Emeli Sandé fue una artista superventas en el pasado, pues su debut ‘Our Version of Events‘ fue el disco más vendido de 2012 y 2013 en Reino Unido. Sin embargo, la repercusión de sus trabajos siguientes, ‘Long Live the Angels‘ y ‘Real Life‘ fue inferior a lo esperado y hoy Emeli es una artista independiente que trabaja con Chrysallis Records, sello que ha publicado discos como ‘Song for Our Daughter‘ de Laura Marling, ‘Soberish’ de Liz Phair o ‘Animal‘ de LUMP.
El primer lanzamiento de Emeli en este sello es ‘Family’, un nuevo single que «marca un nuevo comienzo» en su carrera. El tema, que Emeli ha grabado en su estudio casero, «es una oda a la perseverancia, a nacer de nuevo y a renovarse» y de renovarse va la cosa porque ‘Family’ no suena exactamente a lo que cualquiera esperaría de ella. Y no para bien.
El afrobeat diluido en pop de ‘Family’, que horrorizaría a Aluna pero no se puede decir que no esté de moda, es un buen punto de partida en papel, pero, en la canción, producida por Henri Davies, Emeli decide ahogar su voz en un mar de autotune que la deja completamente irreconocible (no es broma, hay momentos en que no suena a ella en absoluto). Esto no sería negativo per se si la melodía tuviera algo de chispa, pero no es el caso.
‘Family’ habla por supuesto de la felicidad que produce sentirse libre y empezar de nuevo en la vida. Emeli se «eleva del suelo» con una fuerza que la hace «atravesar el techo», pero la canción no desprende esta energía en absoluto. Vocalmente, Emeli intenta elevarla como puede pero la composición permanece agachada al suelo, incapaz de volar.
Liam Gallagher se ha roto la nariz tras caerse de un helicóptero y eso le ha obligado a suspender el espectáculo que tenía programado para este fin de semana en Belfast. El cantante lo ha confirmado a través de sus redes sociales hace poco más de dos horas. No había peor día para dar a conocer esta noticia, pues hoy cumple 49 años: «Absolutamente destripado por cancelar mi show en Belfast este fin de semana. Tuve un accidente después del festival de la OIA y me rompí la nariz, así que no puedo cantar. Los médicos me han dicho que descanse», ha escrito en Twitter.
El accidente tuvo lugar después de su actuación en la Isla de Wight. Gallagher se ha disculpado con sus fans, asegurando que «lo compensará» y que el espectáculo será reprogramado para el año que viene, concretamente para el día 24 de junio. El cambio de fecha no afecta en absoluto a las entradas que ya han sido compradas, todas siguen siendo válidas.
Como buena noticia, hay que decir que ‘Oasis Knebworth 1996’, el documental que captura los programas icónicos de la banda, se estrena en los cines a finales de esta semana. El director, Jake Scott dijo en ‘NME‘ que le encantaría ver a la banda reunida de nuevo, «sería maravilloso», si bien de momento parece improbable.
En una entrevista realizada por ‘NME‘, Amber Mark ha revelado algunos detalles de su próximo álbum, como los procesos de creación, los artistas que le han inspirado y la influencia de la pandemia a la hora de trabajar. Al parecer el álbum, que ahora se espera para este año, podría haber salido el año pasado, pero la COVID-19 no lo permitió.
En esta entrevista Mark tampoco ha sido muy específica sobre el título y la fecha oficial. Sí es cierto que ha ido dejando algunas miguitas de pan a lo largo de los meses en cuanto a su contenido. Empezó en abril de este año con ‘Worth It’, después siguió con ‘Competition‘ y finalmente con ‘Foreign Things’. Una de sus revelaciones a ‘NME’ tiene que ver con ese segundo single y con lo que ha explicado como «juegos de composición».
Según ha explicado, varias canciones de su debut empezaron como juegos de composición que aprendió en un campamento de escritura en Ojai (California) organizado por el compositor y productor Julian Bunetta, algo que en un primer momento puso a la cantante «muy nerviosa». Sin embargo, los nervios disminuyeron cuando se sumergió en el proceso de creación. Una noche incluso participó en un juego en el que tuvo que crear una canción en menos de 30 minutos con su equipo. «No fue hasta entonces que realmente me dejé llevar», explica Mark.
Amber también ha desvelado alguna de sus influencias a la hora de crear el álbum. Por ejemplo, una canción que escribió el año pasado, ‘What It Is’, se inspiró en los Bee Gees: «Pasé por una fase de Bee Gees realmente intensa el año pasado». También le han influido Sade, A Tribe Called Quest, Stevie Wonder, Earth, Wind & Fire y Prem Joshua, del que ha dicho lo siguiente: «Miro a Joshua en todo momento, en cualquier momento en que escribo (…). Realmente lo busqué en busca de inspiración».
A modo de resumen, con todas sus influencias, el disco ha sido organizado de tal manera que «cuente una historia de mi vida, y todas estas preguntas que comencé a hacerme», en palabras de Mark. El tracklist completo tampoco se conoce todavía, pero es más que probable que incluya los siguientes trabajos.
Este 20 de septiembre se han cumplido 10 años desde el lanzamiento de ‘Call Me Maybe’ de Carly Rae Jepsen. El primer single de ‘Kiss‘ vio la luz a las puertas de otoño de 2011, si bien su éxito se extendió en verdad a lo largo de todo 2012 después de que Justin Bieber tuiteara (el diciembre anterior) que ‘Call Me Maybe’ es «posiblemente la canción más pegadiza que he escuchado». A partir de ese momento se encadenaron sin cesar las parodias de ‘Call Me Maybe’ y su vídeo, convirtiendo ambos en uno de los fenómenos pop del año.
‘Call Me Maybe’, que habla sobre una chica que está enamorada de un chico que después se descubre que es gay, consiguió lo que ninguna otra canción o disco de Carly han conseguido después, conquistar al público generalista. Así describíamos la canción en la lista de mejores canciones de 2012: «Si ha habido una canción capaz de hacer sombra al (a la postre) insufrible Gotye este verano, esa ha sido la de esta canadiense, que se ha metido en el bolsillo hasta a los heteros más heteros del mundo, que han terminado haciendo cientos de parodias del vídeo (y del tema), algunas más saladas que otras. Canción tramposa y facilona donde las haya, pero también tan pegajosa que puedes cantarla como si no hubiera un mañana desde la escucha número uno».
Una década después, ‘Call Me Maybe’ sigue siendo el mayor éxito de Carly Rae Jepsen y probablemente lo será para siempre salvo milagro de última hora. La crítica especializada pudo haberse derretido con el pop sofisticado de ‘EMOTION’, uno de los discos clave del siglo XXI, pero, a pesar de que Carly ha demostrado ser una artista de álbumes comprometida y seria en los años posteriores al lanzamiento de ‘Call Me Maybe’, a ojos del gran público sigue siendo una «one-hit-wonder» y ‘Call Me Maybe’ es la canción de Carly que sigue en la imaginería popular.
¿Para bien o para mal? ‘Call Me Maybe’ ha existido siempre en esa ambivalencia entre ser una canción buena o mala dependiendo de a quién preguntes, como ‘Break My Stride‘ de Matthew Wilder o ‘Barbie Girl‘ de Aqua. Su sonido de pop barroco ultra sintético e infantiloide, plasmado en unas cuerdecillas que no pueden sonar más falsas y también en un videoclip donde Carly aparenta 18 años en lugar de los 25 que cuenta en ese momento, es decir, es muchísimo mayor de lo que sugiere la canción, lo cual ya resulta chocante de descubrir en su momento; conforman una grabación de la que Carly se ha querido distanciar a todas luces en sus dos álbumes posteriores y con razón. Puede ser pegadiza pero suena a música de niños.
