Puede que ya no lo recuerdes, pero hubo un momento en que el Paraíso Festival dejó de ser una realidad: un año llovió (llovió mucho), y cuando parecía que se iban a asentar como cita imprescindible de Madrid, contrataron nada menos que a FKA twigs… dos meses antes de que el mundo se fuera a la mierda. En 2021 tampoco pudo celebrarse y Paraíso volvió a ser sólo una sauna de esta ciudad, aunque el festi había anunciado una asociación con el Sónar que parece haber caído definitivamente en saco roto.
Pero es 2022 y no hay nada que el público celebre más que un buen comeback: todos hemos aprendido no se puede dar nada por garantizado en esta vida. Paraíso Festival ha vuelto anunciando una versión «reducida», y tampoco es que pueda decirse exactamente que fuera tal, salvo por la falta de algún cabeza de cartel. Miles de personas han acudido fieles a esta nueva edición, en absoluto desangelada, por momentos abarrotada (16.200 asistencias sumando los 2 días), pero siempre sin colas en ninguna barra ni (casi) en el baño, salvo en hora punta. El público ha respondido en su matrimonio con Paraíso Festival, dando a entender cuánto necesitaba un evento de música electrónica finolis en Madrid, en sintonía con esa performance de La Juan Gallery con Silvia Mannequeen que se dejó ver en el recinto. En ella una serie de novixs se «casaban con el techno».
Por la tarde, predominaron los «lives», sobre todo de artistas femeninas. A Charlotte Adigéry y «su hermano» Bolis Pupul les tocó con el sol de cara en el escenario principal, coronado para todos con tremenda bola de espejos y varias pantallas con proyecciones. En estricto formato dúo -Bolis a las bases y ella en directo- repasaron un repertorio con momentos más pop y momentos más arduos en su aproximación electro, en el que destacó el hit ‘Blenda’ y sobre todo la interpretación de ‘HAHA‘. Es ese tema en el que Charlotte, que portaba un glamouroso vestido-delantal plateado a juego con el escenario, pasa en varias ocasiones de la risa al llanto. El público dio su visto bueno pese al calor a las 19 horas.
De Bélgica a Francia. Muy diferente fue el concierto en formato cuarteto de la banda de Crystal Murray. La cantante recordó las canciones de R&B que escribió con 15 años, como ‘Princess’, en varias ocasiones recordando los tiempos en que se hablaba del neo-soul de Lily Allen y Amy Winehouse, cuando Crystal era tan sólo una niña. Un set variado, quizá algo indeciso, con los ramalazos de pop-rock ahogando el lado más dance de la sobresaliente ‘Too Much to Taste’ y la adaptación de ‘Strict Machine’ de Goldfrapp.
Shygirl no ha podido actuar en el Orgullo junto a Madonna porque, como nos contaba ella misma, ya había firmado con otros eventos. En concreto con Paraíso y Glastonbury. Mientras nos preguntamos, visto lo visto, si también nos aguarda un remix suyo para la Reina del Pop, no hay persona en Madrid que no te cuente cuánto rencor encierra su corazón para Shygirl por una accidentada performance en la ciudad en la que tardó muchísimo en subirse al escenario, y muy poco en marcharse a su casa.
Shygirl actúa ya anocheciendo, se beneficia de ser la primera en contar con un público masivo, pero su set es demasiado austero y estático. Aparece sola, con un exceso de pregrabados y sin alentar a la gente lo suficiente. Lo mejor son realmente sus producciones, que pasan de los beats 90’s (‘Cleo’) a la experimentación (‘FREAK’) sin olvidar ese arranque más espiritual en el que presenta a la «Ninfa» del disco que saca en otoño. ‘Firefly’ todavía no ha sido «Canción del Día» en JENESAISPOP: una vergüenza, ciertamente.
Ante la falta de un cabeza de cartel determinado, tan pronto como a las 23 horas, Paraíso Festival parece el Sónar a las 4 de la madrugada. Por el Escenario Club desfila el B2B de Danilo Plessow y Marcellus Pitman, con una paleta de ‘Chicago’ de East Coast Love Affair a James Brown; Roman Flügel y al final Ivan Smagghe. Por el recogido Escenario Nido lo hacen David Ponziano y Javi Redondo y Álvaro Cabana…
… pero la gran revelación es el Escenario Jardín. La autora peruana Sofia Kourtesis no había logrado de día diferenciarse de la amalgama de techno, house y «retazos de acid» imperante toda la noche, por todas partes -a cierta hora habría matado por un poco de hyperpop, drum&bass, latineo, drill, trap o cualquier otra cosa-, pero las sesiones de CC: Disco -rescatando clásicos perdidos de la ídem-, Jeremy Underground -algo parecido- y HUNEE -ligeramente más orientado hacia los beats africanos- llenaron este espacio tan cuco situado en el bosque de la Universidad Complutense. La noche se cerró, pues, escuchando clásicos de The Blaze y Laurent Garnier. Hoy actúan Rusowsky con Ralphie Choo, Chico Blanco, John Talabot B2B con Pional, Baiuca, etcétera. No se lo pierdan.
Como consecuencia de la revocación de la protección constitucional al derecho al aborto en Estados Unidos, tras casi 50 años estando en vigor, Lizzo y Live Nation han comenzado una colaboración con la que han prometido donar 1 millón de dólares a organizaciones que ofrecen acceso seguro al aborto, como Planned Parenthood y la Red Nacional de Fondos para el Aborto. El dinero saldrá directamente de las ganancias del próximo tour de Lizzo, el llamado ‘Special’ tour.
Este viernes, la Corte Suprema de Estados Unidos anuló la histórica sentencia de 1973, conocida como «Roe vs. Wade», que hacía el aborto legal a nivel federal. Ahora que esta ley ha sido revocada, los estados tendrán total libertad para ilegalizar el aborto si así lo desean, forzando a las mujeres que deseen este servicio a emigrar entre estados o a someterse a este procedimiento bajo condiciones no seguras. En estos momentos, 11 estados están en proceso de establecer leyes anti-abortistas y en 5 estados el aborto ya es ilegal.
Lizzo anunció en Twitter que iba a donar 500.000 dólares a la causa y que Live Nation donaría los 500.000 restantes. La autora de ‘About Damn Time’ ha sido la última en una larga lista de artistas que se han pronunciado en contra de la derogación de la ley de 1973, entre las que se encuentran Taylor Swift, Halsey, Billie Eilish y Mariah Carey.
I’m pledging $500k from my upcoming tour to Planned Parenthood and Abortion Rights. Live Nation agreed to match— to make it 1 MILLION dollars
The most important thing is action & loud voices. @PPFA@AbortionFunds & organizations like them— will need funding to continue offering services to people who are most harmed by this ban
Tres temas de ‘Un verano sin ti’ van a dejar atrás el éxito del primer single propuesto del disco, ‘Moscow Mule’. ‘Me porto bonito’ es el nuevo tema de Bad Bunny más escuchado en el mundo, ‘Tití me preguntó’ lo es en España y ‘Ojitos lindos’ es el mejor. Es nuestra “Canción del Día” hoy y una de las mejores canciones de 2022.
Bomba Estéreo, autores del enorme ‘Amanecer’ y más recientemente del notable ‘Deja’, ya habían tenido un hit a nivel mundial con el remix de ‘To My Love’ de Tainy, pero ahora ‘Ojitos lindos’ acaba de superar sus 250 millones de streamings. Parece claro que la creación de Bomba Estéreo con Bad Bunny duplicará tal cifra, pues va por 254 millones en menos de 2 meses.
Al margen de los números, ‘Ojitos lindos’ contiene la melodía y la elegancia de esos Bomba Estéreo que se resisten a caer en la vulgaridad de las letras del reggaetón, como nos contaban el año pasado en una entrevista. Es esta una canción romántica en la que han conseguido enredar a Bad Bunny, que prácticamente a capella recita en un momento dado: “hace tiempo que no agarro a nadie de la mano / hace tiempo que no escribo “buen día, te amo”, pero tú me tienes enredao».
Mientras Bomba Estéreo se quedan el precioso estribillo, leit motiv de la canción, lo más recordable, Bad Bunny reaparece en todo su esplendor más veces de las que esperas, con ganchos marca de la casa y frases tan constructivas como “aquí no existe el pecado y equivocarse es bonito, los errores son placeres, igual que todos tus besitos”. Por no hablar de ese final en el que se entretiene entre girasoles y caracoles, o finalmente -él no lo puede evitar- bellaqueando.
Bomba Estéreo actúan el 1 de diciembre en el WiZink Center de Madrid y el 3 de diciembre en el Sant Jordi Club de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial de la gira española. Las entradas están disponibles en Seetickets.
Cupido logran su primer número 1 en JENESAISPOP con uno de los temas incluidos en su último disco ‘Sobredosis de amor’, que recientemente fue nuestro Álbum de la Semana. Se trata de ‘Un cabrón por suerte’. Hasta ahora, el mayor hit de Cupido entre nuestros lectores era ‘Autoestima’, que no pasó del número 21, aunque es verdad que aguantó en la parte baja de la tabla durante meses. Curiosamente, ‘No sabes mentir’, fue propuesta como candidata por la redacción en 2018, pero el público no la llevó a ningún lugar del top 40.
Nada desdeñable es la subida al número 2 de ‘Mistakes’ de Sharon Van Etten, mientras la entrada más fuerte es la de Hercules & Love Affair con ANOHNI. Joji, Ethel Cain, yeule, Confidence Man y TSHA completan esta tanda de entradas.
En 1991, Michael Jackson dejó boquiabierto a medio mundo con el videoclip de ‘Black or White’. Era la primera vez que se utilizaba la técnica del morphing en un producto audiovisual de masas.
30 años después, Kendrick Lamar utiliza en ‘The Heart Part 5’, el tema que no pertenece a su álbum ‘Mr Morale and the Big Steppers’ y samplea a Marvin Gaye, una estrategia conceptual muy similar. Aunque eso sí, usando una tecnología mucho más sofisticada (obviamente) y articulando un discurso muchísimo menos optimista que el de Jackson.
‘The Heart Part 5’ es una colaboración entre Dave Free (realizador habitual de los clips de Lamar o Jay Rock) y la empresa Deep Voodoo, perteneciente a Trey Parker y Matt Stone, los creadores de ‘South Park’. El estudio es especialista en deepfake, la manipulación de imágenes reales a través de técnicas de inteligencia artificial capaces de alcanzar un grado de realismo asombroso (y peligroso, ya que promete elevar la desinformación, las fake news, a otro nivel).
