Por si el mundo había olvidado, tantos meses después, que ‘EUSEXUA‘ es uno de los mejores discos de 2025, FKA twigs culmina el año publicando una especie de secuela, ‘EUSEXUA Afterglow’, y una versión alternativa de ‘EUSEXUA’ con portada y tracklist diferentes. La estrategia es confusa, ya que, por ejemplo, el single ‘Perfectly’ se esperaba en «Afterglow», pero finalmente aparece en la reedición, donde pistas destacadas como ‘Girl Feels Good’ no figuran.
Aunque twigs ha sido clara al asegurar que ‘EUSEXUA Afterglow’ no es un deluxe, sino un disco nuevo, lo que encontramos en él es material muy posiblemente descartado de las sesiones de aquel disco o anteriores, pues se cree que la composición de ‘Wild and Alone’ o ‘Stereo Boy’ data de la época de su debut.
Lo mejor que se puede decir de ‘EUSEXUA Afterglow’ es que evidencia, más que el álbum original, la influencia de las raves underground a las que twigs asistió durante la creación del disco. Se nota en las machaconas y desorientadas producciones, que en ‘Love Crimes’ o ‘HARD’ se empapan de hard techno y breakbeat evocando una dura noche de fiesta. Sin embargo, en ‘EUSEXUA Afterglow’ las melodías suenan mucho menos elaboradas que en el disco original.
Cuando los artistas publican descartes, lo hacen con la intención de acercar a su público a su proceso creativo. En el caso de FKA twigs, esta decisión es especialmente valiosa, ya que tanto su obra como su imagen pública están meticulosamente curadas. Cada uno de sus discos ha sido una obra maestra del pop de vanguardia. Pero ‘EUSEXUA Afterglow’ suena deliberadamente crudo e improvisado.
Las producciones pueden ser tan alienígena como la de ‘Slushy’ o, en la segunda parte de ‘Sushi», incluso derivar en voguing puro y duro. «Afterglow» ya no incluye concesiones baladescas a Björk y Kate Bush, sino que se enfoca en la pista de baile, virando al Jersey club en ‘Wild and Alone’ -con PinkPantheress– o al drum n’ bass en ‘Predictable Girl’, mientras que ‘Lost All My Friends’ suena tan desesperada y ebria como imaginas.
Las bases trabajadas junto a nombres como Bapari, Manni Dee, Joy Henson o Petra Levitt -Koreless, principal productor de ‘EUSEXUA’, está ausente aquí— pueden ser tan exquisitamente locas como las de ‘Slushy’ o ‘Lost All My Friends’, pero las melodías siempre están varios peldaños por detrás de las de ‘EUSEXUA’ o sonar tan poco trabajadas como la de ‘Touch a Girl’, y los temas que más se parecen a un single, como ‘Predictable Girl’, suenan a medio cocer.
Por ello, «Afterglow» funciona mejor cuando profundiza en su carácter raro y extraño: ahí el single ‘Cheap Hotel’, con su voz de ardilla y mareados cambios de tempo, se revela como una pequeña joya. Sin embargo, a «Afterglow» pueden perjudicarle las expectativas: más que un nuevo disco, quizá se habría presentado mejor como mixtape. O como una colección de caras b.
Era evidente que Rosalía iba a abrir en el número 1 de la lista de álbumes española con ‘LUX’, su cuarto disco. La pregunta era si lograría certificación directa o no, y así es: ‘LUX’ debuta en España con un disco de platino directo, equivalente a 40.000 unidades vendidas o su equivalente en escuchas. Además, como Taylor Swift, hace doblete, ya que ‘La Perla’ entra en el número 1 de singles. Los 15 temas del álbum están en el top 20 de singles en España.
JENESAISPOP ha podido conocer las cifras de venta reales de ‘LUX’ en nuestro país. Han sido 51.564 unidades en una semana, constituyendo el mejor debut de 2025, por encima de Bad Bunny (que no tuvo edición física) y Taylor Swift (38.000 unidades para «Showgirl»). De esas casi 52.000 copias que ha movido Rosalía de ‘LUX’, 27.946 han sido ventas reales y 23.618 son puntos de streaming.
De las casi 28.000 unidades despachadas en tiendas, 17.457 copias han sido en vinilo, es decir, la mayoría. Además, hay que añadir que el álbum ha tenido problemas de distribución: en nuestro foro de Rosalía, muchos usuarios se han quejado de no haber encontrado copias en las tiendas. Sony parece estar fabricando más copias para la Navidad a toda prisa. ¿Llegarán a tiempo?
Eso sí, ‘LUX’ va a tener complicado ser el disco más vendido de 2025 en España. Bad Bunny vuela demasiado lejos con el equivalente a 224.685 copias vendidas a lo largo de todo el año: salió en enero. En un 99% son puntos de streaming (SEA), pues sigue sin haber edición física de ‘Debí tirar más fotos’.
Como consecuencia del enorme éxito de Rosalía, Pablo Alborán queda en el puesto 2 con ‘KM0‘: es el primer disco de su carrera que no logra el número 1. Alborán ha vendido 7.728 copias y suma 646 puntos SEA. Esas 8.374 unidades le habrían dado el top 1 casi cualquier otra semana del año, pero no esta.
El disco que más sube esta semana es ‘Bodhiria‘ (2024) de Judeline, que pasa del 83 al 47.
Las dos siguientes entradas en lista son las de FERNANDOCOSTA con ‘Dolor de barrio’ en el puesto 18 e ‘Infancia mal calibrada’ de Barry B en el 19. El primero lo ha logrado únicamente gracias al streaming; el segundo, gracias a las ventas del vinilo, que se coloca en el top 3 directo de su sublista correspondiente, por detrás de Rosalía y Alborán.
El resto de entradas en lista se debaten entre las músicas urbanas y el pop-rock. En el primer grupo, ‘Do Not Disturb’, el nuevo álbum de Young Miko, entra en el número 49; ‘EXTRADITABLESSED’ de BLESSED, en el 50, y ‘SATURACIÓN POP’ de YSY A y EVLAY, en el 60.
En el segundo hay que hablar de Miguel Ríos, que coloca ‘El último vals’ en el 58; ALBERTUCHO, que ubica ‘XX Años Ladrando’ en el 66, y MAKI y María Artés, que sitúan ‘PAVI & AMÉN’ en el 97.
Rosalía ocupa completamente el top 20 de Singles España con los 15 temas de ‘LUX’ disponibles en streaming. ‘La Perla’, como se esperaba, entra directo al número 1, tras haber sido el tema potenciado en plataformas en el día de salida del disco. Rosalía acaba de presentarlo en vivo en la televisión estadounidense.
Con ‘La Perla’, Rosalía suma su 13º single número 1 en España, y el segundo consecutivo, pues desbanca a ‘Berghain’, que baja al 3. Es el primero para su artista invitado, Yahritza y Su Esencia.
‘Reliquia’ abre en el segundo puesto. El resto de posiciones refleja su popularidad inicial en streaming; en especial, ‘Dios es un Stalker’, ‘La Yugular’ y ‘La rumba del perdón’ mejoran el dato de varias pistas que aparecen antes en el disco.
