Niña Polaca ha acusado al festival Toledo Beat -celebrado los días 10 y 11 de mayo- de intentar «silenciar» su protesta por la falta de mujeres en el cartel de su última edición.
Sobre el escenario, Claudia Zuazo, la integrante femenina de Niña Polaca, comentó que «me encanta ver a tantas tías en el público, compensando por las pocas que hay en el cartel», comentario que fue recibido con aplausos por la audiencia. De todos los artistas confirmados en el cartel de Toledo Beat la mayoría son masculinos, incluidos los cuatro grupos principales.
La publicación de Instagram de Toledo Beat del concierto de Niña Polaca incluye imágenes únicamente de sus componentes masculinos, y Zuazo opina que Toledo Beat ha podido querer castigarla eligiendo no mostrarla en sus redes sociales.
Por ello, Zuazo ha publicado una carta en la que llama la atención sobre el problema de la falta de mujeres en los festivales usando como ejemplo su experiencia en Toledo Beat. En el texto, Zuazo acusa a Toledo Beat de hacer oídos sordos a su denuncia y de simplemente «haberse puesto en contacto con nuestra oficina para quejarse de mi comentario, tildándolo de populista y afirmando que estaba fuera de lugar y que sobraba». Zuazo argumenta que «ya es suficientemente difícil estar en la industria musical como mujer y que te tomen en serio, que te vean como una igual, que de verdad piensen que eres equiparable a un hombre al que admiran, como para que encima se nos intente silenciar cuando decidimos hablar al respecto de alguna de estas injusticias».
En la misiva, Zuazo subraya que «sabemos de sobra que no escasean mujeres en la música», por lo que «no hay excusa» para que sigan faltando en los carteles. Por tanto, pide que los programadores de los festivales revisen este aspecto a la hora de contratar a grupos y armar sus carteles. «Pongamos que los directores no son conscientes de esto y no saben lo importante que es», añade la artista. «Simplemente quiero que sepan que hasta que esto no ocurra, hasta que no llevemos años viéndonos con la misma frecuencia con la que hemos visto siempre a los hombres, nunca vamos a dejar de ser la excepción y la sorpresa para el espectador. Nunca dejará de ser sorprendente ver a una mujer haciendo algo relacionado con la música asociado a los hombres, como hacer un solo de guitarra o tocar la batería. Necesitamos ver mujeres en esa situación, en esa posición de poder, para sentir que estamos llegando a esa igualdad por la que mucha gente piensa que no merece la pena luchar. Y los festivales juegan un papel clave en esto».
La portada realizada por Joshua James Clancy para ‘I Am Toward You’, el primer disco de How to Dress Well en 6 años, parece una metáfora de la nueva era del proyecto de Tom Krell en al menos dos sentidos. Primero, el artista que se convirtió en uno de los renovadores de la electrónica, sobre todo en su faceta más R&B, nos ofrece en este disco un montón de estimulantes pinceladas que no sabemos muy bien en qué estilo ubicar. Van conformando una obra vanguardista donde conviven el noise, el ambient o el folk.
Y segundo, The Joshua James Clancy Organization es un proyecto modesto, con 600 seguidores en Instagram y la cuenta privada, que no tiene nada que ver con los días en que How to Dress Well intentó dar ese salto de mano de Jack Antonoff en su disco de 2016, el malogrado ‘Care’.
Si ‘The Anteroom‘ volvía a poner las cosas en su sitio, en un álbum que ya en 2018 reflexionaba sobre la inteligencia artificial, entre otras cuestiones, ‘I Am Toward You’ vuelve a ser una obra ambiciosa en su uso de texturas y colores. Y orientada en la buena dirección.
‘New Confusion’ parece un tema folk por la vía tan particular de Owen Pallett o Björk, hasta que un saxo emerge fusionado con una voz ahogada para darle identidad propia. Las guitarras acústicas de ‘Contingengy/Necessity’ contrastan con las distorsionadas en este mismo tema o el siguiente, ‘Crypt Sustain’, una delicatessen noise que desemboca en una ametralladora. El Dan Deacon más loco puede venir a la mente. O será la sugestión de la primera frase: «Dan hace pinturas naturales, que no enseñan el paisaje». El tema habla sobre la interpretación de un sueño, acaso una pesadilla.
‘No Light’ mantiene esa excitante combinación entre elementos orgánicos y electrónicos, como ‘Gas Station Against Blackened Hillside’, que parte de unos pequeños beats de drum&bass y luego parece más bien una producción de Fatboy Slim hábilmente disecada.
En estos 6 años que han pasado desde su último disco, How to Dress Well se ha casado, ha tenido una hija y ha escrito una tesis de 400 páginas sobre metafísica no nihilista. Sin embargo, como en otras de sus obras, las letras no son lo más poético. A veces pecan de gruesas, como en «Contingency», donde bromea sobre haber confundido la palabra «cara» con la palabra «historia» en alemán. La diferencia entre «Gesicht» y «Geschichte» es la pesadilla de cualquier estudiante de esta lengua, pero How to Dress Well se expresa mejor con música. Incluso con palabras escasas.
Tom Krell ha escrito un tratado de varias hojas sobre el contenido lírico de este álbum, que no es otro que Dios, la búsqueda de la luz, el sentido de la vida y cosas así, después de todas las decepciones que ha sufrido. Algunas de ellas en la industria musical. De hecho, ‘nothingprayer’ destaca por su religiosidad manifiesta entre los 3 pseudo-interludios que podemos contar en el álbum, otro de los cuales es el pertinente ‘The Only True Joy on Earth’. La poca letra que contiene este tema es algo así como «el único verdadero placer de la vida es escapar de la prisión de nuestro falso yo».
Tras este momento espiritual, el disco se cierra con el tema más R&B del álbum, ‘A Secret Within the Voice’, sobre luces que nos abandonan a todos, tormentas, voces que contienen secretos. No encontrarás en él las respuestas que inquietan a este artista que solía lucir tan triste en las portadas de sus discos y fotos promocionales, pero sí aúna lo mejor de lo que How to Dress Well nos dio en el pasado con lo mejor que nos puede dar todavía hoy.
Megan Thee Stallion se convierte en la protagonista de su propio videojuego en el tercer single de su próximo álbum, ‘BOA’. Continuando la temática serpentina tras ‘Cobra’ y ‘HISS’, la rapera de Texas ha aprovechado para samplear una de las canciones clave de Gwen Stefani, a medio gas, y continuar su mal rollo con Nicki Minaj.
En ‘BOA’, Megan rapea sobre su éxito en la industria del rap, pero pone prácticamente todo el enfoque del tema en sus haters. Concretamente, en Nicki Minaj. «Las putas no paran de darle al teclado / Pero nunca me he sentido presionada / Es obvio que están obsesionadas», rapea Megan, claramente referenciando toda la retahíla de tweets que Nicki le dedicó hace poco por la salida de ‘HISS’. De hecho, todo el estribillo va para la autora de ‘Pink Friday 2’, dirigido a quitarle su puesto como ‘Queen of Hip Hop’: «Haciendo mierda para Tik Tok, puta, yo soy Hip Hop».
Todo esto, sobre un sample de ‘What You Waiting For?’ de Gwen Stefani, uno de sus más recordados. La parte que Megan toma prestado es el «la la la» que también se repite a lo largo del tema de Stefani. Por lo demás, es una base de trap al uso, bastante esquelética. Con todo el juego que podría haber dado, el sample queda más como una anécdota divertida que como algo potente. Al margen de esto, Megan siempre se desenvuelve a la perfección en este tipo de beats, y ‘BOA’ no es una excepción.
