A 4 días de que se celebren los Oscars, ya se conoce quién va a actuar en la gala. De los cinco nominados a Mejor Canción Original, cuatro cantarán su tema en los Oscars: Billie Eilish y FINNEAS, Beyoncé, Reba McEntire y Sebastián Yatra. El quinto nominado de la noche, Van Morrison, también fue invitado a cantar su canción pero por cuestiones de agenda no podrá asistir a la gala.
Los hermanos Billie Eilish y FINNEAS interpretarán el tema homónimo de la última película de James Bond ‘No Time to Die’, Beyoncé volverá a aparecer en unos premios y cantará el ‘Be Alive’ de ‘King Richard’, Reba McEntire pondrá en escena la nominada ‘Somehow You Do’ de ‘Four Good Days’, y por último, Sebastián Yatra cantará el ‘Dos Oruguitas’ de ‘Encanto’. Lin-Manuel Miranda y su banda sonora para ‘Encanto’ están teniendo un éxito arrollador en los Estados Unidos posicionando la canción ‘We Don’t Talk About Bruno’ en el top 1 de la lista Billboard Hot 100, canción que también se presentará en la gala de los Oscars.
Para Sebastián Yatra esta será la primera vez que cante en los Oscars, pero el resto de los nominados ya conocen las bambalinas del Dolby Theatre de Hollywood. Beyoncé ha actuado anteriormente en tres ocasiones, Billie Eilish y FINNEAS interpretaron ‘Yesterday’ de The Beatles hace dos años y Reba McEntire cantó la nominada ‘I’m Checkin’ Out’ en 1991. La mayor cita del cine se celebrará el domingo 27 de marzo, pero en España su emisión comenzará el jueves 28 a la 1:00 AM.
Los candidatos a Mejor Canción Original son:
RTVE no ha renovado ‘Operación Triunfo’, uno de sus formatos estrella. Formula TV informa en exclusiva que la productora de ‘OT 2020’ seguía «manteniendo alquiladas las instalaciones del Parc Audiovisual de Catalunya», donde se rueda el programa, a espera de que RTVE comunicara su decisión definitiva antes de abril. Finalmente, ‘OT’ no volverá a La 1.
Que TVE se deshaga de ‘Operación Triunfo’ no significa que el formato vaya a ser abandonado ni mucho menos, y Tinet Rubira, director de Gestmusic, incluso ha dejado caer que el talent volverá a la pequeña pantalla este mismo año: «Si ‘OT 2022’ no es en TVE, lo veremos en otro sitio. No vamos a dar el formato por muerto» han sido sus palabras exactas.
La decisión de RTVE preocupa por lo que puedan hacer otras cadenas con el formato. Las últimas ediciones de ‘Operación Triunfo’ han sido las más completas e interesantes a nivel musical de toda su historia al haber tendido un puente directo con la música «indie» nacional de diversas maneras, por ejemplo, incluyendo canciones de La Bien Querida o Ginebras en el repertorio, fichando en el profesorado a Zahara o Guille Milkyway, o incorporando a la Academia a concursantes tan apegadas al underground como Amaia o Natalia Lacunza, que en 2022 publicarán dos de los discos nacionales más esperados del año.
Operación Triunfo parecía un formato muerto hace unos años, hasta que en 2017 volvió de la mano de TVE, la cadena que emitió las dos primeras ediciones del talent a principios de siglo, antes de que fuera trasladado a Telecinco. Y comenzó el principio del fin. 2011 fue el año en que ‘Operación Triunfó’ terminó su emisión en la televisión privada con los peores datos de audiencia de su historia.
‘OT’ tardaría 6 años en volver a la pequeña pantalla, pero lo hizo revolucionando el formato de nuevo con un nuevo elenco de estudiantes icónicos que incluía a Amaia, Aitana, Cepeda, Alfred García o Ana Guerra, entre otros, y el contexto de la era digital como telón de fondo. La edición de 2018 volvió a ser un éxito gracias a la popularidad de concursantes como Lacunza, Alba Reche, Miki o Julia Medina y aunque la de 2020 ya mostró signos de agotamiento y su emisión hubo de interrumpirse a causa de la pandemia, propulsó las carreras de Chica Sobresalto, Anaju o NIA.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Diplo y M.I.A. vuelven a encontrarse
El 8 de marzo, Día de la Mujer, fue el día elegido por Diplo para subir a las redes su reciente foto junto a M.I.A., la persona que «me puso en el mapa», en sus propias palabras. Se refiere, por supuesto, a su trabajo en los primeros discos de Maya Arulpragasam, ‘Arular’ (2005) y ‘Kala‘ (2007). Diplo y Maya llegaron a salir juntos y parecía que no se llevaban muy bien, pero no parece ser el caso.
El «crossover» improbable del mes, Demi Lovato ha subido una imagen de ella acompañada por los integrantes de su banda favorita, que no es otra que Turnstile. La banda de hardcore punk de Baltimore ha hecho las mieles de la crítica especializada en los últimos tiempos gracias a su disco ‘GLOW ON’, y también ha sido noticia por razones escatológicas.
En denuncia a la censura de las redes, el autor de ‘Mundos inmóviles derrumbándose‘ se ha desnudado de cuello para abajo. Instagram ha borrado la foto pero Twitter, donde el porno está permitido, no. «Puse esta foto con casi toda mi inocencia en IG y la app me la canceló al instante por contravenir no sé qué normas absurdas», ha explicado. «Qué bobonas son estas cosas corporativas, ¿no?» ¡Bravo!
Puse esta foto con casi toda mi inocencia en IG y la app me la canceló al instante por contravenir no sé qué normas absurdas. Qué bobonas son estas cosas corporativas, ¿no?#AllAboutGuadalajarapic.twitter.com/JLxMr4ieOi
Miley Cyrus está en América Latina de gira y, a su paso por Argentina, ha dejado registrado en vídeo el furor que ha causado su llegada al país. Hordas de gente persiguiendo el automóvil dentro del cual se encuentra, golpeando las ventanas… Y su gira ha dejado una curiosidad: ha cantado su éxito ‘Fly On the Wall’ por primera vez en una década.
Parece que fue hace siglos porque todavía no habíamos visto ni el videoclip de ‘SloMo’ de Chanel ni escuchado al completo ‘MOTOMAMI‘ de Rosalía. Antes de que todo esto sucediera, la representante de España en Eurovisión bailó el «pati naki» junto a sus bailarinas para las redes sociales. Hasta esta bobada de baile, a Chanel le sale mejor que al 99% de los mortales.
Hoy conocemos a Zahara por discos que han resultado tan importantes para la historia del pop español como ‘PUTA‘ (el mejor disco de 2021) o ‘Astronauta‘, pero la ubetense también vivió una vida anónima durante muchos años. Recientemente, la cantautora ha compartido dos instantáneas de ella capturadas en el año 1997, cuando contaba 14 años, en las que mostraba su desconocido talento para poner los ojos en blanco.
La química inexistente entre Madonna y Fireboy DML
Madonna compartió imágenes del rodaje del videoclip de ‘Frozen’ con el rapero Fireboy DML, y digamos que la química entre ellos brilla por su ausencia. En esta escena, Madonna sugiere a Fireboy que se arrodille ante ella en el vídeo porque «se supone que eres tú quien me desea», él le mira a ella con cara de incomodidad y ella puntualiza: «es todo ficción». Gajes del oficio.
Rihanna, que lo está petando con sus atuendos de premamá, ha tenido tiempo de charlar con la maquilladora e influencer Mikayla Nogueira, quien le pregunta cuándo saldrá su disco, a lo que Rihanna responde con una carcajada diabólica. E interrogada por las dos canciones de su repertorio de las que se siente más orgullosa, Rihanna responde las primeras que le vienen a la cabeza: ‘Needed Me’ y ‘Diamonds’ porque «a quién no le van a gustá» unos buenos diamantes.
Rihanna names “Needed Me” and “Diamonds” as two of the songs she’s most proud of. pic.twitter.com/eOVEBlkzOV
El último partido del Barça vs. Real Madrid ha acabado con una victoria 4-0 para los primeros, y Shakira ha acudido a las redes para felicitar a su marido, Gerard Piqué, por su actuación encima del césped, y a pesar de que «Gerard no me deja decir estas cosas públicamente». «No es porque sea mi marido, pero es el mejor central del mundo mundial.¡He dicho!» ¿Acaso las caderas mienten?
La Reina de la Navidad ha vivido un momento de confusión recientemente en el día de San Patricio. Cuenta que tiene un primo con el que se felicita mutuamente el día de Acción de Gracias en el día de San Patricio por las bromas, pero cuando mandó su mensaje se dio cuenta de que a quien había enviado el mensaje era a Shawn Mendes. «Me imaginaba que era una broma familiar», le contesta el canadiense. Mariah y Shawn M (el cantante) tienen su historial de intercambios en las redes.