‘LUX’ comparte el top 20 de Singles España con el single de Bizarrap y Daddy Yankee, que sube directo al 5, y con ‘Superestrella‘ de Aitana, que, tras la entrada de todas las pistas de ‘LUX’, baja del 2 al 16.
Así quedan los debuts oficiales de la pistas de ‘LUX’ en la lista de singles española:
1.- La Perla
2.- Reliquia
4.- Sexo Violencia y Llantas
6.- Divinize
7.- Dios es un Stalker
8.- Porcelana
9.- La rumba del perdón
10.- La Yugular
11.- Mio Cristo Piange Diamante
12.- De Madrugá
13.- Mundo Nuevo
14.- Sauvignon Blanc
15.- Magnolias
17.- Memória
El interés por ‘LUX’ y quizá, en específico, por ‘La Perla’ ha llevado a que dos viejos éxitos de dos ex parejas de Rosalía vuelvan a entrar en lista, de forma nada casual. ‘Tú me dejaste de querer’ de C. Tangana, La Húngara y Niño de Elche vuelve al puesto 71, mientras que ‘Beso’, la colaboración de Rosalía y Rauw Alejandro que llegó al número 1 en España, reaparece en el puesto 94.
La lista de singles española revela otros dos debuts. Por un lado, ‘Loquita’ de JC Reyes y Slayter abre en el 40. En segundo, ‘GRECOFERNANDA’ de FERNANDOCOSTA y Grecas, cuyo videoclip incluye cameo de David Broncano, entra en el 65.
Antorchas Festival, que celebrará su quinta edición del 18 al 20 de junio de 2026 en el Recinto Ferial de la capital manchega, presenta una nueva tanda de confirmaciones que se suma a los artistas ya anunciados: LA M.O.D.A., Carlos Ares, Elyella, Ojete Calor, Sidecars, Zahara Rave y Vuelo Fidji.
Rigoberta Bandini -por fin y por primera vez en Albacete con su espectacular ‘Jesucrista Superstar Tour’ -, Ginebras, Marlena y Hoonine son, sin duda, algunas de las mejores realidades del momento en cuanto al pop indie en España. Además, también se confirma la actuación del dúo de DJS albaceteños Aguacate y Mango.
Una vez más, Albacete estará en el mapa del mejor festivaleo nacional, ofreciendo un variado cartel repleto de pop, rock, indie y electrónica. Los abonos ya están disponibles con un cupo limitado en la web oficial de Antorchas Festival.
El sold out de La Milagrosa en la sala Changó, como parte de los conciertos por el 25º aniversario de Ochoymedio, no empezó por todo lo alto. Quizás se apareciese en los sueños de Germán GES para aconsejarle formar una banda, pero el pasado viernes la Virgen no acompañaba a su banda cuando salieron al escenario.
El grupo madrileño, que presentaba su debut ‘Ya no me duele mal’, se abrieron paso entre temas cercanos al post punk, pero esencialmente pop, tales como ‘Me paso por tu zona’ o ‘Cervezas, colillas, rayadas, pesadillas’. Tenían el favor de un público que se sabía las letras desde la primera canción, pero que no siempre estaba presente. Un poco como la propia banda, concentrada totalmente en la música y olvidando que hay una sala llena de gente delante. Cuando interactuaban con nosotros, caían en el cliché: «Si no tenéis un trabajo que os hace feliz y os paga bien, esta canción es para vosotros», soltó el bajista Gonzalo Sánchez antes de ‘Anestesiado’.
A partir del segundo tercio del concierto, la cosa cambió. ‘Disco’ convirtió la sala en un club retro y fue la primera canción en la que la banda brilló con potencia y crudeza, con pedal de distorsión y patadas al aire incluidas. ‘Danza de la muerte’, por otro lado, agregó una acertada variedad al set con una paleta sónica similar a si los Beatles fuesen una banda temática de Halloween, en el mejor sentido. El público hasta se animó a hacer la coreografía original de la canción, proyectada en la pantalla.
Adrian YR
Desde donde estaba situado, no podía ver demasiado bien la figura de la batería. De repente, Marina Moon se convirtió en protagonista cuando se levantó para hacer los coros de ‘La vida es una mierda pero a veces mola un poco’. Instantáneamente, el concierto se elevó a otro nivel. Hay demasiados hombres en el indie español cantando de la misma manera, por lo que este tipo de cambios se reciben con los brazos abiertos. El propio Germán fue honesto: «¿Os habéis dado cuenta de que la batería es la que mejor canta del grupo no?», y no le faltaba razón.
A partir de este instante, la energía divina empezaba a aumentar y La Milagrosa fue capaz de capturar momentos mágicos. El momento acústico con toda la banda cantando al unísono en el centro de la pista o el dueto de Marina Moon y Germán GES al subir de vuelta al escenario, por ejemplo. El pogo más tocho del concierto parecía que se iba a dar en ‘Con otra cabeza’, el particular homenaje del grupo a los conciertos que empezaron cantando a capela. Los presentes no tardaron nada en sumarse al canto. Sin embargo, la Virgen realmente se apareció con la llegada de Alberto, vocalista de Biela. Con tan solo un tema, el joven frontman convirtió el concierto en un terremoto. Justo lo que se echaba en falta al inicio del show.
Adrian YR
Desde ahí, y hasta el final del show, la pista se convirtió en un hervidero. En un momento dado, Germán bajó a cantar con el público con el único propósito de sentir el calor de los pogos, y vaya si lo sintió. Existía la sensación de que esta energía llegaba un pelín demasiado tarde, pero se disfrutó como si hubiese estado desde el principio.
‘Ponzano’ es uno de los mayores éxitos de la banda, pero aun así la locura que desató el tema fue algo inesperado. Así, La Milagrosa pasó de dar poco a dar absolutamente todo. Además, terminaron con un anuncio a la altura del último tercio del concierto: su debut en la Sala BUT el próximo 9 de abril de 2026.
Con Murcia ya consolidada como uno de los grandes polos culturales del país, WARM UP Estrella de Levante vuelve, un año más, los días 1 y 2 de mayo de 2026. La primera tanda de confirmaciones ya está disponible con Fatboy Slim, Guitarricadelafuente, Carlos Ares y Sanguijuelas del Guadiana como algunos de sus nombres más importantes.
WARM UP ha presentado los primeros nombres del cartel, combinando figuras internacionales, talento nacional consolidado y nuevas propuestas: Fatboy Slim, Guitarricadelafuente, Carlos Ares, León Benavente, Sanguijuelas del Guadiana, Veintiuno, Las Petunias, Riria, Viva Belgrado, Fukcnormal y Ruptura estarán en el recinto de La Fica.
Kendrick Lamar parece liderar las opciones para triunfar en los Grammys según las casas de apuestas. Pero está seguido muy de cerca por Lady Gaga y Bad Bunny. ¿Quién se hará con el premio a Álbum del Año? ¿Quién, Canción y Grabación? ¿Será una noche repartida?
A falta de que Tyler, the Creator, Clipse, Sabrina Carpenter, Justin Bieber o Leon Thomas puedan dar la sorpresa, tres redactores de JENESAISPOP lanzan sus apuestas y deseos. Las respuestas las conoceremos el 1 de febrero de 2026.
