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Muere Jamie Auld, actriz que interpretó a Madonna en ‘Madonna and the Breakfast Club’

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Jamie Auld, la actriz que interpretó a Madonna en la película de 2019 ‘Madonna and the Breakfast Club’, que narraba la vida de la cantante previa al estrellato y que en España se pudo ver a través de Movistar Plus, ha muerto a los 26 años por causas que no han sido reveladas.

Así lo ha comunicado la página de Instagram de la película: «A nuestros amigos y seguidores, nos rompe el corazón comunicaros que nuestra querida y amada Jamie Auld ha fallecido. Siempre será nuestro ángel y vivirá por siempre en nuestros corazones».

Auld era físicamente la viva imagen de Madonna, tanto que el director Guy Guido no se pensó dos veces proponerle interpretar a Madonna en la película cuando la descubrió trabajando en una tienda de rosquillas en Nueva York (es conocido que Madonna trabajó en un Dunkin Donuts). La estudiante de diseño y tecnología, que ya era fan de la cantante, tomó clases de interpretación, guitarra y batería para prepararse el papel.

La película recibió críticas encontradas pero sirvió para recordar los olvidados inicios de Madonna como baterista en The Breakfast Club, banda por la que pasó brevemente antes de formar la banda Emmy & the Emmys a principios de los 80. Tras su paso por esta última agrupación Madonna iniciaría su exitosa carrera en solitario.

Lo mejor de 2021 y lo que esperamos de 2022

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La covid-19 nos ha obligado a tomarnos un obligado paréntesis en Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, debido al autoconfinamiento navideño, como os explicamos Sebas y Claudio a nuestro regreso. El programa que os ofrecemos estos días es el que tenía que haber sonado el 2 de enero: uno en el que repasábamos lo mejor de 2021 y hablamos de lo más esperado de 2022. Meme: Antía Lousada en Instagram.

En JENESAISPOP hemos escogido como disco del año ‘PUTA’ de Zahara, seguido de ‘El Madrileño’ de C. Tangana. Explicamos cómo se ha tomado esta decisión, y escuchamos un breve fragmento de nuestra entrevista tanto con Zahara como con Puchito.

Hablamos sobre otros grandes álbumes de 2021 como el de Alizzz, elogiamos el estado de la música nacional y criticamos la aparente crisis del sector en el mercado internacional: un eterno revival de algo que en España no estamos siguiendo tanto, por suerte, apegándonos al folclore patrio, lo que incluye cosas tan variadas y diferentes como María Arnal y Samantha Hudson. Si no reconocéis a algunos de los nombres, mencionados, os recomendamos suscribiros a nuestra playlist con lo mejor de 2021, como ya han hecho 800 personas.

Comentamos también otras listas como las de Rockdelux, Mondosonoro o Pitchfork, así como la que más se parece a JENESAISPOP y debéis consultar cuando cerremos. Aprovechamos para desearos, aunque sea tarde, un Feliz Año Nuevo, y os recordamos que podéis apoyar nuestro proyecto comprando por ejemplo una de las fantásticas tazas disponibles en nuestra tienda, donde los envíos han pasado a ser gratis a partir de 20 euros. El libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’ se ha agotado. ¡Gracias por vuestro apoyo!

Playlist: Las Mejores Canciones de 2021

Kanye West habla de Kim… y se mete con Pete Davidson en la autobiográfica ‘EAZY’

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Entre las novedades musicales que ha dejado el fin de semana pero que no esperábamos se encuentra un nuevo single de Kanye West publicado por sorpresa. ‘EAZY’ es una colaboración con el rapero Jayceon Terrell Taylor, más conocido como The Game, y su portada muestra un chimpancé desollado, esto es, con toda la piel arrancada, por lo que vamos a abstenernos de reproducirla.

Afortunadamente (o no), la música de ‘EAZY’ no choca tanto. La producción de este corte de hip-hop producido hasta por cinco personas, estas son Hit-Boy, Mike Dean, Big Duke, DJ Premier y Cash Jones, contiene unos incómodos «scratches» y el tipo de sintetizadores semi distorsionados que han venido apareciendo en los últimos singles de ye, aunque sin la frescura de ‘I Love It’ ni mucho menos la ambición de proyectos previos.

La noticia que deja ‘EAZY’ se encuentra en la letra. Mientras The Game celebra que su mentor Dr. Dre se encuentre bien tras el aneurisma que sufrió el año pasado y el gancho melódico de la canción está sampleado de ‘Eazy-Duz-It‘ de Eazy-E’s (en concreto la parte de la cantante Michel’le), Kanye deja una serie de versos abiertamente autobiográficos en los que habla sobre su buena relación con Kim Kardashian.

El autor de ‘Donda‘ rapea que ambos han tenido un divorcio tan bien avenido que de hecho «iremos juntos al tribunal» y habla sobre la casa que se ha comprado al lado de la de Kim para a continuación insinuar que no tiene la custodia de sus hijos. En otro verso, ye menciona al actor y cómico Pete Davidson, pareja de Kim, y expresa con sorna que le va a «patear el culo».

The Game y ye ya habían colaborado en el pasado, por ejemplo en el single de 2006 ‘Wouldn’t Get Far’ producido por el propio West, y que te recomendamos escuchar si echas de menos al Kanye de los primeros discos.

Mr. Twin Sister / Al Mundo Azul

Entre los grupos indie que conocimos hace exactamente 10 años y que siguen en activo se encuentra Mr. Twin Sister, el cuarteto de Nueva York que en 2012 tuvo la suerte de que una de sus canciones fuera sampleada por Kendrick Lamar y Dr. Dre en ‘The Recipe’, un tema que se editó como «bonus track» en la edición deluxe de ‘good kid, m.A.A.d. city‘ pero que cuenta con streamings multimillonarios.

El grupo formado por la cantante Andrea Estella, el guitarrista y también cantante Eric Cardona, el bajista Gabe D’Amico y el tecladista Dev Gupta se dio a conocer en 2011 con un debut estupendo llamado ‘In Heaven’ en el que mezclaba varios géneros e influencias que iban del dream-pop al soft-rock pasando por el funk o la banda sonora, y este es el camino que ha seguido hasta hoy: en sus mejores momentos el grupo ha podido sonar lo mismo disco (‘Rude Boy’) que noir (‘Blush’) sin renunciar a absorber influencias de otras partes del mundo, como indias (‘Jaipur’) o latinas.

Después de explorar otros géneros como el breakbeat o el deep-house en ‘Salt’, su álbum de 2018, Mr. Twin Sister ha querido volver con su trabajo más “bailable, luminoso e inmediato”. La mayoría de pistas incluidas en ‘Al mundo azul’ es uptempo y no huye de la fórmula pop y, si la energía de Nueva York siempre ha corrido a través de su música, esta vez es especialmente palpable en piezas estupendas como la disco-chic ‘Expressions’, la synth-popera y ultra pegadiza ‘Ballarino’; la funky ‘Youth Obsessed’, que habla del ageism (“la juventud es un fetiche global”, declara) y remite a Prince circa ‘Sign O’ the Times’; o ‘Polvo’, que se debate entre el español roto de Estella (“cualquier cosa podría estar en el polvo / una semilla y los muertos”) y una producción próxima al electroclash de principios de siglo.


Precisamente ‘Polvo’ es una de las pistas clave de ‘Al mundo azul’ por su temática natural, pues está dedicada a esta materia que “puede transportar la contaminación” pero que también “alimenta al fitoplancton”, el cual “nos da oxígeno”. El grupo quiere que su mensaje llegue lejos y dedica la pista más disco de todas, ‘Despoil’, que gustaría a la última Jessie Ware, a denunciar la crisis climática (“un desastre nos espera a menos que deshagamos el daño que hemos causado”).

Pero el “mundo azul” no es todo lo que está en las mentes de sus integrantes y ‘Fantasy’ le da tanto a la “imaginación” como su pizpireto sonido art-pop, que se parece sospechosamente al de la rusa Kate NV sin que esto sea algo malo en absoluto; mientras ‘Carmen’ y ‘Beezle’ nos llevan a los tiempos de la new wave para hablarnos de temas más personales, como el desamor o la depresión, porque todo cabe en el mundo de Mr. Twin Sister, y el grupo es mejor por ello.

Algora y Valdivia, suspendidos en el vídeo de la bellísima ‘Pódium’

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Pódium‘, uno de los mejores discos de Algora, y uno de los mejores discos nacionales del año pasado, se cerraba con una bellísima pista, que precisamente daba nombre al álbum. Porque en 2021 (o 2022), no todo el mundo se termina los discos como debería para descubrir joyas perdidas, Algora ha publicado un vídeo para el tema bajo la dirección de Dani Eusse.

‘Pódium’ era una composición delicada, a piano, con ciertos arreglos electrónicos emergiendo de vez en cuando, en la que se habla de manera muy poética sobre la derrota que supone nacer LGTB+. Nos contaba Víctor Algora cuando visitaba el podcast de JENESAISPOP: «Es un disco liberador que habla sobre esa violencia que han ejercido sobre mí por ser homosexual, sobre cómo me ha conformado como persona». Preguntado sobre a qué se debía un nombre tan triunfal como ‘Pódium’, respondía: «‘Pódium’ es una paradoja. Habla de la derrota porque la gente LGTB nacemos perdiendo, desde el momento 1 no tenemos las mismas oportunidades que una persona heterosexual que no se plantea ciertas cosas. Es un poco irónico lo de «pódium». Al final es un disco que habla de que sales perdiendo en la vida».