My cousin Shawn M and I have this silly joke where we tell each other Happy Thanksgiving on St. Patrick’s Day ☘️ @ShawnMendes found out about it today.. sorry Shawn!! 😂 pic.twitter.com/BKya5NVtTN
¿Vosotras os visteis venir la irrupción de Ana de Armas en Hollywood? Porque yo no. Si me hubiesen dicho, cuando veía ‘El Internado‘, que a la misma persona que correteaba por esos pasillos con cara de susto la íbamos a ver -¡en un solo año!- como Marilyn, como chica Bond y como musa de Adrian Lyne, no me lo hubiese creído. Pero desde que robó el protagonismo a principiantes como Chris Evans, Jamie Lee Curtis o Daniel Craig en ‘Knives Out’, su carrera no parece tocar techo, aunque ese salto a la fama internacional se haya visto torpedeado por la pandemia.
Así, después de numerosos retrasos, ‘Aguas Profundas’ ha acabado estrenándose sin pasar por los cines, directamente en Prime Video (Amazon). Esto no significa un mal augurio de calidad en las circunstancias actuales. Pero las noticias sobre esta película -el tijeretazo de media hora tras tests poco entusiastas- nos hacen pensar que sí es ese el principal motivo.
Porque había muchas ganas de ‘Aguas Profundas’. Y no hablo de un motivo extracinematográfico -es en este rodaje donde se conocieron Ana y Ben Affleck, terminando esa relación de manera un tanto estrambótica antes de volver él con Jennifer López. Hablo de que se trataba del regreso de Adrian Lyne tras ¡veinte! años sin películas suyas, desde aquella ‘Infiel’ con Diane Lane y Richard Gere.
Lyne es uno de los máximos exponentes de aquella ola de thrillers eróticos de los 80-90. Suyas son tres míticas: ‘Nueve semanas y media’, ‘Atracción fatal’ y ‘Una proposición indecente’. También se encargó de ‘Flashdance’, ‘La escalera de Jacob’ o aquel remake de ‘Lolita’. Y se da la coincidencia de que justo vuelve meses después de que su colega Paul Verhoeven volviese con ‘Benedetta’ a la senda desvergonzadamente guarra que tan buenos resultados le dio en ‘Instinto básico’ o ‘Showgirls’.
Como bien apunta Daniel Mantilla en El Español, una de las fortalezas de ‘Aguas Profundas’ es precisamente que ese cine ya no se hace, que Hollywood tiene la mirada más cauta al erotismo desde los dosmiles. Especialmente en estos años sorprende una película así. Pero ahí está a la vez el principal problema de ‘Aguas Profundas’: que no termina de entregarse. Inevitablemente podemos hacer una comparación con un polvo, y decir que nadie se corre en ‘Aguas Profundas’. Y que en los (mal llamados) preliminares hay más inercia que deseo.
No hablamos solo de la falta de sexo y de momentos menos recatados, que también influye. Ojalá se pegase la sensualidad que hay en ‘Before I Ever Met You’ de Banks, el tema principal de la peli. Es que hay una película divertidísima aquí, y quizás un futuro “montaje del director” que incluya el tijeretazo de media hora lo sea (la tijera se nota a leguas en varias escenas). Pero lo que nos llega es una película que recomendamos si te flipó ‘Atracción fatal’, pero que se queda a años luz.
No es, desde luego, por fallo de casting: volvemos a comprobar que el Ben Affleck majete-por-fuera-turbio-por-dentro de ‘Perdida‘ es el mejor Ben Affleck. Y lo de Ana de Armas es increíble, comiéndose la pantalla cada vez que sale solo con miradas o con la manera en que dispara ciertas frases. Una pena que el personaje no esté a la altura. Parece como si no quisiera caer en lo autoparódico, y acaba en tierra de nadie.
‘Aguas Profundas’ es mucho mejor cuanto menos se toma en serio y cuanto más se entrega a lo gamberro, y por eso funcionan tan bien secuencias como la de la escalera, la cena con el primer chico, o algunos encuentros con Jacob Elordi (curioso ver a Nate Jacobs de ‘Euphoria’ en esta tesitura) y Finn Wittrock. Funciona peor cuando se acerca al thriller “elevado”, quedándose en thriller convencional y un tanto aburrido. Para solucionarte una tarde tonta viene genial, pero se siente una oportunidad perdida porque no te la volverás a poner más allá de eso. Y Adrian Lyne tenía aquí los ingredientes (entre ellos, su propio retorno) para conseguir un pequeño clásico del mamarracheo hollywoodiense, como hizo en su momento.
Sin llegar al surrealismo de ese séptimo single que fue ‘New Rules’, lo de ‘Pompeii’ es curioso, porque aunque Bastille ya habían conseguido algún que otro éxito, fue el cuarto single de ‘Bad Blood‘ lo que les dio fama mundial, y el que sigue siendo su hit más reconocible: ‘HAPPIER’ le superó hace poco en escuchas, pero es realmente un tema de Marshmello en que ellos colaboran. ‘Pompeii’ llegó a convertirse en la canción más escuchada en plataformas en Reino Unido desde que se tenían registros (en los años venideros le comerían la tostada Sheerans, Biebers y Despacitos varios).
Nuestro compañero Raúl Guillén ironizó por entonces con que eran “los fun. británicos” (quién hubiese dicho en 2013 que Jack Antonoff acabaría convirtiéndose en una de las vacas sagradas del “pop elevado”), pero no era el único: poca gente en la prensa musical albergaba muchas esperanzas en la supervivencia de esta banda, o les consideraba como algo más que los hermanos feos de Imagine Dragons. Sin ir más lejos, el disco que nos ocupa ha recibido un suspenso en Pitchfork. Sorprende incluso que lo hayan reseñado después de ignorar los tres discos anteriores.
Y aquí les tenemos: aunque su impacto haya disminuido con los años, Bastille consiguieron una fanbase gracias a la cual llevan ya cuatro discos, y más de una década siendo sospechosos habituales en el circuito de festis. Este año les veremos en el Warm Up, por ejemplo. “Algo tendrán” puede ser lo que estéis pensando, y desde luego que sí; este cuarto disco está lleno de ejemplos de la capacidad del grupo para ser unos entertainers también fuera del escenario. ‘Give Me the Future’ es ante todo un álbum de pop-rock (poquito rock ya) muy divertido, donde de hecho la temática ideada por Dan Smith y su banda (Kyle Simmons, Will Farquason, Chris Wood y Charlie Barnes) es lo de menos. En su web oficial dicen que el disco es “divertido a la vez que nos hace reflexionar”: sí a lo primero, dudoso lo segundo, puesto que la coartada narrativa es lo que menos destaca de aquí, siendo bastante simple.
La excepción seguramente sean ‘No Bad Days’ -donde el cantante llega a preguntarse, a raíz del fallecimiento de un familiar, si la muerte no será un alivio en el que ya no aparecen “más días oscuros”- y la del título matrixiano, ‘Plug In’. “Say you’ll resurrect me as a young deepfake” o “maybe A.I. Is the Messiah / my machine’s learned all my kinks and desires” son algunos de los versos en un tema que analiza con bastante sorna y poca esperanza el presente (y de paso el futuro), y en el que funcionan mucho mejor las estrofas que el estribillo.
Porque ese es el leit-motiv del disco: una distopía en la que existe Futurescape, una suerte de aplicación con la que los humanos se han vuelto adictos a la realidad virtual para no tener que vivir la realidad “real”, y que, según cuentan, vino inspirada por la necesidad de escapismo que todos hemos sentido durante la pandemia – “if this is life, I’m choosing fiction / call it faith, call it fame / the fantasy’s the same” cantan en la inicial ‘Distorted Light Beam’, uno de los grandes momentos de este trabajo, donde llegan a recordar a CHVRCHES más que a los nombrados Imagine Dragons o a Capital Cities (otra banda con la que se les confundía).
Además de repetir con Dan Priddy y Mark Crew, los ingleses han querido llamar para la producción a dos pesos pesados como Mike Dean (artífice junto a Kanye de ‘My Dark Beautiful Twisted Fantasy’ y ‘Yeezus’) y Ryan Tedder (de Taylor a U2 pasando por Adele), junto a otros grandes nombres como Jeff Bhasker (que ha participado en hits como ‘Uptown Funk’, ‘Kiss it Better’ o ‘Sign of the Times’), Jonny Coffer (que ha trabajado con Beyoncé o Robbie Williams) o Marty Maro (Jessie J, John Legend).
Esto resulta en un disco tan eficaz para ese target festivalero como poco diverso en sus canciones: ‘Club 57’, la canción sobre Keith Haring, quizás sea la que más nos recuerda a los primeros Bastille, y puede que las más distintas (la mayoría son bastante parecidas entre sí) sean las dos colaboraciones: la que tienen con BIM, ‘Future holds’, con la que Smith quería “homenajear a Kanye West y hacer future-gospel”, y la intervención del rapero y actor Riz Ahmed (protagonista de la interesante ‘Sound of Metal’) en ‘Promises’.
Un (mal) ejemplo al respecto es la génerica ‘Back to the Future’, un cóctel de referencias sin ninguna idea definida, y que nos recuerda en su uso de los sintes a los últimamente poco inspirados Miss Caffeina. Pero también tenemos buenos ejemplos: es interesante, por ejemplo, que, entre tanta referencia sci-fi, sea ‘Thelma & Louise’ la película elegida para la canción donde se habla de escapar con más optimismo, y con una pátina funky donde ellos mismos reconocen la influencia de Prince.
