Hoy se publica ‘Alianza Atlántica’, un nuevo EP de Los Pilotos, el proyecto paralelo de dos miembros de Los Planetas, Banin y Florent. Es la primera parte de una trilogía que se edita en su propio sello Vigilad los Cielos. La principal novedad es la incorporación de voces, en colaboración con reconocidos artistas de América Latina como Javiera Mena, Camilo Lara de Instituto Mexicano del Sonido, Mariana Montenegro de Dënver y Diosque.
Si las canciones de Los Pilotos se habían caracterizado por evocar un paisaje más cósmico, la canción con Javiera Mena, ‘Nubes de fuego’, permanece fiel a eso pero muestra una faceta mucho más pop de este dúo que, más que a su trabajo con Fangoria en ‘Cuatricromía‘, remite, por melodía, muy claramente a Los Planetas. No a los de ‘Una semana en el motor del autobús’, pero sí a los de ‘Una ópera egipcia‘, y más concretamente a los que colaboran con La Bien Querida: esto no es una sevillana, pero sí como una mezcla entre ‘La veleta’ -o ‘9.6’-, ‘Espíritu olímpico’ y ‘De viaje’, por supuesto también con la impronta de Mena.
Javiera Mena, por su parte, justo acaba de anunciar nuevo disco. Sale el 27 de abril de mano de Sony Music, mientras que el nuevo sencillo y videoclip ‘Intuición’ serán estrenados el próximo 23 de marzo en todas las plataformas digitales. La canción cuenta con la participación de Li Saumet de la banda colombiana Bomba Estéreo. Se desconoce si esta es la colaboración con Alizzz (C. Tangana) que ha grabado.
Elastic Band, el proyecto de Pablo Román de Cecilia Ann y María Sánchez, dio mucho que hablar en 2008 con la edición de su primer disco, ‘Boogie Beach Days‘, un regalo para los fans del pop británico de finales de los 60 que, con su punto psicodélico y “collage”, sonaba como una versión modernizada de la Velvet y Les Baxter.
El dúo publicó un estupendo disco más synth-pop, pero fiel a su sonido, en 2011, ‘MooD‘, en el que destacaban temas tan certeros como ‘Giving Advice’ o ‘Not There’. Han tenido que pasar 7 años para que Román y Sánchez publiquen un nuevo disco, que ya está en las plataformas de streaming. ‘Fun Fun Fun’ reconecta al dúo con las conjuras cocteleras y alucinadas de su primer disco, y el primer single es un ‘Brand New Thing’ gracias al cual entenderás al instante la portada del disco, y cuyo vídeo estrenamos en JENESAISPOP.
Gracias a su melodía popera, tan 60s, sus prominentes guitarras acústicas, sus vientos y sobre todo a su extraño arreglo de sintetizador airoso y envolvente, ‘Brand New Thing’ recuerda en menos de 3 minutos cuánto molaba que Elastic Band sonaran como si The Strokes hicieran música para ‘El guaeteque’ de Peter Sellers. Dirigido por Joan Bosch, El vídeo presenta a dos jóvenes viviendo la sencillez de su amor, aunque tiene un punto turbio y psicodélico, más acorde imposible con el sonido de esta pegadiza canción.
Putochinomaricón ha terminado en el pop pese a que su carrera estaba encaminada a ser violinista primero y arquitecte después. Primer invitado de una nueva sección de JENESAISPOP llamada «Meister of the Week» auspiciada por Jägermusic, en la que varios artistas hablarán de algunas de sus pasiones ocultas, Chenta Tsai ha escogido hablar de su cantante favorita, Charli XCX, aunque primero nos situamos. Foto: Javier Ruiz.
¿Cómo fue tu carrera en el Conservatorio?
Como migrante no me sentía incorporadx en el tejido social, urbano, porque era hombre. Seré cis y tendré privilegios, pero no encontraba mi lugar. En el Conservatorio sí que encontré el camino. Terminé a los 21 años, me licencié y descubrí que no me interesaba tanto interpretar como crear. Tampoco me interesaba la poca interacción con la sociedad, vivíamos en una burbuja interpretando Tchaikovsky, pero no teníamos ni idea de lo que pasaba fuera, por eso me metí en el pop. También era una forma de revancha contra una profesora de Filosofía y Estética de la Música, que decía que el pop no era música, ni el rap tampoco. Pues mira, ¡revancha!
Después hiciste Arquitectura, te hacía más en Humanidades. ¿Cómo fue esa carrera? ¿Es tan gris como me la imagino o para nada?
¡Ay! Yo creo que es cada vez más colorida. Existen agentes, arquitectxs que la están transformando. Pero cuando yo entré era infumable. Andrés Jaque trata mucho los temas de disidencia. Tiene un proyecto sobre cómo se construye un tejido urbano a través de aplicaciones de ligue como Grindr, Tinder, etcétera. VenidaDevenida estudia los espacios disidentes de voyeurismo, cruising… Tac Arquitectes, Bollería Industrial… Hay muchos colectivos reinterpretando el discurso de la arquitectura, siempre ha sido construir, y ahora se está viendo que no solo es construir. Hay un estudio que se llama N’undo y su manifiesto ha creado un antes y un después. Hablan de no construir, desmantelar… es un discurso muy potente. No creen en la construcción y es el futuro. Para crear espacios no hay que construir más, porque ya hay suficientes espacios vacíos. Hay desahucios todos los días. Hay que replantear las políticas detrás de las construcciones. Por eso esta gente está replanteando desde lo teórico y lo ideológico en lugar de construir megalomanías que pagamos todxs.
¿Por qué has escogido hablar de Charli XCX en esta sección, en vez de hablarnos de Arquitectura o algo relacionado con el Conservatorio, o de teoría queer?
Porque le amo, para mí es la referente de cómo escribir música pop. Era un capricho. Podría haber hablado de Chrysallis, que es de niños trans, pero realmente era un poco capricho. Junto a Grimes, Rina Sawayama y Alma, Charli XCX está cambiando el panorama y el sonido del pop. También porque es una mujer artista racializada «kicking some serious ass».
Ella tampoco parece muy activista, como tu canción…
Bueno, su discurso sí que es feminista.
«Charli XCX ha hecho arte híper presente y actual en un contexto en el que lxs artistas estaban obsesionados y esculpían sus sonidos basándose puramente en la nostalgia»
¿Cómo y cuándo la descubriste?
Descubrí a Charli XCX en un feed de tumblr. Recuerdo que la primera canción que escuché fue «Poison», ‘So Far Away’, de su segunda mixtape. Me llamó muchísimo la atención su capacidad para hacer arte híper presente y actual en un contexto temporal en el que lxs artistas estaban obsesionados y esculpían sus sonidos basándose puramente en la nostalgia.
¿Cuál es el dato sobre su vida o sobre su música o sobre sus letras más sorprendente que conoces?
Que trabaje sus sonidos según códigos de colores. Cada mixtape / EP / LP lo escribe basándose en un color específico. En ‘True Romance’ trabajó con sonidos morados, violetas y glitter; en ‘Sucker’, con rojos y rosa chicle pop.
¿Cuál es tu Charli favorita, la oscura de ‘True Romance’, la más pop de ‘Sucker’ o la post-PC Music?
Me encantan todas sus fases. Pero estoy obsesionado con la Charli de ‘Sucker’, con su sonido The Donnas y su estética «I don’t give a fuck» y «The Craft» de mujer popular de instituto. ‘Break the Rules’ es mi canción favorita. Es la canción que más he escuchado en mi vida, junto a ‘Wannabe’ y ‘Oblivion’ de Grimes.
¿Has fantaseado con una colaboración con ella? ¿Y cómo te la imaginas?
DUH, me moriría si colaborásemos juntxs. No sé cómo sonaría eso, creo que lo escucho extremadamente ‘Fancy 2.0’, producido por A.G Cook pero pop punk a lo Lillix y pirateado.
¿Qué opinas del concepto de mixtape? Ella ya lleva un par, muy interesantes. Para alguna gente pueden estar pasando desapercibidas, pero para otra es como el formato del futuro, ¿no?
Me encanta el formato. Es una forma muy orgánica de sacar canciones. Cuando Charli sacó la mixtape ‘POP 2’ explicaba cómo estaba disgustada por la gestión de ciertas discográficas para publicar un álbum, que en ocasiones retrasa y congela el proceso de poder sacar las canciones a la luz.
¿Crees que las canciones melódicamente están siempre a la altura de las producciones en su discografía? ¿Alguna decepción?
Siempre. En una entrevista, Charli XCX habla sobre la evolución de la melodía desde su primer disco hasta ‘POP 2’. La diferencia era que en las primeras canciones se entendía la melodía de manera tradicional pop mientras que las melodías de ‘POP 2’ son más percusivas y menos “sentarse frente al piano y escribir una melodía a lo Max Martin”.
Charli ha cancelado en España en un par de ocasiones, en el FIB y un dj set en el OchoyMedio porque ‘I Love It’ era top 1 en UK, ¿te ha salpicado alguna de estas cancelaciones? ¿Ibas a ir?
No puedo hablar mal de la diosa del pop.
«Todxs estamos en un momento crítico de transición en cuanto a los directos»
Sí ha llegado a actuar en Dcode, por ejemplo, estuvo muy bien, muy divertido, salvo quizá un exceso de pregrabados. ¿Qué opinas del uso de pregrabados en directo a día de hoy? ¿Guay porque todo el mundo lo hace o algunos cantantes se están confiando demasiado?
Soy pro-pregrabados. Charli XCX canta bien, ya nos lo demostró. Además su sonido es cada vez más difícil de adaptar al directo tras la colaboración y la producción de miembrxs de PC Music en sus últimas canciones. Poder emular las voces de PC Music es complicado y creo que todxs estamos en un momento crítico de transición en cuanto a los directos. Además, su formato hace homenaje a sus tiempos como ravera, cuando empleaba esfuerzos en animar al público y no tanto en cantar afinado.
¿Algo más que añadir?
Charli XCX, si me escuchas, estás demasiado underrated, como alguna vez ya has dicho por twitter. Te admiro y aspiro ser como tú.
Una diva pop tiene contrastes: suele despertar amores y odios, suele convertirse en un icono feminista y LGBT a la vez que recibe una gran carga de machismo diario (incluso desde sus propios fans, esto daría para largo). Los profesores le decían a Aitana en Operación Triunfo que tenía potencial para ocupar un nicho existente en el panorama español mainstream: el de la diva pop joven… y es que este puesto no está muy claro, y Ruth Lorenzo es de las pocas a las que podríamos encajar ahí. No en vano, cuando, precisamente en una gala de ‘OT’, presentó ‘Good Girls Don’t Lie’, “diva” fue uno de los calificativos más usados para su entregada actuación. Y, en ese sentido, este mítico gif se puede usar para hablar de ‘Loveaholic’ porque, al contrario que ‘Planeta Azul‘, éste sí es un “disco de diva”, como adelantaba el primer single. Para lo bueno y para lo malo. Porque si te ponen nervioso los excesos vocales de diva desgañitándose, ‘Loveaholic’ no te va a gustar: de eso aquí hay mucho. Pero si te gusta esa intensidad, el álbum te va a encantar. Hay reacciones muy cruzadas con este trabajo de la murciana: he leído que es una maravilla inaudita en el pop comercial español, y he leído que es un espanto lleno de berridos e imitaciones. En mi opinión, ‘Loveaholic’, con producción de la propia Ruth junto a Red Triangle (Charlie Puth, The Struts, Little Mix), se encuentra en un punto medio.
Precisamente eso de las “imitaciones” está siendo una de los principales críticas de sus detractores, si no la principal, y no solo por el “Loveaholic on the brain” que mencionaba mi compañero Jordi. Así, es comprensible acordarse del ‘Kiss’ de Prince en ‘Freaks’, de Imagine Dragons en ‘Bodies’, de Massive Attack en el comienzo de ‘Bring Back The New’ (y de ‘Out of the Woods’ en el estribillo de ésta), de los inicios de Shakira en ‘Moscas muertas’, de la Luz de ‘Un año de amor’ en ‘Amanecer’ e incluso hay un deje Lana del Rey en los momentos más suaves de un tema llamado curiosamente ‘Ride’. La autora de ‘Gigantes’ toca muchos palos y se acerca a muchísimos artistas de éxito actualmente, pero detrás de todos estos referentes se esconde un disco que en sus letras es más personal de lo que puede parecer, describiendo las formas muchas veces insanas que tiene la murciana de experimentar el amor, cómo está relacionado esto con su personalidad y qué ha moldeado ésta (‘The First Man’ es la más clara en esto último).
