Smerz, el original dúo noruego formado por Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt, publica nuevo disco el 23 de mayo, ‘Big City Life’. El sucesor de ‘Believer‘ (2021) se ha hecho esperar cuatro años. En medio, Smerz publicaron un EP inspirado en el pop de los 2000, ‘Allina’, y una obra coral junto al conjunto vocal GAEA, ‘Tidligere den dagen‘, ambos en 2024.
El primer adelanto de ‘Big City Life’ ha sido ‘A Thousand Lies’, pero la verdadera apuesta para la promoción del disco es ‘You Got Time and I Got Money’, la Canción Del Día para hoy domingo.
‘You Got Time and I Got Money’ es algo así como el ‘Bittersweet Symphony‘ de Smerz, una comparación inevitable escuchando el arreglo de cuerdas de la canción. Aunque la composición de ‘You Got Time and I Got Money’ bebe más de la canción romántica de los 70 que del britpop, es innegable que la melodía de cuerdas convierte la canción en una joya.
‘You Got Time and I Got Money’ expone otro tipo de romanticismo basado en una convergencia entre dinero, amor y deseo, no se sabe si en este orden o en el inverso. El punto de vista es masculino («soy tuyo, soy tu chico») pero no turbio, sino enamorado y devoto: «Quiero verte desnuda, aunque me guste cómo vistes», «Cuando estoy contigo me siento paciente, quiero llevarte de vacaciones» o «Me gusta cómo te mueves, cuando me despierto a tu lado» son algunas de las frases que expresa el narrador. Aquí hay moneda, pero también sentimiento.
Billboard Women in Music, la gala que celebra el trabajo de las mujeres en la música, ha celebrado una nueva gala este sábado 30 de marzo. Laverne Cox ha presentado la ceremonia, que ha desplegado su alfombra en el YouTube Theater de Hollywood Park, Inglewood, en California.
La protagonista de la noche ha sido Doechii, que ha recogido el premio a Mujer del año (en otras ediciones entregado a Madonna, Lana Del Rey o Taylor Swift) y ha ofrecido un discurso reivindicando la «necesidad» de que se celebre un evento de este tipo.
Otras premiadas en la gala de Billboard Women in Music han sido Aespa (Grupo del año), Erykah Badu (Icono), Gracie Abrams (Compositora del año), Jennie (Fuerza global), Meghan Trainor (Hitmaker del año) o Muni Long (Estrella en ascenso).
Algunas de las artistas galardonadas han actuado, a destacar Erykah Badu, que ha cantado ‘Appletree’ vestida con un curioso atuendo. aespa, Ángela Aguilar, Gracie Abrams, Megan Moroney, Muni Long y Tyla también se han subido al escenario del Youtube Theatre. Entre las invitadas, Kali Uchis, Becky G, Tina Knowles o Heidi Montag.
Perfume Genius lleva más de una década construyendo un universo musical único que le ha convertido en un nombre imprescindible en el indie contemporáneo. Tres años después del experimental ‘Ugly Season’, Mike Hadreas regresa con ‘Glory’, un álbum rebosante de personalidad e ideas. Hablamos con él en su visita a Madrid sobre cómo ha sido su proceso creativo en esta ocasión, el auge del country en la música actual o la alarmante situación a la que se enfrentan ahora mismo las personas trans en Estados Unidos, entre otras cosas.
Este es tu séptimo álbum. Han pasado 15 años desde tu debut, ¿qué has aprendido de ti mismo como artista en este tiempo?
Muchas cosas. Casi todo según lo iba haciendo. En mi primer álbum están las primeras canciones que había escrito nunca, todas las grabé en casa y nunca había cantado delante de alguien antes. En esa gira fue la primera vez que actué delante de gente y no sabía ni cómo usar un micrófono. Recuerdo que en mi primer concierto estaba cantando y vino alguien [del equipo técnico] y me lo puso delante de mí. [risas] Con el segundo disco, era la primera vez que estaba en un estudio y empecé a pensar en cómo podía perderle el miedo a mirar al público. Me deshice del piano, empecé a moverme más en el escenario… Han sido muchas cosas.
Se puede ver en tu música. Tus dos primeros álbumes eran más íntimos, después hay una especie de explosión con ‘Too Bright’.
Sí, y es una locura hacer ese cambio delante de gente. Me resultó muy intenso, porque hasta ese primer disco, nunca había escrito una canción, todo pasó muy rápido. Y con este álbum en concreto he pensado un poco en eso. Me encanta mi primer disco, estoy muy orgulloso de las letras y quería escribir de esa forma otra vez. Creo que lo necesitaba para las cosas de las que quería hablar.
Es curioso que digas esto, porque escuchando el disco me vino a la cabeza tu canción ‘Mr. Peterson’, esa manera tan poética y esquemática de escribir.
Buscaba eso, porque en mis dos últimos álbumes había mucho sentimiento a flor de piel. En los primeros dos discos había una especie de distancia en la escritura, parecía que estaba observando desde lejos, tomando referencias de diferentes lugares. Había cierta elegancia en esa forma de escribir, pero dejó de inspirarme tanto. Por eso los últimos dos álbumes tenían una energía más visceral, me inspiraba estar en el centro de las cosas. En este sigue habiendo muchas emociones catárticas e intensas, aunque con un tono más reflexivo, más sereno. De alguna manera, volví a la forma en que solía escribir, que creo que estaba muy influenciada por la lectura. Cuando comencé a escribir canciones, leía muchísimo, historias cortas sobre todo. Pero dejé de leer durante unos diez años, y quería retomarlo porque siento que escribo mejor cuando leo. De la misma forma que creo que mi música es mejor gracias a que escucho muchísima música.
¿Qué has leído últimamente?
No demasiado [risas]. He leído ‘Lapvona’. Siempre tiendo a leer cosas bastante sombrías… No sé por qué lo hago, pero me gustan los textos que son muy concisos y llenos de sentimiento. No diría que son fríos, pero sí están escritos de manera directa y precisa. Leí ‘Rejection’, una colección de cuentos cortos que era bastante jodida. También he pasado años leyendo mucha fantasía y ciencia ficción. Así que, en realidad, nunca dejé de leer, pero cuando era más joven solo quería leer cosas difíciles, como si tuviera más resistencia o algo así. Lo mismo me pasó con la televisión y el cine. He estado mucho tiempo viendo mucha basura. Pero siento que para este disco era importante aprovechar todo lo que he aprendido y todo lo que tengo a mi alcance. La gente que conozco y quiero, las personas con las que hice estos discos… sé que somos capaces de cualquier cosa. Podemos hacer algo pequeño y minimalista si fuera adecuado, pero también podríamos llevarlo completamente al otro extremo si quisiéramos. Y creo que en cada etapa de este proceso fui mucho más consciente de esto.
«Cuando empecé a escribir este álbum pensaba: «¿Qué más tengo que decir? ¿Qué me queda por decir que realmente importe?»»
¿Dirías que has ganado confianza como artista?
En cierto modo, sí, confianza, pero también sentí [haciendo ‘Glory’] que era difícil porque he pasado por esto muchas veces. Recuerdo que cuando empecé a escribir este álbum pensaba: «¿Qué más tengo que decir? ¿Qué me queda por decir que realmente importe?». Llevo diciendo cosas mucho tiempo, así que me preguntaba qué podía decir que se sintiera inspirado y diferente de lo que ya había dicho antes. Hacer un disco en el que usara todo lo que he aprendido pero que no sonase a nada que ya hubiera hecho, que tuviera conexión con todo, pero que aún se sintiera nuevo e importante.
¿Cómo fue el proceso de crear ‘Glory’?
Cada vez que hago un disco, el proceso es más o menos el mismo. Paso mucho tiempo haciendo un montón de cosas y luego mi cerebro necesita vaciarse por completo. No hago nada, solo juego videojuegos. Alan, mi novio, se enfada mucho conmigo por eso. Y yo le digo: «Alan, ten un poco de fe en mí». Porque realmente estoy vaciando mi mente para que pueda entrar algo nuevo. Él cree que es una excusa, pero no lo es. De verdad es importante, porque si no, acabaría repitiéndome.
Necesito ese vacío para poder descubrir qué hay ahí dentro. No quiero hacer lo mismo de siempre, quiero llegar a un nivel en el que no haya estado antes. Quizás sí me estoy excusando, no lo sé. Pero hasta ahora, este método me ha funcionado. Me encanta este nuevo disco y ya he hecho muchos antes, así que debe haber algo en mi proceso que realmente funcione.
Esta vez has incluido a más gente en ese proceso de lo habitual, ¿no?
Sí. Alan es muy bueno ayudándome a enlazar ideas. A veces tengo una canción que me encanta pero que no siento terminada, y él me dice: «¿Te acuerdas de esa otra demo? Podría funcionar como el estribillo de esta canción». Es mucho más meticuloso, más riguroso que yo. Tuvo una educación musical clásica, le encanta ensayar y repetir las cosas una y otra vez. Y yo no soy así, no me gusta, pero lo necesito. Entonces encontramos un punto de equilibrio. Lo mismo pasa con Blake [Mills] y la banda. Todos nos complementamos, nos ayudamos a potenciar las ideas del otro. Y aunque esta vez fue más colaborativo, se siente más mío también.