El vídeo comienza con el mensaje “Yo soy. Todos nosotros”. Una frase que adquiere todo su significado a partir del minuto 1:44, cuando el rostro del cantante se transforma, tras un simple gesto de estremecimiento, en el de un joven O. J. Simpson (en la actualidad tiene 74 años). A partir de esa impresionante y muy inquietante transformación, se suceden otras: Kanye West, Jussie Smollett, Will Smith, Kobe Bryant y Nipsey Hussle.
Todas son celebridades afroamericanas, y todas han ocupado la crónica de sucesos en los últimos años (Kobe Bryant y Nipsey Hussle de forma trágica). Además, cada aparición, cada transformación, parece tener relación con la letra de la canción. Esto es muy evidente en el caso de Hussle. El rapero, gran amigo de Lamar, murió asesinado a tiros en 2019. Y la letra de la canción, cuando aparece su rostro, habla directamente de su asesinato.
Después de experimentar con dos EPs, Natalia Lacunza presenta su debut oficial con ‘Tiene que ser para mí’, su primer disco largo, nuestro «Disco de la Semana». Ya nadie se acuerda de su paso por la Academia de OT: la artista navarra ha logrado consolidar en estos tres años una carrera muy digna que tan solo acaba de empezar.
Con muchas influencias en su cabeza que van desde el pop alternativo a la electrónica más ambiental, el sonido de Lacunza la ha llevado a ser considerada la madre del bedroom pop nacional. Tan pronto te hace un hit ochentero radiofriendly (‘Cuestión de Suerte’), como un drum’n’bass más experimental (‘Todo va a cambiar’) o un bolero (‘Tiempo atrás’). Hablamos con ella largo y tendido sobre este disco, su larga búsqueda hasta encontrar su sonido y la sensación de autocuidado que desprenden las nuevas canciones. Esta noche de viernes 24 de junio, podéis verla en Tomavistas Extra.
Cuando salió tu primer EP, ‘Otras Alas’ (2019), mucha gente te observó con lupa y decía que te parecías a Billie Eilish. Incluso me lo parecía a mí en temas como ‘tarántula’. Pero después, entre ‘ep2’ (2020) y ahora con ‘Tiene que ser para mí’, por fin digo: “Esto ya suena a Natalia”. ¿Es difícil encontrar el sonido propio de una misma y quedarse satisfecha?
Claro, es que eso es normal. Yo venía de solo hacer canciones en mi casa y nunca había trabajado con productores ni había tenido la oportunidad de hacer algo más profesional. Entonces, es lo que tú dices: sales de OT, todo el mundo te tiene el ojo puesto y tú acabas de nacer y no tienes ni idea de nada. Aunque yo sí tenía muchas referencias y una idea de por dónde quería ir. Estoy muy contenta de mis trabajos previos: ‘Otras alas’ y ‘ep2’. Pero ‘Tiene que ser para mí’ es el padre de estos dos, es la edad adulta.
Tiene todo el sentido porque en estos tres años yo también he cambiado mucho a nivel personal y he vivido muchas cosas. Básicamente ha sido hacerme mayor, tener una responsabilidad gigante en todos los sentidos y adaptarme un poco a todo esto. Han sido tres años de búsqueda constante, de tener miedo a hacer ciertas cosas y romper con eso para estar más contenta. Además, lo que dije después de hacer los dos primeros EPs fue: “Quiero dejar de trabajar con ochenta productores para un solo proyecto”. En esos trabajos sí hay cierto hilo conductor en cuanto a melodías o letras, pero en este disco dije: “Voy a formar un equipo sólido de gente con el que voy a hacerlo entero”. Al final, hacer un disco es una cosa muy seria y yo siempre he tenido claro que no es una tontería. No estaba nada preparada para hacerlo desde el principio.
Y por eso tomaste la decisión de trabajar codo con codo con Pau Riutort para producir ‘Tiene que ser para mí’.
Sí, hemos estado trabajando todo el rato con Pau, el productor, que ahora es uno de mis mejores amigos también. El hacer todo el proyecto con él ha sido mucho tiempo juntos. Yo escribo mucho desde la emoción de las cosas reales, y él ha estado ahí poco a poco conociéndome y aguantándome en mis días malos. Sobre todo, escuchándome un montón. Este disco lo hemos co-producido totalmente y estoy muy contenta con ello; no siempre te sientes 100% libre, escuchada o reflejada con los productores. Yo le explicaba todo, he trabajado mucho la comunicación y ha sido muy divertido porque he podido hacer lo que me ha dado la gana. Él sabía de todas mis referencias y hemos llevado todas mis ideas a cabo, las ha hecho brillar.
Se nota que es un disco muy compacto y orgánico. ¿Era vuestra intención?
Ha sido muy guay porque yo tenía en mente la idea de hacer un disco que fuera muy llevable al directo. Después de empezar la gira con los dos EPs anteriores, me di cuenta de que había estado componiendo pensando en la escucha con cascos, más íntima. Y no sabía cómo iba a llevar eso al directo, así que tuvimos que hacer un remake de todas las canciones para llevarlas al mood orgánico. Fue un curro.
Venía de haber hecho mucha música intimista, atmosférica y de viaje sonoro. Pero luego, yendo a conciertos y tocando yo misma, me di cuenta de que no solo quería transmitir esa profundidad; quería llevármela a otro mood y partir de un punto más orgánico, a pesar de que tenga cosas programadas. Quería que esta vez la gente moviera la cabeza y saltara. Pau venía mucho del directo y ha tocado un montón, así que me ha ayudado en eso para esta gira. De hecho a veces toca también en la banda. Al final, el proyecto también es suyo.
«Había sacado tantas colaboraciones el año anterior que tenía ganas de pegar un puñetazo en la mesa»
Viniendo de colaborar con gente que le está yendo bastante bien a nivel mediático o streams como Leiva, Guitarrica, Cariño, Aitana, los franceses Videoclub… has preferido hacer un disco largo casi todo sola. ¿Intencionado o salió así?
Todas las colaboraciones las hago de manera intuitiva. La más mainstream que he hecho ha sido con Aitana, que me vino una propuesta desde fuera. Dije que sí porque me pareció muy guay que diera ese giro con ‘11 Razones’ y al final es una artista con la que comparto A&R y me hizo ilusión que me dijera de colaborar con ella. Lo mismo con Leiva, me preguntaron ellos. Pero las que yo decido voluntariamente en mis proyectos las hago porque hay conexión genuina y porque tenemos mucho en común. También me baso mucho en la amistad, sinceramente.
Con este disco mandé bastantes propuestas pero eran todo artistas de fuera. Creo que ‘Tiene que ser para mí’ tiene un punto bastante europeo. Pero al final no surgió ninguna y dije: “Mira, mejor”. Había sacado tantas colaboraciones el año anterior que tenía ganas de pegar un puñetazo en la mesa y decir: “Este es mi repertorio, estas son mis canciones y no necesito que nadie se suba en ellas porque están genial”.
Tal es la rareza en el plano de las colaboraciones que, en el último tema titulado ‘Cartas de Amor’, cantas junto a RUPTURA, el proyecto de una amiga tuya que justo está despegando. Tuve que hacer un buen research para saber sobre ella…
Normal, porque no tiene nada más aún (risas). Es su primera canción, está empezando. De hecho, ella fue la que tuvo la idea de esta versión de Los Moles, la tenía guardada. Ella tenía una demo con la que yo estaba obsesionada. No la quería sacar porque estaba insegura, pero llegó un día, después de muchos meses, que le dije: “Tía, me gusta tanto que te diría de sacarla en mi disco en plan colaboración”. Lo dije un poco de coña porque no quería acaparar su canción, pero al final ha quedado súper bonito y es una de mis favoritas del disco. Somos muy amigas, surgió súper natural.
«El mood ochentas está súper trillado. Todos los artistas de pop latino lo hacen»
En cuanto a la otra colaboración, con Karma C interpretas quizá la canción que más se sale del sonido habitual de este disco: “Todo va a cambiar”, un drum&bass peculiar. ¿Tuvo otro proceso de composición distinto?
Creo que es porque no tiene ninguna intención pop. Algo puede tener porque la base al principio era mucho más ochentera. Entonces yo puse encima la melodía y la letra, pero me rayé un montón porque no me quería repetir: ya tenía ‘Cuestión de suerte’, que es muy evidentemente ochentera. Me parecía un poco redundante y además ya no me interesa tanto porque el mood ochentas está súper trillado. Todos los artistas de pop latino lo hacen. Estaba un poco aburrida con eso. Así que estuvimos dándole muchas vueltas.
He estado escuchando muchísimo drum&bass últimamente y me flipan los artistas que lo incluyen pero que no es evidente. Tenía la espinita del drum&bass, y un día, en Mallorca, estábamos Pau, Tere de Ganges y yo buscando loops por probar y dijimos: “¡Dios! Ya está”. Es la más hyperpop. Me gusta porque le da un punto más arriesgado al disco y le da un final bastante apoteósico.
Esa canción me ha llevado a tu etapa más anterior, cuando colaborabas con artistas más experimentales como mori o Bronquio. ¿Cuáles son tus influencias más underground de ese rollo ahora mismo?
Mis artistas favoritos de España son los del sello Rusia IDK: mori, rusowsky, Ralphie Choo, DRUMMIE… Tienen una propuesta súper interesante. De hecho, vamos a currar juntos y me apetece un montón. Es divertido y arriesgado. Están haciéndose su hueco, siento que las propuestas alternativas están haciendo todo con fuerza. Ya llevan haciéndolo desde hace unos años pero ahora se está llevando a la realidad. El concierto de rusowsky en la Shoko estaba petado, todo el mundo bailando muchísimo. Fue como: “Aquí está pasando algo”.
Sí, yo también noto que antes era la ola del trap o lo urbano, y ahora hay una nueva en torno a todo eso. ¿Cómo la llamarías?
Ya. Yo creo que todavía no tiene una definición, tiene que pasar un poco más de tiempo. Es toda esta influencia que viene del garage, la evolución de la electrónica… Creo que hemos pasado a que nos guste algo más sugerente, en vez de un trap evidente. Queda mucho por explorar todavía en ese sentido, sobre todo en España. Por eso me parece muy interesante que esté pasando esto. Creo que empezó en 2019 o algo así, pero un montón de artistas alternativos sin sello ni nada fueron creciendo en streamings y gracias a las redes sociales. Es súper guay.
