Buenas noticias para los muchísimos fans de Suede que nos leéis y habéis hecho de la crítica de su nuevo disco ‘Antidepressants’ lo más visto del día en JENESAISPOP. ‘Antidepressants’ es un álbum notable, pero además es que el fuerte de los de Brett Anderson es el directo, y su gira será generosa en citas en nuestro país.
Suede nos visitarán cuando se acerque la primavera. No se ceñirán a Madrid y Barcelona, sino que también estarán en Bilbao, A Coruña, Valencia y Sevilla, en este último caso como parte de Insólito Sevilla Fest. La preventa de entradas comenzará el 17 de septiembre y la venta general el 19 de septiembre ambas a las 10h en lasttour.org. Bajo estas líneas, las fechas:
BILBAO, Santana 27
Lunes, 16 de marzo de 2026 A CORUÑA, Pelícano
Martes, 17 de marzo de 2026 SEVILLA, Cartuja Center – Insólito Sevilla Fest
Sábado, 21 de marzo de 2026 MADRID, La Riviera
Lunes, 23 de marzo de 2026 VALENCIA, Auditorio Roig Arena
Martes, 24 de marzo de 2026 BARCELONA, Razzmatazz
Miércoles, 25 de marzo de 2026
Hoy 12 de septiembre se publican los discos de Belén Aguilera, JADE, Sophie Ellis-Bextor, Parcels, Ed Sheeran, Jens Lekman, Baxter Dury, King Princess, The Hidden Cameras o Twenty One Pilots. De todos ellos podéis escuchar un pedacito en nuestra playlist «Ready for the Weekend» en Spotify. La semana que viene, estrenaremos perfil oficial en Apple Music.
También hay novedades de Kali Uchis, Damiano David, Demi Lovato, Allie X, Rose Gray, Anna of the North, Rex Orange County, Gorillaz, Joy Orbison, Slayyyter y un larguísimo etcétera. Atención por ejemplo a la apuesta más tradicional de Rauw Alejandro.
Tras un agosto en el que casi ningún artista nacional quiso sacar nada, ahora sale todo a la vez. Tenemos nuevos singles de -agárrense que vienen curvas- Viva Suecia, Miss Caffeina, Depresión sonora, Soleá Morente, Vicente Navarro, Los Chivatos, dani dicostas, Besmaya, ELYELLA con Iván Ferreiro y Morad con Israel B, entre muchos otros.
Biig Piig vuelve a España. La artista irlandesa está preparada para llevar a cabo sus primeros conciertos titulares en nuestro país, presentando ni más ni menos que su primer largo, ’11:11′. Se trata de un proyecto tan variado como pegadizo y en el que entran temazos de dance como ‘Ponytail’, pero también reconfortantes himnos de pop, tales como ‘Stay Home’.
Jessica Smyth vivió en España entre los 4 y los 12 años, y es por esa misma razón por la que comenzamos la entrevista hablando en español. Rápidamente, nos damos cuenta de que ha perdido un poco de práctica y nos pasamos al inglés. Me cuenta que en su infancia escuchaba de todo, pero de verdad: Leonard Cohen, D’Angelo, Sum 41, Ben Harper o The Fugees son algunos de los nombres que menciona.
Biig Piig estará presentando su último disco los próximos días 17 y 18 de septiembre en Madrid y Barcelona, respectivamente. El miércoles 17 de septiembre actuará en la Sala Clamores, mientras que el jueves 18 le tocará a la 3 de la Razzmatazz. Las entradas se encuentran a la venta en Fever, a partir de los 25 euros más gastos de distribución.
¿Ha afectado a tu música el hecho de haber vivido en España, Londres, Los Ángeles e Irlanda?
Sí, creo que definitivamente todo ha influido, o al menos ha sido influenciado por todos los lugares en los que he vivido. Y también creo que el deseo general de hacer música se debe a que siempre me he sentido un poco inquieta, especialmente cuando era una niña. Por ejemplo, cuando estaba en Los Ángeles, descubrí que mi sonido había cambiado a algo más de ensueño, porque todo el mundo habla a la mitad de velocidad.
¿Escribes mucho en español?
Crecí aprendiéndolo y fui a una escuela española y todo, así que está ahí. Escribir en español… Siento que cada vez que me sumerjo en ello, se siente un poco como, no sé, algo de mi niña interior. Siento que siempre acaba siendo más una carta directa a alguien, en el sentido de que refleja lo que realmente siento, en comparación con mis letras en inglés. Con Irlanda, obviamente tengo un vínculo muy especial, y cada vez que vuelvo allí la música está por todas partes. En España pasa lo mismo.
¿Te refieres a música en la calle?
Sí, y también la forma en la que encuentras comunidad y la forma en la que conserváis las historias y la cultura, como si estuvieran consagradas. Y siento que, aunque no me sentía completamente como si viviera allí, porque tenía esa especie de dualidad de estar aquí y ser de allí, al volver fue muy bonito ver que las canciones y todo lo demás te traen de vuelta a casa.
«Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad»
¿Cuándo te apetece escribir en español? ¿Qué tipo de estilo crees que le encaja mejor?
Para ser sincera, creo que mi momento favorito es cuando estoy reflexiva o cuando tengo el corazón roto. No sé por qué, pero hay algo melancólico y poético en el español y en cómo se pueden describir las cosas. Creo que es algo del idioma que siempre me ha parecido hermoso, como que nada es aburrido, ¿sabes? Las cosas siempre tienen un toque romántico. Mi deseo de escribir en español también se debe a que mis padres nunca hablaron el idioma. Así que les traducía mucho y hacía cosas como… Creo que todo mi proceso cuando vivía en España se sentía como tener una especie de doble vida en la que vas y hablas un idioma, vuelves a casa y hablas otro. Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad.
Siempre has estado expuesta a muchos tipos de música diferentes. La primera vez que empezaste a hacer música, ¿qué sonido te salió?
Solía tocar mucho la guitarra. Empecé a escribir cuando tenía como 15 años, no, 14. Recuerdo lo primero que hice, porque fue en una clase de música en el colegio y estaban haciendo una especie de concurso de canciones o algo así. Yo solía estar siempre en la sala de música, todo el tiempo. Para ser sincera, era un poco callada. Siempre que había pausas para comer o cualquier otra cosa, prefería estar en la sala de música, jugando y tratando de componer música.
Hay un poco de todo en este disco, pero todo se siente en su sitio. ¿Cómo te enfrentas a todas las posibilidades de la creación?
Me encanta experimentar, obviamente, y me encanta meterme en algo sin saber realmente dónde va a ir a parar, ir descubriéndolo e ir encajando las piezas. Una de las mejores sensaciones que hay es cuando empiezas a escribir solo por escribir, ¿sabes? A veces, no te das cuenta de que también estás escribiendo de forma coherente de una canción a otra o de cómo está tomando forma. Eso me encanta. Últimamente me ha inspirado mucho por esa escena, la escena electrónica, y tengo muchas ganas de profundizar más en ella y ver qué pasa.
Por ejemplo, ‘Stay Home’ no es dance del todo, pero es una de mis favoritas. La encuentro reconfortante y algo triste a la vez, en la letra sobre todo.
Sí, eso fue lo que pasó. Empecé a grabar este disco pensando que iba a hacer un disco de música dance. Pero luego había ciertas canciones como esa o ‘One Way Ticket’ en las que pensaba: «Oh, no quiero dejarlas fuera». Me di cuenta de que también me encantan ese tipo de canciones. Me encanta su intimidad. Y sí, como dices, cuando consigues esos sonidos tan cálidos de las guitarra, el entorno en el que creas la música influye mucho en ella. Y nosotros la escribimos en un pequeño estudio en París. Siento que se transmitía a través de la madera.
Sí veo el elemento dance en ‘Ponytail’ y ‘Favourite Girl’, pero siguen teniendo elementos muy melódicos.
Me encanta tocarlas en vivo. Estoy un poco nerviosa porque creo que este año podría ser el último en el que toque ciertas canciones. Canciones muy antiguas. Me da miedo, porque siempre da miedo lanzarse a algo nuevo.
«Es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales»
¿Siempre has querido hacer un disco? O no era tan importante para ti.
