Nacho Cano presentaba ayer en IFEMA su musical, basado en la historia de amor entre La Malinche y Hernán Cortés durante la conquista de América, que se estrenará el próximo 15 de septiembre y que no tendrá entre su elenco a Chanel, como bien se sabe. Cano recalcó que ‘Malinche’ «no es un proyecto fácil por el tema del que se trata», el cual es ni más ni menos que el “nacimiento del mestizaje”.
El exmiembro de Mecano ha sido hoy trending topic en Twitter debido a unas declaraciones realizadas durante la presentación de su musical en las que se veía envuelta la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso. En dichas declaraciones, que algunos han calificado como «incongruentes», Cano agradecía a Ayuso que mantuviese abiertos los teatros durante la pandemia: «Yo no tengo ninguna significación política por nadie, pero quiero agradecer también a la presidenta de la Comunidad de Madrid que mantuvo abiertos los teatros». Al final de estas declaraciones, Cano hacía un breve apunte: «Quiero deciros que Madrid está que se sale».
El artista dice sentirse «atacado» debido a su relación con el Gobierno de Madrid, pero también reconoce tener experiencia en la materia: “A nadie le gusta que se le dispare pero yo llevo 42 años dedicándome a esto profesionalmente y, quizá, es que me pone cachondo que me ataquen”. Acto seguido, Cano intentó justificar su relación con la presidenta madrileña: “Yo apoyé a Isabel Díaz Ayuso porque ella y Marta Rivera de la Cruz mantuvieron los teatros abiertos en la pandemia, un acto muy valiente que no ocurrió ni en Estados Unidos ni en Australia, y gracias a eso pudimos seguir pagando a la gente.»
En otra serie de preguntas, centradas entorno a si ‘Malinche’ cubre las consecuencias políticas de la relación entre Hernán Cortés y La Malinche, Cano respondió que «la labor de los artistas es hacer belleza de lo peor» y que para ellos «todos son buenos y la historia ha juzgado malamente a unos y a otros». Pese a todo, Nacho Cano parece estar bastante acostumbrado a las críticas, las cuales él mismo sabe que va a recibir: «Vamos a recibir críticas porque es un tema que genera opinión, como probablemente las recibió ‘Jesucristo Superstar’ o ‘Evita’ pero lo importante es que la gente lo vea porque pasaron cosas ahí que han marcado el mundo tal y como es».
Nacho Cano: “Quiero agradecer a la presidenta de la Comunidad de Madrid @IdiazAyuso que mantuviera abiertos los teatros. Sin eso los inversores no hubieran seguido pagando los sueldos. Es una verdad aunque a algunos les moleste”.
Quedan menos horas para el lanzamiento de ‘MOTOMAMI Deluxe’ y poco a poco se van sabiendo más detalles sobre el proyecto. Esta tarde se ha dado a conocer la portada del disco, muy similar a la del ‘MOTOMAMI’ original, pero reemplazando el fondo blanco por uno rojo y con el casco motero de Rosalía mostrando un «+» pintado en el cristal. Además, se ha confirmado la tracklist, que incluirá siete canciones nuevas sin contar ‘DESPECHÁ’: ‘Thank Yu :)’, ‘CANDY – Remix’, ‘LA FAMA – Live en el Palau Sant Jordi’, ‘AISLAMIENTO’, ‘LA KILIÉ’, ‘LAX’ y ‘CHIRI’.
Con estos cambios, el ‘MOTOMAMI’ de Rosalía pasa de tener 16 temas a 24. Las mayores sorpresas son ‘Thank Yu :)’ y ‘LA KILIÉ’, para las cuales tendremos que esperar al lanzamiento del álbum si queremos descubrir cómo suenan. Por otro lado, ‘AISLAMIENTO’, ‘LAX’ y ‘CHIRI'(también conocida como ‘DINERO Y LIBERTAD’) han sonado en todos los conciertos de la gira MOTOMAMI, y por fin recibirán un lanzamiento oficial.
Tracklist:
1. SAOKO
2. CANDY
3. LA FAMA (ft. The Weeknd)
4. BULERÍAS
5. CHICKEN TERIYAKI
6. HENTAI
7. BIZCOCHITO
8. G3 N15
9. MOTOMAMI
10. DIABLO
11. DELIRIO DE GRANDEZA
12. CUUUUuuuuuute
13. COMO UN G
14. Abcdefg
15. LA COMBI VERSACE (ft. Tokischa)
16. Thank Yu :)
17. DESPECHÁ
18. CANDY – Remix (ft. Chencho Corleone)
19. LA FAMA – Live en el Palau Sant Jordi
20. AISLAMIENTO
21. LA KILIÉ
22. LAX
23. CHIRI
24. SAKURA
La vergüenza de ser uno mismo, el miedo a recibir y aceptar el amor de los demás, el corazón que se marchita por la soledad, la tristeza disimulada con una sonrisa de oreja a oreja fingida que, en realidad, duele como un puñal… Muchos hemos pasado nuestra vida interpretando un papel que nos alejaba cada vez más de quiénes somos en realidad. Oliver Sim, cantante y bajista de The xx, ha escrito sobre estas experiencias en su primer disco en solitario. Y él avisa: los sentimientos que antes tanto le atormentaban no se han ido necesariamente para siempre. Su residuo sigue estando ahí. Pero, por fin, se siente más libre para abrirse en canal y contarnos su historia.
‘Hideous‘ abre el álbum desde la oscuridad. Oliver se esconde, no sale de casa, se mira en el espejo y ve a un monstruo. Vive en un ostracismo autoimpuesto porque se odia a sí mismo. Pero entonces llega la luz representada por las esplendorosas cuerdas sampleadas de ‘Your Sweet Love’ de Lee Hazlewood y, sobre todo, por la aparición angelical de Jimmy Somerville. Con una voz capaz de abrir los cielos, el cantante de Bronski Beat aparece en escena para emitir ese consejo que Oliver siempre quiso escuchar: «Escucha tu propia voz, abre tu corazón al amor de los demás». Es entonces cuando Oliver revela que vive con VIH desde los 17 años. Pero aquello que le hacía esconderse, por fin le libera. Musicalmente, la canción representa este viaje de manera preciosa y escalofriante, dándonos una de las grandes obras maestras de 2022.
La épica emocional de ‘Hideous’ no vuelve a repetirse en la totalidad de este trabajo producido con Jamie xx que explora lugares más distantes emocionalmente, pero no por ello menos interesantes a nivel musical. A Oliver le han inspirado tanto las películas de terror que veía de adolescente, como ‘El silencio de los corderos’ o ‘American Psycho’, como las armonías de los grupos corales de los años 50, y la producción de ‘Hideous Bastard’ logra sonar tan colorida y caleidoscópica como cruda. La mano de Jamie xx se nota, por ejemplo, en el principio de ‘Run the Credits’, pero la aridez de álbum nunca la encontraríamos en uno de The xx o de Jamie en solitario. ‘Hideous Bastard’ representa esa roca a la que Oliver llama corazón y que, pronto a pronto, se va abriendo a las emociones, al amor.
‘Romance with a Memory‘ da buena cuenta de lo diferente que es ‘Hideous Bastard’ de su tema inicial. Aquí es donde se expone de verdad la paleta sonora del disco: es una producción árida, medio funky y juguetona, que explora ese momento en que te enamoras de la idea de una persona porque tu autoestima lo necesita. «Solo quería sentirme guapo», canta el hombre más guapo del pop actual. Las voces monstruosas representan ese equilibrio entre terror y humor del que Oliver ha hablado en las entrevistas y las volvemos a encontrar en ‘Confident Man’, una producción que apela a lo espiritual mediante un riego de sonoridades chamánicas que, sin embargo, convence menos a nivel compositivo.
‘Hideous Bastard’ es un álbum que sumerge al oyente en su propio mundo sonoro. ‘Sensitive Child’, una de las pistas destacadas, alterna un estribillo hipnótico y tribal, cantado a coro, con guitarras surferas, un beat de trip-hop y otros detalles que crean espacio y recovecos dentro de la grabación, y todo parece sonar dentro de una cueva. Termina abruptamente porque Oliver quería mantener su frescura, al ser una de las canciones del disco que más rápido escribió. La mano mágica de Jamie xx se nota también en la producción de la preciosa ‘GMT’, una canción clásica sobre echar de menos a alguien que, curiosamente, es superada por el remix del susodicho.