De esa idea vienen frases como «es gélido el metal en el cuello de los triunfadores» y otras tan derrotistas como «desde lo alto veo al fin la ciudad que destruí». La pieza dirigida por Dani Eusse añade más componentes poéticos de gran calado, mostrando a Víctor suspendido en el aire (cuando no es arrastrado por una cuerda) con cuello gorguera, de la misma manera que la canción parece flotar en el tiempo, y su compañera Valdivia danza en torno a los raíles de un tren.

Algora se anota el tanto de haber colaborado con Valdivia antes de que esta tenga disco o EP, deshaciéndose en elogios para ella a través de Instagram: «He tenido el privilegio de contar con una de las voces más bonitas que he escuchado nunca, la de una artista con un talentazo y una magia que hipnotiza».

Algora presenta ‘Pódium’ en las siguientes ocasiones. Las entradas están disponibles en WeGow.
9 febrero: Madrid – Sala Sol
11 de marzo: Sevilla – Obbio (aplazado a esta nueva fecha)
26 de marzo: Barcelona – Almo2bar

‘Matrix Resurrections’: ¿revolucionaria y reivindicativa o bazofia progre?

‘Matrix Resurrections’ está siendo un fracaso en taquilla. La pregunta es si eso es también un fracaso para su directora Lana Wachowski… o si es, en cierto modo, algo buscado. La idea de una secuela de la trilogía lleva mucho en el aire, incluso con ‘Matrix Revolutions’ recién estrenada, pero a las Hermanas Wachowski no les seducía, y prefirieron dar libertad al videojuego ‘The Matrix Online’ para ser la “secuela” oficial, llegando Lilly a decir que la idea le “repelía especialmente en estos tiempos donde los estudios prefieren hacer secuelas, reboots y adaptaciones, en lugar de material original”.

Llegó un punto en que parecía que Warner iba a hacer la secuela sin ellas… hasta que Lana dijo que sí. Suponemos que en parte porque, si se iba a hacer igualmente, quería estar ella detrás, pero también ha contado que detrás de su decisión está el haber perdido en 2019 tanto a sus padres como a uno de sus mejores amigos. No podía traerlos de vuelta, pero sí podía traer a Neo y Trinity de vuelta, y ver vivos a sus dos personajes más icónicos le ayudaba a procesar el duelo.

Este amor de Lana por sus “criaturas” es de lo que más se nota aquí, siendo lo contrario de aquel creador que se ve obligado por el estudio a retomar un personaje que ha acabado odiando. Es muy bonito (sin ironía) que traspase la pantalla y es clave para que el mismo sentimiento entre Neo y Trinity, que aquí potencian mucho más que en la trilogía, se sienta tan auténtico. Pero entre los fans de la saga no está habiendo tanto amor, sino más bien una polarización entre quienes ven ‘Matrix Resurrections’ como una Venida de Cristo similar a la que fue ‘Matrix’ en su día, y quienes la ven como un desastre que no hay por donde coger –en este grupo, muchos se quejan del “adoctrinamiento ideológico del lobby queer/de género” (escoja usted según sea TERF o de ultraderecha) al parecer presente en esta película, y cómo eso la convierte en “bazofia progre”, “panfleto”, “moralina de izquierdas” y similares. Esto me ha resultado especialmente curioso porque iba yo pensando en una Lana Wachowski a calzón quitao como para provocar tal reacción (y disfrutando con la idea; es muy estimulante que una autora esté en un momento en que se la suda todo). Y para nada… ¡de verdad que me cuesta entender dónde ven aquí algo cercano a un “panfleto”!

Por eso, lo que a unos les parecía horrible y a los otros les parecía estupendísimo y lleno de reivindicaciones LGBT… yo sigo sin verlo. Es verdad que hay un intento de expulsar a los fans ranita-Pepe de ‘Matrix’ (a la ultraderecha se la ponía dura la pastilla roja de Morpheo), incluyendo además a personajes abiertamente LGBT o con una especie de “queer coding” en positivo, desde el vestuario de Morpheo (sacando de quicio a más de uno) a los propios villanos: no son amenazantes por “parecer gays”, más bien “parecen gays” y además son amenazantes. En este sentido, Jonathan Groff hace un buen trabajo, pero se ve eclipsado no solo por la muy alargada sombra de Hugo Weaving, sino por Neil Patrick Harris, que sí resulta un acierto total y derrocha carisma con su rol aquí. Pero, más allá de esto, y de alguna frase como la del binarismo, poco más hay reivindicativo en ese aspecto aquí. Hay más dardos al estancamiento de Hollywood, entre muchos otros guiños.

Por tanto, en respuesta a la pregunta del titular: Matrix Resurrections’ no es ninguna de las dos cosas. Es una secuela más que digna y original en sus planteamientos, que hará las delicias de quienes disfruten de lo meta (por haber, hay hasta cameos del reparto de ‘Sense 8‘), y que no contiene secuencias de acción tan logradas como las de la autopista, la pelea con los clones (‘Matrix Reloaded’) o la lucha final (‘Matrix Revolutions’), pero sí apuesta por destacar con otro tipo de secuencias, como el hipnótico montaje con ‘White Rabbit’ de Jefferson Airplane o las conversaciones de Neo con el Analista, además de con reflexiones sobre la tan cacareada nostalgia de nuestros tiempos, y cómo el sistema la asimila (hola, Smith) para que no sea un arma contra él, sino algo rentable. Una rentabilidad que precisamente esta “nostalgia” no ha tenido. ¿Lana Wachowski ha pasado por el aro de la industria o justo les ha marcado un gol por toda la escuadra? La -binaria- respuesta os la dejo a vosotros.

Soleá Morente, Stromae, Rufus T. Firefly, The Smile, Father John Misty… entran al top 40 de JNSP

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Vega se mantiene en el número 1 de lo más votado en JNSP con ‘Bipolar’, y no hay grandes cambios en la parte alta del top salvo porque Varry Brava adelantan a Tanxugueiras entre los temas de Eurovisión, pero aún lejos de Rigoberta. Las entradas al top 10 son Soleá Morente con La Casa Azul en su homenaje a Raffaella Carrà y Dinarama, y Stromae con ‘Santé’. También se puede votar ya por ‘L’enfer’.

Otras entradas son Rufus T. Firefly, Rocío Saiz, Helado Negro, The Smile, Father John Misty y Angèle. La aceptación de estas canciones elimina varios clásicos del top 40, entre ellos ‘Arcadia’ de Lana del Rey y ‘Cold Heart’ de Elton John. Dua Lipa continúa entre nosotros con ‘Love Again’.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 5 7 Bipolar Vega Vota
2 2 1 3 Ay Mama Rigoberta Bandini Vota
3 4 3 3 Raffaella Varry Brava Vota
4 3 3 3 Terra Tanxugueiras Vota
5 5 1 No pensar en ti Soleá Morente, La Casa Azul Vota
6 21 4 9 24 Hours Agnes Vota
7 7 1 Santé Stromae Vota
8 5 5 4 Culpa Javiera Mena Vota
9 18 9 2 Un minut estroboscòpica Antònia Font Vota
10 6 6 3 Voy a morir Luna Ki Vota
11 7 1 7 Quiero pero no Amaia, Rojuu Vota
12 8 2 6 Amanecer Alizzz, Rigoberta Bandini Vota
13 40 13 2 Muertos en la Disco Karavana Vota
14 10 4 6 Oh My God Adele Vota
15 20 5 5 Runaway Beach House Vota
16 23 10 4 honey Halsey Vota
17 9 3 5 Todo lamento Natalia Lacunza Vota
18 12 1 15 Yo invito Amaia Vota
19 19 1 Torre de marfil Rufus T. Firefly Vota
20 19 19 2 Player of Games Grimes Vota
21 11 1 8 La fama Rosalía, The Weeknd Vota
22 22 1 Cortisol en sangre Rocío Saiz Vota
23 23 1 Gemini and Leo Helado Negro Vota
24 13 1 11 Julio Iglesias Rigoberta Bandini Vota
25 14 8 5 Ayer Soleá Morente Vota
26 15 13 5 Woman Doja Cat Vota
27 34 1 19 Good Ones Charli XCX Vota
28 24 3 8 All Too Well (Taylor’s Version) Taylor Swift Vota
29 25 1 16 Don’t Shut Me Down ABBA Vota
30 28 2 32 Love Again Dua Lipa Vota
31 38 4 6 Otra torre más Caliza Vota
32 32 1 You Will Never Work in Television Again The Smile Vota
33 33 1 Funny Girl Father John Misty Vota
34 34 1 Démons Angèle, Damso Vota
35 17 15 4 Tears in the Club FKA twigs, The Weeknd Vota
36 16 11 3 Globo Sen Senra Vota
37 22 3 14 Ateo C. Tangana, Nathy Peluso Vota
38 33 4 17 Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
39 27 6 6 Te va a ser mejor Sen Senra Vota
40 36 2 34 Please Jessie Ware Vota
Candidatos Canción Artista
More Pressure Kae Tempest, Kevin Abstract Vota
Tintoretto, It’s For You Destroyer Vota
Honey Alba August Vota
Bad Religion Cat Power Vota
Happy New Year Let’s Eat Grandma Vota
Sacrifice The Weeknd Vota
Jackie Down the Line Fontaines DC Vota
Joia Ferran Palau Vota
L’enfer Stromae Vota
Upstairs Flat Burial Vota

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Joel Coen ofrece un ‘Macbeth’ solemne, preciosista… e irregular

No fue hasta ‘Ladykillers’ en 2004 que Joel y Ethan Coen comenzaron a dirigir películas juntos. No obstante llevamos hablando de los hermanos Coen desde mucho antes, cuando Joel era el único director y Ethan solo co-escribía los guiones y producía. Ahora, este último ha decidido apartarse del cine durante un tiempo, por lo que ‘Macbeth’ supone la primera película de Joel Coen sin su hermano. Y se nota notablemente. El film es solemne, dramático y está absolutamente despojado del característico sentido del humor de los Coen. De hecho Joel ha reconocido que no hubiese podido dirigirla si Ethan estuviese involucrado porque es un tema que no le interesa.