Canciones como ‘It’s a Mirror’ o ‘No Front Teeth’ tienen cierto toque country. Me parece muy interesante lo que está pasando con el género últimamente, con tantos artistas acercándose a él de formas tan diversas, ¿por qué crees que ahora mismo resulta tan atractivo explorarlo?
No sé, creo que hay algo de sinceridad en ello. Las canciones country siempre han sido muy directas, todo está sobre la mesa. Explican el problema completamente, tipo «Ella me engañó, así que la maté» [risas]. Hay algo muy satisfactorio en eso, quizá porque por un tiempo no fue así, porque la sinceridad ha estado en segundo plano. Creo que la gente estaba antes obsesionada con que todo pareciera distante, como en aparentar, en “servir”, en cierto sentido. Pero eso ya no me interesa. Con este disco, le dije a Cody, el fotógrafo: «No quiero servir en absoluto». O sea, no quiero… pero sí, quiero servir no sirviendo. ¿Me entiendes? [risas]
¡Lo de esa portada es “servir”!
¡Lo es! Pero no estaba intentando «servir». No sé cómo explicarlo. Pero eso, creo que el country ha sido un género muy excluyente, poco accesible si no encajabas en su demografía. Así que hay algo muy satisfactorio en romper con eso. También, yo crecí escuchando country, sobre todo el más antiguo. No tanto el country moderno, aunque hay algunas canciones geniales. No sé realmente por qué me atrae. Tal vez haya algo en el ambiente.
«Ya no me interesa «servir»»
Me encanta ‘Me and Angel’, me recuerda a las baladas de ‘Put Your Back N2 It’.
A mí también. Me emociona muchísimo. Estoy muy orgulloso de ella porque, cuando la escribí, todavía no tenía todas las líneas. Sentía que, para que funcionara, la letra tenía que ser muy buena. Tenía que ser muy sincera. Y eso es difícil. Es muy difícil sentarse y decir: «Voy a escribir algo sincero y real». Si fuera solo para mí, quizá sería más fácil, pero sé que voy a tener que llevarla al estudio, compartirla con todos, y después la escuchará mucha gente. Así que despojarme de todo eso y llegar a un lugar más humilde, donde solo escribo mi primer pensamiento, lo que realmente siento, se vuelve complicado. Pero cuando lo consigues, es muy especial. Estoy muy orgulloso de esa canción.
Para mí tus canciones son muy cinematográficas, ¿hay algún director o alguna película cuyo estilo te inspire?
Totalmente. Hasta las referencias para la portada eran escenas de películas. Le envié a Cody una web que hice con todas estas escenas, no por lo visual, sino por cómo se sentían. Creo que he estado hablando mucho de David Lynch hoy, y con razón. Es una gran influencia para mí. Las partituras de Angelo Badalamenti, son muy importantes para mí, al igual que Julee Cruise.
También me atrae ese estilo frío y minimalista, como en las películas de Michael Haneke, ‘La pianista’, por ejemplo. Ese tipo de cine perturbador, con actuaciones como la de Isabelle Huppert. Pero, por ejemplo, puedes poner la banda sonora de Twin Peaks en una habitación y, de inmediato, se siente inquietante y extraña. Pienso en la música de esa manera. Casi físicamente. Pienso en cómo cambiaría una canción la atmósfera en un espacio, o cómo afectaría la forma en que alguien se siente en su cuerpo. Es parecido a lo que sucede con las películas. Cuando las ves, te sumerges completamente en ellas. No suelo llorar en mi día a día, pero lloro muy fácilmente con la música y el cine. Me afectan de inmediato. Puedo estar en el coche riéndome con Alan y, de repente, una canción empieza a sonar y me pongo a llorar. Cuando veo una película de terror, Alan se burla de mí porque dice que las veo con los ojos bien abiertos, completamente inmerso. Creo que cuando hago música, intento crear algo así, algo tridimensional. No solo una idea intelectual, sino algo que lo abarque todo.
Los vídeos de ‘No Front Teeth’ e ‘It’s a Mirror’ parecen cortometrajes, ¿qué me puedes decir de la representación del género, la sexualidad y el cuerpo en ellos?
Es curioso porque no es que lo haga con una intención política o deliberada. Es solo lo que quiero hacer. Y supongo que, al hacerlo, termina convirtiéndose en una elección o en una declaración de algún tipo.
Sobre el género… Recuerdo que en la época de ‘Too Bright’, sí era muy intencionado, muy rebelde. Estaba muy interesado en desafiar las normas y en confrontarlas. Pero ahora creo que ya no lo pienso tanto, tal vez porque sé que, de todas formas, voy a seguir haciéndolo, así que no necesito preocuparme por ello. Creo que, más que nada, cuanto más mayor me hago, menos me obsesiona descubrir mi identidad. Ya no me importa tanto. Pero justamente porque ya no me importa, todo se ha vuelto mucho más abierto. Tal vez la gente más joven que yo llegó a esta conclusión antes, pero yo ya no me siento tan atado a nada. Mis ideas sobre mí mismo son mucho más flexibles. Me reía con Alan porque le decía que me siento no binario en todo, incluso con mi edad, con todo en general. No siento que haya nada binario. Pero, al mismo tiempo, cuando lo hay, tampoco me importa. Es como si existiera y no existiera a la vez, y ya no intento reconciliar esas ideas. Antes pensaba en mi masculinidad como algo que funcionaba en una escala, como si al aumentar una parte, la otra tuviera que disminuir. Ahora simplemente siento que ambas cosas están ahí juntas, en un nivel alto. Y eso me ha liberado de preocuparme por ello. Solo hago lo que quiero.
«Cuanto más mayor me hago, menos me obsesiona descubrir mi identidad»
Estados Unidos atraviesa un momento preocupante para la gente LGTB, especialmente para las personas trans, ¿crees que la música puede, en cierta medida, aliviar ese miedo?
Creo que sí y también sirve como un recordatorio de que existen, de que no puedes deshacerte de las personas trans, de que no puedes borrarlas. Es un documento de su existencia.
Sinceramente, no tengo ninguna fe en ningún sistema ni en ninguna persona con poder para cambiar las cosas. No creo que eso vaya a mejorar, creo que solo va a empeorar. Tampoco soy una persona activa en el sentido de organizar movimientos, creo que el activismo es una verdadera habilidad. Hay personas que tienen una gran capacidad para organizar, y yo no la tengo en absoluto. Puedo hacer cosas que sé que serán esperanzadoras, pero no sé si eso realmente cambia mucho. Lo que he estado pensando últimamente es en mis amigos, en lo que puedo hacer por las personas que conozco. Y también lo que puedo hacer a mayor escala. Siento que es muy importante cuidar a los demás, especialmente porque los sistemas grandes no lo harán por ti. Todo el mundo está asustado. La gente no sabe cómo reaccionar, no sabe qué hacer. El mundo nunca ha sido seguro para las personas trans, pero cuando cada día en las noticias hay algo aún más aterrador, no sé cómo uno puede seguir adelante. Se hace cada vez más difícil seguir viviendo en un lugar donde constantemente tratan de hacerte sentir que no deberías existir.
Completamente. Aunque la visibilidad creo que ha aportado muchas cosas buenas, y sigue haciéndolo. Cuando lanzaste ‘Too Bright’ el tema del nobinarismo era muy nuevo, ahora se ve muchísimo más. Hay algo esperanzador ahí, ¿no?
Por supuesto. Y también se siente más orgánico. He conocido a mucha gente joven que no tiene el mismo apego a esas ideas [antiguas], al bagaje que conllevan. Esas ideas fueron difíciles de alcanzar para mucha gente, requiere mucho esfuerzo llegar a ellas colectivamente. Y seguro que todavía hay muchas dificultades, pero también siento que ahora es algo más integrado, algo que está en el tejido mismo de las cosas para la gente. Simplemente, un hecho reconocido. Creo que también por eso quitar la «T» de LGBT y cosas por el estilo es tan aterrador, porque parecía que las cosas se estaban acercando a ser un hecho establecido, a algo que simplemente forma parte de la existencia.
Para terminar, una pregunta más ligera: ¿Cómo describirías ‘Glory’ en tres palabras?
Asustado, tierno y dispuesto.
El cantautor canadiense Yves Jarvis llega a su quinto álbum con el propósito de buscar una mayor claridad sonora. Para conseguirlo, decidió probar estructuras más convencionales de lo que solía acostumbrar, haciendo un amplio uso de ganchos y estribillos. Además, hay una evidente intención de depuración estilística, de atrapar lo máximo posible en muy poco tiempo.
A diferencia de la música mainstream, que cada vez se va acortando más por culpa de algoritmos y presiones de la industria, las canciones de ‘All Cylinders’, pese a su brevedad, no buscan un viral en TikTok ni más reproducciones en Spotify, sino que responden a una elección 100% artística. El álbum completo dura tan solo 26 minutos, pero está cargado hasta los topes de ideas y géneros. Basta con una escucha activa para darse cuenta de que es un trabajo complejo, a menudo camuflado con una levedad engañosa gracias a sus melodías accesibles. Cada canción en ‘All Cylinders’ está repleta de giros impredecibles y detalles inesperados.