Es esclarecedor que ‘Call Me Maybe’ provocase reacciones tan adversas ya en su momento. La canción está diseñada para ser insoportablemente pegadiza y, por lo tanto, el público la recibió con los brazos abiertos hasta que no pudo más con tanta glucosa concentrada. En 2021 sería de necios decir que es «mala»… ¿triunfaría tanto una «mala» canción cuya melodía recuerdas aunque no la hayas escuchado activamente en 10 años? Seguro que Rick Astley sabe algo de esto. Porque sí, ‘Call Me Maybe’ también es una canción-meme: no te la puedes tomar demasiado en serio pero a todo el mundo le gusta. Aunque la odie. Y eso en sí mismo es un éxito.
Billie Eilish actuó este fin de semana en el iHeartRadio Music Festival de Las Vegas, dando inicio a su gira ‘Happier than Ever, The World Tour’. Ha sido su primer espectáculo en un estadio desde el inicio de la pandemia, que interrumpió ‘Where Do We Go?’, la gira mundial que tenía programada.
‘Bury a Friend’ fue la primera canción en sonar sobre el escenario, uno de los temas estrella de su primer álbum ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘. «Ha pasado un año y medio. Hagamos esta mierda, divirtámonos. Va a ser increíble. Olvídate de todo lo que es una mierda en tu vida y diviértete, baila y salta, ¿de acuerdo?», gritó con su micrófono tras acabar de cantar.
Eilish eligió un outfit muy al estilo de Harley Quinn, un par de pequeñas coletitas, una camiseta bastante amplia, botas y envuelta en collares y anillos. Solo le faltaba llevar el pelo de dos colores. Para el set interpretó temas muy escuchados de ese primer álbum, ‘bad guy’, ‘you should see me in a crown’ o ‘my strange addiction’. Y en lo que respecta a su nuevo álbum, lo debutó con canciones como ‘I Didn’t Change My Number’, ‘NDA’, Lost Cause’ o ‘Your Power’.
Esto solo ha sido el comienzo pues, durante las próximas semanas, Billie Eilish actuará en varios festivales como Life Is Beautiful, Governors Ball, Austin City Limits y Firefly, que es su siguiente parada, el próximo 23 de septiembre . Y en junio del año que viene comenzará su ruta por el Reino Unido con Jessie Reyez, Jungle, Arlo Parks y Girl In Red como sus teloneros. Puedes consultar toda la información aquí.
La madrileña Caliza vuelve tras su disco ‘Mar de cristal’ estrenando hoy el primer adelanto del que será su nuevo largo este otoño, ‘El descenso’, que llegará aproximadamente en un par de meses. El disco, que ha sido grabado en casa y luego rematado en La Mina con Raúl Pérez, hablará principalmente del colapso del mundo a causa del cambio climático, y este primer adelanto, que recibe el nombre de ‘Abandona’, nos lo deja ver de manera clara. Es hoy nuestra «Canción del Día».
‘Abandona’, que llega hoy a las plataformas de streaming, propone que dejemos atrás aquello que «ambicionamos» o «nos impresiona» porque «no sirve de nada» y «total, se va a acabar». Según la nota de prensa de presentación, Caliza nos está invitando «a renunciar a las aspiraciones contemporáneas, haciendo alusión a las consecuencias devastadoras del cambio climático, que imposibilitarán un futuro parecido al presente que conocemos». La producción, tan cargada de un Autotune que de momento aún suena futurista, como de la melancolía habitual en las producciones electrónicas de Caliza, nos sugiere que hemos de olvidar el mundo tal y como lo conocíamos en pos de un futuro mejor.
Continúa la nota de prensa: «‘Abandona’ está inspirada en la Divina Comedia, en la que Dante y Virgilio entran en el infierno por una puerta con la célebre inscripción de “Abandonad toda esperanza los que entráis aquí”. De todos los puntos de no retorno que se están desencadenando con el cambio climático y la destrucción de los ecosistemas, el deshielo del permafrost simbolizaría el acontecimiento final y definitivo. Una voz celestial y onírica nos recuerda que las enseñanzas y reglas del pasado ya no sirven para sobrevivir en un mundo colapsado como consecuencia de los modos de producción y consumo de una parte de la población humana». De ahí la mención al hielo de la letra en esta producción de la propia Caliza, en la que cita como influencia a artistas de épocas tan diferentes como Cocteau Twins y Kelly Lee Owens.
JENESAISPOP estrena hoy el vídeo dirigido por Carlos Fernández-Pello, que fue el creador de la portada de ‘Mar de Cristal’, y también de la de ‘Ídolo’ de C. Tangana. Su trabajo suele girar en torno al objeto digital y a su intersección con el cuerpo, creando imágenes polisémicas que hablan «sobre la arquitectura, el amor, el humor o el tiempo no-lineal de la realidad contemporánea». Plásticos, pelucas y pájaros muertos situados en un entorno natural sirven al mensaje de la canción con una perspectiva muy particular.
Caliza actuará este viernes 24 de septiembre en el patio de La Casa de las Conchas de Salamanca, dentro del encuentro editorial Inclasificables, y el sábado 2 de octubre en Sputnik Vallecas en una fiesta de Extinction Rebellion.
Sarah Dash, cantante y fundadora de la girl group LaBelle, ha fallecido este lunes 20 de septiembre a la edad de 76 años. Su compañera de banda, Patti LaBelle, la ha recordado en un comunicado: «estuvimos juntas en el escenario el pasado sábado y fue un momento muy especial, estoy desolada y seguro que sus fans también, pero su espíritu y todo lo que ha dado al mundo continuarán viviendo».
Originaria de Nueva Jersey, Dash cantó música góspel de joven antes de unirse, a principios de los 60, a las Ordettes, que, tras varios cambios de formación y de sonido, a finales de la década se transformarían en LaBelle. El ahora trío compuesto también por Patti LaBelle y Nona Hendryx llamó la atención de la audiencia por no adaptarse a los cánones de las girl groups típicas de la época, al tratar sus canciones temas políticos, sociales y sexuales. ‘Lady Marmalade’ está protagonizado por una prostituta y fue un éxito internacional ya en la época, antes de ser versionadO con más éxito todavía por Christina Aguilera, P!nk, Mya y Lil’ Kim para la película ‘Moulin Rouge’ de 2001.
Cuando LaBelle se separaron a finales de los 70 debido a diferencias artísticas, sus integrantes emprendieron carreras en solitario. Dash grabó cuatro álbumes de estudio pero, sobre todo, prosperó como corista para multitud de artistas como Rolling Stones o Nile Rodgers. Con LaBelle se reunió en los 90 para grabar ‘Turn it Out’, que fue un éxito en las listas de dance, y en 2008 para grabar el que sería el último álbum de la banda, ‘Back to Now’.
Este verano, Monterrosa han comunicado su disolución tras un único álbum de estudio publicado, ‘Latencia‘; singles tan certeros como ‘Estoy aquí’, ‘Fauna’, ‘Me manipulaste’, ‘Calor’ o ‘1992’ y multitud de conciertos ofrecidos en todo el país. El dúo formado por Enrique Aparicio y Rocío Saiz ha destacado por su recuperación del tecnopop y el eurodance, su reivindicación de figuras tipo Massiel, Raphael o Camela y sus letras feministas y pro-LGBTQ+.