El álbum guarda, además de ‘Good Girls Don’t Lie’, otro as en la manga: ‘Spanish Guitar’. Sí, el título no trae buenos augurios y sí, el “hasta que me vuelva loca” es 100% la voz de Shakira, pero acaba siendo un temazo contra todo pronóstico. Otros posibles singles serían la sensual ‘Bodies’, o la intimista ‘Moscas muertas’… con un final épico muy poco intimista. Y es que, si bien la intensidad no queda mal, y se entiende especialmente en cortes como la eurovisionesca ‘My Last Song’, hay canciones que serían aún mejores si mantuviesen el minimalismo, como esta ‘Moscas muertas’ o ‘Ride’. En este sentido funciona muy bien cuando la intensidad se acota en la colaboración con Jeff Beck ‘Another Day’ (con reminiscencias del ‘Wise Up’ de Aimee Mann que sonaba en la maravillosa ‘Magnolia’).
Uno de los nombres que más me ha venido a la cabeza escuchando los distintos cortes ha sido el de Anastacia: ambas tienen un vozarrón y tiran mucho de él, y ambas se desenvuelven bien tanto en pop como en rock. Esta capacidad todoterreno se muestra en un álbum que funciona como un currículum, como la presentación de esa actriz 360 que buscaba Paquita Salas. Pero hay algo negativo tras eso de “este disco podría haberlo sacado una diva pop internacional” que se está diciendo y es precisamente ese “una”: la personalidad de Ruth, aunque presente, se difumina en muchos momentos de este trabajo. Por resumir: ¿Es ‘Loveaholic’ mejor que ‘Planeta Azul’? Sí (muchísimo mejor). ¿Es ese “gran disco” que Ruth Lorenzo puede entregar? No… pero, y esto es importante, sirve como mensaje de que no es una fantasía pensar que puede estar cerca de entregarlo.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Good Girls Don’t Lie’, ‘Spanish Guitar’, ‘Another Day’, ‘Moscas muertas’, ‘Loveaholic’ Te gustará si te gusta: Anastacia, la primera Shakira, Mónica Naranjo, Imagine Dragons, Christina Aguilera Escúchalo: Spotify
Drake es en estos momentos el rey del pop en Estados Unidos, con un ‘God’s Plan’ bastante planito que, sin embargo, sigue instalado en el número 1 del Billboard Hot 100 desde hace 7 semanas. ¿Será gracias a su polémico vídeo? El rapero de Toronto, en todo caso, es insaciable, y ya está calentando motores para un próximo lanzamiento. Se trata de un single titulado ‘Showin’ Off’ y que, según se hacen eco diversos medios, podría incluir una colaboración-bomba: nada más y nada menos que Lauryn Hill.
El asunto se ha destapado después de que, hace unos días, alguien subiera la canción a Soundcloud. Se retiró rápidamente y, pese a que algunos fragmentos han continuado apareciendo esporádicamente, ya no queda rastro en las redes, lo cual indicaría que no se trata de un bulo. Quienes lo han escuchado aseguran que suena la voz de la ex-Fugees… porque contiene un sample de ‘Ex Factor’, una de las grandes canciones del enorme ‘The Miseducation of Lauryn Hill’, que cumple 20 años precisamente ahora. Para más certeza, el propio hijo de Hill, Joshua Omaru Marley, cometió la torpeza de mostrar otro fragmento de la canción en un vídeo de Snapchat que titulaba “Drake x Mamá. Nadie más que yo tiene esto”. No sería, en todo caso, la primera vez que colaboran puesto que, además de ‘Draft Day’ (construida sobre un sample del hit ‘Doo Wop (That Thing)’), han actuado juntos en alguna ocasión.
Drake ya ha confirmado que está trabajando en un nuevo álbum, que sucedería al disco/mixtape que lanzó el pasado año, ‘More Time’. Por su parte, Lauryn Hill sigue sin mostrar el más mínimo atisbo de que vaya a publicar nueva música en algún momento, 2 décadas después de su debut. Eso sí, esta semana ha sido confirmada como cabeza de cartel del festival que Pitchfork organiza en Chicago. Algo de esperanza queda.
Radio 3 y La Casa Encendida celebran una nueva edición de La Radio Encendida, la mítica fiesta gratuita y de cola kilométrica que se celebra en el mencionado espacio cultural de Madrid. Son 11 horas de música en directo que supondrá el 16º aniversario de esta fiesta de la música. El evento será este domingo 18 de marzo, de 12:00 a 23:00 horas y se podrá seguir también a través en Radio 3 y desde las 18:30 a través del videostreaming de la web de la emisora. La entrada es libre, previa recogida de invitaciones en la misma Casa Encendida.
Por los escenarios pasarán, entre otros grupos, La Pegatina, Aurora & The Betrayers, Joana Serrat, Ricardo Lezón, Texxcoco, Varry Brava, Dreyma, The Grooves, Los Nastys, Sidecars, Soledad Vélez, Rodrigo Cuevas, The Limboos, Tulsa, Soleá Morente y Napoleón Solo, Iseo & Dodosound, North State, Ioan Gamboa, Digital 21&Stefan Olsdal, Niños Mutantes, La Habitación Roja e Izal.
Los horarios del patio son los siguientes:
12.00 La Pegatina, Aurora & The Betrayers
14.00 Texxcoco, Varry Brava
16.00 Los Nastys, Sidecars
18.30 Tulsa, Soleá Morente y Napoleón Solo, Iseo & Dodosound
21.30 Niños Mutantes, La Habitación Roja, Izal
Y estos los horarios del Auditorio:
13.00 Cintia Lund, Joana Serrat
15.00 Dreyma, The Grooves
17.00 Soledad Vélez, Rodrigo Cuevas, The Limboos
20.00 North State, Ioan Gamboa, Digital 21 & Stefan Olsdal
Cuando se anunció que Paramount había vuelto a vender una película de ciencia ficción a Netflix, las imágenes de la horrorosa ‘The Cloverfield Paradox’ regresaron a mi cabeza como el reflujo de un salmorejo de bote. Otra vez la plataforma online sacándole la basura a Hollywood. Sin embargo, ‘Aniquilación’ no olía a podrido: una adaptación del best seller de Jeff VanderMeer (publicado por Destino), protagonizada por Natalie Portman y dirigida por Alex Garland, el estupendo guionista de ‘Nunca me abandones’ o ‘28 días después’, que debutó hace tres años con ‘Ex Machina’. Algo no cuadraba.
En realidad, como explican en The Atlantic, la decisión de Paramount no tiene nada que ver con la calidad de ‘Aniquilación’, sino con su potencial comercial. Después de varias pruebas de visionado, la película fue tildada por uno de los productores como “demasiado intelectual y complicada”. La compañía no estaba dispuesta a distribuirla si el director no cambiaba el final y hacía un nuevo montaje que pudiera entender hasta El Rubius. Garland y uno de los coproductores se negaron. A diferencia de la solución habitual, dar la patada al director y encargar un nuevo montaje, Paramount optó por una decisión intermedia: distribuir la película en Estados Unidos pero dejar que Netflix la explotara internacionalmente en su plataforma. Y así ha sido. ‘Aniquilación’ se estrenó en los cines estadounidenses hace tres semanas. A pesar de su escaso “potencial comercial”, sigue estando entre las diez más vistas y ya ha recaudado más de la mitad de lo que ha costado.
Así las cosas, que Netflix acabe siendo el refugio del cine de Hollywood “demasiado intelectual y complicado” tiene una lectura positiva y otra negativa. La positiva es que este tipo de producciones, con presupuestos generosos y ambiciones artísticas un poco por encima de la media, van a seguir existiendo y llegar a todo el mundo (y en versión original, que escasea fuera de las grandes ciudades). Lo negativo es que van a desaparecer de los cines. En el caso de un dramón intimista o una comedia basada en la brillantez de sus diálogos, quizás esto no sea tan grave. Pero en una película como ‘Aniquilación’, pensada para verla y oírla en una buena sala de cine, da un poco de pena.
Aunque eso sí, lo que realmente da pena es leer que a un ejecutivo de Hollywood esta película le ha parecido “demasiado complicada”. ¿Qué le parecerá entonces Kubrick o Tarkovski, por poner dos ejemplos de autores de ciencia ficción “complicados”? Para hacernos una idea, ‘Aniquilación’ estaría en la línea de películas como ‘La llegada’, la mencionada ‘Ex Machina’ o ‘Solaris’, la estupenda versión mainstream que realizó Steven Soderbergh de la novela de Stanislaw Lem (y de la película de Tarkovski). De hecho, se podría ver como una mezcla entre referentes cultos como ‘Stalker’ (esa inequívoca “zona”), clásicos del género como Julio Verne (‘Viaje al centro de la tierra’) o H. G. Wells (‘La isla del doctor Moreau’) y títulos tan populares como ‘Alien’, ‘Depredador’ o la serie ‘Perdidos’.
Garland consigue lo que hacía muy bien Kubrick y ahora hace (también muy bien) Denis Villeneuve: que ‘Aniquilación’ funcione en varios niveles. Su premisa argumental -la expedición de cinco científicas a una «zona» controlada por una fuerza alienígena capaz de alterar las leyes biológicas del territorio que invade- es tan atractiva y sugerente, tan entretenida, como abierta a interpretaciones filosóficas y discursos metafóricos. La “resplandeciente” Zona X puede ser hermosa y aterradora, el sueño de una botánica o la pesadilla de una zoóloga. Y en esta dualidad se mueve la película: dos tiempos narrativos, dos mundos visualmente diferentes, lo terrenal y lo mental, acción y reflexión, ciencia ficción y terror, poesía y gore, canciones folk y música atmosférica, y un final que ahonda en esta dualidad y se abre paso, como un tumor, hacia jugosas dobles lecturas. 8,5.
Soy Una Pringada va a tener su propia serie en Flooxer, como todo el mundo sabe a estas alturas. La noticia que dejó la ceremonia de los Premios MIN 2018 ayer fue que Gerard Alegre de El Último Vecino será el encargado de poner sintonía a la serie. La canción aportada por el autor de ‘Voces’ se llamará ‘Chica nueva’ y saldrá un par de días antes de la serie, ya rodada. Soy Una Pringada contaba que ha conocido a El Último Vecino a través de su versión de La Zowi, ‘Mi chulo’, una de las mejores canciones de 2017 para nuestra redacción, después se empapó de toda su discografía, y todo le encantó. Está muy contenta porque la letra para su nuevo proyecto «la ha clavado».
El concepto de la serie será cómo Esty Quesada, o sea, Soy una Pringada, «pasa de ser una amargada a ser youtuber, un poco como la realidad, pero lo hemos llevado a la ficción y ha quedado bastante bien». Soy una Pringada dijo sobre el término del rodaje: «Ha quedado todo mucho mejor de lo que esperaba porque no tenía mucha expectación conmigo misma (…) Acabé los guiones, fui capaz de ir a todos los días de grabación y hasta fui capaz de llorar para un capítulo». También se sorprendía de que «haya salido a flote un proyecto mío, algo que nunca había pasado».
Aunque la serie se ha presentado abiertamente como «para freaks y hecha por una freak», ambos se contradijeron en las declaraciones realizadas ayer en la alfombra roja de los Premios MIN hablando de los propios galardones y la gala. Decía Soy Una Pringada: «Estamos aquí porque estamos en la era de la venganza de los freaks y hemos venido dos freaks underground de manual a dar un premio. Gerard ha hecho la sintonía de mi serie y es un momento muy bonito porque dos personas que conectan espiritualmente y undergroundmente van a poder compartir el momento y van a poder a hacer un terrorismo social que no sea las cuatro aburridas de siempre abriendo el sobre».
En cambio Gerard se desmarcaba tímidamente: «Yo sí que soy quizá un poquito más serio pero el hecho de que haya una conjugación underground, como ella ha dicho, me gusta. Me gusta estar en un sitio en que se dan premios, a un reconocimiento. No estoy de acuerdo con lo de freak porque no lo soy». Una afirmación que recuerda al discurso de Genís Segarra en Astrud: «no somos raros, ¡somos normales!».
Os recordamos que El Último Vecino saca mini disco este viernes 16 de marzo y lo presenta en OchoyMedio de Madrid el mismo día con telonero de lujo, Putochinomaricón. Últimas entradas disponibles, en Ticketea.
Uno de los grupos nacionales que más lejos han logrado llegar con un álbum de debut en los últimos tiempos son Morgan, un combo madrileño que practica un rock enraizado en el blues, el country y el soul clásicos. Con ‘North’, ese primer disco que publicaron en 2016, estos cinco músicos impactaron, sobre todo, por el impacto que causan sus directos y que les han llevado a pasar los dos últimos años girando incesantemente, dando rienda a un boca a oreja que ha convertido su nuevo trabajo en uno de los más esperados por muchos en nuestro país.