Antes solo podías crecer en la música gracias a las playlists de Spoti o la radio, y ahora hay más cabida para mucha más gente. Que eso también lo hace más complicado al mismo tiempo, pero bueno. Producirte a ti sigue siendo caro, pero puedes hacer cosas humildes. Y aunque sea humilde, puedes plasmar tu idea aunque no sea 100% el sonido que necesitas o el master y la mezcla súper pro. Da igual. mori, por ejemplo, empezó así; o Guitarricadelafuente, se grababa a sí mismo. Tenía canciones súper virales y era un master pochísimo, ¿sabes? Te das cuenta de que da un poco igual, a la gente le llega. Da igual que la mezcla sea la polla y te haya costado cinco mil pavos o que no te hayas gastado nada.
«Mis artistas favoritos de España son los del sello Rusia IDK: mori, rusowsky, Ralphie Choo, DRUMMIE…»
Pero volviendo a tu disco, ¿qué influencias sonoras has tenido en mente para ‘TQSPM’?
He escuchado mucho de este tipo de pop alternativo en plan ambiental que juega con ritmillos de trap. Joji es como una referencia que tengo desde hace mil años y que me ha seguido influyendo a día de hoy. BENEE también me petó la cabeza cuando la conocí. De repente ha pegado un boom, me ha inspirado muchísimo. Ella también hace estas mezclas de dreampop, metiéndole de todo, y es una genia mezclando conceptos y melodías. The Neighbourhood también, PinkPantheress…
Qué pena que cancelara en el Primavera a última hora…
¡Ya! Qué rabia. Estaba ahí casi solamente por ella (risas). También me dio rabia que cancelaran Holly Humberstone, Clairo… A mí porque me invitaron, pero no hubiera pagado dinero por ir. Aunque me lo pasé muy bien igualmente. Vi a Fred Again, que es uno de mis artistas favoritos también. Ahí tienes otra influencia en el disco (risas).
Hay que hablar también de la aportación de Silvana Estrada en el bolero ‘Tiempo atrás’. ¿Qué tal componer con ella en México?
Fue súper, súper bien. Ella es una tía increíble, conectamos un montón muy rápido. Estuvimos toda una tarde hablando de nuestras mierdas (risas), contándonos nuestras penas. Componiendo también fue súper rápido. Fue un gusto. De hecho, iba a ser una colaboración al principio, pero ella estaba muy liada por la gira y no le dio tiempo a grabar las voces definitivas. Yo tengo en mi móvil una demo con la voz de Silvana.
«Quise hacer el disco divertido y ameno, a pesar de que el contenido pueda ser intenso»
En cuanto a las letras, me gusta ponerme especialmente este disco porque me da paz escucharlo. Es como ponerse música de autocuidado o sentir un pequeño abrazo. Y puedes disfrutarlo estando en dos moods: o de subidón o de bajón. Cosa que no es fácil.
Sí, literal. Pero porque está jugando todo el rato con esa ambigüedad. Una canción puede estar contando algo que te pone muy triste o muy contento, y, aparte de eso, la música lo hace muy entretenido. Así yo tampoco renuncio a mi intensidad como artista (risas). Dije: “Quiero compensar esto con la instrumentación, con los BPMs de la canción, con el tipo de producción”…. Hacerlo divertido y ameno, a pesar de que el contenido pueda ser intenso.
Me da la sensación de que ahora hay muchas canciones dedicadas al empoderamiento extremo, que está genial, pero no todos somos Beyoncé 24/7. Aquí veo fuerza desde la honestidad y la vulnerabilidad.
¡Exacto, yo también lo pienso! Es que ‘MOTOMAMI’ es un sueño. Lo he hablado un montón de veces. Creo que, para llegar a ese estado de gracia, tienes que no ser humano. Hay un mood en la música mainstream en España que, en vez de abrazar la vulnerabilidad, es todo lo contrario: ser el más chulo, la más chula, no hay nada por encima de mí… Y, en realidad, eso es falso: nadie somos así. Es una expectativa falsa sobre la vida. Para ser la puta ama también hay que saber abrazar las cosas malas y curar heridas. A mí la música me ha servido siempre para sentirme acompañada y comprendida, para sanar X cosas… Entonces creo que yo estoy intentando hacer lo mismo con mi música, inconscientemente. Hacer canciones-tirita.
De hecho, ‘No me querías tanto’ apunta a ser el hit escondido del disco. ¿Por qué crees que está conectando tanto con la gente?
‘No me querías tanto’ está hecha desde el sentimiento colectivo. Precisamente, el estribillo dice: “Como tú, hay tantos, tantos, tantos”. Después de tres años viviendo en Madrid y conociendo la realidad de la industria, y todo lo que pasa por dentro, que nadie sabe… Es una canción que obviamente he escrito desde mi experiencia, pero a la vez pensando en esa sensación global. Es una cosa que pasa todo el rato. Si puedo ayudar a alguien a darse cuenta de que está metida en una mierda que no se la merece, pues genial. Ni siquiera lo he hecho egoístamente ni nada, sino desde el pensamiento de: “Si yo hubiera escuchado esta canción hace dos años, igual me habría planteado cosas”.
De hecho, la canción puede hablar no solo a nivel sentimental sino también laboral, por ejemplo.
Claro. Sobre cualquier abuso de poder. Al final, siempre se blanquean todos los comportamientos de este tipo. En todas las empresas hay esta gente y nunca nadie dice nada porque da miedo. Creo que está guay que la haya escrito porque es una realidad que nadie puede negar. No estoy diciendo nada explícito, habla de una dinámica.
«Cuando tú te sales de tu círculo de diez personas de confianza, te das cuenta de que la homofobia existe en cada familia, en cada espacio de trabajo, en la calle y en todo»
Estamos en pleno mes del Orgullo y hace justo un año del asesinato de Samuel, un hecho que está claro que no es aislado y que desafortunadamente es la punta del iceberg de mil agresiones que sufrimos desde el colectivo a diario. Mientras tanto, ves cómo las empresas ponen su bandera en el escaparate y después la quitan. ¿Qué opinas de todo este sinsentido cruel y absurdo?
Para empezar, creo que necesitamos una renovación generacional de la hostia. Porque cuando tú te sales de tu círculo de diez personas de confianza, te das cuenta de que la homofobia existe en cada familia, en cada espacio de trabajo, en la calle y en todo. Y eso es algo que es así. Yo tampoco estoy de acuerdo con el hecho de que ahora las empresas digan: “¡Mes del Orgullo!”. Es como, vale, pero lo que realmente deberías hacer es mirar si en tu plantilla hay algún homófobo que está tratando mal a alguien. Está bien visibilizar y está bien que esté todo lleno de gays por todos lados, pero no hay que perder el foco. No es una cosa de decoración, es una lucha constante y algo serio. No creo que se debiera comercializar tanto la causa. Y si la quieres comercializar, asegúrate de que tu empresa representa 100% los valores de lo que estás defendiendo.
Tienes una agenda llena de festivales para el verano. ¿Qué podemos esperar de este nuevo directo? ¿Seguirás con tu banda?
Voy a seguir con mi banda porque ahora mismo son lo mejor que tengo en mi vida. Somos unas amigas que flipas, somos como familia. Tocamos súper a gusto juntas y tenemos ya un montón de dinámica entre nosotras, es nuestro tercer año tocando juntas. Nos lo pasamos genial. Al final, lo más importante es estar rodeada de gente que aprecies y con la que estés a gusto. No me plantearía cambiar la banda porque estamos genial y mientras ellas puedan seguir tocando conmigo por disponibilidad… El día que se tenga que cambiar no pasará nada pero me dará mucha pena.
Tengo muchas ganas de los conciertos. Se agradece cambiar de repertorio, es muy agradecido el directo. Mucho más dinámico, yo me lo paso genial. Solamente he cantado las canciones nuevas en tres conciertos y ha sido como un soplo de aire fresco. Además, veo a la gente en los conciertos y veo que les gusta, ¿sabes? Y luego te vienen, incluso padres y madres, gente mucho más mayor que yo, que te dicen: “¡Me encanta!”. Recibo mensajes de madres diciéndome: “¿Cómo puede ser que estés escribiendo sobre algo que yo estoy sintiendo si tengo muchos más años que tú?”. Es súper fuerte.
«Tengo la música de club muy dentro en la cabeza, la electrónica pero sensible y emocional tipo Fred Again o The Blaze»
Y ahora que ya has dado a luz a tu hijo, ¿qué es lo próximo que te gustaría alcanzar en tu carrera? Dicen que el segundo álbum es incluso más difícil que el primero…
¿Sabes qué pasa? Que ahora tengo tantos frentes abiertos… Creo que el siguiente álbum va a ser un poco el mismo concepto a nivel pluralidad de géneros. Nunca me voy a poder ceñir a una sola cosa. Ahora tengo la música de club muy dentro en la cabeza, la electrónica pero sensible y emocional tipo Fred Again o The Blaze. Mira, se me ponen los pelos de punta (risas). Es música que a mí me ha encantado siempre, siempre he tenido muchas ganas de explorar y tengo ahí la espinita súper clavada. No sé si hacer un EP de ese tipo de música. Porque, por otro lado, también tengo una idea de hacer algo bastante más clásico en plan bossanovero o antiguo. Tengo muchas referencias de música francesa. Me apetece hacer mucho un disco de Navidad, también (risas). En plan Frank Sinatra, de los años 50.
Te quieres marcar un Lady Gaga, vamos.
¡Literal! Ella hace country, hace popazo, hace electrónica, hace jazz… Tiene mil caras. Esa tía es un referente desde que soy enana, precisamente por eso. Creo que yo tampoco me ciño a una sola cosa porque me parece que un artista que es capaz de renovarse y de cambiar a lo largo del tiempo es más interesante. Cuando vas pudiendo adoptar diferentes pieles y aun así todo el mundo te reconoce por lo que eres es muy guay. Así no vas a parar nunca de sorprender y te hace súper digno como artista. Está muy bien hacer siempre lo mismo pero a mí, poder ir cambiando de forma, me atrae mucho más.
Seguimos sin saber nada sobre la reubicación de la residencia de Adele en Las Vegas, ni tampoco sobre nuevo single alguno de ’30’.
Pero al menos Adele ha dado señales de vida para darnos buenas noticias sobre los dos conciertos que aguardan en Hyde Park, Londres, la semana que viene. Adele ha anunciado una serie de artistas invitadas que van desde sus favoritas de siempre como Gabrielle a artistas recientes como Kacey Musgraves.
El cartel, compuesto solo por mujeres, se completa con talentos tan interesantes como Self Esteem, Nilüfer Yanya, Mahalia, Chrissi, Bonnie Kemplay, Ruti, Tamzene y Tiana Major9. Se desconoce si cada cual hará su set, con lo cual el público se enfrentará a 10 conciertos, algunas solo actuarán solo un día o algunas realizarán tan sólo un dúo con la cantante durante su set.
