El sector de la comunicación sufre un nuevo varapalo: PlayGround cierra su redacción en España después de 15 años. La oficina, ubicada en Barcelona, echa el cierre y despide a siete redactores y dos profesionales de audiencias, confirma DIRCOMFIDENCIAL. La agencia de marketing y el servicio de branded content de PlayGround España no sufren cambios estructurales.
Queda en pie la redacción de PlayGround en México, que a partir de ahora «ofrecerá los contenidos periodísticos de la revista», informa el citado medio.
El cierre de PlayGround, revista fundada por Isaac Marcet, llega pocos años después que en 2019 presentara un ERE para despedir a 60 empleados. En 2018, la revista había perdido el 80% de su tráfico debido a un cambio dramático en el algoritmo de Facebook, uno de sus principales canales. El desplome afectó también a las redacciones de Buzzfeed España y Vice España, que cerraron.
En los últimos tiempos, PlayGround había estrenado el podcast Generación futuro, que transmitía contenido muy variado sobre temas de actualidad, política o cambio climático. Por el podcast pasaron personalidades como Yolanda Díaz o Ada Colau, pero cerró a los tres meses.
PlayGround nació en 2008 como página de Facebook y también fue uno de los primeros medios españoles que sobresalieron en Instagram y TikTok. Asentado como portal «millennial» de referencia gracias a sus llamativos contenidos, en diciembre de 2017 viralizó la canción-broma ‘Velaske, yo soi guapa?‘, que hoy en día cuenta con 12 millones de visualizaciones. Sin embargo, PlayGround no remontó tras la caída de 2018, manteniéndose hasta hoy en cifras 30 veces más bajas a las de su apogeo.
Decíamos en la crítica de ‘Deep Fantasy‘, el tercer disco de White Lung, que con Mish Barber-Way había nacido una estrella, una auténtica frontwoman de punk que no temía expresar sus verdaderas opiniones por políticamente incorrectas que fueran. Mish ha sido especialmente crítica con el feminismo actual, que considera conformista e incapaz de escuchar opiniones ajenas a la propia ideología. Que lo diga ella, que lidera una banda proclamada feminista, da para pensar.
Pero la estrella de Mish se apaga definitivamente: ‘Premonition’ es el disco final de White Lung. El grupo, integrado también por Kenneth William y Anne-Marie Vassiliou, se ha separado. Y se nota que las inquietudes de Mish han cambiado, pues ha sido madre y la maternidad es uno de los temas principales de ‘Premonition’. Claro que las perspectivas tampoco son las típicas.
En sus canciones, la banda canadiense ha tratado temas como la violación o la dismorfia corporal, sin renunciar a la rabia punk esperable del género. En ‘Premonition’ el tono es más suave y amable, y las letras adquieren un tono más reflexivo. En la furiosa ‘Girl’, Mish advierte a su hija sobre el machismo que le tocará vivir, incluso perpetuado por las propias mujeres («debo confesarte que te deprimirás cuando las chicas te den la espalda»), y en varias pistas, como ‘If You’re Gone’, imagina el futuro en que ella ya no estará presente para cuidar a sus hijos.
El repertorio de ‘Premonition’ también es más melódico. Los riffs de guitarra se pueden inspirar en el metal, como los de la pista inicial ‘Hysteric’, la más potente de todas, pero las canciones admiten melodía y luz de manera decidida, y los estribillos pueden ser tan claros como el de ‘Bird’, de tierna y maternal lírica, o el de ‘Tomorrow’, que recuerda a Hole. ‘Under Glass’, inspirada en ‘La campana de cristal‘ de Sylvia Plath, ya ni siquiera es punk, sino que presenta sonidos más propios del jangle o el pop-rock de los ochenta.
Cuando las canciones sí son punk, son tan inmediatas como ‘Date Night’, que relata una cita con Dios, que fuma al volante mientras habla del absurdo de la existencia. También se hacen bola en la segunda mitad, dejando claro que por aquí no hay hits a la altura de ‘Below’. Sin embargo, vuelve a valer la pena descubrir mensajes como el que plantea ‘Mountain’: «¿me seguirás adorando cuando tenga casi 40 y esté machacada?».
Cabe mencionar que, en los 6 años transcurridos desde el lanzamiento de ‘Paradise’ (2016) a la actualidad, la reputación de White Lung se ha visto mermada. En concreto, Mish ha recibido críticas por dar voz a figuras de la derecha en la revista ‘Penthouse’, de la cual es editora jefe. Además de «mala feminista» a ojos de la gente, ahora, además, es traidora de la izquierda. ‘Premonition’ no significa un adiós trágico para el punk, pero que Mish resistiera comparaciones con la mismísima Courtney Love, significa que el punk se pierde a una líder con cosas que decir, y agallas para hacerlo.
Entre las principales novedades de este viernes, destacaba un dúo que no vimos venir: el de Lola Indigo con Luis Fonsi. La cantante, que está presentando singles de su próximo proyecto ‘El Dragón’, se une así al que fue uno de los intérpretes de ‘Despacito’.
‘Corazones rotos’ es una canción de desamor que pasa por diferentes fases sonoras. Mimi nos está hablando inmediatamente de alguien que se lo gasta todo en alcohol para sentirse mejor tras un desengaño. En el vídeo aparece tirada en el suelo de una enorme cocina, con unas latas de cerveza vacías a su alrededor.
La producción de la canción juega, casi sin que te des cuenta, con estilos muy diversos. Comienza como una melancólica melodía de guitarra de Chris Isaak, pronto pasa a la EDM, y entre guiños synth-pop, incluye también beats de house noventero. En uno de los subidones finales parece haber tomado directamente los mandos el mismísimo David Guetta, hoy triunfal por su revisión del clásico noventero ‘Blue (Da Ba Dee)’.
Pero lo mejor de ‘Corazones rotos’ es su acción de márketing. En diciembre Lola Indigo ponía varios buzones en tiendas y locales del centro de Madrid pidiendo a sus seguidores que escribieran una carta en la que contasen cómo les habían roto el corazón en 2022. A principios de 2023 se celebraba un evento en la calle Sandoval (justo en frente de la clínica de venéreas más popular de la Comunidad) con varias “experiencias catárticas como tatuadores, tarotistas y la fiesta» en sí. Todo relacionado con el mismo videoclip. Además, la portada del single está inspirada en el kintsugi, una técnica de origen japonés para pegar la cerámica rota con barniz y decorarla con líneas doradas para cubrir las grietas.
El tema ha alcanzado el top 51 de Spotify España y ahora ocupa el puesto 69, por lo que cabe esperar una entrada en el top 100 oficial de la semana que viene. Sobre todo porque está funcionando especialmente en Youtube, donde es número 2 en la clasificación nacional.