‘Air’, que así se llama ese segundo disco, se publica este viernes 16 de marzo y ya descubrimos semanas atrás un sugerente primer adelanto: ‘Another Road (Gettin’ Ready)’ era, es, un temazo de funk soul que tiene su espejo en el trabajo de Matthew E. White y sus socios en el colectivo Space Bomb que propiciaron el sonido del gran último disco de Natalie Prass. En Morgan es la impresionante vocalista Carolina (más conocida como Nina) de Juan la que toma el papel de gran dama del country-soul, con una aterciopelada tesitura vocal próxima a Adele, clásica pero reconocible. Una nueva muestra de la capacidad de Nina para emocionar ha llegado con ‘Sargento de hierro’, segundo avance de ‘Air’ que, sin duda, obliga a mantenerse muy atento a este nuevo álbum.
Esta canción supone una de las hasta ahora escasas incursiones de Morgan en lengua castellana, puesto que ’North’ estaba íntegramente cantado en inglés salvo el bonus track ‘Volver’, que se ha convertido en su tema más popular en streaming con casi 2 millones de reproducciones. Se trata de una balada espeluznante en la que Nina implora al viento que la cure y la lleve lejos, al tiempo que pase más rápido y les salve “a ellos”. El dolor que transmite De Juan por la pérdida de alguien querido se multiplica por 1000 cuando superados los dos minutos de canción, unos metales van introduciéndose sutilmente en ella, explotando mientras discurre su solo de guitarra y propiciando el abrumador regreso de la voz de la cantante. El efecto de la canción se amplifica, además, con el estupendo vídeo que el estudio creativo Karabot ha ideado para ella, con aguas oscuras anegando objetos personales, recuerdos. Todo un altar al soul, el country y el blues más clásicos que marca una nueva cota para Morgan, que ojalá se confirme en ‘Air’.
Antes de actuar en festivales como O Son do Camiño, Bilbao BBK Live o Mad Cool, Morgan están de gira presentando ‘Air’: hoy mismo actúan en el Auditorio Alfredo Krauss de Las Palmas de Gran Canaria, el sábado17 en el Teatro Rayuela de Santa Cruz de Tenerife y el 18 en el Festival Sonidos Líquidos de Lanzarote. Más fechas, en su web.
Esta noche se han entregado los Premios MIN a lo mejor del año de la música independiente, dejando como grandes ganadores a Belako y, sobre todo, muy merecidamente, a Maria Arnal i Marcel Bagés. Pese a las críticas que levanta toda ceremonia de premios, fue uno de los años más divertidos gracias a la espontánea y fresquísima presentación de Marta Flich, por encima incluso de las de El Mundo Today. Flich estuvo muy ágil en algunas salidas frente a los fallos técnicos u organizativos (como cuando preguntó a Mark KitCatt de Everlasting si él era Guadalupe… Plata) o cuando hacía parodia de la falta de dinero en el mundo de la independencia («hashtag: suerte»). Presentadora aparte, estas fueron 10 noticias que nos dejó la noche. Todas las fotos: José Baez para los Premios MIN.
Maria Arnal, reina de la noche por 3 razones
Los grandes ganadores de la noche fueron Maria Arnal i Marcel Bagés. Ganaron todos los premios más importantes excepto el de mejor artista, que fue para Belako. Eso supuso llevarse el premio a mejor canción por ’Tú que vienes a rondarme’ (un tema “sobre un orgasmo para quien no lo sepa”, indicó Arnal), mejor disco del año, mejor disco de pop y mejor artista emergente. En segundo lugar, realizaron una actuación de cortar el hipo de la canción titular de ’45 cerebros y un corazón’ que gustó tanto a Ed Is Dead que les dedicó su premio a mejor grabación electrónica cuando subió a recogerlo mucho después: “a la gente que como ellos arriesga aunque no sabe si la van a poner en la radio”.
Pero llamó sobre todo la atención el discurso de Maria Arnal al recoger el primer galardón. Recordó a los muertos de la fosa común del franquismo de la que habla su disco y dedicó el premio también a los que “continúan en las cunetas”, apeló al “gobierno más corrupto de Europa”, se preguntó cómo podíamos tener “a un ladrón de nombre misterioso M. Rajoy gobernando” y situó la “semana de las hostias en Cataluña” como cortina de humo por la corrupción del PP.
Por si fuera poco, Marcel Bagés bromeó con el hecho de recibir un premio a artista emergente a los 40 años, y Maria Arnal, tras recoger ese premio que entregaba Arturo Paniagua de Los 40 Trending, soltó una puya más: “a ver si nos ponen en Los 40 Principales. Estamos ahí, ahí”. Enhorabuena a ambos por su gran noche. No ha debido de ser fácil llegar hasta estos galardones entre una nube de público votando por Los Planetas y una serie de críticos que votarán siempre por estos no matter what.
Andrea Levy, aguantando el tipo
No sólo Maria Arnal se metió con el PP. Isa de Triángulo de Amor Bizarro, que presentaban el premio a mejor disco y actuaban, se metió con las ministras que no consideran la etiqueta “feminismo” (es una referencia a Dolors Montserrat). Y sobre todo el presidente actual de la UFI, Borja Muñoz, en su discurso criticó que haya raperos en la cárcel, bromeó sobre el #JamásTeLoPerdonaréCarmena por la posibilidad de usar tan magno espacio como el Teatro Price, habló de la necesidad de diálogo (“la música nos enseña a escuchar y a escucharnos”) y de la de apoyar la “cantera” nacional desde los espacios públicos; además de criticar, por otro lado, que las radios (privadas) funcionen por “call-outs” y “recurrentes” (hits) en lugar de pinchar novedades.
Marta Flich mencionó varias veces a Andrea Levy, la conocida “indie” del PP. Por un momento pensé que sería un gag. De hecho, hay tuits de Andrea Levy durante la ceremonia… ajenos a la ceremonia. Pero no solo estaba y aguantó el chaparrón de críticas a su partido durante 2 horas, sino que después se la vio, tan pichi, en el bar de al lado, tomando algo con un par de colegas. Olé sus ovarios, porque yo me habría ido llorando a casa o midiendo mi paso a, como mínimo, Ciudadanos.
Dice el que cobra una millonada por cada programa en la televisión pública. Stop paniaguados de TV3. Cuantos de estos a sueldo de tv3 nunca ham vendido su producción externa a nada. Estaría bien examinar sus contratos sin limites ni control. Lecciones las justas. https://t.co/HzpUxlFQEk
Gata Cattana ganó, de manera póstuma, el premio a mejor disco de hip-hop por ‘Banzai’. Su madre, junto a quienes suponemos hermanos y colegas de la artista, subió al escenario para leer una larga carta frente a la que fue muy difícil aguantar las lágrimas o la entereza. La madre de Gata Cattana relató el proceso de gestación del disco, lamentó que no se pudiera haber presentado en directo, y agradeció a los colaboradores y a todos aquellos que han apoyado el álbum pese a la ausencia de grandes campañas de márketing. Al menos recibió el calor del público que la apoyaba entre vítores. Por cierto, entregó este premio Ms Nina, lo que dio bastante color a la noche “indie”.
Soy Una Pringada y La Prohibida desafían el canon indie
Hablando de color, La Prohibida, que por supuesto es una artista independiente, entregaba el premio a mejor grabación de electrónica, porque por supuesto es una artista de música electrónica. Solo dijo una frase pero fue muy significativa, en referencia a la polémica de la Cabalgata de Reyes: “¿os gustan las travestis? ¿me veis adecuada?”.
También Soy una pringada, que presentaba el premio a mejor artista junto a Gerard de El Último Vecino porque este ha hecho la canción de su serie, ‘Chica nueva’, estuvo allí para lanzar unos dardos. La youtuber estuvo entre aquellos a los que aburrió la gala, criticó el hecho de criticar a Rajoy “en 2018” (“¡¡¡¡¡activistas!!!!!”, bromeó) y a aquellos que se extendían con su discurso de agradecimiento dedicando “a 57 personas”: “solo me he intentado suicidar 3 veces”.
Al abrir el sobre indicó que la ganadora a mejor artista era “Tamara Yurena Ámbar”. “¿No está? Pues pa Belako”. Igual Tamara y criticar una ceremonia por su ritmo es tan poco 2018 como Rajoy, pero igual fue metahumor o post-humor. De las presentaciones más aclamadas, muy merecidamente, en cualquier caso.
Arkano rapea sobre palabras del público
Si las ceremonias de premios son noticia por su falta de espontaneidad, hay que hacer mención a la intervención de Arkano, que hasta dos veces improvisó un rap (una sin micrófono, otra una actuación oficial) sobre palabras que salían en la gala o entre el público. Es todo un espectáculo de ver en vivo, pese al pobre asistente que no quiso participar por vergüenza o lo que sea y recibió uno de sus escupitajos: “No dice nada (pero) lo ves, parece un imputado del PP”.
También actuaron La Bien Querida (preciosa ‘Fuerza mayor’), Triángulo de amor bizarro cerrando con la ruidosa ‘O Isa’, Quentin Gas & Los Zíngaros (experimentales y cuyo final formó parte de un gag de Flich) y Raúl Rodríguez.
Belako se pierden su gran noche
Aunque los discos de Belako han salido en 2016 y 2018, alguien decidió presentarlos a casi todo también en 2017… y sonó la flauta. El grupo vasco arañó los premios a mejor artista, mejor vídeo y mejor directo. Sin embargo, se lo perdieron por estar de gira. Eso sí, mandaron unos simpáticos vídeos desde los aeropuertos. Cabe preguntarse si los Premios MIN han ganado la entidad suficiente en 10 años como para que los grupos sigan sin marcar sus agendas en torno a ellos. Ya se celebran en un recinto de 2000 personas, ¿qué esperan? ¿Al Palacio de los Deportes? No sé qué habría sido de la gala si Maria Arnal y Marcel Bagés no hubieran podido tampoco acudir…
Los Planetas recogen un premio con minis de misterio
Los Planetas estuvieron entre los grandes derrotados de la noche al no ganar el premio a mejor disco, mejor canción, mejor directo, mejor artista… Pero sí arañaron la mejor producción. Subieron a recogerlo entre minis (aunque no estaba Eric con lo del whisky con MDMA) y Jota, que parecía portar algo parecido a un gin tonic (juraría que fue el único que paseó un vaso con misterio por el escenario), indicó, tristemente, que nunca le habían dado un premio en su vida.
Carmona de Fundación SGAE recibe un vítore sobre “la rueda”
Carmona entregaba un premio en nombre de Fundación SGAE y, mientras hablaba de la necesidad de apoyar la música nacional, recibió un sonadísimo mensaje de un asistente sobre “la rueda” (las detenciones por la gestación de recaudaciones millonarias por la música emitida de madrugada). Todo el mundo lo oyó y él decidió contestar que estaba allí para hablar de música.
El debate OT sí, OT no
Operación Triunfo protagonizó un debate entre las intervenciones que no me esperaba. Rosa Pérez de Fluido Rosa (Premio Honorífico Mario Pacheco) pidió que se apoyara más el underground que sale de las alcantarillas y menos a las versiones, Carmona había pedido que al menos en OT se interpretaran más canciones nacionales y la presentadora hizo chistes sobre la pesadez de ‘Tu canción’. El director de márketing de Live Nation, Joe Pérez-Orive, que ha participado en Operación Triunfo y presentaba un premio, defendió que Amaia y Alfred escuchan “música independiente aunque no hubieran podido ir”.
…pero ganó Operación Triunfo y el mainstream
En la fiesta posterior, los y las DJ’s, como resarciéndose de tanto indie, lo tuvieron claro. Pincharon ‘Lo malo’ hasta 2 veces, entre otras canciones de Madonna (‘Express Yourself’), Katy Perry (‘Swish Swish’), Ace of Base (‘The sign’), Dua Lipa (’New Rules’) o Shakira. También sonaron Saint Etienne, Amatria o Los Fresones Rebeldes, pero no faltaron ‘El tiburón’, ‘Vuela vuela’ de Magneto, la versión de ‘Zombie’ de Los Sobraos que tanto gusta a Juventud Juché, ‘Sopa de Caracol’ o la versión asilo de ‘Creep’. Muy curiosa selección que no tiró hacia la música urbana actual onda Bad Gyal/C Tangana sino… ¡al mainstream en torno a los inicios del indie!… o a mash-ups entre ambas.