Siempre he querido. Creo que hice tantos EP porque pensaba: «No es perfecto, no está listo, aún no lo he conseguido». Y luego algunos de los EP tienen siete temas que podrían haber acabado siendo un disco, pero siento que me encanta escribir hasta llegar a un punto en el que siento que ya está hecho. No quiero forzar demasiado las cosas. Y con este, sentí que no había terminado de escribirlo y llegamos a unas 11 canciones. Y pensé: «Vale, genial. Parece una tontería y parece un álbum, así que me siento bien al publicarlo». Siempre ha sido estresante. Creo que, especialmente, cuando creces con álbumes tan increíbles. Siento que tal vez eso se ha perdido un poco. Tal vez esté volviendo, pero creo que es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales. Pero, de nuevo, recientemente ha habido algunos discos increíbles que sí siento que han recibido su reconocimiento.
Sí, pero creo que tienden a olvidarse más fácilmente o más rápido.
Obviamente todavía hay gente a la que le encantan los álbumes, pero creo que, en general, a gran escala, ya no le gustan tanto a la gente. Por otra parte, siento que todavía hay álbumes que estoy redescubriendo años y años después. Y luego estaba ese tipo de entramado digital que estaba ocurriendo, que era una locura. Incluso artistas irlandeses y españoles, como C. Tangana, que descubres y piensas: «Oh, esto es genial». Echo de menos los días de Soundcloud. Debería volver a conectarme.
Ya no es lo mismo, ¿no?
No, antes era una locura. Pero creo que el streaming ha cambiado todo el juego. Ya no es como antes. También está el tema de los algoritmos y cómo te llega la música. Creo que el deseo de buscar y emocionarse por artistas que quizá nadie conoce ha desaparecido un poco, pero espero que haya un resurgimiento pronto.
Hay un poco de todo en tu música, pero tiende a ser relajada, casi hipnótica. ¿Cómo traduces esto al sonido en directo?
Siempre me gusta reconstruir un poco las canciones cuando las toco en directo, porque, obviamente, me encanta cómo suena el disco, pero cuando las llevamos a un espacio en directo nos encanta añadirles un saxofón o simplemente la batería en directo. Elementos que les aporten un tipo de energía diferente. Nunca las acelero ni nada por el estilo. Creo que así se consigue una mayor inmersión. El set es todo un viaje. Empieza con una canción triste y pegadiza, luego se convierte en una fiesta dance y, al final, nos ponemos muy tristes. Luego nos llenamos de rabia, soltamos los demonios y terminamos por todo lo alto. Me gusta contar una historia sobre las canciones a lo largo del repertorio, aunque no sean del mismo proyecto. Para mí, la secuencia de emociones tiene mucho sentido para el espectáculo.
También tiene sentido que el concierto sea tan ecléctico como la música.
Siento exactamente lo mismo. Creo que con esos contrastes encuentras una euforia real. Siempre es agradable tener algo así, especialmente cuando estás cantando y la gente te sigue a ti. Es un momento precioso. Y luego, prefiero que sea una celebración en lugar de algo demasiado pesado.
Cuando están a punto de actuar en Madrid, Gorillaz anuncian su nuevo disco. Eso sí, el sucesor de ‘Cracker Island‘ no verá la luz hasta bien entrado el año que viene. ‘The Mountain’ saldrá el 20 de marzo.
El primer single de esta obra se puede escuchar ya y cuenta con Sparks, que justo acaban de sacar un EP que amplía su álbum de este año, ‘MAD!‘. La colaboración de Gorillaz con Sparks se llama ‘Happy Dictator’ y no tenemos ni idea de a quién podría estar dedicada.
En la producción de ‘The Mountain’ han intervenido James Ford, Samuel Egglenton, y Remi Kabaka Jr., aunque el nombre que más sorprende ver en la lista de productores es Bizarrap. En su largo anterior, ya habían trabajado junto a Bad Bunny.
Entre los colaboradores están Idles, Johnny Marr y Omar Souleyman, entre otros. También han conseguido los derechos de varias personas que han fallecido, como Bobby Womack o Mark E. Smith. Gorillaz actúan el 20 de septiembre en Madrid. Pulse of Gaia (Universidad Autónoma) acaba de anunciar en Instagram los horarios del misterioso evento.
01 The Mountain [ft. Dennis Hopper, Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
02 The Moon Cave [ft. Asha Puthli, Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Jalen Ngonda
and Black Thought]
03 The Happy Dictator [ft. Sparks]
04 The Hardest Thing [ft. Tony Allen]
05 Orange County [ft. Bizarrap, Kara Jackson and Anoushka Shankar]
06 The God of Lying [ft. Idles]
07 The Empty Dream Machine [ft. Black Thought, Johnny Marr and Anoushka
Shankar]
08 The Manifesto [ft. Trueno and Proof]
09 The Plastic Guru [ft. Johnny Marr and Anoushka Shankar]
10 Delirium [ft. Mark E. Smith]
11 Damascus [ft. Omar Souleyman and Yasiin Bey]
12 The Shadowy Light [ft. Asha Bhosle, Gruff Rhys, Ajay Prasanna, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
13 Casablanca [ft. Paul Simonon and Johny Marr]
14 The Sweet Prince [ft. Ajay Prasanna, Johnny Marr and Anoushka Shankar]
15 The Sad God [ft. Black Thought, Ajay Prasanna and Anoushka Shankar]
Hits
Hace mucho que nos hemos dado cuenta de que el rock fideliza más que el pop. Eso no ha cambiado y ahora podemos subir la apuesta al mundo del hip hop. Ahora que sabemos que Playboi Carti nos visitará el año que viene como telonero de The Weeknd, es pertinente hablar del éxito de su tercer disco, el irregular ‘Music‘, publicado este 2025.
Tras dos álbumes certificados como oro en Estados Unidos, ‘Music’ fue número 1 en este país, pero también en Australia, Reino Unido, Canadá, Suiza, Eslovaquia, Portugal, Nueva Zelanda, Hungría, Dinamarca y Austria, entre otros. En la difícil Italia, llegaba al puesto 3. En la difícil España, al puesto 5.
Debutó con casi 300.000 unidades en Estados Unidos, y después se ha mantenido bien; aún medio año después es número 60 del Billboard 200. El site Mediatraffic estima que ha sobrepasado el millón de copias a nivel global en las últimas semanas. Por supuesto que las colaboraciones con The Weeknd y Travis Scott tienen mucho que ver (además, la vieja ‘Timeless’ sigue muy fuerte en las listas), pero también la aceptación de ‘EVIL JORDAN’.
Flops
Nada parecido podemos decir de Lorde por más que nos gustaría y por más que ‘Virgin’ haya supuesto una recuperación artística respecto a ‘Solar Power’ y que algún single diera algún signo de funcionar a la larga. No ha terminado pasando.
‘What Was That’ llegó a ser top 11 en las listas británicas, y ‘Virgin’, incluso número 1. Sin embargo, el número de semanas que el álbum resistió en el top 100 es desolador: solo 4 semanas, exactamente las mismas que ‘Solar Power’, muy por debajo de ‘Pure Heroine’ (51 semanas) y ‘Melodrama’ (21 semanas). Es difícil hablar de una recuperación comercial respecto al anterior. No hay nada a lo que agarrarse: ‘Solar Power’ -la canción- tiene 178 millones de reproducciones en Spotify, y a ‘What Was That’ le va a costar medio año más alcanzarla.
Sin certificación conocida registrada ni siquiera en Australia, en la minúscula Nueva Zelanda en Austria o Bélgica (únicos lugares donde ‘Virgin’ fue top 1), parece difícil que el disco haya llegado a las 250.000 copias a nivel mundial. Pero lo peor es lo olvidado que parece el proyecto, pese a contener temazos como ‘Hammer’ o ‘Shapeshifter’. ¿Puede haber esperanza para algún tipo de viral, algún Grammy, algún algo…? Contra todo pronóstico, ‘David’ es el tema que más se ha crecido en las últimas semanas, pero es un fenómeno muy incipiente. La gente, lo que continúa escuchando es ‘Ribs’. Bueno, y ‘girl, so confusing’.