Mientras el peso emocional de ‘Hideous’ persiste en ‘Hideous Bastard’, al disco hacia la mitad le cuesta mantener el ritmo. ‘Unreliable Narrator’ podría ser esencial en el álbum dado que nos habla sobre la idea de performar una autotencidad fingida, pero su atmósfera de indietrónica se esfuma en dos minutos que pasan desapercibidos. Y ‘Saccharine’ podría ser el segundo ‘Hideous’ del álbum, al reflexionar sobre esa incapacidad de aceptar el amor de los demás que tanto atormenta a la comunidad LGBT. Oliver encierra su corazón con llave, pero también lo hace en una canción que no se compromete emocionalmente y que resulta demasiado distante.
‘Hideous Bastard’ remonta hacia le final con ‘Fruit’, el segundo single, dotado de un estribillo cantado como sin aliento que resulta extrañamente adictivo, y en el que Oliver recuerda aquella época en que se sentía demasiado femenino para integrarse en una sociedad «llena de rocas». Con menciones a los ojos de su padre y a la sonrisa de su madre, es una composición tan tierna como emotiva. ‘Run the Credits’, la pista final, cierra entre más referencias al terror, pero no pasa de simpática. Así, a Oliver le queda un debut lleno de momentos emotivos y episodios interesantes a nivel de producción. Sin embargo, es la revelación de ‘Hideous’ (en su totalidad) la que seguimos recordando cuando el disco ha terminado.
Hace tres años, una discusión de pareja dejó a medio mundo con el corazón en un puño: la pelea de diez minutos entre Adam Driver y Scarlett Johansson en ‘Historia de un matrimonio’.
Esta memorable bronca se ha ganado un lugar al lado de clásicos del enfado matrimonial como el de Elizabeth Taylor y Richard Burton escupiendo bilis y alientazo a alcohol en ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, Julianne Moore pegándole gritos a Matthew Modine con la castaña al aire en ‘Vidas cruzadas’ o Al Pacino aplicando “métodos mafiosos” en su discusión con Diane Keaton en ‘El padrino II’.
Kendrick Lamar (caracterizado con uniforme proletario) y la actriz Taylour Paige (conocida por ‘Zola’ o ‘La madre del blues’) han hecho su particular contribución a la tradición de las riñas domésticas en la pantalla. En ‘We Cry Together’ tienen una pelotera mañanera más áspera y cruda que una pelea de gallos clandestina. Cinco minutos de agresiones verbales filmados en un único plano secuencia, con unos desplazamientos de cámara suaves y fluidos que contrastan con la violencia de la situación (lo fácil hubiera sido utilizar la cámara en mano con movimientos rápidos e inestables).
Insultos, reproches, alusiones a Trump, Harvey Weinstein, al cantante R. Kelly… Marrullería dialéctica que se podría leer también en clave de batalla hip hopera (hay momentos en que los dos rapean levemente), y que finaliza con una reconciliación tan seca y áspera como la propia pelea. El videoclip termina con la cámara alejándose discretamente de la pareja hasta desvelar toda la tramoya de la escena, como si fuera un episodio de la serie ‘Los ensayos’.
Ava Max sigue su propio camino. Su recuperación del sonido eurodance de finales de los 90 y principios de los 2000, así como del pop de los 2010 en un momento en que parecía demasiado temprano para reivindicar a Katy Perry y a Lady Gaga, la han convertido en una especie de pionera. Desde su debut con ‘Sweet but Psycho’ no ha dejado de acumular hits y, para colmo, su debut ‘Heaven & Hell‘ era mucho más disfrutable y entretenido de lo que nadie podría haber imaginado.
El siguiente paso de Ava será publicar un nuevo álbum, ‘Diamonds & Dancefloors‘, que verá la luz el 27 de enero de 2023. Esta vez, sin embargo, la música convence un poco menos. El primer single, ‘Maybe You’re the Problem’, era otro reducto de ‘Blinding Lights’, y el segundo, ‘Million Dollar Baby’, sigue la misma fórmula de basarse en una «interpolación» de manera descarada.
‘Million Dollar Baby’ se basa en la melodía de ‘Can’t Fight the Moonlight’, el éxito de 2003 de LeAnn Rimes que cerraba la película ‘Coyote Ugly’. Sobre el papel, la idea debería funcionar: la melodía es pegadiza, familiar, pero no es exactamente la misma que la de Rimes, sino que muestra una variación; la base eurodance vuelve a ser tan machacona como esperas, y Ava no deja de colar sus ya habituales «ma ma ma ma» inspiradísimos en los tartamudeos de la primera Lady Gaga.
Sin embargo, ‘Million Dollar Baby’ resulta un pastiche extraño. Una canción con apariencia de «bop» pero que, por culpa de sus diferentes elementos extraídos de otros lugares, crea cierta repulsión. Quizás sea intencionado. Quizá no. Está claro que ‘Million Dollar Baby’ no es una mala canción en absoluto, pero probablemente convenza más si no habías escuchado ‘Can’t Fight the Moonlight’ ya unos cuantos millones de veces durante tu infancia o pre-adolescencia.
Por supuesto, ‘Million Dollar Baby’ no es ni la primera, ni la segunda, ni la tercera vez que Ava Max fusila una melodía ajena debidamente acreditada o disimulada en una canción. ‘My Head & My Heart’, su éxito de 2020, se basaba en la melodía de ‘Around the World (La La La La La)’ de ATC, y ‘Torn’ reproducía las cuerdas de ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ de ABBA sin necesidad de licenciar un sample. Puede que, en ‘Million Dollar Baby’, la fórmula se esté agotando un poco, pues con la canción no está pasando gran cosa…
King Gizzard & the Lizard Wizard ha superado incluso sus proyecciones más ambiciosas y ha anunciado el próximo lanzamiento de TRES nuevos discos de estudio, que se irán publicando a lo largo del mes de octubre a través de su sello KGLW.
Abrirá la veda ‘Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava’, que saldrá el 7 de octubre y, aparentemente, llegará con temática fungal, como el próximo disco de Björk. En la línea de King Gizzard, las iniciales del título IDPLMAL hacen referencia a cada uno de los siete modos musicales clásicos.
A continuación, el 12 de octubre, verá la luz ‘Laminated Denim’ el 12 de octubre. Este álbum se compondrá de dos pistas de 15 minutos de duración cada una. Su título es un anagrama de la frase «Made in Timeland».
Finalmente, el 28 de octubre llegará ‘Changes’, su quinto disco del año. Un trabajo gestado a lo largo de los últimos cinco años en el que «cada canción se basa en una progresión de acordes y presenta una especie de variación sobre un concepto».
Para ir abriendo boca, el grupo con el mejor nombre de nuestro tiempo ha compartido el vídeo de una de las canciones del primer álbum del triunvirato, titulado ‘Ice V’. Se trata de una «jam» rock de 10 minutos marca de la casa.
Uno no puede ser un punk todo el día, ver solo cine independiente e ir únicamente al Madrid Popfest y al Canela Party. Ese es el gran puntazo del disco que el dúo Malamute, formado por Diego Jiménez e Irene Gutiérrez, ha publicado este año. Que el álbum es punk-pop pero viene presentado por un hit certero que decide llamarse ‘La Oreja de Van Gogh’, según sus propias palabras «porque ‘El Viaje de Copperpot‘ es el mejor disco del pop español».
En este corte se declaran punks, pero también reclaman su derecho a regodearse en una canción triste en un momento de debilidad. Dicen por un lado que «les gustan las canciones de quemar contenedores», y por otro: «pero a veces me apetece meterme en la cama, y ponerme el pijama, y escuchar canciones tristes y olvidarme de que existes y llorar y llorar y llorar y al día siguiente mejorar». Por si no ha quedado lo suficientemente claro, explican: «por muy punki que seas, hay días que solo te apetece encerrarte en tu habitación y hacerte un maratón de películas y canciones moñas».