Premio El País al Álbum del Año – Maria Arnal i Marcel Bagés
Premio Flooxer al Mejor Artista – Belako
Premio Los40 Trending al Mejor Artista Emergente – Maria Arnal i Marcel Bagés
Premio Fundación SGAE a la Canción del Año – Maria Arnal i Marcel Bagés
Premio al Mejor Álbum de Pop – Maria Arnal i Marcel Bagés
Premio al Mejor Álbum de Rock – Guadalupe Plata
Premio a la Mejor Grabación de Electrónica – Ed is Dead
Mejor Álbum de Músicas del Mundo – El Twanguero
Mejor Álbum de Hip Hop y Músicas Urbanas – Gata Cattana
Mejor Álbum de Flamenco – Carmen Linares
Mejor Álbum de Jazz – Moisés P. Sánchez
Mejor Álbum de Música Clásica – Isabel Villanueva
Premio Sol Música al Mejor Videoclip – Belako
Premio ticketea al Mejor Directo – Belako
Mejor Producción – Los Planetas
Mejor Diseño Gráfico – Mordem
Mejor Álbum en Catalán – Xarim Aresté
Mejor Álbum en Euskera – Delorean
Mejor Álbum en Gallego – Uxía
Mejor Artista Internacional – The XX
Premio Honorífico Mario Pacheco – Rosa Pérez (Fluido Rosa)
Charlie Puth había retrasado la salida de su nuevo disco, ‘Voicenotes’, de enero a una fecha futura todavía sin definir para seguir trabajando en él, ya que todavía no lo consideraba terminado. Y aquí seguimos, rozando abril de 2018 y sin disco nuevo de Charlie Puth, cuando su primer single, ‘Attention‘, salió precisamente ese mismo mes el año pasado.
Han habido otros singles de Puth después de ‘Attention’: después de que esta canción lo petara sobre todo en verano, el cantante estrenaba una ‘How Long‘ que también lograba un enorme éxito internacional. Y no hace tanto, Puth apaciguaba la espera de sus fans compartiendo su colaboración con Boyz II Men, ‘If You Leave Me Now‘, una canción que sin embargo tenía sabor de “album track”.
Hoy, al fin, llega un nuevo single de ‘Voicenotes’ con madera de hit: ‘Done for Me’, una colaboración de Puth con la cantante de R&B y pop Kehlani, que ya puede escucharse en streaming y es un número número de “80s disco” elegante, nocturno y sensual en el que Puth clama: “dime qué has hecho por mí”. Muy pegadizo, aunque carente de las mismas posibilidades comerciales que se le percibían a ‘Attention’ y ‘How Long’ a primera escucha.
Hace poco, Puth hablaba sobre sus próximos pasos en una entrevista con Billboard en la que aprovechaba para reconocer que está de acuerdo con la pésima nota de su debut en Metacritic, del que desmarca por completo. Claramente, ni ‘Attention’ ni ‘How Long’ ni ahora esta ‘Done for Me’ tienen nada que ver con aquel hórrido disco.. afortunadamente.
Zayn Malik, protagonista involuntario de uno de los momentazos pop que nos dio, hace unos años, el fallecido Stephen Hawking, se ha dedicado en los últimas semanas a publicar vídeos de él improvisando a la guitarra canciones propias o versiones con filtros totalmente horteras y a publicar poemas escritos de su puño y letra.
¿Malik parece aburrido? Será porque ya ha terminado su nuevo disco. Así se lo ha hecho saber a una fan en Instagram, después de que este preguntara por el sucesor de ‘Mind of Mine‘ en un post de Malik en la red social. En este post, Malik escribía: “cuando la vida te tira limones, cógelos para que no te peguen en la puta cara”, a lo que la fan contestaba: “o cuando la vida te tire limones, haz un disco”. A esto, Malik replicaba que “el disco ya está hecho, tranquilidad, señoritas, tranquilidad”. Sus palabras exactas han sido “album been done”, dando a entender que el disco lleva terminado bastante tiempo.
Otra cosa que se ha acabado ha sido la relación sentimental entre Zayn y la modelo Gigi Hadid. El cantante ha confirmado la ruptura en Twitter después de que la noticia trascendiera primero en los medios, escribiendo: “Gigi y yo hemos tenido una relación muy importante, divertida y llena de amor y respeto a Gigi enormemente como mujer y amiga. Ha sido una persona increíble. Estoy agradecido a mis fans por respetar esta dura decisión y nuestra privacidad en estos momentos”. Queda la duda de si Zayn hablará de esta ruptura en su disco. Si lo terminó hace tiempo, posiblemente su relación con Hadid también…
Izal es un grupo conservador. Desde el principio de los tiempos ha ofrecido un pop-rock melódico proclive a la épica inflada, bastante similar a Héroes de Silencio, y letras supuestamente poéticas llenas de clichés, pero también una retahíla de canciones con madera de hit incontestables a las que ha acompañado un éxito comercial que ya quisieran para sí muchas bandas “indies” actuales y veteranas. Y nada de esto ha cambiado en ninguno de sus discos, tampoco en ‘Autoterapia’. ¿Para qué abandonar una fórmula que funciona?
Producido, como ‘Copacabana’, por Santos & Fluren, ‘Autoterapia’ es, ni más ni menos, otro disco de Izal. Aunque el grupo afirma en las entrevistas que le “costaría mucho no experimentar” en cada disco, no se puede hablar exactamente de evolución en un ‘Autoterapia’ que, de no ser por su producción ligeramente atmosférica, como brumosa, y por ciertos instrumentos o estilos más o menos novedosos en su repertorio que encontramos en algunos temas, ofrece canciones perfectamente intercambiables con el resto de obras del grupo, aunque en este caso sintonicen (aunque con muchas interferencias) más bien con el sonido eléctrico y depresivo de ‘OK Computer’. Y como todos los discos de Izal, ‘Autoterapia’ presenta composiciones acertadas, otras que lo son menos, una buena dosis de grandilocuencia artificial y sobre todo unas letras sumamente repetitivas que parecen recicladas de pasajes anteriores.
Porque sí, las letras vuelven a ser el punto flaco de Izal en ‘Autoterapia’. El grupo tiende a repetir figuras, conceptos y expresiones hasta la extenuación, resultando en textos que, de tantas veces que se usan, terminan por no significar nada. Entre todos los discos de Izal se podría diseñar una gráfica detallada sobre las veces en que Mikel Izal habla de una “casa” (esta es su palabra favorita, en una “casa” aparece, de hecho, en el vídeo de ‘El pozo’, mirando por la mirilla a los extraños) para expresar su mundo interior, o en las que usa figuras de la naturaleza o fenómenos meteorológicos para expresar un sentimiento (el sol, la lluvia, el huracán, el océano), o en las que se muestra corriendo, huyendo, volando o incluso flotando en el espacio para decir… pues eso mismo.
Y en ‘Autoterapia’, demasiado a menudo encontramos a Mikel Izal invocando a las autoridades públicas metafóricamente para expresar su vulnerabilidad y un sentimiento de perdición ante el destino. “Me declaro a su señoría de todos mis delitos el culpable” (‘Autoterapia’), “salga despacio con las manos en alto” (‘El pozo’), “esta noche eterna, triple condena” (‘Bill Murray’), “gracias por no hacerme declarar culpable de no pedir perdón” (‘Temas amables’)… Por lo menos, la repetición de una frase en ‘Variables’ que ya aparecía, casi tal cual, en una canción del disco anterior (“y de tanto contar, conté con terminar las vidas que nos quedan”) es a propósito, ¿verdad?
Esta tendencia a la repetición deja en evidencia a un grupo con serios problemas para ahondar en los matices de ese mundo interior que pretende mostrarnos. La realidad es que Izal busca bucear en sus sentimientos, pero la profundidad con la que los expresa en ‘Autoterapia’ es equivalente a la de una piscina infantil. De ahí que ciertos pasajes del disco parezcan tan superficiales. ¿Cómo se puede retratar la depresión si no es contando que es tan oscura como un “pozo” y que duele tanto como un puñado de “alfileres”? Y otras frases como “mi cielo abierto a media tarde”, “las densidades de mis infiernos”, “la horizontalidad tranquila rendida ante el sueño”, “mi mala suerte combina con tu olor” (?) o los lugares comunes en los que incurre ‘Canción para nadie’ son cursis o directamente absurdos. No, Izal no quieren ser Joaquín Sabina, pero su simpleza lírica no es una virtud, porque tras ella no se esconden ideas precisamente complejas.
Por suerte, al margen de los textos, Izal sabe escribir una buena canción pop-rock, y en el disco hay varias. ‘Ruido blanco’, que retrata la “paradoja” de conocerse a través de las redes sociales, no podría contarnos su historia de manera más predecible (“se multiplicaron las presencias más ausentes”, “tanta cantidad sin calidades, tanta agenda, tanta entrada”), pero la canción es emocionante y espectacular; el subidón de ‘La increíble historia del hombre que podía volar pero no sabía cómo’ despega con tanta fuerza que parece dirigirse al espacio junto a su protagonista, y pese a su ligero parecido con los Vetusta Morla más intensos, ‘El pozo‘ es ya un clásico de Izal gracias a un estribillo claro y cristalino. Por otro lado, ‘Autoterapia’ inicia el disco con energía y ‘Pausa’ le inyecta un drama necesario en forma de balada. Y ‘El temblor’ tiene un punto desesperanzado: es uno de los hits escondidos del disco.
No se puede negar que los discos de Izal son dinámicos, pero, como ‘Copacabana’, ‘Autoterapia’ vuelve a anteponer en demasiados casos la forma al fondo, revistiendo con tono solemne, heroico y autoritario unas canciones muy justas, como ‘Temas amables’, ‘Santa paz’ o ‘Variables’, incapaces de desmarcarse de otras composiciones mejores en el disco y en el repertorio de Izal. La tendencia del grupo a sonar “bigger than life” puede llegar a funcionar muy bien, pero ‘Autoterapia’ busca sonar a catarsis y el resultado no produce exactamente ese efecto. Más bien, se desgasta a sí mismo y resulta agotador, sobre todo leyendo ciertos versos de los que es mejor abstraerse. Nada ha cambiado, en definitiva, en el universo Izal…
Calificación: 5,5/10 Lo mejor: ‘Autoterapia’, ‘El pozo’, ‘Pausa’, ‘El temblor’ Te gustará si te gusta: Vetusta Morla, Love of Lesbian, Supersubmarina Escúchalos:Spotify
Harry Styles sigue de gira por Europa presentando su debut, y en sus conciertos recientes está tocando una canción inédita, ‘Medicine’, que está dando mucho que hablar en Twitter por su letra. La canción empieza con la frase “quiero tratarte como a un caballero” e incluye el pasaje “las chicas y los chicos están aquí, tonteo un poco con él/ellos y me da igual”, por lo que ya se habla de ella como el “himno para los bisexuales” de Harry Styles. En ella, Styles relata una noche de “borrachera” durante la cual “descubre” que le gusta “algo” cuando va “hacia abajo”, y canta: “me he bebido unas copas, me he emborrachado de ti y ahora voy doblado, y cuando vaya a dormir, voy a soñar con tu sabor / si sales esta noche, yo también salgo porque sé que eres persuasivo, tú tienes la sal y yo el apetito”.
Dado que el audio del directo de ‘Medicine’ no es del todo claro, no hay manera de saber a ciencia cierta si las frases de la canción que los fans están transcribiendo en internet son exactas. Por ejemplo, no está claro si Styles canta “I mess around with him” o “I mess around a bit”, y hay que tener en cuenta que, en inglés, adjetivos como “persuasive” tienen género neutro. Eso sí, la palabra “gentleman” parece clara y la frase sobre ir “abajo” no está dejando lugar a muchas dudas. De todas formas, en ningún caso ‘Medicine’ significaría una confirmación de la bisexualidad de Styles: podría ser la manera que ha escogido el cantante de integrar el discurso LGBTQ en su música siendo heterosexual, ya que es un aliado muy querido del colectivo y siempre podría estar interpretando, o puede que esto no sea más que un caso ‘I Kissed a Girl’. O puede que, simplemente, esté jugando con los persistentes rumores (infundados) sobre su bisexualidad, como ha hecho en el pasado Robbie Williams.
‘Medicine’ no es la única canción que Styles ha estrenado recientemente en concierto, aunque naturalmente sí la que más revuelo está causando (incluso Troye Sivan ha comentado sobre ella en Twitter). El cantante también ha estrenado un tema llamado ‘Anna’. Ambos serían descartes de su debut.
Styles, por cierto, está a punto de visitar España con su gira: el 30 actúa en Barcelona y el 31 en Madrid.
Harry fucking Styles really is out here screaming the lyrics “The boys and girls are here, I mess around a bit, and I’m okay with it.” Medicine is a bisexual anthem and we really out here loving a queer man pic.twitter.com/rwDpUvCByn
Snapchat ha tomado una decisión polémica esta semana mostrando un anuncio interactivo de bastante mal gusto en su app con el nombre “¿Qué harías?”, en el que se ofrecía a los usuarios la opción de “abofetear a Rihanna” o “golpear a Chris Brown”. El anuncio ha recibido críticas en redes sociales por considerarse que ridiculiza la violencia de género, dado que Rihanna fue víctima de maltrato por parte de Chris Brown en 2009.
