Quevedo mantiene el número 1 de la lista de discos en España con ‘Donde quiero estar’, mientras Karol G se queda de nuevo el puesto 2 con ‘Mañana será bonito’.
La entrada más fuerte la producen Queens of the Stone Age con ‘In Times New Roman’, un nuevo álbum con el que arañan un top 5 en España. El álbum ha sido número 2 en Reino Unido y número 9 en Estados Unidos. Entre los países entre los que Josh Homme pueden continuar presumiendo de número 1, Bélgica, Holanda y Nueva Zelanda.
El nuevo recopilatorio de Pet Shop Boys, ‘Smash The Singles 1985/2020’, logra llegar al número 7 en nuestro país. El disco ha sido top 4 en Reino Unido y top 5 en Alemania.
Las entradas de la semana en España se completan con la reedición ‘Daiquiri Blues’ de Quique González en el puesto 35, ‘Forever King’ de Don Omar en el puesto 76, ‘King of a Land’ de Yusuf y Cat Steens en el número 91 y ‘The Very Best of 1989-2023’, el nuevo recopilatorio de Texas, que ha conseguido llegar al número 100.
Drake ha anunciado el lanzamiento de un nuevo álbum con motivo de su debut en el mundo de la poesía. El artista estrenaba su primer libro ‘Titles Ruin Everything: A stream of consciousness by Aubrey Graham and Kenza Samir’, que ya está a la venta, con un post en Instagram en el que aseguraba «No sé si alguna vez en mi vida he querido tanto que la gente compre o apoye algo».
Para promocionar el poemario que ha escrito en colaboración con Kenza Samir (compositor y colaborador habitual de Drake), el artista usó páginas enteras en periódicos como Los Angeles Times, el New York Post o el Houston Chronicle en los que aparecía un QR. Y es que ese QR además de información sobre el libro, tenía el anuncio de un próximo álbum. «Hice un álbum para acompañar a este libro. Dicen que echan de menos al viejo Drake, chica, no me tientes. FOR ALL THE DOGS», se pude leer en la web.
Ya hay medios, como Rolling Stone, que aseguran que ‘For All The Dogs’ es el nombre de este nuevo trabajo, aunque el artista no lo ha confirmado, al igual que tampoco ha desvelado la fecha de estreno.
Beyoncé y SZA han sido las artistas más premiadas en los premios BET de este año. Beyoncé y su ‘Break My Soul’ se llevaron el premio elegido por la audiencia, el Viewer’s Choice Award, y también el premio que la organización de los BET otorga a canciones motivadoras de mujeres empoderadas (BET Her Award).
Ella y SZA compartieron premio en la categoría del Álbum del Año por ‘Renaissance’ y ‘SOS’, respectivamente. Además del disco del año, SZA se llevó el reconocimiento al Vídeo del Año (por ‘Kill Bill’) y el premio a Mejor Artista Femenina de R&B/Pop.
Aunque Drake era el artista con más nominaciones, 7 en total, no se llevó ningún premio en solitario. Ganaba la Mejor Colaboración por ‘Wait for U’, con Future y Tems, y el premio a Mejor Grupo (por su reciente álbum) con 21 Savage. También en esta categoría estaban nominados Quavo y Takeoff, que no se llevaron el galardón, pero dieron la actuación más importante de la noche con ‘Bad and Boujee’. Era la primera vez que se juntaban después de la muerte de Takeoff el año pasado, y a él le dedicaron su reunión.
Otros premiados: Mejor Artista Masculino de R&B/Pop fue para Usher y Chris Brown; Latto conseguía el premio a la Mejor Artista Femenina de Hip Hop y Kendrick Lamar al Mejor Artista Masculino de Hip Hop. El reconocimiento al Mejor Artista Revelación fue para Coco Jones, que también actuó con ‘ICU’.
No solo Quavo, Takeoff y Coco Jones se subieron al escenario durante la gala de los premios. También Lil Uzi Vert, Ice Spice, Latto o GloRilla tuvieron su momento y dieron actuaciones de lo más comentadas en redes. También hubo en los premios espacio para celebrar a la gran Tina Turner, lo hizo Patti LaBelle con la canción ‘The Best’.
Por último, en cuanto a música, la canción premiada en la categoría de Premio Dr. Bobby Jones al Mejor Gospel/Inspirational fue para ‘Bless Me’, de Maverick City Music y Kirk Franklin (tiene el récord de estos premios). Además, Teyana «Spike Tey» Taylor se llevó el premio al Director de Vídeo del Año, Burna Boy al Mejor Acto Internacional, y Libianca al Mejor Nuevo Acto Internacional. Obviamente también se homenajeó a Busta Rhymes (este año el Premio a la Trayectoria Profesional lo ganó el rapero, escritor y productor) de la mano de BIA, Coi Leray y Spice, entre otros.
El disco publicado este viernes más escuchado del mundo sin duda es el del mexicano Peso Pluma. El cantante, que ha llevado los corridos norteños y la música de su banda a lo más alto de las listas internacionales, ha publicado un nuevo trabajo llamado ‘GÉNESIS’.
Ahí no aparecen sus hits mundiales colaborativos, como ‘Ella Baila Sola’ o la última colaboración con Bizarrap, pero sí los singles ‘Rosa Pastel’, ’77’ con Eladio Carrión o ‘BYE’. El nuevo focus track de promoción para ‘GÉNESIS’ era ‘LUNA’ con Junior H. Pero el tema que ha adoptado el público espontáneamente es ‘LADY GAGA’, una colaboración con Gabito Ballesteros y Junior H. Este es el que ha llegado directamente al top 8 Global de Spotify y que aún se mantiene en el top 10, tres días después, pese a no haber sido escogido como single oficial.
‘LADY GAGA’, por desgracia, no es una respuesta a ‘Alejandro’, aquella canción de la artista «hot like Mexico». Se toma su nombre de una marca de champagne, en concreto de una de las colaboraciones de la compañía de Moët & Chandon con Lady Gaga. De ahí, la referencia a «Dom Pérignon Lady Gaga» con que comienza la letra. Igual lo entendéis mejor viendo el spot publicitario bajo estas líneas.
En cualquier caso, estamos ante un nuevo himno etílico y adicto de Peso Pluma, tan lleno de melancolía como de instrumentos de viento y guitarra. La canción tiene un corte tan hedonista en su invitación a disfrutar del presente («Ninguna sube nada al Instagram, solo disfrutan»), como a la vez triste en sus tarareos y melodía principal, lo que posiblemente esté justificando su adicción entre los seguidores de Peso Pluma, que la están devorando como si fuera una de sus canciones más accesibles.
La nota de prensa que presenta ‘GÉNESIS’ subraya la cuidada producción instrumental del disco, elogiando la función de la tambora sinaloense en el curso del álbum y en los interludios instrumentales. Aunque radicado en la capital de Jalisco, Peso Pluma tiene familiares en Sinaloa por parte de madre, cuna de un movimiento musical que está dando la vuelta al mundo, con especial arraigo en Estados Unidos. En este país, ‘LADY GAGA’ es hasta número 9 ahora mismo en Spotify.
Porque no solo en el ámbito de las músicas urbanas se dan colaboraciones de todo tipo, Phoenix y Beck han sacado un single conjunto. Claro que la existencia de ‘Odyssey’ tiene su razón de ser, pues el grupo francés y el cantautor estadounidense salen de gira juntos en agosto. ‘Summer Oddyssey Tour’ tendrá lugar en Estados Unidos con Japanese Breakfast, Weyes Blood, Jenny Lewis y Sir Chloe en el rol de teloneros.
Quizá alguno de esos artistas invitados podría haber echado una mano en la creación de ‘Odyssey’. O quizá no. El caso es que la canción queda lejos de igualar la inspiración exhibida por Phoenix en su último disco de estudio, ‘Alpha Zulu‘. ‘Odyssey’ conserva aún un ritmo cercano a la música disco e incluye xilófonos, pero el estribillo afloja y llega la decepción.
Los primeros segundos son prometedores: de repente, por un segundo, parece que Phoenix y Beck han dado con algo parecido a su propio ‘Girls Just Wanna Have Fun’. La producción es deliberadamente ochentosa, algo que a Phoenix siempre le ha sentado bien. La mano de Beck se percibe menos: es prácticamente imposible encontrar su firma en la canción.
Sin embargo, ‘Odyssey’ no es tan buena como algunas de las recientes colaboraciones de Phoenix: ‘Tonight’ con Ezra Koenig y sobre todo ‘After Midnight’, en su versión remozada con Clairo, se mantienen entre sus pistas más escuchadas en Spotify, un destino que probablemente no repetirá esta ‘Odyssey’ que solo funciona a modo de trámite para la promoción de la gira.
La nota de prensa da más información acerca de ‘Odyssey’: «Tres minutos y 47 segundos de puro éxtasis de audio, “Odyssey” está escrita, producida e interpretada por Beck y Phoenix, y mezclada por Serban Ghenea. Beck y Thomas Mars intercambian ágilmente las voces principales en los versos de la canción, con el elenco completo uniéndose para crear las irresistibles melodías pegajosas de su estribillo y cada «yeah yeah yeah yeah yeah yeah». El resultado son dos firmas sonoras inconfundibles que se combinan para crear algo más allá de la combinación de ambas partes».
Rocío Saiz no cometió ningún delito durante su actuación en el Orgullo de Murcia, ha confirmado la policía local e informa El Diario. La cantante fue increpada por un agente por quitarse la camiseta y descubrir sus pechos durante una actuación, un gesto que repite desde hace 10 años cuando canta ‘Como yo te amo’ de Rocío Jurado. Se le acusaba de alterar el orden público, de exhibicionismo y de desacato a la autoridad.
Sin embargo, la Policía da la razón a Saiz: “No existe ningún delito y por eso no va a haber ningún atestado judicial; no se pretendía perturbar el ejercicio a los derechos de la artista”, ha explicado la Jefatura de la Policía Local de Murcia. El agente está siendo investigado vía expediente: “Con esta investigación vamos a determinar la responsabilidad del inspector, si se deriva alguna; la actuación no fue la correcta y por eso se abre un expediente”.