A la vez, es una declaración de intenciones por parte de Megan. Funciona a nivel de provocación para Nicki (el ‘¿A qué estás esperando?’ y como un guiño a su propio videoclip, que comparte la estética japonesa con el de Stefani. La diferencia es que el de Megan está ambientado en un videojuego ficticio llamado ‘La maldición de la mujer serpiente’ y tiene el anime como inspiración central. De hecho, el título de ‘BOA’ es una referencia a un personaje de One Piece.
Alice Munro, primera canadiense en recibir el Premio Nobel de Literatura y considerada una de las autoras clave del relato corto, ha fallecido este martes a los 92 años. Así lo ha informado el diario canadiense Globe and Mail.
Nacida en Ontario en 1931, Munro padecía demencia desde hace una década. En 2013, la Academia sueca le concedió el prestigioso galardón tan solo unos meses después de anunciar su retiro, describiéndola como una «maestra del relato contemporáneo». Su primera obra publicada fue ‘Danza de las sombras’, en 1968, y desde entonces el éxito acompañó su carrera.
Su obra está compuesta principalmente por relatos cortos, de los cuales tres sirvieron de inspiración para la obra de uno de los mejores directores de nuestro tiempo. Movido por el tipo de drama que construye la autora canadiense -«contenido, sutil, silencioso» en palabras de nuestro colaborador Joric-, Pedro Almodóvar compró los derechos de tres relatos suyos para la peícula ‘Julieta’ (2016): ‘Destino’, ‘Pronto’ y ‘Silencio’.
Munro publicó una única novela, titulada ‘La vida de las mujeres’, en 1971 y a menudo se le atribuyó el apodo de ‘la Chéjov canadiense’, por centrar las historias de sus textos en el costumbrismo de la gente de Ontario. Munro también fue ganadora del premio Booker, en 2009, y del Governor General’s en varias ocasiones, el premio más prestigioso de la literatura canadiense.
León Benavente ha publicado ‘En el festín’, el primer adelanto de su próximo álbum de estudio. Se trata de un tema inspirado en ‘El ángel exterminador’, la película de Luis Buñuel de 1962. Aunque el sonido lleva -más bien- a Berlín.
No es casual que Martí Perarnau IV, co-productor de ‘PUTA‘ de Zahara, se encuentre tras los mandos de ‘En el festín’. La intención ravera de la era ‘REPUTA‘ es similar, si no la misma.
León Benavente ya había coqueteado con los ritmos dance-punk de LCD Soundsystem y New Order en ‘ERA’, su álbum anterior. En ‘En el festín’ la dosis de electrónica y baile aumenta de manera considerable. Abraham Boba conserva su particular entonación, pero los sintetizadores toman ahora el protagonismo.
A partir de ‘El ángel exterminador’ León Benavente escribe la historia de una fiesta privada, llena de «invitados importantes», de «manjares» y «copas llenas», en la que el placer se desata. Y no es una historia imaginada. «Hemos participado en fiestas parecidas, donde el hedonismo, el placer y la apariencia son la esencia del evento», escribe el grupo. «La realidad se queda a las puertas».
«Bajo ese disfraz se crea una comunidad que durará tan solo unas horas, o quizá eternamente, cuando alguien decida abandonar la mesa, transformarse y dar rienda suelta a sus instintos, abrir la jaula y liberar a los animales», añade la banda. «En nuestras cabezas, este festín tiene tantos brillos y destellos como oscuridad. Tiene algo industrial, de hormigón, y también lo tiene de aterciopelado. Somos los maestros de ceremonias, los que convocan a sus invitados a la mesa, los que les llevan después al éxtasis del baile. Y somos, a la vez, el plato principal sobre la mesa».
Este viernes 17 de mayo se publica ‘Hit Me Hard and Soft’, el nuevo disco de Billie Eilish. Se trata del sucesor de ‘Happier than Ever‘ (2021) y Eilish ha decidido lanzarlo sin el respaldo de ningún sencillo de adelanto.
Pero el contenido de ‘Hit Me Hard and Soft’ ha ido asomando por otras vías. Eilish ha mostrado varios temas del disco en una fiesta de Coachella. Y, ahora, uno de ellos suena en el tráiler de la tercera temporada de ‘Heartstopper‘, que se estrena el 3 de octubre.
El tema elegido es ‘Birds of a Feather’. Y el adelanto revela un sonido nuevo para Eilish, uptempo y cercano al synth-pop y al radio pop de los ochenta. El pop ASMR del debut de Eilish parece cosa del pasado, al menos, en esta producción aún inédita. En unos días, disco completo.
beabadoobee, superestrella del indie, gracias, sobre todo, al sample de su tema ‘Coffee’ en el macrohit ‘death bed’ del artista llamado Powfu, ha anunciado su tercer disco. ‘This Is How Tomorrow Moves’ se pone a la venta el 16 de agosto.
Cuenta beabadoobee que ‘This Is How Tomorrow Moves’ refleja su propio crecimiento personal, en concreto su evolución de chica joven «a mujer». El gurú Rick Rubin lo ha producido.
En ‘Take a Bite’, el primer single, beabadoobee da un nuevo «mordisco» a su sonido favorito, el pop alternativo de los noventa y principios de los dosmil. El espíritu calmado y plácido de ‘Take a Bite’ recuerda al trabajo de la noruega Lene Marlin, aunque el precioso hilo de voz de Beatrice Kristi sigue quedando más cerca de las coordenadas de Mazzy Star.
En La Canción Del Día de hoy, beabadoobee expresa sus pensamientos «introspectivos» y, en concreto, habla de su tendencia a inventarse situaciones «negativas» dentro de su cabeza. «Doy rienda a suelta a situaciones que son imaginaciones fabricadas», canta. O, en otras palabras, beabadoobee se monta sus películas y se las cree.
En otro punto de ‘Take a Bite’, beabadoobee reafirma esa posición de «confort en el caos» cantando que repetiría esas situaciones «una y otra vez». De esta sensación de bucle nace el concepto del videoclip.
Joan Pons y Aleix Ibars de Primavera Sound visitan el podcast de JENESAISPOP para hablar de la edición 2024. No solo nos recomiendan a algunos de los artistas que ellos mismos tienen más ganas de ver (Atarashii Gakko!, Lankum, Model/Actriz), sino que su presencia significa que debatimos sobre la pertinencia de los macrofestivales a día de hoy, su deriva -sobre todo a raíz de los fallos de Coachella este año-… o la decepción que supuso para todos Primavera Sound Madrid.
Hablando de cómo se elabora un cartel para contentar a nuevas y no tan nuevas generaciones, Joan Pons divide el cartel en tres tipos: «Gente que viene por primera vez cada año, y tenemos más de la que pensamos, de 18 a 25 o 27 años. Luego «young adult» hasta 40. Y «legends». Pero esto no es un 33%, un 33% y otro 33%. A lo mejor las legends van un día al festival y les pones un número de artistas para que se sientan representados por el cartel. Al «young adult», el que ha venido una vez y sigue repitiendo, les pones tus clásicos. Y a los debutantes les traes las nuevas propuestas. Si no te fijas en las nuevas propuestas, te estás estancando. Al menos a mí como fan me gusta descubrir grupos nuevos».