Entre las novedades de este viernes que os presentamos en «Ready for the Weekend», destaca ‘Carolina’, lo nuevo de Taylor Swift. Se trata de su aportación a la banda sonora de ‘Where The Crawdads Sing’, la película inspirada en la novela del mismo nombre, en España conocida como ‘La chica salvaje’.
‘Carolina’ es abiertamente un descarte de ‘folklore‘, como muestra incluso la holgazana portada del single (¿no había retales de otra cosa?). Sin embargo, lo parece más por el tono de la canción que por su calidad; de hecho, es nuestra «Canción del Día» hoy.
Estamos ante una de las composiciones más sombrías de Taylor Swift, pues muestra una gravedad que asociamos más a cantautoras como Marianne Faithfull. Y más a la Marianne Faithfull de los últimos años, que hemos escuchado en álbumes como ‘Before the Poison’ que a la de su clásico ‘Broken English’.
Novela y película tratan la historia de una niña de 6 años abandonada que ha de sobrevivir por su cuenta y ‘Carolina’ -que se refiere a North Carolina- aprovecha esa leyenda para plantear con gran extrañeza «perdida nací, sola llegué y sola siempre estaré». Después, refiriéndose al estado, indica: «Carolina sabe por qué durante años he vagado / libre como los pájaros, ligera como un susurro / Carolina lo sabe».
Aunque los seguidores de Taylor comparan este tema con ‘Safe & Sound’ de ‘Los juegos del hambre’, lo cierto es que ni en aquella había sonado tan intrigante. ‘Carolina’ es una de esas bandas sonoras capaces de llevarte a las salas de cine a ver una película, de tanto que llaman la atención sobre el argumento; y seguramente una de las que crecen también al salir de ellas.
Taylor Swift describe la composición así, como nos comunica Universal España: «Hace aproximadamente un año y medio escribí una canción sobre una historia increíble, la historia de una chica que siempre vivió fuera, mirando hacia dentro. En sentido figurado y literal. La yuxtaposición de su soledad e independencia. Su anhelo y su quietud. Su curiosidad y su miedo, todo enredado. Su persistente dulzura… y la traición del mundo hacia ella. Lo escribí sola en medio de la noche y luego Aaron Dessner y yo trabajamos meticulosamente en un sonido que sentimos que sería auténtico para el momento en que esta historia tiene lugar. Pedí el deseo de que algún día lo escucharan 🥺».
Añade: «‘Where The Crawdads Sing’ es un libro en el que me perdí por completo cuando lo leí hace años. En cuanto me enteré de que se estaba preparando una película protagonizada por la increíble @daisyedgarjones y producida por @reesewitherspoon, supe que quería formar parte de ella desde el punto de vista musical. Escribí la canción en solitario y le pedí a mi amigo Aaron Dessner que la produjera. Quería crear algo inquietante y etéreo que estuviera a la altura de esta hipnótica historia».
Ionna Lee ha acudido esta semana a Twitter para notificar que revistas musicales como Rolling Stone o Loud and Quiet ya no cubren su trabajo. No les culpo: cada semana salen tantos discos nuevos que es imposible abarcarlos todos. Tampoco la culpo a ella: iamamiwhoami -su proyecto audiovisual junto a Claes Björklund- ha sido uno de los grupos de synth-pop nórdico más queridos de la última década. Hoy, ya solo sus fans parecen acordarse de él.
Pero Lee tampoco lo ha puesto fácil: el primer single de ‘Be Here Soon’, el primer álbum de iamamiwhoami en ocho años, era ‘don’t wait for me’, una balada bonita, pero no histórica, más bien modesta, que no saca demasiado provecho de su (posible) inspiración en ‘The World Spins’ de Julee Cruise. No deja demasiada huella, y lo mismo se puede decir de todo el álbum.
‘Be Here Soon’ representa el regreso de iamamiwhoami en un contexto vital muy diferente al de antaño. Él ha sido padre, ella esperaba un bebé cuando el dúo se reunió, y las canciones de ‘Be Here Soon’ hablan de los cambios psicológicos y físicos a los que se ha enfrentado Lee durante la composición del álbum. Cambios que también se reflejan musicalmente en un trabajo que ya no se centra en el sonido de los sintetizadores. Aquí no hay ni remotamente nada parecido a ‘play’ o ‘Fountain’. Más bien, ‘Be Here Soon’ rebaja intensidad y apuesta por un estilo próximo al soft-rock por el que asoman pinceladas de jazz, folk o ambient. Suena tan orgánico que a duras penas parece del mismo grupo.
El «cambio» es patente no solo en un tema que directamente se titula ‘Changes’ y que es el mejor single de todos, con sus referencias a «avanzar cada vez más lejos» y a «permanecer unidos con los nuestros como miel en la piel desnuda». Otro de los temas lleva el nombre de ‘canyon’, contiene coros bucólicos que remiten a Fleetwood Mac y cuenta con la colaboración del cantautor Lars Winnerbäck. De la parte instrumental de ‘Be Here Soon’ emergen paisajes tan bellos como los de ‘flying or falling’, que aúna guitarras acústicas, coros celestiales y percusiones tipo tabla; o ‘zeven’, en el que la música precisamente parece avanzar libre.
‘Bere Here Soon’ es un álbum de folk-pop que presenta instrumentales muy cuidados y bonitos. Lamentablemente, las canciones no resultan tan cautivadoras. Y no solo porque ‘thunder lightning’, escuchada hoy, solo pueda recordar a… ‘Solar Power’. Ionna Lee sigue siendo una vocalista con mucho enigma pero, salvo unas pocas excepciones, como ‘changes’, las melodías de ‘Be Here Soon’ no están especialmente inspiradas. Canciones como ‘i tenacious’ o la pianística ‘a thousand years’ se hacen especialmente pesadas. Es una pena porque el cambio a un sonido más orgánico sienta bien a iamamiwhoami, pero ‘Be Here Soon’ no ese gran disco de «comeback» que podría haber sido.
«Ay, la nostalgia. Otra vez la nostalgia», decía ‘Mixtape‘, aquella improbable canción de Delafé con La Bien Querida. En el primer concierto del ciclo Tomavistas Extra, que ofrecerá un programa doble cada noche en Madrid de aquí y hasta el 1 de julio, Delafé y Las Flores Azules celebraban -sin «Facto»- el 20º aniversario de su formación, con Delaporte como algo más que «teloneros».
Lo de «Las Flores Azules», sobre todo, era un llamamiento a la nostalgia pura y dura, aprovechando la circunstancia de que las canciones de la banda ya eran nostálgicas desde antes incluso de salir al mercado. Cosas como ‘Mar el poder del mar’ -con su fraseo «Siento lo mismo por ti»- y ‘Enero en la playa’ -con su referencia a la costa catalana y al Tour de Francia- funcionaron en su momento por su carácter contemplativo. Por lo bien que nos venían para mirar el paisaje tras la ventanilla de un viaje decisivo. Ahora las llamaríamos intensas con cierto tono condescendiente, pero lo cierto es que se viralizaron en los 2000 a modo de sleeper y conservan su encanto también hoy revisitadas, quizá porque una nueva generación ha alertado de la necesidad de exteriorizar emociones y sentimientos, por cursis que suenen.
Delafé y las Flores Azules las presentan con un grupo de 7 personas, a destacar 3 músicos a los metales («Las Trompetas de la Muerte»), con un sonido perfecto y la entrega del público incluso a composiciones que parecían olvidadas como ‘1984’ o ‘Lo más bonito del mundo’, de diferentes etapas y formaciones de la banda.
Los bailes tipo moonwalk de Oscar D’aniello y su entrega constante siguen ahí, toda la banda se conserva de muy buen ver, manteniendo la energía de antaño y transmitiéndosela por tanto al público. A ello se suma la reincorporación de Helena Miquel, aportando todo su encanto con brilli-brilli y tutú al que era el primer concierto de Delafé en Madrid en 7 años. Su voz es aguda y aparentemente débil, pero suena alta y clara, clave en muchos puntos del show, como se ve en los primeros minutos en ‘Como loco’ y ‘La Juani’.
Una voz que estuvo a punto de jugarle una mala pasada, pues al final de ‘Intento’ tuvo a bien ahogarse en un ataque de tos, que la banda decidió no ocultar sino narrar en un agónico «minuto a minuto» que el público animó con generosidad. «¿Cómo te encuentras, de 0 a 10?», le preguntó Óscar a micro abierto. «Un 5», respondió Helena honestamente hacia mitad del concierto.
Al final, Helena remontó sobre todo después del obligado corte para los bises. Volvieron a interpretar ‘Intento’ para desquitarse, aunque el daño ya estaba hecho: Delafé y Las Flores Azules habían ofrecido un concierto precioso y tierno, que recordó que la banda nunca enfrentó términos como buenrollista, reconfortante, bonito o ñoño. Y es que hay tantos momentos tan infantiles en el repertorio de Delafé, como ‘La primavera’, como producciones que suenan ahora mejor en su adaptación al directo que en su momento en estudio. Algo que seguro que tiene algo que ver con el hecho de que ‘AQUÍ AHORA‘, su nueva canción de este año, pueda situarse ya entre lo mejor de su setlist. 8,5.
Delaporte inauguraron el ciclo Tomavistas Extra junto a Delafé y las Flores Azules, como teloneros o parte del programa doble que se extenderá hasta finales de la semana que viene con nombres como Los Planetas con El Último Vecino (1 de julio) o Él mató a un policía motorizado con Cala Vento (30 de junio).
Sea como sea, lo de Delaporte tuvo entidad propia: este no fue el clásico teloneo al que nadie atiende. En sus primeros momentos pareció una sesión de DJ en la que el grupo iba a pinchar éxitos propios y ajenos a modo de calentamiento para la reunión de Delafé, pero no fue eso exactamente.
Sandra y Sergio aparecieron sobre el escenario pinchando un liviano popurrí de temas propios durante un par de minutos hasta que ella agarró el micro para interpretar unas líneas de ‘Toro’ de El Columpio Asesino, canción que han versionado recientemente. Con ella y una serie de beats salvajes, bastante más duros de lo que ofrecen en el estudio, el público se vino arriba tan pronto como a las ocho de la tarde y pese a que Sandra comentó que era una pena que no se vieran las luces que tenían preparadas porque todavía era de día.
