Imagine Dragons imitan a artistas como Coldplay lanzando una canción con seudónimo

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23 agosto, 2021

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Disclosure nos sorprendían la semana pasada publicando una canción por día, llevando hasta el lanzamiento el pasado viernes de un disco de 10 pistas que en realidad son 5 junto a sus respectivos «radio edits», con la esperanza de que Radio 1 pinche habitualmente alguno.

Los autores de ‘Latch’ no recurren en este caso a voces amigas como la de Sam Smith -ni siquiera la de ellos mismos, al menos de manera prominente-, pero a cambio nos dan una lección de fidelidad a sí mismos. Con toda la calma del mundo se dedican a hacer lo que mejor saben junto a alguna mano amiga como la de James Ford en ‘Another Level’, o Andrew Smith y Annabel Hockey-Smith en la muy Daft Punk ‘Happening’.

Aunque para cuando llega ‘Seduction’ puede que eches de menos algo de variedad, son varias las producciones que admiten la definición de «rompepistas». ‘In My Arms’, no en vano la primera canción que nos presentaron de este proyecto, llamado ‘Never Enough’, es nuestra «Canción del Día».

Disclosure, que en 2020 nos convencían con su tercer disco ‘ENERGY’, han explicado en un comunicado que la «chispa» que ha llevado a la creación de esta nueva música ha sido «revitalizar la escena de la música dance» y la «cultura de club» tan «fracturada durante los últimos 18 meses por motivos evidentes».

Lo mejor que puede decirse de un tiro como ‘In My Arms’, inspirado en los beats noventeros como gran parte de su carrera, y con un irresistible sample del título de la canción, es que gracias a ella es fácil imaginar que las cosas volverán exactamente al punto en que las dejamos en pocas semanas. La percusión que engancha desde los primeros instantes y los pequeños samples vocales parecen prometernos que el próximo otoño tendrá que continuar siendo verano.

Lo mejor del mes:

‘Happier than Ever’: el Katrina sentimental de Billie Eilish tiene final feliz

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Joric

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23 agosto, 2021

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En ‘Happier Than Ever’, Billie Eilish habla por teléfono como una adolescente de los noventa: con un fijo y teniendo cuidado de que no se le enrolle el cable por la mesa y rompa alguna figurita de su madre. ¿Con quién habla Billie?

Se supone que con su novio, con el que, según la letra de la canción, estaría “cortando” (una expresión también muy de los noventa). Se ha especulado con que ‘Happier Than Ever’ podría estar dedicada a su ex, el rapero Brandon Adams. La razón es que en el documental ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ aparece una conversación telefónica donde éste le confiesa haber conducido borracho. Justo como dice ella en la canción.

Tras esa dilatada conversación, filmada con largos y suaves movimientos de cámara, y fotografiada con una luz muy cálida, estalla la tormenta. Una tempestad que se va anunciando poco a poco, gota a gota, como si fuera un relato de suspense. La cantante abre la puerta como quien abre su corazón. El resultado es un Katrina sentimental, una ciclogénesis emocional en la que Eilish parece que se va a ahogar dentro de ese aguacero de emociones, para finalmente salir a flote y acabar, como Gene Kelly, “cantando bajo la lluvia”.

Doja Cat triunfa; Demi Lovato no saca partido a su disco más importante

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23 agosto, 2021

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Hits

Corría el mes de junio cuando nombrábamos ‘Planet Her’ de Doja Cat uno de los discos del verano, pero en aquel momento desconocíamos hasta qué punto. Dos meses después de su edición, la cantante volverá esta semana al top 2 del Billboard 200, la máxima posición que ha alcanzado en principio contenida por Tyler the Creator, ahora mismo por Billie Eilish, y en otras ocasiones por Olivia Rodrigo. En cualquier caso, ‘Planet Her’ ya es uno de los mayores éxitos del año en Estados Unidos, y también sus datos son buenos o muy buenos en otros territorios dependiendo de a qué país preguntes. El álbum de Doja Cat continúa en el top 10 británico y en el top 15 español, donde esta semana sube y alcanza un nuevo máximo: el número 14.

Mediatraffic estima que se han vendido el equivalente a unas 700.000 copias en todo el mundo de ‘Planet Her’, pero lo mejor es la solidez de sus cifras, la fidelidad que encierran semana tras semana. Tiene 60 millones de oyentes mensuales en Spotify, de hecho Doja Cat es la primera rapera en rebasar esa cifra, y los éxitos en el disco se le están multiplicando.

La cantante que tanto tiene que agradecer a TikTok triunfaba primero con ‘Kiss Me More’, un tema que supera los 625 millones de streaming en Spotify, y después ha visto cómo sumaba ‘Need to Know’, se viralizaba de manera espontánea ‘Ain’t Shit’, y ahora mismo ‘Woman’, que siempre fue una de nuestras canciones favoritas del disco. Efectivamente, mientras ‘Need to Know’ y ‘Ain’t Shit’ continúan en el top 40 británico, esta semana se incorpora al mismo ‘Woman’ directo al puesto 26. Hay ‘Planet Her’ para rato, quién sabe si hasta los 2 millones de unidades y más allá. Alguien está ocupando claramente el espacio que ha dejado en el mercado Rihanna.

Flops

En el otro lado de la moneda, una campaña en la que todo ha salido mal es la de Demi Lovato. Su disco confesional tras una crisis personal que casi se la lleva por delante no ha sabido conectar con el público. ‘Dancing with the Devil… The Art of Starting Over‘ era promocionado erróneamente con sendas baladas tan demodé como ‘Anyone’ y ‘Dancing with the Devil‘, dejando de lado los muchos aciertos pop que contenía después.

En un momento de abril parecía claro que ‘Met Him Last Night’, el dúo con Ariana Grande, iba a ser el gran bop y el gran salvador del disco, se llegó a decir que el vídeo estaba realmente a puntito. 5 meses después, el vídeo parece un espejismo, la canción ha perdido todo su momentum y el álbum hace rato que ya no está en las listas: resistió 8 semanas en el Billboard 200 y únicamente 4 en el top 100 británico.

La propia Demi parece haber pasado página del disco, centrada en otros proyectos, y el anecdótico vídeo que se acaba de sacar para ‘Melon Cake’, grabado con muy poco dinero, apunta en esa dirección. Por supuesto, su tratamiento de la bulimia de Demi Lovato es relevante, pero perdido en filtros y efectos de Instagram, no logra presentar el tema de manera atractiva para el público casual que aún no conociera la canción. ¿No habría sido mejor opción apostar por la divertida ‘My Girlfriends Are My Boyfriend’, que habla de la nueva identidad de género de Demi Lovato?

La columna «Hits & Flops» no pretende enfrentar a unos artistas con otros, sino analizar desde el punto de vista del márketing las campañas mejor y peor encarriladas por los sellos discográficos. Para números anteriores, pincha aquí. La calidad de los discos al margen de su alcance comercial, es analizada en la sección «Discos».

Muere Don Everly de Everly Brothers; Brian Wilson, Nancy Sinatra… le recuerdan

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23 agosto, 2021

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Don Everly ha fallecido en su casa de Nashville este sábado 21 de agosto, como ha informado un/a representante de su familia. El que fuera el mayor de los Everly Brothers, cuyo verdadero nombre era Isaac Donald Everly, tenía 84 años. Su hermano Phil Everly, con quien conformó el ilustre dúo con el que vendió millones de singles a finales de los años 50 y también a principios de los años 60, ya había muerto a principios del año 2014.