«Desde que coincidimos por primera vez cerca de un escenario, supimos que nuestros destinos estaban unidos», decía el comunicado. «Ambas entendemos la música como elemento generador de un espacio donde poder celebrar quiénes somos: es en la pista de baile donde uno se viste como quiere, se mueve como quiere y se relaciona con los demás como le nace».
El texto continuaba: «Monterrosa nació como un vehículo donde explorar las inquietudes creativas que desde siempre han rondado nuestras cabezas, usando como eje la creación artística más importante de la sociedad de capitalismo industrial avanzado: la canción pop. Juntas o por separado, todo lo que tocaremos lo impregnaremos con intereses y necesidades comunes: la reivindicación de la diferencia, el poder de lo lúdico, la celebración de los cuerpos y la apropiación de todo aquello que durante mucho tiempo sentimos la necesidad de ocultar o disimular».
Poco antes de que Monterrosa anunciaran su separación, Rocío Saiz publicó ‘Autocensura’, su primer single original en solitario (el primero de verdad era una versión de ‘Last Christmas’ de Wham!). Un tema de inspiración 100% new wave y ochentera que marcaba el camino camino hacia lo que ahora Primavera Labels ha confirmado, el lanzamiento de su debut en solitario, que verá la luz el próximo 15 de octubre, de momento sin que se conozcan título ni tracklist oficiales.
Sí ha llegado a las plataformas un nuevo single de Rocío Saíz que sigue en la estela de lo propuesto por Monterrosa, más que ‘Autocensura’. De título francamente genial, un poema en sí mismo, ‘Si mañana me muero, te habré dicho que te quiero’, el tema utiliza una base eurodance para hablarnos de la importancia de pasar tiempo con nuestros seres queridos. «Esta canción habla de ausencia», ha explicado la autora. «Nos pasamos la vida marcados por una ausencia disfrazada de rutina. Los vínculos emocionales son cada vez más débiles y menos comunes. Muchas tenemos miedo a vincularnos por miedo a que nos abandonen y a perder la poca, falsa y cero poética estabilidad que genera el capitalismo del siglo XXI».
De producción festiva y machacona pero melodía más bien melancólica, ‘Si mañana muero te habré dicho que te quiero’ «habla del miedo a la pérdida y de esa extraña sensación donde todxs somos inmortales», según la nota de prensa oficial. «Esas últimas palabras que compartes con alguien que ya no está son parte de la inspiración de Si mañana me muero, te habré dicho que te quiero, una segunda píldora pop que nos anima a bailar con el puño en alto y mucha purpurina junto a todas esas personas que queremos de verdad».
Con sus más y sus menos, ‘MONTERO’ de Lil Nas X será nuestro «Disco de la Semana» por su impacto mediático y social. El álbum arranca siendo un gran éxito en las plataformas de streaming, aunque según las primeras estimaciones no conseguirá el número 1 del Billboard 200, quedando por detrás de ‘Certified Lover Boy’ de Drake.
La principal razón son las bajas ventas del álbum. El disco ha triunfado en las plataformas de streaming hasta alcanzar el equivalente a vender 140.000 copias solo dentro de Estados Unidos, pero solo se han vendido 17.000 unidades de manera digital, lo que parece que no será suficiente para superar a Drake. El álbum no ha salido en soporte físico, como es habitual en los últimos tiempos, como bien saben Drake o Kanye West.
En Reino Unido, ‘MONTER0’ sí es número 1 en las «midweeks» pero con tan poca diferencia sobre el resto del top 5 que cualquier cosa podría pasar de aquí al viernes. Es especialmente una amenaza Drake, que ahora mismo está en el puesto 4, pero suele subir durante la semana debido al streaming, ya que su álbum suma hasta 21 pistas de éxito.
No obstante, Lil Nas X puede presumir de haber situado 14 de las 15 pistas de su disco (todas menos un interludio de 24 segundos, que no cuenta) en el global de Spotify, entre los 75 primeros puestos; y en los 35 primeros puestos en Estados Unidos. Así fueron sus datos del primer día de publicación, el pasado viernes: Spotify Global:
#02 (=) INDUSTRY BABY / 8.808.346 streams
#03 (NE) That’s What I Want / 5.208.116 streams
#04 (+9) MONTERO (Call Me By Your Name) / 5.152.721 streams
#16 (NE) SCOOP (feat. Doja Cat) / 3.006.333 streams
#25 (NE) Dead Right Now / 2.498.363 streams
#26 (NE) Dolla Sign Slime (feat. Megan Thee Stallion) / 2.495.936 streams
#32 (NE) One Of Me (feat. Elton John) / 2.195.151 streams
#39 (RE) Sun Goes Down / 1.990.190 streams
#40 (NE) Lost In The Citadel / 1.986.093 streams
#41 (NE) Tales Of Dominica / 1.959.544 streams
#46 (NE) Am I Dreaming (feat. Miley Cyrus) / 1.779.436 streams
#56 (NE) Don’t Want It / 1.659.563 streams
#62 (NE) Void / 1.556.520 streams
#71 (NE) Life After Salem / 1.433.812 streams Spotify USA:
#01 (+3) INDUSTRY BABY / 2.492.612 streams
#02 (NE) That’s What I Want / 1.896.424 streams
#06 (+14) MONTERO (Call Me By Your Name) / 1.563.365 streams
#07 (NE) SCOOP (feat. Doja Cat) / 1.396.342 streams
#09 (NE) Dolla Sign Slime (feat. Megan Thee Stallion) / 1.242.089 streams
#11 (NE) Dead Right Now / 1.183.514 streams
#13 (NE) One Of Me (feat. Elton John) / 1.041.162 streams
#17 (NE) Lost In The Citadel / 954.235 streams
#19 (NE) Tales Of Dominica / 923.575 streams
#21 (RE) Sun Goes Down / 896.391 streams
#26 (NE) Am I Dreaming (feat. Miley Cyrus) / 803.306 streams
#27 (NE) Don’t Want It / 790.756 streams
#30 (NE) Void / 753.300 streams
#32 (NE) Life After Salem / 692.196 streams
En los seis años que han pasado desde que José González publicara su último disco han ocurrido muchas cosas. En lo personal ha sido padre y, en lo general, el auge de la extrema derecha ha colocado en importantes posiciones de poder a gente como Donald Trump o Jair Bolsonaro. En la calle los discursos de odio también han aumentado, como se está viendo estos días aunque algunas personas opten por ignorarlos. Ah, y ha habido una pandemia, casi lo olvidaba (no).
La música de José González permanece inalterada por las presiones de la vida y, en ‘Local Valley’, ofrece un cálido y reconfortante refugio en el que cobijar unas letras que abogan por la unidad de los seres humanos frente a sus diferencias. El título de ‘Valle Local’ hace referencia a la Tierra para expresar que esta no es más que una mota de polvo dentro de la inmensidad del universo y esta humildad impregna todas las canciones del disco desde que ‘El invento‘, la primera pista, reflexiona sobre «lo extraño de simplemente ser».
En ‘El invento’, José González canta por primera vez en español (él es sueco de origen argentino) para cuestionarse la existencia misma. Es una de esas canciones bonitas, nada ambiciosas en apariencia, que tan bien se le da hacer a González, una más que digna adición a su cancionero. Es, a su vez, representativa de un disco en el que la guitarra acústica vuelve a ser el eje central para admitir pinceladas de la música africana o caribeña. Las canciones son modestas pero siempre aparecen bien vestidas.