Respecto a los fallos de Coachella, Pons nos habla de la «influencer fatigue» de la que han hablado algunos medios, como New York Times: «Coachella había basado mucho su atractivo en los últimos años en ser el festival donde ir a molar en redes. En el último año se ha notado cierta suspicacia hacia los influencers: «Ese modo de vida es exclusivista, nunca lo voy a tener. Los vídeos son todos iguales. Esta gente ya no me importa nada». Y eso ha dejado de tener «engagement». Eso explica la venta lenta. Lo que debería hacer Coachella sería redefinirse, volver a una esencia más de la música, porque se había especializado en ser la MET GALA de los festivales. Habían creado un FOMO de «quiero ser como esta gente». Si cada vez más gente no quiere ser como esa gente, ya no compran”.
Aleix Ibars nos explica que el Primavera Sound funciona de otra manera: «Cada nombre está escogido manualmente. No nos basamos en seguir las tendencias del momento. No nos basamos en números. Hay una curadoría muy marcada, que es verdad que tiene muchos años de tradición. Hay unas sinergias. Muchos artistas son de la casa. Tienes medio camino hecho porque hay muchos grupos que cuando salgan a girar, van a querer estar en Primavera».
Es el caso de Shellac, y la muerte de Steve Albini ocupa gran parte de nuestro podcast: «Era el artista que mejor nos representaba. La música como acto de amor. Shellac no tocaban en festivales. Eran anti-festivales… pero a Primavera venían. Nos sacaban los colores en positivo. Como artista (Albini) se sentía respetado. Como público iba a ver conciertos. También iba al casino (risas) Lo ponía en comparación con los primeros festivales a que fue en Estados Unidos y le debieron parecer horribles. Pidió tocar en Auditori y vio unos estandares. A veces nos preguntaba la gente cuántas veces íbamos a traer a Shellac. Decíamos: «Todas las que ellos quieran». No había contrato. Era un apretón de manos».
Los responsables de Primavera Sound nos cuentan curiosidades como el momento en que parte de la organización hace 10 años no veía clara la participación de Stromae; o el modo en que Los Javis les convencieron de que el concierto de Stella Maris iba a merecer la pena. ¿Veremos a Carmen Machi volar por los aires en la jornada inaugural gratuita del miércoles 29 de mayo?
Respecto a lo que muchos estáis esperando, si Primavera Sound volverá a Madrid, no hay planes. Recuerda Aleix Ibars sobre el año pasado: «Fue la tormenta perfecta. Se dieron una serie de coincidencias que hicieron que la edición fuera muy complicada. Que prácticamente ni pudiera salir adelante. A posteriori, viendo cómo había funcionado, después de buscar muchas alternativas en cuanto a recintos, porque hacerla allí (en Arganda) no era adecuado, vimos que no había otro recinto capaz de absorber un festival de las dimensiones de Primavera y decidimos que de momento no iba a seguir».
Joan Pons puntualiza: «Queríamos venir a Madrid como si fuera Barcelona. El mismo modelo. No como Oporto, que no puede crecer. No nos valía la pena, casi por respeto a la ciudad. Si vamos a Madrid, vamos con todo. Podríamos dimensionar el festival a la baja, pero no creo que merezca la pena». En otro momento indica que no se ha descartado realizar un intento nunca más, pero sí de momento.
‘BADGYAL’ es el nuevo número 1 de singles en España. No la artista, sino la canción. La firman Saiko -conocido por su éxito ‘Supernova’ y, últimamente, por su alianza con Manuel Turizo para promocionar hamburguesas-, JC Reyes y Dei V.
El reguetón aflamencado de ‘BADGYAL’ sube esta semana del 2 al 1 y da a Saiko su 7º single número en España, el séptimo en un año. El resto de sus singles número 1 en España se reparten entre ‘Supernova’, ‘Polaris Remix’, ‘Reina’ con Mora, ‘Buenas’ con Quevedo, ‘Sakura’ y el remix de ‘X’CLUSIVO’ de Gonzy. Saiko aparece en total en hasta 14 posiciones dentro del top 100 de Promusicae sumando canciones propias y colaboraciones.
Por supuesto, el éxito de ‘BADGYAL’ también pertenece a JC Reyes. El rapero de Sevilla suma un segundo single número 1 en España después del de ‘Fardo’ con De La Ghetto, marcado el pasado mes de abril. Claramente, la polémica de JC Reyes con Rosalía por difundir en la red nudes falsos de la cantante -que provocó la condena de la propia Rosalía- es cosa del pasado.
Finalmente, el portorriqueño Dei V logra gracias a ‘BADGYAL’ su primer single número en España. Dei V, que ha colaborado con Karol G o Myke Towers, se había quedado a las puertas del número 1 con su single ‘Martini’, top 2 en España, y por fin lo consigue.
Para la siguiente entrada en la lista de singles española hay que bajar hasta el puesto 30, desde donde asoman Pablo Chill-E y Bryartz con su single conjunto, ‘Gitana’. Después, ‘Toki’ de Casper Magico, Anuel AA, Luar La L e Izaak entra en el 58.
La última entrada de la lista es otra colaboración, la que une a Ana Mena y Gale en ‘La razón’, que debuta en el puesto 78.
Kendrick Lamar ha «ganado» su pelea con Drake llevando ‘Not Like Us‘ al número 1 de la lista de singles de Estados Unidos, la de Billboard Hot 100. Además, ‘Euphoria’ sube al número 3 y ‘Like That’ con Metro Boomin sube al número 6. En otras palabras, Lamar tiene actualmente tres singles posicionados dentro del top 10 de Billboard Hot 100.
‘Not Like Us’ ha entrado directo en el número 1 de Billboard Hot 100 amasando 70,9 millones de streamings, 5 millones de impresiones de radio y 15.000 descargas digitales. Actualmente, sus reproducciones en Spotify rozan los 10 millones diarios, y el escenario es el mismo a escala global, donde ‘Not Like Us’ está posicionado en segundo lugar.
Por su parte, Drake -el rey de los números 1 en Estados Unidos- coloca ‘Family Matters’ en el número 7 de Billboard Hot 100, prueba de que el público se ha decantado por el lado de la historia de Lamar, aunque no por un enorme margen de diferencia. ‘Not Like Us’ es el tema en que Lamar llama «pedófilo» a Drake. Con ‘Family Matters’, respondía a ‘Euphoria’ de Lamar.
A pesar del prestigio del que goza Lamar desde el inicio de su carrera, ‘Not Like Us’ supone solamente su cuarto número 1 en singles en Estados Unidos. Su «beef» con Drake le dio otro número 1 el pasado mes de abril, ‘Like That‘ con Metro Boomin. Sin embargo, desde el anterior, ‘Humble.’, habían pasado siete años. El primer single número 1 de Lamar en Estados Unidos se lo dio su cameo en el remix de ‘Bad Blood’ de Taylor Swift, en 2015.
Otro dato curioso es que ‘Not Like Us’ es la canción número 79 que entra directa al número 1 de Billboard Hot 100. ¿Cuál será la número 80?
Travis Scott ha anunciado concierto en Madrid en 2024. La fecha es el 30 de julio y el recinto, el WiZink Center. Scott, uno de los artistas más populares a nivel global, presentará en España su último disco, ‘UTOPIA‘, exactamente el 4º álbum más exitoso de 2023 en el mundo.
Actualización 16 de mayo: Debido a la alta demanda, Travis Scott también actuará el 31 de julio en el mismo recinto.
Las entradas para el concierto de Travis Scott en Madrid se ponen en venta general el viernes 17 de mayo a partir de las 15.00 horas. Antes, el jueves 16 se habilitará una preventa, también a las 15.00 horas.
Se trata de la segunda vez que Travis Scott visita España para actuar. La primera tuvo lugar en 2018 en el Festival Internacional de Benicàssim. El vínculo de Travis Scott con España por supuesto va más allá de estos dos conciertos. Su single con Rosalía, ‘TKN’, ha sido número 1 en nuestro país. ¿Lo interpretarán juntos en Madrid?