Cuando precisamente pensabas que ibas a presenciar una sesión de DJ con algún fraseado por encima, un batería y una corista frente a un teclado se sumaron para interpretar algunas canciones de Delaporte en modo «live» propiamente dicho. Prescindiendo de voces pregrabadas o sampleándose en vivo, Sandra dio empaque con su preciosa voz a temazos como ‘Clap Clap’, ‘Droga Dura’, ‘Ni un beso’ o ‘Un jardín’, sin por ello dejar de intercalarlas con clásicos populares.
Por allí sonaron ‘La gasolina’, mezclada con su versión de ‘Cariñito’, de lo más coreado de la noche; y también The Prodigy, destacando especialmente el mash-up entre ‘Sorry’ y ‘Hung Up’ de Madonna con la excelente ‘Narciso’ de su propio repertorio. Un fiestón aupado por la versión bakala de ‘El volcán’ o la furia contenida en ‘Bang Bang’ que esperamos ver de madrugada en todo festival de este verano, la hora a la que pertenece. Hay un macarreo muy Madrid en este live/sesión que igual aparta a Delaporte de escenarios finos tipo Sónar («¡sois la pollaaaa!», «¡quedan 3 canciones y nos vamos!», «¡quedan 2 canciones y nos vamos!»), pero en el 99% de eventos restantes son más que necesarios. 8,5.
Hoy 24 de junio salen los nuevos discos de Soccer Mommy, MUNA, Damien Jurado, Zola Jesus, Regina Spektor, GiveOn, Lupe Fiasco, pablopablo, Weezer (un EP), Madonna (remezclas)… e incluimos muestras de todos ellos en Ready for the Weekend, nuestra playlist de novedades semanales, que cuenta con 5.700 suscritos.
Una playlist encabezada por singles tan destacados como lo nuevo de Beyoncé, ‘BREAK MY SOUL’, ya un éxito; lo nuevo de Taylor Swift para una banda sonora y lo nuevo de Christine and the Queens.
Estos últimos días han presentado nuevos singles Gorillaz, Mura Masa, Paolo Nutini, The Mars Volta y Alex G, y a todos ellos se han sumado esta medianoche Meghan Trainor, Self Esteem, The Kooks, Willow, Ms Nina, Eminem, Imagine Dragons y un larguísimo y cada vez más inabarcable etcétera. Entre las curiosidades del día, Avril Lavigne ha versionado ‘Hello’ de Adele.
En España hay temas de Sen Senra, Valverdina, ODDLIQUOR, lusillón con Ganges, dani, Menta, Lori Meyers, K!ngdom, Hnos Munoz y Las Dianas, con su versión de ’No controles’ lanzada con motivo del Orgullo. Por su parte, Eterna Juventut han versionado ‘Mejor’ de Los Brincos. Ralphie Choo, rusowsky, PEDRAXE, mori y Clutchill se unen en ‘VALENTINO’.
Son solo algunas de las 100 novedades que os seleccionamos hoy y que puedes oír en Spotify.
Madonna publica hoy la versión “reductive” de su recopilatorio ‘Finally Enough Love’, que se completa con un triple CD y séxtuple vinilo con 50 números 1 en las listas dance en agosto, en torno a su cumpleaños.
Para terminar de desconcertar al mundo con su máxima “nunca haré lo que la sociedad espera que haga”, Madonna ha actuado esta noche en el Orgullo neoyorquino para presentar unos remixes que NO vienen en este disco.
Se trata de los remixes de viejos éxitos que se rumoreaba que estaba grabando con gente tipo Katy Perry, quizá cara a sus reediciones en Warner. Madonna ha presentado en este evento ‘Hung Up’ en una nueva versión con Tokischa (esto era, pues lo que tramaban), al tiempo que se ha morreado con ella un largo rato -nada que ver con el piquito a Britney y Aguilera-, porque «las amigas que se besan son la mejor compañía».
También se ha presentado una nueva versión de ‘Material Girl’ con Saucy Santana tras la viralización de la original en TikTok. En este caso se trata de una producción totalmente diferente a la original, con un par de elementos de aquella, adaptados en plan hyperpop. Se desconoce cuándo tales canciones aparecerán en las plataformas de streaming, si de manera inminente, dentro de meses o nunca.
Según Setlist.fm, han sonado también ‘Music’, ‘Holiday’, ‘Ray of Light’, ‘Frozen (Remix)’ y ‘Vogue’, aunque más a modo de performance de los bailarines. En esta última ha aparecido el icónico Jose Xtravaganza del vídeo de ‘Vogue’ original. Madonna se ha unido al final para ‘Celebration’ en un evento que según los primeros vídeos parece tan marcado por el playback como por el hedonismo propio de un Orgullo.
María del Monte ha ofrecido un pregón en el Orgullo Gay de Sevilla, que muchos medios están interpretando como su salida del armario, pues allí se ha identificado como «una más de los congregados». Décadas después de aquellas icónicas fotos en que se la vio paseando de la mano con Isabel Pantoja («nada tienen de especial…»), María del Monte ha dado la sorpresa a los 60 años, revelando que lleva 23 de ellos con pareja.
En un momento del discurso, ha indicado: «Por mí me da igual, lo que no quiero es que la gente a la que quiero sufra. Quiero que sepáis antes de bajarme de aquí que soy una persona más de todos los que estamos aquí y… de todos los que forman parte del mundo y que por supuesto, mi pareja esta tarde, esta noche está aquí. Hoy empecé hablando de libertad y voy a respetar su libertad. Sé que está aquí, si quiere subir que suba y si no, que no».
La cantante ha explicado, como recoge la Cadena SER, que si no ha dado antes este paso es para «proteger a su familia»: «¿Qué pensáis, que soy un robot, como he dicho en alguna ocasión, que yo no he formado mi familia? Por supuesto que tengo al amor de mi vida, he tenido la suerte de dar con el amor de mi vida. Tengo familia y llevo 23 años protegiéndola. He empezado hablando de libertad y voy a respetar su libertad».
Shygirl ha sido uno de los nombres destacados de la electrónica internacional, en un espacio inclasificable entre el R&B, el hip hop, el electro, el hyperpop, etcétera. Reluciente en canciones de su EP ‘Alias’ de 2020 como ‘Freak’ o ‘Tasty’, la artista publica un debut llamado ‘Nymph’ presentado por multitud de singles. Está ‘Firefly’ y está ‘Come for Me‘ que ha sido su colaboración con Arca, no tan identificativa de una amalgama de producciones diversas, justo con la variedad y la impredictibilidad como verdadero nexo común.
Me reúno con Shygirl dos meses antes de salir el disco en un hotel cerca de Atocha en Madrid, en una sala de calor sofocante en la que ella, como británica, dice estar encantada. La artista está de un humor excelente, es una locomotora a todo trapo en el sentido de que no para de hablar, hasta el punto de que en un momento tengo que hacer una broma sobre su hiperactividad. Su verborrea imparable denota un torrente de ideas muy perceptible en los giros de su música («me aburro, si no»), pero también lo que se come la cabeza a cada paso que da, y lo determinada que es en cuanto a las ideas que quiere ejecutar.
Lo que más me gusta de Shygirl es que cualquier cosa puede pasar al escuchar tu música. ¿Es el disco así?
Este álbum es una presentación de Shygirl, es inesperado, no es un disco tan ansioso. Tengo esa seguridad, me gusta todo lo que he hecho hasta ahora, pero hay cosas que necesitaban su espacio. Me gusta mezclar cosas, me gustan las canciones más bailables, pero a veces necesitas parar el ritmo para echar eso de menos, y hay cosas más melódicas. Quiero ser capaz de que la gente se ponga mi discografía y nunca quiten la música: que hagan el viaje conmigo. Hay vibraciones de música de club, me encanta que ahora mismo hay muchas artistas femeninas en ese rollo.
¿El disco es fiel a un solo estilo?
Cada canción tiene su propia vibración, y existe por su propia cuenta, pero luego se complementan. Son canciones sobre mi presente. Mi tono de voz ha cambiado a lo largo del proceso de grabación, pero mantienes la sensación de seguir conmigo, de estar conociendo mi perspectiva, cómo me introduzco en diferentes tipos de sonido. Trabajar con gente tan buena ha ayudado. Sega (Bodega) ha producido conmigo, y hemos dado muchas vueltas al tracklist. Me decía cosas como: «libérate de esta canción, ¿la necesitas?». Me ha ayudado a ser más sólida con mis decisiones. La calidad de control es buena, y eso es lo que hace al disco tan sólido. Cuando haces una canción, te encanta y eres indulgente contigo misma. A veces necesitas que alguien te diga que esa magia no va a durar para siempre. En la mezcla te preguntas «¿esto es bueno? ¿esto es bueno?». Soy muy perfeccionista, pero tener un buen álbum no es que todo sea perfecto en él, es más importante tener algo que decir, estar pensando en la perfección no es siempre lo mejor.
¿Tienes confianza en ti misma?
Tengo confianza en la autoría de canciones, pero la presión de la gente está ahí, lo cual es bueno porque me hace buscar en mi interior qué es lo que quiero. Me da energía para buscarlo, quiero estar segura de lo que hago para poder estar orgullosa delante de la gente. La autoría de canciones es lo más importante, en cuanto a lo que quiero decir. A veces me dicen: «¿de qué mensaje hablas? ¡esta canción se llama ‘Nike’!» (risas) Pero incluso ahí quiero decir algo, o ser divertida. Es como un diario. Quiero estar orgullosa, incluso cuando estoy haciendo una canción súper accesible, quiero tener algo inteligente que decir. La música es sobre una experiencia, tiene que tener un gusto, es una forma de arte, así que tiene que tener una calidad técnica. Ya hice ‘Alias’ y al volver a trabajar en el estudio intentas no cometer los mismos errores, voy a decir lo que quiero porque sé lo que quiero. Por eso la mezcla ha sido un proceso tan largo.
Hablando de ser accesible, ¿crees que ‘Firefly’ lo es?
Creo que sí. Depende del contexto. Si no sabías que soy una artista queer, si simplemente estás escuchando la radio, te parecerá una cosa. Y si la comparas con ‘Slime’ del disco anterior, esto no es demasiado loco. ‘Firefly’ viene de un lugar experimental, estoy cogiendo cosas de ciertos sitios, pero aun así suena familiar. Hay una familiaridad en ciertos aspectos, pero es diferente. Intento no ser pretenciosa. Me encantan las listas de éxitos pero cuando hago música, intento hacer algo que no sea demasiado fácil.
¿Qué tipo de música pop escuchas?