‘The Knife In Me’ parece un animado corte funk hasta que se transforma, de manera muy orgánica y sin brusquedad, en una balada folk de tintes sesenteros. El folk psicodélico del principio de ‘I’m Your Boy’ va mutando progresivamente en un pop rock tipo Beatles. Las primeras notas de ‘Warp and Wolf’ se acercan al country pero no tarda en asentarse en el rock & roll clásico. O al menos en su mayor parte, porque las canciones de Jarvis nunca llegan a asentarse del todo en nada concreto, son escurridizas y juguetonas.
Las mejores, sin embargo, son a menudo las más tangibles -para los estándares del artista-, como ‘Decision Tree’, el tema más pop de proyecto, muy en la línea del R&B guitarrero de Mk.gee y Dijon, por poner referentes actuales. También destacan ‘With A Grain’, la apertura del álbum, que es una sólida y muy agradable muestra de rock jazzístico, y los números soul de la delicada balada ‘All Cylinders’, y la más psicodélica ‘Gold Filigree’.
Mediante producciones muy cuidadas y exclusivamente compuestas por él, Yves Jarvis entrega más protagonismo a su voz y las letras que nunca. Él mismo cuenta que nunca se había considerado un cantautor como tal hasta este disco, ya que en su música lo principal eran los experimentos sonoros. En ‘All Cylinders’ ha logrado equilibrar ambas cosas sin perder un ápice de autenticidad, demostrando que su arte es polifacético. Su sello autoral permanece intacto a lo largo de las doce pistas que componen un trabajo tan accesible como esquivo, tan ligero como denso.
Una semana ha durado la felicidad a Chappell Roan como lo más votado de JENESAISPOP, pues Lady Gaga recupera el número 1 con ‘Abracadabra’ en los días en que se han anunciado sus conciertos en España. Lady Gaga ha ganado en las Stories de Instagram con el 45% de los votos, dejando a Chappell Roan en segundo lugar con el 34%. Esta es verdad que competía contra sí misma con una novedad y ‘The Giver‘ de hecho es la entrada más fuerte de la semana. Lil Nas X también llega al top 10 y Rebecca Black, al top 15.
Hollywood ha rectificado su respuesta al ataque sufrido por el cineasta palestino Hamdan Ballal en Cisjordania tras la presión ejercida por más de 600 miembros de la Academia que habían firmado una carta conjunta expresando su decepción con el equidistante comunicado inicial publicado por la Academia, que denunciaba el ataque a Ballal indirectamente sin nombrar al cineasta ni su documental galardonado con un Oscar, ‘No Other Land’.
«Nos disculpamos sinceramente con el Sr. Ballal y todos los artistas que se sintieron insatisfechos con nuestra declaración anterior y queremos dejar claro que la Academia condena este tipo de violencia en cualquier parte del mundo», reza el comunicado citado por Heraldo. La Academia condena el «brutal ataque de Israel» y la «supresión de la libertad de expresión bajo cualquier circunstancia».
Penélope Cruz y Javier Bardem se encontraban entre los más de 600 miembros de la Academia de cine de Estados Unidos que firmaban una carta conjunta condenando la «falta de apoyo» de Hollywood a Hamdan Ballal, el cineasta palestino galardonado este año con un Oscar que esta semana ha sido secuestrado, agredido y finalmente liberado por fuerzas israelíes en Cisjordania.
En su comunicado, la Academia aludía al ataque sufrido por Ballal de manera indirecta, sin nombrar directamente ni al cineasta ni el documental que ha co-dirigido. Además, destacaba que «la Academia representa a cerca de 11.000 miembros de todo el mundo con perspectivas muy diversas”.
A Cruz y Bardem, entre otros, la respuesta de la Academia a este «asalto brutal» sufrido por Ballal les parecía insuficiente. Por ello, suscribían un comunicado alternativo, en el que argumentaban que «es indefendible que una organización reconozca una película con un premio la primera semana de marzo y luego no defienda a sus cineastas tan solo unas semanas después”. Opinaban que la Academia se ha quedado corta y que su comunicado no refleja «el sentimiento que este momento requiere».
En el texto, los firmantes destacaban los «riesgos extremos» a los que se exponen los documentalistas «para iluminar al mundo», prometían seguir cuidando de Ballal y de su equipo y anunciaban que «no nos andaremos con rodeos cuando esté en juego la seguridad de nuestros compañeros artistas”.
Rufus T. Firefly continúa la promoción de su próximo disco, ‘Todas las cosas buenas’, que se publica en una fecha por determinar del mes de abril. ‘Canción de paz‘, el primer adelanto, ha sido sorprendente por su aproximación a la bossa nova. El segundo, ‘La Plaza’, vuelve a renovar el sonido de la banda de Aranjuez tirando de influencias muy diferentes.
‘La Plaza’ es una canción de puro indie-pop, accesible, inmediata y luminosa como muy pocas canciones de Rufus T. Firefly lo han sido. Si visitas ‘La Plaza’ para encontrar una capa psicodélica que te remita a la obra temprana de los Rufus, buena suerte.
Pero, en esta depuración de su sonido, Rufus T. Firefly obtiene una de sus mejores canciones. El estilo de ‘La Plaza’ lleva a influencias -citadas en la nota de prensa- de los Smiths o los Cure de ‘Boys Don’t Cry’. Mirando al siglo XXI, el recuerdo de los Real Estate de ‘Days‘ (2011) es inevitable (consciente o no). A Víctor Cabezuelo toda esta luz no le ciega a la hora de escribir otra de sus elegantes melodías.
Cargada de melancolía, ‘La Plaza’ es otra de esas canciones de Rufus T. Firefly escritas en tercera persona que retratan, de manera más o menos idealista, una figura femenina. La canción «habla, con admiración, de alguien que, a pesar de la adversidad y los continuos golpes de la vida, consigue sacar fuerzas para seguir adelante, cruzando la plaza día tras día». La protagonista de ‘La Plaza’ es tan valiente que «ni siquiera el diablo va a plantarle cara», y tan íntegra que, aunque «todos tenemos una alma que vender», ella «no lo hará».
La gira con auriculares de ‘Todas las cosas buenas’ sigue a partir de este domingo en las siguientes ciudades:
30 de marzo, Zamora
3 de abril, Barcelona
4 de abril, La Laguna
5 de abril, Lanzarote
10 de abril, Valencia
19 de abril, San Vicente do Mar
Young Scooter, rapero estadounidense conocido por su éxito ‘Jugg King’, ha muerto este viernes 28 de marzo, en el día de su cumpleaños, tras una persecución policial en Atlanta. Según la información oficial, Scooter saltó dos vallas mientras huía de los agentes, en la caída se hirió una pierna y finalmente falleció en un hospital de Atlanta. Tenía 39 años.
La policía acudió a la residencia donde se encontraba Young Scooter alertada por la llamada de unos vecinos que habían escuchado disparos y visto a una mujer siendo arrastrada hacia el interior de la casa mientras intentaba escapar, informa el New York Post. La persecución empezó cuando la policía llamó a la puerta, un hombre la abrió y la cerró inmediatamente al ver a los agentes. Un hombre huyó por la parte trasera de la casa y Young Scooter saltó dos vallas.
Young Scooter, cuyo nombre real era Kenneth Edward Bailey, fue un rapero relativamente conocido en Estados Unidos, sobre todo en el entorno de Future, que fichó a Young Scooter a su sello, Freebanz, en 2012. En aquel año, Scooter obtuvo su primer éxito regional, ‘Colombia’, incluido en su primer mixtape.
Young Scooter publicó una veintena de mixtapes y es conocido por su éxito en solitario ‘Jugg King’, que suma cerca de 30 millones de streamings en Spotify, y por ‘Jet Lag’, una colaboración con Future y Juice WLRD que dio a Scooter su única entrada en el Billboard Hot 100 en 2018. Scooter colaboró también con Gucci Mane, Juicy J, Migos o Young Thug.
La representación de la vejez propia es un recurso empleado en el pop de forma más esporádica que habitual. Últimamente, The Weeknd ha salido envejecido en la portada de uno de sus discos. Y no quedan lejos el videoclip de ‘The One that Got Away‘ (2010) de Katy Perry o aquel sketch de Saturday Night Live en el que una anciana Lady Gaga recordaba sus años de gloria.
Ariana Grande utiliza este recurso en ‘brighter days ahead’, la película que acompaña el lanzamiento de la reedición de su último disco, ‘eternal sunshine’ (2024). Es una auténtica superproducción audiovisual que concluye la era por todo lo alto.
En ‘brighter days ahead’, Ariana recupera el personaje de Peaches, el mismo que protagoniza el videoclip de ‘we can’t be friends (wait for your love)‘, inspirado en la película ‘¡olvídate de mí!’ (2004). En ‘brighter days ahead’, Ariana interpreta una versión del personaje ambientada en un futuro muy lejano, blackmirroresco, convertida en una anciana que ha perdido la mayor parte de su memoria y conserva apenas cuatro recuerdos de su vida (además de sus uñas de gel).
En silla de ruedas e incapaz de hablar, Peaches decide visualizar sus últimos cuatro recuerdos, los cuales se autodestruyen para siempre una vez han sido reproducidos. Sin revelar demasiado del contenido de la película, Ariana incluye referencias que van de ‘Frankenstein’ al apocalipsis pasando por su fascinación por la figura de Imogen Heap o su infancia.