Más curiosa es la conexión de Scott con Cataluña a raíz su último álbum de estudio. La película de ‘UTOPIA’ que se estrenó junto al disco incluye un segmento inspirado en los castellers. Se rodó en Tarragona con Scott de cuerpo presente.
Suena la cuarta canción, ‘Plastic Beach’, y Samuel T. Herring ya está empapado de sudor. Tuvimos la suerte de ver a Future Islands en el primer concierto de su gira, por lo que se encontraban en pleno estado de forma. Esta comenzó de la mejor manera: con un sold out en La Riviera. Esta noche se dará lo mismo en Barcelona, en la sala Razzmatazz.
Tras pedir un aplauso para JOON, que se encargó de abrir el bolo, Herring fue directo al grano: «Me voy a callar la puta boca y vamos a darle a la música». Realmente, el concierto se podría resumir casi totalmente con las tres primeras canciones, desde el protagonismo de ‘People Who Aren’t There Anymore’ en el setlist hasta la atractiva y descarnada energía del vocalista.
Ainhoa Laucirica
Su actitud amable y relajada se desvanece al sonar las primeras notas de ‘The Sickness’ y rápidamente se convierte en un receptor de emociones. Su vena expresiva toma control, la música fluye a través de él y parece que es capaz de fijar sus ojos en todos y cada uno de los asistentes, como si hiciese una sesión de reconocimiento. A base de dramáticos movimientos shakespearianos y golpes en el pecho, Herring deja claro que siente cada palabra que canta.
Con ‘King Of Sweden’, más movida que la anterior, se diferencian todavía más las dos partes que dividen el escenario. La parte delantera, en la que se mueve Herring, sirve de elemento expresivo y foco de atención. En la parte trasera, en la que se coloca el resto de la banda, están a lo suyo. Todo el peso expresivo del show cae en el vocalista, mientras que sus compañeros se limitan a tocar con cara de póker.
Merece la pena comprar una entrada de Future Islands solo para ver a Herring en acción. El problema es que, a menos que disfrutes de todos sus temas, quizás sea la única razón para ver a los de Baltimore en directo. El protagonismo de Herring es tal que la música pasa a segundo plano y, hablando claro, todas las canciones suenan igual.
Ainhoa Laucirica
Pese a tomarse una pequeña pausa entre cada tema, como si cada uno fuese su propia obra de teatro, el estilo crooner del vocalista no ayuda a diferenciar un corte de otro y puede hacerse repetitivo. Ten en cuenta estas notas solo si te gustan un par de temas y dudas si comprar o no tu ticket. Por otro lado, si eres un fan total del grupo, te lo vas a pasar como un niño.
La tercera canción sorprendió a toda La Riviera. Todos recordamos la ya mítica actuación de ‘Seasons (Waiting on You)’ en Letterman, pero tras presenciar la canción en vivo, puedo asegurar que Herring se estaba conteniendo. Si apartas la mirada, te lo pierdes. En lo vocal, Herring adopta en ocasiones un registro de ultratumba, como gutural, y no falla en dejar sin aliento a los presentes. Aquí se dio la primera ovación de la noche, culminando con ‘Long Flight’ y ‘Tin Man’, las dos últimas canciones del set previo al bis.
Ainhoa Laucirica
No sé cómo, pero el frontman es capaz de reflejar en sus bailes y expresiones faciales sea lo que sea que le sugiere la música y de forma totalmente impredecible, desde lo más sensual hasta lo puramente incendiario. A veces, parece que estás viendo a alguien que se está aguantando las ganas de arrancar cabezas, por lo brusco de sus movimientos. Su cara cuenta relatos de dolor, como en ‘Iris’, y de euforia, como en ‘Say Goodbye’. Por ello, todo el público está a su merced. Haga lo que haga va a tener su efecto en los asistentes, siendo capaz de levantar a toda La Riviera con un movimiento de piernas.
Tras casi 20 cortes de botar, el concierto termina con ‘Little Dreamer’, de romperse en mil pedazos. «Esta es sobre alguien que amé una vez hace mucho tiempo y cada vez que la canto, ese momento queda más lejos», contó Herring visiblemente emocionado. Este habló sobre ser joven, estar enamorado, y lo rápido que pasan esos años de oro. Al cantar los primeros versos, Herring se derrumba en el escenario. En un momento dado, el bajo se distorsiona totalmente y el vocalista empieza a retorcerse, como movido por el dolor. Así, en el momento más emocionante de la noche, Future Islands se retiraron.
Pasada la resaca eurovisiva es momento de conocer qué canciones presentadas en Eurovisión 2024 está escuchando el público una vez celebrado el certamen. La canción que se ha destacado claramente es ‘Europapa‘ de Joost. ‘Europapa’ no es solo número 1 en Países Bajos, sino también en otros territorios como Bélgica o Letonia. La descalificación de Países Bajos el mismo día del evento ha contribuido a su popularidad, pero el tema -que habla sobre la eliminación de fronteras con frases en alemán o italiano- ya estaba en listas desde antes, y está resistiendo después.
En los datos de este lunes, y pese a no haber tenido oportunidad de presentarse en la final, ‘Europapa’ sube al puesto 22 del Global de Spotify, sumando su 8º día en el top 200. Mientras, todas las demás canciones bajan.
‘The Code‘ de Nemo, ganadora por Suiza, entraba directa al puesto 17 de la tabla global de Spotify, situada en medio de éxitos de SZA y Teddy Swims. Ahora baja ya al puesto 23 de esa lista. Por países, ‘The Code’ ha sido número 1 en Suiza, Finlandia o Suecia, número 2 en Bélgica y número 3 en Alemania.
A ‘The Code’ le seguían en Spotify Global las dignas entradas de ‘Rim Tim Tagi Dim’ de Baby Lasagna, por Croacia, en el 45 (este lunes baja al 55), y de ‘Mon Amour’ de Slimane, por Francia, en el 69 (este lunes baja al 73). Después, entraban fuera del top 100 Alyona Alyona y Jerry Heil con ‘Teresa y Maria’, por Ucrania, en el puesto 116, y Angelina Mango con ‘La noia‘, por Italia, en el puesto 124. El lunes han bajado a los puestos 142 y 173, respectivamente.
Salvo ‘Europapa’, estos datos se corresponden con los resultados posteriores a la fina de Eurovisión, si bien llama la atención la ausencia, dentro del top 200, de Israel. Parece que todos estos países que han votado por ‘Hurricane’ de Eden Golan durante la celebración de la Gran Final, hasta llevarla al quinto puesto, no usan Spotify.
Además, 11 artistas que han participado en Eurovisión han subido posiciones dentro del top 300 de la lista Global Digital Artist Ranking de Kworb, entre ellos, Nebulossa, que se colocan en el puesto 209. Además, aparecen en la lista Joost en el 37, Nemo en el 47, Slimane en el 48, Baby Lasagna en el 78, Angelina Mango en el 118, Alyona Alyona & Jerry Heil en los puestos 119 y 191, Eden Golan en el 141, Marcus & Martinus en los puestos 144 y 145, Kaleen en el 199 y Bambie Thug en el 215.
Los discos de pop a menudo se desarrollan sin norte. Acumulan featurings e ideas a ver con cuál suena la flauta. Los proyectos cohesivos y certeros son la excepción en un océano de «novedades viernes» desesperadas por hacerse un hueco. Cuando conocimos a Vicco interpretando una amuermada versión de ‘Memoria de pez’ en la gala 0 del segundo Benidorm Fest, no adivinamos que estábamos ante el segundo tipo de artista. Si me apuras, tampoco cuando estrenó ‘Nochentera‘.