Resulta llamativo que ‘Macbeth’ sea una de las adaptaciones de Shakespeare que más se han llevado a la pantalla grande, probablemente por su potente retrato de la condición humana pero también por el reto que supone para un cineasta adaptar su profunda teatralidad al medio cinematográfico. Orson Welles, Roman Polanski o, más recientemente, Justin Kurzel la han trasladado al cine con resultados divisorios. Kurosawa es quizá quien más cerca ha estado de la grandeza de ‘Macbeth’ con ‘Trono de Sangre’, una reinterpretación ambientada en el Japón feudal. Aquí, Joel Coen ofrece una visión preciosista y muy fiel al texto original, aunque con algunos detalles novedosos. Macbeth es Denzel Washington -también cuenta con más actores negros interpretando a miembros de la corte- y las tres brujas están encarnadas por una sola actriz (una excelente Kathryn Hunter).

El lenguaje, tan importante en las obras de Shakespeare, está conservado en su mayoría de forma muy parecida al texto original. Sin embargo, otra de las sorprendentes decisiones de Coen es que los actores afroamericanos hablen con acento estadounidense. Algo que realmente no termina de encajar bien y que puede alejar ligeramente de la propuesta. Aun así, ‘Macbeth’ tiene algunos momentos que celebrar, como su impresionante apartado visual, con la vocación pictórica de la imponente fotografía en blanco y negro de Bruno Dellbonel, o la enigmática y atmosférica música de Carter Burwell. Así como las solventes interpretaciones de su reparto, donde destacan particularmente Hunter y Frances McDormand (también productora del film).

En términos narrativos, la película es irregular, combinando momentos de gran poesía visual -especialmente aquellos en los que aparecen las brujas- con otros más densos y arduos. Funciona sobre todo en su clímax, donde la puesta en escena de Coen se vuelve más interesante y adquiere un sentido más allá de su espectacularidad visual.

Es cierto que ‘Macbeth’ realmente no ofrece nada lo suficientemente relevante como para justificar su enésima adaptación al cine, pero es una película estimable, realizada con buen gusto y con tanta admiración hacia Shakespeare como a maestros del cine europeo como Dreyer o Bergman. Llama la atención lo que Joel Coen, alguien con un universo cinematográfico tan alejado de lo mostrado aquí, pueda hacer sin su hermano en un futuro, si seguirá esta senda o si esto simplemente supondrá una rara avis en su filmografía.

BROCKHAMPTON anuncian una pausa indefinida y cancelan todos sus conciertos

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BROCKHAMPTON acaban de anunciar que van a tomarse una pausa indefinida. El grupo ha cancelado todos los conciertos de su tour de 2022 que habían anunciado el año pasado, manteniendo únicamente el que tienen el próximo 7 de febrero y su cita en el Coachella 2022.

“Los shows en O2 Academy Brixton en Londres y en Coachella serán nuestras últimas actuaciones como grupo”, informaban en un comunicado. “Desde el fondo de nuestros corazones os agradecemos por estar con nosotros en este viaje. No estaríamos aquí sin nuestros fans. Esperamos que hayamos podido inspiraros tanto como vosotros lo habéis hecho en estos últimos ocho años. Estamos unidos y agradecidos a vosotros de por vida”, añaden.

BROCKHAMPTON nacieron después de que el líder del grupo, Kevin Abstract, publicara una nota en un foro preguntando si alguien quería formar una banda. Entre los muchos miembros que han estado el grupo, destacan Ameer Vann, Joba, Matt Champion, Meryln Wood, Dom McLennon y Bearface, así como a los productores Romil Hemnani, Jabari Manwa y Kiko Merley.

En 2017 lanzaron la trilogía de ‘SATURATION’. La canción de ‘SATURATION II’, ‘GUMMY’ fue nombrada una de las 100 mejores canciones de ese año por Pitchfork. En 2018, Vann fue retirado del grupo tras enfrentarse a acusaciones de conducta sexual inapropiada.

Regresaron en 2018 con el disco ‘iridescence’, que logró llegar al número 1 en la lista de álbumes de Billboard. En 2019. El año pasado lanzaron su último álbum ‘ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE’, que contó con colaboraciones de Danny Brown, A$AP Rocky, A$AP Ferg, Charlie Wilson y Jpegmafia.

Multa de 6.000 euros por el incumplimiento de la normativa covid en los conciertos de La Polla Records

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El pasado diciembre La Polla Records ofreció dos conciertos en Vitoria, dentro de su gira de despedida, en los que la gran mayoría del público asistió sin mascarilla y en ningún momento se exigió el pasaporte covid para el acceso.

Hoy el Gobierno vasco ha impuesto una multa de 6.000 euros (3.000 por cada concierto), la máxima sanción establecida por incumplir la normativa anticovid, a la productora Last Tour, la responsable de estos eventos. Los conciertos tuvieron lugar los días 17 y 18 de diciembre, fechas en las que Euskadi se encontraba en una situación de emergencia sanitaria por el elevado índice de contagios.

Además, según informa La Vanguardia, durante el concierto del día 17, dos integrantes del colectivo Bizitza accedieron al escenario y leyeron un manifiesto en el que cargaron contra el pasaporte covid y lo calificaron de ser “una excusa para controlarnos, someternos, aislarnos, humillarnos, enfrentarnos y matarnos”.

El Departamento vasco de Salud ha informado este viernes de que los inspectores que acudieron a dichos conciertos constataron un “claro incumplimiento” de la normativa sanitaria porque entre el público hubo una “ausencia total de mascarillas”. En las imágenes que circularon por internet de aquellas actuaciones se puede constatar que la gran mayoría de los asistentes no portaba ninguna protección para evitar contagiarse de la covid-19.

La promotora Last Tour ha comunicado a Efe al conocer esta decisión que “trabaja en los cauces legales que exige este proceso”.

La saga de ‘Dawn FM’ continúa con los vídeos de la versión ‘Alternate World’

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Hace tan sólo 7 días que The Weeknd lanzaba su esperado álbum ‘Dawn FM’, que se ha convertido en nuestro disco de la semana y ya se consolida como uno de los grandes estrenos del año, sobrepasando las 200 millones de reproducciones en Spotify.

Siendo el centro de atención por la muy buena recepción del disco por parte de la crítica, Abel Tesfaye ha decidido sacar cuanto antes y por sorpresa ‘Dawn FM (Alternate World)’, una versión, como su nombre indica “alternativa”, donde incluye los remixes de ‘Sacrifice’ junto a Swedish House Mafia y ‘Take My Breath’ con la colaboración del dúo Agents of Time, además del single del año pasado ‘Moth To A Flame’.

No contento con eso, esta semana ha compartido los vídeos de estos nuevos remixes y el vídeo ‘Gasoline’, tema que se encuentra 4º lugar en la playlist ‘Today’s Top Hits’.

‘Gasoline’ muestra al viejo The Weeknd en medio de una atmósfera retro-futurista, rodeado de lirios (flores comúnmente usadas en los funerales) y una multitud danzante en el purgatorio. Se enfrenta con su versión actual, quien le acaba destrozando y matando, ya que sólo puede quedar uno en este multiverso.

En el vídeo de ‘Take My Breath (Remix)’, el canadiense se encuentra con una chica en medio de una rave llena de luces epilépticas que tanto están caracterizando la estética de esta entrega de vídeos. Ambos necesitan tomar oxígeno por medio para poder continuar con la fiesta. Finalmente esta chica le estrangula con su pelo hasta dejarle sin aliento y despierta de repente en un pista de baile. Esta escena se enlaza con el inicio del vídeo de ‘Sacrifice’, donde el cantante se vuelve prisionero. Sin embargo, la continuación en este ‘Alternate World’ es otra.

‘Sacrifice (Remix)’ se desliga parcialmente de la estética oscura y tenebrosa, arrojando un poco de luz y trayendo colores más vivos y dinámicos. The Weeknd se adentra con Swedish House Mafia en una pista de baloncesto donde un grupo de personas están bailando Vogue y acaban siendo poseídas por un ente que les lleva a levitar en medio de una euforia total.

Todo apunta a que ‘Dawn FM’ forma parte de una trilogía junto a su predecesor ‘After Hours’. “Me pregunto ¿sabíais que estáis experimentando una nueva trilogía?”, escribía a sus fans en Twitter hace unos días. Muchos creen que su próximo trabajo se centrará en el destino final de The Weeknd que se decidirá después de pasar por este purgatorio y llegado el amanecer. ¿Irá al cielo o al infierno?


La música en vivo espera estar anunciando la última tanda de aplazamientos

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Wolf Alice han anunciado esta semana que posponen su gira europea. De febrero y marzo pasa a noviembre, y son cristalinas sus explicaciones sobre tal retraso: hay tal cantidad de estadios y salas reservados en 2022 para conciertos aplazados de 2020 y 2021, junto a los nuevos, que logísticamente va a ser imposible cuadrar antes. Nation of Language, que actuaban este mes en Madrid, también aplazan su concierto.