El comunicado sobre la muerte de Don indica que «vivió tal y como lo sintió en su corazón a cada momento. Don expresó su aprecio por la habilidad de vivir sus sueños, con su compañera y esposa Adele, y compartiendo la música que hizo de él un Everly Brother».

Entre los artistas que han querido compartir su admiración por Don Everly está Brian Wilson, que ha dicho que los Beach Boys «aprendieron un montón de sus hermosas armonías». También Nancy Sinatra y Dave Davies de The Kinks han tenido algunas palabras. Sinatra ha dicho que «girar con Phillip y Donald fue literalmente apasionante. Tener el privilegio de cantar con sus voces impresionantes e icónicas ha sido uno de los grandes regalos de mi vida».

Hijos de un minero aficionado a la música, Everly Brothers conquistaron las listas de éxito por primera vez en 1957 con un ‘Bye Bye Love’ que lograron situar en el puesto 2 del Billboard Hot 100. A continuación, alcanzarían el top 1 con ‘Wake Up Little Susie’ y después con el gran clásico ‘All I Have to Do Is Dream’ ya en 1958. ‘Cathy’s Clown’ les devolvería al número 1 en 1960, perdiendo el dúo algo de impacto a medida que avanzaba la nueva década, lo que provocaría desavenencias en el grupo y a la postre su separación en 1973. En 1983 hubo una reunión, ya anecdótica, que les llevó no obstante a aparecer en ‘Graceland’ de Paul Simon (1986), ayudándoles a permanecer en la imaginería popular hasta hoy.

We have now lost Don Everly. Touring with Phillip and Donald was literally thrilling. To have the privilege of singing with their breathtaking iconic voices was one of the great gifts of my career. Godspeed, Donald. I love you. pic.twitter.com/Vr8c9ikWAY

— Nancy Sinatra (@NancySinatra) August 22, 2021

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The Killers / Sam’s Town

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En 2006 no hay espacio para The Killers en nuestros corazones. La banda había alcanzado un estatus multiplatino con ‘Hot Fuss’, aquel debut en el que se incluían sus clásicos ‘Somebody Told Me’ y ‘Mr Brightside’, a la postre considerado el gran clásico del rock del siglo XXI. Su segundo álbum, este ‘Sam’s Town’ que está a punto de cumplir 15 años, es mucho más pretencioso. En un año de eclosión underground en que Pitchfork empezaba a marcar su espacio descubriendo al mundo artistas con un aura tan «cool» como The Knife, Brandon Flowers se paseaba por las entrevistas hablando de cómo Bruce Springsteen le había cambiado la vida. Creyéndose David Bowie. Literalmente. «La gente cree que el disco es pretencioso pero yo miraba ‘Born to Run’ y miraba ‘Hunky Dory’, y Springsteen y Bowie tenían 24 años cuando los hicieron, y yo me decía «tengo que subir la apuesta», explicaba en una entrevista con Blender de aquellos tiempos.

«Subiendo la apuesta», también se atrevía a comparar ‘Sam’s Town’ con ‘Achtung Baby’ y con ‘OK Computer’, aunque luego lo negase. Un álbum que nada más comenzar con el tema titular recordaba más bien a Eurythmics. La obra maestra de Radiohead puede ser una referencia en los primeros instantes de ‘Why Do I Keep Counting?’, pero ahí se acaban las posibles comparaciones. Siempre hubo algo «cheesy» en The Killers, en letras, vestuario y bronceados. El público más crítico nunca pudo con tal cantidad de pompa. Pero la deriva de los últimos álbumes del grupo está beneficiando a ‘Sam’s Town’, consolidándolo como el primer gran clásico de la banda, pues ‘Hot Fuss’ era desigual y peor equilibrado y ‘Day & Age’, su intento synth-pop junto a Stuart Price, nunca se decidió a ser el álbum bailable que prometían ‘Human’ y ‘Spaceman’. Aquí de hecho, hay un tema que ya nos habla de Nephi, la comunidad de 5.000 habitantes a que se dedica ahora el recomendado ‘Pressure Machine‘, en concreto ‘The River Is Wild’.

‘Sam’s Town’ es realmente también un disco sintético, no tan diferente a ‘Hot Fuss’ y ‘Day & Age’. Contrate usted a Anton Corbijn, el fotógrafo de Depeche Mode y el ‘Joshua Tree’ de U2, y dará una pátina de seriedad y elegancia a su producto, incluso a una Miss con una cabra como salidas de una portada de Aerosmith o algo peor. En blanco y negro y referenciando un casino de Las Vegas con la colaboración de la cantante Felice LaZae, que es quien posa, la portada del álbum refleja perfectamente nuestra relación con el disco con el paso del tiempo. De la ridiculización inicial, no sé si a la fascinación, pero como mínimo al respeto. Como las deslenguadas entrevistas de Brandon Flowers, forma parte de la historia del pop.

The Killers supieron muy bien de quién rodearse en este segundo álbum, también en lo musical. Brandon estaba asustado por el nivel de popularidad alcanzado con ‘Hot Fuss’ y no fue hasta que le vino a la cabeza la melodía de ‘When You Were Young’ cuando se sintió aliviado porque sabía que había dado con algo especial. Con un símil religioso de los que tanto le gustan dada su fe, la composición se dirige a una mujer que se dedica a compadecerse de sí misma, a esperar a que un chico la salve, “cual Jesús”. «Te sientas ahí sola con tu dolor, esperando que un chico guapo venga a salvarte de tu pasado», dice en lo que podemos considerar un pequeño tema de empoderamiento, al nivel en potencial de los singles del primer disco. Pero es que ‘Read My Mind’ es aún mejor. Y lo es gracias a la producción de Alan Moulder.

La banda acudió a Alan Moulder y a Flood porque les encantaba el tipo de álbumes en que habían trabajado (de nuevo Depeche, de nuevo U2), y Moulder es directamente responsable de que ‘Read My Mind’ no sea floja, pues «tuvo los huevos» de criticar la maqueta inicial. «Se llamaba ‘Little Angela’, pero la cambiamos porque algo no estaba bien. Mi melodía era un poco demasiado como ‘Mrs Robinson’ y la letra no estaba muy bien. Alan Moulder tuvo los huevos y el coraje de decirme: «vamos a quedarnos este patrón, y vamos a escribir una canción diferente con él». Así que la canción nació de nosotros tarareando una vieja canción y creció a partir de ahí. Cuando la tocamos en directo, notamos que significa muchas cosas para un montón de gente, y definitivamente es una de esas canciones que atrae a la gente a la banda», declaraba el cantante al NME. La razón principal de esa sinergia es el majestuoso cambio de acordes en «I don’t mind if you don’t mind / cause I don’t shine if you don’t shine», además una letra que es pura comunión popular.

La colección de singles se completa con ‘For Reasons Unknown’, un tema que se nota escrito en la carretera, y en el que el momento en que Brandon Flowers llora, teatrero, es irresistible; y ‘Bones’, una rareza llena de metales que representa una vertiente del álbum más influida por el glam-rock de los 70, muy evidente en el final de ‘Why Do I Keep Counting?’. Diría que más Queen que David Bowie.

Y hay más miga repartida por la secuencia del disco. Está el gancho «Higher and higher / We’re gonna take it down to the wire» de ‘Bling (Confession of a King)’, un tema inspirado en Talking Heads y Johnny Cash, dedicado al padre de Brandon. Está ‘Uncle Jonny’, que igual no tiene uno de los mejores riffs de todos los tiempos como sugiere Flowers, pero sí una historia de drogadicción y paranoia inspirada en un tío suyo que considera todo un superviviente. Y está ese gran precedente de ‘Human’ melódicamente que es ‘My List’, solo que aquí en modo «aproximación a la balada», de la que hicieron muy pocas tomas. «Es lo más cercano a cómo sueno cantando en la ducha», bromeaba.