Rakky Ripper es una de las propuestas más excitantes que ha dejado la segunda edición de Benidorm Fest. Será a partir del 31 de enero cuando podremos averiguar qué ha preparado la cantante granadina para su canción, el pepinazo de ‘TRACCIÓN‘, que se ha posicionado rápidamente entre las favoritas por el público (actualmente es la 4ª más escuchada en Spotify). Una producción de hyperpop acelerada, abrasiva y machacona que, en la línea de Rakky Ripper y de sus influencias, llega inundada de Autotune, uno de tantos efectos vocales que existen hoy en día. La propia Raquel García Cabrerizo nos habla de los méritos de esta herramienta y de sus diferencias con el melodyne o el vocoder para nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic.
¿Por qué has elegido hablar del Autotune?
Porque mucha gente me pregunta por ello de cara al Benidorm Fest y creo que puede ser interesante.
¿Crees que se entiende qué es el Autotune? ¿En qué se diferencia de otras herramientas como el Melodyne?
Creo que lo entiende la gente relacionada con el mundo de la música, pero el público general no lo entiende tan bien.
Lo que la mayoría de gente no sabe es que todos los artistas, hasta las grandes voces tipo Ariana Grande, afinan nota a nota (con herramientas tecnológicas). No usan el Autotune (automático) que da ese sonido característico, pero aquí es donde entra el tema del Melodyne. Con el Melodyne afinas manualmente sílaba a sílaba, mientras que el Autotune -como su nombre indica- es automático y deja ese sonido tan característico.
¿Hay diferencias entre el Autotune y el vocoder?
Un vocoder es un sintetizador de voz que da un efecto robotizado (muy típico en artistas ochenteros o electrónicos como Daft Punk). El vocoder solo añade una textura, no afina como el Autotune.
¿Qué significa el Autotune en tu música y en tu propuesta artística?
Es mi caso, más que para afinar, es un elemento más, que añade textura, brillo y personalidad a mi voz.
¿Qué canción o artista te hizo descubrir el Autotune?
Yo creo que Ke$ha y las Millionaires fueron las primeras personas que me hicieron fijarme en el Autotune y probar en mi ordenador a ver cómo sonaba.
¿Qué obras musicales consideras que han sido influyentes en la normalización del Autotune en la música de hoy?
Creo que Cher, Ke$ha o Lady Gaga fueron muy influyentes de cara a los 2010s.
¿Y cuáles han influido en tu propia obra?
Ya te digo: Ke$ha, Gaga, Rihanna y gente más de la época MySpace y emoscene como Jeffree Star, Brokencyde o las Millionaires.
El Autotune -como corrector de notas- ha hecho que la voz de los artistas de hoy suene exageradamente perfecta, hasta el punto de que escuchas un single de los 80 y parece que el artista canta mal. ¿Tienes la sensación de que el pop de hoy suena plástico?
No creo que se trate de eso, pero sí nos hemos acostumbrado a que todo sea perfectísimo y a que no nos apetezca oír voces limpias. Aun así las «vocals» nunca han ido limpias del todo porque ya en los 80 se metían efectos, no es algo nuevo y también dependía mucho del género musical.
¿Qué usos creativos da el Autotune, a ti o a los artistas en general?
No es solo afinar, es también dar un efecto fantasía, futurista, robótico… Es sonar a nuevo en vez de a lo de siempre.
¿Qué artistas o canciones consideras que hacen buen uso del Autotune, a nivel creativo, y cuáles te convencen menos?
El Autotune es muy agradecido, no te sé decir ningún artista conocido que no lo use bien.
«El alma de la voz no está en la afinación y no creo que el Autotune elimine el timbre»
A todos nos viene a la mente ‘Believe‘ de Cher, o el disco de Kanye West de 2008, o el trap actual, o por supuesto el hyperpop, cuando pensamos en el Autotune, pero suelen ser casos extremos. En realidad, su uso es más sutil en artistas como Rihanna o incluso Michael Bublé, porque se supone que la corrección no se tiene que notar. ¿Crees que el Autotune «roba» el alma de la voz cuando se usa de esa manera? ¿La voz tiene «alma»?
Yo creo que el alma de la voz no está en la afinación y no creo que el Autotune elimine el timbre, simplemente añade un sonido concreto que es como un unificador entre géneros. El timbre y el color original de la voz siempre está ahí. El alma de la voz es mucho menos tangible que los efectos o el modo en que esté grabada.
Por el contrario, ¿crees que la gracia del hyperpop es que no hay alma en la música, sino que es todo artificialidad, frialdad robótica? ¿Es esta más bien una idea prejuiciosa?
La «plasticosidad» del hyperpop es parte de su encanto, pero la emocionalidad puede venir igualmente gracias a las melodías de la voz, del beat y de las «lyrics», por lo que nunca voy a sentirlo un género frío. Dicen que los robots también pueden sentir, ¿no?
«Eurovisión es un festival de la canción, no de la voz»
¿Crees que el Autotune debería permitirse en concursos como Eurovisión?
Creo que Eurovisión es un festival de la canción, no de la voz, y si las canciones hoy en día usan mucho esta herramienta no veo por qué no podría permitirse. Creo que es cuestión de tiempo que se acepte, al igual que pasaron de orquestas en vivo a música en playback.
¿’Tracción’, tu propuesta para Benidorm Fest, lleva Autotune? ¿Será diferente la versión grabada del directo?
Sí tiene porque no quería que perdiese mi esencia, pero en directo la interpretaré sin él ya que la voz en realidad es power vocal y no necesita realmente mucho arreglo electrónico.
LiBianca es una artista estadounidense con orígenes en Bamenda, Camerún, que estos días firma la canción más viral en Spotify en el mundo. ‘People’ llegó a las plataformas el 8 de diciembre y, poco a poco, ha ido sumando escuchas hasta acercarse a los 9 millones de reproducciones.
Nacida hace 20 años, LiBianca no es exactamente una desconocida, pues ha concursado en The Voice, en la edición en la que ejerció de jurado Ariana Grande, quien apoyó a la joven promesa en el programa. Especialmente su versión de ‘Good Days’ de SZA convenció al panel de expertos.
LiBianca ha publicado varias versiones en las plataformas, de canciones como ‘everything i wanted‘ de Billie Eilish o ‘Woman‘ de Doja Cat. Sin embargo, también ha lanzado temas originales, como ‘Level’, ‘My Place’ o el viral que hoy nos ocupa.
El sonido de LiBianca se puede adscribir en el afrobeat, y tiene sentido que sea aasí, pues no solo sus padres proceden de Camerún, sino que la propia artista vivió en Bamenda desde los 4 a los 13 años. Después regresó a Estados Unidos. Pero, desde la primera escucha, queda claro que ‘People’ tiene un gancho especial.