A favor de Bad Bunny
«Bad Bunny había hecho el disco del año claramente, al menos hasta la llegada de ‘LUX‘. No solo en español, sino a nivel global, donde acumula lo equivalente a 4 millones de copias. Su reconocimiento en los Latin Grammys no debería impedir que se le reconozca también en los principales Grammys. Porque ‘Debí tirar más fotos‘ no solo ha sido un hito en la comunidad latina, sino en el Billboard 200. Es que después de 44 semanas, sigue en el top 12 de la lista de álbumes más competitiva del mundo. Casi siempre ha estado en esta lista por encima de sus rivales.
El Grammy a Álbum del Año no debería ser un premio al reconocimiento a una carrera, sino el reconocimiento al mejor trabajo del curso musical. Y si hablamos de calidad, ese álbum ha sido indiscutiblemente el de Benito. Tras el pequeño traspiés del largo anterior, Bad Bunny ha escrito un disco lleno de hits y variado, inspirado en la historia de Puerto Rico. Salsa, plena, instrumentación jíbara y también algo reggaeton -aunque esta etiqueta ya se le queda muy pequeña a Bad Bunny- están al servicio del mensaje.
Aquí hay canciones de amor y desamor, pero sobre todo ‘Debí tirar más fotos’ es una preciosa misiva a Puerto Rico, a veces desde la frustración y la desesperanza en tiempos de gentrificación y turismo masivo. El reconocimiento a Bad Bunny en el año en que va a hacer la Super Bowl sería por último un varapalo a la administración de Trump, que no puede ser más necesario, dado el humillante trato que el ICE está dando a la población latina. Esta necesita que Benito se lleve el principal reconocimiento de la noche, como agua de mayo». Sebas E. Alonso.
A favor de Lady Gaga
«Lady Gaga no es ninguna marginada de los Grammy: sus tres primeros discos -lanzados en el apogeo de su carrera- compitieron en la categoría más codiciada, Álbum del Año, aunque ninguno lo ganó, y la artista también fue reconocida posteriormente con ‘Joanne’ y ‘Chromatica’, y durante su etapa jazz y musical, aunque en categorías menores. En total, Gaga acumula 14 Grammys.
La nominación de ‘Mayhem‘ a Álbum del Año ya sabe a victoria para un 2025 que ha sido decisivo en la carrera de Stefani Germanotta, pues ha supuesto su renacimiento comercial gracias a ‘Abracadabra’, ‘Die with a Smile’ y el Mayhem Ball Tour, el más espectacular de su carrera.
‘Mayhem’ merece ganar Álbum del Año por varios motivos. El primero es musical: la calidad compositiva y técnica de ‘Mayhem’ -su ingeniería de sonido- es de primera categoría, la sucesión de hits, más consistente que nunca, y la estética retro-moderna de la producción debe hacer las mieles de la Academia. ‘Mayhem’ es uno de sus mejores discos y es el más premiable, más que el irregular ‘The Fame’, el insuficiente ‘The Fame Monster’ o el excesivo ‘Born this Way’.
Después está la razón simbólica: Gaga debería poder culminar este gran año con un Grammy que merece desde hace tiempo, pues ella siempre ha hecho muy buenos discos y trabajado muy buenos conceptos: nunca ha sido solo una artista de singles, y su gran historial en los Grammy la avala». Jordi Bardají.
A favor de Kendrick Lamar
«La última vez que un disco de rap fue nombrado Álbum del Año fue en 2004, con el ecléctico ‘Speakerboxxx/The Love Below’ de Outkast. Desde entonces, el rap nunca ha tenido la misma relevancia en la ceremonia. Concretamente, con Lamar, los Grammy tienen una deuda pendiente que se ha mantenido a lo largo de los años. En 2014, ‘good kid, m.A.A.d city’ debía haber ganado Mejor Álbum de Rap, y no Macklemore. En 2016, ‘To Pimp A Butterfly’, uno de los mejores discos de la historia, casi gana Álbum del Año. Sin embargo, la Academia eligió los hits del ‘1989’ de Taylor Swift. En 2026, tiene que haber justicia para Kendrick Lamar.
Es el momento perfecto: ha sido un año flojito para el pop, pero no tanto para el hip hop. De ahí que entre los nominados haya más rap que de costumbre. El año pasado, Kendrick ya fue el artista más premiado de la gala gracias a ‘Not Like Us’, la canción de rap más galardonada de la historia de los premios. Este año, es el artista más nominado, con 9 menciones.
Por si fuera poco, ‘GNX’ es el resultado de ganar la batalla de rap más mediática de la historia. A los «die-hard fans» nos hubiese gustado que su obra maestra se hubiese llevado el reconocimiento que se merece, pero si Kendrick tiene que llevarse el Grammy a Álbum del Año con su disco más accesible, que así sea. De hecho, tiene mucho más sentido». Gabriel Carey.
Lisasinson, una de las actuales apuestas de Elefant, ha lanzado estos días ‘Lanzarote’, un nuevo adelanto de su próximo disco, ‘Desde cuando todo’, que se pondrá a la venta a inicios de 2026. Antes llegaba el single ‘Deberíamos vernos más’ y un EP, ‘Si me pierdo’, publicado el pasado mes de marzo, que contenía temas como ‘Decidí desaparecer’.
‘Lanzarote’ narra la historia de una relación amorosa que se desvanece en el desinterés y la indiferencia: una pareja sumida en la rutina que no rompe «por costumbre o miedo». Miriam Ferrero, vocalista, intuye que entre ellos, ya convertidos casi en dos desconocidos, todas las mejores vivencias han quedado atrás; lo mejor que pudieron vivir juntos, ya pasó.
Un feliz viaje a Lanzarote simboliza el amor que un día fue, mientras el revestimiento de la canción no puede ser más apto para lo que cuenta la letra: un guitar pop suave y melancólico que muestra una faceta más sensible, pero igualmente bienvenida, de Lisasinson. Así quedan las primeras fechas de presentación de ‘Desde cuando todo’ en España:
Sábado, 14 de febrero 2026
Presentación nuevo álbum
Sala El Sol
Hora: 21:00
MADRID
Sábado, 07 de marzo 2026
Presentación nuevo álbum
Sala 16 Toneladas
VALENCIA
Sábado, 11 de abril 2026
Presentación nuevo álbum
Heliogàbal
BARCELONA
Rosalía ha acudido esta noche a Jimmy Fallon, sito en Nueva York, para presentar ‘LUX‘, su cuarto disco, que está conquistando las listas globales y hoy debutará en listas españolas.
La entrevista empieza con Fallon citando titulares de críticas del disco, entre ellas la de Los40, o «los Forty», como dice Fallon. Rosalía, a continuación, explica su proceso creativo, su decisión detrás de cantar en 13 idiomas en el disco («me gusta aprender»), y como hizo con David Broncano en La Revuelta, enseña a Fallon a realizar calentamientos vocales. Para practicar, cantan ‘La Perla’ juntos.
Rosalía y Fallon juegan también un juego en el que Jimmy debe adivinar si una frase que Rosalía le dice en español es «seductora, insultante o un sinsentido».
Mientras que Rosalía escogió ‘Reliquia’ para presentar ‘LUX’ en la gala de LOS40 Music Awards, en su visita al programa de Fallon ha optado por interpretar ‘La Perla‘, que se mantiene en el puesto 13 del top global de Spotify. Vila Tobella inicia la actuación subida sobre una torre de colchones similar a la del cuento de ‘La Princesa y el guisante’ (1835) -como indica acertadamente un lector a este medio- y la culmina ya de pie sobre el escenario.