Lejos de ignorar la polémica, Rihanna se ha dirigido a Snapchat en su Instagram Stories para compartir su opinión sobre este anuncio, sobre el que Snapchat ya ha pedido “perdón”, y ha sido muy clara: “estoy intentando descubrir cuál era el motivo de este desastre. Me gustaría llamarlo ignorancia, pero sé que no sois tan tontos. Os habéis gastado dinero en animar algo que, intencionadamente, puede hacer a las víctimas avergonzarse por la violencia doméstica que han sufrido, y habéis hecho una broma sobre ello. Esto no tiene nada que ver con mis sentimientos personales, que ya ni me quedan, pero todas las mujeres, niños y hombres que han sido víctimas de violencia doméstica en el pasado y sobre todo los que todavía no han salido de ella… ¡Nos habéis decepcionado! Se os tendría que caer la cara de vergüenza”.
Tras la agresión de Brown a Rihanna, ambos retomaron su relación años más tarde y rompieron definitivamente en 2013. Llegaron a colaborar en algunas canciones, por ejemplo en ‘Nobody’s Business’, de ‘Unapologetic‘.
Is it just me, or is this ad that popped up on my Snapchat extremely tone deaf? Like what were they thinking with this? pic.twitter.com/7kP9RHcgNG
Lady Gaga y Florence + the Machine cantaron juntas la balada ‘Hey Girl’, incluida en el último disco de la primera, ‘Joanne‘. Y ambas volverán a compartir disco este año, en homenaje a Elton John, que ha anunciado recientemente su gira de despedida y ahora un álbum en el que varios artistas de primer nivel versionan sus canciones. ‘Revamp’ sale el 6 de abril.
Lady Gaga cantará ‘Your Song’ y Florence + the Machine ‘Tiny Dancer’. El gordo pudiera parecer que le ha tocado a Ed Sheeran, que cantará ‘Candle in the Wind’, si no fuera porque Sheeran ya versionó esta canción hace unos años, de la misma manera que Queens of the Stone han cantado ‘Goodbye Yellow Brick Road’ en sus conciertos. Eso sí, la de Sheeran serán “2018 version” y la de Queens, la primera vez que graban la canción en estudio. Curiosamente, P!nk y Logic son los únicos que interpretarán un tema (‘Bennie and the Jets’) con el mismísimo Elton John en el álbum, aunque más curiosa es la colaboraicón de Q-Tip y Demi Lovato (‘Don’t Go Breaking My Heart’). El resto de artistas involucrados son Coldplay (‘We All Fall in Love Sometimes’), Alessia Cara (‘I Guess That’s Why They Call It The Blues’), Mumford & Sons (‘Someone Saved My Life Tonight’), Mary J. Blige (‘Sorry Seems To Be The Hardest Word’), The Killers (‘Mona Lisas and Mad Hatters’), Sam Smith (‘Daniel’) y Miley Cyrus (‘Don’t Let The Sun Go Down On Me’).
El 10 de abril se emitirá en la televisión americana ‘Elton John: I’m Still Standing — A Grammy Salute’, un concierto tributo al músico británico, que contará con la presencia de algunos de los artistas que participan en ‘Revamp’, y también con la de Kesha, Miranda Lambert, John Legend, SZA, Little Big Town, Shawn Mendes y Maren Morris.
‘Revamp’:
‘Bennie And The Jets’ – Elton John, P!nk and Logic
‘We All Fall In Love Sometimes’ – Coldplay
‘I Guess That’s Why They Call It The Blues’ – Alessia Cara
‘Candle In The Wind (2018 Version)’ – Ed Sheeran
‘Tiny Dancer’ – Florence +The Machine
‘Someone Saved My Life Tonight’ – Mumford & Sons
‘Sorry Seems To Be The Hardest Word’ – Mary J. Blige
‘Don’t Go Breaking My Heart’ – Q-Tip featuring Demi Lovato
‘Mona Lisas and Mad Hatters’ – The Killers
‘Daniel’ – Sam Smith
‘Don’t Let The Sun Go Down On Me’ – Miley Cyrus
‘Your Song’ – Lady Gaga
‘Goodbye Yellow Brick Road’ – Queens of the Stone Age
La noruega Sigrid sorprendió a inicios de este año al ganarse la siempre llamativa a la par que prestigiosa etiqueta de BBC Sound of 2018, que marca al artista por el que la cadena estatal británica apuesta como gran revelación del año. Se impuso a nombres tan prometedores como Superorganism o Billie Eilish e incluso a alguno ya casi consagrado como Khalid. Todo gracias a singles de pop audaz y magnéticos como ‘Don’t Kill My Vibe’, ‘Plot Twist’ o ‘Strangers’, de los que ya vinimos hablando meses atrás.
Ahora, tras meses de espera, al fin presenta su primera canción post-galardón. Se titula ‘Raw’ y ha sido escrita y producida junto al mismo equipo con el que ha venido trabajando hasta ahora: Martin Sjølie (que recientemente colaboraba con Sam Smith o Ella Henderson), O. Martin (con el que creó su versión de ‘Everybody Knows’ de Leonard Cohen para la BSO de ‘Liga de la Justicia’) y Stig Frogner.
La canción, que ya había podido escucharse hace semanas en una versión acústica, presenta una producción bastante explosiva, en la que sorprende el uso de guitarras bastante distorsionadas. ‘Raw’, según se desliza de la portada del single, forma parte del segundo EP de Sigrid, que verá la luz próximamente y contendrá otras 4 canciones aún inéditas.
“¿Eres JENESAISPOP?”, pregunta un chico al salir del metro de Antón Martín, donde hemos quedado hace media hora. “¿Eres PUTOCHINOMARICÓN?”, tendría que haber contestado en lo que podría haber sido la conversación más absurda en 1 kilómetro a la redonda. He quedado con Chenta Tsai en el centro de Madrid para hablar de su proyecto y también para concretar su participación en una nueva sección del site, en la que distintos músicos y personalidades hablarán de un tema del que sean expertos o fans. Ante la falta de sitio en los bares tranquilos de la zona -y media hora esperando a un artista da para mucha búsqueda- terminamos en un indio de la calle Atocha donde, por la hora que es (17.30), estamos solos. Chenta pide leche de soja y yo un té rojo con sacarina. No hay ni de lo uno ni de lo otro y juraría que los camareros -dos, uno para cada uno- flipan con nuestros temas de conversación, pero quizá solo sea mi imaginación.
Chenta Tsai llegó a España a los 6 meses, pero «para no liar» más su discurso, suele decir que nació aquí. Estudiante de música de Conservatorio de los 7 a los 21 años, en concreto violín (también tocaba el piano desde los 5), realizó luego la carrera de Arquitectura, terminando con Matrícula de Honor. Y después de años estudiando, ha creado un proyecto electropop llamado Putochinomaricón en el que se ríe de la adicción a las redes sociales, de falso activismo y también de sí mismo, además de luchar a favor de la causa LGBTI+ y reflexionar sobre apropiacionismo o roles de género. La solidez de su discurso y lo dinámico de sus hits y performances le han llevado a fichar por Elefant, donde edita mini LP el 20 de abril, o por el Sónar, donde pasará en junio. Este viernes 16 de marzo también actúa en Ochoymedio (Madrid) junto a El Último Vecino (últimas entradas disponibles en Ticketea). Cita imprescindible: no hay más que verle hacer voguing, pero hay mucho más. Para muestra, esta entrevista, una de las más interesantes que hayamos hecho jamás. Mañana habrá una segunda parte en la que nos hablará más del Conservatorio y de Arquitectura, pero sobre todo de Charli XCX, en una nueva sección llamada Meister of the Week.
Leí en septiembre que salía tu primer disco de manera inminente, pero solo ahora se anuncia su lanzamiento en Elefant. ¿Es el mismo disco?
Ese mes me llamó Elefant para sacar un mini LP y eso retrasó todo el proceso. Dejarles gestionar esto es un sueño. Las canciones están remasterizadas y hay una colaboración con un artista chileno llamado Ignacio Redard en ‘Tu Puta Vida Nos Da (Un Poco) Igual’. Tiene un proyecto llamado Día Cero, que son los ex La Ley. He añadido 3 canciones más, ‘El Test De La Bravo Y La Superpop’, de la que estoy haciendo el videoclip; ‘Remedio casero’, estilo ochentero pero llevado al trap, con Auto-tune, pero de una forma humana y sensibilizada; y luego ‘No quiero salir’, muy Justin Bieber. Son canciones de transición, estoy explorando los distintos caminos pop, porque siento que estoy evolucionando como artista, y huyendo un poco de lo que estuve creando hace un año.
«Mezclar el neo-gabber polaco con el folk de Sufjan Stevens crea una explosión sónica»
¿Cómo has evolucionado, más en lo lírico o en lo musical?
Temáticamente no va a cambiar, porque mi vida es aburrida y canto sobre mi vida, es bastante normcore. En cuanto a lo musical sí he evolucionado, cada vez soy más interseccional con mis gustos y bipolar. Me gusta mezclar estilos que no tienen nada que ver. Ahora estoy obsesionado con el movimiento neo-gabber, sobre todo el polaco, como el colectivo Wixapol, y mezclar eso con el folk de Sufjan Stevens crea una explosión sónica muy interesante.
Eres un músico de conservatorio pero haces electropop. Eres violinista, pero no usas el instrumento para este trabajo, no eres Patrick Wolf, Owen Pallett…
Hay que reivindicar el electropop, el ordenador, Holly Herndon dijo en una conferencia de Red Bull que el portátil es el instrumento más elevado y personal que puede existir. Está impregnado dentro de ti, con él chateas con tu familia, navegas todos los días… Me interesa magnificar el portátil más que el violín, que me parece un cliché. Está sobrevalorado en mi opinión, aunque si me escucha mi profesor, me mata.
Está muy atrás la docencia musical. No he vuelto a abrir la caja del violín desde hace 3 o 4 años.
Entonces, ya no tocas el violín.
Acabé traumatizado del conservatorio. Es una disciplina muy dura y la pedagogía musical está muy mal hecha. No está actualizada. En el Conservatorio de Madrid no hay terapia, y creo que es muy importante para un artista. La técnica Alexander (que previene tensiones, dolores, malas posturas) no era asignatura obligatoria y conocer tu cuerpo y conocer tu mente es esencial para un artista. Está muy atrás la docencia musical. No he vuelto a abrir la caja del violín desde hace 3 o 4 años.
¿Te gusta tener los conceptos bien atados de todo? Lo digo por una referencia a Leonardo DiCaprio en el peinado de uno de tus vídeos.
A mí me encanta ser un artista TOC, como Stanley Kubrick, ves ‘Eyes Wide Shut’ muchas veces y sacas siempre cosas nuevas. Me encanta hacer referencias a mi cultura, a los últimos 20 años, dignificarlo y llevarlo a la actualidad.
¿Cuál consideras tu cultura?
Ah, buena pregunta. Es una mezcla. Tengo influencia de la cultura asiática pero como me he criado aquí, saco referencias de la cultura occidental. En realidad soy taiwanés, pero ahí hay un conflicto en el que no me quiero meter. Soy trilingüe y a veces me invento las palabras, pero en inglés está muy mal visto decir «oriental», hay que decir «East-Asian».
«Me encanta coger la estética de menús de restaurantes chinos, las tipografías, los objetos que venden en los bazares chinos y elevar todo eso»
¿Y el interés por la cultura este-asiática viene por tus padres?
Mis padres me hablaban más de la historia de China. Ha sido todo investigación propia, sobre todo con la música, en casa de mis abuelos en Taiwan. También me gusta mucho lo pseudo-oriental, los bazares chinos son pseudo racistas, pero me encantan. Me encanta coger los elementos que identifican a los migrantes racializados y dignificarlos: la estética de menús de restaurantes chinos, las tipografías, los objetos que venden y elevar todo eso.
¿Por qué dices que son racistas los bazares chinos?
No, he dicho pseudo racistas. Ya de por sí llamar a los bazares simplemente «chinos» hay que empezar a cuestionarlo. Es un arraigo, «cosas baratas» está asociado a los «chinos». Igual que tratar a las personas racializadas como si fueran infrahumanos. No me parece bien que Pablo Motos, que tiene mala fama con muchos colectivos, tenga una colaboradora asiática, y que sea paródico. Los cambios son muy lentos, son a largo plazo.
¿Hay un problema de falta de referentes, quizá?
Es el racismo estructural. Hay pocos referentes, pero cada vez más. Está el Colectivo Afroféminas, mujeres afrodescendientes reivindicando, el 12-N, SOS Racismo… Se están deconstruyendo muchos constructos, como en el feminismo.
«Todo fue un portazo: «papá, soy maricón, tengo pareja, encima es blanco»»
¿Qué opina tu familia de tu música tras haber estudiado toda la vida violín?