Se trata de un corte de afrobeat relajado, en la línea de éxitos recientes tan masivos como ‘Calm Down‘ de Rema o ‘Essence’ de WizKid. LaBianca nos viene a contar que de puertas para afuera es feliz, pero que en realidad está deprimida, y el estribillo relata que lleva «cinco días seguidos bebiendo más alcohol de lo normal». A continuación, pregunta a sus allegados si han pensado en ella.
La conclusión de LiBianca no puede ser más «relatable»: «la gente realmente no te conoce». Sin embargo, cuando un coro entra en el segundo estribillo de ‘People’, la canción eleva el alma, y un rayo de luz emerge de repente en la grabación. Quizá la música puede ayudarnos a salir de esos momentos oscuros.
El de Everything but the Girl es uno de los grandes regresos que dejará 2023. El dúo formado por Tracey Thorn y Ben Watt publicará su primer disco en 24 años, y los detalles de este trabajo, el undécimo de su carrera tras ‘Temperamental’ (1999), ya se han filtrado a la red.
El disco se titulará ‘Fuse’, saldrá efectivamente en primavera, el día 21 de abril, y contará con 10 pistas, como se puede ver ya en las webs de varias tiendas de discos, entre ellas las de Fnac Francia, Amazon o la danesa iMusic.
Para ir calentando motores, Everything but the Girl ha estrenado el single ‘Nothing Left To Lose’, que curiosamente nos remite más al sonido acuñado en los últimos años por Moderat que al que ellos mismos patentaron en su era electrónica en ‘Walking Wounded’ (1996).
El vídeo coreografiado presenta a una pareja -y luego a un grupo- bailando en un discreto restaurante. Está en la línea estética de lo que hemos visto en bandas electrónicas recientes como JUNGLE o Rudimental.
En todo este tiempo, los integrantes de Everything but the Girl (que también son pareja) han perseguido sus propios proyectos y lanzado discos en solitario. El último de Thorn, ‘Record‘, vio la luz en 2018, y el de Watt, ‘Storm Damage’, en 2020.
Fuse:
01 Nothing Left To Lose
02 Run A Red Light
03 Caution To The Wind
04 When You Mess Up
05 Time And Time Again
06 No One Knows We’Re Dancing
07 Lost
08 Forever
09 Interior Space
10 Karaoke
Por si no os habéis dado cuenta, BTS no publican nueva música desde hace bastante tiempo. En concreto, dos años. Su último lanzamiento discográfico, ‘Proof’, es un recopilatorio. La banda de k-pop más popular anunció descanso indefinido el año pasado: sus integrantes quieren centrarse en sus proyectos individuales, encontrarse a sí mismos. También tienen que ir a la mili. Después de millones de singles, minidiscos, más minidiscos pero de sus componentes por separado, videoclips de alto presupuesto, colaboraciones (JungKook con Charlie Puth, SUGA con Halsey, etc.), giras… es momento de echar un paso atrás y coger un poco de aire.
Uno de los miembros de BTS que ya habían publicado música en solitario es el cantante y rapero Kim Nam-joon, conocido por el alias de RM. Además de aparecer en uno de los 57 remixes de ‘Old Town Road’ que existen, RM firmó en 2018 el EP ‘mono.’, en el que dejó claro su interés por los sonidos reconfortantes del R&B contemporáneo y el neo-soul. Interés que persiste en ‘Indigo’ y que viene respaldado por un buen puñado de colaboraciones: nada menos que 8 en un disco de 10 pistas y que dura apenas media hora.
La principal es la de Erykah Badu, reina madre del neo-soul, que ofrece el gancho melódico en la pista inicial ‘Yun’. Una composición cálida y agradable, dedicada al pintor Yun Hyong Keun, en la que RM da la espalda a las modas («a la mierda ser un trendsetter», rapea) en un intento por hallar la humanidad en su propia música. RM precisamente ha declarado que necesitaba crear música en solitario para encontrar su voz y madurar como artista, pues las estrictas reglas del mundo del k-pop se lo impedían.
Así, RM aprovecha la oportunidad de componer a solas para expresar sus inquietudes personales. En el house-pop de ‘All Day’ rapea que «mi biorritmo no me da tiempo para pensar», en el extraño interludio ‘Change pt. 2’ reflexiona sobre su propia madurez, observa su propia página de Wikipedia y expresa «a la mierda esto, no conozco a esta persona», y en el pop con guitarra de ‘Lonely’ canta sobre la soledad de las giras, cuando puede pasar semanas durmiendo en un hotel: «necesito que alguien me llame», canta desesperado.
El material de ‘Indigo’, aunque abordado con calidez, no rebosa personalidad precisamente. Es difícil que lo haga un disco que parece de colaboraciones aunque no lo es. Por lo menos, los artistas invitados tampoco dan migajas. Anderson .Paak hace un buen trabajo de apoyo en la digna ‘Still Life’, uno de esos temas de funk 70s por los que le conocemos, y el icono del rock surcoreano Youjeen, líder de cherryfilter, se queda básicamente el single principal del disco, ‘Wild Flower’, y brilla en el dramático estribillo.
No son las canciones de ‘Indigo’ las más imaginativas que se escucharán en el pop reciente. A veces no evitan sonar a cara b, como sucede con el pop formulaico de ‘Closer’, que une a Paul Blanco y a Mahalia en el contexto de una canción de desamor, o el olvidable synth-pop de ‘Hectic’. Sin embargo, RM convence en su faceta acústica: en la bonita ‘Forg_tful’, el artista intenta reconectar con su niño interior, sepultado por la fama masiva; y la final ‘no.2’ reconforta con su sonido jazz-pop y con la participación de parkjiyoon, otro icono del pop surcoreano que RM descubrirá a millones de fieles seguidores.
Matt Shultz, cantante de Cage the Elephant, uno de los grupos de rock más populares de la actualidad, ganador de dos premios Grammy, ha sido detenido por posesión de armas.
En la noche del jueves, un empleado del hotel Bowery, en Nueva York, vio a Schultz entrar en uno de los cuartos de baño del lugar cargado con una pistola y llamó al 911. Poco después, la policía acudió a su habitación, recuperó hasta dos pistolas cargadas y detuvo al músico, que pasó la noche en comisaría. Schultz no dispone de licencia de armas.
Cuando decimos que Cage the Elephant es una de las bandas de rock más populares del momento no es ninguna exageración: en Spotify cuentan con 11 millones de oyentes y sus canciones más escuchadas se sitúan en torno a los 400 millones de reproducciones. Sus discos ‘Tell Me I’m Pretty’ (2015) y ‘Social Cues’ (2019) han sido premiados con sendos premios Grammy a Mejor álbum de rock.