También destacan el single ‘Shut off the Lights’, la cercana a The Weeknd ‘Stay Awake’ o la mencionada ‘Distorted light beam’, todas mejor como elementos pop que como parte de un “concepto” que, entre lo visto en este álbum y en el anterior, parece no ser el fuerte de Bastille (sí lo es el de sus colegas Twenty One Pilots, con quienes comparten bastante público). Teniendo claro pues que, a pesar de su temática, esto no es ‘OK Computer’ (¿saludan a ‘fitter happier’ en ‘Stay Awake’?), en ‘Give me the Future’ se puede disfrutar de la habilidad de Dan Smith y sus colegas para crear temas pegadizos de pop-rock con grandes dosis de electrónica y épica, y guiños a la cultura pop en unas letras que miran más allá de las relaciones amorosas.
La era de ‘Solar Power‘ continúa cuando quedan unos pocos meses para que Lorde lo presente en España, en concreto en el festival Primavera Sound de Barcelona. En esta ocasión, la neozelandesa presenta videoclip para la pista central del disco, por eso de que es la sexta de 12, ‘Secrets from a Girl (Who’s Seen it All)’, que destacada por incluir un «spoken word» de Robyn.
Como todos los videoclips de esta era, desde el de ‘Solar Power’ hasta el de ‘Leader of a New Regime’ pasando por los de ‘Mood Ring’ y ‘Fallen Fruit’, el de ‘Secrets from a Girl (Who’s Seen it All)’ sitúa a Lorde en una idílica playa de Nueva Zelanda. Pero no solo a la Lorde actual, pues en el vídeo la cantante se multiplica para revisitar su pasado. Aparece caracterizada como en la era de ‘Royals’ y su debut ‘Pure Heroine’ y también ataviada con un vestido rojo que puede ser una referencia (o no) al que la cantante portó en los GRAMMY de 2018, durante la era de ‘Melodrama’.
La tercera Lorde es por supuesto la presente, la de ‘Solar Power’, y luce por tanto un bonita camiseta con un girasol bordado. Las tres Lordes reciben los apodos de «la niña», «la amante» y «la jardinera», como han desvelado los tres pósters diseñados para la ocasión y, en el vídeo, cantan juntas en un sofá o realizan una delicada coreografía.
La idea del vídeo conecta con la letra de «Secrets from a Girl», nostálgica, y en la que Lorde canta que «no podía esperar a cumplir 15 años y, de repente, pestañeas y ya han pasado 10». De hecho, la artista ha declarado que «Secrets from a Girl» es una respuesta a ‘Ribs’, actualmente su canción más popular en Spotify, en la que cantaba que «tengo miedo de hacerme mayor» y narraba un enamoramiento no recíproco. En «Secrets from a Girl», Lorde responde a aquella Lorde joven que «todo saldrá bien» y que se volverá a enamorar.
Por su parte, Robyn no hace acto de presencia en el vídeo, claro que quizá nadie la esperaba: habría quedado un tanto chanante verla pasarse por ahí de repente. Además, aunque la sueca representa en su recitado a una «azafata surrealista», su tono da a entender que es más bien un personaje omnipresente.
“lorde” is now trending with over 7,000 tweets in the US after teasing 3 posters for her upcoming music video for “Secrets from a Girl (Who’s Seen it All).” pic.twitter.com/5U7lhzG6Cs
El remix de ‘Cayó la noche’ de La Pantera, Quevedo y Juseph con Bejo, Abhir Hathi, Cruz Cafuné y El Ima permanece una semana más en el número 1 de la lista de singles española, acompañado en el número 2 por ‘MAMII’ de Karol G y Becky G y en el número 3 por ‘Desesperados’ de Rauw Alejandro y Chencho Corleone. La subida más fuerte, del 71 al 24, la protagoniza Anitta con su nuevo hit ‘Envolver’, sobre el que hablaremos próximamente. El tema es top 5 en Spotify Global.
Curiosamente, las dos únicas entradas de la semana en la lista de singles no asociadas a las músicas urbanas están protagonizadas por Rosalía y Amaia, que además colocan sus respectivos últimos singles uno detrás de otro en la tabla. ‘HENTAI’ entra en el número 87, un buen dato pues el tema salió un miércoles, y la semana que viene probablemente ascenderá al top 10 tras el lanzamiento de ‘MOTOMAMI’ el pasado 18 de marzo, pues el tema actualmente ocupa el número 10 en la lista de Spotify España, donde aparece el disco en su totalidad.
Por su parte, ‘Bienvenidos al show’ de Amaia, co-escrita por Rigoberta Bandini, entra en el 88, unos puestos por debajo de ‘Yo invito’ (57). La gira de ‘Cuando no sé quien soy’, el nuevo álbum de Amaia, arranca en mayo, mientras la fecha de lanzamiento del disco sigue siendo un secreto.
Mejores posiciones presentan esta semana en concreto otras dos entradas en lista. En primer lugar, ‘Sensual bebé’, el nuevo reggaetón de Jhay Cortez, entra en el número 28 y, en segundo, ‘Risueña’, la nueva bachata bailable de Omar Montes y Davilés de Novelda, lo hace en el 29. Ambos acaban de aparecer juntos en la reedición de ‘El Madrileño’.
Por último, el rapero Quevedo, que efectivamente aparece en el single número 1 en España en estos momentos, vuelve a la lista de singles con ‘Universitaria’, que ingresa en el 81; Justin Quiles y Eladio Carrion colocan su tema colaborativo ‘Gucci Fendi’ en el 82 y, finalmente, Ozuna saluda desde el puesto 96 con ‘G Wagon’.
La banda sueca de rock duro Ghost firma el nuevo número 1 de álbumes en España con ‘IMPERA’, su quinto álbum de estudio. El anterior, ‘Prequelle’, que supuso la primera entrada de su carrera en la tabla de discos española, se quedó en el numero 5. ‘IMPERA’ también es top 1 en la lista de vinilos más vendidos de la semana. El grupo actúa en España el próximo mes de mayo.
El top 10 descubre varias entradas significativas. La cantautora malagueña María Peláe coloca su nuevo álbum, titulado ‘La Folcrónica’, en el número 3 solo por detrás de ‘El Madrileño’; Álvaro de Luna, ex integrante de la banda Sinsinati, aparece en el número 5 con su debut en solitario, ‘Levantaremos el sol’; Luis Fonsi coloca ‘Ley de gravedad’ en el número 8 y Bryan Adams aparece dos puestos por debajo, en el 10, con su álbum número 16, ‘So Happy it Hurts’.
Por su parte, Franz Ferdinand logran otro top 20 de álbumes en España con ‘Hits to the Head’, su nuevo recopilatorio de éxitos, que entra en el número 16 (unos puestos por arriba que su anterior álbum de estudio, ‘Always Ascending’, que se quedó en el número 20) y ocupa nada menos que el top 2 en la tabla de vinilos. Sobre este disco hemos tenido oportunidad de charlar recientemente con la banda. Otra estrella británica, Rex Orange County, con la que también hemos hablado hace poco, coloca su nuevo álbum ‘WHO CARES?‘ en el número 76 de la tabla general, y en el 32 de la de vinilos.
Por último, el trapero argentino (¿esto ya es un género?) FMK aparece en el número 57 con ‘Desde el espacio’, y en la tabla de vinilos cabe destacar dos entradas, en primer lugar, la de La Plata con ‘Acción directa’ en el 61, y la de Summer Walker con ‘Still Over It’ en el 99. Un disco, este último, de R&B puro y duro y «made in USA», de los que no se ven tanto por estos lares. ‘No Love‘ con SZA, el mayor éxito de este álbum, será reeditado con la participación de Cardi B.
Justo a un mes de que Fontaines D.C. publique su tercer álbum de estudio ‘Skinty Fia’ y un día después de que hayan terminado su pequeña gira por nuestro país, la banda irlandesa ha lanzado un nuevo adelanto de lo que podremos escuchar en el disco: el tercer single que lleva el mismo nombre del LP, ‘Skinty Fia’. Este nombre proviene de un dicho irlandés que significa “la condenación del ciervo”, y la canción juega con la idea de una relación sentimental que está condenada al fracaso, maldita desde el primer instante.
Como ya es habitual, la banda post-punk ha vuelto a trabajar con el productor Dan Carey en este tema, pero esta canción se distingue de los anteriores dos singles ‘Jackie Down The Line’ y ‘I Love You’ en lo amenazador, turbio y siniestro que suena, creando un ambiente oscuro entre sintetizadores, guitarras y percusión agresivas. La voz de Grian Chatten es un elemento más en esta puesta en escena que transporta al sufrimiento y amargor de una pareja sin remedio. Su voz se mantiene en la seriedad, la sinceridad y el odio.
Esta relación atravesada por el alcohol, las drogas, los celos y la paranoia se basa en la recriminación ciega del uno al otro, pero ninguno de los dos es capaz de ceder o hacer algo por arreglar los problemas que los están hundiendo. “¿Mientes por los dientes o lo pagas por la nariz?” y “Cuando tu lengua hable más claramente” son algunos de los reproches que el cantante dedica a su pareja: parece que no hay nada que pueda hacer que esto termine con un final feliz, entre frases como “Te odiaba desde el principio” y “Ella dice “No estoy de acuerdo en nada” y yo digo “yo tampoco””.