Si sumamos que ‘For Reasons Unknown’ habla sobre la lucha de la abuela de Brandon contra el alzhéimer (es por cierto el único tema de los Killers en que el cantante toca el bajo), o el estribillo confesional de ‘The River Is Wild’ («¿debería llevarme bien conmigo mismo? Nunca me he llevado bien con nadie / Siempre he intentado hacer lo correcto»), justo antes del chanante «Exitlude» final (también hay un «Enterlude»), nos vamos dando cuenta de que el grupo está empecinado en hacer algo profundo. En distanciarse de otros proyectos que estaban sonando en las discotecas indies de aquellos tiempos. Ellos no querían ser The Bravery, The Sounds ni The Ting Tings.

Alguien dijo a Brandon Flowers que Brian Eno rechazó producir este disco, si bien este sí llegó a sumarse a un tema de ‘Wonderful Wonderful‘ posteriormente. Entonces le comentó a Brandon que la oferta para trabajar en ‘Sam’s Town’ jamás se le había puesto encima de la mesa. Probablemente alguien consideró que ni siquiera merecía la pena mencionar el nombre del grupo a un productor tan guay. Rolling Stone de hecho suspendería este disco propiciando que Brandon tuviera que defenderlo con un triste y lacónico «igual estamos sordos, pero a nosotros nos gusta». Como gran parte de los entonces llamados hipsters, hasta el exigente Brian Eno terminó sucumbiendo a los encantos de The Killers.

Leos Carax y Sparks crean una excéntrica y fascinante ópera-rock con ‘Annette’

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Fernando García

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Leos Carax inauguraba el Festival de Cannes este año con ‘Annette’ -su primera película en 9 años tras ‘Holy Motors’-, un musical con el que el siempre divisivo cineasta francés terminó llevándose el premio a la mejor dirección. El guion corre a cargo de Sparks, así como todas las canciones que lo componen. La película comienza con una presentación que ya nos alerta de la peculiaridad de la obra que vamos a presenciar, donde aparecen el propio Carax y los miembros de Sparks cantando “So May We Start”, a los que posteriormente se irán uniendo coristas y el elenco principal formado por Adam Driver, Marion Cotillard y Simon Helberg rompiendo la cuarta pared, como si de una obra de teatro se tratara.

Driver interpreta a Henry McHenry, un conocido cómico con un sentido del humor incómodo y ácido, y Cotillard a Ann, una exitosa cantante de ópera. Ambos tienen un apasionado romance de gran repercusión mediática, que cambiará por completo con la llegada de su primogénita Annette.

Carax lleva su particular estilo posmoderno a nuevos y excitantes territorios, con ideas visuales tan originales como brillantes. Especialmente deslumbrante resulta la primera media hora en la que se presenta de manera singularísima a ambos protagonistas y sus universos. Las estupendas canciones de Sparks, la llamativa fotografía de Caroline Champetier y un excelente montaje de Nelly Quetier consiguen un resultado realmente hipnótico. Por supuesto, Carax, director kamikaze donde los haya, se lanza al vacío en numerosas ocasiones, abrazando por completo el ridículo. Pero esos momentos lejos de arruinar la experiencia, le otorgan personalidad, creando situaciones absolutamente delirantes, únicas y a menudo muy divertidas. Como esa grandiosa secuencia de cama donde Adam Driver le hace un cunnilingus a Marion Cotillard mientras cantan.

Como en toda la filmografía de Carax, no hay espacio para la mesura en ‘Annette’; todo es excesivo y excéntrico pero también genuinamente fascinante. La búsqueda de la perfección es algo que jamás ha interesado al cineasta, que siempre ha realizado películas que ponen al espectador en el filo de la butaca, viajes cinematográficos extremos que provocan reacciones dispares y exaltadas. Lo que consigue siempre es que cada una de ellas sean experiencias inolvidables, ya sea amor u odio lo que despierten. Y eso no deja de ser una hazaña admirable.

‘Annette’ es su primera aventura en inglés, ambientada en Los Ángeles y sin Denis Lavant, su actor fetiche. Esta vez es Adam Driver quien realiza una de esas interpretaciones todoterreno tan típicas del cine de su director, en un papel que pasa por todos los registros, de la comedia al drama al musical con una facilidad asombrosa. Es un rol complicadísimo pues implica estar todo el rato en el límite de la sobreactuación -ya que toda la película está pensada como si fuese una obra de teatro- pero nunca caer en ella. Driver ya ha demostrado en multitud de ocasiones sus dotes interpretativas pero parece superarse con cada película que escoge. Aquí, se enfrenta sin miedo al personaje más complejo y a la propuesta más radical de su filmografía, consiguiendo el que es probablemente su mayor logro actoral. Cotillard, cuyo personaje es mucho más etéreo que el de su compañero de reparto y por ello más discreto, está igualmente espléndida. Al igual que Simon Helberg, que cuenta con menos presencia en pantalla que la actriz. Y cabe mencionar también que en su numeroso elenco de actores invitados con apariciones especiales, se pueden ver y escuchar brevemente a Angèle y Natalia Lafourcade.

Temáticamente ‘Annette’ da pinceladas de varios asuntos muy actuales como el #MeToo, la masculinidad tóxica o la fama y sus consecuencias partiendo de una sencilla premisa de drama romántico. Carax adorna la estructura teatral del guion con recursos a menudo brillantes, como en los intermedios, que son noticias de prensa rosa que van informando sobre la situación de la relación de la pareja protagonista.

El cine de Carax es siempre romántico, radical, innovador y controvertido y ‘Annette’ no es ninguna excepción. La reacción del público a ella dependerá de si se entra en la propuesta desde el principio o no, de si uno es capaz de tolerar su extravagancia o si le resulta insoportable, pero sus hallazgos visuales y sus audaces ideas narrativas resultan incontestables.

Tras estrenarse en el folk, Karla Imbert viaja a las nubes

Por

Jordi Bardají

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22 agosto, 2021

Karla Imbert es una joven cantautora de Sopela (País Vasco) que publicó su primer EP en 2016, hace ya un lustro. ‘Lost and Found’ contenía temas originales (‘Prague’) y alguna que otra versión (‘The A Team’ de Ed Sheeran) y se centraba en un sonido prominentemente acústico, muy idóneo para la voz de una Karla cuyo timbre, por momentos, podía recordar a los de Russian Red o Anni B Sweet.

Cinco años más tarde, Karla Imbert no es exactamente la misma artista. Sus dos nuevos singles, ‘Black and Blue’ y ‘estoy bien’, editados con el apoyo de la comunidad musical Acqustic, viajan hacia los mundos de un dream-pop electrónico, envolvente y detallista con producciones muy mimadas pero que no ahogan la voz de Karla en un segundo plano. Al contrario, Karla siempre suena en el centro.

Muy diferentes a lo que hacía hace años, ‘Black and Blue’ y ‘estoy bien’ muestran a una artista que parece estar encontrando su propio camino. Los códigos de aquel folk practicado antaño son perceptibles en la composición de ‘Black and Blue’, pero a la vez esta canción opta por perderse por los senderos de un pop electrónico que guarda ecos al downtempo de Boards of Canada o al post-dubstep de Mount Kimbie, y ‘estoy bien’, la primera canción en español de Karla Imbert, recuerda a las producciones detallistas de Nubla, subiéndose en un in crescendo que la hace despegar de Madrid hacia el cielo.