Me encanta Mabel, la oigo todo el rato. Nos hemos conocido hace poco, es encantadora. Me encanta la música. No soy pretenciosa, cuando algo me hace sentir algo me gusta y ya está. Lo que odio de la música experimental es el esnobismo. Hay fans que han estado conmigo desde el principio y hay cierto tipo de comentarios sobre cosas que echan de menos de ‘Alias’ o ‘Cruel Practice’. Hay cosas melódicas de cuando empecé con ‘Cruel Practice’ que aún están ahí. Hay cosas que dejé abiertas en el primer EP, ‘Cruel Practice’, por las que no quise seguir cuando hice ‘Alias’. El primer EP era más emocional, y luego me preocupé más de la parte sónica. Ahora vuelvo con el disco, he madurado, y es una reflexión sobre quién soy. Es una cápsula de tiempo de la industria, de lo que hago, de la audiencia. Todavía me gusta ‘Cruel Practice’, pero el formato álbum es diferente, nunca lo había trabajado. Había hecho un EP. Aquí tenía un concepto, quería que fuera como un viaje. Me siento muy orgullosa.
«Lo que odio de la música experimental es el esnobismo»
Has mencionado ‘Nike’, que contiene techno, hip hop, electro. También hay un tema llamado ‘Coochie (Bedtime Story)’, muy onírico. ¿Te parece el sonido de 2022, este en el que parece que todo cabe dentro de una canción?
Hay muchas cosas, si no, me aburro. Es como cuando escuchabas a Missy Elliott, no sabías adónde iba a ir con su canción. Me gusta el hip hop con elementos de club dentro, la música jamaicana… hay muchos sitios de donde la gente coge la inspiración, hablo de mis influencias todo el rato, son parte de una conversación. Has escuchado mucha música pop y coges cosas de diferentes lados.
Has hablado de colaboraciones, pero no hay featurings en el disco, propiamente dichos, ¿no?
No hay featurings. Ha sido muy natural, cuando pienso en colaboraciones vocales, suelen traer su propia vibración. Pero quería que este disco fuera mi voz. Las colaboraciones que hay están intentando encajar en mi mensaje. Es todo sobre mí. El modo en que me aproximo a un featuring es diferente. Hay colaboraciones en ‘Wildfire’ o ‘Coochie’. En ‘Schlut’ hay alguien cantando el «hook». Pero yo ya he construido el tono de la canción antes al hacer el primer verso. Todo es sobre esa sensación. No necesito que aparezcan nombres.
¿’Schlut’ es sobre feminismo?
No, la verdad es que no. La gente ve el feminismo y la ideología en las cosas que hago. Pero yo simplemente existo. Si cuento algo que me ha pasado en mi canción, es porque lo necesito, es algo que me ha pasado, en esta canción por ejemplo, tener un pensamiento despreocupado. Tengo un pensamiento, me siento mal y escribo la canción para mí misma, para obtener una pieza que hable de mí. Mi mirada está puesta en buscar lo que quiero. Mis sesiones se desarrollan muy conscientes de que en el fondo soy una rapera, pero no quiero ser solo una rapera.
«Es importante mostrar de dónde vienes y tener una visibilidad, porque puedes inspirar a alguien»
¿Y la parte queer que has mencionado?
En ‘Coochie’ hablo sobre feminidad, creo que es importante tener visibilidad, es importante que haya diversidad. Hay más de una manera de ser queer o de ser un ser humano. No veo la relevancia de mostrar la formación de mi identidad en particular, pero sí me he dado cuenta de que es importante mostrar de dónde vienes y tener una visibilidad, porque puedes inspirar a alguien. La gente se inspira al ver a alguien con quien tienes una afinidad. Creo que es importante tener esa libertad.
¿Vamos a voguear con tu disco, como con el de Jessie Ware, por ejemplo?
Es un disco de poner en el coche y que te lleva a sitios. Hay momentos… puedes voguear, puedes tener esa energía, pero también hay canciones más tristes. Quería que fuera la banda sonora de mi vida. Es como mi ‘Ray of Light’, me encantaba ‘Nothing Really Matters’. Madonna es una inspiración brutal para mí. Puedes hacer música dance y experimental, me gusta la música de los primeros 90, pero también hacer algo más profundo. Quiero una carrera larga, elegir con quién hacerla. Necesito esta parte de la historia.
«Este disco es como mi ‘Ray of Light'»
Creo que he visto a Madonna bailando una canción tuya en Instagram. La que tienes con FKA twigs.
Sí, sí, es que soy muy amiga de su hija. Iba a tocar en el Orgullo de Nueva York, en su parte, pero es que ya estaba contratada para tocar en otro lado. Ha sido tan raro… Nunca he idolatrado a nadie, así que es raro tener a su vez a gente que me idolatra porque soy una persona normal. No soy una persona buena todo el rato y eso está bien. No he conocido a Madonna todavía, pero sí por ejemplo a Róisín Murphy. Es interesante, no sé, quizá es diferente entre los actores que entre los músicos. No tenemos ese tipo de relación. La única persona que creo que me impondría sería Kanye, sería muy interesante. Me gustaría saber qué pasa dentro de esa cabeza.
Hay una temática en el disco, ¿es más triste de lo que esperamos?
Es muy emocional, el modo en que me aproximo a mis emociones es bastante complejo. Es muy honesto. No soy una persona triste, no diría que es triste. Es como ‘Firefly’, que hay tristeza pero no es en absoluto una canción triste. Hay luminosidad y esperanza, entre elementos oscuros. Es sobre mi realidad, con elementos como la mitología en torno a la existencia. Como la idea de sentirse atraído por algo, lo divino, sobre qué es ser femenina, qué es ser vulnerable, qué es moderno en ese sentido. Qué ha cambiado en mi existencia.
«Me ofrecieron otra canción de Lady Gaga, pero yo pedí remezclar ‘Sour Candy'»
Remezclaste a Lady Gaga, ¿cómo fue el proceso?
No la conocí personalmente. Se hizo a través de BloodPop. Me ofrecieron otra canción pero yo pedí ‘Sour Candy’. ¡’Sour Candy’ era la mejor canción para mí! (risas) Me encantaba, pero pensé que no terminaba de ir del todo donde tenía que ir. Parecía como un aperitivo. Nunca había hecho un remix y decidí trabajarla con Mura Masa porque hemos hecho muchísima mucha música juntos, me entiende muy bien y tiene un enorme control de calidad en cuanto a sonido. Hay gente que piensa que Sour Candy era un poco «cheesy», pero a mí es que me encanta esa música, es el tipo de música que pongo cuando pincho. Es muy yo (risas).
Meghan Trainor ha revelado cuándo llegará su sexto álbum de estudio, titulado ‘Takin’ It Back’, y ha enseñado su portada llena de color. ‘Takin’ It Back’ llegará a nuestros oídos el próximo 21 de octubre. Este disco significa el siguiente paso en la carrera de Trainor tras ‘A Very Trainor Christmas’ y ‘Treat Myself’, ambos en 2020. La portada muestra a la cantante estadounidense vestida con un estampado de flores en un decorado que se asemeja a una casa de muñecas de juguete.
Trainor también ha anunciado la salida del primer single del álbum para este viernes 24 de junio. La canción se llama ‘Bad For Me’ y colabora en ella Teddy Swims. Se trata de una balada de tintes góspel que recuerda a su faceta más clásica e inspirada en los 50 y 60, como cuando la conocimos.
Al igual que con el disco, el arte de la portada también se ha revelado, en el cual podemos ver a Meghan en un precioso vestido verde con un paisaje bucólico de fondo.
Parecía mentira que Chanel volviera a ‘Malinche’ tras quedar 3ª en Eurovisión, pero parece que así será. Hoy mismo Anne Igartiburu comentaba en RTVE que la cantante está realizando los ensayos del musical, que según nota de prensa «podrá disfrutarse» a partir del 15 de septiembre en Madrid. Finalmente y como se anunció hace unos meses, el musical no será en el espacio inicialmente cedido por la Comunidad de Madrid que iba a tener forma de pirámide azteca, sino en IFEMA. Las localidades para el 15 de septiembre están agotadas, pero aún pueden conseguirse para el resto de sesiones.
Al tiempo que el programa que inventó la expresión «Hola, Corazones» nos daba esta actualización del estado de las cosas en la carrera de la intérprete de ‘SloMo‘, se comunica que Nacho Cano será uno de los artistas que van a participar en el 30º aniversario de Cadena 100 este mismo sábado 25 de junio en el Estadio Wanda Metropolitano. El integrante de Mecano, que hace unos años encabezaba Sonorama y también ha actuado hace poco en Nochevieja en la Puerta del Sol, interpretará «junto al elenco de ‘Malinche’ las canciones ‘Vivimos siempre juntos’ y ‘Destino México mágico’», este último el single de promoción de ‘Malinche’.
La nota de prensa jamás llega a mencionar a Chanel, pero sí se distribuye una galería de imágenes para la prensa en las que aparece ella. JENESAISPOP ha podido saber tras preguntar al equipo de prensa correspondiente que Chanel «lamentablemente no podrá estar, aunque el resto del elenco sí» en el evento de Cadena 100. Sin embargo, nos cuentan que sí continúa vinculada al proyecto.
Dicha nota recuerda que «esta presentación será para calentar motores de cara al estreno de MALINCHE y un abreboca de esta historia que, aunque basada en hechos históricos, es una obra original con 100% música inédita de Nacho Cano». Versa sobre «el nacimiento del mestizaje, a través de la historia de amor entre La Malinche y Hernán Cortés durante la conquista de América», no sin haber despertado numerosas polémicas sobre la veracidad en el repaso de la historia de México.
El pasado mes de mayo Nacho Cano decía en El Hormiguero que había dado una tregua a Chanel en el desarrollo de su contrato para poder ir a Eurovisión: «Es que ella, con quien realmente tiene contrato, es conmigo (…) Lo que pasa es que me dijo lo que pasaba y a todos los artistas que tengo conmigo, si veo que pueden darle un subidón a su carrera, lo llevo haciendo muchos años, se lo doy».
Mallorca Live celebra su primera edición d.p. (después de la pandemia) este fin de semana. Los días 24, 25 y 26 de junio, el público del festival mallorquín presenciará en vivo los directos de artistas tan aclamados como Christina Aguilera, Muse, C. Tangana o Rigoberta Bandini, los cuales conforman uno de los carteles más potentes y completos que ha dejado la etapa festivalera en 2022.