Wolf Alice están entre los nominados al Mercury Prize 2025 con su nuevo álbum, ‘The Clearing‘. Eso significa que han sido nominados al prestigioso galardón con todos sus discos. Van 4 de 4, y además lo ganaron con el segundo, ‘Visions of a Life’.
Bromas aparte sobre qué van a hacer el año que NO les nominen, lo cierto es que todas las menciones han sido merecidas, y la de ‘The Clearing’ también. El disco es lo suficientemente bueno como para que ‘Just Two Girls’ no haya sido single hasta varios meses después de haber empezado la campaña. El que podemos considerar el 4º sencillo de ‘The Clearing’ es nuestra Canción del Día hoy.
Por qué este corte no ha sido promocionado antes puede deberse a que no es el corte que mejor representa el álbum: es el más pop, el menos folkie, y una canción que Ellie considera muy divertida. Así nos la explicaba en una entrevista realizada hace unos meses, cuando le comentábamos que incluso recordaba a Saint Etienne: «Es una canción que depende mucho de la letra y de la melodía. No se hizo ninguna demo, simplemente fue seguir la historia y la letra, y ahí estaba. Llegó hacia el final del álbum. Queríamos algo animado y al menos líricamente lo era, la enseñé esperando que alguien la llevara hacia algún lado y salió muy rápido. Es una canción muy divertida».
En un álbum que habla sobre el escenario y la artisticidad, ‘Just Two Girls’ habla de ser «tan solo dos chicas en el bar», «dos niñas en el parque» o «una estrella en el escenario». Las estrofas quitan hierro a preocupaciones absurdas como envidiar a los demás o preocuparse por cosas que no tienen importancia. «¿Cuándo empezaste a obsesionarte tanto con cosas que tienes y cosas que no?».
Roswell ha explicado que se inspiró en conversaciones con amigas, en todo lo que ha aprendido de ellas sobre cosas como hacerse mayor. El vídeo que se acaba de estrenar cuenta con Lucy Boynton (‘Bohemian Rhapsody’, ‘The Politician’) y ha sido dirigido por Colin Solal Cardo. En él vemos justo cómo, de una conversación de «dos chicas» en una cena, surge la diversión, el baile, el dejar atrás las cosas que nos hacen infelices. Y dos mujeres bailando, en un disco abiertamente inspirado en los años 70, solo pueden llevarnos a un nombre hasta ahora improbable para hablar de Wolf Alice: Baccara.
Luz Casal va a publicar un nuevo disco este invierno, aún por fechar, que ha presentado de momento con dos sencillos. Uno era una adaptación muy animada del clásico ‘Todo cambia’, en su momento escrito por el músico chileno Julio Numhauser y popularizado por Mercedes Sosa. El segundo single mantiene el ritmo, pero en un sentido muy diferente.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, producida por Paco Salazar, recupera el sonido más rockero de la artista que conocimos en los años 80 pegada a una cazadora de cuero, antes de derivar hacia el bolero o la balada. Este nuevo tema conecta con aquellos inicios y otros temas que hizo después como ‘Loca’, extraído de su ‘V’ disco, un hit en 1989.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, además de con aquella inmediatez, cuenta con un estribillo bien desarrollado a partir de la palabra «Tengo». Lo cual puede implicar «un millón de motivos» o «secretos prohibidos». Sintiéndolo mucho por Viva Suecia y Rigoberta Bandini, esto es lo más pegadizo que ha hecho Casal en los últimos años.
Por último, el tema cuenta con una letra original que se inspira «en la emoción de una fan al asistir a un concierto, capturando esos instantes únicos de conexión entre artista y público». «Lo que tú me provocas es sobrenatural», dice Luz en primera persona, situándose en el lugar de la fan, en este caso. Una temática no tan habitual en el mundo del pop-rock, y desde luego no ha sido por falta de oportunidades.
Luz sigue sumando actuaciones a su gira internacional, con Buenos Aires el proximo 12 de octubre. El 17 de enero estará en el Movistar Arena de Madrid, pero también hay fechas por toda Latinoamérica, en Francia o Bélgica. Detalles, en su web.
La actualidad política de Estados Unidos está sacudida por el asesinato del ultraderechista Charlie Kirk, justo cuando le estaban preguntando por los tiroteos masivos en el país. Antes de eso, i-d publicaba una entrevista con Bad Bunny en la que hablaba de la convulsa situación que vive el país, desde que gobierna Trump.
Suzy Exposito le preguntaba si era cierto que su gira no iba a llegar a Estados Unidos y si era por la deportación masiva de latinos. Y Bad Bunny ha respondido que sí.
Decía Benito: «Había muchas razones por las que no actúo en Estados Unidos, y ninguna de ellas viene del odio. He actuado allí muchas veces. Todo ha tenido mucho éxito. Todo ha sido increíble. He disfrutado de conectar con los latinos que han estado viviendo en Estados Unidos. Pero específicamente al hacer una residencia aquí en Puerto Rico, cuando somos un territorio no incorporado de Estados Unidos… La gente de Estados Unidos puede venir y ver el show. Los latinos y los portorriqueños de Estados Unidos pueden también viajar aquí o a cualquier parte del mundo».
A continuación se refiere al ICE, el Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos: «Está el problema de que la puta ICE podría estar fuera [de mi concierto]. Y es algo de lo que hemos hablado y que nos preocupa mucho». La entrevista termina exactamente ahí, no hay más repregunta, sino una reafirmación de que Puerto Rico es el lugar donde disfrutar de esta gira. Pero queda claro que Benito teme que sus shows se conviertan en una cacería para deportaciones masivas como las que se han visto este año.
La cuestión no es baladí. Estados Unidos es el mercado más importante para Bad Bunny. Aunque sus oyentes se concentren en ciudades hispanohablantes como Ciudad de México, Santiago de Chile, Bogotá, Madrid y Buenos Aires, la población latina de Estados Unidos es tan numerosa que sus últimos discos han sido grandes éxitos en el Billboard 200.
Su último álbum ‘Debí tirar más fotos‘ fue número 1 en Estados Unidos, y 35 semanas después de su edición, continúa en el puesto 14 pese a la feroz competencia de la era streaming. ‘Un verano sin ti’ continúa en el puesto 45 del Billboard 200 oficial después de 174 semanas (más de 3 años). Su sello Rimas Entertainment no está realizando las correspondientes certificaciones, pero por tamaño es difícil que un mercado le esté dando tanto como Estados Unidos. En este lugar, un disco de platino equivale a 1 millón de unidades, no a 40.000 copias como en España.
Hay quien esperaba que la gira de Bad Bunny terminara el año que viene en Estados Unidos tras recorrer Japón, Australia y Europa en la temporada de primavera-verano. Parece que no va a suceder por razones políticas, a menos que se obre un milagro en cuanto a migración.
Cuando estaban en la cresta de la ola, cuando se usaba la expresión «en la cresta de la ola», Suede publicaron un recopilatorio de caras B llamado ‘Sci-Fi Lullabies’. La canción estrella de aquel álbum se llamaba ‘Europe Is Our Playground’. En ‘Antidepressants’, su 10º álbum de estudio, uno de los singles más populares recibe el nombre de ‘Dancing with the Europeans’. En él, Brett Anderson, que desde el Brexit ya no es europeo, «baila con los europeos» porque «tiene un europeo sufriendo dentro».
Suede presentan ‘Antidepressants’ explicando que si ‘Autofiction‘ era su disco punk, este es su disco post-punk. Es el tipo de declaración que ni una sola reseña puede evitar reproducir. Y es que, tras décadas asociándoles más bien al glam de principios de los 70, ahora se sitúan claramente a finales. Nunca habían sonado tanto a Siouxsie como en el tema titular, ni a Joy Division como en ‘The Sound and the Summer’. También el corte ‘Disintegrate’ podría ser una referencia al gran clásico de The Cure de finales de los 80: si Robert Smith no ha registrado tal palabra es porque no le habrán dejado.
Otra declaración estrella de Brett es que pocas bandas de su generación (58 años, este mes) siguen haciendo largos «tan vitalistas» como los suyos. Tiene razón. Si un nuevo disco de Oasis todavía hipotético contuviera esta energía, sería multiplatino en las islas. Más que como anestesiadas por los «antidepresivos», las canciones de este álbum suenan como alguien con toda la voluntad posible de salir del pozo, o que de hecho ya ha salido del mismo pero está rememorando su periplo.