En concreto, ‘estoy bien’, hoy nuestra «Canción del Día», se inspira en la música de artistas como Alice Wonder, Natalia Lacunza o Zetazen y la canción «trata sobre tener el corazón roto, tener la convicción de que la única manera de recuperarse es evadirse y alejarse de todo lo que nos recuerda a esa persona». La nota añade: «Es la tristeza de no ser capaz de recordar quienes hemos sido, y el peso que eso acarrea. El estribillo se presenta casi como un mantra a una misma, haciendo énfasis en la necesidad de huir, de dejar de revivir la culpa y el dolor y todo lo que nos hace recordar la historia».

Lo mejor del mes:

‘El chico más bello del mundo’: la trágica vida de Tadzio fuera de ‘Muerte en Venecia’

Por

Joric

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Luchino Visconti tenía buen ojo para los actores guapos. En los sesenta ayudó a convertirse en sex symbol a Alain Delon (‘Rocco y sus hermanos’, ‘El gatopardo’) y en los setenta a Helmut Berger (‘La caída de los dioses’, ‘Luis II de Baviera’), a quien descubrió. En 1971, hizo lo propio con Björn Andrésen. Su papel de Tadzio en ‘Muerte en Venecia’ lo convirtió de la noche a la mañana en “el chico más bello del mundo”.

A Visconti le sobraba talento para realizar la adaptación de la obra de Thomas Mann, pero le faltó sensibilidad para cuidar de su descubrimiento, para protegerlo. A diferencia de los veinteañeros Delon y Berger, Andrésen tenía solo quince años. Era huérfano (vivía con su abuela) y de carácter tímido. El director lo exhibió por el festival de Cannes y los bares gays como quien pasea a un hermoso cachorro. Como era de esperar, la fama le destrozó.

El documental ‘El chico más bello del mundo’, que forma parte de la programación del Atlántida Film Fest, el festival online y semipresencial de Filmin, comienza con la imagen de un hombre canoso y desgarbado recorriendo los pasillos de un edificio en ruinas. Luego lo veremos en su piso de Estocolmo rodeado de trastos, suciedad y notas de desahucio. Es casi un indigente. Es Andrésen.

Han pasado cincuenta años desde que Visconti lo eligiera para encarnar al bello “ángel de la muerte” de la novela de Mann. Medio siglo que recorren los cineastas Kristina Lindström y Kristian Petri en un tono triste y melancólico (a veces abusan de la cámara lenta y la pose contemplativa), como si en la desdichada vida del actor hubieran sonado permanentemente los compases de la quinta de Mahler que se escuchan en ‘Muerte en Venecia’.

La película no hace un recorrido exhaustivo por la vida de Andrésen (a quien pudimos ver recientemente en una de las secuencias más impactantes de ‘Midsommar’). Es más una aproximación al hombre, a la persona que hay detrás de Tadzio. El documental está planteado como un viaje por su memoria. El actor vuelve a los lugares que le marcaron cuando era “el chico más bello del mundo” y evoca sus recuerdos.

Esos recuerdos están acompañados por jugosas imágenes de archivo: el incómodo casting con Visconti, donde le hizo desnudarse; su estancia en Japón, donde se convirtió en un ídolo de masas e inspiró a una generación de dibujantes manga, entre ellos la pionera del shôjo Riyoko Ikeda (‘La rosa de Versalles’); o sus fotos y vídeos familiares, instantes de felicidad entre enormes tragedias.

La película huye del amarillismo, del sensacionalismo mediático que le golpeó durante su juventud. Hace lo que no hicieron con él en aquel momento: escucharle, arroparle y denunciar la forma en el que los medios y la industria del espectáculo convirtieron a un menor en un objeto sexual.

The Crab Apples / CRAP

Por

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Sólo por el nombre escogido para su tercer álbum, las barcelonesas The Crab Apples merecen un aplauso. Hartas de que la gente confundiera su nombre con «The Crap Apples», esto es, «manzanas de mierda», Carla Gimeno (voz), Laia Alsina (guitarra eléctrica) y Laia Martí (bajo) han cogido la sartén por el mango llamando su disco finalmente ‘CRAP’. Las autoras de ‘Right Here’ (2014), ‘A Drastic Mistake’ (2016) y un par de EP’s, bajo el paraguas de la comunidad musical Acqustic, diversifican su discurso en el que consideran un álbum más «complejo y oscuro».

Explican que la producción de Víctor Valiente (MUCHO, Sidonie, Standstill, Delafé) ha aportado un mayor protagonismo de la música electrónica frente al tradicional sonido de banda de rock, como ya habían ido dejando caer en algún remix durante los últimos años. Eso va produciendo que el disco vaya evolucionando de los territorios de los Goldfrapp más taciturnos (‘Ghost’) y John Parish o Black Keys (‘Spell’) hacia la pista de baile, a veces con esas referencias refulgiendo por encima de las composiciones.

A algunos ‘System Overload’ sonará como un encuentro entre Haim -esas fraseos- y Katy Perry -esa guitarra tan ‘Roar’-, y a otros sencillamente a Blondie. En general, cuando The Crab Apples cantan en inglés recuerdan a Belako en su versatilidad, y cuando cantan en español, cosa que acaban de hacer en este disco por primera vez, a Delaporte (‘Me da igual’).

Las cosas van mejorando a media que avanza ‘CRAP’, un disco que habla sobre la atracción hacia el mal, hacia «lo oscuro» (‘Spell’), sobre la marginación social («Yo no valgo nada en vuestras vidas de primera / soy solo una pieza de esta cadena», dice ‘Vidas paralelas’) y sobre la lucha y la supervivencia (‘Cucarachas’).

Cada vez que asumes que The Crab Apples deberían centrarse en el castellano dadas las tendencias del mercado, o en un estilo, ellas se apuntan un tanto volando, libres. La progresión de ‘Cucarachas’ es una cumbre en este disco, con ese desenlace tan tarareable como ideado para el directo; y lo mejor llega justo después, al final, con ‘Fire‘. Un tema que evoluciona desde la melodía a lo Lana del Rey hacia el rock con el filtro Daft Punk, cerrando al final con un saxo de corte ochentero que no esperabas de este álbum unos minutos antes.

‘Industry Baby’, la parodia a las «wip movies» de Lil Nas X

Por

Joric

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21 agosto, 2021

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En los años 70 se pusieron de moda las wip movies (acrónimo de Women in Prison), un subgénero que explotaba las posibilidades eróticas –sexo lésbico, peleas entre reclusas, desnudos en las duchas, abuso de poder por parte de los guardianes…- de las cárceles o los campos de concentración de mujeres. Entre la ingente producción de títulos, algunos han adquirido categoría de culto camp: la blaxploitation ‘The Big Bird Cage’ (1972), con Pam Grier de protagonista; la ochentosa ‘Rejas ardientes’ (1983), con Linda Blair con poca ropa y mucha laca; o el hit de la Transición ‘Carne apaleada’ (1978), con rollo bollo de altura entre Esperanza Roy y Bárbara Rey.