Por la necesidad de cuadrar una ruta internacional que además puede incluir una cantidad pornográfica de papeleo si ya no eres europeo sino británico (Kelly Lee Owens cancelaba una gira por este motivo), son los artistas extranjeros los que tienen más complicado mantener sus shows en España en enero o febrero. Y la situación tampoco es fácil para los que deciden mantener los conciertos: Laura Mvula ha compartido en redes un mensaje descorazonador: «Llevo todo el día llorando porque no estoy vendiendo entradas». Hay quien le ha sugerido que cuelgue las fechas en su web a ver qué pasa, pero también son muchos quienes le están indicando que no pueden ir a conciertos debido a la pandemia, quizá porque conviven con personas vulnerables o mayores.

En España la situación es distinta: la música en directo ha sobrevivido estos dos años siguiendo los protocolos recomendados por las autoridades sanitarias, esto es, mascarillas, sillas, distancia de seguridad. Al ex ministro de cultura Uribes le preguntaban en el Financial Times cómo era posible que en España hubiera conciertos u obras de teatro. La sexta ola, con la variante óritron ómicron como dominante, está dejando récords diarios de contagios, pero por suerte ha pillado a nuestro país vacunado en un 90% en cuanto a población diana, lo que ha implicado que muchos pasemos el covid-19 con síntomas leves, y la letalidad sea mucho menor. El presidente del gobierno Pedro Sánchez ha dicho esta semana que trabaja ya para tratar el covid-19 como endemia, y la ministra de Sanidad Carolina Darias asegura que España quiere «liderar ese debate» a nivel internacional, con nuevos protocolos acordados con las comunidades en cuanto pase esta sexta ola a finales de este mes. Los expertos están divididos: la Sociedad Española de Medicina Familiar y Comunitaria ha pedido este fin de semana a través de un editorial volver ya a la “vieja normalidad”, es decir, dejar de contar cada caso de covid y tratar la enfermedad como una gripe, mientras otras sociedades científicas consultadas por El País creen que es muy pronto.

Con este panorama de contradicciones y hastío, sobre todo mucho hastío, los artistas están tomando decisiones individuales. En Cataluña el ocio nocturno está cerrado al menos hasta el 21 de enero, mientras en Madrid está abierto, lo que implica que Sen Senra actuara anoche en el Wizink Center pero haya aplazado su show en Barcelona. Alizzz está en la misma situación: mantiene los dos shows de esta tarde en Madrid, pero el de Barna se aplaza. Incluso dentro de Madrid, en Inverfest, Elvira Sastre y Sandra Bernardo aplazan sus sets por covid-19, pero tanto Tachenko como Ferran Palau actúan hoy mismo. Por otro lado, algunos artistas han decidido aplazar sus sets por diferentes motivos: porque no les parece adecuado o porque por algún contagio en un miembro de la banda no se ha podido ensayar. Valdivia actuaba recientemente en solitario, sin banda como quería, por este motivo. Los Punsetes han anunciado en Instagram que aplazan sus conciertos en Madrid, Barcelona y Valencia. Algora mantiene el show de Madrid de febrero, pero aplaza los conciertos de Barcelona y Sevilla.

El comunicado de La M.O.D.A., en el que indican que aplazan motu proprio en Burgos, Galicia y Bilbao es especialmente significativo: «Más allá de las restricciones de cada comunidad sentimos que hay mucha preocupación (la cual compartimos) y creemos que esperar a que pasen estas fechas posteriores a las fiestas es lo que nos hace sentir más en paz con nosotros mismos. Es un mierdón, y más teniendo en cuenta lo difíciles que están siendo estos tiempos para todo el sector. Queremos pediros disculpas a todos los que ibais a venir, sentimos mucho esto, pero siempre hemos intentado hacer las cosas de forma honesta y esto es lo que nos pide el cuerpo. A pesar del bajonazo tenemos muchísimas ganas de volver a la carretera y veros de nuevo. Gracias por la comprensión y el cariño».

El texto de la banda liderada por David Ruiz es sensato y también humilde, pues no hace hincapié en las pérdidas económicas que puede implicar aplazar un concierto. «Comprensión» y «cariño» es lo que se ha echado en falta en ciertos comentaristas de nuestra web y tuiteros, insensibilizados con las consecuencias de que se aplace un concierto, como si el pago del alquiler, la luz y las nóminas de músicos y técnicos pudiera aplazarse también 3, 4 y 8 meses. En el otro lado de la moneda, esos fans que pagaron por un concierto de Dua Lipa hace 2 años, o a Lady Gaga en París y todavía no pueden poner la mano en el fuego por que lo vayan a ver sus ojos: las nuevas fechas de ‘Chromatica Tour’ ni siquiera están concretadas dentro de este 2022.

Eva Castillo, directora de comunicación de Last Tour (Bilbao BBK Live, Azkena, Cala Mijas), elogia la «ilusión» con la que el público ha mantenido entradas durante 2 años: “son incontables los festivales y conciertos que se han cancelado o aplazado, pero también son enormes la ilusión y esperanza con la que muchas personas han mantenido las entradas adquiridas deseando que se celebre por fin ese evento para el que las compraron en 2020. Tenemos muchas ganas de retomar la actividad con normalidad y disfrutar plenamente de la música en directo, algo que creemos que también nos va a ayudar como sociedad a sentir que recuperamos la alegría”.

Pese a que el panorama es desolador en muchos sentidos, también hay buenas noticias. El Mundo ha publicado una entrevista con un exasesor de la Organización Mundial de la Salud que asegura que en Semana Santa la pandemia habrá terminado. Parece que al fin aparece la luz definitiva al final del túnel, después de varias intentonas. Así lo cree Natalia de Jesús de Houston Party, que ha tenido que cancelar los shows de Gabriel Garzón-Montano y Elder Island, y aplazar el de Depedro y Fantastic Negrito: «Confiamos en que sí. Parece, para entendernos, que una entrevista como esta dentro de un año no se estará haciendo. Ojalá (…) No queremos entrar en el discurso negativo, porque al final la mejor manera de sobrellevar esto es, aunque parezca un autoengaño, echarle buenas vibraciones. Aunque, es evidente que, de cara al negocio, los ingresos, la sostenibilidad de la empresa, es un marrón bien gordo».

«Con el covid-19 ha quedado claro que la música va a seguir siendo el último mono de la fila»

Preguntada sobre las pérdidas que implica retrasar un concierto 4 meses, responde: «Sobrevivir 4 meses sin ingresos es muy jodido. Pero tenemos la piel dura. Tanto que más que piel ya parece pellejo. En España el sector de la cultura en general, y el de la música en particular, es, y con esto del covid-19 ha quedado claro que va a seguir siendo, el último mono de la fila, salvo que uno medre y entre en el politiqueo, así que te vas acostumbrando a resistir y a encontrar agua debajo de las piedras. «You need a busload of faith to get by», como cantaba Lou Reed».

Luis Fernández de Sonido Muchacho, promotora de Punsetes, Carolina Durante, Sen Senra o Natalia Lacunza alude al daño psicológico del sector. «Económicamente es insostenible que un año entero se vaya a la basura, pero anímicamente es un horror. Es una cuestión de supervivencia, anímicamente no puedes soportar tantos aplazamientos durante 2 años. Además, son conciertos que incluso cuando los haces, no sabes si han funcionado como deberían haber funcionado por las circunstancias. Aparte de a nivel económico, porque es la fuente de ingresos de la industria, afecta a nivel psicológico».

Sergio Moreno, mánager de Confeti de Odio, Morreo y Marta Movidas desde su pequeña empresa Las Amigas, y programador de festivales como Low Festival, WARM UP y Area 12, nos habla de las dificultades de estos dos años: «muchísimas empresas hemos estado a punto de cerrar. Nosotras, en Las Amigas, tuvimos que despedir a nuestro único trabajador porque, literalmente, nos quedábamos sin dinero en la cuenta. Pero las tareas de management, booking y preproducción han seguido durante todo este tiempo, con el esfuerzo de las socias, y, casi siempre, sin ver un solo euro, porque, cuando trabajas con artistas de pop underground, tu principal fuente de ingresos estables son los festivales y los conciertos en salas, de los que apenas han podido celebrarse unos pocos». Sobre la luz al final del túnel, indica: «En nuestro caso, como ya tuvimos que reducir los gastos a la mínima expresión por la pandemia, podemos aguantar unos meses más. La cuestión, dado que las tres tenemos otros trabajos paralelos, es: ¿seguiremos con ganas de trabajar sin ver un euro o llegará un punto en que preferiremos tirar la toalla? Yo soy optimista, pero no todo el mundo en el sector puede serlo, por desgracia».

«¿Cómo le explicas a la gente que puede ir a trabajar pero no de concierto?»

Además, literalmente, parece que no tendremos «manos» para aplaudir en tanto show reprogramado, seguramente afectando gravemente a los artistas noveles o en desarrollo. Indica Moreno: «Los conciertos de enero y febrero que se trasladen a mayo o junio casi se solaparán con los festivales de verano, y eso aumentará la competencia, y, potencialmente, la capacidad de gasto en entradas de los asistentes, que disminuye». Pero al menos, Moreno se muestra optimista, indicando que la situación pandémica se ha «cronificado»: «En muchas comunidades no se han retomado las restricciones por el coste electoral que esto implica, y tengo la sensación que va a ser progresivamente así… ¿cómo le dices a la gente que al séptimo día de contagio puede ir a trabajar pero que no se puede ir de concierto?».

Luis Fernández también cree que estamos ya al final del calvario: «se ve ya claramente y es por una cuestión mediática. Llevamos 2 años estando con el virus, y nos hemos acostumbrado ya. Este último «repaso» de las Navidades con 200.000 infectados diarios lo que va a hacer es normalizar la situación. En nuestro caso pensábamos que enero iba a ser fantástico y todo iba a estar solucionado, y nos hemos visto en el marrón de otro pico de covid, pero aun así hay gente que ha respondido y está yendo a conciertos».