Según informa la policía de Murcia, el agente pudo basar su decisión en el artículo 38 de la Ley Mordaza que considera faltas graves “la realización o incitación a la realización de actos que atenten contra la libertad e indemnidad sexual, o ejecutar actos de exhibición obscena, cuando no constituya infracción penal”. Sin embargo, su aplicación ha sido incorrecta en el caso de Saiz. Sergio Ramos, jurista, explica que «ese artículo especifica que tienen que ser actos obscenos, y ahí no hubo ninguno; tampoco hubo exhibicionismo, ni acto de carácter sexual, simplemente se descubrió los pechos como un acto político”. Ramos señala que el artículo 38 de la Ley Mordaza “no está hecho para eso, no hay base jurídica y además la Ley Mordaza no puede aplicarse a conciertos ni eventos culturales”.
Saiz ha celebrado la noticia: «Que asuman que ha sido un abuso de poder es la mayor felicidad que puedo tener después de la humillación que sufrimos por parte de este señor».
Por otro lado, Saiz ha hecho un llamamiento a los medios para que combatan actitudes como la del periodista Antonio Naranjo, que, una vez terminada la conexión con Saiz durante el programa ‘En boca de todos’ de Cuatro, ha «insultado» a la artista y declarado que «lo que hago es un circo». Saiz ha reprochado al programa que no le haya permitido defenderse, y ha tachado su acción de «humillante».
PC Music, la discográfica asentada en Londres y fundada por A.G. Cook que sentó las bases de lo que hoy se conoce con el término de hyperpop, acaba de cumplir 10 años, y ha comunicado que dejará de publicar nuevos lanzamientos a partir de 2023. En un breve comunicado publicado en su web, PC Music ha confirmado que se dedicará a publicar proyectos de archivo y reediciones.
En los últimos meses, PC Music ha publicado nueva música no solo de Cook sino también de Namasenda, Holly Waxwing o Planet 1999.
Fue en 2013 el año en que escuchamos hablar de PC Music por primera vez, y también de SOPHIE, una artista vinculada por estética, pero que no editaba en el sello. Hace poco, una artista de PC Music, Hyd, quien aparecía en la portada de ‘Hey QT’ de QT, el dúo formado por A.G. Cook y SOPHIE que solo publicó esta canción, nos contaba que el sello se fundó durante un paseo.
PC Music no solo ha popularizado el sonido de A.G. Cook, sino también el de Hannah Diamond o Danny L. Harle. Este ha destacado por sus lanzamientos propios pero también por su trabajo de producción en los dos discos de Caroline Polachek. Aunque, sin duda, es Charli XCX la artista mainstream que ha puesto el sonido de PC Music en el mapa del pop internacional: la británica ha trabajado con varios artistas vinculados a PC Music, como Cook, umru o EASYFUN, y su etapa dedicada al hyperpop, plasmada en tres discos y un epé, ha sido aplaudida por la crítica.
En España, la década de lanzamientos de PC Music ha desembocado en un movimiento propio de hyperpop español que continúa dando frutos. Putochinomaricón ha colaborado con GFOTY, Rakky Ripper ha llevado su sonido de pop extremo al escenario Benidorm Fest, LVL1 ha vivido un viral internacional, María Escarmiento se ha reinventado con esta estética, y nos faltan dedos de una mano para contar las canciones de hyperpop que escuchamos cada semana en Sesión de control, como la de Net bby esta última semana, o por supuesto la revisión del ‘Blue’ de PauByChance previa a la de Bebe Rexha.
Entre comparaciones con Héroes del Silencio que les honran y un presente que da pocas oportunidades a las bandas de rock, Arde Bogotá se han hecho un enorme hueco en el panorama nacional. Con este segundo álbum, los murcianos han sido número 3 en España, aún merodean el top 20 un mes y medio después de su edición, y este verano tocarán en decenas de festivales como Río Babel, Bilbao BBK Live, Low Festival o Sonorama, entre muchos -realmente muchísimos- otros.
Lo mejor que puede decirse de las canciones de Arde Bogotá es que desprenden energía en su humilde aproximación al rock stoner. El disco comienza con el vocalista de la banda Antonio García desafiándonos a capella: «soltad a los perros, porque me he escapado» y a partir de ahí se desata toda una inyección de adrenalina, que se mantiene en pistas como ‘Qué vida tan dura’ o ‘Veneno’, esta última situada estratégicamente tras una balada.
Hay además cierto componente cinematográfico, americano, que hace parecer sus canciones directamente videoclips de acción. Lo malo es que el grupo abusa de los clichés del rock, sin la imaginación, ni la gracia, ni la ambigüedad propia del año que corre. Serán mucho mejores que Måneskin, pero desde luego son mucho menos divertidos.
Ya el nombre del grupo es una pequeña decepción: Arde Bogotá no es un guiño contestatario sino una referencia a la primera ciudad en la que sonaron sus maquetas. ‘Qué vida tan dura’ tampoco es un himno reivindicativo, sino un lamento por estar «lejos de casa (…) tan subido, tan NASA», aparentemente desprovisto de ironía. Como muestra esta rima indescifrable, sus letras se llenan de figuras extrañas y yuxtaposiciones random, como «besos y animales», «escombros, gasolina y diamantes» y «valor, amor, valor, amor y cicatriz». Cuánto daño han hecho Izal.
No parecen haberse leído Arde Bogotá ese libro de Joaquín de Los Nikis en el que explica muy bien por qué no deben acentuarse mal las palabras cuando cantamos. La carretera A3 se transforma artificialmente en la «Á3» en el gran hit del disco, ‘Cowboys de la Á3’, una canción agradable que comienza como una delicadeza acústica tipo ‘Kiss Me’, y después se agrava. Se vuelve intensa como ellos. «Solíamos amar la intensidad» y «siempre voy a amar la intensidad» es de hecho su recuerdo y su propuesta de futuro. Peor aún, ‘Todos mis amigos están tristes’, un tema en el que se repite el título de la canción unas 35 veces, sin que aciertes a entender -por cierto- por qué la princesa está triste, qué tendrá la princesa, debería llamarse realmente «Todos mis amigos están tristés», con tilde en la «e».
No terminamos de adivinar si letras como «Lo que queda entre tú y yo es veneno y Fanta de Limón» (‘Veneno’) y «Hay tres cosas en tu pantalón / Dos son maravillosas y la otra no» (‘Escorpio y Sagitario’) están más inspiradas en ‘Física o química’ o en Tarantino, pero la voz siempre impostada, gravísima, de García parece inclinar la balanza a que van muy en serio. Esta última canción termina con él gritando a «las putas estrellas» que «hoy mando en el Cosmos yo». «Mandemos a la mierda el horóscopo» es su gran grito de guerra, sin que se te ocurra qué gran estrella histórica del verdadero rock’n’roll habría consentido cantar esto.
En medio de los tacos (¡uh!), que contraponen con lo que parece cierto reconocimiento de masculinidad tóxica (el «tan machos» de «Cowboys»), destacan realmente las dos baladas. ‘Copilotos’, como cierre de la primera parte, presenta una melodía bonita entregada a tempos y sonoridades más folkies. Les sienta muy bien. Y ‘La salvación’ es un tema al menos comprensible -más desde luego que ‘Mis amigos están tristés’-, y digno de empatizar en su sencillo desamor. «No quisiera molestarte, pero quería gritarte. ¡Me duele el pecho de amor! Tiene que haber una salida, tiene que haber una salida, tiene que haber una para tanto dolor». No sé por qué me he acordado de uno de los sencillos pero descarnados poemas de Lorca, algo es algo.
Vagabon, el proyecto de la artista mitad camerunesa mitad estadounidense Lætitia Tamko, regresa este año. Su nuevo disco se llama ’Sorry I Haven’t Called’, sale el 15 de septiembre y sucede a su álbum homónimo de 2019. Allí despuntaron temas entre el synth-pop, el chillwave y el R&B como ‘Water Me Down’, ‘Full Moon in Gemini’ o ‘Every Woman’.
El nuevo disco viene presentado por una producción excelente de Rostam Batmanglij, el ex Vampire Weekend. ‘Can I Talk My Shit?’, que abrirá tal álbum, es nuestra “Canción del Día” hoy.
‘Can I Talk My Shit?’ es una composición claramente ideada para el desahogo desde su misma pregunta retórica. La artista nos habla de sus altibajos emocionales, preguntándonos si puede ser honesta, y revelándonos lo que le ha costado «encontrarse a sí misma a través del humo». Pese a los momentos de bajón, la producción es esponjosa y optimista, prácticamente paradisíaca en sintonía con ese estribillo que la muestra «ready to go». La verdad es que se nota la mano de Rostam con el R&B, las melodías clásicas y los efectos de diferentes latitudes del mundo.
Y es que Vagabon ha querido huir de volver con un single triste, como ella misma cuenta: «Un montón de la música que he estado haciendo no ha tenido nada que ver con la tristeza que acarreaba. Una vez que me permití a mí misma hacer un disco que estuviera lleno de vida y energía, me di cuenta de que ese era el sentido que tenía hacer el álbum. En mitad de la travesía de pasar por cosas muy duras, se convirtió en un disco a causa de la vitalidad que estas canciones tenían».
Sorry I Haven’t Called:
01 Can I Talk My Shit?
02 Carpenter
03 You Know How
04 Lexicon
05 Passing Me By
06 Autobahn
07 Nothing to Lose
08 It’s a Crisis
09 Do Your Worst
10 Interlude
11 Made Out With Your Best Friend
12 Anti-Fuck
El día más multitudinario de Tomavistas coincidió con el día más caluroso. Desde el momento en el que enseñabas la pulsera en la entrada para disfrutar de la última jornada del festival, se podía ver venir que iba a ser el día más abarrotado por la cantidad de personas validando su pulsera por primera vez. Puedo decir que el abanico me salvó la vida, y que además lo conseguí en el propio Tomavistas.