La ambición de ‘Valle Local’ vuelve a ubicarse en dos puntos: por un lado en sus intrincadas melodías de guitarra y, por el otro, en los mensajes que expresan las canciones. En ‘Valle Local’, la segunda canción en español del disco, la carnalidad de la guitarra amenaza con comerse una letra que filosofa sobre uno de los peores patrones de conducta humanos: «nos quedamos trabados en un valle local, señalando al grupo evitamos cambiar». Y ‘Horizons’ presenta una reflexión que suena especialmente relevante hoy: «¿quiénes somos nosotros para pretender que sabemos cosas que no sabemos?» Nicki, ¿estás prestando atención?
Muchísimo más sutil es la música de ‘Local Valley’ incluso cuando se acerca a lo bailable, como ‘Head On’ (de base rítmica de palmas) o ‘Lilla G’, donde González experimenta con los cánticos tradicionales africanos y una base programada. ‘Swing’ recoge influencias de la música afrocaribeña, pero su espíritu se mantiene firmemente tranquilo y sereno aunque su letra te anime a «mover el ritmo dentro de ti». Todo suena hecho con un gusto exquisito, desde los coros de ‘Visions’, buena canción con la que González ha intentado escribir su propio ‘Imagine’ sin obtener una melodía igual de universal; hasta los chasquidos de ‘Lasso In’ pasando por la nueva versión de ‘Line of Fire’ de Junip.
Con ‘Local Valley’ se nota que González no ha querido hacer un disco que dejara huella en los duros tiempos que vive la humanidad. Estos han quedado reflejados en los textos de manera más o menos vaga pero, en lo estrictamente musical, el autor que se diera a conocer con su versión de ‘Heartbeat’ de The Knife se ha conformado con que su nueva música dé un poquito de calor, que tampoco está mal.
‘Smile’ de Katy Perry acaba de cumplir 1 año. Fue un disco decepcionante tanto en lo comercial como en lo artístico, pero contenía algunas buenas canciones, como fue el caso de ‘Never Really Over’ o ‘Harleys in Hawaii’. Esta última, que nadie tiene muy claro si en su momento fue un single o no, pues tuvo su vídeo, pero no fue enviada a las radios, se ha viralizado durante todo este mes de septiembre, sin alcanzar aún cumbre clara.
Los seguidores de Katy Perry notaron que sus streamings empezaron a dispararse hace un par de semanas, hasta alcanzar las 500.000 reproducciones actuales diarias, algo que no lograba desde su lanzamiento a finales de 2019. Entonces el tema se quedó en el puesto 45 de Reino Unido y no entró en el Billboard Hot 100. Ahora no es que vaya a conseguirlo sin el apoyo de las radios ni de las playlists millonarias de Spotify, pero sus seguidores animan a la cantante a que aproveche el resurgimiento para interpretarla en algún programa o relanzarla de alguna manera.
Mientras en UK Mix apuntan a que el leve resurgimiento del tema se debe a TikTok, ninguna playlist de hits ha decidido readmitir el tema en su seno. Actualmente es la playlist Weekend Hangouts, con 1 millón de suscriptores, el mayor apoyo de ‘Harleys In Hawaii’, que ya se ha convertido en el tema más escuchado de Katy Perry este mes en su perfil de Spotify, de manera bastante orgánica. En la actualidad suma 113 millones de streamings en Spotify, nada mal para un «buzz single» de un largo que «flopeó».
stream Harley’s In Hawaii to feel like you’re on an all expenses paid vacation
Nueva cosecha de Flores en el Estiércol, perlas recopiladas en los últimos estertores de agosto mezcladas con la urgencia de una nueva “vueltaalcole”. Como siempre, procuro buscar un equilibrio entre nombres que van de vuelta y otros que apenas están comenzando sus caminos, con visos de un gran futuro. Entre los primeros, destacamos a Manic Street Preachers, que acaban de publicar su decimotercer largo. Un ‘The Ultra Vivid Scene’ que destaca por haber sido compuesto íntegramente al piano, con resultados sorprendentes: su rock se mueve entre la épica y el pop de ABBA (descartemos el oportunismo, pues dudo que supieran del regreso de los suecos). Y su mejor muestra es una ‘The Secret He Had Missed’, con Julia Cumming (Sunflower Bean) como atinado contrapunto femenino, que es fácilmente su mejor single en muchos, muchos años. Y si hablamos de grandes nombres del pasado aún en activo, la palma se la llevan The Stranglers: camino de su 50º aniversario como banda, acaban de lanzar ‘Dark Matters’, disco número 20 con Jean Jacques Burnel como único miembro original, tras las pérdidas de Jet Black (retirado) y Dave Greenfield (fallecido por COVID-19).
En el campo de las noveles, destacamos ‘Vida mía <3’, nuevo miniálbum de Dulce y Agraz, alias de la chilena Daniela González. Un disco en el que traduce a maneras contemporáneas, con más de fuente de inspiración que nostalgia, palos en la tradición pasional y sensual como el bolero. Algo parecido a lo que viene haciendo su coetánea Silvana Estrada. Tras un tiempo semidesaparecida después de su explosión de un par de años atrás, la joven mexicana reaparece con una ‘Marchita’ de exuberantes arreglos (cortesía de Gustavo Guerrero, colaborador de Natalia Lafourcade entre otras) que la alinea con las grandes voces del folclore latinoamericano. Sus compatriotas CLUBZ, en cambio, continúan en ‘Estadio estudio’ en su línea de sonidos sintéticos herederos de los 70 y 80, traducidos al lenguaje del pop contemporáneo.
Junto a los álbumes antes citados, en las últimas semanas hemos comenzado a disfrutar de nuevos trabajos tan interesantes como ‘Love Will Be Reborn’ de Martha Wainwright, ‘K Bay’ de Matthew E. White, ‘Saturday Night, Sunday Morning’ de Jake Bugg, History of a Feeling’ de Madi Diaz, ‘Untourable Album’ de Men I Trust (sardónico pero literal título para el cuarto disco del trío canadiense de softpop) u ‘OnlyL’ de TSHA (jovencísima productora británica, una gran promesa), además de dos de los trallazos rock de la temporada: ‘Glow On’ de Turnstile y ‘Comfort to Me’ de los australianos Amyl and The Sniffers. Y, en el panorama español, nos quedamos con los debuts del power trío mallorquín PELIGRO!, ‘Coronas y lamentos’, y Buenatarde (proyecto personal de Mané López, que militó en la última formación de Hazte Lapón), ‘La extrema belleza’, además de un ’N.S.C.A.L.H.’ de El Petit de Cal Eril, recién llegado de fábrica y cuyos adelantos nos tenían enganchados de antemano. Aunque de todos estos, ninguno sorprende tanto como ‘De película’, que plasma la insólita alianza del dúo de retrorock The Limiñanas con la electrónica de su compatriota Laurent Garnier. ‘Qué calor!’, con Edi Pistolas (de los chilenos afincados en Francia Pánico!) como maestro de ceremonias, es su mejor muestra, un vívido retrato de una persona de fiesta durante días.