El videoclip del single eleva la canción a un mundo de fantasía tenebroso. La historia tiene lugar de noche, en una fiesta dentro de un castillo aparentemente medieval, en medio del prado irlandés más oscuro. En la fiesta la gente parece estar poseída, rodeada de personajes disfrazados, miradas de locura, un akelarre, y más referencias al ciervo. Chatten hunde sus penas en lo que parece ser su principal problema, y no encuentra el camino para huir de esa tortura.
A la espera de escuchar el resto del álbum, ‘Skinty Fia’ es el single que parece dar identidad a todo el conjunto del CD, un trabajo amenazador y determinante. El tema recoge su nombre del título del disco, y la propia portada del álbum contiene un ciervo. Además, el rojo de la portada es el color por antonomasia para transmitir la idea de peligro y esa fuerza que tiene la canción.
This is Skinty Fia. The album we’ve been waiting to share with you for pretty much a year. Sorry it’s not disco, we lied. It’s an album of terrible lows and even worse highs. We love yous all. Fontaines D.C. xhttps://t.co/jZcEKiUmmbpic.twitter.com/lrgmcFRmUv
La sala BARTS de Barcelona, una de las más importantes de la ciudad, situada en el barrio del Paral·lel a muy pocos metros de la sala Apolo, ha anunciado que cerrará sus puertas el próximo 17 de abril debido a que «el proyecto de sala transversal creado y gestionado por TheProject no encaja en las bases del concurso convocado por el Ayuntamiento».
«Las discrepancias con el detalle y el contenido del nuevo concurso para la gestión del teatro, que limita el uso sólo a la música, hace inviable la continuidad de lo que es y lo que ha sido BARTS y su propuesta transversal y multi escénica», detalla sala en un comunicado. «Este hecho nos ha hecho tomar la dolorosa decisión de no presentar una propuesta de continuidad de nuestro proyecto ya que estaría condenada de antemano».
El recinto pasará a contener una nueva sala llamada Casa de la Música, como de hecho ya trascendió en 2020, diseñada para acoger eventos de artistas o incluso festivales pequeños o medianos, entre otras cosas.
La sala BARTS, antiguamente conocida como Studio 54 (en serio) y después como Arteria Paral·lel, fue renombrada «Barcelona Arts On Stage» (BARTS) en 2010 y por su espacio han pasado desde entonces 1 millón y medio de espectadores.
Desde entonces, la sala ha acogido no solo conciertos de estrellas internacionales como Foo Fighters, Jamie Cullum, Andrés Calamaro, Rick Astley, Mon Laferte o LCD Soundsystem, a los que tuvimos ocasión de ver entonces; sino también actuaciones de artistas emergentes nacionales que después dieron el salto al estrellato, como Rozalén o El Kanka, y sobre todo no se ha ceñido exclusivamente a la música. Haciendo honor de su carácter transversal, la sala BARTS ha dado espacio a la comedia, el circo, a la filosofía o al público infantil.
Soft Cell publican nuevo disco el próximo 6 de mayo, el primero en 20 años. ‘*Happiness Not Included’ cuenta ya con tres adelantos, estos son, ‘Bruises On All My Illusions’, ‘Heart Like Chernobyl’ y el titular ‘Happiness Not Included’, pero será el cuarto el que está llamado a despertar verdadera curiosidad en la audiencia, pues se trata de una colaboración con Pet Shop Boys.
Soft Cell y Pet Shop Boys coincidieron poco en las listas de éxitos al contrario de lo que pueda parecer: ‘Tainted Love’, el mayor éxito de la carrera de Soft Cell, salió en 1981, el mismo año en que nació el dúo formado por Neil Tennant y Chris Lowe. Cuando Marc Almond y David Ball anunciaron su disolución en 1984, Pet Shop Boys todavía no habían publicado su primer disco. Y cuando Pet Shop Boys lo petaron con ‘West End Girls’, el primer single extraído de su debut, entre 1985 y 1986, Soft Cell ya llevaban varios años separados y no volverían a reunirse hasta 2002. Los lanzamientos de ‘Release’ y ‘Cruelty without Beauty’ sí coincidieron en el tiempo aquel año, sin ser los más relevantes de ninguno de los dos grupos.
En algo sí coinciden 100% Pet Shop Boys y Soft Cell, ambos son dos grupos de synth-pop cuya obra define la música de los años 80, y quizá por razones de nostalgia, ahora se unen en un single conjunto que recibe el título de ‘Purple Zone’ y que verá la luz este mismo martes 22 de marzo. El videoclip ya se avanza en Youtube y su estreno está programado para las 9 de la mañana (hora española).
Pet Shop Boys se interesaron por ‘Purple Zone’ tras escucharla en uno de los recientes conciertos que Soft Cell han ofrecido en Londres. Lo que en principio iba a ser un remix se convirtió en una colaboración con cara y ojos que, en palabras de la nota de prensa, representa un «dueto soñado por los aficionados al synth-pop». Es una canción muy parecida, quizá demasiado, a ‘Always On My Mind’ de Pet Shop Boys, con la que comparte una línea de teclados calcada.
En ella, «la ultra expresividad de Marc Almond se conjuga con la nostálgica voz de Neil Tennant, (y la canción captura) las cuestiones existenciales sobre el paso del tiempo que se trazan a lo largo del album». Por su parte, Pet Shop Boys «añaden también un reflejo hi-NRG que aumenta el tono melancólico de la canción, el sello personal de los sintetizadores dramaticos de Chris Lowe crea una gran intensidad teatral en el track».
La banda británica James visitará España en septiembre para ofrecer dos conciertos y presentar su último álbum ‘All The Colours Of You’ en nuestro país. Las actuaciones tendrán lugar el 14 y el 15 de septiembre, en La Riviera de Madrid y en la Sala Apolo de Barcelona respectivamente.
James tiene por fin la oportunidad de presentar aquí su último disco, que empezó a grabarse antes de que estallara la pandemia de la COVID-19, pero que hasta hace poco no ha podido tocarlo en vivo. ‘All The Colours Of You’, que se grabó en diversos puntos del mapa simultáneamente por la imposibilidad de juntarse en los tiempos que corren, es el decimosexto álbum de estudio de la banda, y ha sido producido por Jacknife Lee. Lee es un reconocido productor que ha trabajado con artistas de la talla de U2, REM, Taylor Swift, Snow Patrol o The Killers, pero que nunca se había sentado a crear música con James. Un comunicado de prensa le atribuye a él haber dado un enfoque distinto al sonido habitual del grupo.
Las entradas para los conciertos en Madrid y Barcelona estarán a la venta a partir del jueves 24 de marzo a las 12:00h en livenation.es y en ticketmaster.es, pero hay una preventa disponible en livenation.es hoy, 22 de marzo a las 12:00h.
Este verano, Morrissey hará una parada en Las Vegas para sumarse a los artistas que eligen esta ciudad como residencia temporal, y dará cinco conciertos en el Colosseum at Caesars Palace entre el 1 y el 9 de julio para presentar su show ‘Viva Moz Vegas’. El vídeo promocional de la residencia en Las Vegas no ha pasado desapercibido para los fans, que han reconocido una nueva canción que se usa como sonido del vídeo, y todo apunta a que se trata de ‘I am Veronica’.
Un comunicado describe ‘Viva Moz Vegas’ como “una íntima y estimulante inmersión en la extensa carrera de Morrissey, desde sus primeros días hasta el nuevo álbum”. El álbum al que se refiere es ‘Bonfire Of Teenagers’, el primer disco que prepara Morrissey tras terminar su contrato con la discográfica BMG Records. El cantante ha realizado el CD por su cuenta, sin firmar con ningún sello, y está a la espera de venderlo “al mejor (o peor) postor”, como dice en su web.
El futuro álbum está formado por once nuevas canciones entre las que se encuentra ‘I am Veronica’. El vídeo promocional de su residencia de Las Vegas está acompañado por unos segundos de una canción inédita, y muchos de los comentarios en su fan page Morrissey-solo aseguran que el fragmento pertenece a ‘I am Veronica’. Si lo es, será una canción con guitarra muy alegre que recuerda a la música de su mítico grupo The Smiths.
🎰 VIVA MOZ VEGAS 🎰
Morrissey (@officialmoz) announces five new dates for his not-to-be-missed, sure-to-be-life-changing residency @CaesarsPalace from July 1st thru 9th!
‘Crash’ de Charli XCX será nuestro Disco de la Semana. El álbum ya lo reseñamos el pasado jueves, pero esta semana aprovecharemos para repasar sus hits o reseñar el documental que sobre ella va a estrenar Filmin esta misma semana.
‘Crash’ puede terminar siendo esta semana el primer número 1 en discos en Reino Unido de toda la carrera de Charli XCX, pues de momento es top 1 en las midweeks publicadas este lunes sobre las ventas del finde. ‘Crash’ lidera la lista provisional con 9.791 copias vendidas durante este fin de semana en UK, de las cuales 8.036 han sido en formato físico.