El público opina lo mismo a tenor de las cifras que Mallorca Live dejará a su finalización. Se esperan 75.000 asistencias este año al festival, esto es, más del doble que en 2019, que cerró con 33.500 asistencias. Es cierto que este año se ha sumado una tercera jornada, pero también que la cifra actual no solo dobla la anterior sino que suma 8.000 personas más. Repasando el cartel, no es de extrañar.
Christina Aguilera
El proyecto latino de Christina Aguilera traerá a la cantante a España por primera vez en dos décadas. Será una de las pocas oportunidades de que el público español escuche en directo por fin clásicos como ‘Dirrty’, ‘Genie in a Bottle’ o ‘Beautiful’ además de, por supuesto, los temas de sus EPs ‘La Fuerza‘ y ‘La Tormenta‘. El siguiente podrá incluir colaboración con el artista que comentamos a continuación.
C. Tangana
Nadie se explica por qué ‘Lloras por na’, la colaboración de Christina Aguilera y C. Tangana que se filtró hace meses, todavía no ha visto la luz de manera oficial. Seguro que a Pucho no le quita el sueño cuando los conciertos de ‘El Madrileño‘ están arrasando. Tras su paso por el Sónar, en Mallorca Live volveremos a encontrarnos con su apasionante sobremesa llena de estrellas, flamenco y copas por doquier. Una «latin opera» como pocas se han visto, pues además se desarrolla en formato película.
Muse
Cualquiera que haya visto a Muse en directo sabe que el grupo presenta uno de los shows de rock más espectaculares que se pueden ver en la actualidad. Nos morimos de ganas de averiguar qué locura han ideado Matt Bellamy y los suyos para desplegar en vivo las canciones de su nuevo disco, ‘Will of the People’, que sale en agosto. Con que sea un poco más original que ese single titular que suena calcado a Marilyn Manson, seguro nos conquista.
Rigoberta Bandini
No es por hacer spoiler pero, si ‘Ay mamá’ no es la canción del año, ¿cuál es? Rigoberta Bandini ha protagonizado el «breakthrough» musical del año en España, y lo ha hecho especialmente gracias a su gran himno presentado en Benidorm Fest, pero también a otros como ‘Perra’ o ‘Too Many Drugs’ que han ido conquistando al público poco a poco, hasta ganárselo por completo. Su show en vivo tiene, además, un componente de humor, y no cabe duda que poca gente en Mallorca Live se lo piensa perder.
Jamie xx
Jamie xx ha sido una de las últimas incorporaciones al cartel de Mallorca Live tras las bajas de Peggy Gou y Ela Minus. El integrante de The xx sigue ofreciendo una de las sesiones de electrónica bailable más sofisticadas y con mejor gusto que se pueden ver en la actualidad, y producciones tan colosales como ‘Gosh’ o ‘Loud Places’ no han perdido un ápice de su magia y poder.
Franz Ferdinand
Son muchos los artistas y grupos que emprenden giras en las que repasan sus grandes éxitos, pero Franz Ferdinand precisamente acaban de publicar un recopilatorio en el que, además de clásicos como ‘Take Me Out’ o ‘Do You Wanna’, se incluyen temas nuevos tan certeros como ‘Curious’, que, ojo, se encuentra entre sus 10 más escuchados en Spotify. A espera de que el tiempo lo ponga en su lugar, es seguro que los de Alex Kapranos ofrecerán uno de los shows más divertidos del festival.
Kase.O Jazz Magnetism
Si el concierto de Kase.O Jazz Magnetism iguala el nivel de diversión que alcanzó en SanSan Festival, al público le espera un pedazo de show. Cuando Javier Ibarra Ramos actúa sobre el escenario es tan difícil dejar de observar su manera tan natural, desenfadada y risueña de bailar o de interactuar con el público, como difícil es no escuchar atentamente cada una de las frases que rapea. Si no eres fan y no te sabes todas sus canciones de memoria, desearás serlo.
Justice
Otro de los cabezas de cartel de Mallorca Live es Justice. Pese a que su último álbum, ‘Woman’, no hizo demasiado ruido, el grupo de Gaspard Augé y Xavier de Rosnay sigue siendo uno de los mayores reclamos en cualquier festival gracias a sus potentes shows de electro, y también a hitazos que hoy solo podemos considerar inmortales como ‘D.A.N.C.E.’, ‘We Are Your Friends’ o ‘Genesis’. Hits que han trascendido la era del bloghouse y forman parte de la conciencia popular de cualquier festivalero o festivalera.
Sen Senra
Uno de los nuevos artistas nacionales que más lejos están llegando es claramente Sen Senra. Nadie imaginaba en los tiempos de sus primeros discos, guitarreros y cantados en inglés, que Cristian Senra se convertiría en tremendo ídolo de masas. Sin embargo, su personal voz y sus preciosas melodías, como las de ‘Globo’, ‘Perfecto’ o ‘Ya no te hago falta’, merecen toda la atención que reciban. Por cierto, se viene nuevo single, ‘Aroma’, que el gallego estrenó en vivo en el Primavera.
Metronomy
Pocos grupos representan mejor la expresión «por último, pero no por ello peor». Metronomy es absolutamente la MEJOR banda en directo que destacamos en este artículo. Puede que ‘Small World’ sea uno de sus discos más «pequeños» y modestos, pero el grupo de Joseph Mount saca toda su artillería pesada sobre el escenario para ofrecer un directo de pop electrónico vibrante, bailable y que quita el hipo.
Vau Boy y Keyblade son dos jóvenes creadores de nuestro país. El primero, nacido en Zaragoza y ahora instalado en Madrid, autodidacta desde pequeño, se ha inspirado en la electrónica europea, la estética de las raves e internet. Ha colaborado lo mismo con Cascada (!) que con Pipiolas y también ha realizado bandas sonoras con juegos de ritmo. En cuanto a Keyblade, cuenta con 6 millones de suscriptores en Youtube, y se define «más como un mastodonte del entretenimiento en internet que como un nerdcore rapper». Es graduado con Comunicación Audiovisual y tiene un poemario en ciernes.
Juntos han publicado este mismo mes un EP, tras varias colaboraciones como ‘Whoever’, que ronda el medio millón de streamings. El EP se llama ‘PLANETA CORAZÓN’ y lo presentan este viernes 24 de junio en el Maravillas Club de Madrid. Se trata de uno de los conciertos de la programación de Escenarios Vibra Mahou, que cada vez se abre a más estilos, y además en este caso les acompañará Jeidi Mel.
El EP de 4 canciones que Vau Boy y Keyblade han publicado este mes de junio viene encabezado por un tema llamado ‘Las chicas me ignoran’, muy gráfico desde su primera línea: «ya no sirve Tinder ni salir de copas (…) las chicas me ignoran». Es muy loable que la propia nota de prensa que los presenta alerte de sus «letras ñoñas y divertidas a partes iguales», muy consciente de que en el proyecto pasan tantas cosas que pueden permitirse el lujo de reírse de eso.
Y no me refiero a la cultura pop propia de la generación Z que emana de esta letra, como según ellos mismos apuntan «el meme de la gótica culona, Ramona Flowers o Pokémon». Es que, como presumen, Vau Boy y Keyblade le pegan lo mismo al tontipop que al reggaetón o al punk pop a lo largo de estas 4 nuevas canciones.
Si ‘Barbecho’ mete de repente un saxo, atención a ‘Mañana me pongo’, que no sabemos si es una producción de reggaetón realmente o una canción con la cadencia exacta de un hit de Chainsmokers… ¡o un tema de hyperpop! Seguramente le hayan pegado lo mismo a Pignoise que a SOPHIE, como parecen dejar caer en esos vídeos, sí, tan generación Z.
Alba Reche ha anunciado que su nuevo EP sale en septiembre. ‘honestamente triste’ es el título de este trabajo que saldrá un año después que ‘mi pequeña semilla’, el segundo álbum de Reche, que contenía colaboraciones con Fuel Fandango y Çantamarta. Su debut ‘Quimera‘ fue nominado a un Latin GRAMMY en la categoría de Mejor Ingeniería de Grabación.
De ‘honestamente triste’ se conocen dos adelantos, ambos producidos por ODDLIQUOR, uno de los mejores productores españoles en activo. ‘no cambies tu andar’ y ‘esa también fui yo (quiero acordarme)’ están relacionados por temática, ya que están dedicados a una Alba Reche del pasado que la Alba del presente se resiste a olvidar.
«Te cuido muy dentro, muy dentro de mí» es una de las frases que deja la rítmica ‘no cambies tu andar’, y Alba solo puede estar hablando de sí misma, de una versión esencial de ella a la que se aferra cuando siente «miedo a existir» y los días le «vienen grandes». En el tema, Alba reconoce que no le importa lo que piensen los demás de ella, pero que a veces los días le «cuestan». La frase «no cambies tu andar» -que le expresa su madre- viene a resumir el significado de la canción: pese a todo lo que pueda deparar la vida, Alba luchará por seguir siendo ella misma.
Por su parte, el título de ‘esa también fui yo (quiero acordarme)’ alude explícitamente a una versión pasada de Reche. Por la canción pasean recuerdos bonitos («mi padre me llama, las lluvias de san Juan / mi madre me busca como confidente, ahora sé por qué duele») y dolorosos («me forzaron a querer dentro de una habitación») y, en medio de ellos, Alba busca la paz. «Me costó mucho quererme aunque llevase la razón / pero me parece honesto decir que esa también fui yo» es la frase con que, acertadamente, concluye la atmosférica canción.
Ambos singles también están relacionados por sonido. Evidentemente, la creación de atmósferas vuelve a ser un interés para Alba Reche, y aunque ‘no cambies tu andar’ se fija en un beat electrónico, mientras «esa también fui yo» es ingrávida y se sostiene en atmósferas electrónicas y en el sonido de una guitarra acústica, a ambos tema les une una producción que no tiene nada de pasado, y mucho de presente.
Este fin de semana se celebra el regreso del Paraíso Festival a Madrid, en una edición de formato reducido (con un escenario menos) que debería servir de transición tras lo que parecía la desaparición del festival.
Ya os hablamos en un artículo especial sobre los 10 nombres imprescindibles de Paraíso Festival 2022, con revelaciones como Shygirl y Sofia Kourtesis junto a leyendas como Roman Flügel y artistas tan queridos por aquí como Baiuca. Lamentablemente, Moodymann ha tenido que cancelar su aparición debido a un accidente de coche del que se recupera; y TSHA también debido a la huelga ferroviaria. Les sustituye un b2b singular de Danilo Plessow y Marcellus Pittman y DJ Seinfeld. En este artículo realizamos 5 últimas recomendaciones de artistas para este fin de semana, incluyendo nuestra «Canción del Día» para hoy.