La selección de este mes de Flores en el Estiércol se completa con adelantos de próximos trabajos de Parquet Courts (poseídos por los Primal Scream de los 90), Joy Crookes (su debut ‘skin’, a la venta el 15 de octubre, tiene una pinta espectacular para los huérfanos de Amy Winehouse), Porches, Amber Mark, Andy Shauf, Niña Polaca (‘Asumiré la muerte de Mufasa’, primer disco del grupo afincado en Madrid, promete mucho gracias a himnos como ‘Nora’), Kevin Abstract (el solista más brillante de BROCKHAMPTON parece a punto de dar continuidad a ‘Arizona Baby’), Bedouine, The Zephyr Bones, Miles Kane, bigott o Nightmares On Max. Por supuesto, no faltan nuevos nombres de los que estar muy pendientes en el futuro, como la francesa MUNYA (no confundir con el trío MUNA), las británicas Matilda Mann y Zuzu (la primera, ha dado el salto multinacional tras una etapa indie; justo al revés que la segunda) o el asturiano Santiago La Barca, mitad del dúo Autoescuela, imbuido aquí por la discografía del primer Dylan. Ni tampoco curiosidades de nombres consagrados del panorama alternativo: Future Island se sacan de la manga la preciosa ‘Peach’ como regalo a los fans que podrán verles en su primer tour norteamericano en muchos meses, mientras que Tennis publican oficialmente una ‘Borrowed Time’ que ha sonado en la última temporada de la tan destructiva como hilarante serie de animación ‘Rick y Morty’. Una alianza que seguramente pocos verían venir.
Tori Amos ha anunciado el lanzamiento de su nuevo disco para el próximo mes de octubre. La propia artista ha dado a conocer la noticia hace un par de horas a través de sus redes sociales. «Estoy muy feliz de haceros saber que mi nuevo álbum ‘Ocean To Ocean’ saldrá el 29 de octubre», ha escrito en su perfil de Instagram.
Amos ha señalado que escribió este disco en Cornwall durante «el tercer encierro del Reino Unido». Este será su primer álbum desde ‘Native Invader‘ en el año 2017. La cantante también ha explicado el significado de este nuevo trabajo discográfico: «Este es un disco sobre la pérdida y cómo afrontarla. Afortunadamente, cuando has vivido lo suficiente, puedes reconocer que no te sientes como la madre que quieres ser, la esposa que quieres ser, la artista que quieres ser».
«Me di cuenta de que para cambiar esto, tienes que escribir desde el lugar donde estás. Estaba en mi propio infierno privado, así que me dije a mí mismo, entonces es desde donde escribes, lo has hecho antes…», añade. Parece que el confinamiento y la pandemia en general han tenido gran influencia en la artista a la hora de crear. Por el momento no hay ningún adelanto oficial y tampoco se conoce el tracklist completo.
Y recuerda que su gira por Europa y el Reino Unido comienza en marzo del año que viene, puedes consultar fechas en su post de Instagram y comprar tus entradas aquí.
Lorena Álvarez ha estrenado el videoclip de ‘La nube’, desde el principio una de las canciones destacadas de su disco ‘Colección de canciones sencillas‘, publicado hace ya más de dos años. Con el vídeo de ‘La nube’ Lorena Álvarez cierra la etapa de «Canciones» y anuncia que su nuevo disco verá luz en otoño. De momento, la cantautora asturiana seguirá presentando ‘Colección de canciones sencillas’ el 7 de octubre en el NUSA Festival de Valencia junto a Tulsa, y el 23 de octubre en el Múseo do Pobo de Santiago de Compostela, en el marco del Festival Soa Bonaval.
Hoy la Canción Del Día, ‘La nube’ es el tema de empezó a dar forma a ‘Colección de canciones sencillas’ y está inspirado en la abuela de la artista. «Cuando era muy mayor y murió mi abuelo se vino a vivir con mi familia», contó Lorena a JENESAISPOP en agosto de 2019. «Ella no dibujaba ni nada, pero un día le dije que me regalara un dibujo y me dijo: «yo no sé dibujar». Un día de sorpresa con mi madre me regaló un dibujo en el que salía yo. Mi abuela murió, y es un dibujo que siempre llevo conmigo. En esos trazos veo a mi abuela, más que en cualquier foto».
La artista continúa: «Cuando estaba con este disco, como no tenía dinero para grabarlo, tenía muchísimas dudas, y un día me quedé mirando este dibujo y fue una revelación: no necesito dinero sino tocar mis canciones, que es lo que yo sé hacer. Para qué contar con un productor si yo sé producir. Para qué músicos para tocar, si yo sé tocar. La letra me vino como un rayo y decidí grabar el disco en casa y como pudiera. Ha sido una decisión importante porque es algo que siempre lo he puesto en valor, lo sabía de sobra y ese dibujo me lo recordó».
En ‘La nube’ Lorena expone esta misma historia desde un punto de vista cotidiano pero poético. «Y con este sencillo dibujo que lleva colgado en mi pared tanto tiempo me hizo abrir los ojos y entender lo que yo no entendía», canta antes de preguntarse «¿cómo pudo ella verme así, cuando ni ni yo lo veía? ¿y por qué llega hasta mi, en el día de hoy, tanta sabiduría?»
Al final de ‘La nube’ Lorena se cuestiona «¿cómo puede el amor de una persona viajar por el tiempo y el espacio y atravesarte el corazón de esta manera?», y eso es lo que hace la artista en el vídeo de ‘La nube’, viajar poe el tiempo y el espacio subida en su pequeña nube, pasando por bosques y desiertos hasta volver a casa y convertir en luz lo que antes era sombra.
‘Good Ones‘, el tema que Charli XCX publicó a principios de mes y es lo más votado de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva, se ha quedado fuera del top 40 británico, según The UK Singles Chart. La canción fue lanzada el pasado 2 de septiembre y ha estado en lista dos semanas de momento, alcanzando el top 44 como mayor posición. Sin embargo, actualmente se encuentra en el puesto 75 de una lista lidera en este momento por Ed Sheeran y su recién estrenado ‘Shivers’.
Sin embargo, no todo son malas noticias para la cantante, puesto que se sitúa dentro del top 10 en el puesto número 7 con su colaboración con Joel Corry y Jax Jones, ‘Out Out’. Está un puesto por debajo de ‘Fair Trade’, de Drake y Travis Scott, pero por encima de otros artistas como Lil Nas X o The Kid Laroi y Justin Bieber. El tema ha llegado a ser número 6 y está perfectamente asentado en el top 10, por lo que está consolidado como uno de los éxitos del final del verano.
‘Out Out’ se estrenó el 13 de agosto de este año. Con las voces de Charli XCX y la rapera Saweetie, el tema samplea ‘Alors on danse’, original de Stromae, del que Corry afirmó ser «un gran fan» y que por ello quería «darle un giro divertido para el verano de 2021». Joel ha llegado a ser top 1 en UK con ‘Heart and Heart’, su colaboración con MNEK.
Los premios Emmy regresaron anoche en su 73º edición en un acto presencial por primera vez desde el año 2019, época a.C., antes de coronavirus. Una gala en la que varias plataformas en streaming reafirmaron su liderazgo, Netflix, Apple TV+ y HBO en especial.
Empezando por Netflix, ‘The Crown‘, con un total de diez nominaciones, consiguió llevarse siete premios, mejor serie dramática, mejor actor principal de drama (Josh O’Connor), mejor actriz principal de drama (Olivia Colman), mejor actor secundario de drama (Tobias Menzies), mejor actriz secundaria de drama (Gillian Anderson), mejor guion en drama (Peter Morgan) y mejor dirección en drama (Jessica Hobbs). La mejor miniserie también ha sido para Netflix, desplazando a ‘Mare of Easttown‘ y a la aclamada ‘WandaVision’, la serie ganadora fue ‘Gambito de dama’. Serie que también obtuvo la mejor dirección en miniserie para Scott Frank. Ewan McGregor consiguió el mejor actor principal de miniserie por ‘Halston’.