«Económicamente es insostenible que un año entero se vaya a la basura, pero anímicamente es peor»

Finalmente, Beatriz Concepción, directora de Oso Polita, deja una conclusión interesante sobre la dependencia tan extrema que toda la industria ha depositado en el directo, recalcando que esta situación ha servido para “profundizar y aprender más en la labor de cuidado y amor a los artistas-personas (…) Este tiempo nos ha servido para conocer y desarrollar musicalmente a muchos talentos con los que trabajamos, ver la relevancia de la creación y la música grabada y no basarnos tanto en el directo».  

Stromae triunfa con ‘L’enfer’, su canción sobre el «infierno» de la ideación suicida

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Stromae ha sido a todas luces uno de los protagonistas de la semana tras estrenar su nuevo single en la televisión francesa, en concreto, en un telediario durante una entrevista, sin previo aviso. Tras una breve charla, la periodista pregunta a Paul van Haver acerca del significado de ‘L’enfer’ y, a continuación, el belga se arranca a hacer un «lip-synch» desde el plató y sin levantarse de la silla, como si estuviera en un musical.

La actuación tiene más significado de lo que parece: de repente en el plató se empieza a confundir realidad con ficción cuando se disuelven en uno los formatos de telediario y videoclip; y esta incapacidad para distinguir una cosa de la otra se parece mucho al «infierno» por el que pasa Stromae -o cualquier persona- cuando le invaden los pensamientos suicidas sobre los que canta en la canción. Sin ir más lejos, la letra de ‘L’enfer’ contiene un par de referencias metafóricas a la televisión: Stromae desea «cambiar de canal» pero reconoce que aún le cuesta salir de su propia mente sin acabar en otra espiral de pensamientos oscuros.

No puede ser más directo el mensaje de esta composición escrita y producida por Stromae en la que el artista, sin medias tintas, declara que «he considerado el suicidio varias veces y no estoy orgulloso de ello» pero que a veces «esta es la única manera de silenciar» sus pensamientos. Sin embargo, la producción, que recuerda al trabajo de Flume o Kanye West, vuelve a ser bastante metafórica cuando sus arrastrados ritmos electrónicos -acompañados de unos coros- parecen emular los demonios que habitan en su cabeza, explicación que confirma el videoclip oficial de la canción.

Hoy la Canción Del Día, ‘L’enfer’ está resultando otro éxito para Stromae que ya ocupa el número 1 en la lista de las canciones más escuchadas en Francia, vía Spotify. Su disco ‘Multitude‘ se presentó con el single ‘Santé’ y sale el 4 de marzo y os recordamos que el artista lo presentará en directo en el festival Bilbao BBK Live, dentro de unos meses.

‘L’enfer’ es una de las novedades de la semana que puedes escuchar ya en la playlist «Ready for the Weekend», con cerca de 5.400 suscritos.

FKA twigs / Caprisongs

El concepto de “mixtape” ha evolucionado hasta el punto de significar casi lo mismo que “álbum”… pero no exactamente lo mismo. Los artistas lo utilizan para referirse a obras que pueden ser totales -o no- pero que no consideran dignas de pertenecer a su discografía “oficial”. O, mejor que dignas, la palabra sería “adecuadas”. ‘Caprisongs’ de FKA twigs es una “mixtape”, pero también es un álbum, y sin embargo encaja más con el primer término que con el segundo.

Conocida por su visión “arty” del pop y el R&B, en la que han solido caber algunas de las composiciones más avanzadas y alucinantes que ha dado hasta ahora el pop del siglo XXI, FKA twigs entrega lo que se podrá llamar su “disco más pop”, algo de lo que ya avisa esa portada que nos lleva a la época en que J Lo se codeaba con P. Diddy. La jugada no le sale redonda, pero se acerca.

‘Caprisongs’ ha hecho bien en llamarse “mixtape” en lugar de “álbum”: como sucesor de ‘MAGDALENE’ habría decepcionado pues no iguala su impacto ni aura de clásico. Sin embargo tampoco puede considerarse menor una obra que cuenta a The Weeknd entre sus artistas invitados, además de con un elenco de productores entre los que destacan El Guincho y Lewis Roberts, más conocido como Koreless. Son ellos quienes co-producen junto a Tahliah Barnett la mayoría de pistas de ‘Caprisongs’, en cuyos créditos asoman también colaboradores como Arca, Tobias Jesso Jr. o Mike Dean, por mencionar tres de los más conocidos. Todos juntos arman una obra que celebra la colaboración de manera explícita, pues FKA twigs ha asegurado que ‘Caprisongs’ es un homenaje al concepto de unión (ella usa la palabra “togetherness”), a sus amigos y a la vida post-pandemia que todos tanto anhelamos, llena de cuerpos bronceados, licores afrutados y “amigos que te encuentras en el aeropuerto”; precisamente porque en su propia vida ella ha sido capaz también de encontrar la paz después de vivir un periodo muy oscuro, tras haber sido víctima de violencia doméstica. En ‘Caprisongs’, Tahliah nos cuenta que ha salido del bache (como simboliza su propio signo del zodiaco) y que está lista para comerse el mundo.

Solo un trabajo nacido de la colaboración podría haber dado con un single como ‘Tears in the Club’ en el que comparten créditos Abel Tesfaye, El Guincho y Arca de manera (quizá no tan) inaudita. El pegadizo tema ha dividido a sus seguidores a causa de su sonido de trap-pop comercialote pero cumple su función, ejem, comercial dentro de un largo en el que es posible encontrar temas más interesantes en todos los sentidos. De hecho, ‘Caprisongs’ es mejor cuando nos recuerda de qué artista visionaria estamos hablando, y peor cuando se acerca a lo genérico de pistas como ‘Jealousy’ con Rema, en las que su personalidad queda diluida dentro de ese propósito comercial.

A menudo FKA twigs es capaz de encontrar su propio sonido dentro de los parámetros de «lo comercial» y de lo «radiable», como sucede en la canción inicial, ‘ride the dragon’, tan apta para las playlists por su adictivo estribillo compuesto por «adlibs» como fascinante por su atareada producción llena de efectos «glitch», flautas y sonidos de espadas. Lo mismo se puede decir del dancehall cannabizado de ‘honda’ con Pa Salieu o de ‘Oh My Love’, una de esas composiciones de R&B-pop vespertinas por las que Ariana Grande o Tinashe matarían, pero que a su vez presenta una producción fantástica, llena de giros y mil efectos que avivan la canción un 200%.

La importancia de la producción en ‘Caprisongs’ es tal que el álbum se puede considerar un banquete sónico en este sentido: ‘meta angel’ es una composición maravillosa en lo melódico a la que se han aplicado efectos de voz incluso a distintas sílabas dentro de una misma palabra, o a distintas palabras dentro de una misma frase. Lo mismo sucede en ‘lightbeamers’, un emotivo medio tiempo dedicado a los «soñadores» que nos plantea cómo sonaría FKA twigs en el mundo de PC Music. A menudo escuchar ‘Caprisongs’ es tomar conciencia de que vivimos en aquello a lo que llamábamos «pop del futuro» hace 10 o 15 años, como sucede particularmente en el «footwork» futurista de ‘Pamplemousse’, que significa «pomelo» en francés e incluye un cameo de un fan de FKA twigs que no eres tú.

El disco presenta una sorpresa hacia la mitad con la llegada de ‘papi bones’, un pepinazo de dancehall radioactivo que incluye la colaboración de Shygirl y que ya están tardando en pinchar los DJs de tu discoteca favorita; pero la secuencia se va desinflando a partir de esta pista, con la llegada de una serie de canciones menores como la burbujeante ‘which way’ con Dystopia o la balada R&B ‘careless’ con Daniel Caesar que, poco a poco, van mereciendo su lugar en el tracklist. Tampoco el uso en ‘darjeeling’ de la melodía de ‘You’re Not Alone’ de Olive sirve para levantar del todo la segunda mitad del disco, que, entre interludio e interludio, concluye con ‘thank you song’, una balada al piano sci-fi producida por Arca con la que Tahliah da gracias a sus fans por apoyarla y que deja buen sabor de boca, pero que no resulta tan espectacular llegados a este punto.

«Esto es música elevada pero como si estuvieras en la planta número 50» es una de las frases que escuchamos a lo largo de ‘Caprisongs’ expresadas por FKA twigs o por alguno de sus colegas. En otras palabras, el trabajo sonoro de ‘Caprisongs’ se puede considerar «estado del arte» sin lugar a dudas, y FKA twigs es una de esas artistas comprometidas con llevar el pop hacia nuevos lugares como pocas lo hacen. Tahliah no sacrifica ni su voz, siempre tan melodramática, ni su lado experimental en ‘Caprisongs’, pero sí pierde algo de personalidad en algunas de sus pistas más comerciales, algo que desde luego no habría consentido la artista en su tercer álbum de estudio propiamente dicho.

Mónica Naranjo y Ana Obregón serán las nuevas investigadoras en la tercera edición de ‘Mask Singer’

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Mónica Naranjo y Ana Obregón acompañarán a los Javis en su papel de investigadores en la tercera temporada de Mask Singer, así lo han confirmado desde las redes del programa.

Ambas cogerán el relevo de Paz Vega, quien ganó la primera edición y sustituyó a Malú como investigadora, y José Mota, que declaró recientemente que le “era imposible regresar por problemas de calendario”.

En este 2022 Mónica Naranjo lanzará su nuevo disco ‘MIMÉTIKA’, casi 6 años después de ‘Lubna’. A ‘Lágrimas de un ángel’, primer adelanto de su próximo LP, le sigue ‘Ey!’ junto a Bunbury que se estrenará en febrero. Por su parte, Ana Obregón ya fue investigadora invitada del show en la edición anterior.