La actuación de Rosalía se acompaña con subtítulos con traducción de la letra de ‘La Perla’, la misma adaptación que aparece en el libreto físico del disco.
Lo fácil hubiera sido ir a algún hayedo o pradería de la sierra de Aralar y rodar allí el videoclip, al estilo de todos esos grupos de folk que últimamente no paran de brotar como las setas en Ultzama. Apostar por lo literal.
Afortunadamente, César Rodrez y Daniel Dalfó (Daniel 2000) han optado por seguir otro camino. ‘Aralar’ no transcurre en Aralar, sino que lo evoca. Amaia cae del cielo de forma tan irreal como el propio bosque donde aterriza, más propio de una alucinación por sobredosis de CGI que de las tierras donde pasta la oveja latxa.
El contraste entre la iconografía folclórica y la estética digital constituye el eje que articula todo el clip: un choque entre lo ancestral y lo contemporáneo que puede funcionar igual de bien como metáfora visual sobre la búsqueda de la identidad en tiempos de artificio, y como pura y festiva fantasía camp.
Los directores dan respuesta visual a una pregunta que dudo que nadie se haya formulado jamás: ¿cómo sería mezclar los sueños tradicionalistas de un carlista con la imaginería y las descomunales coreografías del Día del Sol norcoreano? ¿Sabino Arana y Kim Jong-un unidos, como en un conjuro, por el sonido del txistu?
Amaia actúa en 2026 en Pamplona, A Coruña, Sevilla, Bilbao, Valencia y Barcelona. Detalles, aquí.
‘Música para muñecas’, el tercer álbum de Samantha Hudson, es prácticamente conceptual sobre la disforia de género. Aparecen otros temas como la religión o la pasión del proceso creativo, ambos muy presentes en la apertura de ‘Liturgia’, pero lo que más resuenan son las reflexiones de la artista sobre la transfobia o el hecho de sentirse excluida del mundo. La música de baile agresiva en sus diferentes formas es un escapismo para todo esto. «Esta ciudad nunca fue para todas» es el estribillo del tema llamado ‘Esta ciudad’.
Samantha Hudson ha escrito por sí misma la mayoría de las canciones. Hasta ahora no era tan conocida su faceta como autora. Esta decisión puede estar relacionada con la ausencia de singles musicalmente tan carismáticos o instantáneos como ‘Por España’ en ‘Liquidación total‘. A cambio, ganamos su visión personal de la vida. ¿Para qué entregar créditos a más autores cis, por muy maricones que sean?
Muchas de las cosas que nos cuenta esta absoluta líder de opinión no tienen precio. El single principal se llama ‘Full Lace y el Tuck’. Lo primero es la peluca con redecilla que se usa para llevar postizos y lo segundo lo que se usa para evitar que se marquen los genitales. «Tú tienes dos piernas, ella tiene tres / Vino a devorar y no dejó ni el carné», canta Samantha en este tema tan apto para ‘Drag Race‘.
El álbum se pone especialmente confesional en sus dos últimas pistas. Por si ‘No sé quién soy’ no fuera lo suficientemente explícito en su título, el texto dice: «Intento dormir porque no sé llorar / Ojalá supiera por dónde empezar / Trato de enfocarlo desde otro lugar / Nada me funciona, no me tengo piedad». O también: «no sé por qué me hago daño». Y la balada final ‘Algo muy raro’ trata de buscar respuestas en Dios cuando la pregunta ni siquiera sabes muy bien cuál es.
Si bien ‘Liturgia’, el tema junto a Zahara, es extrañísimo en sus referencias divinas, La Zowi y Villano Antillano sirven por completo en ‘Hot (Gimme More)’ y ‘Full Lace y el Tuck’. La Zowi rima «icono sexual» con el placer que le da el «sexo anal» y Villano Antillano subraya ese carácter reivindicativo de las personas trans en medio de una ola conservadora a nivel mundial, que sobrevuela en todo este ‘Música para muñecas’. Como es habitual en el mundo LGTBIQ+, la pista de baile vuelve a ser el medio: «‘Sal a bailar, puta, ponte los tenis!», anima la portorriqueña.
Ese carácter de baile es principalmente bakala, techno y hardcore en manos de productores como La Diega o DJ Final Boss. ‘Esta ciudad’, de mano de MUYKO, es más electropop. Ciñéndonos a la producción musical, lo más avanzado del álbum es ‘Disforia’. SOPHIE y Arca son influencias declaradas en el álbum y es en esta canción llena de gritos, cristales que se rompen, pianos, beats drum&bass, otros trance, coros eclesiásticos, y otros detalles, donde más se nota. Es ahí donde mejor concluyen fondo y forma, justo en medio de un álbum más significado de lo que aparentaba. «Muñecas», de hecho, es como se llaman entre sí las personas trans en los países anglosajones («dolls»).
Nuestro Disco de la Semana estos días está siendo ‘ICONOCLASTS‘. La artista experiemtal sueca Anna von Hausswolff ha entregado el álbum más inmediato de su carrera, en parte gracias a las colaboraciones que contiene con gente tan dispar como Iggy Pop o Ethel Cain. ‘Stardust’ es la canción más pop del álbum, pero este está lleno de joyas como ‘Struggle with the Beast’, que seleccionamos como Canción del día hoy.
A lo largo de casi 9 minutos y dominada por un riff de viento que se repite hasta la saciedad, ‘Struggle with the Beast’ es el vivo retrato de la locura. Es como si esos instrumentos dominados por Otis Sandsjö quisieran retratar la insistencia de un pensamiento intrusivo en bucle. Como este, no conseguimos sacarnos ese pasaje de la cabeza.
La letra, que tarda 3 minutos y medio en comenzar por eso mismo, es el relato en primera persona de alguien que ha perdido la cabeza:
«Llamé al hospital esta mañana,
tenía la sensación
de perder la cabeza
de perder el control
Estoy atemporizando a mi hermana y mi madre
Mis ojos no son humanos, pero están calmados
El sol se pone
Ninguna regla estoy siguiendo»
Tras 4 versos y ningún estribillo (el cénit de la canción es el grito «la gente se muere ahí fuera y yo jodiéndome a mí misma»), el tema se cierra de manera ambigua con la imagen de un ángel. Una sección de cuerdas irrumpe antes de volver al ruedo del riff de los vientos, en la que supone una de las grabaciones más abrasivas jamás realizadas por Anna von Hausswolff.
En una nota de prensa que nos ha remitido su equipo internacional, Anna explica que este tema no va sobre sí misma, pese a esa primera persona adoptada: «Escribí esta canción después de que una amiga cercana sufriera un episodio de psicosis. Había algo imparable y completamente desconectado en ella, como si viviera en una especie de universo paralelo. Estaba tan lejos de la persona que yo conocía, que era como si todas sus barreras sociales se hubieran desvanecido por completo. Había una nueva y extraña brillantez en su forma de comunicarse y de ser. No tenía filtros. Me alegra que hoy esté bien, pero me hizo pensar en lo vulnerables y complejos que somos todos, y en que dentro de cada uno de nosotros hay capas de traumas no resueltos y verdades que no se han dicho en voz alta».