Pero es que después de violín, me metí en Arquitectura, tengo Matrícula de Honor. Mi padre está muy enfadado: «Has estado 9 años estudiando, y esto podías haberlo hecho sin estudiar». Pero yo le digo que para nada. Yo le justifiqué que los visuales, mi reivindicación… no serían lo mismo sin la Universidad. Salí del armario el año pasado, para que te hagas una idea de lo conservadores que son. Todo fue un portazo: «papá, soy maricón, tengo pareja, encima es blanco»… Son tradicionales y quieren que salga con una mujer china o este-asiática… Me llamo Putochinomaricón y no le hace mucha gracia. Siempre está con el deseo de que cambie el nombre.
¿Y tu madre?
Han tenido sus dificultades, pero me han apoyado mucho dentro de lo que cabe. Yo me he deconstruido muy rápido. Empecé a deconstruir mi vida, a darme cuenta de cosas obvias, como que tengo derecho a enfadarme porque me llamen «puto chino» por la calle, hace 2 años. Ha sido todo muy rápido. Ahora tengo insomnia todos los días. Me reprimía al completo y ahora muevo mi culo, estoy «shutting» en la calle y me da igual lo que digan sobre mí. Estoy orgulloso debajo de mi piel.
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«A lo mejor al siguiente (disco) me llamo Producto. Me interesa cómo se trata a un artista como un producto. Veo a amigues que están pasando por una fase «soy un producto» que no me mola nada y me apetece visibilizarlo»
¿Igual esperan que dejes esto como dejaste el violín y la arquitectura?
Me encanta la música desde pequeño. La música será base de todo lo que haga, aunque termine haciendo exposiciones en el MOMA. Tampoco voy de pretencioso, pero Bowie era de todo, new-romantic, Ziggy Stardust… A lo mejor al siguiente (disco) me llamo Producto. Creo que me voy a llamar Producto, ya tengo un tracklist, he empezado a producir canciones. Me interesa cómo se trata a un artista como un producto. Veo a amigues que están pasando por una fase «soy un producto» que no me mola nada. Y me apetece visibilizarlo. Crear un Frankenstein, y a lo mejor en el tercer disco me llamo de nuevo Putochinomaricón.
Te aconsejarán todo el rato que te cambies el nombre…
Claro. Uno (un promotor) me dijo que quería que quitase «maricón» porque no quería que su fiesta fuera una fiesta de maricas. Ahora somos amigos. En mi primer concierto me censuraron el nombre, hay muchos conciertos que pierdo porque las instituciones o el ayuntamiento no entienden el concepto que hay detrás. Me llamo así como reivindicación. Ojalá me pudiera llamar Flores de Primavera pero esto es una forma de empoderarme. Es la teoría «queer», coger la palabra «queer» y dignificarla. Todo mi trabajo gira en torno a dignificar cosas oprimidas o de mal gusto, infravaloradas, y llevarlas a la plataforma.
«Hay muchos conciertos que pierdo porque las instituciones o el ayuntamiento no entienden el concepto que hay detrás de Putochinomaricón»
Bueno, has quitado ‘Marikapikapika’ del mini LP de Elefant…
Por estética. Yo soy este-asiático y el reggaetón no es este-asiático. No quiero que la gente piense que me estoy apropiando de una cultura. Ya no me identifica, la letra me encanta, igual la vuelvo a hacer con otra base.
Tengo ideas encontradas del apropiacionismo, entre las opiniones de Azealia Banks, C. Tangana o Niño de Elche…
Me estoy deconstruyendo. Igual hace un año dije que sí, y ahora digo que no. Estoy en bastantes grupos migrantes racializades, tengo compañeras que les molesta, y lo quiero respetar. Hay una diferencia entre apropiación y apreciación. Hay que asumir la lucha si asumes la cultura. No banalizar un estilo. Aprecio todas las culturas, pero intento no apropiarme. A mí me gusta el reggaetón y punto.
«Hay una diferencia entre apropiación y apreciación. Hay que asumir la lucha si asumes la cultura»
No es porque, por lo que comentas, la lucha del reggaetón no sea el machismo o la homofobia.
No, hay muchas artistas reggaetoneras que reivindican, como Ms Nina.
Hablame del falso activismo, a raíz de tu tema ‘Tú no eres activista’. ¿Ya no es el activismo lanzarse a las calles como antes sino pasarte por Change.org y ya?
Realmente todas mis canciones son reflejos de la realidad de manera paródica. Yo también firmo en Charge.org. Intento ser activo pero no activista porque ahora mismo se está devaluando. Hay gente que usa muchos parámetros para ver si eres activista o no. Lo que hay que ser es genuino con tus principios en lo privado y lo público. Más que hacer un «statement», con la canción quiero cuestionarlo. Las consecuencias de firmar una petición pueden ser nulas, pero sí creo que es importante salir y tomar la calle porque es nuestra y nos la están quitando.
«Hay que usar Instagram de manera más responsable en lugar de montar un seminario que no está grabado y del que nadie se entera»
¿Te sigue encantando Instagram como decías hace 6 meses? Porque esto de las redes va follado…
Es que me encanta, es tan banal… Lo uso justo porque nadie se espera que lo vayas a usar para reivindicar, para difundir. Conozco gente activista que lo rechaza un montón pero Ai Weiwei tiene Twitter, tiene Instagram y reivindica a través de eso. Hay que usar las redes de manera más responsable y dejar de lado la idea de que Instagram es capitalista. Hay que aprender dónde meterte, en lugar de montar un seminario que no está grabado y del que nadie se entera.
¿Tú eres pro-capitalista?
Yo asumo que vivo en la ciudad y que hay reglas en el juego, pero sí creo que se pueden desafiar. Hago fotos de un influencer y pongo un texto enorme hablando de racismo estructural. No todo es «ying o yang», ¿qué pasa en el centro? Hay que mirar el movimiento LGBTI+ desde todas las perspectivas, como cuando me tiraron un móvil actuando en Sol (NdE: en el Orgullo). No solo quiero tocar en Caracol o en el Sónar, sino en un barrio obrero porque me interesa borrar los límites, crear un diálogo y un discurso.
«Se nos olvida la lucha de Marsha P. Johnson, de Sylvia Rivera. La fiesta está muy bien, como decía Emma Goldman, «la revolución está muy bien, pero si se puede bailar». Pero un día se nos puede quitar todo, no hay que bajar la guarda»
¿Cómo es que te tiraron un móvil en la Puerta del Sol?
Me llamaron para tocar. Era mi tercer concierto. Fue bastante hardcore. Tenía 10-15 minutos, y monté una convocatoria con personas que no se sienten identificadas con el Orgullo, como las personas trans. Y siempre que hay trans es de un mismo perfil. También las mujeres lesbianas. Entre 10 personas reivindicamos el capitalismo rosa, la poca diversidad del propio Orgullo. Se nos olvida la lucha de Marsha P. Johnson, de Sylvia Rivera. La fiesta está muy bien, como decía Emma Goldman, «la revolución está muy bien, pero si se puede bailar». Pero un día se nos puede quitar todo, no hay que bajar la guarda. Se ha banalizado mucho el Orgullo, por eso estuvimos en el escenario con estos principios. Y cantando ‘Gente de mierda’, alguien me tiró el móvil en la entrepierna (risas) Los guardias no hicieron nada, y en backstage lo que me llovió… El lema era «Ames a quien ames, Madrid te quiere» y yo: añadí «cuando te conviene», porque si eres racializado no les importa.
Todo esto en mitad del Orgullo.
Había personas que no estaban ahí para reivindicar. Hay gente que le molesta que una minoría se sienta empoderada y use su plataforma para empoderarse. Y a mí me pasa. También están los de «no te creas tanto».
«Si no molesta, tu revolución no es una revolución»
No entiendo cómo alguien puede perder su móvil por tirártelo.
Se rompió, lo tiré entre el público y dije: «al gilipollas que me ha tirado esto, recogedlo». Y me quedé tan a gusto. Bien merecido. Me siento orgullosa, porque he dicho algo que ha molestado. Si no molesta, tu revolución no es una revolución.
¿Llevas las críticas bien en base a esta última frase?
Me ha enseñado mucho Esty Quesada, Soy Una Pringada. Nos ha abierto puertas a todas. Ella me decía: «tú lo que tienes que hacer es molestar. Míralo como un triunfo». Si yo fuera alguien que no lucha nada y tengo amenazas de muerte, entonces sí hay que ofenderse. Pero si tu discurso es reivindicativo, lo veo como una victoria. Aunque tengo días de mierda, porque somos humanas. Uno me comparó con Gangnam Style, y me molesta porque me asocia porque tiene los ojos rasgados. O cuando me censuran, no entienden el mensaje y me arrebata mucho, porque si no han visto mi mensaje es como que he hecho mal mi trabajo.
«Respeto a las mujeres que se ofenden por que hable en femenino, y por eso empecé a hablar en género neutro para ser más inclusive, pero yo no lo uso para banalizar ni para hacer parodia. Es verdad que todavía estoy buscando mi género, igual hay géneros de los que no se ha hablado todavía»
A veces hablas en femenino, otras no.
Sí (risas). Soy muy fluido con el lenguaje, a veces digo ella, él, elle…
También hay quien dice que hablar en femenino es apropiacionismo.
Este debate lo tuve hace unos meses. Me identifico como hombre cis, pero me siento desarraigado de las masculinidades, aunque también se está hablando de nuevas masculinidades y hay talleres. Pero empiezo a cuestionar mi propio género. Respeto a las mujeres que se ofenden, y por eso empecé a hablar en género neutro para ser más inclusive, y también porque hay mujeres que odian a los hombres gays que hablan en femenino. Pero yo no lo uso para banalizar ni para hacer parodia. Tengo otras amigas que me dicen: «usa el femenino, sobre todo cuando las mujeres son mayoría en una mesa». Pero es verdad que todavía estoy buscando mi género, igual hay géneros de los que no se ha hablado todavía, «non binary», «fluid» y yo estoy en un momento de reflexión sobre cuál es mi género.
He leído que tus referentes son La Casa Azul e Hidrogenesse. ¿Has tenido feedback de ellos?
¡Ay, por favor, les encanta! Me compartió Hidrogenesse ‘Tú no eres activista’ y casi me caigo. Mentiría si no dijera que mis influencias son casi todas anglosajonas, Charli XCX o Spice Girls con 6 o 7 años. Crecí con MTV US y todos mis referentes hablan en inglés, pero ellos han configurado la escena pop de España.
¿Qué escuchabas de adolescente?
Pasé por tantas fases, me encanta la idea de transformación, tuve fase emo, punk, pero siempre ligado al pop. Para mí el pop es música bien estructurada. Within Temptation, Evanescence, Busted, La Oreja de Van Gogh… Hidrogenesse y La Casa Azul me impresionaron mucho porque además de músicos eran artistas con ideología. Guille Milkyway es un perfeccionista, lo hace todo y tiene ese TOC, con su discurso…
«Te vas a reír, pero mi gran sueño sería tocar en un bazar chino. Lucho contra el elitismo de decir «yo solo toco en sitios grandes». Eso era la arquitectura, te metías en una burbuja intelectual y elitista, nunca te sumergías en el tejido social»
¿Hay algún lugar donde te haga especial ilusión actuar? Aunque vas al Sónar y no sé si hay algo más arriba que el Sónar…
Te vas a reír, pero los sitios donde quiero tocar no son salas de conciertos. Mi gran sueño sería tocar en un bazar chino. Garajes, restaurantes… De hecho, para el nuevo año chino, iba a tocar en un bazar, pero no nos dejaron porque era mucho papeleo, y toqué en el Bar Barajas, que me encantó. Terminé bailando ‘Marikapikapika’ con Mariano, que es el dueño, un hombre que tiene su edad e ideologías, y que entiende mi mensaje… Eso sí que llena. Me encantan esos espacios descontextualizados, desde dentro del tejido social. Yo lucho contra el elitismo de decir «yo solo toco en sitios grandes». Eso era la arquitectura, te metías en una burbuja intelectual y elitista, nunca te sumergías en el tejido social. Son los ciudadanos los que deciden.
¿Y en esos espacios puede haber más libertad de la que algunos, quizá con un pensamiento racista, nos esperamos?
Yo puedo hablar desde Taiwan, que va a ser el primero en legalizar el matrimonio homosexual, que no es la igualdad, pero es un paso. La gente sí está preparada y yo me dedico a ello como migrante racializado. Es algo que compartimos todes. Hay chinos, japoneses… que me escriben y me dan gracias por visibilizar algo que no tienen valor (de visibilizar). No sabían que existían estas plataformas, no había figuras migrantes racializades con ese discurso. Anclar una bandera y decir «esto es abierto, podéis entrar por aquí», empodera mucho. En Usera hay muchos migrantes asiáticos que vienen de pueblos muy pequeños, la mayoría no saben escribir en chino ni hablan español. Sé que no debería, pero siento la necesidad de representar a toda mi comunidad, que sepan que hay un referente como a mí me hubiera gustado a los 7 años.