Era esta una canción bobalicona, veraniega, sobre una «noche ochentera», fuera lo que fuera aquello, en torno a «dos trocitos de fruta» que si quieres «se disfrutan». 8 discos de platino después (puede quedar alguno más, el tema sigue en el top 75 en España tras 66 semanas), ‘Nochentera’ es una cosa muy concreta en este primer disco que publica la catalana Vicco: una especie de estrella polar a la que las otras 10 composiciones se dirigen.
El álbum se llama ‘Noctalgia’. En otro de esos juegos de palabras inexplicables marca de la casa, significa mitad «noche», mitad «nostalgia». Por un lado, puede ser visto como un disco demasiado homogéneo y descarado en su intento de repetir -de momento sin mucho éxito- el gran pelotazo de Vicco. Ese «cabrón» medio elíptico en ‘Todo me da igual’ busca emular la espontaneidad que se percibía en ‘Nochentera’.
Pero otra manera de entenderlo es que Victoria Riba no ha cejado en su empeño de ser fiel a un estilo muy bien definido. Por mucho que los números no le estuvieran dando, no se ha acercado al urban, ni al reggaeton, ni a la balada, ni a otras artistas similares a ella, por poner un ejemplo, Belén Aguilera.
‘Noctalgia’ es un disco sin artistas invitados en el que el único protagonista son los años 80. Algunas canciones suenan más tristes y otras más alegres. El modo en que Abraham Mateo incorpora el nombre de Vicco a la letra de ‘tequiero’ («vicómo me mirabas, vicómo me besabas») está bastante simpático. Algunas incluso se ríen un poco de sí mismas: «Solo escribo sobre desamor, y esa no soy yo», dice ‘Misiles’.
Pero todas giran alrededor de la década de Olé Olé, C.C. Catch y Stock, Aitken & Waterman. Por mucho que ‘Me muero x ti‘ pueda recordar a ‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro, y ‘tequiero’ con Abraham Mateo a su referente ‘Blinding Lights’, sería un error vincular este disco a aquellas. Porque donde The Weeknd y Rauw viran de un estilo a otro, ora un R&B, ora un drum&bass, este disco permanece enteramente fiel al europop, al HI-NRG, a los tiempos de ‘Flashdance’. Al margen de su éxito comercial o todo lo contrario, temas como ‘La vuelta al mundo’ o ‘Volver a nacer’ son buenos singles sucesores de lo que nos dio ‘Nochentera’.
Lo que no significa que no haya un mínimo de variedad. ‘Sorteo’ opta por hacer un homenaje a los Coldplay de ‘Clocks’, mientras ‘Como Britney‘ no se inspira tanto en el pop de los 2000 como en sus sinsabores para el que es uno de los medios tiempos del álbum. Hay quien se quejará de que ya conocía hasta 8 de los 11 temas de ‘Noctalgia’, si bien muchos no habían tenido la suficiente repercusión, y está bien reunirlos para poner en valor como compositora a otra de las grandes sorpresas de Benidorm Fest.
Dua Lipa entra en el número 1 de la lista de álbumes de España con ‘Radical Optimism‘, su nuevo disco. ‘Radical Optimism’ iguala en España el dato de ‘Future Nostalgia‘, que también alcanzó el primer puesto de la lista de álbumes en 2021 tras la reedición del disco, publicado originalmente el año anterior. El debut de Dua Lipa quedó en 11ª posición en 2017.
El número 1 directo de ‘Radical Optimism’ en España iguala también el dato de Reino Unido y de otros territorios como Francia o Países Bajos. En Estados Unidos, Italia o Irlanda ha quedado en el 2.
Peor suerte corre Sia con ‘Reasonable Woman‘. El primer álbum de estudio de Sia Furler en ocho años entra en el número 30 de Promusicae. Curiosamente, iguala el máximo de ‘1000 Forms of Fear‘, el disco que contenía ‘Chandelier’. ‘This is Acting’ logró un cuarto puesto en 2016, ayudado por el enorme éxito de ‘Cheap Thrills‘, que dio a Sia su primer y único single número 1 en nuestro país. ‘Reasonable Woman’ ha sido número 14 en Australia, número 16 en Alemania, número 22 en Escocia y número 59 en Reino Unido.
En España, mejor puesto que el de Sia lo logra Isabel Pantoja: su disco recopilatorio ’50 Aniversario’ entra en el número 13.
Después, otra entrada interesante la protagoniza Alizzz. ‘Conducción temeraria‘ debuta en la posición número 67 de la lista, solo gracias al streaming, pues no se ha editado en físico. ‘Tiene que haber algo más’ llegó al 34º puesto en 2021.
Otras entradas en lista son las de ‘Reflexa’ de Danny Ocean en el número 67, ‘SEVENTEEN BEST ALBUM ’17 IS RIGHT HERE’ de Seventeen en el 68, ‘García’ de Kany García en el 80 y ‘Fearless Movement’ de Kamasi Washington en el 96. Finalmente, Teddy Swims, autor del macrohit ‘Lose Control’ coloca su disco ‘I’ve Tried Everything but Therapy’ en 100º puesto.
Nemo, la persona que ha ganado Eurovisión con la canción ‘The Code’, representando a Suiza, se identifica como no binaria. De eso precisamente habla ‘The Code’, de romper el «código», la barrera del género. Apropiadamente, en el aspecto musical, ‘The Code’ es una mezcla de estilos.
El género no binario se reconoce ya oficialmente en hasta 14 países, pero sigue incomodando a personas particulares. Parece ser el caso de Iker Jiménez. El presentador de ‘Cuarto milenio’ ha comentado sus impresiones sobre Eurovisión y sus palabras sobre Nemo están siendo especialmente cuestionadas.
«Nemo, muy emocionante el suizo este. Llega a la fibra con su arte de quilates. Voy a llorar y todo. Cero más grande que la Catedral de Burgos», ha escrito Jiménez inicialmente en X. A continuación, Jiménez comparte un comentario sobre la identificación de Nemo: «Nos han informado oficialmente de que Nemo está muy «emocionade». No nos extraña nada».
La burla velada de Jiménez a Nemo por su identidad, evidente en su uso irónico de las comillas, no ha pasado desapercibida. Entre las personas que han mostrado su descontento con Jiménez se encuentran participantes de esta edición de Eurovisión o de Benidorm Fest. Angy Fernández ha sido diplomática respondiendo al presentador: «Antes te admiraba… antes. Sé que te da igual, pero quería decírtelo. Dejo de seguirte. Espero que tengas un poco más de respeto. Un abrazo». Ante el aluvión de críticas recibidas por Angy, la cantante ha aclarado que «no se ha metido» con Jiménez. «Le he hablado con respeto y solo sentía la necesidad de decirle lo que pienso. Libertad de expresión por ambas partes, pero yo no ridiculizo a nadie. Me están insultando sus fieles seguidores, todo hombres».
Similares palabras a las de Angy ha expresado Rakky Ripper: «Desde pequeña viendo tu programa y siendo fan nivel comprar tus libros e ir a tus exposiciones, porque te abrías a lo desconocido y a cualquier misterio… Ahora llevo años sin verte porque de misterio ya no queda nada, solo intolerancia y pensamientos cuadriculados y me da mucha pena».
Megara, que se ha quedado a las puertas de representar a San Marino en la final de Eurovisión, al no superar la segunda semifinal, no se ha mordido la lengua con Jiménez: «¡Hola, Iker! Deberías de investigar el mayor misterio que hay ahora mismo, que seas capaz de respirar y escribir sin hacerte caca encima. Mira que llevo años viendo tu programa, pero nunca más».