‘Antidepressants’ -la canción- es un éxito compositivo porque con su melodía diferente en el estribillo y la aceleración de su batería, se está levantando de la cama. Cama en la que apenas yacen un par de temas en el disco, y solo en parte: ‘Somewhere Between an Atom and A Star’, de nuevo deudora de Bowie, y ‘June Rain’, que se desarrolla en un hospital. El resto parece el tipo de álbum que harían unos adolescentes en un garaje a quienes hubieran regalado unos discos de Wire y Magazine, a día de hoy.
Hay cierto sentido político en algunas frases de «Europeans» que apelan a «soldados y civiles», también en ‘Criminal Ways’, pero sobre todo una sensación de colectividad, inherente a Suede y a sus conciertos. Siempre pensé que cuando Brett cantaba «We’re trash, you and me» en 1996, no estaba tanto entonando una canción de amor, como arengando a las masas, en plural: «somos basura, vosotros y yo». Ese es el sentimiento de ‘Broken Music for Broken People’, en la que asegura de manera mesiánica que «es la música rota y la gente rota la que salvará el mundo». Que es mejor «creer en algo que no creer en nada».
Los textos y arreglos son tan literales que a menudo Suede caen en clichés tamaño «la vida es un instante» («An Atom and A Star», «Life Is a Moment»). ‘The Sound and The Summer’ va de lo que parece y dice «tenemos el sonido y el verano, la autopista, así que no me jodas». Al final de ‘June Rain’, junto a su productor de confianza Ed Buller han introducido el sonido del tráfico al pasar, cuando Anderson habla del «tráfico al pasar». Lo cierto es que también caía en el cliché el título de la novela del artista ‘Mañanas negras como el carbón‘ y luego estaba sorprendentemente muy bien escrita. Y eso es lo que sucede con este álbum, que está increíblemente bien escrito en cuanto a pre-estribillos y estribillos que se repiten hasta la saciedad. Se defiende Brett en la letra de la canción final ‘Life Is Endless, Life Is a Moment’: «Odiáme si es lo que has de hacer, ámame cuando sea polvo». Así que no, no podemos esperar a que Suede ya no estén para decir que sus últimos discos estaban bastante bien.
Mercury Prize sigue siendo uno de los premios más prestigiosos del mundo. Pueden presumir de haber premiado en más de 30 años de historia a lo mejor de lo mejor de la música británica, de PJ Harvey a The xx, pasando por Portishead, ANHONI o Little Simz.
Últimamente, eso sí, han optado por hacerse los raros, escogiendo en 2024 ‘This Could Be Texas’ de English Teacher por encima de ‘Brat’: o a Ezra Collective en 2023 por encima de Raye o Shygirl. ¿Cuál será el caso de este año?
De momento conocemos la lista de nominados, que incluye grandes obras maestras como las publicadas en los últimos 12 meses por gente como FKA twigs y Fontaines DC; y álbumes tan recientes como los de CMAT, Wolf Alice o Pinkpantheress. Ya sabéis que la cosa va de septiembre a septiembre, por lo que cuenta el otoño pasado, y a la vez este verano.
Entre los nombres míticos, el de Pulp con su primer álbum en 24 años, ‘More‘. Entre los nombres más populares, el de Sam Fender.
NME reporta que las quejas por ausencias se están centrando en Geordie Greep y Laura Marling, momento que aprovecho para reivindicar una vez más esa maravilla llamada ‘Patterns in Repeat‘. Entre los ausentes, también hay que destacar a Kae Tempest y a Wet Leg. Os dejamos con los 12 nominados. El ganador se conocerá el 16 de octubre.
CMAT – ‘Euro-Country’
Emma-Jean Thackray – ‘Weirdo’
FKA Twigs – ‘Eusexua’
Fontaines D.C. – ‘Romance’
Jacob Alon – ‘In Limerence’
Joe Webb – ‘Hamstrings & Hurricanes’
Martin Carthy – ‘Transform Me Then Into A Fish’
Pa Salieu – ‘Afrikan Alien’
PinkPantheress – ‘Fancy That’
Pulp – ‘More’
Sam Fender – ‘People Watching’
Wolf Alice – ‘The Clearing’
PROMUSICAE ha publicado su informe con las cifras de la música grabada en España en el primer semestre de 2025. La industria sigue en alza, principalmente gracias al consumo digital en streaming. Al mismo tiempo, los vinilos no solo son el formato físico más vendido, sino que su consumo sigue creciendo considerablemente.
De esta forma, el total de la industria discográfica española anota un crecimiento del 10,4% en la primera mitad del año. En este sentido, el consumo digital aporta un 89,3% del total de ingresos de la industria y sigue presentando una evolución positiva respecto al año pasado, con una subida del 9,9%.
El streaming sigue siendo la estrella de esta modalidad, representando un 99,2% del consumo digital total. Un 88,6% del valor total de la industria, que equivaldría a 144,2 millones de euros, proviene del streaming, que también crece un 10,2% respecto al primer semestre de 2024.
Antonio Guisasola, presidente de PROMUSICAE, ha asegurado que el streaming es la principal forma de consumo en la actualidad y que «sustenta el mercado discográfico». Asimismo, el público sigue sin olvidar los vinilos, que sorprenden un año más con un crecimiento en ventas del 25,6% respecto al año pasado.
De hecho, el vinilo es el único formato físico que no baja en ventas, a diferencia del CD (-3,2%) y otros formatos (-34,9%). Aun así, el mercado físico ha obtenido resultados positivos y se anota una subida del 14,8% respecto al mismo periodo en 2024. Del total de las ventas en este mercado, el vinilo representa un 68,8%.
Si ayer estabas en un concierto, viendo una serie o peli, leyendo o, como dice uno de nuestros comentaristas, follando, te perdiste una noche histórica de la televisión. No necesariamente para bien. Dice Víctor Juste que este martes se emitió el mejor programa de ‘La Revuelta‘, con lo que no concuerdo. Mientras, en El Hormiguero, Nacho Cano calificaba al gobierno de Pedro Sánchez como «banda criminal».
La invitada de David Broncano era Mariló Montero, dada su participación en ‘Masterchef Celebrity‘. Ni siquiera llegó a sentarse. Ambos se enzarzaron en una discusión política, con la presentadora criticando que «el sanchismo» hubiera tomado la televisión pública en horario de mañana, tarde y noche. Broncano se defendió: «Yo no recibí ninguna llamada política. Soy una persona de izquierdas y progresista pero creo que eso no me debería impedir hacer ningún trabajo». Y también lo hizo un espectador: «decir que hay un genocidio no es ser de izquierdas, defender a los bomberos o que se invierta en enfermedades raras no es ser de izquierdas».
En el Reels más viral del programa de anoche, el presentador de ‘La Revuelta’ cuestiona a todos aquellos que afirman «que ya no se puede decir nada», cuando de hecho lo dicen «en el programa líder de audiencia», refiriéndose a ‘El Hormiguero’; o en el «periódico líder de audiencia». «Si el sanchismo condicionara los contenidos de la televisión pública, no estarías aquí», espetó subrayando que esta contradicción «le petaba la cabeza».
Montero se defendió bien, pues además ella tuvo un programa en TVE en la era Zapatero, pero Broncano perdió los estribos cuando Mariló defendió la tauromaquia como «arte». La presentadora considera que los toros deberían tener cabida en la televisión pública, cree que se habrían «extinguido» de no ser por esta «tradición», y que los «toros viven con más dignidad que el pollo y el conejo que os coméis». Cuando remató con las mujeres a que no se ha dejado torear, David le recriminó usar un «argumento flojo» y tomar una «deriva ridícula». Ya había sentenciado antes que «vivía en 1945».
Visiblemente incómodo cuando Montero retomaba una y otra vez a Pedro Sánchez o el caso del Fiscal General del Estado, Broncano, al que no es habitual escuchar que es abiertamente «de izquierdas» y «progresista», no tuvo su noche más divertida ni ocurrente cuando se estaba definiendo como «cómico» y no como «periodista». Pero fue mucho peor lo de Antena 3.