Cage the Elephant nació en 2006, y en 2009 logró su primer gran hit con ‘Ain’t No Rest for the Wicked’. En este momento, la banda se había mudado de Estados Unidos a Londres. Su disco de 2013 ‘Melophobia’ valió al grupo su primera nominación a los Grammy, e inició la buena racha comercial de la que goza de hoy en día.
Por su parte, Shultz nació hace 39 años en Kentucky y, antes de dedicarse profesionalmente a la música, trabajó como fontanero y después en un bar de bocadillos con su hermano Brad, con el que después formaría Cage the Elephant.
Julieta Venegas es otra de las artistas que han publicado disco en 2022. ‘Tu Historia‘ es un trabajo bien resuelto en el que conviven diversas influencias, desde el disco-pop de ‘Mismo amor’ (una de las mejores canciones del año) hasta el pop a lo The Cure de ‘En tu orilla’, pasando por composiciones más acústicas, más Violeta Parra, como la que hoy nos ocupa.
‘La Nostalgia’ ha sido uno de los sencillos extraídos de ‘Tu Historia’. Cuenta Venegas que es la primera que escribió del disco, «caminando por calles desiertas, sientiéndome muy lejos de mi familia y mi casa». Una canción que «empecé a tararear pensando en Tijuana, (pues) en ese momento me sentía lejos y con ganas de abrazar a mi familia». Añade que la pieza «fue creciendo y tomando vida propia», hasta convertirse en una preciosa ofrenda a la nostalgia, animada hacia el final por una brisa de cuerdas que recuerdan a las bandas sonoras de las películas de Hollywood de los años 50.
Venegas traslada su nostalgia a una composición preciosa, acongojante, que relata su recorrido por Tijuana con la sensibilidad poética que le caracteriza. Llena de melancolía, Venegas se descubre llorando por ese lugar que pensaba había dejado atrás, «entonando una vieja melodía» y observando «nuevos paisajes para adornar tu pena / esa que aparece de repente». Finalmente, se reconforta a sí misma: «Escondida en tu memoria, la nostalgia sigue ahí / vive en ti / déjala vivir, porque es parte de ti». El videoclip, con recuerdos vistos a través de una taza de té, se ha estrenado oficialmente en Facebook (la nostalgia), pero alguien lo ha subido a Youtube.
El estreno, un 9 de diciembre, de su película más grotesca, ha sido el particular «Feliz Navidad» de Carlos Vermut. El director underground por excelencia del cine español tras lo exhibido en ‘Diamond Flash‘, ‘Magical Girl‘ y ‘Quién te cantará‘ rehuye de toda fórmula mainstream en ‘Mantícora’, su cinta más arriesgada. Y mira que en una de las viejas, un personaje bromeaba sobre lanzar un bebé por una ventana.
El lado más oscuro de nosotros mismos, el límite de las fantasías sexuales, el trastorno de nuestra sociedad… continúan siendo los temas favoritos de Vermut. Aparentemente, su nueva pareja protagonista es totalmente normal. Pasea por el Retiro, visita el Museo del Prado, merodea la Filmoteca… Si acaso son algo alternativos: sus cuadros favoritos son las pinturas negras de Goya, salen por el Wurlitzer y el Café Berlín, bailan canciones de Joe Crepúsculo y Linda Mirada, toman latas de cerveza a las puertas de las discotecas al amanecer. Pero ahí, el director también está lanzando guiños empáticos a su público, el que suele ver sus películas. Por eso, el espectador abandona la sala tan abrumado. Porque, al final, ni de coña quiere ser como ellos.
La mantícora es una criatura mitológica con cabeza humana, cuerpo de león y una cola de escorpión venenosa con la que mata a sus presas. Su nombre es una de las muchas genialidades de una película rica en detalles que se captan en un segundo visionado, si es que a alguien le queda cuerpo para realizarlo.
Otra sería la distancia con unos personajes retratados con una sobriedad brutal. Julián (Nacho Sánchez está en la carrera del Goya al Mejor Actor) tiene solo una ceja y es diseñador de videojuegos. En concreto, de monstruos, claro. Al principio de la película, es un héroe que salva al hijo de su vecina de morir quemado. Después, ofrecerá otras caras.
Diana (Zoe Stein) es una chica con look de niño pequeño, que devanea entre las protagonistas indies de Jonás Trueba y las mujeres-roble de Pedro Almodóvar. Cuida de su padre enfermo, no trabaja, su sentido de la moral es complejo. Y ese es otro de los tantos que se anota ‘Mantícora’. En pleno debate sobre la cultura de la cancelación, el guión nos lleva al límite de lo que podemos tolerar ver en una gran pantalla (por algo se estrenó en Sitges), reflexionando también sobre el perdón y la compasión, en un montaje en el que tanto lo que vemos como la elipsis resultan igual de importantes. De manera significativa, Vermut sostiene un plano fijo sobre un personaje que no puede parar de llorar de espaldas a la cámara. Está llorando de espaldas a la sociedad, porque la sociedad será incapaz de comprenderlo.
Con la banda sonora de Damián Schwarz (y la maravillosa recuperación de Emerald Web), frases sencillas pero imprescindibles para entender la película («morir no es tan fácil», «nunca he hecho daño a nadie») y escenas singulares (no es tan habitual ver a alguien comerse un culo en el cine), ‘Mantícora’ es una película compleja que ni siquiera versa tanto sobre la salud mental, como sobre derribar tabúes. En las entrevistas promocionales, Vermut ha dicho que «si la gente hablase más de sus problemas, si mostrase más su oscuridad, habría un mundo mejor». Así que quizá sea un error afirmar que la película es incómoda. Simplemente es. Trata temas que existen en esta vida. El cine, los retrata.
La lista de 200 mejores cantantes de la historia por Rolling Stone, la versión actualizada de una lista que la revista publicó en 2008, ha dado más que hablar por sus ausencias que por los artistas sí incluidos. O deberíamos decir por una ausencia, la de Céline Dion, una de las grandes voces de todos los tiempos. Claro que la lista de Rolling Stone iba más allá de la técnica o el rango vocal.
En cualquier caso, la exclusión de Céline Dion de una clasificación en la que sí figuran Whitney Houston, Mariah Carey o Aretha Franklin, ha levantado muchas cejas. En otros casos ha levantado a otras personas de sus asientos para manifestarse delante de las oficinas de Rolling Stone. «Aparentemente es ASÍ de serio», escribe la revista en Instagram. ¡Pues claro!