Fue todo un placer ver a Cala Vento en el escenario principal. Aleix y Joan, pese a ser solo dos, lo llenan de sobra. Era la tercera vez que tocaban en Tomavistas y la primera que presentaban ‘Casa Linda’ en directo. Me acuerdo cuando vinieron el año pasado a Tomavistas Extra y prometieron que la próxima vez vendrían con un “nuevo disco bajo el brazo”. Un año después, promesa cumplida.
Hay dos constantes en los conciertos de Cala Vento: los clásicos como ‘Un buen año’ o ‘Abril’ no pasarán de moda; y Joan y su batería siempre serán lo que hace tan especial el directo de los catalanes. El añadido de las canciones de ‘Casa Linda’ espero que también se convierta en una constante. En especial, ‘Ferrari’, a la que se unió Yawners en la guitarra, y ‘Teletecho’. El final del show, con ambos cantando sobre el backing track de ‘Conmigo’ y tirándose a surfear sobre el público fue algo nuevo en un concierto de Cala Vento, pero también fue uno de los momentos más bonitos de la tarde. Joan contó que “no pensaba hablar tanto”, pero no pudo evitar emocionarse al ver a toda esa gente gritar sus letras: “El año que viene hacemos 10 años tocando juntos. Se me ponen los pelos de punta al ver todo esto”.
Mientras veía a Los Punsetes solo podía pensar en el que calor que estaría pasando la pobre Ariadna. Esta iba con un gran vestido de volantes, adornado con los colores de España, y una corona enorme. ¡Era la Reina de España! Perfecta indumentaria para presentar las canciones de ‘AFDTRQHOT’. Hasta ahora, la tónica en Tomavistas había sido artistas más o menos habladores. Los Punsetes, no. Les sobraba con tocar y, sobre todo, con lo que dicen en las letras. Temas como ‘CERDOS’, ‘ESPAÑA CORAZONES’ o incluso ‘OCULTISMO’ fueron sucediéndose entre tracks más asentados como ‘Maricas’, ‘Tu Puto Grupo’ o ‘Una Persona Sospechosa’, que dio fin al show. Ariadna fue la última en dejar el escenario, tiesa como siempre, después de pronunciar las únicas palabras de la tarde: “Buenas tardes, Madrid”.
Oscar L Tejada
‘Fascinado’ fue el sólido comienzo de Sidonie en un concierto en el que no sorprendieron, aunque sí hubo novedades. Marc, Axel y Jes presentaron en directo su último single, ‘CEDÉ’, lanzado la noche anterior, y revelaron que su próximo disco se llamaría ‘Marc, Axel y Jes’. Además, debutaron un tema inédito para el que contaron con la ayuda de Nico, de La Paloma, que habían actuado previamente esa misma tarde a las 16:20. ‘No Salgo Más’ fue una agradable sorpresa. Suena realmente bien y sería genial que Nico estuviese también en la versión de estudio, pero creo que esto fue cosa de una vez.
Al mismo tiempo, el grupo de “nuevo punk” LA ÉLITE estaba revolucionando totalmente el escenario 3 del Tierno Galván. El dúo de Lleida formado por Nil Roig y David Burgués tuvieron uno de los directos más descarnados y divertidos que se han visto en esta edición de Tomavistas. LA ÉLITE atraen por la música, una amalgama de punk y sintes, pero convencen por el espectáculo. Entre los delirantes comentarios de David Burgués (“Así me gusta, sudando la crema de sol”) y la complicidad de este con su compañero Nil a la hora de hacer cosas nuevas, fue uno de los conciertos en los que mejor me lo pasé. Nunca había visto a alguien llenar una pistola de agua con cerveza, apuntarse a sí mismo y casi vomitar; y tampoco había visto a un público abriéndose como “esa mierda de Moisés en la Biblia” solo para que alguien de la última fila le acerque un mechero al cantante: “Un aplauso para Moisés”. ‘Bailando’, ‘Todos Me Miran Mal’ y ‘Transpotting’ son temas obligatorios.
Oscar L Tejada
Alrededor de las 23 horas ya había mucha gente esperando con antelación a Metronomy, la mayor apuesta internacional de todo el cartel, pero le tocaba a Ladytron. El conjunto británico no gozó de una gran audiencia, pero casi seguro que se podía escuchar la música desde cualquier punto del recinto. Temas como ‘City Of Angels’ e ‘International Dateline’ fueron highlights de un show que, a menos que seas fan, puede resultar aburrido, y no precisamente porque la música sea lenta o mala, sino porque a veces no pasa nada. Aun así, sirvió de calentamiento para la electrónica pop que iban a desplegar los de Metronomy.
Mientras que en algunas canciones de su discografía inevitablemente suenan como un producto de su época, en directo Metronomy suenan más atemporales. Sus canciones son perfectas para impresionar en lo musical, pero también perfectas para despedir un festival como este bailando. ‘It’s good to be back’, ‘Right on time’, ‘Salted Caramel Ice Cream’ y, por supuesto, ‘The Look’ fueron los puntos más altos del concierto. De hecho, cuando sonó ‘The Look’ me pilló totalmente por sorpresa. Habían tocado tantos temazos que me había olvidado de que iba a llegar este. Los ingleses dieron el mejor concierto del sábado, y el Tomavistas se despidió como se merece. Según se acercaba el fin del festival, a la 1 de la mañana, más y más gente se fue retirando, hasta que el Tierno Galván quedó vacío una vez más.
Este Tomavistas 2023 ha estado marcado, en parte, por el calor, sofocante en algunos momentos, pero no ha habido nada que consiga manchar sus virtudes. Los horarios de todas las actuaciones se han respetado a rajatabla y todos los artistas han sido puntuales, pero el mayor acierto ha sido el regreso a la ubicación original del festival. A menos que pagues el VIP, en otros festivales la única manera de sentarse es en el suelo. En Tomavistas, las gradas del parque que miran de frente al escenario principal han salvado los pies de mucha gente, y permitían ver la actuación a la vez. Esperemos que el parque Enrique Tierno Galván siga siendo el perfecto anfitrión de Tomavistas el año que viene.
Alfonso La Cruz es un joven venezolano de 27 años que puede marcarse el «momento Lola Indigo» del año, por no decir el «momento Mai Meneses». La Cruz fue el primer expulsado de Operación Triunfo 2018, edición en la que coincidió con Natalia Lacunza, Alba Reche y Miki Núñez, y desde entonces no ha parado de lanzar singles y de buscar su hueco en el mundo de la música urbana.
Entre los primeros éxitos de La Cruz se encuentran el reggaetón de ‘Efecto’ y el funk carioca de ‘Nadie te va a querer’, pero es el último el que está suponiendo el gran punto de inflexión en su carrera. ‘Quítate la ropa’ está viviendo su pequeño momento viral, hasta el punto de que Omar Apollo -una estrella internacional con 8 millones de oyentes en Spotify- lo ha compartido en Twitter.
El márketing en torno a ‘Quítate la ropa’ nos dice que La Cruz es el primer artista abiertamente gay que hace reggaetón, o «regaytón». O que es el primer reggaetonero que le canta abiertamente a los hombres. La Cruz evidentemente está lejos de ser el primer artista abiertamente queer que despunta en el ámbito de las músicas urbanas: Arca y Villano Antillano son superestrellas, en España Jedet ha hecho lo suyo, y el trapero portorriqueño Kevin Fret, que en paz descanse, fue un pionero al que se debe reivindicar.
Pero la propuesta de La Cruz puede contribuir a que se normalicen otras perspectivas en el reggaetón mainstream, pues Bad Bunny ha roto barreras en la expresión de género y en la normalización de la fluidez sexual, pero no es un referente queer en sí mismo. «Nene, me dañaste la mente, me gusta esa mira indecente» es la primera rima que escuchamos en ‘Quítate la ropa’ y, además, el videoclip no renuncia a la sensualidad de un buen desnudo, recordando al de ‘Industry Baby’ de Lil Nas X.
La Cruz, por cierto, ya tiene un disco en el mercado, ‘Hawaira’, de 2022: está claro que su breve paso por Operación Triunfo ha sido una mera anécdota en su carrera.
Glastonbury, el festival más mediático y multitudinario de Reino Unido, ha vuelto a celebrarse en el Worthy Farm un año más. Elton John, Lana Del Rey, Arctic Monkeys, Lil Nas X o Cat Stevens se han contado entre los cabezas de cartel, en un fin de semana en el que han vuelto a pasar muchas cosas.
Elton John y estrellas
Elton ofreció el último concierto de su carrera en Reino Unido y se dejó arropar por varios artistas invitados. Brandon Flowers cantó con él ‘Tiny Dancer’, anulando cualquier posibilidad de que Britney Spears apareciera en el escenario, pues su nombre se había rumoreado durante los últimos días. También Rina Sawayama, Stephen Sanchez y Jacob Lusk se dejaron caer por el set de Elton, quien dedicó ‘Don’t Let The Sun Go Down On Me’ a George Michael, en el día en que Michael habría cumplido 60 años.
Elton John & Brandon Flowers performing ‘Tiny Dancer’ tonight at Glastonbury
El acapella de Lana Del Rey
Lana Del Rey empezó su concierto media hora tarde por culpa de su peinado («toma tiempo hacerlo», declaró) y la organización de Glastonbury no dudó en cortarle el micrófono llegada la medianoche, guiándose por sus horarios de cierre. A Lana le costó irse del escenario y no dudó en darse un baño de masas e improvisar un acapella de ‘Video Games’ con su público.
Lewis Capaldi, arropado por su público
Lewis Capaldi padece el síndrome de Tourette y, en alguna ocasión, ha sufrido ataques en pleno concierto. Le pasó en Glastonbury, al final de su set. Los espasmos impedían a Capaldi cantar ‘Someone You Loved’, así que su público no dudó en ayudarle y cantarla por él.