Lo de ‘El Hormiguero’, líder de audiencia anoche por 1,4 puntos de share, no fue una entrevista, ni una conversación, sino un monólogo de Nacho Cano. Pablo Motos, que empezó el programa diciendo que estaba en «su mejor momento», apenas hizo ninguna pregunta, siendo la más destacada «qué ha pasado con los becarios» a día de hoy. El teclista de Mecano volvió a contar que es víctima de una cacería de «Marlaska y Pedro Sánchez» para tapar el caso de la esposa del presidente, y una vez archivada la trama de los becarios, se ha venido arriba. Asegura que «3 tíos» entraron en su casa a modo «de aviso», pocos días antes de las elecciones del 28-M, que uno de ellos después le pidió perdón y se identificó como policía, y hasta dio nombres a los que apuntar en su trama personal, como el del comisario Alberto Carba o la jueza Inmaculada Iglesias, contra la que se está querellando. Cree que su fallo ha sido, no haber traído becarios desde México, legalmente quizá, pero desde luego muy de aquella manera; sino haber apoyado a Ayuso, y afirma alegremente que la becaria que le denunció está «como una regadera».
Aseveró que contaba todo eso «para que no le pase a nadie más, para que sepáis cómo opera esta banda criminal que nos gobierna», y Pablo Motos no le hizo ni una sola pregunta ni incómoda ni condescendiente sobre absolutamente nada de esto. Ni sobre la ética de tener cuántos becarios o en qué condiciones; si no cree que el presidente del gobierno tiene mejores cosas que hacer que ir a por un grupo querido por todos como Mecano; si no ha oído el audio de Aldama en el que hasta él mismo da a entender que Begoña Gómez es inocente; ni mucho menos sobre, yo qué sé, qué le pareció la policía patriótica de Rajoy. Tampoco corrigió a Nacho Cano cuando dijo que «nuestros impuestos iban a pagar a los criminales que nos gobiernan». ¿Acaso no irán a los bomberos, a la reconstrucción tras la dana, a la sanidad, a la educación, Pablo, y estás mandando ese mensaje tan peligroso a 2 millones de personas?
Y es que la gente va a divertirse a ‘El Hormiguero’… pero cuando interesa, es más que nada, un mitin político, sorteado con aplausos del público. Anoche aplaudieron muy poco, por cierto. Hubo silencios incómodos, como cuando Nacho Cano contó que temía que «le pegaran un tiro». Juraría que allí, hasta entre ese público que acude a divertirse a ‘El Hormiguero’, había gente que no sabía ya dónde mirar, como yo viendo ‘La Revuelta’. Gente que ya no puede más con este nivel de crispación.
Dijo Nacho Cano que cuenta todo esto porque le «importa España». Cuando Broncano trataba de encontrar un punto de conciliación con Mariló, algo que los uniera, concluyeron igualmente que había de ser «el amor por España». Si tal cosa existe, esta guerra ideológica entre programas necesita mucho más humor y mucha menos amargura. Más chistes onda «¿Pepe de Masterchef es de Podemos?», como el que hizo Grison, y menos de todo lo demás. Al final Broncano y Mariló se abrazaron, cuando parecía poco probable. Fue el único plano de toda la noche que dio un poco de esperanza sobre lo que pueda ocurrir con este país en el próximo lustro.
Zaz ha estado este martes en España para ofrecer un showcase y un avituallamiento a la prensa y a algunos fans, en las oficinas de su distribuidora Believe. Tras 5 discos y 5 millones de discos vendidos, el viernes que viene publicará su nuevo álbum, ‘Sains et saufs’.
Acompañada de un guitarrista y en fantástica forma de voz, Zaz interpretó algunas canciones, también pinchó y explicó otras, en un evento muy rico en anécdotas e historias, porque su nuevo disco de hecho lo es. ‘Un enfant pour toujours’ habla, por ejemplo, de cómo un hijo fallecido no puede sustituir a otro, del trauma que eso puede acarrear para el que queda. Una canción que escribió tras la muerte de varios familiares.
Por su parte, ‘Mon cœur tu es fou’ se ha hecho a partir de un texto de la poeta y directora iraní Forough Farrokhzad, fallecida con 32 años en 1967. Su final en vivo es desgarrador, gritando lo que esta artista no pudo gritar por sí misma.
Zaz, que hizo bailar ligeramente con el punto jazz de ‘On peut comme ça’, y habló de cómo ha querido mezclar tradición cabaretera con un poco de modernidad, tiene una luz especial y, sobre las tablas, la sonrisa y el carisma de las grandes estrellas que disfrutan particularmente de los escenarios. Una de las canciones que hizo brillar fue ‘Sains et Saufs’, nuestra Canción del Día hoy.
La intención de ‘Sains et Saufs’ es evocar «el amor reparador y la afirmación de uno mismo frente a las presiones sociales». Porque no estamos hechos para amoldarnos a «cajas» ni para «estar encerrados en jaulas», y porque el amor nos salvará de todo y nos guardará «sanos y salvos», es que Zaz construye esta melodía optimista, que no en vano fue editada en primavera. En el vídeo, Zaz se va abriendo al mar y a la naturaleza, junto a personajes caracterizados por la diversidad.
Zaz actúa el 3 de noviembre en Barcelona, y el 5 de noviembre en Madrid, aunque los tickets para La Riviera ya están agotados.
Tras años de coqueteos con la derecha británica, Morrissey asegura ser «apolítico». En un nuevo comunicado en su página web, el cantante ha revelado que recientemente rechazó «cordialmente» una invitación para actuar en una conferencia del partido político Reform UK, una de las principales fuerzas de la extrema derecha en Reino Unido.
El comunicado aclaraba que Morrissey era «apolítico» y que nunca se había «afiliado a un partido político, o votado, en toda su vida». Al mismo tiempo, aseguró estar «agradecido por la invitación». En dicho evento, Nigel Farage, líder del partido, se reafirmó en su política de «parar los barcos» y «deportar a todo aquel que entre ilegalmente en nuestro país», según informa The Guardian.
En el pasado, Morrissey ha sido relacionado con la derecha a raíz de numerosos comentarios. Por ejemplo, en 2016 se refirió al propio Farage como un «educador liberal» y alguien que «obviamente sería un buen primer ministro».
Por otro lado, en 2019 también declaró su apoyo al partido de extrema derecha For Britain, disuelto en 2022: «El Reino Unido es un lugar lleno de odio y necesitamos a alguien que ponga un fin a la locura y que hable por todos», declaró refiriéndose a Anne Marie Waters, líder del partido.
The Weeknd se superará a sí mismo en su paso por España, realizando tres conciertos en el Riyadh Air Metropolitano. El artista canadiense anunció la semana pasada que la gira ‘After Hours Til Dawn’ visitaría Madrid los días 28 y 29 de agosto de 2026. Ahora, añade una tercera y «última» cita el día domingo 30 de agosto.
Madrid será la única ciudad española que The Weeknd visite en 2026, donde celebrará la trilogía formada por ‘After Hours’ (2020), ‘Dawn FM’ (2022) y ‘Hurry Up Tomorrow’ (2025). Abel Tesfaye volverá al Metropolitano, donde también actuó durante el verano de 2023, pero esta vez la estancia será más larga.
Playboi Carti, además, acompañará al cantante durante todos los conciertos de Europa y Reino Unido. Respecto a los conciertos anunciados en México y Brasil, Anitta será la encargada de telonar el espectáculo.
Las entradas salen a la venta el 12 de septiembre a las 12 del mediodía, a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. También hay una preventa el 11 de septiembre en Live Nation a las 12.00 horas.
La policía de Los Ángeles ha encontrado un cadáver en estado de descomposición en un coche Tesla registrado a nombre del cantante d4vd, autor de hits virales de la talla de ‘Here With Me’ y ‘Romantic Homicide’. La broma se hace sola. David Burke, de nombre real, se encuentra cooperando con las autoridades mientras lleva a cabo su gira norteamericana, continuada anoche con normalidad.
Este lunes, a causa de un fuerte hedor, la policía de la ciudad californiana descubrió un cuerpo en el maletero delantero de un vehículo incautado la semana pasada y aparcado en un centro de remolque en pleno Hollywood. Los restos humanos se encontraban en una bolsa y, por el momento, no hay información sobre la persona fallecida. Solo se sabe que es una mujer.