Katy Perry ha comenzado su papel como juez en el talent-show ‘American Idol’ de la peor (suponemos que el canal ABC pensará lo contrario) manera posible: con polémica. Durante las audiciones previas emitidas el pasado lunes, Lionel Ritchie, Luke Bryan y la propia Perry recibían a un chico de 19 años de Oklahoma llamado Benjamin Glaze. Este, inocentemente, contestó que no a la pregunta de Bryan sobre si había besado a una chica (y si le gustó, jugueteando con el primer gran hit de su compañera en el programa), aclarando que nunca había tenido una relación.
Perry le dijo al chaval que se acercara a la mesa del jurado para resolver eso, él la besó inocentemente en la mejilla, pero no fue suficiente. Cuando le pide que vuelva a hacerlo, Katy gira su cara besando en los labios al chico, que se queda patidifuso hasta el punto de caerse de culo al suelo. Él se queda bastante en shock y Ritchie le asiste, aunque le dice que sido una “cuestión mayor”, besar a Katy Perry. Para colmo de males del chico, no pasó la audición. Posteriormente, preguntado por The New York Times, Glaze asegura que no lo considera “acoso sexual”, pero que le hizo sentirse “incómodo inmediatamente” y que si hubiera tenido opción de elegir si dar el beso, hubiera dicho que no. “Quería que mi primer beso fuera especial”.
La autora de ‘Witness’, ajena a esto, bromeó con el asunto en Twitter, con un gif de Mickey y Minney Mouse, pero algunos tuiteros han apuntado a una clara situación de abuso de poder. “Fue un acto sexual forzado”, dice una mujer llamada Molly Fletcher. “Imaginad que esto lo hubiera hecho un juez masculino. “No ha absorbido nada Katy Perry del movimiento #metoo?”. Por el momento, Perry no se ha vuelto a manifestar públicamente sobre el tema de Glaze.
Más allá de un sorprendente remix de los colombianos Bomba Estéreo, Llevábamos un tiempo sin noticias de Arcade Fire, más allá de que sabíamos que están inmersos en una gira de presentación para el notable -aunque no todo el mundo compartiera es impresión- ‘Everything Now‘. Una gira que pasa por nuestro país los próximos días 21 –en el Palau Sant Jordi (Barcelona)– y 24 de abril –en el WiZink Center (Madrid)–. Las entradas están disponibles en Ticketmaster.
Pero esta semana, tras haber anunciado la extensión de ese tour con algunas fechas (entre ellas, han sustituido a Björk -que ha cancelado esa cita- en el cartel del festival portugués Paredes de Coura 2018), la han comenzando dando nuevas señales de vida. Primero, han afirmado que su EP debut por primera vez tendrá una edición en vinilo por el Record Store Day. Y después, días antes de que aparezcan en el próximo episodio de Saturday Night Live, han presentado el clip oficial para no una sino dos de las canciones de su último álbum. Más que un vídeo, es un cortometraje.
David Wilson, que ya había trabajado con el grupo canadiense en ‘We Exist‘ -además de con Tame Impala, M83 o Hercules and Love Affair-, dirige esta película titulada ‘Money que pone imágenes a ‘Put Your Money On Me’ y ‘We Don’t Deserve Love’. Estos dos cortes, que en el álbum también suenan consecutivamente en su cara B, sirven al grupo para narrar la historia de la bancarrota de Everything Now, esa compañía-metáfora del consumismo que han ideado como leit-motiv de esta etapa. Su presidenta, interpretada por la actriz Toni Collette, informa al grupo de que su situación financiera les convierte en esclavos de la marca y sus productos, por más que les suponga un dilema ético o intenten huir de ello.
Ni con ‘Basketball’, ni besando a Mónica Naranjo, ni en una promo con Vicky Larraz, ni viajando en metro. Marta Sánchez ha recuperado el interés del gran público como artista gracias a su ya famosa versión del himno de España, poniendo letra a la instrumental ‘Marcha de Granaderos’. Tras interpretarlo en directo en el Teatro Real en un concierto celebrando sus 30 años de carrera, propiciando que el vídeo se hiciera viral, ahora anuncia que pretende grabarlo e incluirlo en el nuevo álbum que prepara.
Así lo afirmó en su aparición de anoche en El Hormiguero. Tras presumir, orgullosa –llegó a llorar en televisión por la repercusión de su iniciativa–, de la llamada que recibió del Ministro de Cultura, Íñigo Méndez de Vigo, para felicitarla, Sánchez aseguró que está preparando un nuevo álbum con solo piano y voz, recopilando sus grandes éxitos en ese formato. Y que espera obtener los permisos necesarios para que la ‘Marcha de Granaderos’, con sus versos, estén incluidos en él. “Quede claro también, ya de paso, para los muchos españoles que se creen que me voy a forrar con esto, que no voy a ganar ni un solo duro. Y si se legaliza mi letra, los derechos de autoría míos los voy a ceder a los españoles”, aseguró.
Por otra parte, la ex-Olé Olé aseguró que, aunque estaba contenta con lo que había pasado, le dolía un poco que eso hubiera hecho que no se hablara tanto del concierto en sí. Explicó que es un nuevo «planteo» (sic) para su música, el de piano y voz, que antes había desechado porque lo veía como de «señorona», pero que le había ayudado a redescubrir sus canciones al reestructurarlas y cambiarlas el tempo.
Además, envió un mensaje directo al periodista y presentador Jordi Évole, llamándole “metepatas” por haber dicho en ese mismo plató que Marta no tributaba en España, sino en Miami, donde residía hasta hace poco. Sánchez le dijo que esperaba recibir un ramo de “peonías rojas”, sus favoritas, con su disculpa porque ella siempre ha tributado en España y nunca ha tributado en otro país. Évole extendió su disculpa vía Twitter y aseguró que sí, le enviaría ese ramo de flores. Disculpas que, acto seguido, Sánchez aceptó de buen grado.
Me voy a la cama aprendiendo una lección de caballerosidad y de buen gusto con tu gesto. Te honra este mensaje y por supuesto no hace falta que me mandes las flores. Con esto me sacaste una sonrisa después de una semana tan dura en España. Te mando mil besos 👏🏻
En el verano de 2014 Jane Joyd se despedía de nosotros, después de haber ganado el Proyecto Demo de FIB y Radio 3 y haber publicado dos EPs de un folk expansivo, con toques de jazz y blues, en primera instancia, y electrónica, después. Pese a ser uno de los proyectos más prometedores de la escena, Elba Fernández decidió dar carpetazo a su personaje, “matar” a Jane. Pero eso no significaba que Elba renunciara a hacer música. Como anunciábamos meses atrás, el pasado año presentó un nuevo alter-ego, Mordem (“mordemos” en su galego natal), que presentaba su álbum debut, ‘Fragments to Dominate the Silence’. Un disco que revela que el nombre es algo simplemente anecdótico: la sensibilidad y el gran portento vocal de Fernández permenecen vigentes, y aún más consolidados, en estas 10 nuevas canciones.
De hecho, artísticamente se podría decir que la decisiva participación de David Unison (The Cabriolets, Hola a Todo el Mundo, Gata Cattana) como productor y creador de las bases y programaciones (las guitarras de Manuel Cabezalí y los pianos de Xavi Font completan el personal en este disco), lleva un paso más allá los apuntes de electrónica que se mostraban ya en ‘So Lost In His Bleak Winter Landscape’. Sin embargo, Mordem no es Jane Joyd II: por momentos se percibe una mayor luminosidad en ritmos y melodías, posiblemente gracias a cierta querencia soul y R&B a lo James Blake (‘Magma’, ‘The Drought’), aproximándose, incluso, al pop electrónico y oscuro de una Banks (‘The Blindness’; ‘A Violent Place’).
Sin embargo, como reflejan las imágenes de lápidas de su encarte y la letra de ‘The Darkest Time’ (la única impresa en el libreto), ’Fragments to Dominate the Silence’ es un disco sobre la muerte –ese «silencio» al que poéticamente se alude en varias letras y el título del álbum–. Y como tal, rezuma tristeza en altas dosis. Algo que no es un problema si se trasluce en canciones tan rotundas como ‘All of Me Is You’ o ‘Rituals’, pero que se torna pesado cuando recurre una y otra vez a los mismos esquemas y tonos, para el que el monocromático y precioso –no en vano el diseño de la propia Elba acaba de recibir un premio MIN– encarte del disco sirve de metáfora. Ojalá ese haz de pintura fluorescente que salpica intencionadamente la foto de Elba en su portada implique que la artista gallega superará el luto y nos mostrará más de esa luz que deja atisbar ocasionalmente aquí, en el futuro.
Mordem presenta ‘Fragments to Dominate the Silence’ hoy jueves, 15 de marzo, en la sala Moby Dick Club de Madrid.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘All of Me Is You’, ‘Rituals’, ‘A Violent Place’, ‘Magma’ Te gustará si te gustan: Jane Joyd, Banks, James Blake Escúchalo: Spotify
La Maravillosa Orquesta del Alcohol han conseguido conquistar a una generación gracias a discos como ‘La primavera del invierno‘ o este ‘Salvavida (de las balas perdidas)’ que ha arrasado en ventas y streaming y han logrado colocar entre los nominados al Premio MIN a Álbum del Año. El paréntesis del nombre del disco ya da una minúscula pista de que aquí no se ha rectificado ninguno de los errores que algunos achacamos a su discografía anterior: pretenciosidad, necesidad de epatar frente a rimas random… y así es.
Bien es cierto que en un momento de tal éxito para La M.O.D.A., con hasta tres Rivieras llenas de manera consecutiva, entre otras cosas, era una tontería cambiar de fórmula, pero también lo es que Vetusta Morla arrasaron con su debut, aún el preferido por el público, y no por ello se han quedado colgados allí. Al contrario, han ido limando asperezas, corrigiendo tics, ampliando su paleta de colores y reduciendo la intensidad de su propuesta en favor de otras cosas. Y el caso de La M.O.D.A. es justo el opuesto. Puede que los instrumentos que utilicen sean diferentes, pero todo continúa girando en torno al amable country-pop de Mumford & Sons con algún devaneo en arreglos a lo Mastretta o Celtas Cortos, salpicado de coros taberneros tan feos como los de «no te olvides de dónde vienes» en ‘Héroes del sábado’ (de estribillo muy Love of Lesbian), palabrería vacua onda «La música no es un juguete, igual que el lobo nunca trabajará para el circo» y name-dropping gratuito, de Oscar Wilde a Édith (Piaf) en el mismo párrafo de ‘La inmensidad‘, y así hasta llegar a un sample de Manuel Molina. Que, eso sí, viene como anillo al dedo al afectadísimo y quebradizo timbre del vocalista David Ruiz: «sin cantar, no podría vivir, ni quiero».
A veces las canciones de La M.O.D.A. son un eye rolling («Llueve en el único infierno con hielo»), detrás de otro («En el campo amarillo de Antonio Machado»), y otras se enturbian cuando parecía que iban a buen puerto. ‘Océano’ comienza con una frase que te mete en la canción («Hay algo más fuerte que la muerte: el día siguiente») y un fraseo no tan alejado de lo que encontramos en la discografía de Pablo und Destruktion, pero la canción se va torciendo hasta lo imposible, presa de su necesidad de estallar y recular. «¡¡¡La vida no es lo que veías en películas!!!», proclama David Ruiz, aterrorizado. «¡¡¡No jodas!!!», dan ganas de contestarle.
Hay que agradecer, no obstante, la intención política o social de canciones como ‘Campo amarillo’, sobre todo porque la melodía de ‘La inmensidad’ se acerca peligrosamente a los territorios de Taburete. El disco deja buenos momentos como el punteo versus cuerdas graves del inicio de ‘Héroes del sábado’, el guiño a Yann Tiersen de ‘Vals de muchos’, el final de rápido country en ‘La vieja banda’ evitando la típica balada, o la sensación de urgencia de ‘Mil demonios’, que a cada escucha parece ir sonando más y más rápida.
Sin embargo, no hay canción sin algún pero. ‘Salvavida (de las balas perdidas)’ termina siendo una víctima clara de los parámetros estéticos de la crítica musical en las últimas décadas, donde apenas a Fangoria ha salido bien artísticamente su propuesta de «más es más». El libro ‘Música de mierda’ reflexiona ampliamente sobre ello: lo que nos parece feo, excesivo, sobrecargado o kitsch, o que el minimalismo sea bueno per se, es relativo. Así, seguramente algún día La M.O.D.A. sean reconocidos como iconos de su generación al igual que lo han terminado siendo otros grupos muy cuestionados por sus excesos y sus letras como Mecano, Héroes del Silencio, Izal o incluso La Oreja de Van Gogh. Hasta entonces, sí, «los locos» seremos nosotros en «esta obra de teatro a la que llamamos existencia».