El videoclip ‘Industry Baby’ de Lil Nas X se puede leer en clave revisionista. Un Male in Prison que da la vuelta a los arquetipos del subgénero wip y los parodia con afán lúbrico, festivo y reivindicativo: el uso del color rosa en los uniformes y la decoración de las duchas, los bailes “obscenos”… En el clip aparecen la mayoría de los clichés de estas películas: desnudos en las duchas, sexo entre reclusos, erotismo en el patio, guardianes calentorros… Y el clásico final con motín, venganza contra los carceleros y fuga. Solo desentona la secuencia de afirmación hetero de Jack Harlow (no vaya a ser que nos confundamos entre tanto mariconeo).

‘Industry Baby’ también tiene otra lectura, algo más obvia. Lil Nas X utiliza la introducción del videoclip para cargar contra Nike. Se venga con humor de la multinacional a causa de la demanda que le puso esta cuando el rapero quiso comercializar unas zapas “satánicas” de MSCHF inspiradas en las Air Max ’97s.

The Weeknd, Billie Eilish, Tinashe, C. Tangana… en el top 40 de JNSP

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21 agosto, 2021

’Take My Breath’ de The Weeknd se mantiene en el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP, seguido por el single más Olivia Rodrigo de Billie Eilish, ‘Happier than Ever’, que es entrada directa al puesto 2. La segunda entrada más fuerte es la de Tinashe, mientras C. Tangana llega al número 13 con ‘Yate’. También entran Lizzo con Cardi B, Big Thief, Yves Tumor y Faye Webster.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	2	Take My Breath	The Weeknd	Vota
2	–	2	1	Happier than Ever	Billie Eilish	Vota
3	2	2	4	INDUSTRY BABY	Lil Nas X, Jack Harlow	Vota
4	8	1	4	Don’t Go Yet	Camila Cabello	Vota
5	4	4	4	Say What You Will	James Blake	Vota
6	5	2	5	Don’t Wait Up	Shakira	Vota
7	–	7	1	Bouncin	Tinashe	Vota
8	9	8	3	Pond House	Saint Etienne	Vota
9	16	3	7	Bad Habits	Ed Sheeran	Vota
10	17	5	6	MAFIOSA	Nathy Peluso	Vota
11	6	4	5	Cure for Me	AURORA	Vota
12	15	1	6	NDA	Billie Eilish	Vota
13	–	13	1	Yate	C. Tangana	Vota
14	25	14	4	Living Proof	The War on Drugs	Vota
15	20	15	2	Sex on the Beach	Iggy Azalea, Sophia Scott	Vota
16	–	16	1	Rumors	Lizzo, Cardi B	Vota
17	10	9	4	Fuck Him All Night	Azealia Banks	Vota
18	11	5	5	Finisterre	Vetusta Morla	Vota
19	3	3	3	¿Qué tal?	El Buen Hijo	Vota
20	–	20	1	Little Things	Big Thief	Vota
21	–	21	1	Jackie	Yves Tumor	Vota
22	19	19	5	Tratado de paz	Doble pletina	Vota
23	23	12	7	La voz del presidente	Viva Suecia	Vota
24	29	24	2	Wild Side	Normani, Cardi B	Vota
25	31	6	9	Let Them Know	Mabel	Vota
26	24	2	11	Love Again	Dua Lipa	Vota
27	21	21	3	Skate	Silk Sonic	Vota
28	7	7	5	Bunny Is a Rider	Caroline Polachek	Vota
29	14	9	5	Goodbye	LP	Vota
30	–	30	1	Better Distractions	Faye Webster	Vota
31	26	2	14	Please	Jessie Ware	Vota
32	34	1	46	Levitating	Dua Lipa	Vota
33	40	1	10	ZITTI E BUONI	Måneskin	Vota
34	28	28	2	Baghon Main	Arooj Aftab	Vota
35	18	13	5	Moreno de contrabando	Carolina Durante	Vota
36	30	1	16	berlin U5	Zahara	Vota
37	37	10	9	Need to Know	Doja Cat	Vota
38	27	5	12	Like I Used to	Angel Olsen, Sharon van Etten	Vota
39	32	1	10	Solar Power	Lorde	Vota
40	35	2	11	How Not to Drown	CHVRCHES, Robert Smith	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Care For	Blossoms	Vota
–	Chaeri	Magdalena Bay	Vota
–	More	Low	Vota
–	FVN!	LVL1	Vota
–	Walking at a Downtown	Parquet Courts	Vota
–	Half a Song	Monarchy	Vota
–	Essence	WizKid, Tems	Vota
–	Chismiten	Mdou Moctar	Vota
–	Mood Ring	Lorde	Vota
–	Runaway Horses	The Killers, Phoebe Bridgers	Vota

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‘Hot N Heavy’ debería ser otro hit de Jessie Ware

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21 agosto, 2021

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Este verano se ha publicado la edición deluxe del último disco de Jessie Ware y por supuesto por aquí no nos hemos olvidado de esa versión ampliada de ‘What’s Your Pleasure’. Además de ‘Please’, el single principal, son varios los aciertos del largo, y uno de ellos es ‘Hot N Heavy’, nuestra «Canción del Día» de hoy.

‘Hot N Heavy’ se ha convertido en la favorita del público, prácticamente igualando los 3 millones de streamings que suma en Spotify ‘Please’, en base a los sensuales «oh-ha-ha-ha-ha» que ejercen de gancho principal. Digamos que «You make me feel like oh-ha-ha-ha-ha» expresa perfectamente lo que muchos no pueden expresar con palabras en un momento dado.

Para sorpresa de algunos, Jessie Ware ha citado a Gloria Estefan como influencia en esta pista que quizá habrías situado más bien en otros lugares. «Esta canción la hice con SG Lewis. Habíamos querido trabajar juntos desde siempre. En mi cabeza, quería el rollo percusivo de los Miami Sound Machine de Gloria Estefan, y que fuera pícara, que la gente se la pudiera poner a sus amigos. Esa era mi intención: quería que la gente se la cantara mutuamente mientras bailaban». Un pequeño hito que merecería más atención, como ‘Spotlight’, ‘What’s Your Pleasure’, largo etcétera.

Lo mejor del mes:

BTS cancela oficialmente su gira mundial ‘Map of the Soul’ por la pandemia

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20 agosto, 2021

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La gira que BTS iba a realizar este año por todo el mundo ha sido oficialmente cancelada por motivos de la pandemia de coronavirus. Los chicos del grupo lo han confirmado compartiendo un comunicado de BigHit Music, sello discográfico de la banda, a través de su perfil de Twitter.

«Nuestra empresa ha trabajado duro para retomar las preparaciones del Map of the Soul Tour de BTS», empieza el comunicado. «Sin embargo, debido a las circunstancias cambiantes fuera de nuestro control, se ha hecho complicado reanudar las actuaciones bajo las mismas fechas que se planearon inicialmente. Por tanto, debemos anunciar la cancelación Map of the Soul Tour de BTS».

El comunicado también avisa de que «los fans que hayan reservado entradas para los espectáculos de Norte América recibirán un correo electrónico de su punto de compra original explicando cómo solicitar el reembolso».

Es la segunda vez en año y media que los planes de gira de BTS son cancelados. El Map of the Soul fue anunciado originalmente en enero del año pasado y estaba previsto que iniciase en abril en el Estadio Olímpico de Seúl, pero el avance del coronavirus obligó a llevar a cabo un aplazamiento de las fechas a partir de febrero y marzo, fechas que incluían un concierto en nuestro país, en Barcelona.

El videojuego ‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ tendrá un álbum original

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20 agosto, 2021

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‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ es un futuro videojuego de la compañía de superhéroes desarrollado por Eidos-Montréal y distribuido por Square Enix, cuyo estreno está previsto para el próximo 26 de octubre.