El artista de 20 años no ha hecho comentarios sobre lo ocurrido y se ha comportado de forma normal en redes sociales y en su último concierto, celebrado anoche. Pitchfork asegura que, al intentar contactar con el equipo de representación del artista, se les redirigió al abogado de d4vd, Blair Berk. El medio estadounidense no ha recibido respuesta.
La última vez que vi a Belén Aguilera en directo, casi todo salió mal. Fue en unas fiestas populares de Madrid, yo iba súper emocionado porque estaba entusiasmado como un adolescente con sus temas sobre salud mental. Me estaba aprendiendo de memoria canciones como ‘ANTAGONISTA’ o ‘INTELIGENCIA EMOCIONAL’. Lo de ‘METANOIA‘, que se estaba anticipando por aquella época, iba a ser otro level. Pero el sonido falló un par de veces, el concierto se tuvo que detener y la visibilidad y acústica reducidas propias de este tipo de conciertos gratuitos, al final, nos hizo abandonar.
Dos años después, Belén Aguilera no es que se haya resarcido probablemente con decenas de conciertos que salieron bien, que supongo que también, es que es directamente otra artista. Está presentando un proyecto muy diferente a ‘SUPERPOP‘, más ambicioso y esquinado. ‘Anela’ se publica este viernes, ahora bajo el paraguas de Sony, y este martes se realizó una fiesta de presentación a lo grande, en la Real Fábrica de Tapices de Madrid.
El show es sentado, para un público formado por algo de prensa, muchos invitados, fans selectos e influencers tipo La Pija y La Quinqui, a quienes debemos –no hay que olvidarlo– que haya un gobierno en España que respete un mínimo los Derechos Humanos. Los seguidores de Belén Aguilera son en gran medida queer, hay incluso alguna Drag Race como Hugáceo Crujiente, y el ambiente es distendido y propicio para que la artista termine llorando como una magdalena.
Sin hits ni referencias al pasado, casi sin dirigirse al público hasta los últimos instantes, el set se ciñe al completo a las canciones de ‘Anela’. Este proyecto se ha presentado como el más «lírico y místico» de Belén Aguilera, en general viene bien cargado de esdrújulas, muy visibles en títulos como ‘Ático’ y ‘Dramático’, y el escenario se ha diseñado ad hoc para estos efectos. Aguilera y un cuarteto de cuerda, formado por cuatro mujeres, visten todas de blanco estricto, y a falta de un piano, alguien ha ideado una estructura igual de blanca con forma de piano para acoger el teclado de la artista.
El «live» en sí no es aún el fuerte del show de Belén Aguilera, a la espera de lo que haga el mes que viene en el Movistar Arena. En este show escuchamos cuerdas que no están siendo tocadas en vivo, y viceversa. Hay mucho pregrabado. Sin embargo, los visuales acompañan, espectaculares y tenebrosos, muy sombríos, proyectados en una pantalla gigante no al alcance de cualquier recinto, y sobre todo la artista cumple en cuanto a lo vocal, con una muy meticulosa y trabajada combinación de voces en directo y coros pregrabados, desnudando unas composiciones que hablan sobre miedos interiores, sobre nuestro lado oscuro, sobre llorar y soltar, sobre encontrar la felicidad.
Así está dispuesto en un programa de mano que se reparte a la entrada y refuerza el valor teatral de este espectáculo. Hay ecos de José María Cano en el clasicismo de las composiciones, también del atrevimiento de una Mónica Naranjo, y algo de la electrónica de Björk en ‘Homogenic’ o Madonna en ‘Ray of Light’. ‘Laberinto’ sobrevivirá como hit medio bailable en su setlist del futuro, pero el fondo sigue siendo eminentemente espiritual, muy de mirar hacia dentro. Al final de ‘Soledad’, Belén Aguilera se derrumba por primera vez. Después lo volverá hacer al final, agradeciendo la presencia de su madre, el apoyo de Sony y de todos quienes la están acompañando en el camino. Una artista apasionada con lo que hace que da con ‘Anela’ un paso importante en cuanto a crédito artístico. Aunque tampoco es que necesitara ninguno más.
Sin noticias oficiales aún sobre R4, solo rumores, Rosalía sigue protagonizando editoriales de moda. Ahora es protagonista de una campaña de Calvin Klein en la que puede escucharse una canción inédita.
La artista ha decidido recuperar para esta campaña ‘De madrugá’, una canción que sus fans conocen muy bien, pues ha sido interpretada en vivo casi 50 veces, según los datos registrados por Setlist.fm.
‘De madrugá’ es un tema que procede de la era de ‘El mal querer‘, aunque fue excluido de aquel disco. Es una de las canciones que hizo junto a su ídolo Pharrell Williams, pero que jamás terminó de ver la luz.
El tema ya fue presentado en el mítico show de presentación de la Plaza de Colón en Madrid en 2018, antes en varios festivales de aquel año, y permaneció en su repertorio hasta 2020, antes de la era ‘MOTOMAMI’.
Se desconoce si la canción será incluida en el inminente cuarto disco de Rosalía, saldrá en forma de single suelto en algún momento, o quedará relegado a esta campaña, de manera anecdótica.
No es habitual que los grupos anuncien un último disco y lo promocionen en paz. Sólo R.E.M. se separaron de manera tan elegante, sin mentir a nadie, ni tirarse los trastos a la cabeza. Saint Etienne puede que lo igualen en base a cuál ha sido su dinámica en los tiempos recientes. Más que en la típica rueda de discos y giras del resto de formaciones, ellos han sobrevivido en base a conciertos únicos en Londres, fiestas para su club de fans, singles sueltos y constantes reediciones especiales. No han anunciado una separación como tal y puede que sigan sacando 7″ y 10″ de vez en cuando. Un forero de Popjustice afirma tener 170 «items» de Saint Etienne, según le indica su colección en Discogs. Otro responde que tiene 137. Otro afirma que 208. Juraría que solo tienen 12 discos.
Pequeña y fiel a partes iguales, su base de fans comparte con su banda favorita un amor por la música que Saint Etienne han sabido materializar en este ‘International’. Un disco que suena a obra de despedida por los cuatro costados.
El trío formado por Bob Stanley, Pete Wiggs y Sarah Cracknell será recordado sobre todo por sus top 40 en los charts británicos. El single ‘Glad’ remite a ellos, pues jamás perdieron la facultad de componer canciones de pop impecable, por mucho que los tiempos o las modas no acompañaran. ‘Brand New Me’, compartida con Confidence Man, a quienes no había identificado como herederos de su sonido, tiene potencial también, recordando a la accesibilidad de ‘Good Humor’. ‘He’s Gone’, se acerca al piano house.
Por otro lado, ‘International’ revive a la vez el sonido más experimental de otros proyectos de Saint Etienne. También hicieron sus pinitos en la música instrumental, el ambient o la banda sonora, en proyectos como ‘Sound of Water’ o el reciente ‘The Night‘, y eso es algo que se nota en una serie de canciones más abstractas. Es el caso de ‘Sweet Melodies’ o ‘Take Me to the Pilot’, cercana a la rave, con la colaboración de Paul Hartnoll de Orbital, también de actualidad por haber estrenado trallazo con Kneecap justo esta semana. ‘Brand New Me’ recuerda a sus producciones con Ian Catt, y ‘Save It for a Rainny Day’ suena exactamente como un 12″ de Madonna de los años 80 bajo la producción de Tim Powell (Xenomania).
Para hacer este repaso, más que a sonidos «internacionales» (casi todos se circunscriben a UK), han recurrido a un grupo de viejos amigos. Tom Rowlands (Chemical Brothers) y Jez Williams (Doves) sorprenden en los créditos de ‘Glad’, Nick Heyward es más reconocible en el popero dúo ‘The Go Betweens’ y nada menos que Vince Clarke (Yazoo, Erasure) aparece en los créditos de ‘Two Lovers’. Todo un quién es quién de la música anglosajona que nunca quita protagonismo a la dulce voz de Sarah Cracknell, que tanto vamos a echar de menos.