La música está en un momento extraño. Hoy en día, una major como Sony puede fichar a Illojuan sin ningún reparo y un sello independiente puede ofrecer un contrato millonario a una artista que ni siquiera existe. Ante la cultura de la rentabilidad y la preocupante relevancia de la IA… ¿Solo Rosalía puede salvarnos?
Si alguien se llevó las manos a la cabeza con el caso de The Velvet Sundown, uno de los primeros grupos virales hechos con inteligencia artificial, con lo de Xania Monet el soponcio está asegurado. Esta artista de R&B consiguió la friolera de 17 millones de streams en tan solo dos meses tras el lanzamiento de su álbum debut, ‘Unfolded’. Poco después, un contrato por 3 millones de dólares. Plot twist: esta persona no es real.
Sin embargo, sí que hay una humana detrás de todo esto. Talisha Jones es diseñadora y, gracias a Suno AI, ha podido convertir sus supuestas letras (quién sabe si también son IA) en música. Desde luego, la impresión al leerlas es que hasta un ordenador lo podría haber hecho mejor. «Sonríes para el mundo, pero por dentro es dolor», suena en ‘Let Go, Let God’.
Xania es el primer ejemplo auténtico de lo que los más agoreros llevan años prediciendo. Es la inteligencia artificial alcanzando el top 10 de una de las listas (menores) de R&B de Billboard e incluso consiguiendo un debut en la lista de «Adult R&B Airplay», con la canción ‘How Was I Supposed to Know?’.
Cómo íbamos nosotros a saber que en 2025 habría emisoras de radio reproduciendo canciones de artistas creados con IA. «Descubriendo y desarrollando los músicos más talentosos del mundo», se puede leer nada más entrar a la web de Hallwood Media, el sello independiente que ha fichado a Monet. Hay que reírse.
Esto ha despertado muchas reacciones en el mundo musical. Una de ellas llega de la mano de Kehlani, que se ha quedado igual de muda que el resto de nosotros al entender que ya no hace falta ningún tipo de talento para conseguir un contrato multimillonario: «Nada ni nadie en el mundo me podrá justificar la IA. No lo respeto». Este era el momento en el que todos necesitábamos un disco que desafiara esta surrealista deriva de la industria. Y aquí es donde entra Rosalía.
¿Cómo ser «agresivamente humano» para combatir la IA?
Rosalía y Xania Monet pueden estar en el polo literalmente opuesto en lo que a creatividad se refiere. La casualidad, sin embargo, ha hecho que ambas traten el tema de la religión. En el caso de Monet, se trata de un robot hablándole a Dios. ¿Acaso puede entender una máquina lo que significa tener fe? ‘LUX’, por otro lado, cambia la máquina por el ser humano. En todos los sentidos. Y así, irónicamente, nos acercamos más a lo inmaterial.
«Hay una decisión consciente de no incluir loops», le cuenta la artista catalana a Zane Lowe. Insiste en que «todo está tocado y cantado, incluso cuando hay repeticiones». Usa palabras como «espacio» o «fisicalidad» para describir la sensación humana del LP: «Sabes que ahí hay personas», remata. Ella quería instrumentos acústicos para su disco porque siempre está «al servicio de las emociones». Con France Inter, es todavía más certera: «No hay nada de IA. Es un álbum humano».
El desprecio de Rosalía por la IA fue evidente durante la gala de Los 40 Music Awards. La periodista Cris Regatero propuso un juego a Rosalía que consistía en adivinar la canción de ‘LUX’ a partir de la ilustración. Ella va respondiendo con naturalidad: «Wow, qué guay que hayas hecho esto. ¿Te tomó mucho tiempo?», pregunta. La cara de Rosalía cuando le dicen que «la IA te lo soluciona» es un cuadro. Y con la imagen de ‘Dios es un Stalker’ ya ni se molesta en seguir el rollo.
Que te hagan esto después de crear un disco como ‘LUX’ tiene que ser un shock. Un álbum que potencialmente ha cambiado la percepción de millones de oyentes en lo que a música natural se refiere. Es lo que tiene la Orquesta Sinfónica de Londres, que ahora cualquier arreglo de cuerdas digital, tan común en el reguetón y el urban, suena vacío, extraño… Muy similar a cuando ves una imagen generada por IA.
La decisión de que ‘LUX’ coquetee con la música clásica tampoco es una casualidad. Derrick Gee, divulgador musical, argumenta que la mejor forma de combatir la IA es ser «agresivamente humano». Y la música clásica podría ser el género puramente humano más agresivo de todos. Solo hay que escuchar ‘Berghain’. Sin necesidad de distorsiones digitales ni glitches bizarros, la música clásica inspira muchas cosas diferentes. «Cuando escucho a Wagner más de media hora me entran ganas de invadir Polonia», decía Woody Allen. Y ni siquiera necesita electricidad.
Gee describe esto como «el próximo paso evolutivo de la música» y propone a Rosalía como «la primera artista mainstream» en crear una respuesta artística al frenético auge de la IA. Y lo bien que le ha salido. Desde su salida, e incluso antes, ‘LUX’ se ha erigido como uno de los discos más aclamados del siglo XXI. También está gozando de un inverosímil éxito en listas internacionales. Que este éxito sea una prueba del hartazgo del público por lo digital seguramente sea una afirmación demasiado optimista, pero sigue siendo importante.
Precisamente, porque ‘LUX’ no es solo humano por cómo suena o por los instrumentos que se han usado, sino porque no es perfecto. Habría sido sencillísimo para Rosalía pasar su propia voz por una IA para cantar en los 14 idiomas que aparecen en el disco, pero eligió pasar dos años aprendiendo la pronunciación correcta, la musicalidad adecuada en las palabras… Y aun así se equivocó.
Así lo cuenta la Escuela Internacional de Árabe, argumentando que ‘La Yugular’ está escrita en árabe estándar, pero pronunciada en el dialecto egipcio. Hasta los errores suman, porque avalan el trabajo de una artesana.
‘LUX’ ahora también se convierte en una esperanza de futuro. ¿Una fuente de inspiración para más artistas que se atrevan a desafiar a la máquina? ¿Una revolución? Si algo queda claro, por nivel de influencia, talento e inquietudes artísticas, es que solo Rosalía podría haber tirado la primera piedra.
Encarnita Polo ha fallecido en la noche del jueves al viernes en una residencia de Ávila. Tenía 86 años. Según los primeros indicios, un hombre de 66 años que acababa de ingresar en la residencia, se habría colado en su habitación produciéndole la muerte «mediante asfixia o estrangulamiento». Así lo han confirmado a EFE fuentes de la Subdelegación del Gobierno. El hombre tenía «deterioro mental» y en principio estaba recluido en el ala psiquiátrica.
Alertado por el ruido, el personal se presentó en la habitación e intentó reanimar a Ercanita, pero ya no se pudo hacer nada por salvar su vida. La policía no apunta a más motivo para el crimen que el deterioro mental del hombre. Encarnita y el asesino solo habían coincidido un par de días en la residencia y no se habrían conocido. El hombre está bajo custodia policial en un hospital psiquiátrico, según informa El País.