La selección musical de ‘brighter days ahead’, por otro lado, no se limita a las pistas recién publicadas de la reedición, sino que recupera algunas liberadas en la primera edición del álbum, como ‘eternal sunshine’ o ‘supernatural’. En ‘brighter days ahead’, Ariana ofrece una emotiva reflexión sobre la madurez, el paso del tiempo y la importancia de «vivir cada día como si fuera el último».
Martin Urrutia ha hablado con la prensa estadounidense, en concreto con el portal Variety, sobre su trabajo en ‘Mariliendre‘, la nueva producción de Suma Content, la productora de Los Javis, y sobre la creación de su disco de debut. Urrutia confirma que «la idea es lanzar singles a lo largo de 2025 y publicar el disco a finales de año».
Eso es todo lo que Urrutia comparte sobre su disco. No confirma si el álbum cobijará su primer single, ‘Rompeolas’, que supera los 12 millones de streamings en Spotify, o ‘El Destello’, su dueto con Juanjo Bona producido por Hidrogenesse, una de las Mejores Canciones de 2024.
Sobre ‘Mariliendre’, Urrutia comenta el carácter de su personaje, Jeremías, que en la ficción cuenta 30 años, cuando él va a cumplir 20 este domingo 30 de marzo. «He tenido que imaginar todo lo que ha vivido, el duelo, la distancia de los amigos, el trauma. He trabajado codo con codo con mi profesor Rubén Martínez para construir la corporalidad y el peso emocional que requería el personaje. La versión más joven de Jeremías ha salido de forma más natural».
La primera presentación oficial de ‘Mariliendre’ ha tenido lugar esta semana en la clausura del Festival de Málaga. En rueda de prensa, Javier Ambrossi y Javier Calvo han declarado que, en la serie, «se ha hecho un homenaje a ese momento de nuestra vida en el que las personas LGTBI podemos ser felices».
‘Mariliendre’, una creación de Javier Ferreiro (‘Vestidas de azul’), que dirige los seis capítulos de la serie, está protagonizada por Meri Román (Blanca Martínez Rodrigo), una «antigua reina de la noche gay madrileña que, diez años después de alcanzar esa fama, se ha convertido en una diva destronada y atormentada por su pasado». Urrutia comparte reparto con Omar Ayuso o Yenesi, entre otros. La serie se estrena en AtresPlayer el 27 de abril.
Violeta Hódar no llegó a la final de OT 2023, pero igualmente se convirtió en una de las concursantes favoritas de la temporada. La artista de 24 años, nacida en Motril, ya demostró su capacidad para el pop de calidad con lanzamientos como ‘el x venir‘, ‘LIBERTÁ’ y, la más reciente, ‘Palmas y Desamores’. Ahora, está preparada para desvelar el proyecto que mejor le representa: un disco conceptual que sale este mismo año. Exclusiva, por cierto.
‘Ojalá’ es el reposado primer adelanto del misterioso álbum, del cual Violeta da detalles a cuentagotas. Hablamos con ella sobre los aspectos que más le han chocado de la industria musical, el amor, los fans de OT y su devoción por Beyoncé y el R&B.
¿Cómo has vivido toda esta etapa después de OT?
Mi principal objetivo era aprender, entender la industria, entender cómo funciona un proceso creativo y descubrirme mucho a mí también, porque al final yo siempre he hecho música. Estuve en el conservatorio diez años de mi vida, pero es muy diferente tener la oportunidad de hacer tu proyecto personal.
Tocabas el clarinete, ¿no?
Sí.
¿Ya no lo tocas?
¡Sí! Me lo he subido a Madrid y a veces lo toco, pero es verdad que el conservatorio era una relación muy tóxica. Lo pasé mal, pero ahora lo agradezco mucho y me alegro de tener ese bagaje musical y ese conocimiento que te da el conservatorio. Aunque parezca que no tiene nada que ver porque es música clásica, al final es conocimiento musical que nunca está de más.
«La industria parece que está muy expuesta, pero también es muy hermética»
¿Qué es lo que más te sorprendió de la industria?
Es una industria que siento que aunque está muy expuesta, a la vez es muy hermética. Creo que hay muchos focos, hay muchas cámaras y parece que se ven muchas cosas, pero realmente se ve poco de cómo es el proceso de hacer un álbum, de cuánto cuesta… Por ejemplo, Bad Gyal sacó ‘La Joia‘ y se vio que a veces no todo es pisar rosas y que no haces una canción y al dia siguiente se puede publicar. Hay muchos intereses que no van contigo, pero de repente se ven envueltos en algo que haces tú de manera genuina.
He hablado con Paul Thin, Martin Urrutia y Juanjo Bona y a todos les he preguntado por cómo han llevado la fama, los fans… ¿Cómo lo has gestionado tú? Porque los fans de OT son muy especiales.
Sí, es como una cosa incondicional que, evidentemente, no hay que dar por sentado, porque considero que tengo mucha suerte por toda esta gente que me sigue, que me apoya y tal, pero hay que cuidarlo. Siento también que los fans de OT muchas veces son fans del formato y realmente la hora de la verdad es cuando tú empiezas a presentar tu música y te enseñas al mundo. Sobre todo, tengo ganas de que conozcan realmente cuáles son mis aspiraciones musicales.
¿Cuáles son?
¡Uf! Diría que mi mayor ambición en la música es tener una huella personal y auténtica, y que todo el mundo me siga por lo que soy y por lo que hago.
Ha salido ‘Ojalá’, el primer adelanto de tu disco. Para mí, ‘el x venir’ y ‘LIBERTÁ’ eran bangers directos y en esta he encontrado un tono más recatado, con más profundidad.
Cuando hice ‘Ojalá’ sabía que tenía que salir pronto porque siento que estoy mostrando una nueva faceta. Siento que tiene un sonido más maduro. Hay otro semblante. De hecho, hay gente que grabó conmigo cuando yo salí de OT y que al escuchar estas nuevas canciones me han dicho que se me nota en la forma de interpretar.
«La industria a veces se convierte en un McDonald’s, rollo fast music, fast fashion»
¿Es una canción que ha surgido directamente en el estudio o…?
Todavía no puedo desvelar muchas cosas porque llevo mucho tiempo preparando esto y hay un álbum conceptual muy claro y muy sólido. La industria a veces se convierte en un McDonald’s, rollo fast music, fast fashion, fast food, fast todo… Mi intención es que se saboree también el camino. Los proyectos artísticos que más admiro tienen ese peso y se disfrutan poco a poco. Un día, me acosté en la cama sÚper tarde, muerta de trabajar y, de repente, me vino como una epifanía: «Esto es lo que estoy buscando, este tiene que ser el concepto y no hay otra opción posible». Desde ahí, todo lo que hice fue caminar hacia allá. Así que cuando se desvele un poco… aunque ya hay mucha gente que yo leo en redes y que como que…
¿Que tiene una idea de lo que puede ser?
Sí, y están caliente, caliente. Me quedo flipando. Yo soy mucho de soltar pistas por redes y la gente es muy lista. ‘Ojalá’ es la primera ventana y ya se descubrirá en qué punto de la historia está. De forma general, sin adentrarme mucho, la canción va de un amor incondicional. Creo que cuando se ama de verdad, el amor no es egoísta. Y creo que también forma parte del amor querer que esa persona esté bien aunque no sea contigo. «Ojalá alguien te sepa querer como yo», porque no me importa de qué manera acabe esto, que quiero lo mejor para ti.
Esa frase también tiene un punto de: «Que sepas que nadie te va a querer como yo», ¿no?
La verdad es que cuando estaba haciendo la canción en el estudio me gustaba esa dualidad. Quiero que te quieran muchísimo, muchísimo, muchísimo, pero bueno, que sepas que yo te he querido mucho. Como que todas sentimos que nadie va a querer a nadie como lo hacemos nosotras, pero creo que es bonito. Me parece precioso pensar que damos todo y que todo nuestro concepto del amor es lo que ponemos en el asado cuando estás enamorado.
¿El disco sale este año?
Sí. Eso te lo has llevado tú, ¿eh? No se lo he dicho a nadie.
Tu música es pop electrónico, podríamos decir.
Mucha gente me pregunta y yo realmente no sabría decir qué género es. A veces me ha pasado que me subo en un taxi y escuchan que estoy teniendo una conversación de música y me preguntan si soy cantante y qué tipo de música es. ¡Y no lo sé! Creo que, y me encanta, que cada vez los géneros están más disueltos. Ahora está todo mucho más fusionado.
«Beyoncé es mi escuela»
Según lo que he leído por ahí, y corrígeme si me equivoco, a ti te gusta el R&B y tu artista favorita es Beyoncé. ¿Puede ser?
Bueno, soy fanática de Beyoncé. O sea, voy a verla ahora por la gira de ‘Cowboy Carter‘. Amo a Beyoncé. Es mi escuela. He aprendido todo de Beyoncé. Entonces, ¿cómo no voy a tener estándares altos? Yo empecé a escuchar música contemporánea española, porque los clásicos y eso ya lo escuchaba en mi casa, pero cuando estaba creciendo era un poco niña rara porque, como soy de Motril, que es una ciudad pequeñita de Granada, pues era una niña de 12 años que escuchaba ópera y música clásica y que le encantaba Christina Aguilera y Beyoncé. Es como, ¿qué pasa aquí? Evidentemente, hay muchísima gente que ha vivido esa experiencia, pero es verdad que de pequeña eso era diferente a lo que era mi entorno en el colegio.