‘Mask Singer: adivina quién canta’, regresará pronto a Antena 3 y contará con nuevos famosos que intentarán ocultar su identidad cuando se suban al escenario a cantar. Segurá siendo presentado por Arturo Valls, tendrá nuevas máscaras y novedades en la mecánica.

‘Mask Singer’ se mantuvo durante su primer curso una media de un 23,6% de cuota de pantalla y casi tres millones de espectadores, logrando superar esta cifra en su gran final, que alcanzó un 25,9% de cuota de pantalla. En su segunda temporada, bajó a un 16,4% de media y 1.749.000 espectadores, pese a ello Atresmedia sigue apostando por el formato.

«Queremos ir a misa» y otros temas que debes escuchar hoy

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Arrancamos READY FOR THE WEEKND con uno de los temas más pop que ha publicado jamás FKA twigs, ‘jealousy’ con rema. Ya hemos reseñado su nueva mixtape ‘Caprisongs’. También salen hoy los nuevos álbumes de Nacho Vegas, Cat Power, Chaqueta de Chándal, Bonobo, Elvis Costello, Broken Social Scene (rarezas) y el EP de la revelación Judeline. El disco de Chaqueta de Chándal tiene un tema llamado “Queremos ir a misa” sin ningún tipo de desperdicio.

Hace un par de días han sido “Canción del Día” lo nuevo de Kae Tempest y lo nuevo de Destroyer, y pronto lo serán un par de las novedades que hemos podido escuchar en los últimos días y horas, porque ha habido varias interesantes: Aluna con y sin George, Tears for Fears, Mitski, El último vecino, Stromae, Johnny Marr, Metronomy, Placebo, Cate Le Bon, Arab Strap, The Delines, Basia Bulat y Spiritualized. Han anunciado álbum Aldous Harding y Fontaines DC.

También hay novedades de artistas tan suculentos como Jack White, Eddie Vedder, White Lies, Parquet Courts, Bastille, Years & Years, Bob Moses, CHAI, CMAT, Röyksopp, Muse, Jaguar Jonze, Avril Lavigne, Marinita Precaria y Lunáticos, entre otros. “Today’s Top Hits” apoya especialmente lo nuevo de Gunna con Drake, mientras Novedades Viernes España apuesta por Pole. y Mariah Angeliq. RFTW es también oportunidad de que conozcas a talentos como yeule, Los Bitchos, Monodrama o Boy Harsher.

Muse regresan con ‘Won’t Stand Down’, su primer single en 4 años

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Los británicos Muse han compartido su nuevo single ‘Won’t Stand Down’, el primero en 4 años desde el lanzamiento del disco ‘Simulation Theory‘ de 2018 y es presumiblemente un adelanto de su nuevo LP. «Contando los días para compartir con vosotros aquello en lo que hemos estado trabajando. ¡Disfrutadlo! Matt, Chris y Dom x», explicaban en sus redes sociales.

El tema está producido por Muse y mezclado por Dan Lancaster, quien ha trabajado anteriormente con Bring Me The Horizon y Enter Shikari. ‘Won’t Stand Down’ habla, según Matt Bellamy, sobre “mantenerse firme contra los acosadores, ya sea en el patio de recreo, en el trabajo o en cualquier lugar”.
“Trata de protegerte a ti mismo de la coerción y la manipulación sociópata y enfrentar la adversidad con fuerza, confianza y agresión”, añade.

El vídeo de ‘Won’t Stand Down’, dirigido por Jared Hogan y grabado en Ucrania, muestra «una figura frágil y misteriosa que extrae la energía colectiva de un ejército oscuro para transmutarla en un ser aumentado».

Los detalles del próximo disco de Muse como la fecha de lanzamiento, tracklist y título se desconocen por el momento. La banda visitará España el 8 de junio en la celebración de Mad Cool Festival 2022.

Alba August dejará de ser «hija de» gracias a canciones como ‘Honey’

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En la última edición de la playlist «Flores en el Estiércol», nuestro compañero Raúl Guillén nos presentaba a la revelación Alba August. La cantante publicaba en las últimas semanas de 2021 un disco de debut llamado ‘I Still Hide’ en el que se incluían singles como ‘So Alive’, ‘Lights’ y ‘Killing Time’. Si te gustan Florence + the Machine, Ellie Goulding y Bat for Lashes, has de echarles un ojo.

Alba es hija del director de cine danés Bille August, muy conocido por haber ganado la Palma de Oro en Cannes en dos ocasiones, con ‘Las mejores intenciones’ y ‘Pelle el Conquistador’, que muchos recordaréis aunque solo sea porque derrotó a Almodóvar en los Oscar el año de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’. Alba ha hecho algún papel en cine y televisión también, por ejemplo en aquel hype de Netflix llamado ‘The Rain’, pero la música parece su lugar, a juzgar por temas con el encanto de ‘Honey’, que es hoy nuestra «Canción del Día».

Sin haber sido uno de los singles principales del álbum, ‘Honey’ resulta un tanto diferente a los temas que sí han presentado el disco: ‘Honey’ presenta un aroma más Chromatics, por tanto más cinético y no tan lejano a los momentos más melódicos e italo del último The Weeknd: todos los que habéis pasado 2020 y 2021 canturreando ’Save Your Tears’ debéis dar una oportunidad a esto.

‘Honey’ presenta un pre-estribillo estupendo (el de “nunca he compartido un sueño con nadie más”), además de un estribillo muy decidido y un “middle eight” en el que brillan tanto el “spoken word” como una nueva línea de teclados.

La canción se va construyendo con estos diferentes trucos, hablándonos sobre una ruptura o una partida, tras la que Alba August afronta un nuevo comienzo. Toda una gema para quienes tenéis un lugar en vuestro corazón para gente como HAERTS y Lissie.

Playlist: Flores en el estiércol

Rigoberta y Tanxugueiras no competirán en la misma semifinal de Benidorm Fest

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Hoy RTVE ha dado más detalles sobre el modus operandi del desarrollo del Benidorm Fest. Después de cierta polémica en redes sobre el modo en que se iban a distribuir las entradas, se anuncia que habrá finalmente entradas para el público, de manera gratuita, a través de entradas.com.

Además, se conoce la distribución de qué artistas concurrirán en cada semifinal: el miércoles 26, a las 22:40h, en horario de máxima audiencia, se emitirá en directo desde La 1 de TVE y RTVE Play la Primera Semifinal del Benidorm Fest. En esta primera gala, Luna Ki, Varry Brava, Azúcar Moreno, Blanca Paloma, Unique, Tanxugueiras y Chanel se jugarán las cuatro plazas para la final.

El jueves 27, de nuevo, a las 22:40h de la noche, tendrá lugar la Segunda Semifinal del BeFest en el Palau Lilla. Xeinn, Marta Sango, Javiera Mena, Gonzalo Hermida, Rigoberta Bandini, Rayden y Sara Deop lucharán por las últimas cuatro plazas de la final.

El sábado 29 de enero será la Gran Final del Benidorm Fest. La gala se emitirá en directo a partir de las 22:05h desde La 1 de Televisión Española y RTVE Play. Estará presentada por Alaska, Máximo Huerta e Inés Hernand.

RTVE facilita una playlist con las 14 canciones semifinalistas, y en marzo Warner las recopilará en un CD a la antigua usanza. De momento, Rigoberta Bandini y Tanxugueiras aparecen muy destacadas en las casas de apuestas, seguidas por Unique. Rigoberta está disparada en cuanto a streamings y ‘Ay mama’ es la única canción eurovisiva que ha entrado y se mantiene en el top 100 oficial de Promusicae España; pero son muchos y muy vehementes los apoyos de Tanxugueiras. El último, el de Yolanda Díaz, vicepresidenta del gobierno y natural de A Coruña.

¿Por qué canción/es votarás?

  • Rigoberta Bandini / Ay Mama (35%, 782 Votos)
  • Tanxugueiras / Terra (29%, 659 Votos)
  • Javiera Mena / Culpa (7%, 163 Votos)
  • Luna Ki / Voy a morir (6%, 145 Votos)
  • Varry Brava / Raffaella (6%, 142 Votos)
  • Rayden / Calle de la llorería (5%, 104 Votos)
  • Marta Sango / Sigues en mi mente (3%, 63 Votos)
  • Azúcar Moreno / Postureo (2%, 51 Votos)
  • Xeinn / Eco (2%, 42 Votos)
  • Chanel / SloMo (2%, 37 Votos)
  • Blanca Paloma / Secreto de agua (2%, 37 Votos)
  • Sara Deop / Make You Say (0%, 9 Votos)
  • Unique / Mejores (0%, 4 Votos)
  • Gonzalo Hermida / Quién lo diría (0%, 2 Votos)

Votos totales: 1.567

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Morreo: «El diseño es importantísimo para construir un disco o una marca»

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Morreo es el dúo formado por Joseca y Germán, dos chicos andaluces de 25 años que se conocieron por Tinder, y actualmente están asentados en Madrid. El pasado octubre lanzaban su notable LP debut ‘Fiesta Nacional’, en el que incluían pequeños hits como ‘Pesadilla pop’, ‘Soy un rayo’ o ‘Quemados por el sol’ y en el que se evidenciaban sus influencias, que van desde sonidos más modernos como los de Fangoria y MGMT, hasta grupos de los 60s y 70s como Las Grecas, Los Brincos o Los Bravos. Precisamente estas épocas marcan la estética de otra de sus grandes aficiones: el diseño.