Rick Astley tocó el repertorio de los Smiths
Hasta dos veces actuó Rick Astley en Glastonbury. La primera vez lo hizo al mediodía -una de las horas menos agradecidas- y tocó su catálogo propio, incluyendo la mítica ‘Never Gonna Give You Up’. Después, a la noche, se puso el disfraz de Morrissey y presentó un repertorio compuesto por 16 versiones de los Smiths, acompañado por la banda británica Blossoms.
I didn’t know how much I needed to see Rick Astley crushing AC/DC’s "Highway to Hell" and the drums at Glastonbury pic.twitter.com/el650jBSNB
— Wu Tang is for the Children (@WUTangKids) June 25, 2023
Rina Sawayama saca los colores a Matty Healy
Entre los momentos más comentados de Glastonbury, la pulla de Rina Sawayama a Matty Healy, líder de The 1975: «Esta se la dedico a un hombre blanco que mira «Ghetto Gaggers» y se burla de la gente asiática en los podcasts. Además, es propietario de mis másters: estoy harta». Sawayama se refiere a Dirty Hit, el sello de The 1975, del que Healy es accionista.
Lil Nas X toca temas nuevos
Sin disco en el mercado ni nada que promocionar, Lil Nas X desplegó su extravagancia pop en Glastonbury, presumiendo de una fantástica producción escenográfica. Montero presentó dos canciones nuevas, ‘Batty Boy’ y la ya conocida ‘Down Souf Hoes’, pero sobre todo se apoyó en el repertorio de su disco de debut. Jack Harlow estuvo presente para cantar con él ‘Industry Baby’.
Guns and Roses son puntuales
Guns and Roses han sido noticia por empezar puntuales su concierto, algo poco habitual. Los de Axl Rose y Slash tocaron un repertorio de 27 canciones, Dave Grohl les acompañó en ‘Paradise City’, y le dedicaron ‘Live to Let Die’ a Paul McCartney (que estaba por allí y de hecho fue cabeza de cartel de la edición anterior).
Max Richter, Tilda Swinton… y un hombre desnudo
Entre los conciertos de Glastonbury programados por la mañana, el de Max Richter fue uno de los más concurridos. El pianista alemán debutó en Glastonbury y ofreció una versión orquestal de su disco de 2004, ‘The Blue Notebooks’. A Richter le acompañó la actriz Tilda Swinton en una de las piezas, pero el show fue noticia por el intento de protesta de un hombre que se plantó desnudo delante del escenario, antes de ser retirado del área por los agentes de seguridad.
Blondie
Trío de ases de Blondie, que empezaron su set en Glastonbury con ‘One Way or Another’, ‘Hanging on the Telephone’ y ‘Call Me’. Después cayeron ‘The Tide is Night’, ‘Rapture’, ‘Maria’, ‘Heart of Glass’… No hubo artistas invitados, pero nadie los necesita con tremendo repertorio.
RAYE habla sobre violencia sexual
Entre los momentos más emotivos que dejó Glastonbury, RAYE habló sobre su experiencia como víctima de abusos sexuales, antes de interpretar ‘Ice Cream Man’: «hay muchas historias que me he callado y que he sufrido sola. La siguiente canción habla de abusos sexuales, violación, violencia sexual… Sé que es un tema pesado pero también sé que una de cada cuatro mujeres y hombres lo sufren y sé que no estoy sola en esto hoy».
Cate Blanchett se une a Sparks
Tilda Swinton no es la única actriz que se dejó ver por Glastonbury. Cate Blanchett se unió a Sparks durante su actuación de ‘The Girl is Crying in Her Latte‘, pues de hecho aparece en el videoclip de la canción.
Pretenders
Antes hablábamos de Paul McCartney: el Beatle no solo estuvo en boca de Axl Rose en Glastonbury, de hecho apareció en el concierto de Pretenders. Fue al final del show. No fue el único artista invitado: Johnny Marr y Dave Grohl tocaron con Pretenders varios temas.
— DIÁRIO DOS BEATLES (@Diario_Beatles) June 24, 2023
Lizzo aboga por el amor propio
Lizzo está aquí para recordarnos que nos queramos más a nosotros mismos. Así lo confirmó en Glastonbury: «¿cuál fue la última vez que te dijiste algo positivo a ti mismo?» El buen rollo de Lizzo se tradujo evidentemente en el apartado musical, donde canciones como ‘About Damn Time’ elevaron el alma del público.
Rocío Saiz actuó ayer en el Pride de Murcia. Durante el show se quitó la camiseta en una determinada canción, como ella misma dice que lleva haciendo «10 años». Pero en esta ocasión la policía de Murcia detuvo el concierto por el «desnudo». En un comunicado a través de redes sociales, ella ha contado como le dijeron que «o se ponía la camiseta o se iba esposada».
Aunque terminó el concierto por respeto al público, la policía estaba esperándola para denunciarla por los siguientes delitos: alterar el orden, exhibicionismo y desacato a la autoridad. Y no solo eso. El inspector de policía le dijo que quitarse la camiseta es delito cuando lo hace una mujer, pero no cuando lo hace un hombre, por lo que tenía que «hacer su trabajo» y ponerle la denuncia. El incidente terminó con ese mismo oficial diciéndole a Rocío Saiz: «esto es lo que habéis votado» (haciendo referencia al gobierno de ultraderecha de la comunidad).
Y es que esto ha afectado profundamente a la cantante: «NO PUEDO MÁS. NO QUIERO MÁS. Ya no me divierto. Ya no quiero poner más el cuerpo. Que lo pongan otras. Que luchen otras. A ver cuantas se ponen delante para luchar verdaderamente por nuestros derechos». También ha remarcado en ese comunicado «Es lo que habéis votado. No os preocupéis, cada vez más cerca de dejar la música. De dejar de exponer el cuerpo y de dejarlo todo. Porque no me lo merezco».
Anoche la policía paró el concierto de la cantante Rocío Saiz por enseñar el pecho en la fiesta del Orgullo LGTBI en Murcia donde gobierna la ultraderecha.pic.twitter.com/xSWaXJFxPG
La segunda jornada de Tomavistas 2023 dio comienzo con un volumen de gente bastante superior al del día inaugural y, acorde al cartel, con una media de edad mayor. Triángulo de Amor Bizarro inauguraron el escenario principal a las 19:15 con una congregación de gente, que para la hora que era y el calor que hacía, fue aumentando con cada tema que tocaban.
El grupo gallego no podía estar más de estreno. Lanzan su nuevo disco, ‘SED’, y el mismo día lo presentan en Tomavistas. Al principio se notó, ya que comenzaron tocando temas nuevos y en la segunda mitad del concierto se pasaron a los clásicos. Por esto mismo, aun estando el grupo soberbio, en la primera mitad el público estaba calmado, absorbiendo tranquilamente los nuevos temas. “Imaginaros que es de noche”, soltó Isabel antes de presentar ‘Estrella Solitaria’ en directo, el cual ya es uno de los mejores singles del año.
A estas alturas de la tarde, hacía mucho calor. Por suerte, no daba tanto el sol como el jueves, pero aun así lo que más se veía entre la gente eran abanicos, porque el aire no corría en el parque Enrique Tierno Galván. Por eso, no me sorprendía que el público estuviese más bien parado en el show de Triángulo. Cuando comenzó el repertorio clásico del grupo, todo esto cambió. La cosa se empezó a animar con ‘El fantasma de la Transición’ y se acabó de revolucionar totalmente con ‘Vigilantes del Espejo’ y ‘De la monarquía a la criptocracia’, dos petardazos con los que a la gente le dio igual el sofocante calor y que originaron hasta varios pogos.
La mayoría de la audiencia de Triángulo se desplazó seguidamente al concierto de Mujeres. El trío barcelonés se marcó un show digno de lanzar vasos, lo cual todavía no había visto en esta edición del festival. Por tirar cosas, en el show de Mujeres se tiraron hasta llaves al escenario. Estos tocaron ante un público totalmente volcado con el repertorio, que fue desde temas que nunca faltan como ‘Tú Y Yo’ hasta la presentación de su nuevo single en directo, ‘No Puedo Más’. Además, fue el primer grupo en invitar a otros artistas al escenario. Pasaron por el segundo escenario Ariadna de Los Punsetes y las chicas de Cariño. Estas últimas, por supuesto, para regalarnos ‘Al Final Abrazos’.
A continuación, uno de los nombres más esperados del cartel y el primer gran grupo internacional de esta edición: The Vaccines. Fue uno de los pocos grupos por los que había gente guardando sitio cerca del escenario principal. La banda sonora de salida fue, inesperadamente, el tema principal de Succession, con esa melodía de piano tan icónica de Nicholas Britell. Los londinenses dieron comienzo al show con ‘I Can’t Quit’, que marcó el tono de todo el concierto. Es cierto que, tal y como dijo Justin Young, en el concierto había “mucho fan” de la banda, pero Triángulo y Mujeres consiguieron mover más a las masas. Young también habló sobre lo “especial” que es Madrid para la banda y reveló, quizá llevado por la emoción de estar otra vez en esta ciudad, que The Vaccines sacarían un nuevo disco este año. Tras ello, debutaron un nuevo tema, titulado ‘Heartbreak Kid’. Musicalmente, es lo que te podrías esperar de The Vaccines en 2023. Por otro lado, canciones como ‘I Always Knew’ o ‘If You Wanna’ siguen poniendo a todo el mundo a cantar.
Hasta este momento, todos los artistas que habían actuado habían sido bastante guitarreros, y por eso era tan necesaria la presencia de La Femme. Vestidos todos y todas con su característico esmoquin blanco de los 60. La fiesta sería tal que al final acabarían sin camiseta y por el suelo. La propuesta musical vintage y puesta en escena de los franceses, muy potenciada por el juego de luces utilizado, son suficientes rasgos como para nombrarlos uno de los grupos más singulares del festival. El público parecía disfrutar más de la parte en español del repertorio, con temas como ‘Sacatela’ o ‘Y tu te vas’, pero lo que no era eso daba más pie a perderse en la música y bailar como si fueran los años 70. Además, son el único grupo hasta el momento que acabaron y regresaron para un bis, lo cual suele ser la norma, pero en este festival no se estaba dando. Quizás, por lo ajustados que están los horarios.