La música, sobre todo la setentera y ochentera, es un elemento esencial en ‘Guardianes de la Galaxia‘ y este videojuego no iba a ser una excepción. Se ha confirmado que contará con su propio álbum, ‘Space Rider’, que podrá escucharse dentro del propio videojuego a través de una jukebox de Milano.

«La banda sonora está impregnada en el ADN del juego, y su uso va mucho más allá de las expectativas habituales», explica Steve Szczepkowski, direcctor senior de sonido de Eidos-Montréal. Y es que el soundtrack del videojuego no contará solamente con la banda sonora original de Richard Jacques y con algunas de las canciones más famosas de los años 80, sino que también habrá nuevos temas de rock compuestos e interpretados por Szczepkowski.

La idea de estas nuevas canciones surge a través de la creación de una banda imaginaria llamada ‘Star Lord’, que es el apodo que recibe el personaje de Peter Quill (Chris Pratt en el universo cinematográfico). Según Eidos-Montréal, Szczepkowski confirma que escribió y grabó diez canciones, «todas fueron aprobadas por Marvel, y aprobadas por mi director creativo».

En resumen, ‘Space Rider’ contará con la ya mencionada banda sonora original de Richard Jacques, treinta canciones muy famosas de los años 80, que incluyen a Kiss, Iron Maiden o Joan Jett, y las piezas originales compuestas y grabadas por Szczepkowski. Y aunque el tracklist no está confirmado, estas son algunas de las canciones más icónicas de ‘Guardianes de la Galaxia’.

Danna Paola se ha vuelto una ‘Kaprichosa’ en su nuevo single

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20 agosto, 2021

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‘Kaprichosa’ es el nombre que ha recibido el nuevo single de Danna Paola, que se ha estrenado con videoclip incluido hoy en España después de su primer lanzamiento ayer en México.

A principios de mes, la cantante publicó una foto en Instagram compartiendo un verso de la canción: «Si quiero, lo obtengo y más si es prohibido». A primera vista no parecía nada relevante, pero los más avispados se darían cuenta de que había más pistas, como un emoji de notas musicales o un hastag con la inicial del tema. El anuncio definitivo llegó hace cuatro días, también por sus redes sociales.

‘Kaprichosa’ es el segundo single de Danna después de que lanzara ‘Mía’ el pasado mes de junio. «Como artista busco que a través de mi música se inspiren, se identifiquen con la letra, pasando un buen momento al escuchar y sentir su ritmo, por eso espero que la disfruten tanto como yo y saquen su kaprichosa interior al bailarla», explica la artista sobre el tema.

En el videoclip podemos ver a una Danna con mucha seguridad y que lleva las riendas de sí misma. Su letra y su significado es casi una fusión entre ‘Mala Fama’ y ‘Calla Tú’. En el caso de la primera canción, versos como «me enamoro por la noche y se me pasa a la mañana» o «yo hago lo que quiero si me da la gana» son muy parecidos a «oye, nene, no te me adelantes. Si te quedas conmigo, no es pa que te cases» y a «hago lo que quiero porque puedo y ya» en ‘Kaprichosa’. Y en lo que respecta a ‘Calla Tú’, si en su letra Danna daba importancia a su poder como mujer, en este nuevo single el mensaje se multiplica.

«Yo cambio de presa cada día. Baby, ya volvía a la cacería».

Blossoms, entre el disco y el pop británico clásico en ‘Care For’

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20 agosto, 2021

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Blossoms, muy populares en Reino Unido gracias a los tres discos que han editado hasta el momento, dos de ellos número 1 en este país, están de vuelta. El primer adelanto de su próximo largo llega con las novedades de hoy viernes y responde al nombre de ‘Care For’. Es su mayor incursión en la música disco hasta la fecha y nuestra «Canción del Día» hoy.

‘Care For’ es una canción de amor, de agradecimiento hacia una pareja que siempre está para nosotros y que «nunca abandona», lo que deviene en una «devoción honesta» y total. Musicalmente representa según los propios Blossoms un acercamiento a los territorios de ABBA y Bee Gees, aunque hay que decir que evita todo factor de pop kitsch, sonando más bien a las muchas canciones orquestadas que nos dejó el pop de las islas antes y durante el Brit Pop.

No en vano The Style Council están entre las influencias oficiales del tema, como recoge About Manchester. También aparecen mencionados Diana Ross y el trabajo de John Lennon y Yoko Ono en el excelente ‘Double Fantasy’.

Como han explicado al NME, ‘Care For’ fue escrita en realidad en 2019, es decir, en verdad es anterior a ‘Foolish Loving Spaces‘, pero el grupo no sabía qué hacer con ella. «Siempre nos encantó pero no sabíamos qué hacer con ella. Así que cuando vino la idea de hacer algo nuevo, sabíamos que necesitábamos sacarla», ha dicho Tom Ogden. También indica que le recuerda a la gloriosa ‘You To Me Are Everything’ de The Real Thing.

Les han ayudado en la grabación los habituales James Skelly de The Coral y Rich Turvey, aunque aquí la noticia es la sección de cuerda, para la que han llamado a Rosie Danvers, quien se encargara de clásicos tan dispares como ‘Murder on the Dancefloor’ y ‘Set Fire to the Rain’ de Adele. Dicen que para ellos era muy importante que las cuerdas no fueran sintéticas.

Lorde dividirá con ‘Solar Power’

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20 agosto, 2021

Al fin ha llegado el día de edición de ‘Solar Power’, el tercer disco de Lorde, un lanzamiento que sus fans han vivido de manera agónica entre filtraciones y promociones erradas. Sobre todo se ha criticado la distancia entre single titular y álbum, pues teniendo en cuenta el carácter folkie del mismo, se ha aniquilado un porcentaje importante de «hype».

‘Solar Power’ está recibiendo ya críticas desiguales: del 10 del NME y la crítica muy positiva del prestigioso periodista Alexis Petridis para The Guardian, al suspenso de The Independent y el recelo de la revista Spin. Parece que será el álbum peor valorado de Lorde en Metacritic y sin duda un gran fracaso comercial -es todo un suicidio al respecto-, algo que pronostica abiertamente esa letra de ‘California’ en que Lorde dice «adiós a las botellas y modelos, fue solo un sueño, quiero despertar». Eso sí, el álbum tiene la suficiente miga como para que se abra la veda de un apasionante debate no al alcance de todos los álbumes que salen este mes.

‘Solar Power’ es un disco influido por el movimiento hippie de los años 60, algo palpable desde las flautas de la canción inicial, ‘The Path’, así como en los coros a lo Mamas and the Papas de ‘Fallen Fruit’, en la guitarrita veraniega de ‘Dominoes’, que acaba de presentarse en directo, o en el aire a lo Velvet Underground de ‘Big Star’, sobre el fallecimiento de su perro. En ocasiones el rollo «flower power» cuenta con un punto satírico, sugerido en el single ‘Mood Ring’, pese a que algunos temas tratan cuestiones tan serias como el cambio climático.

Las melodías se suceden de manera agradable, dejando temas tan escuchables como el mencionado ‘California’, pero sin grandes hitos tan inmediatos como ‘Royals’ y ‘Green Light’, ni temas tan prestos al remix como ‘Homemade Dynamite’.