Hoy en Meister of the Week, nuestra sección comisariada por Jägermusic, Morreo han elegido hablar sobre su oficio de diseñadores, que les ha llevado a hacer ilustraciones para ciclos y festivales como el Brillante, y para artistas como Sen Senra o Asunción. Puedes consultar su trabajo en este Instagram. Foto: Sharon López.

Habéis elegido el diseño como tema para la entrevista. ¿Se podría decir que es vuestra segunda gran pasión después de la música?
Se podría decir… aunque creemos que ganaría la comida (risas).
¿Cómo nace este interés por el diseño?
Parte de la necesidad de materializar nuestro mundo. Ambos somos algo especiales con nuestras referencias. En una estantería podemos tener decoración de Doraemon, María Jiménez, un cenicero de Naranjito, un cartel de Philips de los 60’s, un botijo y un sinfín de cosas que no tienen sentido entre sí. Al final, creemos que nace de una forma muy espontánea, que nos acompaña a nuestra manera de vivir o ver las cosas.

Al igual que en la música, los años 60s y 70s se reflejan en vuestras ilustraciones. ¿De dónde viene esa indagación por las corrientes estéticas de esos años? ¿Qué es lo que más os llama la atención de aquella época?
Nos parece que son unos años en que la estética tuvo un valor muy fuerte en lo social. Muchas veces a nivel reivindicativo. Como por ejemplo, el famoso Swinging London, es muy interesante la forma en la que de unos patrones o una minifalda naciera una revolución cultural.

Si hubierais nacido en esos años, ¿qué nombre podría haber tenido el grupo?
Hubiéramos dejado el mismo nombre añadiendo «Los». Hace poco diseñamos nuestro merchan donde aparece ‘Los Morreo’. Quizás lo dejemos como nombre del grupo, ¡quién sabe!

¿Qué diseñadores o diseñadoras os han influido más en vuestra carrera?
Ufff… Nos cuesta elegir algunos nombres, ya que tenemos mil. Pero nos quedamos con estos tres: Stefan Sagmeister, Javier Aramburu y Mary Quant.

Tengo entendido que tenéis vuestro propio estudio de diseño musical. ¿A qué se dedica principalmente?
Exactamente, nuestro objetivo principal con Boo Studioo es devolver la importancia de la parte visual de la música. Ya sea una portada, un álbum o un festival.

¿Qué es lo que más os gusta a la hora de crear?
En nuestro caso, investigar al «cliente» que nos ha contactado. Venimos del mundo de la publicidad y ese mundo es bastante «gris», pero la música es muy diferente y te permite explorar y explotar un concepto al límite. También somos mucho del “craft digital”. De hacer o crear algo manual para luego llevarlo a digital y potenciarlo.

¿Cómo compagináis la agenda de Morreo con vuestro oficio de diseñadores?
En realidad compaginamos muchísimas cosas más. El truco para no volverte loco con tanta cantidad de curro es la organización. Nos gusta estructurarnos toda la carga y el tipo de trabajo que tenemos cada semana y nos lo repartimos como buen estudio de diseño que somos.

¿Por qué pensáis que un proyecto como Morreo o cualquier otro debe ir ligado a un diseño musical?
Creemos que es importantísimo para construir un disco, un proyecto o una marca. La música sin diseño no es nada. El panorama musical no para de lanzar estímulos gráficos continuamente y es ahí donde necesitas construir discursos visuales potentes para diferenciarte de otros artistas.

La música sin diseño no es nada

El pasado septiembre actuasteis en la primera edición del Festival Brillante, cuyas gráficas habéis creado. ¿Cómo fue la experiencia de estar por allí viendo vuestro propio trabajo?
¡Fue emocionante! Estamos acostumbrados a ver nuestros diseños por todas las plataformas de distribución musical, en rrss o incluso en cartelería por Gran Vía. Pero el momento de ver a todo un pueblo empapelado y equipado de tus diseños es algo muy fuerte.

Mola ver cómo una identidad forma parte de una experiencia en la que tienes que tener presentes muchos factores: El tiempo, la noche y el día, la visibilidad del público, la legibilidad…

¿Cómo veis a nivel laboral el mundo del diseño?
Sinceramente mucho mejor de como nos lo pintaban en la época que decidimos dedicarnos al mundo visual. Recordamos en la universidad que muchísimos profesores empezaban sus asignaturas diciendo que era todo una pérdida de tiempo, ya que no viviríamos jamás del diseño.

Muchos profesores decían que no viviríamos jamás del diseño

¿Qué tendencias de diseño os interesan actualmente u os parecen más vanguardistas?
Sin duda, el diseño japonés. Es el ejemplo perfecto de la técnica adaptada a los nuevos tiempos. Además, sin perder nunca el origen y la tradición. También estamos muy a tope con el diseño naturalista: el diseño en base a la naturaleza.

¿Qué consejos les daríais a aquellas personas interesadas por esta profesión pero que no se han decantado aún o que están empezando?
Que no tengan miedo a experimentar y a crear su propio mundo. El diseño y el arte no tienen límites. Está muy bien tener una buena base de formación en el campo, pero no es suficiente. Hay que ir mucho más allá…

Cat Power / Covers

Los discos de versiones han contribuido sobremanera a la supervivencia de Cat Power. Cuando se agobió por la buena aceptación de ‘Moon Pix’ en 1998, decidió entregar un ‘The Covers Record’ (2000) que su sello aceptó a regañadientes. Chan Marshall vino a decir que para ella era un proyecto importante que podía conectar con la audiencia. Hoy en día su versión de ‘Sea of Love’, un tema de 1959 del recientemente desaparecido Phil Phillips, ha resultado su canción más popular.

La jugada también fue importante en los tiempos de ‘Jukebox’ (2008). Cat Power pasó penurias económicas tras un disco tan seminal ‘The Greatest’ (2006), y aquellas revisiones de Liza Minnelli, Janis Joplin, Joni Mitchell y ella misma le insuflaron nueva vida mientras llegaba la línea editorial definitiva y la financiación para crear ‘Sun’ (2012), una joya de folk moderno. Este ‘Covers’ que se edita justo a una semana de que la artista cumpla 50 años, puede ser entendido por tanto como un disco de transición hacia otro álbum fundamental de temas propios, pero también como uno que puede dejar una de sus grabaciones que más «conecten con la audiencia». Al fin y al cabo se compone de temas que le han afectado especialmente desde su niñez hasta nuestros días.

Uno de los aciertos de ‘Covers’ es la recuperación de ‘It Wasn’t God Who Made Honky Tonk Angels’, el primer número 1 country del Billboard que cantó una mujer en solitario, Kitty Wells. Nos situamos en 1952 y el mensaje inequívoco es feminista («es una vergüenza que se nos eche la culpa a las mujeres (…) siempre que se ha roto un corazón, ha sido por culpa de un hombre»). A Cat Power esta canción la lleva a su adolescencia, cuando la descubrió rebuscando entre unas cintas perdidas. Aparece en un tramo final de álbum realmente cautivador, entre el piano amable de ‘Here Comes a Regular’ de The Replacements, que recuerda los días en que vivía sin dinero en Nueva York como veinteañera; o la preciosa ‘I’ll Be Seeing You’ de Billie Holiday, una de las canciones favoritas de su abuela.

‘Covers’ funciona muy bien como disco de grandes contrastes cuando, entre canciones acústicas como ‘These Days’ de Jackson Browne para Nico («no me confrontes con mis fallos / no los había olvidado»), salen temas más ligeros como «It Wasn’t God» o tremebundos como el ‘I Had a Dream Joe’ de la era ‘Henry’s Dream’ de Nick Cave, de tensión bíblica. ‘Endless Sea’ de Iggy Pop también aparece en esa segunda parte del disco porque salía en una película que a Cat Power le encanta, ‘Dogs In Space’, protagonizada por el cantante de INXS, mientras la primera parte del álbum está más bien dedicada a composiciones modernas.

Abre ‘Covers’ y será una de sus grabaciones más populares por razones evidentes una revisión de Frank Ocean, ‘Bad Religion’, de piano oscilante en captura de toda su desesperación sobre la existencia de Dios y la deriva del mundo («Nunca podríamos hacerles amar / estamos atascados en el barro / rezando al invisible de ahí arriba / toma las calles si puedes / simplemente supera a estos demonios, ¿podrás?»). Hay una versión de ‘White Mustang’ de su amiga Lana del Rey, y quizá la elección más llamativa es ‘Pa Pa Power’ de la banda de Ryan Gosling y Zach Shields Dead Man’s Bones, que se vinculó al movimiento Occupy Wall Street. Es el tema más pop del disco, con ese punteo tan crepuscular (y The xx).

Ni que decir tiene que estas canciones sirven para exorcizar demonios y por ello Cat Power ha vuelto a versionarse a sí misma. En ‘Covers’ transforma su tema de 2006 ‘Hate’ en ‘Unhate’ porque el original le parecía demasiado «ansioso»: ahora la frase «me odio a mí misma y me quiero morir» aparece escrita en pasado. Diría que «gracias a Dios» de no ser porque es uno de los sujetos más cuestionados de un disco en el que los dioses son más bien Nick Cave, The Pogues y Bob Seger, con una exquisita combinación de blues, folk, country y ocasionalmente trip-hop o funk en los bajos. Tiembla el mundo con el piano de ‘Against the Wind’, y se detiene para siempre cuando emerge el beat y la pandereta de la minimalista ‘A Pair of Brown Eyes’.

Nathy Peluso y Cariño, en un Coachella liderado por Kanye West «Ye», Harry Styles y Billie Eilish

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Coachella ha revelado su cartel 2022, que se desarrollará como es -o era- habitual entre dos fines de semana de abril, los que comienzan los días 15 y 22. El cartel está liderado por Kanye West con su nuevo nombre “Ye”, Billie Eilish y Harry Styles, que viene de despachar nada menos que 6 millones de copias de ‘Fine Line’. También hay un cuarto cabeza de cartel especial: el regreso definitivo de Swedish House Mafia.