Ya, yo escuchaba rock y me sentía raro.
¿Cuánta gente escucha rock o Christina Aguilera? Pues muchísima, pero si te pilla cuando tienes 10 años, pues a lo mejor los otros niños no lo entienden. Yo te diría que toda mi formación, desde los 12, que empiezas como a «bichear» tu propia música, hasta los 18, ha sido muchísimo R&B.
¿Nunca has experimentado con ese estilo?
Me da mucho respeto. Hay muchos estilos que me dan respeto porque siento que hay que tener… Es como interpretar una canción de Nina Simone. Para cantar una canción de Nina Simone tienes que tener un bagaje dentro. Como el flamenco. Nunca me atrevería a cantar una canción de flamenco. Me pasa igual con el R&B, y creo que llegará porque me encantaría hacerlo, pero solo cuando realmente sienta que tengo los conocimientos y que me conozco lo suficiente como para que sea algo que nazca de mí, no intentar copiar algo que ya existe. Al final, el R&B proviene de una escena cultural a la que yo, como niña de Motril, no formo parte, aunque me inspire muchísimo.
Este viernes se ha celebrado en Madrid la tradicional presentación de Mallorca Live en la ciudad, que trata de captar al público peninsular. En esta ocasión la rueda de prensa ha pasado al Hotel Thompson. Las actuaciones de artistas como Iggy Pop, Suede, Nathy Peluso, Villano Antillano y una gran representación de la música balear como Antònia Font son este 2025 los alicientes.
Hoy se han confirmado los nombres de Nicola Cruz, Mercury Rev, Elyella y Grande Amore, entre otros como la joven Anadie, elegida por los oyentes de Radio 3. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
Destaca el caso de Massive Attack, que hace unos meses fueron noticia por decir que «no» a Coachella por razones de sostenibilidad. Su declaración exacta fue: “Dijimos que no a Coachella para el próximo año porque hemos estado allí una vez y una vez fue suficiente. Está en Palm Springs. Es un complejo de golf construido en un desierto, gestionado por un sistema de aspersores y que utiliza suministros públicos de agua. Si quieres ver algo que sea lo más ridículo del comportamiento humano, está justo ahí».
De manera llamativa, en la presentación de Mallorca Live consta que el plan sostenible del festival balear cuenta con el aval de la banda dirigida por Robert del Naja. Es decir, aceptaron el plan de sostenibilidad requerido y presentado.
La nota de prensa de Mallorca Live indica que el festival «sigue apostando por su plan de sostenibilidad y goza de reconocimiento por parte de artistas y bandas que tienen muy en cuenta este tipo de medidas, como Massive Attack, legendaria banda británica conocida por su compromiso con el medio ambiente».
De hecho, el festival acaba de recibir el premio al evento más sostenible en los Iberian Festival Awards. Algunas de las medidas valoradas han sido «la plantación de 23 árboles ubicados en Casa Esment para compensar la huella de carbono del festival en 2023, la implementación de un sistema híbrido de baterías en el Escenario 3 para reducir el consumo energético del mismo y un plan de movilidad para promover la responsabilidad y el compromiso con la isla, realizando más de 22.000 traslados desde Palma y la Parte Forana». También se habilitaron 60 puntos de reciclaje y varios puntos de recogida de vasos para garantizar la circularidad de los vasos reutilizables de plástico duro: una colaboración con la Fundación Cleanwave.
Álvaro Martínez, CEO, ha declarado: «Seguimos trabajando por generar el menor impacto medioambiental en el destino, por poner en valor la cultura y la tradición de Mallorca y por ofrecer la mejor experiencia con mejoras dentro del recinto para nuestros asistentes, un público local, nacional e internacional con un nivel cultural alto al que le gusta viajar atraído por la música y para disfrutar de la experiencia”.
Respecto al show de Massive Attack, será su única fecha en España en 2025 y se presenta así: «Nuestro nuevo espectáculo en vivo marca el salto más transgresor en la colaboración entre 3D x United Visual Artists desde 2003. Mediante algoritmos de ingeniería inversa para exponer anomalías de contenido y bucles de retroalimentación recursivos, buscamos provocar un diálogo sobre el sueño roto del ‘yo’ individual seguro y empoderado, en el contexto del colapso global de las democracias liberales».
JENESAISPOP os ofrece una opinión a favor y otra en contra del single actual de Rigoberta Bandini, ‘Centro de gravedad permanente’, así como la posibilidad de votar en una encuesta sobre el álbum. ‘Jesucrista Superstar‘ es nuestro Disco de la Semana.
El vídeo dirigido por Celia Giraldo y coreografiado por Laura Alcalá incluye un cadáver que remite al cine negro, un misterio que remite al pop de los 60, un arma homicida y un cameo chanante de Esteban Navarro, co-productor del tema junto a Stefano Macarrone y esposo de la artista.
«Ninguno de los singles presentados hasta ahora de ‘Jesucrista Superstar’ me parecía al nivel de ‘Julio Iglesias’, ‘Perra’, ‘In Spain we call it soledad’ y compañía. Hasta ahora. ‘Busco un centro de gravedad permanente’ es uno de esos temazos con su épica bigger than life que Rigoberta sabe hacer tan bien, y sin duda uno de los mejores temas contenidos en el para mí irregular ‘Jesucrista Superstar’ (quizás el mejor, ahí ahí con ‘Los milagros nunca ocurren al salir de un after’).
La colección de frases lapidarias (“te alegro el día sin querer”, “estas ganas de morder creo que me van a enloquecer”) y el humor característico de Ribó (lo de Sean Penn, lo de la nariz) en las estrofas desemboca en la angustia existencial del estribillo. Todo lo que se supone que tienes que conseguir para ser feliz; mejor dicho, todo aquello con lo que te tienes que conformar para ser feliz, que incluso en otros cortes del disco parece que funciona, aquí choca contra un muro. “None of dem make me feel anything”, que decía Robyn.
Y encima llega ese puente donde se abrazan del todo los homenajes a Battiato y a ‘Jesucristo Superstar’. Y ese outro instrumental que a algunos les parecerá hortera, y a otros nos parece maravilloso. Para los que teníamos dudas con esta etapa de Rigoberta, ‘Busco un centro de gravedad permanente’ hace honor al título del disco y afianza nuestra fe». Pablo N. Tocino.
«El ‘Busco un centro de gravedad permanente’ de Rigoberta Bandini me descentra. Me gusta demasiado la casi homónima de Franco Battiato y, confieso, no soy demasiado fan de Paula Ribó. Aunque confiaba en ella. Con ese título, esperaba un buen homenaje. Algo con un estribillo más rotundo, con bien de italo disco y bien de subidones. Pero no un tema como este, que no arranca. Encima le tengo que sumar la voz susurrada de las estrofas, los gritos del estribillo, los efectos y efectismos del final para acabar de irritarme. Y no se acaba nunca… Desde luego, si quería reflejar hastío y falta de ganas de vivir, lo ha conseguido de sobra». Mireia Pería.
Rigoberta Bandini presenta ‘Jesucrista Superstar’ en las siguientes ciudades:
31 DE MAYO SEVILLA
6 DE JUNIO BILBAO
7 DE JUNIO PAMPLONA
13 DE JUNIO MALLORCA
20 DE JUNIO ZARAGOZA
21 DE JUNIO A CORUÑA
28 DE JUNIO BARCELONA
4 DE JULIO MURCIA
5 DE JULIO VALENCIA
16 DE JULIO MADRID (AGOTADO)
18 DE JULIO MÁLAGA
1 DE AGOSTO GRAN CANARIA
2 DE AGOSTO TENERIFE
‘MUSIC’ ha sido uno de los discos más anticipados de la era moderna del rap. Tanto, que Playboi Carti ha conseguido que sus fans mantengan las ganas durante cinco años. Así se ha reflejado en el ámbito comercial, convirtiéndose en el mejor estreno de 2025 y vendiendo alrededor de 300.000 unidades en su primera semana. Después de todo este tiempo, el influyente rapero de Atlanta ha lanzado un proyecto de 30 canciones que podría ser el más completo de su carrera. Hay de todo: de lo bueno, de lo malo y de lo mediocre.
Era prácticamente imposible que el resultado estuviese a la altura del hype que precedía al proyecto, pero Carti lo ha intentado. En cada trabajo, el enigmático artista ha probado algo nuevo, ya sea cambiar de registro vocal o adoptar un nuevo estilo, siempre anteponiendo la forma al contenido. Esto no es distinto en ‘MUSIC’, un disco que incorpora todas las exploraciones anteriores del artista y que propone cosas nuevas.
Aparte de sacar a relucir su voz grave, que ya había adelantado en diferentes colaboraciones, Carti incorpora la despreocupada aproximación al trap de ‘Playboi Carti’ (2017) y ‘Die Lit’ (2018) en piezas como ‘OLYMPIAN’ o la sorprendente ‘CRUSH’, y el estilo agresivo y punkarra de ‘Whole Lotta Red’ (2020) en ‘CRANK’, con los impagables y desquiciados adlibs de DJ Swamp Izzo, o en la tenebrosa ‘COCAINE NOSE’.