Los textos, además, aunque poco explícitos, reinciden una y otra vez en la idea de final, de despedida, o incluso de muerte, como el caso de ‘Fade’, que habría encajado perfectamente en su disco de 1993, ‘So Tough’. «Esta vida ha tenido sus puntos altos, y seguro que también bajos», dice ‘Dancing Heart’. «Me diste dulces melodías que me llevan a casa, que me hacen enamorarme de nuevo», dice ‘Sweet Melodies’.
Incluso cuando están hablando de amor y desamor parecen estar hablando de sí mismos, y de su relación con el público generalista. «Fuimos como dos amantes forzados a mantenerlo en secreto, dos amantes que no pudieron ser», dice ‘Two Lovers’. «Tuvimos la oportunidad de un final feliz, tomaste una decisión y te equivocaste», dice su tema más rockero, ‘Why Are You Calling’.
Saint Etienne no iban a cerrar este disco de despedida de cualquier manera. La última canción se llama ‘The Last Time’, pasa un buen rato troleando tarareando «oh, uh, oh, por última vez» y, entre referencias a mirar en Facebook fotos viejas de amigos, resume: «Estoy muy contenta de haber hecho el viaje, porque solo tres sobrevivimos». Saint Etienne no nos dicen adiós con el disco perfecto para empezar con ellos si aún no los conoces: el viaje por sonidos tan dispares puede resultar algo inasible para el público casual. Pero a quien los sigue desde hace 35 años le ha dado exactamente lo que necesitaba. Pocas, poquísimas carreras, tan bonitas como la de Saint Etienne.
A 12 de septiembre, únicamente 24 países han confirmado su participación en Eurovisión 2026. Es una cifra inusitadamente baja para las fechas en que nos encontramos y para la participación habitual del certamen, que suele rondar los 40 países.
Israel sí está entre los confirmados, y tras su 2º lugar en la pasada edición, de nuevo polémica por su carácter político y un genocidio en Gaza en el que ya han muerto más de 64.000 personas, varias delegaciones no saben qué hacer. Hay una serie de países que no han confirmado por diversos problemas de burocracia interna, como Bélgica, Italia o Polonia; pero hay otra lista de países esperando el prometido debate sobre la participación de Israel en el festival, y entre ellos está España.
Irlanda ha anunciado que si participa Israel no acudirá. En su comunicado, la televisión pública explica: “RTÉ considera que Irlanda no participará en el Festival de la Canción de Eurovisión 2026 si Israel sigue adelante con su participación. La participación de Irlanda sería inadmisible dada la terrible y continua pérdida de vidas en Gaza».
La UER ha respondido a través de Martin Green: “Entendemos las preocupaciones y las opiniones profundamente arraigadas en torno al conflicto en curso en Oriente Medio. Todavía estamos consultando con todos los miembros de la Unión Europea de Radiodifusión para recopilar opiniones (…) Depende de cada miembro decidir si quiere participar en el festival, y respetaremos cualquier decisión que tomen las cadenas”.
Poco después, Países Bajos ha sido más contundente aún: “El sufrimiento humano, la supresión de la libertad de prensa y la injerencia política contradicen los valores de la radiodifusión pública. Ya no se puede justificar la participación de Israel en la situación actual, dado el grave y continuo sufrimiento humano en Gaza”. Además, aseguran que «existen pruebas fehacientes de la interferencia del gobierno israelí durante la última edición del Festival de la Canción de Eurovisión, en la que el evento se utilizó como instrumento político».
En tercer lugar, Islandia ha anunciado que su decisión depende de si se consiente la participación de Israel: decidirán en diciembre. Y en una posición similar está Eslovenia.
Al tiempo que se han anunciado algunas novedades técnicas de cara al Benidorm Fest, cuyo plazo para que los artistas se apunten dura hasta el 24 de septiembre (el jurado tendrá menos visibilidad, se podrá asistir a los ensayos), RTVE ha confirmado que Benidorm Fest se celebrará tanto si su ganador acude a Eurovisión, como si España decide no participar. Es decir, la opción de que el ganador de Benidorm Fest no vaya a Eurovisión ya está sobre la mesa.
RTVE fue pionera en solicitar a la UER un debate profundo sobre la participación de Israel, para lo cual fue emplazada a este otoño. Como informa Vertele, el plazo para que las delegaciones anuncien si se presentan a Eurovisión o no, se ha alargado hasta diciembre, y será entonces cuando se conozca la decisión de RTVE. Pase lo que pase con Eurovisión, la cadena pública ha garantizado que el Benidorm Fest 2026 seguirá adelante, y tendrá lugar entre los días 10 y 14 de febrero, algo más tarde de lo habitual. Los aspirantes seleccionados se conocerán en la primera quincena de octubre, y podrán trabajar ya con el flamante nuevo director artístico, Sergio Jaén, si así lo desean.
El ministro de cultura, Ernest Urtasun, además ha declarado en ‘La hora de RTVE’ que no presentarse a Eurovisión es una medida que considera adecuada: “Es una decisión de RTVE, pero lo que puedo decir es que si Israel participa y no logramos expulsarla, habrá que adoptar medidas como la que usted menciona», respondía al equipo de Silvia Intxaurrondo.
Tortoise publicará su primer álbum en 9 años el próximo 11 de noviembre. Su último trabajo fue ‘The Catastrophist‘ en 2016. El nuevo largo se llamará ‘Touch’, y el single que desde hoy podemos escuchar se llama ‘Layered Presence’.
Su sello explica que el inclasificable grupo experimental, conocido por trabajos como ‘TNT’ (1998), ha creado el álbum de manera colectiva. Eso sí, ya no viven todos juntos en un loft como a finales de los 90, sino que lo han hecho desde sus respectivas ciudades de residencia: L.A., Portland y Chicago.
En el álbum encontraremos de todo: «Krautrock aerodinámicamente rediseñado, ritmos rave techno a manivela y fanfarrias puntillistas de spaghetti western (…) una lógica interna tan atractiva como desconcertante, un rompecabezas para saborear en lugar de resolver».
‘Touch’ incluirá un tema lanzado el año pasado llamado ‘Oganesson’, del que se lanzaron varios remixes, como el del poeta y activista Saul Williams, la ingeniera de masterización Heba Kadry, el baterista de Black Keys Patrick Carney, Broken Social Scene y su compañero en el sello International Anthem, Makaya McCraven.
Este será el tracklist del álbum:
01 Vexations
02 Layered Presence
03 Works and Days
04 Elka
05 Promenade à deux
06 Axial Seamount
07 A Title Comes
08 Rated OG
09 Oganesson
10 Night Gang
La Wurlitzer recibirá mañana a dos grupos dispuestos a prender la sala con el punk más salvaje. Será el primer bolo en España de los neozelandeses Dick Move, mientras que los madrileños Mátame Camión se encargarán de calentar la sala a base de distorsión. Este miércoles 10 de septiembre, a las 21h.
El ciclo ‘Escenarios Madrid de Vibra Mahou’ lleva más de 15 años apoyando las salas de concierto de la capital y este año no iba a ser diferente. Dick Move serán el plato fuerte de una noche centrada en los pogos. Con influencias del punk de los 80 y unas letras totalmente incendiarias, la banda neozelandesa dará a conocer su mezcla de compromiso político y humor al otro lado del mundo.
En este sentido, ‘Fuck It’ es una de las joyas del grupo. «Qué quieres de mí / Una guarra y una madre / Me gustaría ver como prosperas / En un sistema construido para joderte», canta la vocalista Lucy Suttor entre un torbellino de guitarras eléctricas. Por otro lado, en ‘Nurses’, su último single, el grupo apuesta por una mordaz crítica social: «Cuando el gobierno elige caseros antes que enfermeras / La enfermedad es profunda / Pero al menos el rico puede gastar menos».
La noche en la Wurlitzer comenzará con Mátame Camión, que como buenos punkies madrileños ya han visitado la sala en más de una ocasión. Así lo cantan en ‘Sin Discutir’: «Ya no quiero ver tu cara en el Wurli / Ya no quiero que me escribas más». No había un lugar mejor para llevar a cabo estos conciertos.
Las entradas ya están disponibles en la página web oficial de Wurlitzer Ballroom, a un precio de 10 euros.