Se presentaba el álbum como una cosa «para cantar enfadado, pero que en realidad fuera muy catártico» y lo cierto es que lo consigue. Con cierto apego por la tradición Elefant, de TCR a Cola Jet Set y de Cola Jet Set a Cariño, y también por la tradición Spicnic, pues a Los Vegetales recuerdan en ‘Tu signo del zodíaco’, Malamute apuestan por las guitarras punk, los tempos calmados y el uso predominante de los teclados. ‘Pesadillas’ y ‘Monopolio de la tristeza’ serían sendos ejemplos. Está tan claro que «te gustará si te gustan Los Punsetes» que Ariadna aparece en ‘Una casa en el Sardinero’.
Esta canción es un anhelo de un hogar mejor («tengo que salir de aquí, mi vida es un desastre, es un sin vivir»), lo cual casa con la temática de un largo titulado ‘Una gran decepción’. El álbum acaba con el tema así llamado, hablando de «angustia existencial» y de una generación que no tiene «ganas de hacer nada». «No sé qué hacer con mi vida (…) Me paso el día aquí tumbada y llevo así 2 o 3 semanas», indica de manera cristalina.
Son las canciones de Malamute tan directas y concretas que el interés que despertarán en ti es directamente proporcional a lo que te identifiquen sus historias. Algo que pasa con todos los discos pero más con los autores de ‘Sólo confío en mi perro’, aquella canción que recordarás mucho más si de hecho tienes perro. Así, personalmente me parecen particularmente un hallazgo ‘Almas gemelas’, la decepción de que compartir gustos con un gilipollas no hará a ese gilipollas menos gilipollas; y ‘Absolutamente nada’, un intento de recuperar la autoestima dirigida a tu yo pasado: «Antes no eras tan idiota, tan idiota / Y no rendías pleitesía / a gente a la que no le importas». Lo mismo me tatúo esto.
Actuación que terminaba, momento en el que se recordaba a todos los asistentes del Coca Cola Music Experience de Madrid cuál era el plato fuerte de la noche. Desde su triunfo en Eurovisión con ‘ZITTI E BUONI’ en 2021, Måneskin han tendido puentes entre generaciones y conquistado tanto a los más ‘old-heads’ como a los más jóvenes con su moderna visión del rock ‘n’ roll de los años 70.
Damiano (voz), Victoria (bajo), Ethan (batería) y Thomas (guitarra) dieron un eléctrico concierto que fue capaz de borrar todas las dudas respecto a la autenticidad rocanrolera de esta banda italiana. Los hits como ‘Beggin», ‘SUPERMODEL’ o ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ fueron despachados rápidamente, por lo que se quitaron de encima las expectativas desde el primer minuto y se centraron completamente en pasarlo bien. Demostraron su gran habilidad a la hora de realizar versiones con una chulesca cover de ‘La camisa negra’ de Juanes, otra de ‘Womanizer’ que puso a todo el recinto a cantar aquello de «boy don’t try to front, I-I» y otra más, la hermana espiritual de ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’, la clásica ‘I Wanna Be Your Dog’ de los Stooges.
El sábado pasado, JENESAISPOP tuvo la oportunidad de entrevistar a una de las bandas más grandes del momento pocas horas antes de su show. Tal y como afirma Damiano en dicha entrevista, respecto a la polémica en los VMAs, «nosotros simplemente hicimos una actuación normal, no hicimos nada diferente de lo que hacemos en nuestros propios conciertos». El público del Coca Cola Music fue testigo de cómo se cumplía la palabra del italiano cuando Victoria se quitó una pezonera en mitad del concierto. Esta vez, sin censura que valga.
Lo primero que me llamó la atención al ver a Måneskin fue la vestimenta protesta de Damiano y Victoria. Ambos con camisetas cortadas a la misma altura por encima de los pezones, pero solo una persona con pezoneras. Adivinad quién. Lo segundo en lo que me fijé fue en la actitud del frontman en las entrevistas, pendiente siempre de las preguntas pero con la cabeza puesta en lo que estaba ocurriendo en el escenario del festival. Prueba de ello eran sus manos, imitando el ritmo de la canción que estuviese sonando en ese momento.
Al contrario de lo que pueda parecer, me encontré un grupo de personas carismáticas, enrolladas y muy profesionales en sus respuestas, siempre con las ideas muy claras. Su paso por Eurovisión seguramente tenga mucho que ver en esto último. Damiano y Victoria llevan la voz cantante, repartiéndose las respuestas a partes iguales. Ethan y Thomas, en cambio, deciden adoptar un papel más secundario, pero siempre presente. Hablamos con Måneskin sobre su imprevisto éxito, la censura en los VMAs y los artistas a los que admiran.
Ha pasado mucho tiempo desde la era dorada del rock ‘n’ roll, ¿por qué creéis que tenéis tanto éxito siendo una banda tan influenciada por el rock clásico y el rock de los 70?
Victoria: «Creo que la gente suele disfrutar cuando algo es un poco diferente de la norma. Hace años que no tenemos nuevas bandas de rock o grupos que toquen instrumentos analógicos y la gente lo aprecia porque lo ven como algo diferente, especialmente en Eurovisión, donde hay sobre todo actuaciones de pop. Ver a cuatro personas en el escenario tocando instrumentos reales no es nada nuevo para la gente mayor, pero para la gente joven es algo que nunca han visto porque últimamente no hay muchas bandas jóvenes».
¿Parecía que después de vuestro éxito aparecerían más bandas de rock, pero, de momento, es solo Måneskin no?
V: «Esperamos que otras bandas puedan llegar a donde estamos. Eso puede cambiar».
¿Tenéis algún rasgo distintivo o algo especial que deis a la gente?
Damiano: «Somos guapos, somos muy guapos, estamos en buena forma… (Vic se ríe de fondo). No… No sé, creo que nosotros somos la clave, desde cierto de punto de vista, porque es algo que faltaba en el mercado musical. Nosotros llenamos un hueco vacío, pero creemos que es más grande que nosotros y esperamos que muchos otros grupos lleguen incluso más lejos que nosotros».
¿Queréis comenzar una moda, o una ola?
D: «Sí, no es nuestro objetivo principal, pero esperamos que sí, aunque realmente no hay nada que podamos hacer aparte de ser nosotros».
¿Os consideráis una banda retro?
D: «Tenemos algunas vibras e influencias retro, pero creo que funciona porque suena moderno».
Ver a cuatro personas en el escenario tocando instrumentos reales no es nada nuevo para la gente mayor, pero para la gente joven es algo que nunca han visto
¿Planeáis probar sonidos nuevos?
V: «Por supuesto, estamos experimentando constantemente. Como músicos, somos muy jóvenes y tenemos que estudiar mucho más, así que cada vez que experimentamos con nuevos pedales, nuevos sonidos y nuevas maneras de escribir música crecemos y nos mantiene interesados».
¿De qué manera soléis escribir música?
V: «No tenemos una manera, cambiamos muy a menudo. Depende mucho. Si uno de nosotros tiene una idea, la seguimos. A veces empezamos por la letra o por una melodía vocal. Otras veces puede ser un riff de bajo, de guitarra o un ritmo de batería. Realmente cambia todas las veces».
¿Podéis contarnos algo sobre vuestro próximo disco?
D: «Va a salir, seguro. Eso ya es algo (Victoria se ríe de fondo). Tenemos nueva música y planeamos sacarla pronto, así que no tienes que escribir mucho (se ríen)».
Cambiando de tema, ¿por qué censuraron vuestra actuación en los VMAs?
D: «Los pezones de Vic son demasiado buenos (de fondo Victoria, mientras se ríe: “Demasiado sexy para la televisión”). Los míos estaban OK, aceptables… No eran tan sexys, pero en cuanto salió una teta no pudieron soportarlo, fue demasiado para el tío de la cámara. En resumen, demasiado buenos».
¿Qué pensáis sobre el hecho de que los pezones femeninos estén prohibidos en televisión, al contrario que los pezones y el culo de un hombre?
D: «Es una genialidad, por supuesto (bromea). No, es muy estúpido».