Según relata un usuario de Buzzjack, Charli ha estado este viernes 4 horas firmando discos en Rough Trade y 2 horas en HMV. También es cierto que Charli XCX está en esta buena posición porque ‘Beg for You’ junto a Rina Sawayama va a ser uno de los mayores éxitos de su carrera, pues lleva 2 meses en el top 40 y además esta semana podría subir al top 20.
Charli XCX saca casi 3.000 copias a sus principales competidores, Sea Girls (en la estela de fun. o Glass Animals), que están en el puesto 2 con ‘Homesick’, pero estos van a contraatacar con descuentos y promociones a través de sus Stories. La lucha se determinará en el último minuto.
En caso de que Charli XCX termine perdiendo el número 1, en todo caso parece que afrontará su mejor resultado histórico, pues hasta ahora nunca había conseguido un top 10. ‘Charli’ fue fop 14 mientras ’Sucker’, editado un tontísimo 15 de diciembre con una feroz competencia, fue top 15. Os recordamos que Charli XCX presenta este álbum en Madrid el 7 de junio y también en el Primavera Sound.
Por otro lado, nuestro penúltimo «Disco de la Semana», ‘MOTOMAMI’ de Rosalía, tendrá un resultado digno en las listas del próximo viernes. El disco es número 32 en las midweeks británicas, lo cual es un tanto decepcionante si recordamos que Hinds han llegado más alto en las mismas midweeks, si bien hay que subrayar que estas cantan casi enteramente en inglés. Bad Bunny no tiene ningún álbum top 100 en Reino Unido, mientras hace poco proclamábamos un milagro que Stromae fuera número 94 en las islas cantando en francés con su espléndido último disco, ‘Multitude‘.
6orka es el nombre artístico de un músico emergente vasco. El artista ofrece una versión del pop futurista que llama la atención por sus duras bases, divertidas melodías y la voz tratada en plan hyperpop recordando a Arca, SOPHIE o PUTOCHINOMARICON.
Hasta la fecha 6orka ha publicado 6 singles, entre los que destaca ‘Te aburro’, en especial un remix junto a Algo que acaricia la versión original desde las nubes. ‘Te aburro – Remix’ se distancia de la producción dominante en el resto de sus canciones, pero en su último single ‘PEDESTAL’, 6orka vuelve a la estética más futurista para reivindicar su amor propio. La canción empieza como una apisonadora y termina con unos susurros, y en ese viaje el cantante consigue salir de una relación en la que no aguanta más para quererse a sí mismo: “Por una vez siento que mi vida yo controlo. I feel like I’m flying for the first time in a long time (Siento como si volara por primera vez en mucho tiempo)”.
Las letras de 6orka son sinceras y generacionales. Es fácil recordar la sensación de dormir con un amigo o con alguien especial en una cama de 90 en la que es inviable moverse, como canta en ‘por la noche’, o empatizar con la frase “aunque me sienta muy vacío este verano hoy es mi cumple” de ‘hoy es mi cumple’. De hecho, esta canción cuenta con una melodía que no tiene nada que envidiar a Charli XCX o a Dorian Electra. De momento, el hyperpop y el PC Music están a salvo con 6orka en nuestro país.
El filósofo alemán Hartmut Rosa, heredero de la escuela de Fráncfort, es uno de los principales teóricos actuales de la sociología del tiempo. En sus obras ‘Alienación y aceleración’ y ‘Resonancia’ (las dos publicadas en la editorial Katz), habla sobre cómo la lógica neoliberal del crecimiento continuo crea sociedades hiperaceleradas, gente corriendo más rápido para poder permanecer en el mismo punto en el que estaba. Una aceleración cuyas consecuencias son la frustración, la alienación, la depresión, la crisis climática y energética…
Desconozco si Moderat conoce la obra de su paisano, pero su penúltimo videoclip (después han sacado ‘EASY PREY‘) parece ilustrar una idea muy parecida. ‘Fast Land’ (el título ya lo dice todo) está articulado a través de imágenes que simbolizan conceptos como la alienación, la hipervigilancia, la desconexión de tus semejantes y tu entorno… Una imaginería con ecos de la ciencia ficción distópica que le sirve al director Ben Miethke para reflejar esa “enfermedad social”: masas grises y uniformes de gente avanzando por espacios vacíos, grupos de individuos encuadrados en lo que parecen carcasas de móvil sin relacionarse unos con otros, personas “invisibles” (en un efecto que recuerda al de ‘Depredador’)…
Pero, como ocurre en la mayoría de los relatos distópicos, existen focos de resistencia. En la última parte del vídeo aparecen personas buscando la “resonancia” de la que habla Rosa en sus libros, grupos que permanecen ocultos y unidos en los bosques como los memorizadores de libros de ‘Farenheit 451’, que se rebelan y expresan su malestar a través del baile, o que se detienen, conectan entre ellos y se vuelven “visibles”.
Moderat actúan el 6 de noviembre en Barcelona y el 7 de noviembre en Madrid. JENESAISPOP es medio oficial de esta gira. Entradas, aquí.
Paulo Londra ha anunciado que su nuevo single ‘Plan A’, el primero desde 2019, verá la luz el próximo miércoles 23 de febrero. «Después de 3 años, en dos días vuelvo con un temeke llamado Plan A», ha comunicado el argentino en sus redes. «Quiero agradecer a mi padres, mi familia y a todos los que me siguieron escuchando en las malas, porque se vienen las buenas».
Al tiempo que una imagen nueva de Paulo Londra ha aparecido en las pantallas gigantescas de Times Square con el texto superpuesto «él está de vuelta», Spotify ha estrenado un adelanto del videoclip de ‘Plan A’ en forma de anuncio. En él, Londra aparece caracterizado como jugador de baloncesto, y en la camiseta que lleva puesta puede leerse el sintagma «Leones con flow», el nombre de la «crew» musical de Londra.
El vídeo llega acompañado del eslogan «para un MVP, el juego nunca termina», que solo puede hacer alusión al parón profesional en el que Londra ha estado sumido en los últimos dos años. «MVP» son las siglas de «most valuable player», un premio que otorga la NBA al «jugador más valioso» de la temporada, y con él, el argentino viene a expresar que su momento en la música está lejos de haber acabado.
Parecía lo contrario hace un tiempo cuando Londra no salía de su retiro profesional, enfrascado en una batalla legal que le enfrentaba a su antigua discográfica por un contrato engañoso. En su nueva etapa, el argentino caminará de la mano de Warner Music Latina.
Al fin, después de casi 20 años en esto del periodismo musical, alguien me convoca a una entrevista en la Torre de Madrid, donde Iván Zulueta tuvo un apartamento en los 90. Se trata de Franz Ferdinand. No pasamos del hall principal, quizá porque el grupo llega unos minutos tarde después de comer y ahí es donde aguardo, pero la sensación de estar viviendo en otro tiempo que desde luego no es 2022 permanece en el aire. Foto: David Edwards.
Alex Kapranos afronta la conversación en solitario hasta que Bob Hardy (bajista) aparece a la mitad, pero es Kapranos el más dispuesto a hablar, el más divertido, el mejor conversador y también al que mejor entiendo dado el severo aprisionamiento de Hardy detrás de una mascarilla FFP2. Franz Ferdinand, que actúan el 25 de octubre en Barcelona, el 26 en Madrid y el 27 en Bilbao, están presentando un recopilatorio llamado ‘Hits to the Head’ que cuenta con un libreto muy currado, lo que nos permite hablar de temas de otro tiempo (o no), como la supervivencia del rock de guitarras, de la pertinencia de los «greatest hits» en la era playlist y hasta de Eurovisión.
Cada vez que un artista saca un recopilatorio, me pregunto qué sentirá mirando a su pasado. ¿Qué te ha sorprendido más encontrarte al repasar estos años?
A: «No escucho las canciones tras grabarlas, se expanden por el mundo y yo paso a lo siguiente. Es la gente la que las escucha. Recuerdo haber tocado estas canciones en el estudio y lo que he venido pensando es que hay una gran cohesión en nuestra carrera. Parece que todas las canciones pertenecen al mismo disco y eso no pasa siempre con las recopilatorios de los grupos (risas) «Sorprender» no sé si es la palabra, pero me alegra mucho ser consciente de eso, sienta bien».
Pero hay cosas diferentes, tampoco es como que no hayáis evolucionado nada, ¿no?
A: «También son diferentes, sí. «Right Words» es muy diferente a «So Much Better», pero se nota que son discos de la misma banda. No me gusta mirar atrás (risas). Entiendo por qué lo hace la gente. Este disco no es para mí, es para la gente. Como artista me gusta mirar al futuro. Me gusta tocar las viejas canciones en vivo, pero a la hora de escribir y grabar, es otra cosa. Sí es importante recordar de dónde vienes para comprender dónde estás. Es como cuando en una montaña buscas el camino correcto. Te paras, miras dónde está el río, y piensas «no puedo ir mucho hacia el este»».
¿Es vuestro primer recopilatorio? He visto alguno en Discogs.
A: «No fuimos nosotros. Alguien habrá hecho algún bootleg».
Cuando vi que habíais hecho un tema llamado ‘Curious’, pensé que sería «Michael 2» (NdE: su himno gay). Pero en verdad es un tema sobre el futuro.
