rina como actriz, y a lo grande.
Rina se dio a conocer hace unos años gracias a producciones de pop dosmilero tan chulas como ‘Cyber Stockholm Syndrome’. Desde entonces ha conseguido cambiar las reglas del Mercury Prize, ha colaborado con artistas como Charli XCX o Pabllo Vitar o ha participado en el álbum de remixes de Lady Gaga.
Aparte de un par de colaboraciones aisladas que aparecen en su discografía de 2021 -un tema colaborativo a varias manos llamado ‘MPC 2021’ y una versión de ‘Man Next Door’ con U-Roy-, no sabíamos nada de Santigold desde 2018. Este fue el año en que publicaba ‘I Don’t Want: The Gold Fire Sessions‘, aquella mixtape de música jamaicana con la que siempre hacíamos la misma broma: ¿sería este acaso el proyecto que enterraría el esperado disco jamaicano de Rihanna con el que iba a suceder ‘ANTI’? ¿Acaso se parecían demasiado ambos proyectos? Foto: Frank Ockenfels.
En cualquier caso, Santigold está de regreso con un single potente llamado ‘High Priestess’ para el que esta noche se va a publicar un videoclip. De momento, la cantante comparte una larguísima carta en la que explica cómo ha sido el proceso compositivo durante los últimos 2 años hasta llegar a esta canción.
Santigold cuenta cómo fue abandonando «el modo mamá» a medida que fue remitiendo la pandemia, y habla de lo importante que es para ella trabajar con artistas mano a mano, con todos sus mentes y corazones en una grabación, en contraposición a lo habitual en campamentos de composición. Detalla cómo ha trabajado en ‘High Priestess’ con Boys Noize, explicando que quería unir rap y energía punk rock en esta grabación, pero que costó llegar al sonido punk rock que deseaba con elementos modernos.
«La energía que buscaba no podía ser la versión vieja del punk rock, tenía que ser el futuro sonido del punk rock», indica, agradeciendo a su equipo de trabajo una producción que podríamos situar cercana a Peaches.
El remix tenía que llegar este jueves, pero por alguna razón ha aparecido ya en Youtube, quizá por su activación en Nueva Zelanda y Australia. La mala noticia es que no cabe más amor en nuestra corazón para esta improbable resurrección de ‘Frozen’, de la que poco se ha sabido en nuestro país. La buena es que este podría ser el último y definitivo de todos los remixes de ‘Frozen’.
¿Por qué? Tiene nombre propio, se llama ‘Frozen On Fire’ y reúne simplemente a Madonna con el autor de la remezcla viral, Sickick. Este añade unas estrofas al modo en que ya había dejado caer en su canal de Youtube, pero sin que la remezcla se subiera a plataformas oficialmente. Con sus versos y ahora una grabación extra actual de Madonna que se identifica demasiado fácilmente, queda al fin algo parecido a una canción de 3 minutos. Igual hasta si la hubieran subido hace 6 meses ahora tendrían un hit de verdad…
Como era de prever, Bad Bunny es el flamante número 1 de discos en España. Os lo hemos contado en el análisis de la lista de singles porque Benito ha metido las 23 canciones del disco en el top 30, lo cual es la gran rareza de la semana.
Pero han pasado más cosas interesantes en la lista de álbumes de nuestro país. Guitarricadelafuente llega al número 3 de lo más vendido/escuchado en España con su disco producido por Refree, ‘La cantera’. Arcade Fire se sitúan en el número 6 de nuestro país con ‘WE’ tras haber sido número 1 en Reino Unido como acostumbran y número 6 en Estados Unidos. ‘WE’ ha podido ser top 1 en territorios como Irlanda y Holanda, pero no en su Canadá natal, donde ha sido número 3.
Otras gratas noticias son las que producen Belle & Sebastian, que llegan al número 27 en España con ‘A Bit of Previous’. Su álbum de 2015 «Girls In Peacetime» llegó a ser número 12 en nuestro país en aquellos «tiempos de paz» en que no contaba el streaming. En Reino Unido lo nuevo de la banda liderada por Stuart Murdoch llega al puesto 8, en lo que supone su 4º top 10 en total, igualando la máxima posición conseguida tanto por ‘The Life Pursuit’ como por ‘Write About Love’.
Continuando con las buenas noticias, Soft Cell llegan al top 37 de nuestro país con ‘Happiness Not Included’, su primer disco en 20 años, que en Reino Unido ha sido puesto 7; y Cariño llegan al número 46 con su disco homónimo, ‘Cariño’. Ellas además no han podido editar su vinilo a tiempo, por lo que no se han beneficiado de la venta de LP’s como sí Guitarricadelafuente (número 1 en vinilos), Arcade Fire (número 2 en vinilos), Belle & Sebastian (número 10 en vinilos), Soft Cell (número 18 en vinilos) o los invitados de nuestro siguiente párrafo.
Volviendo al top 100 español que suma CD’s, vinilos, descargas y streaming, Kylie se sitúa en el puesto 48 ‘Infinite Disco’, Daft Punk en el 57 con una caja que une ‘Homework & Discovery’ y Neil Young en el 69 con el directo ‘Citizen Kane Jr Blues 1974’, en el 71 con ‘Royce Hall 1971’ y en el 79 con ‘Dorothy Chandler Pavilion 1971’. Como decíamos, todos ellos están entre los vinilos más vendidos del país. Como también Yawners o Nation of Language, que no logran llegar al top 100 del cómputo total.
Mención aparte para Jack Harlow, que es número 41 en España con el controvertido ‘Come Home the Kids Miss You’. El disco que contiene ‘First Class’, uno de los mayores éxitos del mundo en este momento, se ha agenciado un número 1 en discos en Canadá, Dinamarca y Nueva Zelanda, pero no en los principales mercados. Ha quedado en el puesto 3 en el Billboard 200 y en el puesto 4 en Reino Unido. Desde luego, no ha sido por falta de promoción para su sencillo principal.