V: «Hoy en día hay muchísima diferencia entre los cuerpos de las mujeres y los de los hombres y en la forma en la que son percibidos y sexualizados de diferentes maneras. Es estúpido porque todo el mundo nace de esta manera, no es algo que elijas. No debería haber ninguna diferencia ni ninguna construcción que limitara que las mujeres sean tan libres como los hombres. Cuando lo hace una chica es visto como algo que intenta crear drama o atención, mientras que cuando lo hace un chico es completamente normal y nadie se lo pregunta, y es muy estúpido».
D: «Intentamos ir contra ellos, pero perdimos, de momento. Lo volveremos a intentar (se ríe)».
¿Creéis que esta polémica es buena para la banda?
(Todos a la vez niegan que sea bueno) D: «No creo que sea polémica. Nosotros simplemente hicimos una actuación normal, no hicimos nada diferente de lo que hacemos en nuestros propios conciertos. Así que, el problema es suyo. Por supuesto, no fue a propósito, no estaba previsto que su vestido se cayese, pero creo que podrían haberlo manejado mejor. No queremos crear discusión, sabemos que es lo que es, pero intentaremos cambiarlo».
¿Algún artista contemporáneo al que admiréis?
V: «Para mí, Arctic Monkeys».
D: «Creo que Rosalía, no en la música porque es muy diferente, pero en la valentía que tiene, en cómo crea música y su estética. Creo que es muy creativa y valiente».
Thomas: «Yo diría Fontaines D.C.»
Ethan: «Para mí Jack White».
¿Cuál es vuestra canción favorita de Måneskin?
V: «Para mí, ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’. Depende, porque ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ creo que es perfecta, pero para tocar me encanta ‘FOR YOUR LOVE’.
D: «La próxima que saquemos (con una sonrisilla)».
T: «Para mí también ‘FOR YOUR LOVE'».
E: «‘ZITTI E BUONI’, porque es en italiano, pero es internacional».
¿Qué discos estáis escuchando más ahora? Ya sea para inspiración o por diversión.
V: «Llevo como un año obsesionada con ‘Ultra Mono’ de Idles».
D: «No recuerdo el título, lo siento… Este chaval… Este chaval de aquí… (repitiendo lo que dice Tony Aguilar de fondo, que está en el escenario presentando el festival). ‘La Cantera’».
¿De Guitarricadelafuente? Eso no me lo esperaba.
D: «Sí (risas), es inesperado».
T: «Yo también estoy obsesionado con ‘Songs for the Deaf’, un disco de Queens of the Stone Age».
E: «Lo diré porque estamos en España, ‘Entre dos aguas’ de Paco de Lucía».
Phoenix han detallado su nuevo disco, ‘Alpha Zulu’, que saldrá a la venta el 4 de noviembre. Su primer disco en 5 años abrirá con el single titular, compartido hace semanas, y cerrará con ‘Identical’, que se conoce desde 2020. Phoenix ha producido el álbum en un estudio montado en el Museo de las Artes Decorativas de París, situado en el interior del Louvre.
El nuevo single de ‘Alpha Zulu’ se llama ‘Tonight’, ya puede escucharse y llega con la particularidad de contar con un artista invitado por primera vez en la carrera de Phoenix. Ese no es otro que Ezra Koenig, vocalista de Vampire Weekend.
El tema, en la línea más animada y popi de Phoenix, llega acompañado de un videoclip rodado entre París y Tokio, que muestra a Phoenix y a Koenig en pantallas separadas, cada uno en una ciudad, viviendo su vida, o grabando en el estudio.
Phoenix cuenta que grabó ‘Alpha Zulu’ prácticamente en los primeros 10 días de sesión, porque «no podíamos dejar de producir música», y que en parte está inspirado en la muerte de su amigo y colaborador Philippe Zdar, integrante de Cassius, que falleció en 2019. Cuenta que, durante la grabación del álbum, «tuvimos momentos en que sentíamos sus ideas».
El último álbum de Phoenix, ‘Ti amo‘, salió en 2017, incluyendo singles como ‘J-boy’ o el titular ‘Ti amo’.
Chef’Special harán su primera gira de salas por España en el próximo mes de octubre tras haber visitado ya festivales españoles como SanSan o Río Babel. Harán dos conciertos especiales en Valencia y Barcelona, pero pararán también en Madrid y Bilbao, donde harán showcases. En el caso de Madrid lo harán avalados por la iniciativa Dutch Music Export del gobierno holandés junto a los artistas CUT_ y Yin Yin. Así queda la agenda de Chef’Special en España. La sala de Bilbao se anunciará próximamente:
25 de octubre, Café Berlín, Madrid
27 de octubre, (próximamente), Bilbao
28 de octubre, Sala Moon, Valencia
29 de octubre, La Nau, Barcelona
Chef’Special es una banda de pop formada por cinco integrantes de los Países Bajos que practica una mezcla de hip-hop, rock, reggae y pop. Desde su formación en 2008, la banda ha lanzado cuatro álbumes y ha realizado numerosas giras por Europa y Estados Unidos. Sus canciones más populares, como ‘Afraid of the Dark’, ‘In Your Arms’, ‘Nicotine’ o ‘Birds’, dan buena cuenta de su sonido alegre y optimista.
En la primavera de 2020, Chef’Special editó su último álbum de estudio, ‘Unfold’. Este es el sucesor de su álbum ‘Amigo’, certificado como platino en los Países Bajos. En septiembre de 2021, los holandeses participaron en el single de La Pegatina, ‘Down for Love’.
CanelaParty, el festival indie de Torremolinos que se caracteriza no solo por su interesante cartel que reúne tanto talento nacional como internacional, sino también porque organiza un concurso de disfraces, por lo que mucha de la asistencia acude, de hecho, disfrazada, ha agotado la mitad de los abonos que ha lanzado para su edición de 2023, que se celebra los días 23, 24, 25 y 26 de agosto. De los cinco tramos de abonos lanzados, tan solo quedan dos y medio.
«Ni en nuestros mejores sueños podíamos esperar una respuesta como ésta y ya habéis agotado más de la mitad de los abonos disponibles en apenas unas horas», ha escrito el festival en un comunicado. «Y es que no exageramos cuando decimos que tenemos el mejor público del mundo. Así que no podemos más que deciros: ¡gracias, gracias y mil veces gracias! Estamos a punto de agotar el tercer tramo de abonos y tan solo quedarían disponibles los dos últimos, así que no os durmáis o corréis el riesgo de quedaros sin vuestro pasaporte al próximo gran pitote».
El festival, que anunciará nuevas confirmaciones en los próximos días, recuerda su política de límite de aforo: «Mantenemos nuestro compromiso por conservar un aforo con un máximo de 5.000 abonos + 500 entradas cada día, para un óptimo disfrute de todos y que estamos estudiando todas las propuestas recibidas para que, en 2023, el #CanelaParty sea mejor, si cabe».
CanelaParty ha agotado la mitad de los abonos sin haber revelado el cartel de 2023 al completo. Solo ha compartido un adelanto. En él conviven artistas tan dispares como Biznaga o The Notwist, Mujeres o Les Savy Fav, además de grupos tan queridos en el underground como Karate o revelaciones como Shame, nominados al Mercury Prize. Para que os hagáis una idea de la variedad de CanelaParty, en la programación están confirmados el cantautor de blues Nick Waterhouse, y también el grupo de punk Pantocrator. En la página de Instagram de CanelaParty podéis consultar el cartel al completo.
Convertido en todo un fenómeno del underground nacional, CanelaParty ya agotó la totalidad de sus entradas en 2022 gracias a su concepto lleno de humor y, sobre todo, a una cartelera exquisita que reunió en Torremolinos a artistas igualmente interesantes y dispares. Entre los confirmados se encontraban Battles, Sleaford Mods, Carolina Durante, Deerhoof, Califato 3/4, TORRES, Baiuca, Los Estanques, Preoccupations, Lysistrata o Tiburona.
Hace poco más de un año, Chromatics anunciaron su separación definitiva, sin que su malogrado álbum ‘Dear Tommy’ pudiera jamás ver la luz. Ruth Radelet, su carismática vocalista, pieza clave de la formación tanto como Johnny Jewel, emprendía su carrera en solitario unos meses después, con el lanzamiento de un single llamado ‘Crimes’ cuyo destino desconocíamos.