Ha sucedido este viernes 6 de enero: un grupo de fans de Céline Dion que se hacen llamar los Red Heads han acudido a las inmediaciones de las oficinas de Rolling Stone para protestar la ausencia de la intérprete de ‘My Heart Will Go On’ de la polémica lista. Los fans de Céline se han presentado al lugar con pancartas en las que se podía leer frases como «¿cómo has podido olvidar a Céline?», «el poder de Céline», «he conducido toda la noche para estar aquí» (en referencia a su éxito ‘I Drove All Night’) o «Rolling Stone is stoned», es decir, «los de Rolling Stone están fumados».
Un periodista de Rolling Stone no ha dudado en bajar a la entrada de las oficinas para conversar con los fans de Céline y preguntarles cuál es su propósito. Ellos dicen que «queremos asegurarnos de que entendáis que os habéis olvidado de la mejor cantante del mundo», que la revista «ha cometido un gran error olvidándose de su nombre» y que esperan que Rolling Stone admita su error». ¿La respuesta de Rolling Stone? Que en la lista de 2008 Céline tampoco aparecía. «Somos de todo menos incoherentes».
Mientras, Céline no se ha pronunciado acerca de la polémica. Ella ha sido noticia recientemente por anunciar que padece una enfermedad neurológica rara que le provoca espasmos y le impide cantar adecuadamente. Dion ha pospuesto la gira de ‘Courage’ para concentrarse en mejorar su salud.
Jannis Noya Makrigiannis, fundador y líder de la banda danesa de chamber pop Choir of Young Believers, falleció el pasado mes de diciembre, ha confirmado el sello Ghostly International. El músico tenía 39 años y había pasado por un «breve periodo de enfermedad».
Con cuatro discos publicados, Choir of Young Believers eran estrellas en Dinamarca, donde habían conseguido varios singles de éxito. Entre esos discos se encuentran el aclamado debut de 2008 ‘This Is for the White in Your Eyes’, el que contiene su hit ‘Hollow Talk’, y también ‘Rhine Gold‘, publicado en 2012, con el grupo convertido en un pequeño «hype» en el circuito indie.
La banda de músicos de Choir of Young Believers ha sido cambiante, y Jannis siempre ha sido el pilar del grupo, su integrante inamovible, cantante y compositor, también en sus siguientes trabajos, ‘Grasque’ (2016) y el último, ‘Holy Smoke’, lanzado en 2022.
Jannis formó Choir of Young Believers en 2006, tras la disolución de su grupo previo Lake Placid, y en 2008 su debut obtuvo el premio a Artista revelación en los Danish Music Awards, entre seis nominaciones. En 2009, la actuación de Choir of Young Believers en el festival SXSW de Austin, Texas les llevó a ser fichados por el sello estadounidense Ghostly International, su primer espaldarazo internacional.
En un comunicado, Ghostly recuerda que Jannis tenía un «alma bondadosa» y que siempre «apreciaba que nuestro equipo le ayudara a compartir su arte con el mundo». Jannis «siempre puso el arte primero en su proceso» y culturalmente estaba «adelantado» a su tiempo.
«Miley Cyrus exige ser eliminada del próximo disco de Morrissey» no era el titular que esperábamos leer después de saber que la autora de ‘We Can’t Stop’ había colaborado con el ex vocalista de los Smiths en una canción de ‘Bonfire of Teenagers’, su nuevo álbum. Sin embargo, Morrissey confirmó hace unas semanas que Miley había pedido ser eliminada de ‘I Am Veronica’, la canción del disco en la que hace coros, y que había partido peras con Capitol, el sello que iba a publicar el largo originalmente.
Muchos corrieron a asumir que Miley había exigido ser eliminada del disco de Morrissey a causa de las opiniones políticas del británico, en concreto debido a su apoyo al partido de ultraderecha For Britain, conocido por su política anti-musulmana.
En una carta, Morrissey desmiente que Miley haya pedido bajarse de su disco por motivos políticos. El cantante explica que Cyrus ya conocía la historia de Morrissey cuando se reunió con él en estudio «hace dos años», y aclara que la retirada de Miley de su disco se debe a «motivos que no tienen que ver conmigo». En concreto, Miley «ha tenido una riña enorme con alguien del círculo», una pelea ocurrida «en privado» de la que Moz prefiere no dar detalles.
Cuenta Moz en la misiva: «Miley sabía todo sobre mí cuando llegó al estudio para cantar ‘I Am Veronica’ hace casi dos años; ella entró al estudio ya cantando la canción. Se ofreció voluntariamente. Yo no le pedí que se involucrara. Su profesionalidad fue asombrosa, su voz un placer para los oídos. Cada minuto que pasé con Miley fue agradable y divertido. Ella me preguntó si podría estar en el vídeo de ‘Veronica’. Me sentí muy honrado. Me dijo que las canciones de Morrissey suenan en su casa las 24 horas del día, y con frecuencia ha sido fotografiada llevando camisetas de Morrissey. Miley entró en mi mundo, yo no me aventuré en el suyo, y me sentí muy agradecido por que lo hiciera».
También en la carta, Morrissey asegura que existe una campaña para destruir su carrera tras su apoyo al partido For Britian, y niega categóricamente ser de ultraderecha: «Aunque la izquierda cambió y me abandonó hace años, no soy de ultraderecha en absoluto». El autor de ‘You are the Quarry’ dice ser «apolítico» y asegura que «nunca he votado por ningún partido político, nunca me he afiliado a un partido político, y nunca he ido a una manifestación: en el escenario político no existo». Eso sí, defiende: «no debemos aceptar una sociedad de cabras que se niega a reflejar la variedad de opiniones (que existen)». La carta completa, aquí.
A Rauw Alejandro le espera un 2023 movido, ya que en febrero inicia la gira mundial de ‘SATURNO‘, que pasará por España en verano y se alargará hasta el otoño. Las fechas españolas y europeas del ‘Saturno World Tour’ se desconocen por el momento.
La gira apoya el disco ‘SATURNO’, que cuenta con un repertorio potente, entre temas que han sido single (‘LOKERA’, ‘PUNTO 40’, ‘LEJOS DEL CIELO’) y otros que no pero podrían serlo (‘CORAZÓN DESPEINADO’, el sample de Susana Estrada de ‘MÁS DE UNA VEZ’). Un disco, además, pensado para ser escuchado de principio a fin, pues está hilado por interludios.
Entre los temas que SÍ se han extraído como sencillo de ‘SATURNO’ se encuentra ‘DE CAROLINA’. Uno de los puntos llamativos del álbum es su sonido 80s y electrónico, y ‘DE CAROLINA’ es representativo de su línea artística, al fijarse en un ritmo de dembow futurista que cuenta con la colaboración del mismísimo DJ Playero, leyenda del reggaetón.