Otra persona que ha respondido a las palabras de Jiménez ha sido Jordi Cruz. Escueto, le ha contestado: «El rumbo de tu nave ya no tiene mucho misterio».
Jiménez ha contestado a las críticas subiendo un vídeo en que defiende su derecho a opinar lo que quiera sobre Eurovisión amparándose en su derecho a la libertad de expresión. «No me pienso callar de decir lo que opino, precisamente porque hay mucha cobardía. La canción ganadora me pareció un engendro, un bodrio, pero por la propia canción. Si ser facha o fascista es ir en contra de tantos antivalores, me parece muy bien que me lo llaméis, no me pienso callar. Mucha gente que piensa lo contrario pero se calla por miedo a represalias, a ser cancelado. Cuando la gente se calla es un problema. Es tan peligroso la cobardía del que se calla como la acción de algunos que son muy poco tolerantes».
Adrian Utley, un tercio de Portishead, y Will Gregory, mitad de Goldfrapp junto a Alison, sacarán disco conjunto. Así lo ha confirmado la propia Alison en un mensaje de Instagram. Preguntada por si habrá nuevo disco de Goldfrapp, Alison ha afirmado «posiblemente», pero ha indicado que «no está segura», y ha confirmado que un nuevo disco de Utley y Gregory se acerca.
Lo cierto es que Utley y Gregory ya han trabajado juntos en el pasado firmando a dos manos la banda sonora de ‘Arcadia‘ (2018), película del director escocés ganador de un BAFTA Paul Wright. ‘Arcadia’ retrataba la «belleza, magia y brutalidad de la Inglaterra rural».
La respuesta de Alison ante la pregunta sobre un hipotético nuevo disco de Goldfrapp no es demasiado esperanzadora. Sin embargo, puede que simplemente esté jugando al despiste. Del último álbum de Goldfrapp, ‘Silver Eye‘, editado en 2017, hace siete años. Entonces hicimos un repaso de la discografía de Goldfrapp en busca de su mejor disco.
Esta semana -el próximo 15 de mayo- se cumple un año del lanzamiento de ‘The Love Invention‘, el primer disco de Alison Goldfrapp en solitario. Promocionado con singles como ‘NeverStop‘, una de las Mejores Canciones de 2023, o ‘Digging Deeper Now’, ‘The Love Invention’ forma parte del Anuario de JENESAISPOP con los Mejores Discos de 2023.
Un álbum de remixes, ‘The Love Reinvention’, se editó en diciembre de ese año. Adicionalmente, Alison celebra hoy 13 de mayo su 58º cumpleaños.
Nathy Peluso ha revelado el tracklist oficial de ‘GRASA‘, su nuevo álbum, que se pone a la venta el 24 de mayo. La noticia es que no incluye absolutamente ninguno de los sencillos que Peluso ha publicado en el último par de años: ni ‘Estás buenísimo’ ni ‘Tonta’ ni ‘Salvaje’, ni siquiera ‘Ella tiene’, su single más reciente, formarán parte del disco.
En su lugar, La Sandunguera ofrece 16 cortes totalmente inéditos. Entre ellos se cuenta una colaboración con Blood Orange llamada ‘El día que perdí mi juventud’, y otra con Duki titulada ‘Manhattan’. Además, dos promesas del urban actual, la brasileña afincada en Madrid Lua de Santana y el dúo argentino Paco Amoroso y Ca7riel, están también confirmados entre los artistas invitados.
‘GRASA’ se abrirá con un tema que invoca a ‘Corleone’ y seguirá con otros llamados ‘Aprender a amar’, ‘Legendario’ o ‘Ideas radicales’ antes de cerrar con ‘Mamá’.
01 Corleone
02 Aprender a amar
03 Real
04 Legendario
05 Escaleras de metal
06 Todo roto ft. Paco Amoroso y Ca7riel
07 No les creo nada (Skit)
08 Envidia
09 Menina (ft. Lua De Santana)
10 Ideas radicales
11 Manhattan (ft. Duki)
12 El día que perdí mi juventud (ft. Blood Orange)
13 La presa
14 La mentira
15 Remedio
16 Mamá
Bloodstein es el alias de Carlos de la Viña, cantante y compositor residente en Madrid que tiene un disco publicado, homónimo. ‘bloodstein‘, de 2021, contiene algunos de los temas más escuchados de Bloodstein, como ‘intro (hasta la polla de ti)’. Él, en todo este tiempo, ha seguido creciendo.
Así lo atestiguan las escuchas de ‘algo complicado’ (2022), que superan los 230.000 streams, cuadruplicando los de «intro», o las de ‘Sigo en la ventana’ (2022). El sonido de Bloodstein se ubica en un trato lo-fi de los estilos de guitarra como el grunge, el rock universitario o el post-punk. En su imaginario caben tanto el shoegaze como el obligatorio autotune.
Algo de todo esto hay en el nuevo EP de Bloodstein, ‘Mierda‘. Además, las canciones suben varios peldaños de inmediatez. No solo las guitarras, también las melodías, suenan afiladas como navajas en ‘Si no fuera por ti’ o ‘Azul’. La distorsión de las guitarras y del micrófono están en su punto, como la pasta italiana en su grado perfecto de cocción.
El tema estrella de ‘Mierda’ puede ser ‘armadura’. Haciendo honor a su título, las guitarras levantan un muro de distorsión implacable e inquebrantable. Es la Canción Del Día para hoy lunes.
‘armadura’ es puro «Wall of sound» eléctrico, un tema diseñado para electrocutarte con su alud de guitarras. La fórmula es clásica pero funciona: de los enérgicos riffs introductorios, ‘armadura’ coge carrerilla y se transforma en una bala espídica de sonido. Al final, ‘armadura’ se relaja y da paso a un outro interpretado junto a RUPTURA, a la que conocerás por su colaboración con Natalia Lacunza. De la tralla, ‘armadura’ pasa a la voz alienígena.
Cuatro años después, Childish Gambino ha publicado la «versión terminada» de su último disco. ‘Atavista’ está disponible en todas las plataformas con nuevas canciones, nuevas mezclas y nuevas colaboraciones. Glover también ha anunciado una gira mundial y otro disco, totalmente inédito, para este mismo verano que pretende ser el último de su carrera.
‘Atavista’ es la versión que todos nos merecíamos de ‘3.15.20’, lanzado en mitad de la pandemia sin portada, títulos de canciones ni promoción de ningún tipo. Esta semana, Gambino retiraba el disco de streaming. El nuevo LP es una mejora completa del último proyecto de Gambino. Summer Walker y Young Nudy se suman a ‘Sweet Thang’ (‘24.19’) y ‘Little Foot Big Foot’ (‘35.31’), respectivamente. Esta última llega con un vídeo dirigido por Hiro Murai, frecuente colaborador de Glover.
Asimismo, dos canciones nuevas, ‘Atavista’ y ‘Human Sacrifice’ se suman al tracklist. ‘0.00’, ‘32.22’ y ‘42.26’, que se trataba en realidad de ‘Feels Like Summer’, han sido retiradas del LP.
Según anunció el propio artista este año, este es el primero de los dos discos finales de Donald Glover como Childish Gambino. Este mismo verano, ‘Bando Stone & The New World’ será publicado y servirá también como soundtrack de la nueva película del estadounidense. Por si fuera poco, el cantante ha anunciado ‘The New World Tour’, que le llevará alrededor del mundo, pero sin parada en España.