Calificación: 4/10 Lo mejor: ‘Mil demonios’, ‘Una canción para no decir te quiero’, ‘Vals de muchos’ Te gustará si te gusta: Mumford & Sons pasados por el filtro de Mastretta y un extraño cruce entre Pablo und Destruktion y Taburete Escúchalo en: Spotify
Como cada mes, renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del momento: MGMT / Me and Michael: Abrimos con el single definitivo del último disco de MGMT, el notable ‘Little Dark Age‘. Hookworms / Static Resistance: Uno de nuestros últimos Discos Recomendados es ‘Microshift‘ de Hookworms, en este caso apto para seguidores de Stereolab y LCD Soundsystem. Carolina Durante / Cayetano: La canción que definitivamente puede lanzar a los madrileños Carolina Durante es una parodia de los votantes de Ciudadanos y el público de Taburete y Morat que cuela (más o menos) como homenaje real. ¿Nuevo ‘El imperio contraataca’? La Bien Querida / Dinamita: Nuevo single, con vídeo estrenado, del último disco de La Bien Querida, ‘Fuego‘. La Plata / Me voy: Otro de los singles contenidos en el recomendable primer disco de La Plata, aquí entre Bowie y Los Planetas. Tracey Thorn / Face: Además de los sencillos bailables contenidos en ‘Record’, el nuevo disco de Tracey Thorn, hay que destacar un par de baladas que crecen mucho con las escuchas. ‘Face’ habla sobre tratar de superar una relación cuando no paras de topar con tu ex en las redes sociales. Natalie Prass / Short Court Style: La canción de regreso de Natalie Prass es apta tanto para sus fans como para aquellos que echen de menos a la Feist de ‘Inside Out’. Rusos Blancos / No es tan difícil: Adelanto del disco que Rusos Blancos sacarán en otoño y del que estrenábamos el vídeo además de presentarlos definitivamente como los nuevos Astrud. Father John Misty / Mr Tillman: Divertidísimo adelanto del próximo disco de Father John Misty, sobre la visita destartalada de él mismo a un hotel. Ataque de Caspa / Telón de acero: Inmediata canción, aunque quizá no la mejor, del nuevo disco de Ataque de Caspa, que aparecía por sorpresa en el tenderete de Madrid Popfest.
Rush Week / Feelings: El nuevo fichaje de Elefant son los americanos Rush Week, que pueden gustar mucho a los seguidores de Lorde, The xx o Tennis. Dua Lipa / IDGAF: Nuevo inesperado éxito del primer disco de Dua Lipa, que a la postre se ha convertido en tremendo «sleeper». Sade / Flower of the Universe: Estupendo single de regreso de Sade, aunque sea para una banda sonora. Poca gente puede saber tanto de canciones. Albin Lee Meldau / The Weight Is Gone: Maravilla del cantautor sueco Albin Lee Meldau, que debería atrapar a todos los seguidores de Mark Ronson. Janelle Monáe / Make Me Feel: Single de regreso de Janelle Monáe, tras su paso por varias películas de renombre como ‘Moonlight‘, que resulta 200% Prince. Sticky M.A., Jerv.AGZ, C. Tangana / Humo y alcohol: Nuevo hitazo del colectivo Agorazein, estas semanas de presentación por Barcelona y Madrid, en este último caso con entradas agotadas y segunda fecha ya a la venta. Sticky M.A. es telonero de Tangana. Azealia Banks / Movin’ On Up: Una de las últimas protagonistas de nuestra sección «La Canción del Día» es esta canción que presenta la próxima mixtape de Azealia Banks, aunque no será el single oficial. Bad Gyal, Dubble Dutch / Tra: Entre las canciones divertidas que aún no han sido single de ‘Worldwide Angel‘, la nueva mixtape de Bad Gyal, ‘Internationally’ o ‘Tra’, sin duda ultra pegadizas. Nos miran / Humo: El hit electropop de Nos miran puede gustar y mucho entre los seguidores de La Prohibida, Javiera Mena o Dënver. ionnalee, TR/ST: Una de nuestras canciones favoritas del disco de ionnalee es la colaboración con TR/ST, si bien no el single ni favorita del público, sí una de las más bailables.
Chvrches, Matt Berninger / My Enemy: Bonito medio tiempo en la estela de ‘Drive’ que los británicos se han marcado en compañía del líder de The National como segundo adelanto de su tercer disco. Twin Shadow, HAIM / Saturdays: Otro extraño conjunto de grupo con artista invitado o viceversa es el que conforma el regreso de Twin Shadow con las hermanas Haim, fiel a la estética ochentera de ambos. Iceage, Sky Ferreira: Nuestra triada de grupos + artista se completa con el tema de rock’n’roll que se han sacado de la manga los siempre agresivos Iceage con una Sky Ferreira que suponemos a punto de volver. Aquí suenan a… ¡Primal Scream con Sky Ferreira! Belako / Lungs: Entre los temas del nuevo disco de Belako está este ‘Lungs’ que alterna guitarras casi jevis y sintetizadores con cierto espíritu «road movie». Anier / Fuego a tregua: Uno de los tiros de la rapera revelación Anier es este ‘Fuego a tregua’ que, como otros de sus temas, se han viralizado a través de Youtube. Yuno / No Going Back: Entre los artistas que hemos presentado en «Revelación o Timo», Yuno, mostrando que el punto medio entre las estrofas de ‘Roar’ de Katy Perry y Tame Impala era posible. Espanto / Los esqueletos: Se sumerge en la tradición, pero de manera muy distinta a la siguiente canción, esta pista que pertenece al nuevo single de los riojanos Espanto, con ‘Tres canciones nuevas’. Mon Laferte / Antes de ti: ‘Antes de ti’ es una gran balada en la estela de los compositores románticos de los 60. Recordamos que aún puedes leer nuestra entrevista con Mon Laferte, su co-autora y co-productora. Everything Is Recorded, Sampha, Owen Pallett / Everything Is Recorded: Entre la enorme cantidad de artistas que ha podido reunir Richard Russell del gran sello XL para su proyecto, están Sampha y Owen Pallett sonando a James Blake o Portishead. Zedd, Maren Morris / The Middle: Aunque no ha gustado nada entre nuestros comentaristas, ‘The Middle’ es uno de los mayores éxitos actuales en todo el mundo, de mano de Zedd.
Hoy se publica ‘Alianza Atlántica’, un nuevo EP de Los Pilotos, el proyecto paralelo de dos miembros de Los Planetas, Banin y Florent. Es la primera parte de una trilogía que se edita en su propio sello Vigilad los Cielos. La principal novedad es la incorporación de voces, en colaboración con reconocidos artistas de América Latina como Javiera Mena, Camilo Lara de Instituto Mexicano del Sonido, Mariana Montenegro de Dënver y Diosque.
Elastic Band, el proyecto de Pablo Román de Cecilia Ann y María Sánchez, dio mucho que hablar en 2008 con la edición de su primer disco, ‘
Una diva pop tiene contrastes: suele despertar amores y odios, suele convertirse en un icono feminista y LGBT a la vez que recibe una gran carga de machismo diario (incluso desde sus propios fans, esto daría para largo). Los profesores le decían a
Drake es en estos momentos el rey del pop en Estados Unidos, con un ‘
Radio 3 y La Casa Encendida celebran una nueva edición de La Radio Encendida, la mítica fiesta gratuita y de cola kilométrica que se celebra en el mencionado espacio cultural de Madrid. Son 11 horas de música en directo que supondrá el 16º aniversario de esta fiesta de la música. El evento será este domingo 18 de marzo, de 12:00 a 23:00 horas y se podrá seguir también a través en Radio 3 y desde las 18:30 a través del videostreaming de la web de la emisora. La entrada es libre, previa recogida de invitaciones en la misma Casa Encendida.
Cuando se anunció que Paramount había vuelto a vender una película de ciencia ficción a Netflix, las imágenes de la horrorosa ‘The Cloverfield Paradox’ regresaron a mi cabeza como el reflujo de un salmorejo de bote. Otra vez la plataforma online sacándole la basura a Hollywood. Sin embargo, ‘Aniquilación’ no olía a podrido: una adaptación del best seller de Jeff VanderMeer (publicado por Destino), protagonizada por Natalie Portman y dirigida por Alex Garland, el estupendo guionista de ‘Nunca me abandones’ o ‘28 días después’, que debutó hace tres años con ‘Ex Machina’. Algo no cuadraba.
Soy Una Pringada va a tener su propia serie en Flooxer, como todo el mundo sabe a estas alturas. La noticia que dejó la ceremonia de 
Uno de los grupos nacionales que más lejos han logrado llegar con un álbum de debut en los últimos tiempos son 
Los grandes ganadores de la noche fueron Maria Arnal i Marcel Bagés. Ganaron todos los premios más importantes excepto el de mejor artista, que fue para Belako. Eso supuso llevarse el premio a mejor canción por ’Tú que vienes a rondarme’ (un tema “sobre un orgasmo para quien no lo sepa”, indicó Arnal), mejor disco del año, mejor disco de pop y mejor artista emergente. En segundo lugar, realizaron una actuación de cortar el hipo de la canción titular de ’45 cerebros y un corazón’ que gustó tanto a 
Hablando de color, La Prohibida, que por supuesto es una artista independiente, entregaba el premio a mejor grabación de electrónica, porque por supuesto es una artista de música electrónica. Solo dijo una frase pero fue muy significativa, en referencia a 
Si las ceremonias de premios son noticia por su falta de espontaneidad, hay que hacer mención a la intervención de Arkano, que hasta dos veces improvisó un rap (una sin micrófono, otra una actuación oficial) sobre palabras que salían en la gala o entre el público. Es todo un espectáculo de ver en vivo, pese al pobre asistente que no quiso participar por vergüenza o lo que sea y recibió uno de sus escupitajos: “No dice nada (pero) lo ves, parece un imputado del PP”.
Los Planetas estuvieron entre los grandes derrotados de la noche al no ganar el premio a mejor disco, mejor canción, mejor directo, mejor artista… Pero sí arañaron la mejor producción. Subieron a recogerlo entre minis (aunque no estaba Eric con lo del whisky con MDMA) y Jota, que parecía portar algo parecido a un gin tonic (juraría que fue el único que paseó un vaso con misterio por el escenario), indicó, tristemente, que nunca le habían dado un premio en su vida.
Operación Triunfo protagonizó un debate entre las intervenciones que no me esperaba. Rosa Pérez de Fluido Rosa (Premio Honorífico Mario Pacheco) pidió que se apoyara más el underground que sale de las alcantarillas y menos a las versiones, Carmona había pedido que al menos en OT se interpretaran más canciones nacionales y la presentadora hizo chistes sobre la pesadez de ‘Tu canción’. El director de márketing de Live Nation, Joe Pérez-Orive, que ha participado en Operación Triunfo y presentaba un premio, defendió que Amaia y Alfred escuchan “música independiente aunque no hubieran podido ir”.
Charlie Puth había retrasado la salida de su nuevo disco, ‘Voicenotes’, de enero a una fecha futura todavía sin definir para seguir trabajando en él, ya que todavía no lo consideraba terminado. Y aquí seguimos, rozando abril de 2018 y sin disco nuevo de Charlie Puth, cuando su primer single, ‘
Zayn Malik, protagonista involuntario de uno de los momentazos pop que nos dio, hace unos años, el fallecido 
Snapchat ha tomado una decisión polémica esta semana mostrando un anuncio interactivo de bastante mal gusto en su app con el nombre “¿Qué harías?”, en el que se ofrecía a los usuarios la opción de “abofetear a Rihanna” o “golpear a Chris Brown”. El anuncio ha recibido críticas en redes sociales por considerarse que ridiculiza la violencia de género, dado que Rihanna fue víctima de maltrato por parte de Chris Brown en 2009.
Lady Gaga y Florence + the Machine cantaron juntas la balada ‘Hey Girl’, incluida en el último disco de la primera, ‘
La noruega 
“¿Eres JENESAISPOP?”, pregunta un chico al salir del metro de Antón Martín, donde hemos quedado hace media hora. “¿Eres PUTOCHINOMARICÓN?”, tendría que haber contestado en lo que podría haber sido la conversación más absurda en 1 kilómetro a la redonda. He quedado con Chenta Tsai en el centro de Madrid para hablar de su proyecto y también para concretar su participación en una nueva sección del site, en la que distintos músicos y personalidades hablarán de un tema del que sean expertos o fans. Ante la falta de sitio en los bares tranquilos de la zona -y media hora esperando a un artista da para mucha búsqueda- terminamos en un indio de la calle Atocha donde, por la hora que es (17.30), estamos solos. Chenta pide leche de soja y yo un té rojo con sacarina. No hay ni de lo uno ni de lo otro y juraría que los camareros -dos, uno para cada uno- flipan con nuestros temas de conversación, pero quizá solo sea mi imaginación.
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Más allá de un sorprendente remix de los colombianos 
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En el verano de 2014 
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