‘DE CAROLINA’ es un homenaje al pasado de diferentes maneras. No solo incorpora la producción de Playero, sino que samplea un viejo tema de reggaetón incluido en la mixtape ‘Playero 38’, de 1994 (el tema se conoce popularmente como ‘La Gente Sabe…’ y forma parte de un medley). Además, en la letra, Rauleeto cita el caserío Torres de Sabana, icónico de Carolina, donde se celebraron fiestas de reggaetón legendarias.
El recuerdo del pasado es evidente en el videoclip de ‘DE CAROLINA’, que rememora la adolescencia de Rauleeto en Carolina, «desde los catorce en una esquina joseando». Alejandro no duda en rimar: «Somo’ rico’, antes éramo’ pobre’ / Ahora en España nos gritan «olé»». El sonido de ‘DE CAROLINA’ demuestra que Rauw solo mira al pasado para afrontar el futuro.
‘Only the Strong Survive’ ha sido uno de los discos más vendidos de la Navidad, especialmente en España, donde continúa rondando el top 10 en la semana de Reyes, después de haber sido top 2. Así de fiel es el público del Boss, encumbrando incluso lo que parecía un disco de versiones inocuo lanzado al mercado para hacer un poco de caja.
La verdad es que el lanzamiento tiene sus atractivos. Bruce Springsteen recopila aquí 15 de sus canciones de soul favoritas, representando tan solo el 2º álbum de versiones ajenas de toda su discografía. Y la buena noticia es que ha habido un trabajo de documentación y algo de hondura, pues el artista ha renunciado a ponerse a entonar los grandes clásicos del género. No hay en su carrera humor suficiente para una versión de ‘I’m Every Woman’, pero solo la Navidad habría podido camuflar la caspa que hubiera supuesto escuchar sus aproximaciones a obviedades como «The Dock of the Bay» o ‘I Say a Little Prayer’.
El disco contiene algunas adaptaciones de artistas conocidos, pero rara vez de sus mayores hits. ‘Don’t Play That Song’ no ha sobrevivido como una de las canciones más famosas de Aretha Franklin o Ben E. King -y eso que la original es preciosa- ni tampoco ‘When She Was My Girl’ fue la más popular de Four Tops. Entre las excepciones, el gran hit de Walker Brothers ‘The Sun Ain’t Gonna Shine Anymore’, que excusamos porque es uno de los grandes aciertos del disco; o la ochentera ‘Nightshift’ de Commodores, que tuvo el placer de convivir en las listas de lo mejor de 1985 con ‘Dancing in the Dark’ del propio Springsteen.
Pero la gracia del álbum es descubrir temas perdidos como ‘Soul Days’ de Dobie Gray, a figuras como Jerry Butler -que aparece hasta 2 veces homenajeado-, a William Bell -que también- o canciones tan sublimes como ‘Do I Love You’ de Frank Wilson. Escuchar a Bruce Springsteen hacer temas de la Motown editados en 1965 es una gozada. El artista les insufla otro tipo de energía, su conocida dosis de producción llenaestadios particular, lo cual es un avance si recordamos que su anterior disco de versiones fue ‘We Shall Overcome: The Seeger Sessions‘ (2006). El típico disco de country que imaginas a los académicos de los Grammy votando de manera holgazana desde una triste butaca.
Después, es cierto que se habría agradecido algo más de pasión por parte del productor Ron Aniello y el ingeniero Rob Lebret, aquí en modo piloto automático y poco osado. Las canciones van sucediéndose sin susto pero también sin demasiada garra. Hacia el final de la secuencia ‘7 Rooms of Gloom’ -tampoco el mayor hit de Four Tops- vuelve a hacer todo arder, pero ‘What Becomes of the Brokenhearted’ ya reincide en ese sabor a fin de disco que llevaba tiempo asomando, cuando aún queda una versión más de las Supremes. Un buen álbum, si bien demasiado apegado a sus fechas de edición.
RAYE es oficialmente número 1 en Reino Unido con ‘Escapism.‘, su single con 070 Shake, que ha ido escalando posiciones durante la Navidad, haciendo frente a las canciones navideñas. Es el primer número 1 en las islas tanto para RAYE como para 070 Shake. En Estados Unidos se prevé que el tema se cuele dentro del top 50 la semana que viene.
RAYE evidentemente no es la primera artista que llega al número 1 de las listas desde la independencia (ahí están Macklemore, Chance the Rapper o en España Rigoberta Bandini) pero su caso es inaudito, pues no es habitual que un artista consiga el mayor éxito de su carrera inmediatamente después de partir peras con una multinacional y hacerse independiente, como ha sido su caso.
En 2021, RAYE acusaba a Polydor de tener su disco secuestrado. La artista llevaba siete años fichada en el sello (desde 2014) y había obtenido varios singles de éxito, pero seguía sin poder publicar un álbum. ‘Escapism.’ ha cambiado el rumbo de su carrera.
Como de costumbre, Official Charts UK ha entregado a RAYE su galardón por el número de ‘Escapism.’, y esta lo ha recogido entre lágrimas. Por otro lado, RAYE ha compartido recientemente el tracklist de su álbum ‘My 21st Century Blues’, que sale el 3 de febrero.
Introduction.
Oscar Winning Tears.
Hard Out Here.
Black Mascara.
Escapism. (feat. 070 Shake)
Mary Jane.
The Thrill is Gone.
Ice Cream Man.
Flip a Switch.
Body Dysmorphia.
Environmental Anxiety.
Five Star Hotels. (feat. Mahalia)
Worth It.
Buss It Down.
Fin.
Low ha perdido recientemente a su vocalista, Mimi Parker. El integrante que representa ahora al dúo, su viudo Alan Sparhawk, ha abierto estos días un interesante debate en Twitter en torno a la propiedad de derechos de sus primeros discos, que no pertenece a Low sino a Universal. Sparhawk, que ya no puede llevar Low de gira, depende de las ventas de sus discos para que el proyecto sobreviva, pero cuenta que Universal se niega a devolver los derechos.
La discusión se ha originado después que una persona pidiera a Sparhawk que reedite ‘I Could Live in Hope‘, el debut de Low de 1994, pues es un álbum «de una belleza asombrosa». El disco salió de manera independiente pero ha terminado en los cajones de Universal debido a uno de esos complejos procesos de aglutinamiento que llevan a cabo las discográficas.
Así pues, Sparhawk no puede reeditar ‘I Could Live in Hope’ y acusa a Universal de licenciarlo a discográficas que fabrican reediciones «de mierda» (se refiere a Plain Recordings, conocida por la mala calidad de dichas reediciones, como explica Elena Cabrera en El Diario). Reediciones por las que Low nunca ha sido compensado, pese a ser autor de la música.