Llama mucho la atención desde la primera escucha la letra de ‘The Man with an Axe’ por esa frase «creí que era un genio, pero ahora tengo 22 años» y otras que suenan confesionales en medio de esta canción de amor. Hay momentos «spoken word», como el final de ‘Secrets from a Girl’, a cargo de Robyn, nada menos (también aparecen Clairo y Phoebe Bridgers en otros puntos del disco); y hay un tema de 1 minuto y medio llamado ‘Leader of a New Regime’, siendo de los pocos en que se intuye la producción de Jack Antonoff, quien, ni aun tocando decenas de instrumentos en el álbum, parece presente más que en los últimos detalles.

El disco está siendo defendido firmemente en nuestras páginas por foreres como Ignasi, que cree que Lorde ha “mejorado mucho como compositora”, Xanti o Victornoe, que opina: “siento que no será el más querido de su discografía pero tiene una personalidad y un universo súper distintivo y coherente tanto en sonidos como en metáforas (…) Y de las letras ni hablar… Tiene unos pedazos de versos que predigo que dentro de poco este hilo se va a parecer al de Lana del Rey”. En el lado opuesto, Xtian23: “a mí me ha gustao pero si esto lo firma una Natasha Bedingfield cualquiera… aunque pensándolo mejor Natasha haría las canciones más divertidas y sin poner cara de intensidad mirando el horizonte”.

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Iggy Azalea / The End of An Era

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Pablo Tocino

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La carrera de Iggy Azalea es de las más extrañas que hayamos podido ver en la historia reciente del pop. Después de cimentar su sonido a través de mixtapes de hip-hop como ‘Ignorant Art’, Iggy pegó el pelotazo pop en 2014 (‘Work’, ‘Black Widow’ y, especialmente, ‘Fancy’) y pasó a estar en absolutamente todas partes.

Pero mientras colaboraba con Ariana Grande, Britney, Jennifer Lopez, Selena Gomez, Ellie Goulding, MØ o Pusha T, le salían también polémicas de todas partes, y tampoco parecía tener clara su dirección artística, cancelando su segundo largo y tomando varias decisiones erráticas – y, a pesar de todo, nos dio en esos años temazos como ‘Team’, ‘Mo Bounce’ o ‘Switch’.

Cuando reaparició en 2018 con el EP ‘Survive The Summer’ (a la postre el hogar de su último gran hit, ‘Kream’), concedió una entrevista donde reconoció que había cometido muchos errores y que había actuado a la defensiva al verse atacada por tanta gente, y donde también negó que se hubiese planteado abandonar la música por tanta controversia, porque “tampoco es que tenga una elección en realidad; es mi pasión”. Es curioso leer ahora eso cuando la propia Iggy ha declarado que probablemente este tercer disco sea el último de su carrera musical.

Probablemente no ayudaron los decepcionantes resultados del que podía ser su gran comeback, el también decepcionante ‘In My Defense’, lanzado hace justo dos años, ni la antipatía que seguía despertando en gran parte de la prensa musical (esas reseñas de Pitchfork siguen siendo para echarse a temblar) o incluso del público. El caso es que la australiana ha decidido tomarse un descanso indefinido en lo musical, y con ‘The End of An Era’ quiere cerrar la montaña rusa que ha sido esta década de carrera.

Como tal, ha decidido estructurar el disco en cuatro partes que repasan su trabajo agrupándolo en cuatro etapas: sus inicios, su explosión pop, los beats más duros de su regreso, y su presente. Así, tenemos una primera parte más electrónica y agresiva, emulando el sonido de sus primeras mixtapes, una segunda parte centrada en esos 2014-2016 en los que parecía que iba a ser the next best thing (tiene todo el sentido porque ‘I Am the Strip Club’ tiene la madera de hitazo que no vemos en sus temas desde hace mucho), una sección que corresponde a ‘In My Defense’ y que es de hecho la más floja, y los temas finales con lo que le representa actualmente, y que están en sintonía también con la estupenda colaboración que sacó con Tinashe el año pasado.

La producción ejecutiva se la reparten entre ella y AJRuinedMyRecord (con quien ya había trabajado en ‘Dance Like Nobody’s Watching’, el tema con Tinashe), y en general ha decidido repetir con Carl Falk, The 87s o J. White Did It (no entendimos cómo la persona que produjo ‘I Like It’, ‘Bodak Yellow’ o ‘Savage’ estaba también detrás de esos temas de ‘In My Defense’; sí entendemos que Iggy haya creado con él ‘I Am the Stripclub’).

También vemos nombres nuevos para ella en los créditos, siendo Jay Scalez quien más resalta: a pesar de no ser tan conocido como otros nombres del equipo, está detrás de casi todos los grandes temas de este ‘The End Of An Era’. Junto a él encontramos a Pliznaya (colaborador habitual de Tyga, entre ellos con la indescriptible revisión de ‘Macarena’), Romano (Wiz Khalifa, Chris Brown), Pitt Tha Kid (Travis Scott, Ozuna), OG Parker (Megan Thee Stallion, PARTYNEXTDOOR) o Keanu Beats (Drake, Juice WRLD).

Con todos estos mimbres, Iggy construye un elepé que, si bien no llega a ser ese GRAN álbum que esperaríamos de un “disco final”, sí está bastante más trabajado que ‘In My Defense’, incluso que ‘The New Classic’. Demuestra cómo han mejorado sus a menudo cuestionadas habilidades como rapera (‘Brazil’), coge el más-difícil-todavía con una base de jungle (‘STFU’), sirve pepinazos como ‘I Am the Stripclub’, ‘Emo Club Anthem’ o la dosmilera ‘Good Times with Bad People’, se abre al sonido groovy y veraniego de ‘Sex on the Beach’, la magnífica colaboración con Sophia Scott, y cierra a lo grande con ‘Day 3 in Miami (End Of An Era)’, coescrita con la mencionada Scott y en la que, desde su propio título, hace un guiño a su inicio y a su final en la música – ¿os acordáis de eso de “sixteen in the middle of Miami”?

El magnético puente de ‘Day 3 in Miami (End Of An Era)’ es de lo mejor del disco, y la canción en sí es también de lo más destacable, con la australiana usando el ciego tras varias noches de fiesta como figura para hablarnos de su relación actual con la música (“burnout comin’, burnout comin’ / I was turned up, now I’m turned out from it”), ayudándose de los “party’s gotta end” que entona Ellise. Es imposible no ver en la canción a la Iggy que hacía recientemente una llamada a los sellos para que tengan psicólogos para sus artistas: “¿de qué sirve que llevemos cinco años hablando de la salud mental de los artistas y no se implemente nada en la industria musical? «Sí, la salud mental es importante, ¡apáñatelas tú, chaval!»”, comentaba recientemente en Billboard. «No sé, se está dejando a gente muy joven en situaciones emocionales extremas y se les está diciendo «ve a terapia», «arréglatelas tú», «busca ayuda»».

Parece claro que el burnout ha sustituido a la pasión de la que hablaba la australiana hace unos años, pero no sabemos si en unos años habrá conseguido construir una relación más sana con la música y volverá, o si realmente este disco va a suponer “el fin de una era”. En lo personal esperamos que acabe siendo lo primero, pero también en lo musical: teniendo en cuenta que la sección del disco que representa su presente -y no las del pasado- es la que más aciertos contiene en conjunto, igual no es buena idea que te retires, Iggy…

Ed Sheeran anuncia nombre, fecha y tracklist de su próximo disco y lanza un nuevo single

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19 agosto, 2021

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Por mucho misterio que intentara darle, estaba claro que el tema del anuncio de hoy de Ed Sheeran iba a ser sobre su nuevo disco. Ha sido un pleno: nombre, fecha de estreno, tracklist completo y un nuevo single.