Crystal Murray
La francesa de 22 años Crystal Murray es una de las pequeñas grandes actuaciones recomendadas de este Paraíso Festival. En concreto la esperamos el viernes a partir de las 20 horas. Su estilo pulula entre el R&B, el house y el techno, recordando por timbre a valores como Amy Winehouse y por ritmos más bien a Moloko o Jessie Ware. Crystal Murray publicó el EP ‘I Was Wrong’ en 2020 en Because Music, el sello de Christina and the Queens, al que ha dado continuidad con otro de 10 pistas -dividido en 2 partes- llamado ‘Twisted Bases’.
El flow de la reciente ‘Too Much to Taste’, hoy «Canción del Día», es indudable. Se trata de una de esas canciones accesibles, sexys y hedonistas que nos hacen pensar inmediatamente en gente como Kelis. Su vídeo se desarrolla en una feria con sus coches de choque, sus atracciones, su tómbola y sus algodones de azúcar, como en metáfora de los bienes del amor y el sexo que nos vende la letra: «sigue los susurros que hago cuando estoy caliente, estarás aquí hasta por la mañana» o «mira mi cuerpo arder, sentir el amor». Aunque lo mejor es que ya sabíamos que el texto del tema «demasiado que saborear» ya iba por esos derroteros, desde antes de atenderlo. Os dejamos también con su sesión en COLORS para otro de sus temas, ‘BOSS’.
Delone
Delone es el proyecto de Andrés Téllez, un productor madrileño conocido por ser la mitad del dúo de DJs Dos Attack, así como por ser fundador del sello y tienda de vinilos de la capital Riverette. Su disco debut en solitario con este alias Delone, ‘Reset All to Default’, contiene la sensibilidad y emoción de los mejores Moderat en pistas como ‘Reset’ y atención también a su trabajo con Soul& en ‘Ode to Friendship’. Te gustará si te gustan Depeche Mode y GusGus. Actúa el viernes 24.
Rusowsky + Ralphie Choo
Dos de los talentos en música avanzada de nuestro país se reúnen en Paraíso Festival para ofrecer un show conjunto. De un lado, Rusowsky, a quien conocéis por producciones que van del bedroom pop al mainstream. Por otro, Ralphie Choo, conocido por su trabajo con gente como mori. Tiene todo el sentido esta reunión, pues ya nos conquistaron temas conjuntos tan bonitos como ‘Dolores’ o ‘Hugo Gloss’. La organización promete uno de esos shows con sorpresa, de los que se habla al día siguiente.
Chico Blanco
Tras su paso por el Sónar la semana pasada, Chico Blanco actuará en Paraíso Festival en Madrid, también el sábado 25, como el combo anterior. Será ocasión de volver a celebrar algunas de nuestras canciones favoritas de su repertorio, como ‘Gominola’, ‘Caramelo House’ o ‘El cole no es para siempre’, de ritmos house, desde mucho tiempo antes que Beyoncé se hiciera con ellos. Os recordamos que el artista tiene nuevo single, ‘tyy’.
Kamma & Masalo
Paraíso también es el lugar en el que ser testigo de algunos de los DJ’s que han pasado por salas de la capital como el Café Berlín o El Sótano, o las famosas Boiler Rooms que pueden seguirse a través de internet. Es el caso de los holandeses Kamma & Masalo, a los que define la «contagiosa sensación de felicidad que han inoculado en las pistas de medio mundo». Eso es algo que se aprecia por ejemplo en esta sesión de Youtube que compartimos y que incluye temas de Cerrone Yy el saxofonista africano Manu Dibango, joyas perdidas de música disco como ‘Am I Gonna Be The One’ de Colors, un tema completamente desconocido de 1983 o ‘Crisis’ de Rhetta Hughes, del mismo año. Canciones ni siquiera subidas a las plataformas de streaming de manera oficial o que cuentan con una cantidad irrisoria de reproducciones, lo cual se extiende hacia los tiempos del techno, el acid o incluso el EDM actual.
Paolo Nutini ha compartido con el mundo dos canciones nuevas, llamadas ‘Acid Eyes’ y ‘Petrified In Love’. Estos nuevos temas serán parte del cuarto álbum del artista británico, ‘Last Night In The Bittersweet’, el cual saldrá el próximo 1 de julio. Con las últimas dos adiciones, la lista de singles del próximo disco de Nutini asciende a cinco, teniendo en cuenta las ya lanzadas ‘Through The Echoes’, ‘Lose It’ y ‘Shine A Light’.’Last Night In The Bittersweet’ será el primer álbum de Nutini en ocho años, tras el lanzamiento de ‘Caustic Love’ en 2014.
En octubre, Paolo Nutini comenzará un tour por Europa tras ser cabeza de cartel en los festivales TRNSMT y Victorious este verano. El británico se pasará por España el 9 de septiembre. Más concretamente, por Málaga, como parte del Andalucia Big Festival. Esta es su única fecha en España.
Tracklist:
1. Afterneath
2. Radio
3. Through The Echoes
4. Acid Eyes
5. Stranded Words (Interlude)
6. Lose It
7. Petrified In Love
8. Everywhere
9. Abigail
10. Children Of The Stars
11. Heart Filled Up
12. Shine A Light
13. Desperation
14. Julianne
15. Take Me Take Mine
16. Writer
Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn, ha sacado nuevo single, titulado ‘Cracker Island’, con la colaboración del bajo funky de Thundercat. Este single es la primera canción de Gorillaz desde ‘Meanwhile EP’ y marca la siguiente etapa de la banda, la cual ha dejado claro que «un nuevo amanecer está llegando».
La banda formada por 2D, Murdoc, Noodle y Russel enseñó un trocito de la canción a principios de mes junto con el hashtag #thelastcult. Esto tiene más sentido ahora escuchando la letra de la canción, la cual habla de una «secta eterna». Conociendo a Gorillaz, seguramente el tema de la secta no sea literal y estén queriendo decir otra cosa, pero es muy pronto para adivinar el qué. 2D ha comentado sobre ‘Cracker Island’ en un comunicado de prensa que el tema «trae de vuelta recuerdos raros y terroríficos de cosas que aún no han ocurrido» y añade que «está bien estar de vuelta».
El último álbum de larga duración de Gorillaz fue ‘Song Machine, Season One: Strange Timez’, lanzado en 2020 y plagado de colaboraciones de artistas de diversos géneros, entre los que se encontraban Beck, Elton John, ScHoolboy Q, St. Vincent, slowthai y Peter Hook.
Cada vez que Mónica Naranjo habla de su salida de Sony, me dan ganas de meter un saco de palomitas en el microondas. Una historia fascinante, con sus altibajos y sus momentos de poca confianza en la artista y de mucha confianza, en los que ha habido de todo: el éxito descomunal de ‘Palabra de mujer’, el disco de ‘Chicas malas’ que tanto trauma le representó, aquella locura llamada ‘Europa’, aquella locura al cuadrado llamada ‘Lubna’… Estoy seguro de que las reuniones de artista y sello en torno a tan extravagantes lanzamientos daría para una serie de Netflix o, como mínimo, de Movistar+.
«No hemos funcionado y no pasa nada», resume ahora ella, mientras algunos nos frotamos los ojos, porque lo cierto es que el combo de discográfica y artista hizo funcionar hasta aquello que parecía imposible de arrancar. Que tire la primera piedra el que habría adivinado que un tributo a Mina se vendería tan bien, el que habría dicho que ‘Lubna’ sería uno de los álbumes más vendidos de su año en España, el que habría predicho al escuchar ‘Desátame’ que Mónica Naranjo estaría vendiendo canciones de sonido metal al público LGTB+ en 2022. Pero así es ella, de sin igual.
En todo caso, ‘Mimétika’ es su primer álbum para una distribuidora independiente como es Altafonte, que acoge, por poner un par de ejemplos, las autoediciones de Robe y de Zahara. No por casualidad, muchos de sus temas hablan precisamente de la autorrealización y de la libertat. La portada parece sumar varios pedazos de Mónica Naranjo porque ‘Mimétika’ representa la suma de las diversas mujeres que contiene dentro de sí, al mismo tiempo que todo lo que pasa por su «puta cabeza».
Muy decidido en su temática de empoderamiento, el disco se abre con ‘Eterna’, cuyo mensaje es: «Pequeña mía / No quieras ser tan sólo una mujer más / Vive y sé grande». ‘Lágrimas de un ángel’ pide que se abra el paso a «una diosa» y a «una reina». ‘Aire’ parece burlarse de un «mansplaining» («Me dijo: «Nena, estás de suerte, te vengo a ayudar»»). Y ‘Medusa’ es tan clara como esto: «Ya no voy a callar / Ya no voy a llorar / Ya no quiero una bendición / Ni tampoco pedir perdón».
La suma de varias Mónicas Naranjos, en verdad, se aprecia más en la variedad musical que en los textos. Las composiciones de Pepe Herrero, posteriormente redondeadas por Chris Gordon -los dos principales nombres que acompañan a la misma Mónica en los créditos- pueden ser literalmente cualquier cosa. Hay retazos de trip-hop orquestado en ‘Polvo vacío’, hay metal en ‘Medusa’, hay arreglos industriales en ‘Lágrimas de un ángel’, hay hasta algo parecido a un reggaetón en ‘Sherezade’, también influida por arreglos al Este del Mediterráneo.
En ese «todo vale», y en un mundo poblado de hyperpop y producciones mutantes desde SOPHIE a Bad Bunny con todo lo que cabe en medio, ‘Mimétika’ no es un disco tan osado ni rocambolesco después de todo. Lo inesperado de la rave de Mastodonte en ‘Polvo vacío’ -sin ser lo más elegante del disco, precisamente- se echa de menos en otros puntos del minutaje. Por otro lado, el single ‘Ey!’ recuerda demasiado melódicamente a ‘Ain’t No Mountain High Enough’ y a ‘Fame’, por no hablar de que, entre todas las personas en el mundo para hablar de la libertad, la elección del Bunbury post-pandemia devanea entre lo inexplicado y lo inexplicable.
Comprobado que tampoco ha llegado tan lejos fuera de Sony en el camino de la ida de olla ya total, y dados los discretos resultados artísticos y comerciales de ‘Ey!’, quizá lo más revolucionario que podría hacer Mónica Naranjo ahora mismo sería un disco de canciones normales, como las baladas a piano ‘Se acabó’ o ‘Dame alas’. Quizá es una impresión personal, quizá es que todavía no he superado que la adaptación de ‘Hoy no‘ no fuera un hit de enormes dimensiones.
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