ATAVISTA is streaming now.
this album is the finished version of "3.15.20", the album i put out 4 years ago. there's a special vinyl coming soon w/ visuals for each song.
the all new childish gambino album comes out in the summer.
Todo apunta a que este verano será de Remi Wolf. Ya nos enamoró con su primer disco, ‘Juno’, en 2021, y los primeros singles de su segundo LP apuntan a que se volverá a repetir. ‘Cinderella’, el himno veraniego de la artista californiana, es nuestra Canción del Día.
‘Cinderella’ es el single de presentación de ‘Big Ideas’, el segundo de la californiana, y se trata de todo un banger de funk pop en el que Wolf canta sobre ser «amarilla», «naranja» o «morada». En definitiva, «cualquier color del arcoíris». En palabras de la artista, la letra proviene de una época en la que se vio envuelta en «una montaña rusa de emociones, pasando de sentirme totalmente insegura, a totalmente bien, a deprimida y de vuelta a estar OK».
Musicalmente, tiene todos los ingredientes para convertirse en uno de los temas clave del verano: hooks pegadizos, silbatos, campanitas y un groove diseñado cuidadosamente para que cualquiera que lo oiga se sienta como la propia Remi en el vídeo de la canción. En el mismo, por cierto, tiene un cameo Mac Demarco haciendo de heladero callejero. Cuando parece que no puede ir a mejor, aparecen unas trompetas que definen totalmente el sentimiento nostálgico setentero que la californiana pretendía transmitir, sonando a la vez a un producto totalmente actual.
‘Big Ideas’ estará disponible a partir del próximo 12 de julio y, aparte de ‘Cinderella’, incluirá los singles ‘Toro’, sobre tener sexo en un hotel, y ‘Alone in Miami’, en la que baja las revoluciones para hacer un recuento detallado sobre su solitaria semana en la ciudad más famosa de Florida. Wolf ha detallado que las canciones de su segundo LP son sobre «amor, lujuria, ira, fantasías, realidades duras, vicios, puntos bajísimos y puntos altísimos».
Es probable que te hayas olvidado de Local Natives. La banda de Los Angeles podría ser una de las que enumeraba Sebas en su crítica de ‘Only God Was Above Us’, y muchos podrían haber dado por hecha su separación, ya que no habían editado material nuevo desde el interesante ‘Violet Streets’ de 2019. Y lo cierto es que estuvo a punto de ser así… pero la propia banda cuenta que su primer bolo post-confinamiento (en el Greek Theater de su ciudad) fue “un momento precioso de comunión con nuestros seguidores que no olvidaremos nunca”, uno que les devolvió la ilusión e hizo que los temas nuevos fuesen tomando un cariz distinto. Así, volvieron al estudio, y en las mismas sesiones grabaron ‘Time Will Wait For No One’, publicado hace menos de un año, y este ‘But I’ll Wait For You’.
Desde el mismo título se puede ver que ambos forman parte de un mismo volumen, en el que “no es que esta segunda parte sea una respuesta a una pregunta, más bien una exhalación a una inhalación… hay muy pocas cosas que podamos controlar, pero, en medio de este caos, podemos elegir estar ahí el uno para el otro”, reza la propia nota de prensa. Producido con John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen, Death Cab for Cutie), Michael Harris (Lana del Rey) y Danny Reisch (Other Lives), ‘But I’ll Wait For You’ tarda en arrancar, pero en ‘Neon Memory’ la cosa empieza a remontar el vuelo, recordando un poco a los últimos Radiohead. Curiosamente, otra de las canciones se llama ‘Ending Credits’, aunque no hay parecidos con ‘Exit Music For A Film’… pero sí que podemos volver a acordarnos del bueno de Thom en ‘Raincoat’, otro punto fuerte del álbum.
Eso sí, lo mejor del disco está en su traca final. ‘April’ es un buen primer single (con videoclip inspirado en ‘La Conversación’ de Coppola, por cierto) en el que vemos que el ya iniciado acercamiento a Tame Impala sigue bastante presente, y al que le sienta genial la mezcla de percusión con la distorsión de guitarras. Y el nivel no baja gracias a ‘Walk before you run’ (con curioso giro en la segunda parte) y, sobre todo, al tema que da título al disco y además se encarga de cerrarlo. ‘But I’ll Wait For You’ es una balada con crescendo épico y cierto regusto a las “baladas de estadio” ochenteras (salvando mucho las distancias, puedes pensar en Steve Perry en ese final), y que destaca un aspecto donde el disco no se luce demasiado: las letras.
Aunque hay buenos momentos al respecto, como en ‘April’ (“cause even when it’s all over / it feels like there’s still time”) o ‘Ending Credits’ (“cut to us in the parking lot / her eyes say that she’s moving on / my first love in my first car /my first gut punch”), el disco se mueve entre las que son un tanto genéricas, y algunas metáforas que en nuestro país cultivaría gente como Izal. Pero, en ocasiones, el pasar tan cerca del cringe funciona, y es el caso de la mencionada ‘But I’ll Wait For You’: “seagulls soaring over trash, is there something that can last? / if you’re living on a plastic island / send up a flare, light on the air / tell me you’re there”.
En cualquier caso, es verdad que Taylor, Kelcey, Ryan, Matthew y Nik siguen sin encontrar un sonido que les termine de diferenciar… pero, si tienes claras tus expectativas, puede que tampoco sea necesario de momento. Los “te gustará si te gusta” que solemos poner son bastante significativos: si te gustan esas bandas, quizás no te mueras por ir a un concierto de Local Natives, pero sí que mirarías el precio (estos días hay que hacerlo más que nunca) y le darías un pensamiento al asunto.
Esta entrega de Eurovisión se ha visto marcada por la polémica participación de Israel, que ha dividido a concursantes y espectadores. El trofeo se lo llevó finalmente Nemo, representando a Suiza con ‘The Code’, mientras que Nebulossa y su ‘ZORRA’ quedaron en el puesto 22º. Bambie Thug, delegade de Irlanda, se llevó el sexto puesto, terminando su actuación con un alegato por la paz: «¡El amor triunfará sobre el odio!».
Desde el principio, Bambie adoptó una postura totalmente propalestina, en contraste con la política de neutralidad de Eurovisión. Ahora que todo ha terminado, ha podido criticar a la UER de forma directa, empezando por revelar que la situación de Israel entre bambalinas ha resultado «muy horrible y difícil» para los concursantes. Además, ha aprovechado para felicitar a Nemo por su victoria: «Estoy muy orgullose de nosotros».
«Simplemente quiero decir que nosotros somos Eurovisión. LA UER no es Eurovisión», declaró Thug. Libre de ataduras tras el fin de la competición, no se calló una: «Que le jodan a la UER. Ya me da igual. Que les jodan», declaró a cámara entre lágrimas. «Lo que da sentido a todos esto son los concursantes, la comunidad, el amor, el poder y el apoyo entre todos nosotros», continuó, antes de concluir con un grito de lucha: «Los no-binaries para la puta victoria».
Bambie Thug speaks to media after placing sixth in the Eurovision Song Contest. They said they are proud of Nemo for winning as a non-binary person. They said it has been “so hard and so horrible” behind the scenes.
A las 22.22 horas de ayer, comentábamos sobre Eurovisión en directo lo siguiente: que España había pasado del 22º lugar que ocupaba en las apuestas la semana pasada, al 9º. Al final volvimos adonde nos correspondía. El 22 parecía nuestro número.