A: «Sí. Lo mejor del futuro es que no lo conoces, es una sorpresa (risas). Lo que me excita del futuro es la sorpresa, escribir una canción nueva, tener ese momento, me gusta que me sorprenda la vida, no repetir patrones».
¿Es una canción sobre la música en sí?
A: «No, es sobre empezar una relación romántica, como cuando en las películas salen esos flashes de la vida antes de morir. Es sobre conocer a alguien, enamorarte y tener un flashforward sobre esa relación, sobre la pasión de enamorarte, sobre lo que deparará la rutina, tener la curiosidad de «¿me querrás?». Puede ser una metáfora sobre la música también, claro. Sobre tener la misma curiosidad: te encanto cuando me oyes por primera vez, ¿pero me querrás en 20 años cuando escuches mi música?».
Algunas de tus últimas letras van sobre la vida y la muerte.
A: «Siempre he escrito cosas así».
«Estoy obsesionado con el giro oscuro del romance, en lugar del obvio de enamorarse»
¿Has cambiado como persona en estos 3 o 4 últimos años de pandemia?
A: «Nos ha afectado a todos, ¿no? Como artista soy el mismo. ‘Darts of Pleasure’ era sobre lo mismo, y la escribí mucho antes de Franz Ferdinand. Estoy obsesionado con el giro oscuro del romance, en lugar del obvio de enamorarse. Eso no ha cambiado. La pandemia me afecta en que me ha hecho apreciar lo que es estar sobre el escenario. Es muy obvio decirlo pero es verdad. Hicimos el primer show hace poco y me he dado cuenta de que había dado todo esto por hecho».
¿Nunca fuisteis la típica banda que termina odiando hacer giras?
Bob: «Son 2 cosas diferentes: una cosa es el trabajo que da la logística de viajar y demás, pero estar en el escenario nunca me ha aburrido. No me aburro de los conciertos».
¿Alguna vez pensasteis que el directo no volvería? Porque primero iba a ser una quincena, luego meses, luego un año, luego dos…
A: «No, mirando la historia de las pandemias, duran 3 años y se van. Quizá fui naíf, pero no. Eso sí, no sabía cuánto tiempo sería esta».
«Muchas bandas se han destruido a causa de la pandemia»
Franz Ferdinand tienen buena posición en la industria para volver cuando queráis, pero ¿y los grupos pequeños? Siempre habéis estado muy involucrados con la escena de Glasgow.
A: «Totalmente, ha sido terrible. He producido a un grupo llamado Los Bitchos. En 2019, 2020… iban a empezar, iba a ser su año y les ha llevado 2 años poder publicar, me siento horrible por ellos. Muchas bandas se han destruido a causa de la pandemia».
¿Qué habéis hecho este tiempo a nivel leer, ver series, os habéis sentido creativos…?
B: «Normalmente leo mucho, pero he paseado, hecho fotos…»
A: «Al principio muchas cosas en el jardín, porque era algo físico, me sentó muy bien. También construí un estudio, y me refiero al trabajo físico que conlleva. En el segundo confinamiento ya sí escribí mucho».
¿Material por salir?
A: «Los dos canciones de este disco y otras también».
Franz Ferdinand siempre han sido rock y también electrónica. ¿Qué opináis de que Eurovisión haya hecho volver al rock a la palestra? No lo vi venir, la verdad. O no sé si Måneskin os parecen rock.
A: «Sí, claro que Måneskin son una gran banda de rock, desmesurada y despampanante. Fue enorme ver el contraste entre ellos y el representante británico (NdE: James Newman), lo siento por él, pero era una aburrida canción creada con ordenador, y salió con un puto anorak. Pensé: «representas todo lo aburrido de la música pop»».
La percepción es que UK no se toma Eurovisión en serio.
A: «Se han vuelto muy arrogantes en cuanto a Eurovisión. Odio esa actitud».
¿Nunca pensasteis que el rock había muerto, con toda la eclosión dance, reggaeton, trap…?
A: «Mucha gente que conozco, mis mejores amigos, piensan así. Y yo les digo: «sois unos putos idiotas, por supuesto que no ha muerto». Solo está muerto cuando nadie hace nada nuevo, pero hay cosas fabulosas. Mira a Wet Leg».
B: «Son ciclos, que van volviendo».
A: «Cuando nosotros empezamos, también decían que estaba muerto».
Mi sensación es que es difícil para una banda de rock ahora mismo ser cabezas de cartel. Fontaines DC me encantan, pero ya no son top 1 por un mes como Oasis, no venden 4 millones de sus discos como vosotros.
A: «Me encantan. Pero es como The Fall, nunca ibas a ver a una banda así de cabeza de cartel. Nosotros siempre hemos querido tocar canciones muy directas que llegaran. Fontaines DC son muy buenos, pero no creo que busquen eso, es una cosa diferente. Wet Leg hacen cosas más directas».
Las entrevisto mañana.
A: «Diles hola, que hemos hecho una sesión de fotos juntos».
¿Qué esperáis del futuro de la música?
A: «Imagino que habrá más deseo por las bandas, por cosas menos procesadas y menos ordenador. Veo en el underground en Londres y Glasgow que la gente no quiere ver más ordenadores, sino que les gusta ver cosas de punk rock. Esto lleva en el underground un par de años y llegará al mainstream tarde o temprano».
«No nos sentimos una banda británica, sino internacional»
Habéis pedido a un periodista francés de Les InRocks que os escriba el texto del recopilatorio. ¿Y eso?
A: «Nos apetecía porque es otra perspectiva, podría haber sido un español o un argentino o un sueco. Nos gusta JD pero es también porque no nos sentimos una banda británica, sino internacional, pertenecemos a todo el mundo. Nuestro deseo no era ser Brit Pop sino un grupo mundial».
De hecho hacéis estas portadas tan rusas… (NdE: la entrevista es anterior a la guerra)
A: «El constructivismo ruso lo hemos usado un montón. Los dos primeros discos y también un poco «Right Thoughts» tenía ese punto, y el nuevo. Como que hemos creado la Plaza Franz Ferdinand (risas)».
¿Este periodista escribió algo que os sorprendiera o que desconocierais sobre vosotros mismos?
A: «Dijo cosas muy amables».
B: «Nos entrevistó, estuvo muy bien».
A: «Hizo un texto poético, romántico, me gusta».
Creo que ha sido fácil escoger las primeras canciones del recopilatorio, pero las de ‘Always Ascending’… parece más arbitrario.
A: «Hemos cogido las mejores en vivo. Íbamos a poner ‘Lazy Boy’, pero…»
B: «Era más bien como un aperitivo para el disco que un single del disco. Si el recopilatorio hubiera sido más largo… pero al final escoges 20 canciones».
Mucha gente dice que ya no tiene sentido editar recopilatorios.
A: «Se equivocan (interrumpe). Es por lo de las playlists, ¿no? No hay playlists en doble vinilo. Es una playlist compilada con la banda, nuestra elección es la buena (risas)».
«El CD suena mejor que el vinilo pero no se lo digas a nadie»
Se habla mucho de la vuelta del vinilo, pero a mí lo que me sorprende es la de CD’s que aún se venden. ¿Vosotros compráis?
A: «No. Instalé un reproductor de CD hace un tiempo, porque tengo un coche viejo que dejé a mi novia de entonces cuando estaba aprendiendo a conducir y comprábamos CD’s para ponerlos en el coche. Me di cuenta de que tenía miles de cd’s. Instalé el reproductor y me gusta el proceso. Suena mejor que los MP3, de hecho suena mejor que el vinilo pero no se lo digas a nadie».
B: «Es una cuestión generacional, tengo una cantidad enorme de CD’s».
ABBA vendieron 200.000 cd’s en Reino Unido como en una semana. Yo no daba crédito. ¿Quién es esa gente?
B: «Gente mayor».
A: «Mi abuela, creo que mi madre también. Bueno, no…»
Habéis hecho un vídeo con coreografía…
A: «Nos llevó media hora»
¿De verdad?
A: «Noooo» (risas)
B: «Fue divertido, nos comprometimos mucho y lo pasamos tan bien… Fue como un desafío para nosotros, nos mirábamos los unos a los otros y no nos lo creíamos: moló un montón».
A: «Es una manera de poner a prueba a un grupo, porque si una persona no lo hace bien o no queda bien, el todo es un desastre, pero como todo el mundo se entregó…»
B: «No estábamos seguros de si podríamos sacarlo adelante, la verdad, nos sentamos en una mesa como 2 horas hablándolo para ver si iba a estar bien, no daba vergüenza… Y al día siguiente o al otro ya lo hicimos y bien. Estábamos coordinados. Le preguntamos a Audrey (nueva miembro) si bailaba y dijo: «la verdad que no» (risas) Pero lo hizo muy bien, está muy coordinada».
A: «Me gusta el entusiasmo de Audrey, para ir de gira, tocar en Madrid, es todo tan nuevo otra vez que deberíamos sentirnos plenos, y así es».
Para mí el humor siempre ha estado en Franz Ferdinand, no es este un vídeo que hubieran hecho Oasis.
A: «No creo que bailen muy bien» (risas)
B: «Pero sí eran divertidos, solo que no en cuanto a su música. Me gusta la música divertida, me gustan los artistas inteligentes».
¿Qué esperamos del futuro, en dirección artística, producción…?