Las novedades resaltan en temas como ‘OPM BABI’, un delirio febril que suena como si el beat estuviese empapado de ketamina, y ‘POP OUT’, un fascinante dolor de cabeza que seguramente habrá alejado del proyecto a muchos curiosos al ser la primera canción. «No puedo ir a tu fiesta / Quizás vaya solo para hacerte daño», rapea Carti con una áspera voz.
Esta es la parte en la que ‘MUSIC’ sí funciona. El resto del proyecto, que serían alrededor de 20 canciones, es una mezcla de cortes comerciales fuera de lugar, ideas a medio cocer y canciones que podrían haber estado bien hace 10 años. Ah, y tres temas con Kendrick Lamar en los que este prácticamente se rinde a los pies de Carti. «Carti, mi gemelo malvado», entona Lamar en ‘GOOD CREDIT’. De estas, ‘BACKD00R’ podría ser la más floja, con una base que irónicamente le sentaría muy bien a Drake.
‘RATHER LIE’ es el mayor éxito del disco después de ‘EVIL J0RDAN’, debutando en el número 4 del Hot 100. Carti nunca había hecho una canción tan «radio friendly» como esta y, aunque el estribillo de The Weeknd resulta lo más olvidable del tema, el de Atlanta demuestra lo versátil que es con unos versos totalmente pegajosos. Hablando de canciones instantáneas, hay que mencionar ‘LIKE WEEZY’, en la que Carti brinda una energía que haria sonreír al mismísimo Lil Wayne.
Por otro lado, canciones como ‘TRIM’, ‘CHARGE DEM HOES A FEE’ o ‘PHILLY’ desaprovechan totalmente los talentos de Future y Travis Scott. Suenan como descartes del último disco de Metro Boomin y no me extrañaría que realmente lo fuesen. Lo mismo con la azucarada ‘WE NEED ALL DA VIBES’, que retrasó el lanzamiento del LP porque Carti quería incluir a Young Thug. Para una canción de Calvin Harris podría estar aceptable, pero en un disco como este da verguenza ajena. En cuanto a las dos colaboraciones con Lil Uzi Vert, resultan totalmente innecesarias.
‘MUSIC’ tiene momentos de verdadera genialidad que quedan sepultados por su excesiva duración y su paupérrimo control de calidad. La versión deluxe, apropiadamente titulada ‘SORRY 4 DA WAIT’, incluye cuatro nuevas geniales canciones, en especial la alienígena ‘DIFFERENT DAY’ y la luminosa ‘2024’. Ojalá todo el disco hubiese sido así.
María León ha sido finalmente condenada a pagar una multa de 5.700 euros en un Juzgado de lo Penal en Sevilla. Se la acusaba de un altercado con la Policía Local en la madrugada del 1 de octubre de 2022. Son 4.800 euros por un delito de resistencia y 900 por un delito leve de lesiones.
Los hechos sucedieron después de la fiesta de fin de rodaje de una serie, como informa El País. Uno de los asistentes circulaba en bici borracho con una copa en la mano cuando fue increpado por los agentes. María León se interpuso y en su momento dijo haber «sido víctima de un abuso policial» en un comunicado enviado a la prensa.
La jueza ha dado verosimilitud al relato de los tres agentes y considera probado que León se opuso a la actuación policial, forcejeó y lanzó un puñetazo con el brazo izquierdo a la agente en la mejilla y la llamó «hija de puta y zorra».
Cuando fue reducida en el suelo, intentó huir, y después lo volvió a intentar cuando la subieron al coche policial.
La jueza ha considerado que los testigos favorables al testimonio de María León incurrían en contradicciones sobre los hechos. La actriz había declarado que escapó del coche porque sufría claustrofobia. Dos psicólogos lo han acreditado pero la jueza ha considerado un vídeo en el que aparece sonriente dentro del coche: “En el minuto 3:01 de la grabación se ve su cara, sonriendo, y no parece alterada, a pesar de que lleva más de medio minuto dentro del vehículo”, dice el escrito.
«Duffy reaparece» es el titular que ha dejado la estrella galesa en las últimas horas. La que fuera reina del pop al menos un año, 2008, gracias a las espectaculares ventas de su disco de debut, ‘Rockferry‘, lleva diez años retirada de la vida pública. En 2020, Duffy reveló que su retiro se había debido a que fue secuestrada y violada.
Ahora, Duffy ha emergido públicamente por primera vez en diez años, y lo ha hecho en TikTok, para promocionar un remix de ‘Mercy’, su gran éxito. El verbo «reaparece» queda grande porque Duffy sale en el vídeo un par de segundos, guiña el ojo y adiós muy buenas.
El remix de ‘Mercy’ es obra de un artista o grupo de electrónica llamado E.motion que cuenta con una única canción publicada en Spotify, ‘Somebody Else’. El remix de ‘Mercy’ sería su segundo lanzamiento y está siendo supervisado por la propia Duffy, que hace unos días dejó un comentario en la sección de Instagram de E.Motion hypeando el lanzamiento. E.Motion ha tenido que subir un vídeo de la mismísima Duffy para confirmar al público que la artista está involucrada en el proyecto.
Sobre nueva música de Duffy nada se sabe: ella llegó a compartir dos canciones inéditas en Instagram poco después de revelar su traumática vivencia al mundo, ‘River in the Sky’ y ‘Something Beautiful’, pero nunca las publicó.
Lucy Dacus publica hoy nuevo disco, ‘Forever is a Feeling‘, y las entrevistas que ha concedido en las últimas semanas en promoción del álbum han sido ricas en titulares. En primer lugar, en una charla con The New Yorker, Dacus ha confirmado su relación sentimental con Julien Baker, su compañera de banda en boygenius. Su otra compañera, como sabe todo el mundo, es Phoebe Bridgers.
Ahora, Dacus ha confirmado otro rumor que ha circulado sobre ella durante el último año, que efectivamente ella es la «Lucy» nombrada en ‘The Tortured Poets Department‘, la canción de Taylor Swift. Charlie Puth no es la única estrella citada en la letra de la canción.
En la pista titular de su último álbum, Taylor Swift narraba un episodio en el que su pareja expresa a una tal Lucy que se «podría quitar la vida» si Taylor abandonase la relación. Sí, así de siniestro es el asunto, y así de personal era la canción.
Ahora, Lucy Dacus ha confirmado que la amiga era ella y, por si alguien tuviera dudas, ha añadido que Swift la llamó personalmente para obtener su aprobación. Dacus ha explicado que le pareció surrealista escuchar su nombre en voz de una artista a la que había escuchado durante años.
El rumor sugiere que la persona sobre la que escribía Taylor en ‘The Tortured Poets Department’ es Matty Healy de The 1975. Swift y Healy salieron unos meses durante el transcurso del Eras Tour. A Healy se le presume muy amigo de Phoebe Bridgers, pero no tanto de Lucy Dacus: el mundo aún recuerda el zasca que Dacus pegó a Healy en X cuando Healy se burló de boygenius.
Kali Uchis ha dado comienzo a la campaña promocional de ‘Sincerely,‘, su nuevo disco, con el lanzamiento de un primer adelanto. ‘Sunshine & Rain…’ es la primera muestra de este trabajo que se pondrá a la venta el próximo 9 de mayo y que supone el debut de Uchis en Capitol Records. Sus dos anteriores trabajos, ‘Red Moon in Venus‘ (2023) y ‘Orquídeas‘ (2024), se habían lanzado a través de Geffen Records.
‘Sunshine & Rain…’ es un canción devota de Kali Uchis, la promesa que hace a la persona amada, a la que cuidará «a las buenas y a las malas», o «a las duras o a las maduras», o «pase lo que pase» o, literalmente, «haga sol o llueva». Se entiende el mensaje.
Constata ‘Sunshine & Rain…’, por otro lado, que Kali Uchis sigue siendo una gran baladista. Todo está en su sitio en la fantasiosa producción que ha diseñado Kali junto a Dylan Wiggins, y la melodía del estribillo vuelve a ser romántica a más no poder, sobre todo cuando toca el cielo: «Todos necesitamos a alguien que nos haga sentir que la Tierra es el cielo, quizá yo sea esa persona, porque tú lo eres para mí», canta la artista, enamorada hasta las trancas.
Kali flota en su vida personal, entre otras cosas, seguramente porque acaba de ser madre de su primer bebé junto al cantante Don Toliver, con el que comparte el tema ‘Fantasy’, entre otros. El sonido envolvente de ‘Sunshine & Rain…’, de manera acorde, transmite una sensación de calma y refugio en el hogar.
‘Sincerely,’ se plantea como una «colección de cartas que Kali Uchis escribe al mundo», y se describe como un trabajo «etéreo, elusivo y como de otro mundo» y como un «acto de catarsis». Así suena ‘Sunshine & Rain…’ y también aquel single perdido, ‘Never Be Yours‘, recuperado de un viejo tema, que no se sabe si formará parte de este trabajo.
Ariana Grande lanza hoy ‘eternal sunshine: brighter days ahead’, la reedición de su séptimo disco, ‘eternal sunshine‘ (2024), con la inclusión de cinco temas nuevos y una versión extendida de la ‘intro’. Los temas antes inéditos responden a los títulos de ‘twilight zone’, ‘warm’, ‘dandelion’, ‘past life y ‘Hampstead’ y reúnen sonidos de hip-hop, disco, pop y balada.