Hoy por fin sabemos que ‘Crimes’ formará parte del primer EP de Radelet, que lleva por título ‘The Other Side’ y verá la luz el próximo 7 de octubre, exactamente dentro de un mes. En palabras de Radelet, ‘The Other Side’ «representa una faceta de mi personalidad como artista que la mayoría de la gente todavía no ha visto. También representa mi salida de una experiencia traumática, donde reúno todo lo que puedo del «antes» para averiguar cómo existir en el «después».
Radelet cuenta que ‘The Other Side’ se forjó «en el fuego de un periodo transformador de dos años en el que lo perdí prácticamente todo, incluido a mi padre. Muchas de las canciones las escribí antes de encontrarme atrapada en una tormenta de grandes cambios, y las terminé poco después que la vida empezó a saberme dulce otra vez». Radelet explica que, aunque ‘The Other Side’ es un proyecto «melancólico», necesitaba sacarlo para caminar hacia un futuro más «luminoso y esperanzador».
‘The Other Side’ se compondrá de 5 pistas, la segunda de las cuales ve la luz también hoy. Se trata de ‘Stranger’, una melancólica «torch song» que remite al sonido de Beach House o incluso al del primer disco de la fallecida Julee Cruise… lo cual a nadie extrañará pues Chromatics llegaron a aparecer tal cual en un episodio del «reboot» de ‘Twin Peaks’. Radelet explica que ‘Stranger’ habla de la soledad que ha sentido viviendo en Los Ángeles, una ciudad que ha sentido más como espectadora que como habitante.
Gus Dapperton, autor de los discos ‘Where Ponny People Go to Read‘ (2019) y ‘Orca‘ (2020), y de hits como ‘Prune, You Talk Funny’, ‘Moodna, Once with Grace’ o ‘Post Humorous’, visita esta semana España dentro del marco de su gira europea. El 9 de septiembre actúa en la sala 2 de Apolo de Barcelona, y el 11 de septiembre lo hace en la sala Cool de Madrid. Las entradas siguen a la venta.
Artista invitado, también, en el macrohit ‘Supalonely’ de BENEE, Dapperton es uno de los cantantes más queridos asociados al bedroom-pop desde su debut en 2016, y también uno de los más reconocibles gracias a su peinado tipo corte de tazón. Hoy suma casi 2 millones de oyentes en Spotify y, estos días, ha dado un paso adelante en su carrera fichando por Warner. Su primera referencia con la multinacional es una versión de ‘Landslide’ de Fleetwood Mac.
Si ‘Landslide’ ya era una de tantas melodías maravillosas de Fleetwood Mac, Gus la pasa por un filtro más dream-pop y ambiental, sustituyendo las guitarras acústicas de la grabación original por un atmosférico arreglo de sintetizador que nos lleva -aunque sea vagamente- a los créditos de inicio de ‘Twin Peaks’. Poco después emerge en la grabación un piano, reforzando el componente melancólico de la pieza.
La música de Gus Dapperton incorpora influencias del pop, el rock’n’roll de los 70 y la new wave de los 80 y transmite una personalidad reposada, evidente en el tono de su voz, mientras sus letras pueden versar sobre rupturas sentimentales o sobre la frustración sexual.
A falta de noticias sobre un nuevo álbum de estudio de Dapperton, el cantante estadounidense ha publicado más novedades este 2022. En concreto, ha aparecido como artista invitado en ‘Meteorite’, el nuevo single de Anna of the North.
Esta temporada, cada miércoles volvemos a plantear una nueva Sesión de Control al pop español o en castellano. Se trata de la playlist en la que recopilamos las novedades que se publican en nuestro país pero suelen quedar al margen de las grandes playlists de Spotify. Hoy comenzamos con el regreso de Cabiria, que estrena un nuevo single llamado ‘Una costumbre ancestral’ que se define como «un viaje por la música de baile de los años 70». Además, se reedita su disco ‘Ciudad de las dos lunas‘ y se anuncian sus fechas para Girando por Salas.
Otra novedad de hoy mismo es la de Nico B. El artista zaragozano estrenará su primer EP junto a su paisano Cosme Pelotillo el próximo 21 de octubre y tras el avance de ‘Nenúfares’ hoy estrena ‘Joven’. Este mismo miércoles Pshycotic Beats estrena el tercer sencillo de su inminente disco, un ‘It’s About Time’ que va acelerando desde el synth-pop hasta casi el trance. Aunque para acelerada la producción mákina hyper pop de Parkineos, ‘Rington3’.
Nada que ver con el synth-pop de vangoura, que estrenan la pegadiza ‘chino cada martes’, de corte más comercialote para bien. Esta semana compartimos varios temas de R&B, entre ellos el de Kimberly Tell, un tema del EP de Gin, el modernete de moren o el dúo de TAURO con Rakky Ripper, estos dos últimos más influidos por James Blake.
Entre los habituales de JENESAISPOP o de esta sección que han estrenado tema recientemente tenemos el tema housero de Chico Blanco con Simona, el curioso dúo de la revelación GOMZ con Alice Wonder, el de Evripidis and his Tragedies con Elsa de Alfonso o la canción uptempo de Pau Vallvé.
Pipiolas han sacado EP en Elefant y compartimos el tema en Spanglish ‘Un poco triste’. Hablando de indie de la vieja escuela, ‘Mírame’ de Ortopedia Técnica está cantada desde el típico ataúd post-punk. Y La URSS siguen recordando a la Edad de Oro del Pop Español -sobre todo a su sección más industrial- en ‘Euroorden’. Completamos la playlist con la versión de Lorenzo Soria (Califato 3/4) con Sebastián Orellana, editada por Mushroom Pillow, y el tema de urban de La Xinni.
Lewis Capaldi, cantante escocés que arrasaba hace unos años con el baladón ‘Someone You Loved’, y también con su debut superventas ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent‘, el álbum más vendido de 2019 en Reino Unido, ha revelado que padece el síndrome de Tourette, una afección del sistema nervioso que provoca tics motores o fónicos incontrolables a las personas que lo padecen.
En Instagram Live, Capaldi ha explicado que ha decidido hacer público su diagnóstico «para que la gente no se piense que me meto cocaína», y ha contado que, antes de conocer el resultado, pensaba que sufría «algún tipo de enfermedad degenerativa horrorosa». Capaldi sufre contracciones nerviosas en los hombros «cuando estoy excitado, contento, nervioso o estresado» y se encuentra realizando un tratamiento con inyecciones de botox para detener los tics.
Capaldi no es la única estrella del pop que padece el síndrome de Tourette. Billie Eilish ha hablado abiertamente sobre su diagnóstico en numerosas ocasiones, recientemente en el programa de David Letterman. Eilish convive con el síndrome de Tourette desde que era niña.
Las declaraciones de Capaldi llegan en la misma semana en que el cantante va a publicar su primer single en 3 años. ‘Forget Me’ sale este viernes y el escocés ha compartido un breve adelanto en Youtube. Parece que será otra de sus baladas desgarradas. Hay que decir que, desde que el debut de Capaldi arrasó en listas en 2019, el artista no ha vuelto a publicar disco.
Parecía que los recopilatorios eran cosa del pasado en la era de las playlists pero nada más lejos de la realidad. Las colecciones de éxitos o antologías están a la orden del día. Nicki Minaj acaba de publicar su primera colección de singles, Franz Ferdinand te los acaban de «tirar a la cabeza» y Madonna ha reunido sus remixes favoritos en otro volumen. Todo esto mientras Rihanna todavía no ha publicado el suyo, pese a que su retahíla de hitazos es histórica. Hasta Noel Gallagher ha editado uno antes que ella.
Garbage son los últimos en pedirse un trozo del pastel de los recopilatorios y ‘Anthology’, que reúne 35 de sus singles y mejores «album tracks», verá la luz el 28 de octubre. La colección abarca los siete álbumes de estudio de Garbage pero no incluye temas nuevos, aunque sí uno raro llamado ‘Witness to Your Love’, que Garbage escribió para un recopilatorio solidario en 2008. Un año antes, la banda escocesa había publicado su primer «greatest hits», el excelente ‘Absolute Garbage‘.
‘Anthology’ llegará al mercado en formato doble CD y también en formato de doble vinilo de color amarillo. De ‘No Gods No Masters‘, el último álbum de Garbage, incluirá ‘The Men Who Rule The World’ y ‘No Gods No Masters’, pero no ‘Wolves’.