La Casa Azul fue como los créditos de la jornada. Pese a ser el último, me pareció el concierto con más público del día, lo cual no había ocurrido la noche anterior. Guille Milkyway pegó el petardazo inicial con ‘No Hay Futuro’, seguida de temas como ‘Chicle Cosmos’, ‘La Fiesta Universal’ o ‘Esta Noche Solo Cantan Para Mí’. Esta última fue adornada con un carrusel de fotografías de mujeres célebres de todas las épocas, como Lana del Rey, Lizzo o Nina Simone. Fue, de lejos, el show con más presupuesto de la jornada y el más estimulante visualmente, haciendo uso de todas las luces que se podían encender, pirotecnia, pantallas por todos lados…
Guille Milkyway, tal y como dijo él, no es muy de hablar: “No somos muy buenos hablando, así que vamos a darle”. Aun así, el show tuvo sus pausas y el líder de La Casa Azul habló de varios temas, por ejemplo, sobre la libertad de “reivindicar lo que somos” (para introducir ‘La Fiesta Universal’) o sobre “la gente que te hace ser pequeño y se crece con tu pequeñez”. En un momento dado, también comentó algo que se había visto tanto en la jornada de ayer como en la primera: “Llegar a la etapa de señor y poder estar aquí, con todos vosotros, me hace muy feliz”. Y es que Guille se encontraba realmente emocionado por la cantidad de gente allí presente, y repito, que se ha notado en muchas más actuaciones. Ahora, queda la última jornada para que Tomavistas siga emocionando tanto al público como a los artistas.
Lejos de los días de gloria de ‘Every Kingdom’ (2011), pero aún capaz de lograr grandes posiciones en las listas de Reino Unido, el cantautor británico Ben Howard continúa su carrera. Su último disco, ‘Collections from the Whiteout’, publicado en 2021, le llevó un paso adelante en su utilización de sonidos electrónicos, los cuales gozan de una presencia ya casi protagonista en ‘Is It?’, su quinto larga duración.
El camino hacia ‘Is It?’ ha sido especialmente duro para Howard. Un problema de salud lo ha inspirado. El año pasado, el artista se encontraba descansando en el jardín de su casa cuando empezó a sentirse extraño: no era capaz de pensar ni de hablar con fluidez. El momento pasó pero, al mes siguiente, el incidente se repitió. Howard acudió al hospital y descubrió que habría sufrido dos pequeños ataques cerebrales. Los resultados médicos no fueron concluyentes.
Howard, que acaba de venir de gira a España, se encuentra bien, y en su nuevo disco ha querido volcar las sensaciones que esta experiencia le ha dejado. Las canciones de ‘Is It?’, en el plano compositivo, mantienen la sensibilidad folk del autor de ‘Only Love’, esa querencia boniveriana de la que tanto ha echado mano. Sin embargo, ahora la mezcla de teclados y punteos de guitarra apunta al art-pop de los ochenta. De repente parecen Westerman y Wild Beasts sendas referencias.
Percibe Howard una dimensión absurda, surrealista, en su experiencia, que se refleja en la portada del disco y también en las canciones. ‘Couldn’t Make it Up’ abre describiendo aquel día vívidamente entre melodías pegadizas y teclados azucarados. ‘Walking Backwards’ es una oda a la nostalgia con ecos a Phill Collins y ‘Days of Lantana’ un paseíto bajo el sol de junio, con el canto de los pájaros de fondo.
Que Howard es un artesano del pop se nota en estas canciones y en el resto. Especialmente cuidada suena la atmósfera de ‘Moonraker’, que se inspira en un relato folclórico del siglo XVIII, mientras la música te sume en un mundo mágico. Hay un poso melancólico en ‘Richmond Avenue’, que se atreve a incorporar cuerdas irlandesas porque Howard siempre ha sido seguidor de la música celta. Más ligera y juguetona con los sintetizadores, ‘Life in the Time’ habla de un “cautiverio” pero suena liberada.
Cortadas por el mismo patrón suenan todas las pistas de ‘Is It?’, un disco producido por Bullion (St Vincent, Nilüfer Yanya) que suena excelente. La instrumentación es exquisita en todo momento, las melodías cautivadoras. Solo ‘Total Eclipse’ -un interludio- intenta recrear la sensación de la experiencia vivida por Howard, pero el artista no olvida dotar a las canciones de un fondo más bien universal, llenándolas de esa melancolía que produce recordar un simple “paseo en el parque”, con la que tantos se sentirán identificados.
Sen Senra ha estrenado su nuevo álbum ‘PO2054AZ’, los singles ‘Uno De Eses Gatos’ y ‘No Quiero Ser Cantante’ forman parte de este. El artista usa una matrícula de un Peugot 205 antiguo para el título, pero en realidad esconde sus raíces, su parte más personal. Es un más bien un proyecto sin terminar y que el artista irá completando. Por eso la aclaración en el título de «Vol. I».
Sen Senra presenta su trabajo avisando que se «inspira en la nostalgia del pasado». Y es que este nuevo disco se puede escuchar en diferentes copias físicas (muy vintage): en vinilo, CD y en cassette. No cabe duda de que la morriña es parte esencial para el artista. En el videoclip de ‘Uno De Eses Gatos’ también muestra la añoranza a lo pasado, y lo hace mostrando la estética más kinki de los 2000.
El sonido es nuevo en pistas como ‘Blue Jeans Y Un Crop Top’, nuestra Canción del Día hoy. La voz ahogada del cantante protagoniza prácticamente toda la grabación. Parece que suena un reloj que acompaña a las letras, amortiguadas: «No quiero perderte, me muero / Enredando mis dedos en tu pelo». Pero aun así la voz de Sen Senra sigue sonando muy lejana. Tras el sonido de unas cuerdas, su voz se aclara en el tercer verso: «Me suspira en el oído por cada zona en la que le toco / No voy a bajarle el ritmo, no me puede el miedo de si me equivoco».
Además de música más experimental, ‘PO2054AZ’ cuenta con colaboraciones como la de Tainy (productor de Bad Bunny o Rauw Alejandro) en ‘Completamente Loco’ y la de Ian Isiah en ‘Mi Norte’. Isiah es un artista de R&B neoyorkino e icono de moda en Estados Unidos, además ha colaborado con cantantes como La Zowi.
Tracklist de ‘PO2054AZ’:
No Quiero Ser Un Cantante
Está Sexy
Blue Jeans Y Un Crop Top
Uno De Eses Gatos feat. Sky Rompiendo
Mi Norte feat. Ian Isiah
No Falla
Me Debes Esto
Completamente Loco feat. Tainy
Buscapé (Interludio)
Familia
Taba Sucio
Sin Excusa
Da Igual Lo Que Opine La Gente
Me reúno con Triángulo de Amor Bizarro en una cafetería en Ventura Rodríguez, cuando visitan Madrid para presentar ‘SED’ en la Sala El Sol. Aún no me he dado cuenta de cuán conceptual es su nuevo álbum, pero la conversación es esclarecedora y reveladora sobre la presión del éxito en la cultura pop. El grupo gallego que ha encabezado siempre las listas de lo mejor del año también se pregunta a veces cuál es su lugar en la industria y de esa observación en el espejo y de la deriva de las superestrellas del pop el siglo pasado ha surgido un álbum diferente a los anteriores sobre todo en sus textos.
Isa, Rodrigo, Rafa y Zippo están entusiasmados con el proyecto, se reconocen felices en su posición -ahora sí- y a menudo hablan todos al unísono con excitación sobre las nuevas canciones. TAB estarán presentando este álbum por toda España, tras su paso por Tomavistas, en los siguientes eventos y ciudades:
01 JUL. ESPAI VAPOR, TERRASSA
08 JUL. L’ESCORXADOR, ELCHE
25 AGO. CONTEMPOPRANEA, BADAJOZ
26 AGO. CANELA PARTY, MÁLAGA
08 SEP. PULPOP, ROQUETAS DE MAR, ALMERÍA
22 SEP. NOITES DO PORTO, A CORUÑA
23 SEP. BARBEIRA SEASON FEST, PONTEVEDRA
06 OCT. APOLO, BARCELONA
07 OCT. AL PORT, CASTELLÓN
20 OCT. ACAPULCO, GIJÓN
28 OCT. A POUSADA, BOIRO
23 NOV. ANTZOKI, BILBAO
15 DIC. LAS ARMAS, ZARAGOZA
29 DIC. INVERFEST, LA RIVIERA, MADRID
14 ENE. MOON, VALENCIA
02 FEB. CAPITOL, SANTIAGO
¿De qué va este disco?
Isa: «Va de fama, de éxito. De estrellas y estrellados».
¿Pero os incluye a vosotros como grupo?
Isa: «Yo soy espectadora siempre».
Rodrigo: «Llevamos muchos años y tenemos una relación extraña con el éxito. Somos un grupo minoritario y también espectadores de la sociedad del espectáculo. Hay una escalera hacia el éxito que no acaba nunca y de la que al final cae gente. Con los años se va acentuando esa dinámica. De manera natural, después del disco anterior, las canciones empezaron a ir por ahí. También surge de mirarte al espejo y preguntarte si merece la pena la lucha por llegar más arriba que el otro. Porque luego viene una caída brutal, y parece que es la parte que más disfruta la gente».
¿Qué caída creéis que ha disfrutado la gente?
[…Entre un namedropping de todos hablando a la vez, ininteligible…]
Isa: «Britney Spears»
Rodrigo: «Madonna, Michael Jackson».
Rafa: «Toda estrella que fue, cayó».
Alguien ha mencionado Kanye West en el barullo. No sé si contempláis la cancelación.
Rodrigo: «Lo de la cancelación me da exactamente igual. No estaba pensando en ese tema, en una caída porque se comporten como imbéciles. Pensaba más bien en Prince. Un genio de la música. Una carrera universal. Y tuvo una decadencia, una muerte terrible».