El entierro ha tenido lugar este sábado, en la intimidad, asistiendo su hija Raquel Waitzman Polo y su amigo Antonio Albella de Locomía, entre otros pocos allegados.
Icono del cine y la música pop de la segunda mitad del siglo XX, Encarnita Polo empezó cantando en la calle de pequeña para que desde una «casa de putitas» le lanzaran monedas con las que poder costearse el cine. A los 10 años ya ganó un concurso radiofónico y a los 12 se trasladó de Sevilla a Barcelona para actuar en fiestas y galas.
Archiconocido fue su ‘Paco, Paco, Paco’ (1969), que en verdad era una adaptación de ‘Los siete niños’ de Concha Piquer, un tema que había salido en 1943. En 2009, se readaptó al vídeo de ‘Single Ladies’ de Beyoncé. También hay que destacar otros trabajos como ‘Pepa Bandera’ o la adaptación al español de ‘La balada de Bonnie & Clyde’. En cine destacó la comedia italiana ‘Scaramouche’ y en televisión su paso por el concurso ‘Pasaporte a Dublín’. El concurso para representar a España en Eurovisión en 1971 fue ganado por Karina con ‘En un mundo nuevo’.
Recientemente Polo grabó un homenaje a Vainica Doble. ‘Tres eran tres’, a capella, se incluyó en el álbum ‘A la manera de Vainica Doble’ (2017), junto a contribuciones de Carlos Berlanga, Paco Clavel o La Monja Enana.
Con azúcar y especias Hatchie irrumpía como un soplo de aire fresco en el panorama musical en 2018. Su EP de presentación hacía honor a su título y ofrecía cinco canciones dulces y sofisticadas. Entre su amalgama de guitarras shoegaze se percibía una gran sensibilidad pop que aunaba lo mejor de ambos géneros con gracia. En cambio, sus dos primeros álbumes, aun con algunas estupendas canciones, no conseguían consolidar del todo la promesa de aquel breve proyecto.
Con su tercer disco, ‘Liquorice’ (“regaliz” en español), la artista australiana opta por no seguir la senda más synthpop -e interesante- de ‘Giving the World Away’ para asentarse en un sonido dream pop que resulta tan agradable como excesivamente cómodo. Dice Hatchie que este álbum, a diferencia del anterior, lo ha creado pensando solo en lo que le apetecía hacer y escuchar a ella, sin tener en cuenta cómo la gente pudiera recibirlo. Este acercamiento, perfectamente comprensible y válido, en esta ocasión parece jugar en contra de un proyecto que nunca llega a explotar todo su potencial.
El pop rock noventero de la estimable ‘Wonder’ sirve como prueba de que a la australiana le sienta bien airear su sonido y probar cosas diferentes a lo que suele hacer normalmente. El cierre del álbum, ‘Stuck’, también explora esa línea mediante diversas capas de guitarra y una melodía animada y accesible marca de la casa, aunque quizá necesitaba de un minuto más para lograr un mayor impacto.
La canción más sólida, sin embargo, no puede decirse que brinde nada que Hatchie no hubiera ofrecido antes, pero es en este tipo de composiciones donde la artista brilla. ‘Lose It Again’ recuerda a los puntos más álgidos de su anterior álbum con su dream pop embriagador de grandes estribillos y evocadores riffs de guitarra.
La mayoría del proyecto parece buscar esa inspiración, pero rara vez llega, como si las producciones a cargo de Jay Som y Joe Algius fueran incapaces de dar con la tecla adecuada para que las canciones exploten. ‘Sage’ podría ser adorable pero suena incomprensiblemente apagada; ‘Carousel’ es tan deudora del sonido Cocteau Twins de ‘Four-Calendar Café’ (1993) que lo único que provoca es querer ponerse ese disco; ‘Anemoia’ es sugerente como introducción al proyecto pero termina presa de una monotonía que no llega a ningún sitio; y ‘Only One Laughing’, que está siempre muy cerca de ser una buena canción, no llega a despegar.
Si ‘Liquorice’ resulta frustrante es porque se percibe el talento de principio a fin, y con un acercamiento diferente en la producción, estas canciones intimistas y edulcoradas hubieran funcionado mejor. En su lugar, forman un álbum sin garra, tan placentero de escuchar como fácil de olvidar. La medida de azúcar es la adecuada, pero Hatchie se ha quedado corta con las especias.
Pálida Tez son un joven grupo de Albacete formado por María Virosta (voz y guitarra), Samuel Cuevas (guitarra y voz), Manuel Castaño (batería) y Elena Perales (bajo). Están fascinados por las sonoridades del pop alternativo de los 90. Su primer EP, ‘Viaje a la habitación del fondo de la casa’, salió en 2023.
Recientemente han publicado un disco con El Genio Equivocado, ‘Un extraño estado de ánimo’, producido por Carlos Hernández Nombela. Pero antes adelantaron el disco con ‘Último partido’, nuestra Canción del Día hoy.
Ahora que por fin parece que ha llegado el frío, es un buen momento para recuperar una canción que es pura nostalgia. Una guitarra inicial à la Nick Drake da paso a la voz de María, que recuerda a la de Irantzu Valencia, conjuntada por la de Samuel. Lo que puede parecer una letra un poco arty de entrada enseguida remite al costumbrismo: “vamos a beber en la plaza del barrio”. Un canto nostálgico a la preadolescencia perdida, a perder el tiempo en la calle con los amigos.
‘Último partido’ remite a la melancolía de los grupos post-Family como Dar Ful Ful, pero también al shoegaze. Hacia la mitad la canción se anima, sacudiéndose la languidez, que no la añoranza, hasta llegar a la coda final, en que el solo de sintetizador lo-fi alcanza una atmósfera tan especial como emocionante.
Como cada otoño, Netflix empieza a colocar sus películas en la rampa de salida de la “carrera de los Oscar”. Primero, presentación en el festival de Venecia (en la pasada edición se programaron nada menos que tres títulos en la sección oficial); después, estrenos limitados en salas para cumplir con la reglamentación; y, un par de semanas más tarde, lanzamiento en la plataforma.
Netflix lleva 7 años intentándolo, desde la extraordinaria ‘Roma’ (la victoria de ‘Green Book’ fue el ‘Brokeback Mountain’/’Crash’ de 2019). Pero no hay manera. Lo han conseguido Neon (‘Anora’), A24 (‘Todo a la vez en todas partes’) y hasta Apple (‘CODA’), sin duda la derrota más humillante, tras ver cómo ‘El poder del perro’ lo ganaba todo antes de llegar a los Oscar.
Este año tiene toda la pinta de ser el turno de Paul Thomas Anderson y su ‘Una batalla tras otra’. Tras 11 nominaciones -entre dirección, guion y película- y cero estatuillas (cada vez que recuerdo que ‘Magnolia’ ni siquiera estuvo nominada…), ya va siendo hora de que se lo den.
Aun así, hay tres títulos de Netflix situados muy arriba en las apuestas: ‘Frankenstein’, la tapada ‘Sueños de trenes’ y ‘Una casa llena de dinamita’. ‘Jay Kelly’, la nueva de Noah Baumbach, según las críticas en Venecia, parece que va a pinchar, al menos en lo que respecta a los premios, aunque con ese reparto -George Clooney, Adam Sandler, Laura Dern, Patrick Wilson, Greta Gerwig…- sería raro que no funcionara en la plataforma.