La otra gran triunfadora, HBO. ‘Mare of Easttown’ se hizo con los galardones de mejor actriz principal de miniserie, mejor actor secundario de miniserie y mejor actriz secundaria de miniserie para Kate Winslet, Evan Peters y Julianne Nicholson, respectivamente. ‘Hacks’, de HBO Max, también tuvo bastante repercusión, logrando el premio a mejor actriz principal de comedia (Jean Smart), mejor guión en comedia (Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky) y mejor dirección en comedia (Lucia Aniello). La plataforma también se hizo con el mejor guion en miniserie (Michaela Coel por ‘Podría destruirle’) y con el mejor talk show con ‘Last Week Tonight with John Oliver’ y con la mejor actriz principal de comedia, Jean Smart por ‘Hacks’
Y en lo que respecta a la plataforma Apple TV+, su comedia ‘Ted Lasso’ fue la ganadora de la mejor serie de comedia, valga la redundancia. Dentro de su elenco, Jason Sudeikis, Brett Goldstein y Hannah Waddingham lograron los galardones de mejor actor principal de comedia, mejor actor secundario de comedia y mejor actriz secundaria de comedia, respectivamente.
A pesar de haberse convertido en uno de los mayores atractivos del Universo de Marvel, la miniserie ‘WandaVison’ o ‘Bruja Escarlata y Visión’, protagonizada por Elizabeth Olsen (Wanda) y Paul Bettany (Visión) no logró hacerse con ninguna de sus numerosas nominaciones, entre ellas, mejor miniserie, mejor actriz principal en miniserie y mejor actor principal en miniserie.
También hay que destacar al resto de ganadores en las siguientes categorías:
Mejor serie de animación: ‘Primal’ (Adult Swim).
Mejor especial de variedades (pregrabado): ‘Hamilton’ (Disney+).
Mejor especial de variedades (en directo): ‘Stephen Colbert’s Election Night 2020: Democracy’s Last Stand Building Back America Great Again Better 2020’.
Mejor reality concurso: ‘RuPaul’s Drag Race’ (VH1).
Tras exprimir las posibilidades estéticas y culturales del concepto barrio-lumpen-españolismo en sus clips para ‘El mal querer’, Rosalía se adentra ahora en los sórdidos y animados callejones de Santo Domingo. Y lo hace de la mano (y la cintura) de la rapera dominicana Tokischa.
El comienzo de ‘Linda’ no puede ser más elocuente sobre este gusto por la estilización de la pobreza, la marginalidad y la escatología: un plano convenientemente desenfocado de un váter, donde poner el culo equivale a compartir 300 jeringuillas con hepatitis B. La aparición de un pequeño altar en la tapa de la cisterna funciona como contrapunto visual y simbólico, añadiendo un toque excéntrico -¿blasfemo?- de religiosidad caribeña.
Tras esa introducción, vemos a las dos cantantes compartiendo bailes y arrumacos en una sudorosa celebración del hedonismo suburbano, la amistad femenina (en su acepción más integradora) y el perreo callejero (y clandestino) bajo la lluvia. Todo ello salpicado con unas estilizadas gotas de orgullo favelero y chirimiri lesbian chic.
La música ecologista es música futurista, al menos, según Bomba Estéreo. No les falta razón. En un contexto en el que el cambio climático ya ha dejado de ser una cosa que llegará tarde o temprano para ser una realidad del presente, el futuro de la civilización pasa necesariamente por hibridarse más si cabe con la naturaleza. Las ciudades necesitan menos, muchísimos menos coches, muchísima menos contaminación, más bicicletas, más árboles, más verde en general. ‘Deja’ defiende el cuidado del medioambiente sin que eso implique abandonar la ciudad y transmite su mensaje a través de dos vías que se fusionan en una, el folclor y la electrónica.
Llama la atención que Bomba Estéreo hayan titulado su nuevo disco con una palabra aparentemente tan inane como ‘Deja’. Al fin y al cabo, ‘Deja’ es prácticamente un disco conceptual sobre la necesidad de proteger al planeta que Li Saumet y Simón Mejía han dividido en cuatro secciones marcadas por los cuatro elementos presentes en la naturaleza: el agua, el aire, la tierra y el fuego. Sin embargo, ‘Deja’ apuesta por un mensaje más universal que político en el que las letras sobre todo nos invitan a dejarnos llevar, a vivir en el momento, y de esto hablan algunas de las canciones destacadas del disco, como la titular: “deja que llorar que no puedes más porque sí puedes / deja de vivir en esta soledad que esta en tu mente”.
La idea de que el ser humano debe recuperar la conexión con el mundo natural no es nueva en el mundo del pop, pero Bomba Estéreo encuentran maneras vibrantes de explorarla en el disco. Cuentan que ‘Deja’ versa sobre “la conexión y la desconexión de los humanos con el planeta, con uno mismo”, y “sobre lo conectados que estamos los seres humanos a los aparatos tecnológicos y a las cosas virtuales y lo mucho que ignoramos las cosas reales”. En la animada ‘Como lo pedí’ cantan que “cuando te olvidas de perder vuelves a ganar”, en la evocadora ‘Se acabó’ manifiestan el final de su tristeza y en el afrobeat de ‘Conexión total’ apuestan por el encuentro físico por encima del digital.
La fusión de folclore y electrónica tampoco es nueva, ni siquiera en la carrera de Bomba Estéreo, pero ‘Deja’ presenta un equilibrio interesante de sonidos tradicionales y mimados paisajes electrónicos que, en ocasiones, incorporan sonidos de ríos y pájaros, aprovechando que el dúo grabó el álbum en la Sierra Nevada de Santa Marta junto a su grupo de músicos. La cohesión de ‘Deja’ es tal que, en la secuencia, conviven el mellerengue de ‘Agua’, en la que Li Saumet interpreta a una Madre Tierra a la que le “corre agua por las venas”; con el estupendo dance-rock de ‘Deja’, los ritmos carnavalescos y cánticos afro-colombianos de ‘Tamborero’ o la densa cumbia de ‘Tierra’, interpretada por un planeta que advierte de su inminente extinción. Las nuevas canciones de Bomba Estéreo anteponen el mensaje y la coherencia a la búsqueda de un hit inmediato, lo cual convierte ‘Deja’ en un álbum mucho mejor que ‘Ayo’ y que suena pensado desde el principio hasta el final.
Aún así no hay que subestimar el poder de un disco como ‘Deja’. Bomba Estéreo han tomado la mejor decisión posible relajándose de las presiones de la industria y optando por regresar a la raíz y, de esta manera, les ha salido una serie de canciones en las que llevan su discurso sonoro más allá sin caer en lo mismo de siempre y sin traicionarse a sí mismos. Musical y emocionalmente esconden matices nuevos. ’Agua’ no puede sonar más vulnerable y desafiante al mismo tiempo cuando la protagonista de la grabación, la misma Madre Tierra, pasa de expresar “déjame sola, no me toques” a “cuídame, lo siento”; ‘Deja’ y ‘Se acabó’ logran transmitir con mucha fuerza la necesidad de seguir adelante a pesar de los problemas y el dúo tampoco se olvida de divertir con los ritmos caribeños de ‘Como lo pedí’ o ‘Soledad’, en las que insisten en la necesidad de vivir en el presente.