CD1
1. Vow
2. Subhuman
3. Only Happy When It Rains
4. Queer
5. Stupid Girl
6. Milk
7. #1 Crush
8. Push It
9. I Think I’m Paranoid
10. Special
11. When I Grow Up
12. The Trick Is To Keep Breathing
13. You Look So Fine (Single Version)
14. The World Is Not Enough
15. Androgyny
16. Cherry Lips (Go Baby Go!)
17. Breaking Up the Girl
18. Shut Your Mouth
CD2
1. Why Do You Love Me
2. Bleed Like Me
3. Sex Is Not The Enemy
4. Run Baby Run
5. Tell Me Where It Hurts
6. Witness To Your Love
7. Blood For Poppies
8. Battle In Me
9. Automatic Systematic Habit
10. Big Bright World
11. Control
12. Empty
13. Magnetized
14. Even Though Our Love Is Doomed
15. No Horses
16. The Men Who Rule The World
17. No Gods No Masters
Justin Bieber ha vuelto a cancelar su gira ‘Justice’ por problemas de salud. Si hace unos meses, el pasado junio, comentaba que debido a una parálisis facial no podía continuar con las presentaciones de su álbum, los mismos problemas de salud han vuelto a sacudirle.
La dolencia que padece Justin Bieber es el síndrome de Ramsay Hunt. Así lo explica de nuevo: “A principios de año, hice pública mi batalla con el síndrome de Ramsay Hunt, por el que mi cara se ve parcialmente paralizada. Como resultado de esta enfermedad, no pude completar mi gira norteamericana presentando ‘Justice’”.
Continúa: “Después de descansar y consultar con mis médicos, mi familia y mi equipo, fui a Europa en lo que era un esfuerzo por continuar con el tour. He hecho 6 conciertos, pero me ha conllevado un gran peaje. Este fin de semana, he tocado en Rock In Rio y di todo lo que tengo a la gente de Brasil. Después de salir del escenario, el cansancio me pudo y me he dado cuenta de que tengo que hacer que mi salud sea la prioridad ahora mismo. Así que voy a tomarme un descanso de hacer giras por el momento. Estaré bien, pero necesito tiempo para descansar y recuperarme”.
Justin Bieber ha podido hacer 42 conciertos en total, casi todos en Estados Unidos. La gira tenía que continuar ahora por Latinoamérica, Sudáfrica, Asia y Australia a lo largo de todo el otoño y volvía a Europa en enero, febrero y marzo. La nota de Justin Bieber no especifica cuándo se retomará el tour, pero desde su promotora en España Doctor Music nos aclaran que las fechas canceladas son las sudamericanas y que la gira europea de 2023 se mantiene en pie.
Las fechas españolas, anunciadas hace casi un año, son el 23 de enero en Madrid y el 25 de enero en Barcelona. Por el momento se mantienen según su promotora, aunque el comunicado de Justin Bieber no lo especifica.
El primer single en solitario de Kali Uchis tras su excelente segundo álbum ‘Sin Miedo (del Amor y otros Demonios)’ –un trabajo que dos años después sigue creciendo a cada escucha- supone un pequeño giro en su carrera hasta ahora.
Pese a que su comienzo, donde la voz de la colombiana resalta sobre una sutil capa de sintetizadores, puede recordarnos a sus anteriores producciones, pronto deriva a un pre-estribillo marcado por contagiosos beats house. Y por esa senda continúa a lo largo de sus dos minutos. Cuenta, además, con producción de El Guincho y Jam City, entre otros.
Es la primera vez que Kali apuesta tan directamente por la pista de baile, y le sienta fenomenal. La canción es una modesta y breve composición que lo tiene todo para triunfar: es divertida, pegadiza y deja con ganas de más. En ella, la cantante hace una oda al amor libre, fluyendo con naturalidad entre inglés y español, donde defiende que nadie tiene que entender lo que ella siente por su interés romántico, porque como bien dice, “Yo sé lo que siento cuando me das un beso”. Le pese a quien le pese. Y si alguien tiene algo que criticar, que digan lo que quieran, que ella solo oye “lararirararo” –una simple melodía que le sirve como estribillo y que funciona sorprendentemente bien.
Pero lo más destacado, por supuesto, es su siempre carismática interpretación vocal, enunciando cada palabra con la sensualidad y desparpajo marca de la casa, haciendo de ‘No Hay Ley’ un tema sexy e irresistible.
Björk ha estrenado ‘Atopos’, el primer single de su nuevo disco, ‘Fossora‘, en la radio británica. La islandesa había descrito que ‘Atopos’ es una «buena introducción» al álbum, un «pasaporte» a ese mundo mágico y de «setas» que ha construido. Contiene un arreglo de seis clarinetes y un beat profundo que «perfora y cava el suelo y nos anida en él».
La misma Björk ha introducido ‘Atopos’ en el programa de Mary Anne Hobbs y ha dicho que es su «canción gabber con seis clarinetes bajos». Efectivamente, ‘Atopos’ hace especial hincapié en la base rítmica, pasando de un beat agresivo que asemeja claramente el del reggaetón, a una locura final de beats desbocados más propia del gabber. Tejido a la grabación suena un arreglo de vientos aparentemente disonantes que recuerdan a los de ‘The Anchor Song’ o ‘Utopia‘. En la letra, la cantante pide conexión con su amante para «alcanzar el amor» en lugar de «implosionar hacia la destrucción».
El título ‘Atopos’ procede del griego y hace referencia a una persona «atípica», inusual. También da nombre a un tipo de babosa terrestre carnívora. Sin embargo, Björk ha explicado que ‘Atopos’ es simplemente una canción de amor, en la que se pregunta a sí misma cuestiones sobre la otra persona.
‘Fossora’, el décimo álbum de Björk, verá la luz el próximo 30 de septiembre, y ha contado con la colaboración del dúo de electrónica indonesio Gabber Modus Operandi, formado por Kasimyn e Ican Harem. El gabber -un estilo de tecno duro nacido en Holanda- estará muy presente en el disco, como ha contado la misma Björk. ‘Fossora’ será el último protagonista en el podcast ‘Sonic Symbolism’ de Björk, en el que la islandesa repasa toda su discografía, y cuyos primeros tres episodios ya están disponible en plataformas.
Estos días, la promoción del ‘Fossora’ se ha visto brevemente ensombrecida por una acusación de abuso sexual dirigida a uno de los integrantes del dúo, Ican Harem. El grupo ha confirmado la veracidad de la acusación y emprendido medidas para reparar el daño causado a la víctima.
Metáforas sexuales y Barbies. No es que el realizador Joseph Kahn se haya roto mucho la cabeza a la hora de elaborar conceptualmente el nuevo videoclip de Nicki Minaj. El sexo y el universo plastificado de Barbie son parte indisociable de la estética (Barbie Harajuku) y las canciones (‘Barbie Tingz’, ‘Barbie Dreams’, ‘Black Barbies’…) de la rapera trinitense, como sus pelucas o sus uñas. En ‘Super Freaky Girl’ insiste con estos dos motivos visuales.
La estética del vídeo es una mezcla entre casa de muñecas y set porno, algo así como si Mattel hubiera abierto una cadena de sex shops. A partir de esa tensión semántica se articula todo el clip.
Barbie y Ken (el rubio Alexander Ludwig, conocido por la serie ‘Vikingos’) viven en un barrio residencial. Ella se pasea por las calles provocando todo tipo de reacciones lúbricas entre sus vecinos. Él se pasea en su deportivo rosa atropellando peatones como en el mítico Carmageddon. Ella y él retozan en la intimidad de su cocina y hacen “ardientes” barbacoas.
La canción samplea el ‘Super Freak’ de Rick James, y algo de su estética ochentera parece trasladarse también a la caligrafía visual del videoclip: el formato cuadrado, el juego con la textura de la imagen imitando el “tracking” de una cinta de vídeo, los gráficos de videojuego de la época o esa “Barbie rockera” que aparece en su caja, emulando lo que ya hizo Minaj hace 15 años en la imagen de su mixtape ‘Playtime is Over’.