‘Una casa llena de dinamita’, la nueva película de Kathryn Bigelow tras la algo decepcionante ‘Detroit’ (2017) -sobre todo teniendo en cuenta que venía de encadenar dos obras maestras como ‘En tierra hostil’ (2008) y ‘La noche más oscura’ (2012)-, es un soberbio ejercicio de suspense que recupera una temática muy del Hollywood de la Guerra Fría: la amenaza nuclear.
Tras más de 40 años de carrera armamentística, la rivalidad entre Estados Unidos y la URSS ha dejado el mundo convertido en “una casa de dinamita”: hay suficiente arsenal atómico acumulado como para hacernos volar por los aires en una gran mascletá final. Ahora que Trump y Putin presumen de tenerla (bomba) más grande (uno quiere reanudar los ensayos nucleares y el otro acaba de probar un dron submarino capaz de devastar ciudades enteras), qué mejor momento para recuperar esta temática.
Aunque algo repetitiva en algunos momentos por culpa de una estructura muy ambiciosa dramáticamente (tres montajes alternativos sobre un mismo hecho), pero un poco redundante desde el punto de vista narrativo, Bigelow logra su propósito: ‘Una casa llena de dinamita’ funciona igual de bien como vertiginoso thriller político de despachos y teléfonos -una cuenta atrás excelentemente planificada y montada, con una puesta en escena muy inmersiva- que como advertencia sobre el frágil equilibrio geopolítico en el que vivimos. No por casualidad, el Pentágono se ha quejado de la imagen que ofrece la película del Departamento de Defensa. Quien se pica…
Rosalía mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Berghain’, mientras la entrada más fuerte ha sido la misma Rosalía con ‘La perla’ en el top 2. ‘Berghain’ ha ganado con el 51% de los votos en Instagram, frente al 30% de ‘La perla’. En España, ocurrirá lo contrario: ‘La perla’ derrotará a ‘Berghain’ en Promusicae.
Hay vida más allá de Rosalía y lo nuevo de Katy Perry aparece por el puesto 4, aunque eso sí, con solo el 3% de los votos. En la zona baja de la tabla aparecen Hilary Duff, Snocaps, Marinita Precaria y stivijoes.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
En los últimos años se ha gestado en Cataluña y parte de España un fenómeno llamado Oques Grasses. El septeto catalán, liderado por el vocalista Josep Montero, ha triunfado especialmente gracias a su último disco, el alegre y colorido ‘Fruit del deliri‘ (2024), y este éxito se está traduciendo en unas ventas de entradas absolutamente delirantes, también.
Oques Grasses se retira de los escenarios, al menos temporalmente, en el momento cumbre de su carrera, y la primera fecha de esta gira de despedida, el 10 de octubre de 2026 en el Estadi Olímpic de Barcelona, se agotaba en horas. El grupo anunciaba entonces una segunda cita, el 9 de octubre en el mismo recinto, y las localidades volvían a extinguirse rápidamente.
Como respuesta a la alta demanda, Oques Grasses había anunciado otras dos fechas en el Estadi Olímpic, los días 5 y 7 de octubre, cuyas entradas se han agotado en una hora. Las entradas para ambas citas se han puesto a la venta el este lunes 17 de noviembre a partir de las 12 horas y han volado. 220.000 entradas vendidas en total, 55.000 por noche, tal y como ha confirmado la propia banda. Superan así el récord de Coldplay establecido en 2022: eran también cuatro fechas en el mismo recinto.
El próximo lunes se anunciará el número 1 en España para ‘LUX’ de Rosalía en álbumes y probablemente para ‘La Perla’ en singles. La única duda es si serán disco de oro directo.
De momento, Spotify ha publicado su lista de Discos más escuchados en todo el mundo esta semana, y el número 1 es para ‘LUX’. Rosalía logra desbancar al último álbum de Taylor Swift, que cae al puesto 2. Las noticias son también excelentes en las listas oficiales internacionales de cada país.
Si nos ceñimos a las listas oficiales, no solo a las listas públicas de Spotify, ‘LUX’ es entrada directa en el número 2 en Francia y también en Alemania. Recordemos, de hecho, que unas líneas del primer single, ‘Berghain’, están en alemán. El cuarto disco de Rosalía también puede presumir de ser número 4 en Italia, número 7 en Suecia y número 9 en Noruega. En la lejana Australia es puesto 15. También se están registrando entradas similares en lugares como Lituania o Nueva Zelanda.
Incluso en un país tan complicado como Reino Unido, ‘LUX’ llega al top 4, cuando ‘Motomami’ había quedado en el puesto 41.
El single ‘Berghain’ es además top 40 en Reino Unido. La canción sube exactamente al número 36, desde el puesto 51, rozando el máximo de Rosalía en UK, que fue ‘Lo vas a olvidar’ con Billie Eilish (llegó al 35). Se trata del primer top 40 para Björk en las islas desde hace 20 años, cuando publicó el CD single de ‘Triumph of a Heart’ y llegó al número 31. Para Yves Tumor es el primer top 40.
Más difícil todavía, Hits Daily Double pronostica que el nuevo álbum de Rosalía será número 4 en Estados Unidos, tan solo por detrás de Taylor Swift, Morgan Allen y las K-Pop Demon Hunters.
Ni que decir tiene que estas cifras tienen mucho mérito para tratarse de un disco que toca 13 idiomas pero que mayoritariamente está en castellano, y cuyos patrones estéticos no están en la moda de hoy en día. El primer single bebe de la música clásica y su estribillo es coral; el segundo single es un vals a la guitarra acústica. Al margen de lo que representa este hito para un artista español, ¿animará este lanzamiento a que las estrellas internacionales dejen de copiarse las unas a las otras?
Quién iba a pensar que una modesta cinta de terror adolescente, un slasher sin asesino enmascarado ni arma distintiva nacido al calor del exitazo de ‘Scream’ y ‘Sé lo que hicisteis el último verano’ (el poster es calcado), acabaría convirtiéndose en una de las sagas de terror más rentables y longevas del cine de horror.
Pero así fue: ‘Destino final’ (en 2027 está previsto el estreno de la 7ª entrega) sigue jugando con la muerte 25 años después.
La repercusión de la última película, ‘Destino final: Lazos de sangre’ (actualmente en el top 15 de la taquilla mundial), parece haber servido de inspiración para el nuevo videoclip de Katy Perry (aunque, a juzgar por las veces que la cantante ha evitado su “destino final” este año, bien podría ser autobiográfico). ‘Bandaids’, cuya letra se inspira en su separación de Orlando Bloom, narra una serie de catastróficas desdichas al modo de la saga: mezclando suspense, gore y humor negro.
El vídeo funciona como la ilustración de la peor pesadilla de un técnico de prevención de riesgos laborales: una concatenación de accidentes tontos, de esos que dan ganas de gritar “¡cuidaao!”, protagonizados por la cantante californiana con su habitual vis cómica.
Ninguno de ellos es especialmente original. Son más un homenaje (o una copia, según se mire) que una invención. Todos los “accidentes” los hemos visto alguna vez en la ficción (el del tren o el de las arenas movedizas, millones de veces). Y algunos directamente en la propia saga ‘Destino final’: el del triturador y el de los troncos aparecen en la 2ª, y el de las escaleras mecánicas recuerda a una escena de la 4ª.