‘Deja’ se cierra con ‘Mamo Manuel Nieves’, una grabación en la que el líder espiritual defiende la importancia de combatir el cambio climático y de cuidar la naturaleza. Llegados a este punto da la sensación de que Bomba Estéreo se han ganado concluir el álbum con un mensaje tan explícito. No es que ‘Deja’ no sea explícito en ciertos puntos, pero su mensaje es inspirador, nunca aleccionador, y la música tampoco subestima al oyente en absoluto. Bomba Estéreo sabían que este es el disco que sus seguidores querían de ellos y han cumplido.
Nacho Cano ha contestado a la polémica suscitada por el teatro que levantará en el distrito madrileño de Hortaleza. Con Europa Press, Cano ha hablado sobre la construcción, su amistad con Isabel Díaz Ayuso o la importancia de ofrecer cultura a la ciudadanía y se ha dirigido directamente a Mónica García para retarle a escribir una canción para que descubra que es «más difícil que escribir un tuit». La portavoz de Más Madrid había declarado que «la pirámide de Nacho Cano demuestra que en Madrid no hay nada mejor que ser amigo del PP para conseguir favores y chanchullos».
En la breve charla, Cano confirma que el teatro no tendrá forma de pirámide, al contrario de lo que informó en exclusiva El Periódico de Hortaleza, que compartió imágenes con recreaciones del edificio; sino que «va a ser una estructura de carpa». Cano explica que, durante la pandemia, el precio del acero aumentó y que la idea original de la pirámide finalmente no ha podido llevarse a cabo debido a su elevado coste.
El co-fundador de Mecano defiende su apoyo a Isabel Díaz Ayuso y tilda de «manipulación» la idea de que ha recibido el solar por compartir una amistad con la presidenta de la Comunidad de Madrid, si bien no desarrolla este argumento. Además asegura que se le está usando de chivo expiatorio para «arremeter» contra Ayuso y que a los artistas no se les permite «salirse del pensamiento habitual». El artista lamenta que se le critique por inclinarse ideológicamente hacia la derecha cuando Mecano fue un grupo tan progresista que escribió una canción como ‘Fallo positivo’, que denunciaba el acoso hacia las personas homosexuales que padecían sida durante los 80.
Cano insiste en su rol de proveedor de cultura, señalando en la entrevista que «yo tengo 165 puestos de trabajo directos y 500 indirectos», a lo que añade que «el movimiento del turismo» que visite el teatro hará a su vez que «suban los negocios» de alrededor. El músico defiende, como ya hizo en su momento, la gestión de Ayuso de la pandemia porque «mantuvo los teatros abiertos, hizo hospitales y conservó la esencia de la ciudad» y señala que si «lo hubiera hecho Podemos también les habría apoyado». En el vídeo indica que varios de los miembros de su equipo votan a Más Madrid e incluso invita a uno de ellos a entrar en plano.
Puede que Kacey Musgraves no haya sido capaz de igualar o superar la calidad de su anterior disco, ‘Golden Hour‘, con ‘star-crossed‘, su nuevo álbum recién publicado. Quizá era demasiado difícil. Sin embargo, ‘star-crossed’ contiene una serie de canciones tan bien compuestas como cualquiera espera de Kacey, como ‘good wife’ o ‘if this was a movie’, llenas de melodías sublimes que solo pueden ser escuchadas en bucle y letras sabias sobre la vida que marcarse a fuego en el cerebro.
Vuelve a no ser demasiado country este ‘star-crossed’ donde manda un folk-pop de guitarras amable que admite influencias del pop de cantautor, el indie-pop o el «pop blanco» tipo Dido. ‘keep lookin’ up’ es la única pista de ‘star-crossed’ que encajaría en los dos primeros disco de Kacey, pues es country en un sentido bastante puro del término, y también es la joya perdida de este nuevo trabajo de la cantautora tejana, pues no es de las que el público más está escuchando.
El sonido country apacible de ‘keep lookin’ up’ es el mismo explorado por Kacey en cortes como ‘Merry Go ‘Round’ o ‘Silver Lining’. Sin embargo, ‘keep lookin’ up’ presenta un fondo ligeramente más abatido en lo musical, como si se le hubiera posado una nube gris encima, y a pesar de que la letra propone todo lo contrario: «mantén la cabeza alta, no dejes que el mundo te derribe, mantén la cabeza en las nubes y los pies en el suelo» es el mensaje que Kacey deja en esta canción, aprendido de su padre.
El secreto de ‘keep lookin’ up’ se encuentra en su aparente sencillez. Nada nuevo bajo el sol cuando se habla de Kacey Musgraves, pero la artista hace gala de una gran sutileza especialmente en esta composición donde un simple «keep lookin’ up» sostenido en el estribillo se convierte en uno de los momentos más adictivos de todo el disco. La canción es un paseíto en el mejor de los sentidos.
En el nuevo episodio de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, Sebas y Claudio de JENESAISPOP debaten sobre el decepcionante ‘DONDA’, el esperado disco de Kanye West que no ha cumplido las expectativas para la crítica musical. Acude como invitada la periodista y compañera en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid Eva F. Cortés. Algunos de los temas tratados son:
-Por qué ‘DONDA’ ha resultado tan decepcionante: qué podría haber sido pero no termina de ser. ¿Realmente es un álbum sobre la madre de Kanye?
-El significado de llamar a colaborar a personas canceladas como DaBaby, Marilyn Manson y Chris Brown (que aparece para cantar «gracias por tu misericordia, haz de mí un hombre nuevo»).
-Las presentaciones de ‘DONDA’ en las «listening parties» y la presencia de Kim Kardashian tras su divorcio de Kanye.
-La competencia con Drake y el éxito comercial del disco.
-La bipolaridad de Kanye West y la relación de su enfermedad con su obra.
-Kanye West como «artista 360».
-Las grandes obras maestras de Kanye y las más infravaloradas. ¿Cuándo fue la última vez que realmente nos sorprendió en lo artístico?
-La presentación de Kanye a las elecciones presidenciales de Estados Unidos y otras meadas fuera del tiesto.
-Os recordamos que ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ y ‘Yeezus’ aparecen en el libro autoeditado por JENESAISPOP ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘.
The Vaccines han querido hacer algo diferente en su quinto disco, el primero desde ‘Combat Sports‘. En su cabeza, se han ido a grabar a El Paso para trabajar en un álbum que querían que sonara a Texas, inspirado por Ennio Morricone, y con un concepto en mente: «Love City» es una ciudad imaginaria sita en el futuro distópico que nos han mostrado obras como ‘Blade Runner’ y ‘Cowboy Beebop’. En mente tenían escenarios de Las Vegas y los hoteles del amor de Tokio. Lo que percibimos, en cambio, es un álbum kitsch y estridente, en el que caben hasta mariachis y castañuelas, en el que parece rellenarse con mucho volumen y muro de sonido los huecos vacíos de escritura.
Todo empezó cuando escribieron en Los Ángeles el tema ahora llamado ‘El Paso’, un apañado medio tiempo, junto al productor Daniel Ledinski, conocido por su trabajo junto a Tove Lo, TV On the Radio y Rihanna. Las historias que Daniel les contó sobre los estudios llamados Sonic Ranch sedujeron a The Vaccines, que se encontraban en El Paso de camino a dar un concierto en Juárez (México). Todo salió tan bien que 6 meses después estaban todos allí para trabajar en un disco que ya habían decidido que tenía que sonar a «indie-rock a lo Morricone» desde antes de poner un pie allí.