«Universal no nos devuelve los derechos a pesar que ya se lo hemos pedido», ha declarado Alan. Vernon Yard Recordings, el sello que publicó originalmente ‘I Could Live in Hope’, les entregó un «adelanto (económico) minúsculo» en el momento del lanzamiento del disco. “Hicimos tres discos y (un EP) con ellos que no nos quieren devolver después de que hayan pasado más de 25 años», continúa. «Siguen dando licencias a compañías de mierda para hacer reediciones y nosotros no vemos nada. Mientras tanto, ya no podemos tocar más en directo y las giras eran nuestra única fuente de ingresos”.
En Twitter, Alan ha pedido a los fans que etiqueten a Universal en sus tuits con la esperanza de que el gigante discográfico pueda ver el revuelo causado y considere devolverle los derechos de sus primeros discos. Entre quienes han apoyado la misión de Low se encuentra Tim Burgess de los Charlatans: «las ganancias de Universal en 2021 fueron de 10 mil millones de dólares. No parece una situación justa cuando Low ya no pueden salir de gira y la música grabada es su única fuente de ingresos», ha explicado.
Gold Panda es otro de esos artistas que han vuelto después de mucho tiempo. Fue en 2016 cuando se publicó su último disco, y ha sido en noviembre de 2022 cuando ha salido el siguiente. ‘The Work’ se titula así por el «trabajo» que le ha tomado a Derwin Dicker terminarlo, pero también por todo el trabajo personal que ha hecho en los últimos años de su vida, en los que se ha enfrentado a una depresión, a la vez que ha sido padre primerizo.
La música del autor de ‘Lucky Shiner‘ siempre ha tenido un punto precioso y reconfortante, y vuelve a ser el caso de ‘The Work’. ‘Swimmer’ es una pequeña joya de electrónica glitch cálida y envolvente (de hecho la tenía guardada en la lista de «canciones que me gustan» de Spotify sin saber de quién era) y ‘The Dream’, ya en la pista 2, avanza la dirección principal del álbum, la del lo-fi hip-hop.
El lo-fi hip-hop es uno de los subgéneros musicales más populares de Youtube por su sonido cálido y relajante. Millones de personas lo utilizan para estudiar o simplemente para poner de fondo. Curiosamente, la música de Gold Panda ha inspirado a raperos, que han usado sus beats en Soundcloud, por lo que tiene sentido que él explore este estilo a su manera.
Lo hace por ejemplo en ‘The Corner’, una de las claras pistas destacadas por el bonito uso que hace de un sample de ‘Lydia’ de Dean Friedman, que vuelve a recordar a los Avalanches. La mencionada ‘The Dream’ es otra producción mimada en ese estilo, y ‘Chrome’ llama la atención porque incorpora la pegadiza melodía de lo que parece un arpa, en medio de la bruma electrónica.
La paleta de sonidos de ‘The Work’ incorpora pianos fragmentados, electrónica glitch, beats de lo-fi hip-hop, texturas de vinilo… y lo hace con un cuidado máximo en el detalle. El disco derrapa hacia el house-funk en ‘I’ve Felt Better (Than I Do Now)’, otro corte destacado, y aunque puede dejar momentos anodinos en sus episodios más «chill», como ‘Arima’, también ofrece otros tan intrigantes como ‘Plastic Future’, en el que es un bonito álbum de electrónica tranquila que vale la pena descubrir.
Nuestra playlist de novedades de cada viernes ha superado recientemente los 6.000 suscritos, resultando una de las imprescindibles del pop de nuestro país para conocer cada semana las mejores novedades de música pop, indie, electropop, rock, underground, reggaeton, etcétera. En el día de Reyes son varios los artistas que se atreven a publicar disco largo. Es el caso de Iggy Pop, que estrena ‘EVERY LOSER’, y de RuPaul, que entrega ‘Black Butta’. La banda de punk-rock de Pensilvania Anti-Flag también lanza disco.
Se empieza a animar la industria con un puñado de lanzamientos importantes, como el nuevo single de Lola Indigo y Luis Fonsi, o el regreso de Popcaan de la mano de nada menos que Drake. NewJeans, la banda de k-pop del momento, abre la playlist con ‘OMG’, otro éxito inminente.
Son varios los artistas que siguen avanzando sus próximos lanzamientos discográficos. Es el caso de Shania Twain, que entrega ‘Giddy Up!’, otro single exclamado, y también de The Hold Steady. Más llamativo es el ejemplo de Peter Gabriel, que publica el primer single de un disco del que lleva hablando 20 años.
Entre los temas a destacar hay que mencionar el nuevo de The Lemon Twigs, la Canción Del Día de hoy; la colaboración de Gryffin y Tinashe, el electropop de Raissa, la colaboración de Skrillex y PinkPantheress, el remix de Stormzy y FLO, la versión japonesa de ‘Yamaguchi‘ de Amaia…
The Lemon Twigs, el dúo de rock formado por los hermanos Brian y Michael D’Addario, siempre han sido conocidos por el sonido vintage de su música, con guiños al rock psicodélico y al glam de los 60 y 70. La romántica ‘Corner Of My Eye’, su primera canción desde el lanzamiento de ‘Songs for the General Public’ en 2020, no es una excepción: podría haber salido en 1963 (por decir un año) perfectamente. El tema presentaba ‘Everything Harmony’, que va a ser nuestro Disco de la Semana.
Todo de ‘Corner Of My Eye’, más que a un artista específico, recuerda a una época musical concreta: los instrumentos, las voces, la dulce melodía y hasta la propia estructura de la canción te hace pensar instantáneamente en los tiempos de The Association, los Everly Brothers o incluso Simon & Garfunkel. Es como una cápsula del tiempo creada hace 60 años que se ha abierto ahora por primera vez, en 2023.
La letra, al igual que la gran mayoría de los temas a los que recuerda, gira en torno a un enamoramiento y está escrita de una forma que cae entre lo profundo y lo cursi: «Cuando te tengo en el rincón de mi ojo / Todos mis momentos son iguales sea día o noche / Te he visto dos veces antes / Ahora quiero verte más».
El videoclip que acompaña el single está ambientado en un cementerio, en formato 4:3 y con un filtro acorde a las posibilidades visuales de la época que emulan. En cuanto a los hermanos D’Addario, para parecer de otro tiempo solo tienen que ser ellos mismos.
Una demanda por abuso sexual presentada por la modelo Ashley Morgan Smithline contra Marilyn Manson ha sido desestimada por un tribunal de California. La decisión llega después de que Smithline no consiguiese encontrar nueva representación legal cuando su abogado se retiró del caso el pasado octubre. Este ha sido desechado sin perjuicio, por lo que Smithline puede retomar el caso posteriormente si encuentra un nuevo representante.