En un par de semanas, Festival Brillante celebra su 2ª edición en Chapinería en la sierra oeste de Madrid. Sin embargo, la venta de entradas no ha alcanzado las previsiones de la organización, por lo que se ha optado por una idea alternativa: hacer que el festival sea gratuito hasta completar aforo. Es la única opción de que el festival pueda seguir adelante. Así lo explican en una nota de prensa:
«La previsión de venta de entradas no ha sido todo lo optimista que nos hubiera gustado y hemos tenido que modificar algunos aspectos del festival para que pueda seguir adelante. Suspender no es una opción para nosotros y gracias al apoyo de artistas, vecinos de Chapinería, de nuestros patrocinadores (Mahou, Jägermeister y El Bandarra) y, sobre todo, la experiencia vivida el año pasado y la confianza que demostró nuestro público, todo el que quiera podrá asistir al festival».
¿Qué pasará con los usuarios que ya habían comprado su entrada? Se podrá solicitar la devolución a través de WeGow hasta el 13 de septiembre a las 23.59 horas, o, si quieres apoyar el proyecto, se podrá canjear el importe de la misma por tickets de bebida y un pack gratuito de merchandising del festival que se podrá recoger en el punto de información que estará ubicado en Chapinería.
La mala noticia es que el cartel pasa a aglutinarse en 2 días, sábado y domingo, quedando la jornada del viernes cancelada. De esta manera, se cae del cartel La Casa Azul. El sábado sí actuarán Amaia, Airbag, Alondra Bentley, Eterna Joventut, Fermi, Flavia Marsano, Ganges, Irenegarry, krissia, La Élite, Lil Ella, Los Blenders, Monteperdido, Sofia, Viva Belgrado y Mainline Magic Orchestra.
El domingo el día empieza con Nueve Desconocidos y contará con Nacho Vegas, Israel Fernández, Alavedra, Carrera, Estrella Fugaz, Judeline, Kevin Kaarl, Mediapunta, Moglia, rebe, Samuraï, La Xinni, Shego y acabará con el concierto de Julieta Venegas como broche al festival.
Las actuaciones comenzarán al mediodía a partir de las 12:00 y sucederán en diversos puntos emblemáticos de Chapinería, como son el Mirador del Águila, la Plaza de la Constitución, el Palacio de la Sagra y el paraje conocido como El Canto del Guijo. El sábado concluirán alrededor de las 23.15 h y, el domingo, a las 21.30 h. en pos de la conciliación.
Como ya se había anunciado, habrá lanzaderas de autobús del festival, el autobús de línea que conecta la capital con el pueblo y ofertas de VTC.
Sorry, que hace un par de temporadas despuntaran con su disco ‘925‘, están de vuelta. Llevan tiempo adelantando un nuevo álbum del cual ‘Let the Lights On‘ pasó por nuestra sección «Canción del Día» dado su espíritu bailable desde su perspectiva rock.
Y hoy estrenan un nuevo adelanto titulado ‘Key to the City’. Es la tercera canción que conocemos de ese segundo disco, pues antes también habíamos tenido oportunidad de descubrir ‘There’s So Many People That Want to Be Loved’.
Pero la noticia ahora es que el proyecto art-rock de Asha Lorenz y Louis O’Bryen actuará el 28 de febrero en Sidecar (Barcelona) y el 1 de marzo en Wurlitzer Ballroom (Madrid) para presentar este segundo álbum del que hablamos. Las entradas estarán a la venta en DICE el viernes 9 de septiembre a las 10:00 a un precio de 16 € más gastos de distribución.
Os recordamos que el disco ‘Anywhere But Here’ saldrá el 7 de octubre, editado por Domino Records y producido por Adrian Utley de Portishead.
01. Let The Lights On
02. Tell Me
03. Key To The City
04. Willow Tree
05. There’s So Many People That Want To Be Loved
06. I Miss The Fool
07. Step
08. Closer
09. Baltimore
10. Hem of the Fray
11. Quit While You’re Ahead
12. Screaming In The Rain
13. Again
Hace daño a la vista comprobar la fecha de publicación de algunos discos programados para reventar 2020, álbumes que no se pudieron trabajar adecuadamente por la paralización del mundo. El último de Fuel Fandango hasta ahora, ‘Origen‘, salía el 24 de enero de aquel año para el olvido, mes y medio antes del confinamiento. Era número 1 en España cuando las tiendas aún estaban abiertas, pero de poco les servía cuando sus presentaciones en vivo serían intermitentes, incompletas, insuficientes.
2 años y medio después, ‘Romances’ es un proyecto de transición, una reunión de 6 canciones gestadas durante la pandemia junto a artistas amigos, antes de que Nita y Ale se tomen un descanso para resetear y encontrar nuevos caminos. El formato EP da al dúo la libertad suficiente para no sentir la esclavitud de la cohesión o de un concepto. Los artistas invitados tienen tan poquito que ver como Mala Rodríguez e Iván Ferreiro. Sin embargo, la personalidad de Fuel Fandango es tan arrolladora que incluso estas canciones aparentemente desconectadas, escritas junto a gente tan dispar, tienen sentido dentro del mismo lanzamiento.
El grupo ha explicado en EFE que no ha dado a estos 6 artistas las canciones acabadas para entonar una parte, sino que ha querido que cada composición se desarrollara mano a mano y en base a la identidad del personaje. Esto se ve muy claramente en la producción junto a Mala Rodríguez, una ‘Iballa’ marcada por la violencia, la agitación («Con mi chaleco freno tus balas de rabia») pero también por la atracción («Entro en ese lugar y no puedo dejar de mirarte»).
También es una canción que habla de libertad («Esa niña camina sin miedo, esa rabia que crece por dentro, esos ojos queman como fuego»), lo cual conecta con otros textos de ‘Romances’ que hablan de la identidad, de la búsqueda de unx mismx y de nuestra relación con la naturaleza. ‘Ruido’, con el popular dúo de Mali Amadou & Mariam, nos deja muy claro su cometido («quise sentirme libre, nunca quise huir / A veces esta vida no me deja vivir (…) Sigo remando, sin saber muy bien dónde ir»).
‘Un sonido’ con Iván Ferreiro es una especie de poema en torno a la idea de ser un junco verde, como en aquella película de André Techiné en la que la supervivencia de los juncos representaba a los adolescentes que han de sostenerse en pie en su paso a la vida adulta. Y ‘Las manos’, con su preciosa melodía junto al debutante Leo Rizzi, es el relato de una mujer en busca de su niña interior.
Así que da igual que la colaboración con María José Llergo sea obviamente más aflamencada en el uso de palmas; que ‘Ruido’ sea mucho más ravera a su lado; o que ‘Nuevo mundo’ suene como una nana unos minutos después del tema con La Mala. Fuel Fandango siguen siendo casi un concepto en sí mismos: un grupo espiritual, de aceptación, de producciones cada vez más elegantes, aquí ampliando un repertorio cada vez más atractivo.
En la misma semana que ‘Coexist‘, el segundo álbum de The xx, y exactamente el segundo mejor disco de 2012 para JENESAISPOP, cumple 10 años, uno de sus tres integrantes publica disco en solitario. Oliver Sim, cantante y bajista de la formación británica, se lanza a la piscina y entrega un debut profundamente personal en el que lidia con los sentimientos de vergüenza y miedo que le asolaron cuando le diagnosticaron VIH a los 17 años. En ‘Hideous Bastard‘ habitan monstruos, a veces de manera casi literal, pues en él se escuchan voces que parecen proceder del inframundo, pero Oliver insiste en que crear el álbum le ha hecho feliz precisamente porque hoy es una persona renovada, a la que esos monstruos ya no le intimidan tanto. Por Zoom hablo con él sobre todos estos temas, sobre las influencias que han esculpido el disco o sobre el trabajo de Jamie xx a la producción. Al final, todo queda en familia.
¿Cómo te sientes al publicar tu primer disco?
Estoy muy contento. Todavía me siento un poco asustado porque todo lo que he hecho siempre lo he hecho con mis dos mejores amigos, quienes siempre han estado ahí para cogerme de la mano, y con este lanzamiento me siento especialmente vulnerable. Pero, a la vez, estoy emocionado y contento con que esté pasando. Este disco no lo habría podido sacar hace unos años, porque era una persona diferente. No estoy totalmente seguro de estar preparado ahora, pero al menos puedo intentarlo.