La elegancia y el misterio del desaparecido autor de bandas sonoras no se termina de encontrar en ‘Back In Love City’, que prefiere aproximarse a los territorios disco de Raffaella Carrà (el tema titular e inicial), desde luego sin la sobriedad de ‘AM’ de Arctic Monkeys, en un confuso terreno entre el humor voluntario e involuntario. En un tema canta Justin Young que «para exorcizar sus demonios, los lleva al gimnasio». ‘Bandit’ nos hace pensar instantáneamente en Azúcar Moreno porque su letra, nada 2021, no dista tanto de «tus ojos, bandida, robaron con cuento». Lo mismo ‘Paranormal Romance’ se arrima a los territorios de Fleet Foxes, que ‘Heart Land’, un sentido homenaje a América con citas a las «hamburguesas», «Spider-Man» y muchas «bandas favoritas», te hace suspirar por su melodía por los Blur de ‘Coffee & TV’.
Era una manera muy gratuita de complicarse la vida, pues The Vaccines, lo mejor que siguen haciendo, es entregar cañonazos como los de su debut. ‘Jump Off the Top’, 100% Ramones, es uno de los pocos aciertos decididos del álbum. El resto es complicado, entre guitarras stoner y tarantinescas (‘Wanderlust’), cánticos western (‘Paranormal Romance’), cajas de ritmo (‘Jump Off the Top’), arreglos bigger than life y letras que apelan a Hércules y a Conan (de nuevo ‘Paranormal Romance’), y a documentales de niños en China (‘People’s Republic of Desire’). ¿Más es más? Si querían hacer algo diferente, la vía del olvidado ‘Melody Calling’, aquel gran maxi suelto que sacaron en 2013, continúa abierta. En un mundo en el que tanto se habla de «vacunas» y de rock por la vía de Måneskin, The Vaccines tenían que haber aprovechado la coyuntura muchísimo mejor.
Después de haberse alejado del terror con la franquicia ‘Fast and Furious’ y más tarde con ‘Aquaman’, James Wan –que entre ambas dirigió la segunda parte de ‘Expediente Warren’- regresa a su género predilecto con un guion original en el que una mujer que sufre visiones de horribles asesinatos se da cuenta de que no son producto de su imaginación sino una realidad espeluznante.
Wan se deja influir por las atmósferas juguetonas y violentas propias del giallo y de los thrillers de Brian De Palma, pero su admiración por ellas nunca se traslada a la pantalla con la pasión adecuada. El director, que normalmente imprime en todas sus películas su estilo personal aquí parece estar continuamente buscando una manera de hacer que la propuesta se sostenga por algún lado, renunciando a cualquier solidez narrativa o visual. Desde el principio sorprende por su desganada puesta en escena, que simplemente utiliza la violencia como un recurso para camuflar su falta de ideas a través de la búsqueda del impacto fácil y vacuo en lugar de recurrir a ella para construir algo interesante.
La película resulta durante la mayor parte de su metraje un pastiche aburrido y confuso que no decide hacia donde ir hasta prácticamente el último acto, donde se presenta como un ejercicio de cine de género desatado que pretende ser tan alocado y sangriento como divertido, pero que a lo que más se acerca es al despropósito, traspasando sobradamente la línea de la vergüenza ajena en múltiples ocasiones. El cine de Wan, en sus mejores momentos (‘Expediente Warren’, ‘Saw’), consigue atrapar al espectador gracias a su inteligencia detrás de las cámaras, pero en sus peores (‘Dead Silence’), esa habilidad parece irreconocible. ‘Maligno’ claramente entra en el segundo grupo, tratándose de una de sus obras menos inspiradas.
Llama especialmente la atención su deslucido apartado visual, cuya fotografía destaca por su falta de personalidad e ideas, más propia de un telefilm de bajo presupuesto que de una producción de sus características. Además, el argumento es un completo disparate, cuya lógica interna brilla por su ausencia, y se entrega sin ningún pudor al puro efectismo en pos de una presunta espectacularidad que nunca se materializa en ningún aspecto. Y es particularmente frustrante ver cómo esa indecisión sobre qué es lo que realmente su director quiere contar afecta también a cada uno de los intérpretes, que se muestran perdidos y sin absolutamente nada a lo que agarrarse que evite que caigan en la sobreactuación.
Puede que en el corazón de ‘Maligno’ se encuentre una película que valga la pena, pero es prácticamente imposible verla entre tanto caos narrativo y tantas promesas efímeras que no llegan a nada. Wan ha creado una película que, aunque los apasionados del cine de terror se empeñen en bancar como relevante, es realmente difícil de defender.
Entre el anuncio de su compromiso, la desactivación de su cuenta de Instagram y toda la repercusión del movimiento #FreeBritney que se ha alargado un año, 2021 parece de repente 1999. O 2007. Otro día más, Britney Spears es uno de los temas más comentados de las últimas horas en España pero, esta vez, la culpa no la tiene ella (o su padre).
Este jueves, la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, ha visitado la Universidad CEU San Pablo para ofrecer una charla a sus estudiantes y ha sido recibida entre ovaciones, vítores y gritos de «¡Viva Ayuso! ¡Viva España!» por una masa de pupilos que la esperaba como si fuera Jesucristo. O Michael Jackson. O Britney Spears, porque Isabel ha declarado precisamente sentirse como la princesa del pop a su llegada a la Aula Magna. «Parezco Britney Spears, se ha liado una aquí en la puerta», ha dicho, lozana.
El comentario tiene todo el sentido del mundo: rara vez una dirigente política provoca este fervor entre las masas, sobre todo porque estamos en 2021 y no en 1939, pero, si ya hemos analizado en profundidad los motivos por los que Isabel Díaz Ayuso ha tratado de venderse como un icono pop, mientras luego «mejora las leyes LGTB+» (sic) de Madrid con Rocío Monasterio de VOX, solo faltaba que ella misma se comparara con uno, como ha sucedido.
Eso sí, la noticia tiene trampa porque la Universidad CEU San Pablo es católica y privada. Como ha dicho Cristina Pardo en Más vale tarde, Ayuso estaba en «campo amigo», aunque tampoco ha obviado la realidad de que la presidenta es «bastante aclamada» en general. Podríamos comernos la cabeza intentando encontrar similitudes entre Britney Spears e Isabel Díaz Ayuso -Dios nos libre- pero si el tema está dando que hablar es por lo «atrevido» de la comparación. Y no porque Britney sea un icono gay y Isabel quiera «descolectivizar» a la comunidad. En última instancia, Britney es admirada por bastante más gente la que cabe en el centro que ha visitado Ayuso. Digamos que es más universal. Ahora bien, a ambas les une su afán por perseguir la «libertad» a su manera.
Esta fue la palabra favorita de Ayuso durante su última campaña electoral y sigue siendo la gran meta de Britney, ahora mismo atrapada en el vídeo de ‘Lucky‘ hasta nuevo aviso. Aunque, para cada una de ellas, probablemente la libertad signifique algo muy distinto…
Que Ayuso dice que le han recibido en la universidad privada de Madrid como si fuera Britney Spears? Y luego dicen que mi Britney es la loca. pic.twitter.com/r6wIE4ZoMc