‘twilight zone’ es el tema principal de la reedición quizá porque parece una continuación de ‘we can’t be friends (wait for your love)‘, el gran éxito de esta última era de Ariana Grande. Ambos temas se parecen por sonido y concepto.
En primer lugar, ‘twilight zone’ parece tomar inspiración también de una pieza de ficción visual muy conocida e influyente, la serie de misterio británica ‘The Twilight Zone‘, que se emitió desde 1959 hasta 1964. Grande pasa de Jim Carrey al «blanco y negro»; en la canción dice sentirse «atrapada en los límites de la realidad» y en «diferentes dimensiones».
Después, como ‘we can’t be friends (wait for your love)’, ‘twilight zone’ es una producción de sabor ochentero firmada por Max Martin, Ilya Salmanzadeh y la propia Grande, igualmente cargada de melancolía por el recuerdo de un antiguo amor.
Grande sana heridas en ‘twilight zone’ y recuerda su relación ya no con nostalgia, sino con extrañeza. No cree que esa persona que acabó en aquella relación fuera ella misma. Vuelve a brillar, en la letra, su profunda inteligencia emocional y sus versos suenan tan sinceros y conmovedores como los que firmaba en ‘eternal sunshine’. Sin duda, versos como los de ‘twilight zone’ demuestran que efectivamente Ariana afronta «dias más brillantes»:
«And it’s not like I’m still not over you
It’s so strange, this I never do
Not that I miss you, I don’t
Sometimes, I just can’t believe
You happened
It’s not like I’d ever change a thing
‘Cause I’m right here where I’m meant to be
Not that I’d call you, I won’t
Sometimes, I just can’t believe
You happened»
Dua Lipa ha ganado la segunda demanda por plagio que recibió en 2022 por el supuesto parecido de ‘Levitating’ con dos canciones publicadas durante la época de gloria de la música disco, época musical que inspiró el sonido de su segundo álbum, ‘Future Nostalgia‘ (2020).
Russell Brown y Sandy Linzer, compositores de ‘Wiggle & a Giggle All Night’, una canción de 1979 popularizada por Cory Daye, y de su adaptación al español, ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé, publicada en 1980, acusaban a Dua Lipa de haber copiado ambas canciones en ‘Levitating’. En concreto, defendían que la melodía inicial de ‘Levitating’ era un «duplicado» de las melodías que escribieron en aquellas piezas.
Sin embargo, una jueza de Nueva York ha fallado en favor de Dua Lipa. La magistrada Katherine Polk Failla ha desestimado la demanda de Brown y Linzer argumentando que la «escala descendente» empleada en las tres canciones es demasiado común para constituir un plagio. Además, ha citado el anterior caso de Ed Sheeran y Marvin Gaye para justificar que «una progresión de acordes y un ritmo armónico, combinados, no pueden constituir una expresión a proteger bajo la ley de derechos de autor».
La primera denuncia a Dua Lipa por un supuesto plagio de ‘Levitating’ enfrentaba a la británica con la banda de reggae Artikal Sound System y se desestimó en 2023.
Dua Lipa reedita hoy ‘Future Nostalgia’ por su quinto aniversario. En plataformas está disponible ya el dueto antes inédito de ‘Physical’ con Troye Sivan.
Hoy 28 de marzo salen nuevos discos de Lola Indigo, Lucy Dacus, BAJOCERO X, Perfume Genius, Vera Fauna, Chloe Moriondo, Maria Hein o SPELLLING. Aunque el lanzamiento del día puede ser una reedición, la del último álbum de Ariana Grande. Ana Farelo lanza EP.
La jornada deja los primeros sencillos de presentación de varios discos anunciados, como los de Kali Uchis o CMAT, y siguen desgranando los suyos Guitarricadelafuente, Rufus T. Firefly, Kesha, Black Country, New Road, Little Simz o Sophie Ellis-Bextor.
La música nacional suma nuevos lanzamientos de Abraham Mateo, Julieta, Lisasinson, l0rna sacándose la ‘FP DE PELUQUERIA’; The Tyets, Mateo, Juicy BAE, Gara Durán o el ‘Clickbait’ de Pablo Alborán. La curiosidad del día la da bb trickz sampleando a Clairo.
El mundo anglo apunta a la ‘Soft Girl Era’ de Ari Lennox y se apunta estrenos de joan, Yung Lean, Self Esteem, Jax Jones con Rebecca Black, Coco Jones, Emilia con TINI y Nicki Nicole, Mumford & Sons, DJ Seinfeld, Nemzzzz con Central Cee, Cami o Wallows.
Dentro de Europa destacamos desde Suecia a Orkid, desde Francia a Linh y desde Italia a soap, en la foto posando a lo Magritte.
Lola Indigo publica hoy ‘Nave Dragón’, un nuevo disco de 10 canciones, casi todas directas a la yugular, sobre las que hablamos con ella. En contraste con ‘GRX‘, más apegado a la tradición e inspirado en Granada, es un disco sorprendentemente más reggaeton, aunque con muchísimos matices: «Es ecléctico como todos lo han sido, porque si no, qué coñazo. Me pusieron la etiqueta reggaeton desde que salí. Soy cantante de reggaeton según para qué intereses. Para según qué playlists no soy artista de reggaeton, para la radio sí, porque no soy tan pop. ¿Sabes qué? Que he dicho: «Ahora sí voy a hacer reggaeton. Beats 100% reggaeton, con barras de reggaeton, hay varios reggaetones o lo que es para mí un reggaeton».
Lo mejor de las producciones de Lola Indigo es su carácter mutante. Tenemos varias canciones que pasan de un estilo a otro en tan solo un compás o una estrofa, y ahí está la mismísima ‘1000cosas’ con Manuel Turizo, a punto de superar los 100 millones de streams. Lola Indigo quiere acreditar en ella especialmente la producción de Tunvao: «Fue una idea creativa de Tunvao. Yo estaba en un cumpleaños, él es muy máquina, hace ideas y me las manda. Escuché el demo y dije «me voy ya del cumpleaños porque tengo que hacer una canción». Todo lo del chopeo fue idea de Tunvao, tenemos una manera muy parecida de ver la música. He encontrado mi match de producción, mi ángel de la guarda. Le da dinámica a las canciones, que a veces son muchas en una, me anima como productora. Me deja meterme en su trabajo y no todo el mundo es así de generoso. Otros valoran más su ego. Necesito alguien que entienda que yo también tengo que meter mano».
Lola Indigo no esperaba que esta canción fuera tan exitosa. Ni tampoco anteriormente ‘La niña de la escuela’, uno de sus mayores hits. «A mí no me gustaba ‘La niña de la escuela’. A día de hoy le tengo bastante tirria. La estoy súper adaptando pero me cuesta mucho. Cuando me la pusieron delante, pensé: «demasiado fresa». Cuando era lo que había pedido. El briefing era «Britney, Spice Girls. Una canción fresa». Hace poco pusimos el disco y es 2000, es hip hop, está guapísimo. Qué fuerte. ¡Está mejor de lo que pensaba este puto disco! Pero no es mi canción favorita. La he versionado en plan rock, reggae, hyper pop… Y ‘1000cosas’ tampoco pensaba que iba a ser lo que ha sido porque es medio rara… suena atmosférica, es oscura. «El tonto que me dejaste» es triste con melodía. Esa lo veía hit, «va a romper todo». Pero ‘1000cosas’ no. Y me alegro porque me rompe los esquemas».
Sobre ese chopeo con la voz «chingar-gar-garte», la artista nos cuenta que en este disco ha querido experimentar especialmente con el pitch de la voz. De hecho, cuando le preguntamos por sus canciones favoritas, responde ‘Yo te llevo’ -por su aire a Nelly Furtado-, y ‘Misión’, por el uso diferente que hace de las voces. «Le decía a Tunvao: «¿cómo sonaría yo si fuera un hombre?». Como a veces parece que tienes que tener un feat masculino para que tu canción tenga éxito, o para que algunos lo consideren un éxito… Es una cosa que me toca mucho los cojones. A veces parece que el artista masculino te empuja. Y en ‘Misión’ hago ese ejercicio, he creado un hype de «¿quién es el tío que canta?». Jódete, que soy yo».
«A veces parece que tienes que tener un featuring masculino para que tu canción tenga éxito»
En JENESAISPOP hemos hecho un estudio sobre la playlist más influyente de España, «Éxitos España» de Spotify, con 3 millones de seguidores. Hemos demostrado hasta qué punto discrimina a la mujer, especialmente si la artista femenina no está acompañada de un artista masculino. Esta playlist ha programado durante los últimos 6 meses únicamente un 15% de mujeres, frente al 25% de mujeres que ocupan las listas de éxitos oficiales en España, o el 31-32% de las playlists similares de Apple y Amazon Music. JENESAISPOP continuará realizando este estudio durante los próximos meses y ojo porque puede haber puerta para la esperanza: ‘Sin Autotune’ ha aparecido hoy en Éxitos España, sin featuring.
Lola Indigo está enterada de este estudio y opina sobre él en esta entrevista grabada el miércoles 26 de marzo: «No sé muy bien si es por las playlists o por lo que la gente considera. Siento que los editores hacen lo que el público quiere escuchar. Ellos hacen lo que la gente quiere recibir. ¿O quizá tenemos que enseñar a la gente cosas diferentes para que empiecen a consumir cosas diferentes? Mi opinión es que si ellos tienen una varita mágica para enseñar a la gente, deberían usarla. Sin forzar. Y tampoco hace falta forzar porque las tías tenemos canciones de puta madre».