Te sigo en Instagram desde hace tiempo y no recuerdo que postearas mucho, y ahora sacas un disco muy personal que se titula como tu nombre de perfil en esa red social.
Escribir me permite ser honesto. Nunca he sido súper honesto en mi vida… pero en la composición sí lo he sido. Cuando escribo siento que tengo conversaciones conmigo mismo. Es fácil porque lo hago solo, no tengo que hacer contacto visual con nadie, no hay nadie conmigo en una habitación, nadie me está dando su opinión… Lo bueno de sacar esta música es que ha dado pie a conversaciones, porque lo que no voy a hacer es sacar la música y luego no hablar sobre ella (ríe). Hablar con gente en mi vida, o incluso contigo por primera vez, es algo que necesitaba hacer para mí. A riesgo de sonar americano, he hecho mucha sanación (NdE: expresa la palabra «healing») en los últimos años.
Para ti ha sido muy importante aclarar que el disco no es victimista, que simplemente expone tus sentimientos, pero que no te regodeas en ellos. Hay un toque de humor.
Sobre el papel, el miedo y la vergüenza traen a la mente algo triste y pesado, y el disco no es eso. Obviamente en el disco hablo de temas fuertes, pero el proceso de crearlo ha sido una alegría para mí. A veces ha sido incómodo, pero en general ha sido todo lo contrario a la vergüenza. En mi vida, cuando he sentido vergüenza, eso me ha llevado a esconderme. En este disco hablo de estas cosas abiertamente para hacerlas menos pesadas, y de ahí la vergüenza se transforma en celebración.
También en lo musical he buscado aligerar ese peso: si una canción era sentida o potencialmente triste, el sonido no tenía por qué ir por ahí. Al contrario. Muchas de mis canciones favoritas en el mundo las puedes bailar en una discoteca, y llorarlas en casa. En este disco he equilibrado lo triste con lo alegre, porque ese equilibrio refleja quién soy y cómo veo la vida. Muy pocos momentos en la vida son solo tristes o solo alegres, un sentimiento siempre está teñido del otro.
“Just be willing to be loved”, de ‘Hideous’, es una frase muy bonita y profunda. Viene a resumir un poco el fondo del disco. Para ti tenia sentido que la cantara otra persona…
Quería que esa frase me la cantara alguien a mí, y Jimmy Somerville ha sido una persona que me ha apoyado muchísimo. Ha sido un faro de luz. Su impacto cultural, en las personas no solo queer, sino no normativas en general, es enorme. Y suena como un ángel.
Cuando salió ‘Hideous’ contaste que tu madre te había aconsejado tener conversaciones con gente antes de sacar la canción.
‘Hideous’ la escribí de manera muy impulsiva. Entonces mi madre me aconsejó sentarme con algunas personas y entablar con ellas conversaciones cara a cara. Es el mejor consejo que mi madre me ha dado. Las primeras conversaciones fueron muy incómodas, pero las siguientes cada vez lo fueron menos y, cuando salió la canción, ya no sentía que estaba haciendo una revelación enorme. La historia ya estaba ahí afuera.
¿Como ha sido el trabajo con Jamie xx? La producción tiene muchos detalles y matices.
Todo lo que hacemos en The xx es democrático, todo es un interés compartido, y este disco ha sido diferente. Yo me he inspirado en el cine de terror y a Jamie xx ese tipo de cine no le interesa. Mis referencias musicales no son necesariamente las suyas. Sin embargo, Jamie ha hecho un esfuerzo por meterse en mi mundo, en lugar de simplemente quedarse en un punto medio. Ha visto las películas que me han inspirado, ha escuchado mi música favorita. Además, es un disco bastante queer, y Jamie es hetero. Lo que ha hecho es deshacerse de su ego. Es un productor realmente talentoso.
«El impacto cultural de Jimmy Somerville, en las personas no solo queer, sino no normativas en general, es enorme»
¿Qué referencias musicales has manejado?
En el álbum hemos sampleado mucho. El tema de los samples es muy personal porque sueles tener un vínculo emocional con esa música. En el disco hay dos samples de los Beach Boys, un grupo que me lleva a los viajes en coche con mi familia. Tiene un valor emocional. Las armonías vocales de grupos masculinos corales de los 50, como los Flamingos, me apelan, porque tienen un sonido muy masculino pero, a la vez, es muy queer. Es muy romántico cuando un grupo de hombres canta armonías vocales. Por otro lado, el disco contiene vibraciones de sintetizador inspiradas en el cine de terror, en películas como ‘It Follows‘.
Has metido voces de monstruo en ‘Confident Man’ y en ‘Romance with a Memory’.
Es como me imagino que sonaría la ansiedad si tuviera voz. Yo tengo una voz grave pero no llego a esos bajos (ríe).
En el álbum cantas que odias las princesas Disney, y que prefieres a Patrick Bateman, el protagonista asesino de ‘American Psycho’. Obviamente las princesas Disney son casi un símbolo del patriarcado pero, ¿por qué las odias tanto?
Cuando eres niño, las princesas Disney son prácticamente los primeros personajes con los que te esperas identificar, y yo no lo lograba. De hecho, no solo no conseguía identificarme con ellas, directamente NO quería ser ellas. Los primeros personajes que me atrajeron en mi vida fueron monstruos, porque eran personajes diferentes que no eran aceptados por el mundo y que tenían que esconderse. Sin embargo, también eran muy poderosos. Eso sí me representaba. Obviamente, no solo los niños que son queer se pueden sentir identificados con lo diferente. En el fondo todos los niños se sienten diferentes al resto. Simplemente, las princesas Disney no eran eso.
Otros personajes con los que me identificaba eran las mujeres que salían en series o películas de terror. Sarah Michelle Gellar en ‘Buffy, Cazavampiros’, Jamie Lee Curtis en ‘Halloween’, Sigourney Weaver en ‘Alien’… eran personajes que, por un lado, poseían feminidad y belleza pero que, por el otro, estaban jodidamente enfadadas. Las amaba y amaba a los monstruos.
«Grupos corales masculinos como los Flamingos o los Beach Boys cantaban armonías, y eso es muy romántico y también muy queer»
¿Qué otros personajes de terror te han inspirado?
Muchos de los personajes de terror masculinos que me gustan, en mi opinión, tienen un punto queer reprimido o directamente deliberado, como Patrick Bateman en ‘American Psycho’, Norman Bates de ‘Psicosis’, Buffalo Bill de ‘El silencio de los corderos’… Hannibal Lecter, en mi cabeza, es una vieja reinona. Tiene una manera de presentarse al mundo muy bella y sofisticada. Luego, entre las mujeres, además de las que he mencionado, me gustaba mucho Sissy Spacek en ‘Carrie’. Todos ellos son mis héroes y heroínas.
‘Never Here’ me lleva al concepto de disociación, esa idea de estar presente en un lugar físicamente pero no mentalmente.
Totalmente. En el disco hablo de mis miedos y uno de mis mayores miedos en la vida es no estar presente y absorber los momentos. Ser capaz de hacer cosas pero no asimilarlas es muy triste y da miedo. Pasa a menudo cuando estás de gira: viajas por todo el mundo pero apenas ves nada. Puedo tener una imagen visual de un lugar, pero no significa que lo haya visto. Eso me asusta.
‘Saccharine’, por otro lado, parece hablar sobre la incapacidad de aceptar el amor de los demás. La falta de autoestima es algo que afecta en buena parte a la comunidad LGBT, aunque no se ciñe a ella…
He tenido pocos momentos en mi vida en los que me he dado cuenta de algo de repente. Ha solido ser gradual con el tiempo. He estado en relaciones y me he dado cuenta de que he repetido patrones. Diría que el antídoto de esa canción es la frase de Jimmy Somerville que has citado antes: «abre tu corazón al amor de la gente». Con este disco me preocupa haberme puesto en una posición en la que parezca que tengo todas las respuestas, porque no es así. Aunque el miedo o la vergüenza ya no me abrumen, en cierta medida, siguen estando ahí, no se han ido. Simplemente pesan menos.
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