Las acusaciones de Smithline no son las únicas a las que se ha enfrentado Manson en los últimos tiempos, de nombre real Brian Warner. El músico de 54 años también es actualmente objeto de otra demanda similar por parte de la actriz Esmé Bianco, mientras que el pasado mayo se desestimó otro caso, presentado por la ex asistente del cantante, por abuso sexual y acoso. En 2021, una de las exnovias de Manson le acusó de violación e intento de homicidio, pero la demanda fue también desestimada por caer fuera del estatuto de restricciones del estado de California.
En unas declaraciones a Pitchfork, el abogado de Manson ha agradecido a Smithline su retirada del caso «sin buscar o recibir nada a cambio» y ha señalado a los que «están intentando perseguir sus propias agendas contra el señor Warner».
Estas cuatro acciones legales contra Manson llegaban tras las declaraciones de la actriz Evan Rachel Wood, que aseguraba a principios de 2021 que este la empezó a acosar «cuando era una adolescente y abusó horriblemente de mí durante años», llegando a afirmar que fue «manipulada hasta la sumisión». Rachel Wood profundizó en este tema en el documental ‘Phoenix Rising’. Actualmente, Manson está demandando a Wood por difamación.
Miley Cyrus acaba de anunciar la fecha de salida de su próximo álbum, titulado ‘Endless Summer Vacation’, descrito como «una carta de amor a Los Ángeles». Recientemente descubríamos que el primer single del décimo disco de Miley Cyrus, ‘Flowers’, saldrá el próximo 13 de enero y ahora ya podemos confirmar que el álbum al que pertenece estará disponible el 10 de marzo, tal y como ha anunciado la cantante en redes.
Sobre el tracklist y las posibles colaboraciones, todavía no hay ninguna confirmación oficial. Lo que sí hay es un misterioso comentario (con un emoji) de Kylie Minogue en el post de Miley, que podría indicar su presencia en el disco, aunque esto son, de momento, conjeturas.
Por otro lado, sí se ha confirmado la presencia de Kid Harpoon, Greg Kurstin, Tyler Johnson y Mike WiLL Made-It en la producción del álbum. La artista de ‘Plastic Hearts’ ya trabajó con este último en el single ’23’, junto a Wiz Khalifa y Juicy J. Miley también ha publicado en su canal de YouTube el tráiler oficial del disco, para disfrutarlo a tamaño completo.
En este mismo adelanto, la voz en off de Miley nos habla sobre «palmeras», «criaturas brillantes», «anguilas eléctricas» y sobre «bailar hasta que no quede nada», acorde a la estética veraniega que nos presenta la nueva era de la artista. En la página web oficial de la artista, esta también ha puesto a disposición de los fans la preventa de vinilos con tres colores diferentes: negro, plata y rojo.
Theophilus London ha sido hallado con vida y está «sano y salvo» y reunido con su familia, ha confirmado su primo Mikhail en Instagram. Este ha escrito: «Realmente aprecio el apoyo que habéis brindado todos para encontrar a mi primo. Es refrescante y gratificante contar un sistema de apoyo de familia y amigos tan fuerte. Dios os bendiga a todos».
La familia de London denunció su desaparición hace una semana, alertando que no había tenido contacto con él desde el mes de julio, exactamente el mismo tiempo que London llevaba sin subir contenido en sus redes sociales. Después se supo que varias personas le vieron en octubre, en el barrio de Skid Row, en Los Ángeles, y que desde entonces no se sabía nada de él.
El artista, de 35 años, ha publicado tres álbumes, entre ellos el notable ‘Vibes!‘, en el que Kanye West ejerció de productor ejecutivo, y ha colaborado con otros artistas como Kevin Parker de Tame Impala o Azealia Banks. Es conocido también por su trabajo como modelo. El último trabajo discográfico de London, ‘BABEY’, vio la luz en el año 2020.
The Sun informa que Madonna se encuentra preparando una gira mundial para 2023 y que ya ha reservado varias fechas en el O2 Arena de Londres. Madonna no ha confirmado esta información, por lo que es imprudente darle toda credibilidad. Sin embargo, la información de The Sun es solo una de varias que han ido emergiendo en los últimos tiempos y que apuntan a la confirmación definitiva.
En primer lugar hay que recordar que la propia Madonna ha declarado que quiere salir de gira. «¡Estoy harta de vivir en el pasado! Quiero volver a salir de gira, soy una criatura del escenario. Ese es mi lugar feliz» eran exactamente sus declaraciones realizadas hace meses.
Madonna lleva los últimos años de su carrera efectivamente sumida en el pasado, pues entre el remix de ‘Frozen’, el remix de ‘Material Girl’, el remix de ‘Hung Up’, de hecho los remixes recopilados en el disco ‘Finally Enough Love’, la preparación de su biopic y la viralización de la maqueta más impensada, filtrada en 2015, la cantante no ha tenido demasiado tiempo que dedicar al futuro.
Y aún ha encontrado hueco para hacer exactamente eso mismo: en octubre, el medio uruguayo El Observador informó que Madonna ha reservado una fecha en Estadio Centenario en noviembre de 2023. «El calendario 2023 de la Comisión Administradora del Field Oficial (Cafo) del Estadio Centenario tiene una reserva fuera de lo común: el nombre de Madonna figura en la lista para el año que viene», contaba la noticia. «Según confirmó Ricardo Lombardo, presidente ejecutivo de Cafo a El Observador, la productora AM reservó el principal escenario montevideano para el mes de noviembre de 2023».
A la credibilidad del rumor ha contribuido recientemente la propia Madonna, que en las últimas semanas se ha reunido con Jamie King, la persona que ejerce de director creativo de sus conciertos desde 2001. Con él se ha dejado ver la cantante en un «taller» y en las fotos publicadas en redes por la propia autora de ‘Jump’ se ve más o menos claramente (Madonna tapa algunas partes con rayas negras) que ambos están preparando una estrategia de concierto.
Antes, fue otra persona la que aparentemente se fue de la lengua y confirmó la veracidad de la gira de Madonna. Se trata de la coreógrafa Kaelynn Harris. En un stories, Harris aseguró que había sido contratada para ejercer de coreógrafa de la «gira de Madonna». Entre las seguidoras de Harris en Instagram se encuentra Chanel, pero no la Reina del Pop.
Según The Sun, la gira de Madonna celebrará el 40 aniversario de su carrera y repasará sus grandes éxitos porque la cantante quiere descubrírselos a las nuevas generaciones. Es decir, si Madonna prepara el lanzamiento de un nuevo disco, por primera vez en su carrera la gira correspondiente no se centrará en el contenido de ese disco. ¿Cuestión de tiempo que se anuncie por fin?