Opina también sobre la playlist PEGAO, con 1,5 millones de suscritos. «No sé cuál es su criterio. El criterio es ser hombre. El otro día iba con mi road en la furgo y fue como «¿te has dado cuenta de que solo salen hombres?». A veces meten alguna voz femenina como invitada».
El paso de su concierto en el Bernabéu al Wanda no puede faltar en la conversación. En nuestra anterior entrevista, también compartida en Youtube, aparte de hablar de ‘GRX’ durante media hora, hablamos sobre esta cita que Lola Indigo denominaba «su boda»: «Ahora tengo 3 bodas», asegura en referencia a las fechas añadidas en Sevilla (21 de junio) y Barcelona (12 de julio). «Los fans lo van a poder ver 3 veces. Ha habido mucho misterio. Notábamos falta de claridad. Cuando [el Bernabéu] hizo el comunicado, fue como «tened los huevos de decírnoslo». Hubo una reunión, nos dijeron «de momento ni de coña». Lo primero: «haberlo dicho antes». Y segundo, menos mal que a la semana apareció esa misma fecha en el Wanda. Lo tenía reservado una marca y el artista desapareció. No vamos a decir el nombre pero le estaré agradecida toda la vida».
¿Han sido unos meses de infierno para Lola Indigo? «Lo que me quitaba el sueño era cambiarlo de fecha. Porque ya había pasado del 22 de marzo al 14 de junio. Billetes de hotel, de trenes, todo el gasto… Sé lo que cuesta organizar una excursión para un concierto porque yo lo he hecho. Hay gente para la que no es barato. Hay que tener conciencia de clase. Me quitaba el sueño tener que cambiarlo de día».
«Con los estadios, no tengo la intención de ganar ni un céntimo»
Respecto a la producción del show, la obsesión de Mimi Doblas era que no coincidiera demasiado con cosas que ya se han hecho. «Yo he estudiado divas. Mi carrera universitaria ha sido divas: Gaga, Beyoncé. También U2 y cosas menos acordes a lo que hago, shows de electrónica…» Todo lo que le pasaban como propuesta de escenario eran cosas que ya había visto, así que decidió remangarse ella misma: «Esperé propuestas de producción, pero todo lo que me llegaba se parecía a algo y yo no quería que se pareciera a nada. Nada me parecía novedoso para la expectativa que yo tenía. Porque no sabes cuándo vas a volver a hacer estadios, nunca se sabe. O te llega una pandemia. O la gente te quiere ver en una sala en acústico. Pero ahora la gente te quiere ver en un estadio, pues vamos con todo».
Continúa: «Diseñé mi propio escenario, aunque tuvieron que ver las posibilidades los expertos. No quería hacer un 360 (grados) porque era muy limitante para mí no tener algo detrás todo el rato. Tenía claro que quería pantalla en el suelo. Pero pensé: «¿y si no es 360 sino casi? Hacemos 300, con una torre muy alta, que sea un prisma, con los tres escenarios: el dragón, la bruja y la niña. El grande, el mediano y el pequeño. Pero era muy caro. No estaba fabricado, no existe, no hay una torre de 27 metros de altura de pantalla. Por tanto, la tienen que fabricar (…) Lo que vais a ver, algo parecido existirá, pero así yo creo que no se ha hecho. No lo digo desde la arrogancia. Soy una artista nacional que está poniendo un pie en Latinoamérica. Soy consciente del alcance que tengo. Es este ansia de celebrar con los fans todo lo que he hecho en 7 años. Luego haré festis o nosequé. Por si acaso no vuelvo a hacer estadios, lo quiero reventar». Y recalca que todo el dinero recaudado es para costear la producción: «No tenía intención de ganar ni un céntimo».
En cualquier caso, finales de 2024 y principios de 2025, en los preparativos de disco y gira, Lola Indigo ha vivido envuelta en ciertas tristeza y melancolía. Se percibe en ‘Nave Dragón’, incluso entre tanto reggaeton festivo y tanto sexo. «Incluso ‘Mi coleta’ tiene un punto de anhelo sexual. Cuando lo escucho todo junto, pienso que esto ha sido mi estado de final de 2024 y principios de 2025. ‘Sin Autotune’ puede parecer una canción de amor, pero yo quería hablar de echar de menos mi vida pasada. Es un truco que uso para escribir. Me gusta lo de canciones tristes en melodías felices. También contar de manera muy pop algo que es más profundo de lo que la gente se piensa. ‘El tonto’ por ejemplo no es una canción para un ex. El tonto es un ex manager que estaba pasando de mi culo y ese día estaba muy enfadada. Él se acabó yendo… En ‘Sin autotune’ estoy bailando por fuera y llorando por dentro. Con el videoclip se va a entender mejor. El puente es pop, de amor, pero el resto de la canción es «yo estoy en el escenario y quiero estar con mis amigos en la feria». Mezclas un poco de aquí y un poco de allá. La gente se lo lleva a su terreno y piensan que es una canción de amor. Pues está bien también».
«A veces quiero bailar, a veces quiero estar con una guitarra. He conseguido que la gente entienda que soy todo. Y está guay»
Doblas considera que ha sido un periodo duro, pero también de aprendizaje. Y uno de sus apoyos ha sido Quevedo, al que se refiere por su nombre de pila, Pedro. «Para mí es un poder tener su apoyo. Nos tiramos canciones. Sobre todo le decía «gracias por estar presente en la creación de este disco porque me has ayudado a creer en mis cosas». Aunque parezca que creo mucho en mi arte, siempre viene bien que alguien que admiras, que Pedro, te apoye. No es validación, es amor: eres mi colega. No es que necesite la aprobación de la discográfica o de un amigo. Es «Aprecio tu opinión y no me tengo que dejar llevar por ella pero te la valoro». Preguntada sobre si a veces se confunden las cifras con la calidad, debatimos sobre si ‘GRX’ terminará siendo su mejor obra: «‘GRX’ no puedo decir que sea mi mejor disco, porque no lo puedo rankear, pero es otra parte de mí. Luego canto en los Goya y me dicen: «¿Por qué no haces esto siempre?». Pues porque es muy divertido (hacer otras cosas). De vez en cuando quiero bailar. Estar con una guitarra. Bailar. Quiero ser todas ellas. He conseguido que la gente entienda que soy todo. Y está guay».
Algo que hay que explicar a su vez al fan más «fansplaining», más obsesionado con las listas de éxito. El fan es muy indeciso también. «Esta canción es un flop». «Todas las canciones suenan iguales». ¡El flop es un flop para ti! También se puede hacer un tema para el fan nicho. ¿Tú te crees que yo me pensaba que ‘Pesadillas’ iba a ser top 50? Pues claro que no. Yo quería hacer una película de terror, me lo tengo que pasar bien. Me encanta Rudimental, el drum&bass, el UK garage. Quise sacar esto como single. ¿Pa qué? Para hacer la peli, no te creas el listo de Twitter, no iba a ser número 1 en Spoti. Pero no sería yo sin eso. Igual que ‘Spice Girls’ en el disco de ‘La niña’. Es una canción rara, sin estribillo, quería grabarme un vídeo con mis colegas, y montarme en una limusina rosa por Madrid, que lo pagara la discográfica. Eso lo haces por pasártelo bien, por darte un gusto. Habéis sacado un montón de cosas que habéis monetizado: ahora dejadme que haga algo raro que me apetece».
Una de las canciones más conocidas de las Spice Girls, ‘Spice Up Your Life’, está siendo censurada en numerosas estaciones de radio británicas a causa de la frase «hombre amarillo».
La canción, lanzada con el segundo disco del grupo, ya recibió controversia en 2019 a raíz de la gira de reunión de las Spice. Por aquel entonces, se consideró cambiar la palabra «amarillo» por «feliz», por miedo a acusaciones de racismo. Sin embargo, esto nunca se llevó a cabo. La frase original es: «Hombre amarillo en Tombuctú / Color para mí y para ti».
Ahora, la radio británica está reproduciendo la canción con la palabra «amarillo» eliminada. Según las declaraciones de un portavoz de BBC Radio 2 al tabloide The Sun, el cambio no fue realizado por ellos, sino que se trataría de una versión «enmendada» de la canción.
Bb trickz ha vuelto a subir música después de asegurar que lo dejaba con el lanzamiento de ‘I wonder’. Lo ha hecho sampleando una de las canciones más icónicas de Clairo, ‘Pretty Girl’, pero la cantautora está totalmente conforme con ello, apareciendo en los créditos del tema como coescritora y coproductora.
‘not a pretty girl’ utiliza la canción de Clairo casi de forma intacta, con percusión añadida, y centrándose en los acordes sintetizados del tema original. La estadounidense incluso ha posteado la canción en sus Stories de Instagram, así como el videoclip, en el cual Belize también toma prestado el estilo casero del original.
En otro orden de cosas, Bb trickz también ha sido noticia en los últimos días a raíz de un vídeo que grabó con el youtuber Nil Ojeda en el que aseguraba que ya se había gastado los 2 millones de euros derivados de su contrato de distribución con Sony. En un vídeo posterior, ha aclarado que no tiene una deuda monetaria con Sony, sino de «streams».
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