A: «Estamos trabajando en nuevos temas, hay unas 8 canciones, pero no sabemos si estarán en un disco próximo o saldrán de otra manera. Las últimas 2 las hemos hecho con Stuart Price, y estuvieron bien, podríamos trabajar más en esa línea. Hay diferentes sonidos, un par de sorpresas, y ahora debatiendo si metemos grandes arreglos de orquesta».
¿E iréis tocando material nuevo en conciertos, como antes de ‘Always Ascending’?
B: «Veremos, este tour tiene el concepto de greatest hits».
A: «Estaremos tocando en octubre, noviembre… queda mucho, quizá saquemos alguna canción antes».
El mismo día que el gigante del reggaetón Daddy Yankee anuncia su adiós a la música, y un mes después que Izal anunciasen parón indefinido, Novedades Carminha comparten que ellos también se tomarán unos años de descanso para «ver todo en perspectiva».
En un comunicado que actualmente conforma su única publicación visible en Instagram, el grupo gallego explica que después de haber tocado durante 14 años, haber publicado cinco álbumes de estudio y haber realizado «cientos de conciertos en España, Estados Unidos y México», necesita parar de manera indefinida, y apunta: «No vamos a hacer conciertos de despedida de esta etapa como si fuéramos tonadillerxs ni intentaremos sacaros la pasta con un disco en directo o un recopilatorio. Palabrita».
Novedades Carminha ha sido uno de los mayores éxitos que ha dado recientemente la música independiente. El grupo de Carlangas, Xavi, Jarri y Anxo sumaba adeptos desde sus inicios garajeros, cuando entregaba hits como ‘Antigua pero moderna’, pero triunfaba especialmente tras entregarse a la música de verbena, el funk, el reggae o la música disco africana en sus últimos dos lanzamientos, ‘Campeones del mundo‘ (2016) y ‘Ultraligero‘. Su colaboración con Dellafuente, ‘Ya no te veo’, acumula 16 millones de reproducciones en Spotify.
‘Típica cara’, el último single de Novedades Carminha, salió el verano pasado, y Carlangas nos contaba entonces que el grupo se encontraba preparando un nuevo álbum que ya estaba en proceso de grabación y que estaba «muy avanzado». Su equipo informa a JENESAISPOP que el disco nunca se llegó a grabar.
Su comunicado empieza: «Amigxs, después de 14 años, 5 Lps, cientos de conciertos en España, EEUU y México, ver bailar con nuestra música a decenas de miles de personas (quién sabe cuántas…), que nuestros temas se hayan reproducido millones de veces y haber llegado a lugares que ni nos podíamos imaginar cuando empezamos, siempre desde la más absoluta independencia, hemos decidido que necesitamos un descanso y por eso vamos a parar indefinidamente. Estamos muy agradecidos a la vida, a público y fans por acompañarnos y a toda la gente que trabajó con nosotros: crew, sellos discográficos, promotores, productores, técnicas, mánagers, periodistas, realizadoras, diseñadores, fotógrafas, camareros y currelas varixs… A todxs menos a lxs seguratas, que algunos de puta madre pero la mayoría regular».
El texto continúa: «No vamos a hacer conciertos de despedida de esta etapa como si fuéramos tonadillerxs ni intentaremos sacaros la pasta con un disco en directo o un recopilatorio. Palabrita. Después de tanta intensidad y de tanta energía (no hay vacaciones en el rock) sentimos la necesidad como grupo de ver todo en perspectiva: tomar aire, coger fuerzas y estar fuera; echarlo de menos para -ojalá- poder vernos de nuevo. Y si no, ahí quedan nuestros discos. Somos colegas de siempre y para siempre, nos queremos mucho entre nosotros, os queremos mucho a vosotrxs y ya sabéis: saludadnos siempre».
«Del 1 al 10, te pongo un 3», canta Alaska en una de las canciones de su nuevo EP, como anticipándose a los más críticos a la hora de valorar sus últimos pasos artísticos. Fangoria continúan presentando una serie de EP’s titulados con palabras que empiecen por «E» y por «P» y tras ‘Existencialismo Pop‘, la primera parte dominada por el single ‘Momentismo Absoluto‘, es el turno de ‘Edificaciones Paganas’.
Se trata del primer lanzamiento en más de una década en el que no cuentan con la producción de Guille Milkyway, y por mucho que admiremos a La Casa Azul, eso puede ser bueno en el sentido de que su carrera va ya pidiendo cambios, y el propio Guille era partidario de que Fangoria exprimiera ahora su faceta más oscura. Lo extraño es que entre las campanas de ‘Del uno al diez’, el disco de ‘Mi burbuja vital’ y el pop sintético con referencia a ‘Stranger Things’ de ‘La pregunta del millón’, ‘Edificaciones paganas’ sigue una línea muy parecida a la de sus últimos años: termina siendo un EP sin Guille Milkyway que a veces se parece un poco a Guille Milkyway, solo que sin el detalle de Guille Milkyway.
También hay referencias a otras etapas suyas: el cabaret, el odio, su admiración por el bolero y la ranchera aparecen en ‘No me das pena’, en la que en cualquier momento podría aparecer Paquita la del Barrio para sumarse a frases como «Eres un bicho, vete y déjame», «Sal de mi vida y adiós» o «No me das pena ni me haces llorar / Vergüenza ajena es lo que tú das». También parece una de aquellas colaboraciones que hicieron con Mastretta, solo que aquí el clarinete es de Jon Klein. ‘Del uno al diez’, con la colaboración de Santi Capote de Ellos, recuerda mucho a ‘He’s on the Phone’, el tema de Saint Etienne que a su vez tomaba un préstamo de Étienne Daho, y tampoco está tan lejos de aquel momento en que Dinarama se obsesionaron con ‘Left to My Own Devices’ de Pet Shop Boys hasta el punto de que la replicaron en ‘No es el final’.
El EP termina con la repetición del chiste contado ya varias veces de ‘Satanismo, arte abstracto y Benidorm’, un tema que ya apareció en el EP anterior hasta 3 veces, por lo que esta es ya la 4ª que lo oímos, si bien hay que decir que por lo menos este EP parece más un EP al uso, al no dividirse entre temas y remezclas, presentando 5 composiciones diferentes.
No son las más inspiradas de su carrera, ni Alaska parece haber encontrado el tono ideal para sacarles partido, ni presentan el libreto más cuidado (nadie en Warner quiso supervisar que «tú pereza» y «tú desprecio» no llevan tilde), pero al menos es un EP liderado con algo parecido a un hit. ‘Mi burbuja vital’ recupera la sobriedad disco pre-Milkyway de ‘Más es más’, cuenta con una de esas estrofas que solo Fangoria pueden convertir en algo pegadizo sin que tengas ni idea de lo que significan («Lina Talamante se hizo eco del evento termonuclear / Tina de Jerez me hizo un hueco y vuelo en su nave interestelar»), su propio tarareo «na-na-na» (algo no tan habitual en su discografía), un vídeo inspirado en Valerio Lazarov y una nueva propuesta individualista como forma de supervivencia: «inventar otra realidad», «fabricar personalidad», construir tu «burbuja vital».
Uno de los vídeos de TikTok más divertidos que se viralizaron durante el confinamiento fue el de una joven marroquí afincada en Barcelona que representó literalmente la expresión racista «vete a llorar a tu país». Hanan Midan se abrió la cuenta por aburrimiento, decidió dedicar vídeos a la cultura o geografía africanas y ante los comentarios racistas que empezó a recibir por parte de algunos usuarios, contestó con más vídeos y más humor. En el vídeo que se viralizó, la joven de 18 años hacía como que llegaba al aeropuerto de Marruecos y comunicaba al agente que la atendía: «¿Es la frontera? Vengo a llorar y me vuelvo, que en España no me dejan, muchas gracias».
El vídeo es una joya porque destapa el absurdo del racismo, en concreto el de esta frase que implica que la persona que recibe dicho racismo no tiene derecho a quejarse de recibir dicho racismo (?), y Midan aseguró entonces que su intención al publicar estos vídeos era «hacer recapacitar a la gente con humor y cambiar la forma de responder al racismo».
El dúo belga formado por Charlotte Adigéry y Bolis Pupul adopta una perspectiva similar en su disco debut ‘Topical Dancer’. Ella tiene ascendencia caribeña, él china, ambos han experimentado el racismo desde dentro de Europa como ciudadanos europeos, y su manera de denunciarlo es escribiendo canciones de electro-pop divertidas que invitan a la reflexión en torno a temas como el racismo, la xenofobia, la misoginia o la apropiación cultural.
La ironía y el absurdo forman parte de su discurso, tanto como su intención por llevar a los clubs un sonido elegante y sofisticado, y una de las pistas que mejor sirven para entender este disco editado a través del sello de Soulwax y co-producido por los hermanos, es ‘Blenda’, un tema que habla sobre racismo desde el humor y sin caer en medias tintas.