Isa: «Su propio personaje lo hace vulnerable. Por ejemplo, la tontería de la estatura. No se podía poner al lado de una persona más alta que él. Pierden su propio sentido vital. Es un poco triste. Luego tiene cosas muy guays. No sé si hay estrellas de ese nivel ahora mismo».
Rodrigo: «Y no era solo hablar de esas estrellas, sino de la presión por ascender, nunca tienes suficiente. Siempre hay algo más. El sistema te empuja. Hay tal presión que termina por desvirtuar la razón de hacer música. La música se convierte en un medio. Nosotros intentamos que la música sea el fin. Lo demás viene y va».
¿Por qué os interesa tanto este tema?
Rodrigo: «Reflexionamos por la pandemia. Nos crujió. Partió en dos el mundo. Te planteas que muchas cosas no valen para nada. ¿Nosotros qué queríamos? Dar conciertos. Al volver a dar conciertos recuperamos la sensación de cuando empezamos a hacer música. ¿Que ganábamos dinero con esto? Genial. Pero cuando ese fin da la vuelta, como implica el sistema, la música se convierte en el medio para conseguir algo. La sociedad te empuja a poner más alta para la barrera del éxito, pero así no disfrutas de lo que estás haciendo».
Isa: «Hay productos enfocados al éxito y si no tienen éxito, no tienen sentido».
Rodrigo: «Tampoco queríamos hacer un manual, el disco es muy de emociones y sentimientos primitivos, desde el propio título. Lo podemos pasar todos, desde la música o cualquier otro ámbito. ¿Quién no se va a convertir en un monstruo si puede?».
«El sistema te empuja. Hay tal presión que termina por desvirtuar la razón de hacer música. La música se convierte en un medio. Nosotros intentamos que la música sea el fin»
¿Cómo veis vuestra vida en cuanto a la consecución del éxito?
Rodrigo: «Nuestra generación ya pasó hace tiempo. Era la de 2010, cuando ‘Año Santo’. Tuvimos un empuje, pero fue una cárcel a su vez, porque se espera un código determinado, unas cosas determinadas. Nosotros ya no sentimos eso. Estamos pasados, a veces tienes la sensación de dónde vamos ya. Pero eso a la vez significa que puedes hacer lo que quieras».
Isa: «Cuando hablas de códigos, yo me imagino una persona vestida de cowboy, un rockero de 80 o de los 90, y me imagino chavales con cadenas y camisetas de Abanderado con 50 años. Si no evolucionas, te conviertes en eso».
Pero os estáis metiendo en una cárcel propia vosotros mismos a su vez. Vuestros grupos de referencia, Stereolab, Sonic Youth… siguen actuando muy mayores, juntos o por separado. ¿No os veis así?
Rodrigo: «No estamos diciendo eso para nada».
Todos: «¡Noooo!».
Rodrigo: «Puedes cambiar. Es nuestro 6º disco pero ha habido tantos cambios en estos 20 años… Cada generación tiene unos códigos. Si eres capaz de superar esa barrera…. Los grupos tenemos una duración determinada y las cosas se hacen mucho más difíciles. Si eres capaz de romper esa barrera, podrás hacer la música que quieras a los 70 años».
«Si hubiéramos hecho otra cosa en 2010, nos habría ido mejor. Y ahora no existiríamos como banda».
Vosotros tenéis entonces una duración limitada…
Rodrigo: «No, pero la presión…»
Rafa: «Neil Young estaba englobado en un estilo, en California… y acabó haciendo lo que le dio la gana. Salió de esa cárcel, pasó a ese momento en que puedes pasar a tener un discurso propio».
Isa: «Si te va muy bien y te unes al hype… Eso a nosotros no nos pasó y eso de alguna manera, nos salvó».
Bowie se sumó a las modas, y no le fue bien en un momento dado. Entiendo que decís que el secreto es mantener un discurso propio.
Isa: «No sabemos qué es, es una cosa extraña que no es tan fácil de analizar. Si no, seríamos millonarios (risas)».
Rodrigo: «Cualquier persona tiene una presión de una época. Nosotros en 2010, si hubiéramos hecho otra cosa, nos habría ido mejor. Y ahora no existiríamos como banda».
¿Algo más Vetusta Morla?
Rodrigo: «No. Pero suavizar un poco la propuesta».
Isa: «Menos ruido. O algo más latino, porque soy una persona abierta, y eso se lleva. Pero en nosotros sería una cantada».
¿Habéis ido escuchando cosas de música latina y trap, estos años?
Isa: «Claro, ¡cómo no las vamos a escuchar!»
Rodrigo: «No tenemos un discurso viejuno. No somos ultra…»
Isa: «No es una cuestión de imagen».
Rafa: «Es un rollo de lo que quieres hacer y lo de mejor que puedas hacer».
Rodrigo: «Cuando vas hacia el dinero se te nubla mucho otro sentido. A veces el camino al hacer música es si te va a aportar cosas. La meta de hacer una buena canción te va a aportar más a largo plazo que pensar en llegar a 200.000 seguidores para subir el caché. Es difícil que sea compatible. No es imposible pero sí es muy difícil».
Isa: «En nuestro caso sería desvirtuar por qué hacemos el grupo».
Rodrigo: «Hay que escoger entre múltiples caminos. Este disco tiene estas reflexiones, pero también es una película de personajes, de gangsters. Personajes que me han fascinado porque son malignos, pero podríamos ser nosotros en otras circunstancias. Dan cierta ternura. Yo soy fan de Prince de siempre, he disfrutado de su obra magna, pero hay artistas que detesto que también han tenido una decadencia, y despiertan cierta ternura porque los trituró el propio sistema».
«Hacer una buena canción te va a aportar más a largo plazo que pensar en llegar a 200.000 seguidores para subir el caché»
¿Los últimos discos de Prince también os interesan?
Zippo o Rafa: «¡Sí!».
Rodrigo: «Es la obra de alguien atrapado por su propio… Discos de rockear con los colegas. Estaría buscando la sensación de cuando no era conocido. De disfrutar tocando».
Isa: «Tenía todo pero quería volver a hacer buenas canciones. También es muy cinematográfico. Podría dar lugar a una película increíble, muy visual».
Rodrigo: «Pero a la vez es una cosa muy humana».
Isa: «Buscando lo único que le hace ser feliz y no puede tenerlo».
Hay casos de gente que no ha conocido nunca decadencia, como Leonard Cohen.
Isa: «O el último de David Bowie, ‘Blackstar'».
¿Vosotros habéis disfrutado del camino?
Rodrigo: «Hubo momentos que sí y otros que no».
Rafa: «Yo ahora sí».
¿En cuáles no?
Isa: «Muchas horas».
Rodrigo: «Mucho cansancio. Peleas. Pero no nos vamos».
Rodrigo, has expresado dos ideas un poco contradictorias. ‘Cómprate un yate’ retrata a ese personaje chungo, fanfarrón, que decías. El gangster. Parodia de la industria…
Isa: «Sí, sí, sí. Yo ahí estoy viendo al típico manager: «no te preocupes, aquí traigo lo tuyo». Es algo muy peligroso».
Rodrigo: «Pero el artista está deseando oírlo. Me dejé llevar por personajes malvados pero quería ponerme en su lugar».
Esa parte la tengo clara. No tanto la de las emociones en el disco.
Rodrigo: «Son emociones primarias. Alguien te pone un millón de euros en la mesa… ¿y qué haces? El éxito es una decisión primaria, lo coges o lo dejas. Todo el mundo lo busca. Tenemos un grupo. En el sistema hay algo jodido y cada vez se mueve más».
Habéis hecho un vídeo muy chulo, cuando han perdido algo de punch.
Isa: «Son más de 3 segundos, imagínate» (risas).
Pero habéis cuidado un vídeo otra vez, el de ‘Estrella solitaria’. Una frase del álbum dice que «los discos son solo plástico». Y en el vídeo disparáis un vinilo. No es un vídeo de tocar los 4 en un concierto y ya. Para vosotros siguen siendo importantes».
Isa: «El arte -suena pretencioso pero no me parece pretencioso- me parece humano. El arte es importante para hacer crecer una canción. Teníamos muy claro que habíamos encontrado a una persona que podía hacer que el imaginario del disco estuviera muy concentrado en un vídeo».
Rodrigo: «Esta canción es otro punto de vista, como el disco pop. Queríamos hacer la canción de supuesto éxito que tendrían algunos de los personajes del disco. El resto es más oscuro. El disco es otro».
De nuevo habéis presentado el álbum con una canción rarísima, y la buena-buena sale en tercer lugar.
(risas)
Rodrigo: «Yo creo que esta fue una propuesta de Mushroom. Este disco lo hemos hecho en nuestro propio estudio, en casa. Carlos (Hernández) vino a Boiro, el vídeo es con gente de Boiro, con Toño Chouza. Es casero, artesanal…»
Vuestro hijo sale en los créditos.
Isa: «Tocó».
Rodrigo: «Hicimos bocetos sin hacer maquetas. Hacer maquetas es un rollo. Muchas veces en el estudio estás replicando lo que ya tienes en la maqueta. Desarrollamos las canciones más grabando, y fue un proceso liberador, nos ahorramos procesos por el medio que no son creativos. El disco lo entregamos y Mushroom decidieron. Queríamos mostrar capas del disco, los grupos de rock son de discos, no de singles. En este disco las canciones pop salieron al principio: ‘Estrella solitaria’, ‘La Espectadora’… y a partir de ahí tienes más libertad, puedes dedicarte a hacer de banda de rock. Meter 10 singles en un disco está guay, pero si te salen muy diferentes».
Os veo grupo de álbumes, obviamente, aunque en los directos está muy claro dónde metéis las canciones famosas, los singles. Está marcado, porque soléis terminar igual… Aunque bueno, nadie vio venir lo de ‘Barca quemada’.