‘La revuelta’ fue el gran formato revelación el año pasado. Logró derrotar a ‘El Hormiguero’ en sus primeros meses de emisión, pero tras el liderazgo absoluto de las Campanadas de Broncano y Lalachus en Televisión… ¡ESPAÑOLA!, el formato se fue desinflando mes a mes. Siguió siempre por encima de los objetivos mínimos que se había marcado, pero el 17% de share del que presumió en septiembre de 2024 menguó hasta un 11,3% en mayo. Cada mes perdía un punto, más o menos. Los chistes sobre derrotar a Pablo Motos perdían gracia; hasta diría que David empezaba a tener mala cara.
Las vacaciones eran necesarias, y este lunes 8 de septiembre era el día marcado en rojo en la agenda como su gran comeback. Cual estrella del pop, Broncano se ha presentado con nuevo look. Un tinte rubio pollo que esperemos que le dé mejor suerte que a Katy Perry el pelo corto en la era ‘Witness’. Porque el programa volvió con todos sus pros y sus contras, y adivinamos que el excelente dato de audiencia logrado ayer (16,1%, acechando a ‘El Hormiguero’), volverá a peligrar.
Lo mejor de la noche fue el pre-show. Televisivamente fue tan arriesgado como el tinte de David: entró cortado, a medias, Chanel estrenaba un single muy loco llamado ‘Matahari’, una campeona en lanzamiento de peso, Belén Toimil, lanzaba un asiento al escenario mientras gritaba «¡¡Este es el mejor programa de la historia!!», a Jorge Ponce le extraían el corazón en vivo en un guiño a Indiana Jones, y Sergio Bezos aparecía con un ojo lleno de sangre. Aquello parecía el capítulo de la serie de Yurena que Nacho Vigalondo rodó en la Sauna Paraíso, pero lo llamaron «pre-show». Uno de esos momentos surrealistas que sí hacen que ‘La revuelta’ merezca la pena: ni Chanel, ni Ponce, ni Toimil volvieron a aparecer por allí. Fueron al plató exclusivamente para esta tontería. Bravo.
Una vez pasada la cabecera, la misma del año pasado, Grison tuvo a bien comentar cuáles habían sido los invitados de ‘El Hormiguero’ la semana anterior. Calificó a «Sergio Ramos, Arturo Pérez-Reverte y Bertín Osborne» como una «declaración de intenciones» porque de hecho lo fue. Sería la risa de no ser porque en la mesa esa de debate que organiza el programa de Antena 3, ya no se cortan en sentar hasta a 4 personas a opinar exactamente lo mismo sobre Pedro Sánchez. La respuesta de ‘La revuelta’ fue inteligente, hábil e intachable: no creo que nadie se atreva a decir que un grupo de bomberos y bomberas no merecía tener voz en prime-time, tras los virulentos incendios de este verano.
‘La revuelta’ se ha caracterizado siempre por dar voz a cirujanos, a deportistas de élite, a científicos, a activistas de enfermedades raras. No solo a artistas de primera línea. Es su fuerte haber dado con pequeños héroes y heroínas nacionales que no habían tenido tanta visibilidad. Es verdad que a veces esos invitados parecen escorados hacia la izquierda, y por eso parte de la audiencia nos hemos refugiado en este oasis de programa; pero otras veces solo han estado escorados hacia el sentido común.
La entrevista a la Brigada Forestal de Laza (Ourense), uno de ellos con bastante fotogenia, todo sea dicho, se convirtió en una reivindicación de lo público. Estos hombres y mujeres que han dedicado el verano a salvar del fuego un campamento lleno de niños, hablaron de la penuria de cobrar 1.300 euros por un trabajo así, de la falta de inversión de los gobiernos autonómicos, que son -recordaron, frente a los bulos- los que tienen las competencias, de las malas condiciones de los bomberos forestales en las «Comunidades de Madrid y Castilla y León», del cambio climático (porque no se le puede llamar de otra manera), del problema de la despoblación y de que nadie retire maleza durante los meses que no hay incendios. Son los factores que explican que un fuego -provocado o no- se propague mucho más rápido, incontrolable. También hablaron de la reducción de jornada laboral, a punto de ser tumbada por PP, VOX y Junts en el Congreso de los Diputados. Reivindicaciones que suenan lógicas para cualquiera (¿de verdad alguien quiere trabajar más o no cree en el servicio público de los bomberos?), hechas desde la calma total, entre bromas de Broncano con los mensajes que le iba a poner «a Perro».
Después, es cierto que el ritmo del programa fue decayendo tras la sorpresa inicial de ver a estas personas tan valiosas. El show se fue alargando hasta la hora y media sin necesidad, y Kiti Mánver y Álvaro Morte, en promoción de su serie de thriller ‘Dos tumbas’ para Netflix, no añadieron demasiado. Tengo justo la teoría de que Broncano fue perdiendo audiencia, primero por un exceso de humor cuñado, y segundo, porque su target, inquieto culturalmente, prefiere precisamente ver una serie en Netflix, una peli en Filmin o incluso -¡oh!- leer un libro antes de acostarse, que tragarse un programa diario de 90 minutos en el que te están hablando de una serie. En lo que sí han mejorado es en avanzar quiénes serán los invitados de la semana. No me perderé a Pepa Bueno, tras su sospechosa salida de El País, aunque la más ingeniosamente anunciada fue Mariló Montero, que forma parte del elenco de ‘Masterchef Celebrity‘. «Viene Susanna Griso, Mariló Montero o Ana Rosa Quintana», anunció con sorna David, y le regalo un chiste para esta noche: «Ana Rosa ya no, que es 4ª en audiencias».
Sin cambios significativos, ‘La revuelta’ ya sabemos que tendrá días mejores y peores, pero se mantendrá siempre por encima de objetivos y de la media de la cadena, que ahora mismo ha crecido hasta un 11%, gracias al éxito de programas de actualidad política como ‘Mañaneros’, ‘La hora de La 1’ o también del culebrón ‘La promesa’. Así que es un misterio qué ocurrirá con Broncano cuando se acabe su contrato de 2 años, sobre todo si al final hay cambio de gobierno, algo que se desconoce porque además no hay elecciones hasta 2027. Por lo que pueda pasar el programa ya bromeó en un rótulo: «Segunda temporada y última según los sondeos«. Como en ‘Cachitos’, esos rótulos siguen siendo lo mejor, con permiso de los memes sobre el pelo de David.
Si sueles estar en el lado bueno de los reels de Instagram, es probable que te hayas encontrado con las canciones de Laaza. Pequeñas píldoras musicales que resultan todo un soplo de aire fresco y con las que ha alcanzado millones de visitas. Nada mal para una artista que, en realidad, coquetea con la jota. ‘De ciudad’ es la Canción del Día.
Laura Aznar Grau encontró su nombre artístico al intentar juntar su nombre y apellidos reales, y es que la identidad es una de las claves más importantes de su trabajo. Después del lanzamiento de su primer disco en 2024, ‘Canciones para olvidarte’, Laaza pone en marcha el rumbo hacia su segundo trabajo de estudio con una canción que reivindica el pueblo, pese a ser ella «de ciudad».
Poco tiene que ver esta canción con las melodías que suele subir a redes, que ponen el foco en temas más actuales. Aquellas en las que canta «No me voy a quitar los pelos por ti / Es raro que solo den asco saliendo de mí» o «Juan Antonio me abre por DM y me dice que las chicas buenas como yo ya no existen / Me pide una foto de mis pies y como no contesto me pregunta si he dormido bien» son dos mini canciones tan pegadizas como fascinantes.
‘De ciudad’ mantiene, por supuesto, la singular voz de la artista catalana, además de una sencillez natural. Entre tambores de semana santa, sutiles sintetizadores y giros de jota, Laaza canta sobre «ser de aquí y no de allá», sobre «las tierras más hermosas que separan el asfalto del cielo» y sobre no olvidarse del pueblo. Y si le critican, Laaza ya sabe que decir: «Les diré que solo canto lo que siento».
Producida por Juanma Latorre, de Vetusta Morla, ‘De Ciudad’ también llega con un precioso videoclip grabado en Castel de Cabra, su pueblo natal. La dirección de este llega a cargo de Abel Bueno Dalo, quien estaba detrás de la imagen de ‘Spanish Leather’, el último LP de Guitarricadelafuente.