Suiza se hizo con la victoria gracias al buen show de Nemo, muy equilibrado entre lo vocal y lo visual. Donde fans de Freddie Mercury se dan la mano con los de Mónica Naranjo, y con une concursante no binarie que puede convertirse en referente para una generación. Veremos.
‘The Code’ se impuso a su principal rival, el tema de Baby Lasagna de Croacia, favorito en las apuestas, sobre todo por el apoyo del jurado. Ahí venció por casi 150 puntos a Francia, 2ª en ese caso.
Hubo muchas cosas predecibles. Suecia, cómo no, quedó en el top 10. En concreto 9ª. Ucrania volvió a arañar una posición espectacular: la 3ª. Es verdad que fueron top 3 para el televoto, pero ojo, el jurado también los aupó hasta un 5º lugar.
Y luego hubo cosas más impredecibles, como el sorprendente buen puesto de Portugal: nada menos que un número 10. Las apuestas no daban un duro por Iolanda ni de cara a las semifinales, pero el jurado los salvó. Fueron 7º en ese sentido, cuando en televoto estuvieron mano a mano con España (13 ridículos votos frente a 11).
Otras sorpresas fueron la buena posición de Luxemburgo (13º), y no, no se debió tanto a que su cantante fuera israelí: su apoyo vino mayoritariamente del jurado, a diferencia de lo que ocurrió con Israel. O la mala de Finlandia, que terminó en una posición parecida al Chikilicuatre: el 19º. No gustó ese tipo de humor.
En cuanto a la eliminación de Países Bajos, la gran noticia del día, desproporcionada según su delegación, jamás sabremos cómo la habría tratado el jurado, pero ahora sí sabemos que había quedado 2ª en su semifinal, donde solo contaba el televoto, tan sólo por detrás de Israel. A falta de conocer cuáles fueron exactamente los hechos, su abuso hacia una trabajadora del festival, en este artículo repasamos qué 5 injusticias dejaron las votaciones de Eurovisión.
La participación de Israel, y su 5º puesto
La principal obviamente es la participación siquiera de Israel. En una edición en la que el único circo debió ser el de Suiza, se han vivido momentos realmente rocambolescos en un festival que debería versar sobre música. Cuando 34.000 personas han muerto y este país sigue asediando Gaza, jamás debió acudir a participar en Eurovisión. Que la UER aceptara a Israel, cuando no aceptó a Rusia, ha puesto en riesgo la seguridad de las delegaciones. Los abucheos a la UER han sido sonados, también a la propia representante de Israel, de 20 años. Los momentos de tensión con otras delegaciones (Irlanda, Países Bajos, España) han sido incontables. No ha llegado la sangre al río solo porque el eurofan medio no se caracteriza por su componente violento o hooligan (esto no es la Champions), pero la UER tiene que reflexionar urgentemente sobre la conveniencia de sus intereses económicos y de sus patrocinadores. ¿De verdad puede tener la cara tan de cemento como para continuar viviendo de Moroccanoil?
Israel terminó 5ª dado el moderado apoyo del jurado (12ª) y el voto masivo del televoto (2ª, solo por detrás de Croacia). Muchas personas están expresando su frustración porque España dio los 12 puntos de su televoto a Israel. Pero no fuimos los únicos: 15 países dieron sus 12 puntos de televoto a Israel. En concreto, Australia, Bélgica, Finlandia, Francia, Alemania, Italia, Luxemburgo, Países Bajos, Portugal, San Marino, Suiza, Suecia, Reino Unido, nosotros, y lo que se conoce como «resto del mundo». Pudieron ser más.
Esos 12 puntos a Israel de todos estos países no significan que la mayoría de la gente apoye a este país en el conflicto internacional. Como ya explicamos, significa que, en un ambiente de polémica y crispación, todo el voto pro-israelí se concentra en Israel, mientras el voto de las personas que se oponen a la participación de Israel se divide entre hasta 24 países. Bien pensado, es casi un milagro que Israel no ganara, como sí consiguió Ucrania hace 2 años.
También hay quien dice que Israel ha aglutinado el voto de la ultraderecha de varios países. Si ese voto existió entre la fachosfera española, tuvo que pasar toda la noche aguantando que Tony Aguilar llamara a Nemo “elle”. Ganaron los buenos.
Finalmente, hay quien dice que Suiza ha ganado con cierta manipulación por parte de la UER. Si han alentado el voto a Suiza, no habría estado de más: celebrar Eurovisión en Tel Aviv en 2025 o plantearlo siquiera no era una posibilidad. Podría haber sido el fin del evento tras casi 70 años de historia. Sin embargo, apostar por Suiza era una opción arriesgada: la organización ya vio en los resultados de las semifinales que el país que más fácil lo tenía para ganar era Croacia (1ª), no Suiza (4ª).
La mala posición de España
Aunque en el último minuto siempre se nos va un poco la olla, sabíamos hace meses que España no tenía ninguna opción de ganar el Festival de Eurovisión con ‘Zorra’. Nebulossa llegaron a barajar hacer un «Cero Points Tour».
Seamos serios: un jurado profesional no puede votar la representación de España por encima de las complejas propuestas de Francia, Suiza o Irlanda. Y sólo reciben puntos 10 países por delegación. Pero sí que es verdad que anhelábamos un puesto mejor, por ejemplo como el de la sofisticada propuesta de Lituania: un 14º o similar. ¿De verdad hemos quedado por detrás de los muermos de Letonia y Serbia? ¿Del número macarrilla de Estonia y el típico show folclórico de Armenia, nada menos que 8ª? Hay quien dirá que la toma vocal (solo correcta en el caso de España) es importantísima, pero entonces se entiende menos todavía la última posición de Noruega. En cualquier caso, un triunfo del entretenimiento. Nebulossa, nos vemos en las salas.
La mala posición de Reino Unido
Olly Alexander planeó un espectacular número que luchaba contra la gravedad en ‘Dizzy’, sobre una excelente producción de Danny L Harle… y no le valió para nada. Bueno, el jurado lo apreció y les situó 13º. Pero el televoto les hundió con 0 miserables puntos. Se explicaría porque Reino Unido últimamente ha sido un país muy odiado en Eurovisión… de no ser porque quedaron 2º el año de Ucrania, y pudieron celebrar el evento. Y justo tuvo que ser el año de Chanel.
Irlanda merecía más
Los puestos 4º de Francia o 7º de Italia no están mal, tampoco el 6º de Irlanda, en los últimos años de capa muy caída en Eurovisión. Pero la profundidad y el trabajo de Bambie Thug merecían más. ¿Dónde quedaron los votantes de Lordi? A Irlanda le faltó destacar en algún plano: fueron 6º para el jurado, 6º para el público y en esa posición terminaron. Al menos es su mejor posición en 24 años. Fueron 6º también en el año 2000.
El penúltimo puesto de Austria
Si el 22º lugar de España sabe amargo, ¿cómo sabe el último de Noruega o el penúltimo de Austria? Kaleen nos trajó una «rave» como cierre del show, pero quizá para entonces ya el eurofan estaba demasiado polarizado entre Croacia, Suiza, Francia, Irlanda… e Israel. Una edición para olvidar en lo político e imagen pública, pero tan espectacular en lo técnico que se llevó por delante propuestas más que dignas como esta de Austria.
Finalmente, quiero dar las gracias a todos los que seguisteis el «minuto a minuto» de JENESAISPOP, dejando más de 100 comentarios; o a través del foro, donde se sigue comentando la última hora de Eurovisión. Como la razón por la que no se ha subido la actuación de Portugal a Youtube: sus uñas pro-Palestina.
PORTUGAL SINGER LOLANDA ENDS WITH ‘PEACE WILL PREVAIL’