Como venía sucediendo en los últimos tiempos, habrá artistas hispanohablantes y este año entre las elegidas están la omnipresente Nathy Peluso y Cariño, que ya habían sido confirmadas para una edición anterior que no pudo realizarse por la pandemia. También estarán por allí Anitta y Karol G, entre otros.

El cartel incluye a artistas pop de primera línea como Doja Cat, Megan Thee Stallion y Kim Petras; junto a artistas más underground pero igual de interesantes como Caribou, Caroline Polachek, The Avalanches, Orville Peck, Spiritualized, girl in red o Japanese Breakfast, entre otras decenas que puedes consultar bajo estas líneas. El evento, para el que se requiere pauta completa de vacunación o test negativo en covid-19 durante las 72 horas anteriores a los conciertos, podrá verse a través de Youtube.

Adiós a la carismática Ronnie Spector de las Ronettes

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La familia de Ronnie Spector informa de la muerte de la cantante a causa de un cáncer a los 78 años. «Nuestro querido ángel en la tierra, Ronnie, dejó hoy este mundo tras una breve batalla contra el cáncer. Pudo hacerlo en paz, acompañada por su familia y en brazos de su marido, Jonathan. Ronnie vivió la vida con brillo en los ojos, una actitud orgullosa, un sentido del humor genial y una sonrisa en la cara. Estaba llena de amor y gratitud», han dicho sus allegados, que han indicado que la cantante ha pedido a sus seguidores que en lugar de flores por su deceso, envíen «donativos a las casas de acogida para mujeres de tu ciudad o a la Fundación American Indian College», la cual facilita la educación de los nativos americanos.

Musicalmente, la nota de prensa recuerda «su sonido alegre, su naturaleza juguetona y su presencia mágica, que vivirán en todos los que la conocimos, escuchamos o vimos». Esta misma Navidad hemos visto volver a las listas algunos de los villancicos de las Ronettes, incluso en España, como ha sido el caso de ’Sleigh Ride’, a la postre el mayor hit del trío, que también consiguió por supuesto el éxito con la histórica ‘Be My Baby’, que fue número 2 en Estados Unidos y un éxito recordado durante décadas. Su redoble de batería ha sido tan imitado como icónica es la actuación vocal de la grabación.

Ronnie Spector, cuyo verdadero nombre era Veronica Bennett, fue fundadora del grupo junto a su hermana mayor Estelle Bennett (eran hijas de madre afroamericana y cherokee) y su prima Nedra Talley. Otras chicas cercanas a la banda llegaron a formar parte del proyecto sobre todo antes y después de su mayor momento de fama, anticipándose a las formaciones erráticas de Sugababes y Destiny’s Child, como otros girl-groups de los 60, pero la formación clásica que tanto influyó a gente como Amy Winehouse era la de Ronnie, Estelle y Nedra.

Primero conocidas como The Darling Sisters, en 1963 pasaron a llamarse The Ronettes bajo la producción de Phil Spector. En una época de singles de 7″ -sobre todo en su género musical-, firmaron un único álbum llamado ‘Presenting the Fabulous Ronettes Featuring Veronica’ cuya cara B se abría con ‘Be My Baby’. El disco ha aparecido en varias listas de lo mejor de todos los tiempos, y el grupo continuó en activo hasta 1967, cuando su popularidad había empezado a decaer, con una breve reunión en 1973, tras el divorcio de Ronnie y Phil y con otra formación siempre liderada por Ronnie. Entre sus otros hitos, la aparición de tres temas suyos en el mítico disco navideño ‘A Christmas Gift for You from Phil Spector’, donde se incluyó ‘Sleigh Ride’. Ronnie Spector también desarrolló una carrera en solitario, publicando 4 álbumes esparcidos entre 1980 y 2016, el último de los cuales recibió el título de ‘English Heart’.

Ronnie Spector nos deja un año después de su ex pareja Phil Spector, que falleció en prisión en 2021 cumpliendo condena por asesinato. Ronnie Spector, que había sufrido su maltrato, nos guió cuando muchos no sabíamos qué sentir ante la muerte de tan genial productor, pero monstruo en vida, recordando que igual que podía ser un demonio en la tierra, en el estudio se transformaba en un “ángel”.


Carmen Farala recuerda con amor el primer OT y llora con el último ‘Escondidos’

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Drage Race España‘ fue uno de los shows televisivos más divertidos del año pasado en una adaptación del formato de RuPaul que no decepcionó a nadie. La confirmación de que habrá una segunda temporada era una de las mejores noticias que podíamos recibir. La encantadora Killer Queen y la más pérfida Pupi Poisson estuvieron entre los grandes motivos, pero nuestra favorita desde el principio fue Carmen Farala, un dechado de elegancia y grandes ideas en cuanto vestuario y performance que brilló especialmente durante el lipsync de Rocío Durcal.

El mes pasado, cuando los clubs en Barcelona podían abrir (esperemos que vuelvan el 21 de enero), Carmen Farala estuvo entre los invitados más esperados de Razzmatazz. Gracias a la colaboración de la sala y a la espera de que pueda volver a abrir cuando las autoridades sanitarias así lo estimen, Carmen Farala es la flamante invitada de nuestro «Tipo Test», en el que habla de su música favorita.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Hay muchas canciones que sigo escuchando y jamás me canso de ellas, pero si hay una canción que me sé que jamas me cansaré de oír es ‘A puro dolor’ en cualquiera de sus versiones. Mi versión favorita es la del grupo Angelitos Negros. Es una canción que me lleva a mi adolescencia y me recuerda a la primera vez que me enamoré.

¿Y disco?
En cuanto a disco, creo que entre mis favoritos de mi vida está ‘Azul’ de Cristian Castro. Soy muy romántica a la hora de escuchar música en casa mientras coso o hago cosas y ese disco para mí tiene de las canciones más hermosas de amor que he escuchado nunca. Todo el disco es fabuloso. Y no quiero dejar de mencionar el discazo de Natalia ‘No soy un Ángel’. Para mí el mejor disco de un concursante de OT ever.


¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
Yo creo que como a media España, ‘Ateo’ de C Tangana y Nathy Peluso me ha tenido meses obsesionada. Soy muy de ritmos latinos y esta bachata sigue dando vueltas en mi cabeza aún.

¿Cuál es la que más te recuerda a tu paso por Drag Race?
Creo que es evidente, ¿no? (risas) ‘La gata bajo la lluvia’. Es oír los primeros acordes y viajar a ese momento. Es una canción que sé que me acompañará el resto de mi vida porque ella ha sido la banda sonora del cambio más importante de vida.

‘La gata bajo la lluvia’ ha sido la banda sonora del cambio más importante de vida

¿Cuántas veces has podido escucharla en el último año?
No tengo respuesta a esta pregunta… Sería incapaz de dar ni siquiera una cifra aproximada. Te diría que en un solo año puede ser la canción más escuchada de toda mi vida… y lo que me queda (risas).

Sobre tu paso por Razzmatazz, ¿cuál es la canción que más ilusión te hacía que sonara?
‘Don’t Go Yet’ de Camila Cabello está en mi lista de imprescindibles en la fiesta en estos momentos. Es un temazo que hace bailar a los muertos.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
La canción de ‘Linda’ de Rosalia y Tokischa… la ODIIIIOOOOO. No me preguntes por qué, pero la odio. Solo la he escuchado entera una vez cuando salió y no más, luego le he cogido manía de escucharla en Stories de instagram…

Alguna actuación vocal que adores.
Buuuuua… La actuación de Jessie J con el tema ‘My Heart Will Go On’ en un programa musical de celebrities coreano donde participó. Una actuación vocal sublime superando en mi opinión la versión original de la mismísima Céline Dion. Esta actuación sin duda estará en mi repertorio de lipsync.

Momento musical exacto de una canción que te dé la vida (o te dé mucha pena)
Te diría que la única actuación musical que me ha hecho llorar como un niño pequeño es la actuación memorable de David Bisbal y Chenoa en el concierto «reencuentro» de OT… esa actuación de ‘Escondidos’ quince años después, con todo el peso emocional que tenía detrás, la historia, el morbo de la situación… Todo. Para mí es uno de los momentos musicales que sin duda me han dado la vida y me la han quitado al mismo tiempo.



¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
No, nunca me he avergonzado de que me guste una canción, hay canciones muy, muy petardas que de lo malas que son, son buenísimas, y eso no es motivo de vergüenza (risas).

Un remix que te haya vuelto loca.
Sin duda mi remix favorito de la historia es el de ‘It’s Not Right but it’s Okay’ de Whitney Houston… ¿Hay algún remix más jodidamente maravilloso y marica?… Creo que NO (risas) lo amo.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál es tu formato favorito?
No, hace años que no compro música en formato físico, es más, no tengo ni reproductor de CD ahora. Toda la música que consumo es a través de mis dispositivos móviles.

¿Alguna compra que recuerdes con cariño de la era CD o nunca fuiste muy del formato físico?
¡Sí! Te sé decir cuál fue el primer CD que tuve entre mis manos, el cual escuché hasta literalmente dejarlo rayado (y más tarde volví a comprar) y fue el ‘Álbum’ de OT 1. Hasta entonces en casa no teníamos reproductor de CD y recuerdo que con apenas 11 años ahorré para comprar el CD aún antes de tener reproductor. Esa Navidad pedí de regalo una radio con reproductor CD para poder escucharlo. Aún hoy sigo conservándolo como oro en paño.