‘Blenda’ reflexiona sobre la inmigración y, en concreto, sobre la confusión que el aspecto de Charlotte ha provocado en algunas personas. «Me parezco a ellos pero no para ellos, sueno como tú pero no para ti» es uno de los mantras que deja la canción, al que ella añade: «no sueno al aspecto que tengo, no luzco a lo que sueno». Con una melodía infantiloide y pegadiza, Charlotte reproduce en el estribillo ese ataque racista habitual que expresa «vete a tu país al que perteneces», ante lo que ella abre Siri y le pregunta: «¿puedes decirme dónde pertenezco?». Con esta frase, Charlotte y Bolis logran lo mismo que Midan, descubrir el absurdo del racismo a través del humor.
Ayer música y televisión se unieron en la entrevista de Rosa López en ‘Lo de Évole’, donde Jordi Évole y ella mantuvieron una conversación en la que se habló mucho de su pasado, pero desde la mirada de una sociedad que ha cambiado y que anima a reflexionar sobre los constantes juicios a los que se tienen que enfrentar las mujeres artistas. El peso físico, los problemas con hacienda, Eurovisión, las mentiras que dijo para entrar en OT y su caché actual fueron algunos de los temas que se tocaron en una entrevista con un pequeño accidente en directo incluido.
Que el machismo es un condicionante muy presente en la industria musical es algo indiscutible. Las mujeres artistas tienen que aguantar sentirse constantemente juzgadas por su aspecto físico, sus actitudes, decisiones, y en el caso de Rosa a eso hay que sumarle su característica personalidad campechana. En la entrevista, Évole le enseña a la artista un vídeo donde Carlos Lozano saca el tema de su peso muy a menudo durante las emisiones de Operación Triunfo. El vídeo deja en evidencia a una sociedad que se ríe de ellas, incluso Rosa parecía no ser capaz de ver el problema, pero en el fondo sabía que algo de aquello estaba mal: “era lo que querían escuchar”.
Jordi Évole aprovecha para lanzar una reflexión sobre cómo se comportaron los espectadores con ella: “Nos enamoramos de una cosa que luego lo que hicimos fue transformarla”. El programa invitó a Rigoberta Bandini para que comentase un fragmento de la entrevista, precisamente uno relacionado con Eurovisión, donde Rosa explica cómo toda España se creía que iba a ganar el festival y que un séptimo puesto dejó insatisfechos a todos. Rigoberta, entre bromas, confiesa: “Madre mía de la que me he librado, muchas gracias, jurado”. La entrevista goza de varios momentos memorables como las tres mentiras que contó para entrar en OT, (su origen armillero, que tocaba el piano y que hablaba inglés), pero el momentazo por excelencia llegó cuando a Rosa se le cayó encima un espejo en el instante más emotivo de la entrevista, generando una mezcla de lloros, risa, drama y comedia inolvidable.
“Esta carrera, que ha sido un maratón, al fin veo la meta». Daddy Yankee ha decidido poner punto y final a su trayectoria después de 32 años llenos de música, ritmo y recuerdos en un emotivo vídeo que ha publicado en su página web. El que ha sido el artista más grande del reguetón dará un último coletazo con un nuevo álbum ‘Legendaddy’ que verá la luz este mismo 24 de marzo y una gira final (‘La Última Vuelta World Tour’) antes de bajarse de los escenarios definitivamente.
El reguetón y Daddy Yankee han crecido de la mano estas últimas décadas, y la historia de ambos no se puede entender sin la influencia del otro. El artista dice en el vídeo, “Este género la gente dice que yo lo hice mundial, pero fueron ustedes los que me dieron la llave para abrir las puertas, para convertir este género en el más grande del mundo”. Daddy Yankee ha hecho protagonistas a sus fans, refiriéndose a ellos constantemente, motivándolos y agradeciendo su apoyo durante todo este tiempo: “En los barrios donde nosotros crecimos, la mayoría queríamos ser narcotraficantes. Hoy por hoy yo bajo a los barrios, a los caseríos, y la mayoría quieren ser cantantes. Eso para mí vale mucho”
El último álbum del reguetonero saldrá este jueves 24 de marzo bajo el nombre de ‘Legendaddy’, con la intención de cerrar su propio ciclo por todo lo alto. Daddy Yankee ha querido recopilar todos los estilos que lo han definido en un solo álbum que, en sus propias palabras, será lucha, guerra, fiesta y romance. Además, no faltará la gira por todo lo alto, ‘La Última Vuelta World Tour’, que recorrerá el continente americano de arriba abajo pero que no visitará Europa. Sin embargo, el artista sí tiene conciertos y festivales programados en el viejo continente fuera de las fechas de esta gira, así que todavía existe la posibilidad de ver por última vez al rey del reguetón en vivo.
Bonitx ha esperado solo un año para publicar su segundo disco, pero ‘soft butch’ representa una evolución importante en varios sentidos para le artiste no binarie de Barcelona. El principal es el sonoro. El debut de Edu Rubix devaneaba entre la «PC Music y el techno-dream-pop de dormitorio», y el presente opta por asentarse en el R&B de los 80. El segundo tiene que ver con las canciones. ‘Bonitx’ languidecía demasiado, ahogado en toneladas de vocoder que difuminaban demasiado melodías y letras, pero este problema no se repite en ‘soft butch’, sino que Bonitx lo supera por completo.
Edu Rubix ya citaba a Prince entre sus mayores influencias en los tiempos de su primer disco, por tratarse de un artista que era «queer» mucho antes de que esta palabra dominara el lenguaje popular. Bonitx comparte en común con el genio de Minneapolis que escribe, compone y produce todas sus canciones ella sola, y el álbum tampoco teme sonar todo lo comercial posible: aunque el sonido de electro-R&B de ‘soft butch’ es vinculable más bien a artistas tipo Jessy Lanza, Nite Jewel o Junior Boys, a su vez estos artistas no siempre se han atrevido a entregar canciones tan abiertamente pop y comercialoides como las incluidas en este disco. Si nunca pensaste que una canción de Bonitx te pudiera recordar a Bruno Mars -en concreto al último-, escucha ‘al final nada es para siempre’ y date cuenta de tu error.
Las canciones de ‘soft butch’ son simples y directas. Se nota (o eso parece) que Edu ha estudiado al dedillo las progresiones de acordes típicas del R&B y las estructuras de composición que se requieren para construir un hit y, así, en ‘soft butch’ da con una colección de canciones muy definidas, encabezada por una composición conmovedora llamado ‘tan sola’ que habla sobre la soledad que ha sentido en el marco de identificarse como persona no binarie , pero que en absoluto se desinfla pasada esa pista 1.
‘déjate ver’ conforma un single muy claro que te reta a que «no vengas queriéndose usar como una experiencia para jugar», el estribillo de ‘cosa de chicos’ deja huella entre sonoridades witch-house y solos de guitarras eléctrica, ‘nunca te quise besar’, ‘vas a acordarte de mí’ y ‘¡mírame!’ también son ultra «radio-friendly» y ‘vete con alguien normal’ es uno de esos temas que parecen menores pero resultan «growers». En ‘soft butch’, Bonitx se rodea de ambientes cálidos, chasquidos de dedos, punteos de guitarras funky, teclados narcotizados a lo Minneapolis Sound, vocoders a lo Gap Band y otros trucos típicos del género, y entrega una serie de canciones sólidas que se mantienen fieles a su sonido de pop vocoderizado inicial.
La inmediatez del pop sienta muy bien a las canciones de Bonitx y sobre todo a sus letras, que siguen hablando de su experiencia como persona no binarie pero ahora adoptan un tono más «shady» en sus propias palabras; letras en las que Edu viene a contar su historia de «emancipación y empoderamiento». La soledad de ‘tan sola’ da lugar al orgullo e incluso a la confrontación por la ignorancia y violencia que Bonitx observa a su alrededor o dirigida a elle misme, en forma de fetichización o miradas de desconcierto. Los retos se suceden uno tras otro en frases como «soy lo que te da miedo ser» o «no debo nada a tu masculinidad», y una canción recibe el maravilloso título de ‘no me mires, hetero’. «Mírate a ti», apunta elle.
Pero no todas las canciones de Bonitx vienen cargadas de una intención política explícita. Edu canta francamente sobre sus problemas de autoestima o de comunicación social, o retrata tiernos momentos de intimidad, como el de ‘mientras duerme’. Y ‘dame tu tiempo’ es prácticamente una oda a la dignidad: Edu se dirige a una persona para comunicarle que «da igual que no tengas likes, solo tienes que hacerme ver que no eres como los demás» y, quizá en un momento de debilidad, se resigna a pedir «haz ver que te importa lo que hago y lo que siento». Música y mensaje no pueden ser más elocuentes: no extraña que esta canción, pese a ocupar la pista 8 del disco, sea la más escuchada en Spotify solo por detrás de ‘la señal’, el single de presentación de esta nueva era que no ha sido incluido en ‘soft butch’.
Todos los mensajes que transmite Bonitx en ‘soft butch’ quedan claros como la luz del día gracias a lo definidas e inmediatas que suenan las canciones. Aunque quizá solo nos tuviéramos que fijar en el título del disco: Edu se identifica con el término LGBTQ+ que se emplea para referirse a las «mujeres lesbianas que exhiben rasgos de las butch (lesbianas masculinas) sin encajar en su estereotipo asociado». En mi opinión, Edu representa con esta decisión la libertad de ser quien desea ser, y además también refleja el contenido musical de un disco que navega ambos lados, de manera fluida y libre.