Isa: «Rodrigo sí, pero nadie le hizo caso» (risas)
Rodrigo: «En otros discos siempre hubo dudas, hasta con ‘Año Santo’. En este disco no, la estructura del disco era de pop de la época.
Hay mucho años 50, David Lynch… Le habéis cogido el gustillo a ese estilo.
Hablando con Toño de ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Boulevard’)… marcó el disco esa imagen.
¿En sonido hay alguna novedad?
Zippo: «Este disco tiene la canción más electrónica, la canción más lenta con la que acabamos el disco, la balada más clásica rock’n’roll. Hay más géneros y estilos que nunca».
Rafa: «Al poder disponer de nuestro propio espacio, no tienes que fijar nada de antemano, salvo la propia grabación. No teníamos esa presión previa. Eso para mí supuso captar el momento, solo preocuparte de lo que estás haciendo, no por otra cosa».
Rodrigo: «Hay veces que te encuentras con 20 canciones por acabar».
Isa: «Algunas son 2 canciones juntas».
Rodrigo: «‘Estrella solitaria’ viene de la pandemia».
¿Cuál es esa canción que son 2 canciones juntas?
Isa: «‘Huele a colonia chispas'».
Rodrigo: «No. Es que muchas veces mezclas la letra de una y la música de otra. Lo que pasa es que esa canción empezó demasiado como ‘Vigilantes’. Di muchas vueltas. Tiene los mismos acordes de ‘Estrella solitaria’, pero traspuestos. Con una melodía completamente diferente encima. Quería alejarla de ‘Vigilantes’. Cuando nos sale algo parecido a otra canción, la cambiamos».
Habladme del final de esta historia, ‘La condena’. Ese «intento arrancarte de mí pero no puedo».
Rodrigo: «Al hilo del disco, habla de la búsqueda del éxito, o de no llegar a él».
Isa: «De lo que tuviste y ya no tienes. También puede ser de amor».
Rodrigo: «Eso sería más típico, pero prefiero que sea del éxito. De lo que no conseguiste tener. Cualquier sentimiento humano, de deseo, aspiracional. La letra es poco explícita para que cada uno la complete con lo que le convenga».
El mes pasado nos preguntábamos en la redacción cuál era la mejor canción del último disco de Lola Indigo. No me dio tiempo a participar, y me quedé con las ganas de destacar la que es mi canción favorita de toda su carrera: ‘La Santa’. Es nuestra Canción del Día para este sábado.
Parece que si ‘EL DRAGÓN’ continúa en el top 20 de la lista española de ventas, 9 semanas después de su edición, es gracias sobre todo al empuje del tema con Quevedo, que sigue en el top 10 de singles. Los siguientes cortes más escuchados del álbum son los colaborativos con Maria Becerra y Luis Fonsi, pero ni caso.
Es ‘LA SANTA’ la canción más excitante de Lola Indigo. Ya a su estreno hace unos meses elogiábamos su paso del dembow a la balada, incluyendo también un beat de reggaeton. Mimi Doblas nos está hablando aquí de una amiga que se hace la santa pero luego se vuelve salvaje, y lo está haciendo no solo con el texto sino con la propia música, que parece reflejar los estados de la propia (anti) «SANTA».
Consintiendo la interpretación «la amiga soy yo», pues la propia artista considera que el tema habla de «su personalidad», ‘LA SANTA’ presenta una letra divertida sobre alguien que parece una mojigata pero luego «mueve el culo en TikTok» y «siempre está lista pa’l club». En sus fascinantes cambios de ritmos, ‘LA SANTA’ constituye una producción perfectamente a la moda internacional de 2023, siendo realmente perfecta para TikTok, al tiempo que uno de los mayores aciertos de Andrés Torres y Mauricio Rengifo (‘Despacito’) por mucho que los números no hayan acompañado tanto.
De hecho, la artista ha contado que el tema no gustó mucho en principio: «Con ‘La Santa’ me tuve que pelear con ‘las gentes’ que dicen ‘esto no suena en radio’, ‘esto es muy duro’ y tal… Pues ‘La Santa’ es del Albahicín, una canción que tiene mucho de mi personalidad y soy yo haciendo lo que me gusta: escribir».
Kylie continúa siendo lo más votado de JNSP, ratificado por el 73% de la audiencia en Twitter. Lo nuevo de su amiga Dua Lipa no ha sido una amenaza para ‘Padam Padam’, pero el tema de ‘Barbie’ llega al puesto 2 con el 14% de los votos aprox.
La segunda entrada más fuerte es lo nuevo de Alizzz y Amaia, seguido del tema de Doja Cat que en realidad no va a ser un single principal de su álbum. RAYE, Amaarae y Bombay Bicycle Club completan las entradas de la semana.
El concierto de Louis Tomlinson en Red Rocks, en Colorado, estuvo protagonizado por las más de 90 personas heridas y 7 hospitalizaciones. La causa fue una fuerte tormenta de granizo que, según informa NME, dejó piedras del tamaño de una pelota de tenis.
En el concierto, parte de la gira de Tomlinson en Estados Unidos, el artista presentaba su álbum ‘Faith In The Future’. El show fue retrasado y el recinto Red Rocks propuso a los fans vía Twitter que «buscasen refugio en los coches». Tras varios intentos, se tuvo que cancelar el concierto, dejando varias hospitalizaciones con huesos rotos, cortes o contusiones.
Tras esto, el cantante publicó un comunicado en el que «deseaba que todo el mundo hubiese llegado bien a casa y que los heridos se recuperasen pronto. Añadía también que «estaban tratando de reprogramar el concierto, así que, que todo el mundo guarde sus entradas».
Several people got injured by a hail storm at the Red Rocks concert venue in Morrison, Colorado, West Metro Fire says. The number of potential patients and the extent of injuries are not known at this time. pic.twitter.com/CrgtvXsw0f
— The Washington Press (@washpressorg) June 22, 2023
ATTN @Louis_Tomlinson concertgoers: We are currently in a weather delay Please seek shelter in your vehicle and we’ll let you know when we’ve received the all clear
— Red Rocks Park & Amphitheatre (@RedRocksCO) June 22, 2023
No sé si puede haber ahora mismo una palabra peor considerada que «plástico». Es casi el sinónimo de la contaminación, la viva imagen del mal en el debate sobre el cambio climático. Al menos entre aquellos que no destruyen carriles bici como primera medida urgente al llegar a su gobierno chispas.
Por eso es tan triste para un músico, en un disco que habla sobre la fama y sobre todo sobre la «SED» de la misma cuando la has perdido, escuchar que «los años pasan» y que «tus discos son sólo plástico». Que si eras el rey de algo, no era del rock, ni del pop. Sino del plástico.
Admirando profundamente a personajes como Prince como músico o productor, comprobando lo joven que murió, también Michael Jackson, o lo que para muchos es la deriva de Madonna, Triángulo de Amor Bizarro se han concentrado en reflexionar sobre este tema. El corte de que hablamos se llama ‘Huele a colonia chispas’ y su estribillo pasa de ser «tu vida fue demasiado corta» a «la vida es demasiado larga». Habría que preguntar su opinión a Kurt Cobain, a Ian Curtis, a Chris Cornell o a Avicci.
Esta es la primera vez que el grupo gallego, acostumbrado a premios de la crítica, reconocimiento de la industria y listas de lo mejor del año, han compuesto un álbum conceptual. Hay un hilo conductor en lo lírico que nos lleva desde ‘Estrella solitaria‘, una de las mejores canciones de su carrera; hasta el final de ‘La condena’. La primera es una de las composiciones que más abiertamente se inspiran en la absoluta obra maestra cinematográfica a este respecto, ‘El crepúsculo de los dioses’ (qué bien ha «envejecido»), y la última es una pseudobalada sobre la esclavitud hacia aquello que «perseguimos».
En medio hay temas sobre esos ogros de la industria que por un lado te calientan la oreja con frases hechas vacías de contenido («la música que haces tiene corazón») y por otro te sugieren que abandones a tu familia a la vez (‘Cómprate un yate’). Sobre cazadores cazados, como ‘La carretera’. O sobre «Espectadoras» que buscan un lugar en la historia también. «Soy sólo alguien que busca lo que es suyo», repite una y otra vez.
En lo musical, y pese a nuevas aportaciones en cuanto a instrumentación y grabación, el 6º álbum de Triángulo de Amor Bizarro no presenta tantas novedades como en lo lírico. De hecho, hay muchas autorreferencias a canciones pasadas. Tanto ‘La carretera’ como ‘La espectadora’ tienen un algo a ‘Barca quemada’. ‘Estrella solitaria’ es la canción tipo de New Order que «Triángulo de Amor Bizarro» paradójicamente no manejaron hasta ‘Baila sumeria’, pero que ahora nos resulta familiar. En verdad ya tenían un tema sobre la fama llamado ‘Estrellas místicas‘, sobre su relación con sus fans. Aquella en que Isa Cea verbalizaba una demanda de algunos de sus seguidores: «sonríe, hostia, sonríe».
El grupo con su propia producción y la de su inseparable Carlos Hernández, continúa sonando espectacular en la parte noise con las guitarras de Rodrigo Caamaño (‘Estrella antivida’, ‘Huele a colonia chispas’) y entregando momentos que degustar. ‘Canción de muerte del pez dorado’, con ese toque 50’s que les lleva un par de discos sentando tan bien, ofrece aquí un desarrollo diferente. Las guitarras crepusculares del final remiten al Brit Pop, en concreto al Bernard Butler de ‘Dog Man Star’. Y el cierre de álbum con ‘La condena’ es de los mejores que han entregado, entre los los efectos y los teclados de Zippo y la batería de Rafael Mallo.