Después de su último álbum en 2019, ‘Nº6 Collaborations Project‘, el cantante estuvo desconectado de la música un par de años, hasta que reapareció hace un par de meses con el estreno de ‘Bad Habits‘, que ha arrasado en Reino Unido, y ahora con el anuncio de su cuarto álbum de estudio. «Mi 4º álbum de estudio ‘=’ sale el 29 de octubre, y está disponible para reservar hoy en todas las plataformas, CD, vinilo y casete», ha confirmado el artista a través de un post en su perfil de Instagram.

Siguiendo la línea de sus anteriores discos, ‘+’, ‘x’ y ‘÷‘, este nuevo proyecto ha sido bautizado como ‘=’ o ‘Equals’. «Empecé a escribir y a grabar este álbum en junio de 2017. Ha sido un largo, largo proceso. Ha pasado por el amor, la pérdida, la nueva vida, el dolor y todo lo demás durante todo el periodo de escribirlo», explica Ed en ese mismo post.

Este es el tracklist completo:

Tides
Shivers
First Times
Bad Habits
Overpass Graffiti
The Joker And The Queen
Leave Your Life
Collide
2step
Stop The Rain
Love Is Slow Motion
Visiting Hours
Sandman
Be Right Now

‘Visiting Hours’ es el single que ha acompañado a este anuncio y que se ha estrenado hace unas pocas horas. Es una balada que ya presentó en directo en el funeral televisado de Michael Gudisnki. «Mucha más música por venir, pero por ahora espero que estéis tan emocionados como yo por este álbum», ha terminado de escribir el artista en Instagram, tal vez aún podamos oír algún adelanto más del álbum antes de su estreno, pero todavía no hay nada confirmado más allá de este comunicado.

Demi Lovato anuncia nueva colaboración junto con G-Eazy

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19 agosto, 2021

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Demi Lovato ha confirmado mediante varias publicaciones en sus redes sociales que está preparando nueva música. Pero no estará sola en esta nueva etapa, el rapero G-Eazy la acompañará.

Apenas han pasado unos meses desde el lanzamiento de su primer álbum en cuatro años, ‘Dancing With The Devil… The Art of Starting Over‘, un proyecto que relata la dura experiencia de la cantante con las drogas en 2018, y Demi Lovato continúa preparando su nueva etapa. «Se avecinan grandes cosas…», escribía en Instagram para anunciar su siguiente colaboración con G-Eazy. Este será su segundo single después de su colaboración con Ariana Grande, ‘Met Him Last Night’.

‘Breakdown’ será el nombre del tema. No solo se trata de un single de Lovato, también estará en el próximo álbum de estudio del rapero, ‘These things happen too’. Además, está confirmado que la canción formará parte de la banda sonora de la serie ‘Titletown High’, que se estrena en Netflix la semana que viene, exactamente el 27 de agosto. Y aunque se sabe que la colaboración vendrá acompañada de un videoclip, aún no se sabe la fecha exacta de lanzamiento. Pero teniendo en cuenta el estreno de la serie, no debe faltar mucho.

El argumento de la serie se centrará en Georgia (Estados Unidos), en el fútbol americano, en la importancia de ganar y en un equipo de escuela secundaria de dicho deporte que se encontrará con rivalidades, romances y algún que otro problema de la vida. Foto de: Angelo Kritikos.

Skrillex y Justin Bieber se unen a Don Toliver para lanzar un nuevo tema

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19 agosto, 2021

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Skrillex y Justin Bieber se unen de nuevo y esta vez reclutan a Don Toviler para sacar juntos un nuevo tema que llega este mismo viernes a media noche, ‘Don’t Go’, así lo anunció Skrillex hace tres días a través de su cuenta de Instagram con un escueto «viernes», mencionando tanto a Justin Bieber como a Don Toliver.

Hoy ha dado otro paso y ha compartido un pequeño avance del videoclip, en el que parece que predominarán sonidos R&B, como cabía esperar. En lo que se refiere al propio videoclip, en él podemos ver algunas imágenes un tanto extravagantes y psicodélicas, como cuadros cuya pintura se derrite o cabezas de maniquí también chorreantes de pintura. Por otra parte, el fragmento de vídeo alterna imágenes del trío de artistas cantando juntos, en sesiones de foto, rodeados de coches de lujo y en actuaciones sobre el escenario.

No es la primera vez que Bieber y Skrillex colaboran juntos en la música. Hay que remontarse hasta el año 2015 para recordar su tema ‘Where Are Ü Now‘, que formó parte del cuarto álbum de estudio de Bieber, ‘Purpose‘, del que Skrillex produjo un total de seis canciones y que además fue nominado a Álbum del Año y Mejor Álbum del pop vocal en la 59 edición de los Grammy.

En lo que respecta a Skrillex, no se ha tomado un respiro desde su lanzamiento el mes pasado de ‘In Da Getto‘, tema en el que colabora con J Balvin y que ha tenido un bastante éxito en Tik Tok gracias a la participación del tiktoker italiano Khaby Lame.

‘Say What You Will’ es la reinvención feliz y divertida de James Blake

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19 agosto, 2021

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En principio James Blake estaba aquí para revolucionar el soul. Sus primeros dos discos se construyeron sobre beats post-dubstep, pero él de quien era fan, era de Stevie Wonder. Poco a poco nos hemos ido haciendo a la idea de que sus últimos pasos no iban a revolucionar nada más. Variación aquí, variación allá, parece que esto es lo que hay. Este es su sonido y es posible que siempre lo sea.

Una vez asumido que el James Blake de los nuevos años 20 no es tanto un innovador como un cantante de neo-soul con el sonido del siglo XXI, es decir, una vez bajadas las expectativas, lo cierto es que su último single, ‘Say What You Will’, es una buena canción de autoafirmación. Es nuestra «Canción del Día» hoy. Y apurando, sí presenta una pequeña reinvención: ¿acaso puede introducirnos el álbum más feliz de James Blake?

Eso lo averiguaremos el próximo mes de septiembre. De momento, nunca nos habíamos reído tanto con un single de James Blake. Es cierto que el cantante lleva un tiempo enamorado, que incluso firma canciones con su pareja, y que algo de eso ya aparecía en ‘Assume Form‘ en 2019 (‘I’ll Come Too‘). ‘Say What You Will’ es un tema en el que el cantante se celebra a sí mismo por encima de las expectativas, las presiones y el recuerdo de lo grande que fue. Así lo indican frases como «he sido muy popular» (pero) «puedo encontrar mi camino sin superpoderes / puedo encontrar mi lugar sin ser agrio».

Como comentaba nuestro compañero Jordi Bardají a la salida de la canción, el vídeo complementa todo esto con un tronchante protagonismo de FINNEAS. El hermano y productor de Billie Eilish ocupa la primera plana de todas las revistas y sustituye a James Blake entre las preferencias del público en el videoclip de esta canción. Literalmente, le mea encima y la tiene más grande.

Pero a James Blake no le importa, y en lo que, salvando las distancias, constituye su pequeño ‘My Way’, prefiere repetir mil veces «di lo que quieras» porque ya todo le da igual. Además, redondea tal concepto con una cita de Thomas Roosevelt que sirve para sugerir que debemos dejar de enfrentar a unos artistas con otros: «La comparación es un ladrón de alegría». Pasen, sonrían y reflexionen.

Lo mejor del mes:

RFTW: de Lorde a Lordi, de Disclosure a Grupo de Expertos Solynieve

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