La secuencia final sí tiene algo más de miga. El plano de la actriz encendiéndose un piti recuerda al del cierre de la estupenda ‘Noche de bodas’ (2019), película con la que ‘Bandaids’ comparte un mismo sentido del humor (‘Feliz día de tu muerte’ también estaría en esa línea). El hecho de que, de fondo, suene la regulera ‘Woman’s World’, cuyo videoclip incluía una escena en una gasolinera, añade otra capa de significado: ¿la explosión como metáfora visual de “dinamitar el pasado”?
Cuando pensábamos que ya solamente hablaríamos de ella a raíz de su podcast, de salud mental (que muy bien) y de su OnlyFans de pies, Lily Allen ha vuelto. Y cómo ha vuelto. ‘West End Girl‘ es un regreso por la puerta grande que, de hecho, tras aparecer en el top 4 de las islas británicas en su primera semana, sube al número 2 en la segunda. ¿Qué significa eso? Que se ha viralizado, pues ni siquiera cuenta con edición física hasta enero.
El 5º álbum de estudio de Lily Allen versa -como todo el mundo sabe ya- sobre su divorcio del actor David Harbour, conocido sobre todo por su papel en ‘Stranger Things’. En el nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO, analizamos este álbum tema a tema como una crítica de 1000 palabras no consiente. ¿Es vengativo el disco? ¿Es crítico con las parejas abiertas? ¿Es tan triste como sugiere ‘Relapse’, la canción que teme una recaída en el alcohol (Lily lleva más de un lustro sobria)? ¿Cómo ha escogido Lily Allen cerrar esta historia?
En la última media hora, repasamos la discografía anterior de Lily Allen. Recordamos cómo emergió en contraste con la moda rock primero de The Strokes y luego de Franz Ferdinand. Hablamos de cómo sus temas se viralizaron en MySpace cuando la industria no estaba confiando en ella por ser «hija de» (su padre es un humorista británico). De camella en Ibiza a cronista del siglo XXI, Allen se coronó con hits como ‘Smile’, ‘LDN’ o ‘Littlest Things’.
Mi compañero podcaster Claudio M. de Prado defiende el segundo álbum ‘It’s Not Me It’s You‘ como su mejor trabajo. Allí subía la apuesta de su sonido y estaban contenidos temas como ‘Not Fair’ o ‘Fuck You’.
Más controvertida fue la respuesta femenina a ‘Yeezus’ que representó ‘Sheezus‘, pero al menos este dejó algún hit. ‘No Shame‘ en cambio ya solo agradó por alguna letra cuca sobre familias y obligaciones, y permanece olvidado. Finalmente, recordamos las ocasiones en que hemos podido ver a Lily Allen en vivo, y Claudio nos cuenta cómo fue entrevistarla.
Este año Tobias Jesso Jr ha ganado tantísimo dinero por co-escribir ‘Man I Need‘, el hitazo de Olivia Dean, que le hacíamos retirado otro lustro. Hace ya 6 años que nos preguntamos qué había pasado con su carrera en solitario. Le hacíamos definitivamente retirado como artista en solitario, sobre todo desde que ‘When We Were Young‘, que compuso junto a Adele, se convirtió en una canción incluso más querida que ‘Hello’. Recientemente, ha participado de ‘La Yugular’ de Rosalía.
Pero no. Tobias Jesso Jr ha seguido componiendo para sí mismo. Y tan pronto como la semana que viene, por sorpresa, publicará su nuevo disco, ‘Shine’, que grabó durante «6 semanas libres». Llegará 10 años después de ‘Goon‘. Hablará de «su madre, su hijo, una ruptura, su vida actual» y contará con colaboraciones de Danielle Haim, Eli Teplin, Julian Bunetta, Justin Vernon, Rosie Hamilton, Tommy King y «un/a vidente».
El primer avance es prometedor. Tobias opta por un título tan sencillo como lo fue en su momento ‘Without You’. Esta vez el tema, nuestra Canción del Día hoy, se llama ‘I Love You’. Una línea de piano tipo Carole King define la composición, mientras el artista canta como poseído por el espíritu de John Lennon.
Pero sorpresa: en el minuto y medio final irrumpen los beats como en aquella rave holandesa de Björk. Solo que en el vídeo vemos que es una batería real, distorsionada hasta lo desagradable, la que interpreta el clímax.
En la letra Tobias busca a su amada, que permanece «escondida en un lugar secreto», «llora con las alas rotas» porque «sabe que volar implica un riesgo y duele caerse». Lo que parece una canción sobre el miedo a amar por el sufrimiento que conlleva, adquiere nuevas interpretaciones gracias a la producción. Porque él también tiene manos amigas: co-escribe Rosie Hamilton y co-produce Shawn Everett.
Shine:
01 Waiting Around
02 Black Magic
03 Bridges
04 Green Eyes
05 Everything May Soon Be Gone
06 Rain
07 I Love You
08 Lullaby
Nacho Vegas empieza a concretar los detalles de su nuevo álbum, ‘Vidas semipreciosas’, que se pondrá a la venta en enero de 2026. ‘Alivio‘, el primer adelanto, se conoce desde septiembre, y ahora es posible escuchar un segundo avance, ‘Los asombros’.
‘Los asombros’ es una serena composición formulada en un estilo de balada country. La canción «pone el foco en las pequeñas cosas, las semipreciosas; las que verdaderamente guardan lo más profundo de nuestra manera de estar en el mundo», según la nota de prensa. ‘Los asombros’ está inspirada en un poema de Mary Oliver t funciona como una «delicada guía para transitar la vida con curiosidad y emoción, sin grandilocuencias, pero con una intensidad que acompaña y transforma».
El videoclip, dirigido por Sofía Castañón, llega cargado de simbolismo. «Algo se rompe en lo cotidiano. Irrumpe el duelo, la distancia, y todo lo que nos rodea pasa a ser otra cosa», explica la directora. «Y al mismo tiempo, está la belleza, la luz, el asombro”. El clip es un «relato visual íntimo que remite, desde lo más cercano, a algunos de los grandes temas que encontramos a lo largo de su obra: la pérdida, el cuidado, la emoción contenida o la esperanza».
Gira 2026
La gira de ‘Vidas semipreciosas’ comenzará el 30 de enero en el Centro Cultural de Mieres, y continuará al día siguiente con un recital en La Benéfica de L’Infiestu. Posteriormente, el tour hará paradas en distintas ciudades: León (13 de febrero), Santiago (14 de febrero), Sevilla (19 de febrero), Córdoba (20 de febrero), Granada (21 de febrero) y Valencia (26 de febrero).
En marzo, Vegas se presentará en el Festival Vive Latino de Ciudad de México los días 14 y 15. A su regreso a España, las fechas seguirán en Badajoz (10 de abril), Cáceres (11 de abril), Valladolid (18 de abril), Madrid (23 de abril), Bilbao (15 de mayo), Vitoria-Gasteiz (16 de mayo), Pamplona-Iruña (28 de mayo), Zaragoza (29 de mayo), Barcelona (30 de mayo) y, finalmente, Málaga (24 de junio).
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