Una de mis interpretaciones favoritas de ‘SED’ es aquella en la que Triángulo de Amor Bizarro reflexionan también sobre su propia relación con el éxito. Una teoría en la que ellos no son espectadores, sino que también observan su propia decadencia. Su decadencia en un mundo que ya no quiere tantos grupos de noise en festivales. La de un mundo en el que predominan los solistas, pero con muchos featurings. La de un mundo en el que el rock solo está ya representado por Måneskin. Habría algo realmente poético en que este fuera el último disco de TAB. Pero aquí no hay atisbo de caída o crepúsculo. El grupo gallego ofrece un disco diferente y distinguible de los demás, en este caso sobre todo por su temática, dando suficientes razones como para que ansiemos ya averiguar cuál será su próxima idea.
Siempre se está a gusto cuando se está en casa. Esta es la frase que resumiría la primera jornada de Tomavistas 2023. El festival insignia de Madrid vuelve al parque Enrique Tierno Galván en su séptima edición, tras reubicarse en IFEMA el año pasado, y lo hace con una jornada marcada por la búsqueda de sombra (que también se dará en los dos días restantes) y el buenrollismo.
Para empezar, fue un tanto frustrante topar con las coincidencias típicas de estos eventos. Si ya me fue complicado elegir entre Shego y Queralt Lahoz, de la cual me habría gustado ver más, lo de perderme a Judeline por ver a Depresión Sonora no me hizo ninguna gracia. Es el único pero que podría poner a algo relacionado con la organización del evento, que ofreció un ambiente amistoso y familiar, unos precios decentes para un festival y una variada selección de puestos de comida y bebida. Eso, y la falta de fuentes de agua potable, lo cual han anunciado desde la organización que ya se ha solucionado. Según explican en Instagram, hubo “retrasos en el montaje” por la tormenta del miércoles, afectando a la previsión de agua.
Alrededor de las 20:15, ‘Bienvenido Al Caos’ sonaba en el escenario 2, dando comienzo a un espectáculo lleno de bailes tristes para delincuentes y demostrando que Depresión Sonora no hace música generacional, sino universal. Y si no, que se lo digan a todas las personas de mediana edad que estaban bailando al son de ‘Hasta Que Llegue la Muerte’ al lado de chavales de 20 años.
Crespo tocó sobre todo temas sacados de su último disco, ‘El Arte de Morir muy Despacio’, pero también desplegó clásicos como ‘Ya No Hay Verano’, ‘Gasolina Y Mechero’ o ‘Apocalipsis Virtual’. Esta última con dedicación al recién fallecido Unabomber. Con solo dos guitarras (a veces), un bajo y un track de percusión, Crespo consiguió conectar totalmente con el público. Debe ser porque es ‘Como todo el Mundo’. Incluso mi acompañante, que no estaba nada familiarizadx con Depresión Sonora, al verlo salir soltó: “¡Pero si es un chaval normal!”.
Oscar L Tejeda
Ginebras y La La Love You, como era de esperar, fueron los conciertos más multitudinarios. A ojo, yo diría que Ginebras se coronaron como las reinas del primer día. Se trataba de su primera vez en Tomavistas y, aprovechando que está reciente el tema, no tuvo nada que ver con lo que experimentaron en O Son do Camiño. Todo el mundo estaba allí para verlas y si no, ellas podían ganarse a cualquiera gracias a la potente colección de temas que poseen. Bailongos y cercanos a partes iguales. Magüi, Sandra, Raquel y Juls estuvieron igual de carismáticas y habladoras que siempre, bromeando sobre cómo su decorado (una especie de montaña rusa) es una parte de la nueva atracción de la Warner o abriéndose al público y contando lo felices que están tocando en Tomavistas, pese a estar pasando “por un momento personal bastante jodido”. ‘Muchas gracias por venir’, ‘La típica canción’ y una cover de ‘Con Altura’ fueron los momentos musicales más destacados.
Los shows de Ginebras y La La Love You fueron similares, en el sentido de que ambos tuvieron un decorado superior al resto, visuales curradas, derrocharon personalidad y regalaron un sólido concierto. En el caso de La La Love You, estos entregaron un set lleno de hits para seguir sudando en la calurosa noche de Madrid, una acertada versión de ‘Tenía tanto que darte’ y mucho carisma, riéndose un poco de Piqué (“Menos mal que sois Team Shakira”) y Bizarrap (“La nueva de Bizarrap con Rauw, un poco floja, ¿no?”). ‘El Fin del Mundo’ fue el petardazo final perfecto para mandar a la gente a casa de buen humor. Seguido muy de cerca por el momentazo que fue ‘El Principio de Algo’. Sin embargo, tuvieron la mala suerte de tocar después de Carlangas.
Yo tenía muchas ganas de ver a Carlangas, pero no me esperaba para nada el espectáculo que iba a presenciar. Un concierto en el que es imposible que recuerdes tus problemas, que tiene a un Carlangas incapaz de parar de pasárselo bien, a una impecable banda que eleva las canciones a otra dimensión como es Mundo Prestigio, y un repertorio que cubre tanto el primer proyecto en solitario del gallego como algunos de los mejores temas de Novedades Carminha (‘Cariñito’, ‘Te Quiero Igual’, ‘Ya No Te Veo’). Suena ‘Se Acabó la Broma’, y mientras estás alucinando por cómo suena en directo, te das cuenta de que el saxofonista acaba de encender una bengala de humo. Esto, nada más empezar. Momentos de autotune, solos de saxo, sintetizadores, cumbia, inesperado colofón con ‘Mr. Saxobeat’, ‘Freed from Desire’ y ‘Verbena’ seguidas y hasta momentos emotivos, como el que protagonizó el hijo de Pereiro: “Es la primera vez que viene a verme mi hijo de dos años y en una hora está de cumpleaños”. Acto seguido, le dedicó una versión acústica de ‘Hola, mi amor’ de Nyno Vargas. Hubo tantos momentos a destacar que me falta espacio.
Se nota que Carlangas es el artista más veterano de la jornada. Por algo la mayoría de compañeros de cartel lo han nombrado en sus conciertos al hablar de lo emocionados que están de tocar en el Tomavistas. Carlos Pereiro no congregó a tanta gente como otros, pero ellos se lo pierden. Carlangas dio fin al bolo, y prácticamente a la velada del jueves, gritando a los cuatro vientos algo que deberíamos recordar todos de vez en cuando: “¡Viva la vida, me cago en dios!”.
Lewis OfMan, uno de los artistas actuales que mejor y con más gracia han sabido renovar el synth-pop de los ochenta, y Empress Of, autora de hitazos como ‘Dance for You’, se han unido en un single conjunto, un tema que se encuentra entre las novedades publicadas hoy.
‘Highway’ marca una nueva etapa creativa para Lewis Delhomme, en la que el productor francés renuncia a los sintetizadores y da la bienvenida a las guitarras, según él mismo. ‘Highway’ es prueba de ello y es la Canción Del Día de hoy.
‘Highway’ emite diferentes ecos. En concepto es una canción deliberadamente veraniega que nos lleva a la Italia de los años 60 y 70. Podemos hablar de Fitness Forever pero no hace falta irse tan lejos: ahí están, por ejemplo, Parcels. Sin embargo, las guitarras eléctricas dibujan una imagen más cercana a la psicodelia que remite a la última etapa de Tame Impala. Las acústicas apuntan más bien a la rumba española, haciendo parecer a ‘Highway’ prima hermana del ‘Yate‘ de C. Tangana.
En este mejunje sobresale la musicalidad de Lewis OfMan, su exquisito gusto, y también el talento vocal e interpretativo de Empress Of, que convierte en oro todo lo que toca. Juntos entonan una canción que habla del hallazgo de un amor, tan insólito que parece el de un oasis en medio del desierto: «te llevo buscando toda la vida, he cruzado semáforos en rojo para llegar hasta ti», canta Lorely Rodriguez; «quizá sea una ilusión, pero espero sea verdad».
‘Highway’ presenta el próximo proyecto de Lewis OfMan y llega solo un año después del lanzamiento de su último disco, ‘Sonic Poems‘. Por su parte, Empress Of publicó EP también el año pasado, ‘Save Me‘, aunque su último trabajo largo vio la luz en 2020.
Esta semana un submarino que realizaba una ruta turística hacia los restos del Titanic (una ruta económicamente exclusiva, solo asequible para grandes bolsillos) ha desaparecido. Tras una intensa labor de búsqueda realizada a contrarreloj, las autoridades han hallado restos materiales de la nave, por lo que creen que ha implosionado debido a la presión marítima, y dan por muertos a sus cinco ocupantes.
En medio de la tragedia, la música ha encontrado un extraño momento de protagonismo. Brian Szasz, hijastro de uno de los ocupantes, el multimillonario británico Hamish Harding, ha asistido a un concierto de Blink-182 para «lidiar» con la dramática situación de su familiar y lo ha publicado en sus redes. Incluso ha etiquetado a Tom Delonge en un mensaje buscando su apoyo. A mucha gente el gesto de Szasz le ha parecido de mal gusto, como a Cardi B, que ha querido comentar la situación en TikTok:
Cardi y Brian Szasz (o «Audioboy», como se hace llamar en redes) han terminado intercambiándose reproches en redes sociales. Cardi ha afeado a Szasz su indiferencia ante la tragedia y su interés por llamar la atención a costa de su padrastro. Y Szasz ha contestado que es Cardi quien busca llamar la atención porque sus últimas canciones son «una mierda».
Al mismo tiempo, Céline Dion ha sido trending topic por ‘My Heart Will Go On’ (uno de los miles de memes que ha generado la noticia) y alguien ha descubierto que, en el último vídeo publicado por OceanGate, la empresa creadora del submarino, aparece Macklemore.
Pero hay más: Wendy Rush, mujer de Stockton Rush, CEO de OceanGate y piloto del Titan, es descendiente de Isador e Ida Straus, pareja que falleció en el hundimiento del Titanic en 1912. Es decir, debe tener algún tipo de nexo familiar con King Princess, porque ella es tatara-tataranieta de esas mismas dos personas. Y la autora de ‘Hold On Baby‘ tampoco ha dejado de comentar la noticia: «la gente rica también comete decisiones estúpidas», ha dicho, apuntando: «mirad a mi familia».
(@aryastarkno) 
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